Juventud Juché han tocado este verano en el FIB, en Bilbao BBK Live, en el Low Festival y un largo etcétera. En todos los casos los hemos destacado entre lo mejor de la jornada o hemos contado lo jodido que ha sido abandonar su pedazo de show para acudir a otro con el que coincidían. Hace tiempo que la banda asentada en Madrid es una de las mejores en directo de todo el país, pero los que no hayáis tenido la suerte de verlos podéis descubrir el secreto de su éxito a través de este vídeo en vivo que estrena Jägermusic, el brazo musical de Jägermeister, que trabaja únicamente con bandas emergentes. Frente a la multitud del Festival de les Arts de Valencia el pasado 9 de junio, el grupo interpretaba su pepinazo ‘Niebla’, uno de los que presentaban el formidable segundo disco de Juventud Juché, ‘Movimientos‘. Su estribillo «nunca has hecho nada por mí», gritado con toda la rabia que cabe en el cuerpo de Javier Molina, se pega desde la primera escucha, pero la sección rítmica -siempre apabullante- y los detallistas teclados de Julián Goicoa (por cierto guitarrista de Disco Las Palmeras!) son los que terminan de llevar el tema a otro lugar, mientras el público lo da todo entre botes y pogos. No os lo perdáis.
Por qué Juventud Juché son caballo ganador de todos los festivales
Anthony de Red Hot Chili Peppers presume de cuerpazo de camino a la disco en ‘Go Robot’
Red Hot Chili Peppers ha publicado este año uno de sus mejores singles, ‘Dark Necessities’, aunque no uno de sus mejores discos, un ‘The Getaway’, un trabajo que, con sus buenos momentos y a pesar de haber sido producido por el implacable Danger Mouse, nos ha sabido a poco. El grupo venía de un disco algo peor, ‘I’m with You’, pero no ha terminado de redimirse por completo con ‘The Getaway’.
Uno de los temas destacados del álbum era el bailable ‘Go Robot’, un número disco rockero sobre sexo desencantado, inhumano (de ahí lo de «hazlo como un robot») y frío para el que el grupo ha estrenado hoy un videoclip dirigido por Tota Lee (¿quién eres, Tota Lee?) e inspirado en ‘Fiebre del sábado noche’, hasta el punto que ha sido rodado en las mismas ubicaciones que la famosa película de John Badham. El vídeo retrata a Anthony Kiedis, líder del grupo, semi desnudo y totalmente pintado de blanco de camino a la discoteca, donde baila con su media naranja (o blanca). Una metáfora visual de ese espíritu sexual robótico al que el grupo alude en esta canción.
Kiedis, y el resto de la banda, presumía también de cuerpazo en su reciente aparición en ‘Carpool Karaoke’, el famoso programa de James Corden en el que artistas hacen karaoke en su coche.
Os recordamos que Red Hot Chili Peppers actúa en Barcelona y Madrid este otoño. Será el 27 de septiembre en el Barclaycard Center de Madrid y el 1 de octubre en el Palau Sant Jordi de Barcelona.
Shia LaBeouf se ha tatuado dos retratos de Missy Elliott sin ser fan de Missy Elliott
Desde Praga, el actor Shia LaBeouf ha concedido una entrevista a Variety en la que ha hablado sobre varios asuntos relacionados con su carrera y vida personal. LaBeouf, al que veíamos no hace tanto en un videoclip de Sia, ha hablado sobre su trabajo en ‘American Honey’, la nueva película de Andrea Arnold, por cuya interpretación ha recibido algunas de las mejores críticas de su carrera; o sobre su adicción al alcohol, que ha superado gracias a Alcohólicos Anónimos. También ha hablado sobre el director Steven Spielberg y no para bien, pues LaBeouf le considera más una empresa que un director, lamenta que trabajar con él no le ha dejado crecer como actor y confiesa que la única película que ha hecho con Spielberg que le gusta es la primera de ‘Transformers’.
De manera curiosa, ahondando en su trabajo en ‘American Honey’, que se estrena el 30 de septiembre en Estados Unidos, LaBeouf ha asegurado que Arnold organizó un viaje por varios estados con el reparto del grupo para que sus miembros se conocieran y conectaran y eso se reflejara en la película. El actor ha recordado que una de las cosas que solía hacer con su nuevo grupo de amigos era ir a un local de tatuajes para tatuarse algo. Como era de esperar, LaBeouf se ha tatuado alguna que otra locura, como dos retratos de Missy Elliott en sus rodillas… sin ser él nada de eso. «No soy tan fan de Missy Elliott como para llevarla tatuada pero, ya sabes, presión de grupo», ha indicado el actor. No te avergüences de tu decisión, Shia, cualquier cosa vale para reivindicar a la gran Missy.
Un Black Keys produce el nuevo disco de Pretenders
Pretenders, o lo que queda de Pretenders, esto es, su cantante Chrissie Hynde, ha anunciado nuevo disco, ‘Alone’, para el próximo 21 de octubre. Es el décimo álbum de estudio de Pretenders y el primero desde 2008, cuando el grupo editó ‘Break Up the Concrete’. Lo ha producido Dan Auerbach de The Black Keys en su estudio de Nashville.
El elenco de músicos que ha participado en el proyecto no es nada desdeñable. En él encontramos a Dave Roe, que ha tocado con Johnny Cash y Loretta Lynn; a Russ Pahl, guitarrista de Blake Shelton; y a Kenny Vaughan, guitarrista de Lana Del Rey, así como a Leon Michels, teclado; y Richard Swift, batería. Por su parte, Dan Auerbach ha producido varios de los discos más destacados de los últimos años, entre ellos, ‘Ultraviolence’ de Lana Del Rey, que fue top 2 en nuestra lista de mejores discos de 2014. La misma Hynde sacó disco en solitario aquel año, ‘Stockholm’.
Hynde se enfrenta a uno de los discos más difíciles de su carrera tras la polémica que protagonizó el año pasado sobre la violación. La cantante, que sufrió una violación a los 21 años, defendía que parte de la culpa de que la violaran había sido suya. Sus comentarios incendiaron las redes sociales de críticas a la líder de Pretenders por perpetuar la idea de que las mujeres tienen la culpa de ser violadas.
El primer adelanto del álbum es ‘Holy Commotion!’, de la que percibirás el sonido The Black Keys al instante. Con ella y su pegadizo estribillo instrumental os dejamos:
Rocco no vivirá con Madonna
Termina la pesadilla personal de Madonna. Rocco, su hijo de 16 años, finalmente seguirá viviendo con su padre, el director Guy Ritchie, y no con la cantante en Londres, según ha dictaminado esta semana el jurado de Nueva York tras meses de incertidumbre. Madonna y Ritchie llevan peleando por la custodia de Rocco desde el pasado mes de diciembre, cuando el joven ignoró la orden judicial que le obligaba a regresar a casa de Madonna en Nueva York para seguir viviendo con Ritchie.
La relación entre Madonna y Rocco parece haber mejorado sustancialmente en los últimos meses. De hecho, Madonna y su familia han pasado el verano en África y Cuba, donde han celebrado el cumpleaños de Rocco, que fue el pasado 11 de agosto. Además, Rocco aparece junto a su madre en el último número de la revista británica LOVE, algo que hubiera parecido improbable hace unos meses, cuando Rocco publicaba en Instagram que era un «hijo de puta», en clara alusión a Madonna.
Por su parte, Madonna disfruta de sus vacaciones alejada de los focos tras su aparición en los Billboard Music Award del pasado mes de mayo, donde homenajeó al fallecido Prince junto a Stevie Wonder para disgusto de los premios BET. A espera de que se confirme que trabaja en nuevo material, os recordamos nuestro artículo sobre las canciones fracasadas de Madonna que hubieron de ser hits.
Francis White no quiere cantar sobre «lo mal que las izquierdas van a gobernar»
El cantautor Francis White, al que recordarás por un disco homónimo que contenía el single ‘Calipso’, con el que acumula más de 200.000 escuchas en Spotify, está de regreso. En breve publicará un nuevo disco autoeditado de siete canciones, que ha producido Suso Sáiz. Ahora conocemos un adelanto.
Menos rockero y bailable, mucho más intimista, ‘En las afueras’ es un tema introspectivo y costumbrista de figuras siniestras («animales muertos en la carretera») y tristonas («las luces de Madrid brillan con fuerza / en el fondo me da igual / vivo en las afueras»), cuya cumbre llega, pesimista, hacia el final: «prefiero morir ahogado aquí a tener que volver a hablar con Sebastián / de si el socorrista es sintoísta o musulmán de las bolsas amarillas para reciclar / de lo mal que las izquierdas van a gobernar». El vídeo guionizado por el propio Francis White contiene el mismo componente trágico -en este caso también escatológico- hablando de muerte y locura.
Esta es la introducción del propio Francis: «Como os habréis dado cuenta viendo el título del single, las letras del nuevo disco las he escrito en castellano. No quiero extenderme demasiado sobre el porqué del disco, las canciones, letras, etc, sin que antes esté estrenado y al alcance de vuestros oídos, pero será algo grande y hermoso… nuevo material, colores, sonidos, palabras y mensajes que espero poder compartir pronto con el mundo».
‘Omega’, Blur, los Stooges y los antiguos bailarines de Madonna, entre los protagonistas de In-Edit
El festival de documentales musicales Beefeater In-Edit vuelve a celebrarse en Barcelona el 27 de octubre al 6 de noviembre, y también como desde hace un par de años en Madrid, en este caso del 3 al 6 de noviembre. Esta vez se podrán ver obras sobre Morente, Blur, The Stooges, Yo-Yo Ma, el Austin City Limits, la música contemporánea en África, Ben Webster y Dexter Gordon o el house en Irán, como avanza la nota de prensa.
Beefeater In-Edit celebrará los 40 años del punk con una programación especial, conferencia con el realizador, DJ, músico y periodista londinense Don Letts y master classes; y también se anuncian novedades como La Cantina In-Edit (un Pop-Up Bar), las primeras actividades paralelas, o la publicación del libro ‘In-Edit. Made in Barcelona’.
Los documentales que servirán para inaugurar y clausurar el Festival son ‘Omega’, el documental de José Sánchez-Montes y Gervasio Iglesias sobre el disco de Enrique Morente, y ‘Gimme Danger’, el documental de Jim Jarmusch sobre los Stooges.
La nota de prensa también confirma ‘A Poem is a Naked Person’ de Les Blank, ‘A song for you: The Austin City Limits Story’ de Keith Maitland, ‘Blur: New World Towers’ de Sam Wrench, ‘Cool Cats’ de Janus Koster-Rasmussen, ‘Breaking Monster’ de Luke Meyer, ‘Gary Numan: Android in La La Land’ de Steve Read y Rob Alexander, ‘I am Thor’ de Ryan Wise, ‘Imagine Waking up Tomorrow and All Music has Disappeared’ de Stefan Schwietert, ‘Melody of Noise’ de Gika gsell, ‘Strike a Pose’ de Ester Gould y Reijer Zwaan (sobre el destino de antiguos bailarines de Madonna), ‘The Music of Strangers: Yo-Yo Ma and the Silk Road Ensemble’ de Morgan Neville, ‘The Sad and Beautiful World of Sparklehorse’ de Alex Crowton y Bobby Dass, ‘Raving Iran’ de Susanne Regina Meures y ‘Fonko’ de Göran Olsson, Lamin Daniel Jadama y Lars Lovén. Las últimas forman parte de la nueva sección ‘La mirada de Etnia Barcelona’.
Caliza y Màquina Total hermanan la electrónica retro de Madrid y Barcelona
Como cada año, La Fonoteca promueve un intercambio artístico entre Madrid y Barcelona que lleva el nombre de la histórica vía aérea que une ambas ciudades. Se concreta en la serie Puente Aérero, split single en el que dos o más bandas de ambas ciudades, que habitualmente comparten influencias y/o estética, unen sus canciones. En la edición 2016, la número 4, los proyectos que confluyen son Caliza y Màquina Total. Caliza es el proyecto personal de Elisa Pérez (una música recurrente en la escena madrileña, miembro de Rusos Blancos y Cosmen Adelaida), que el año pasado publicara el fantástico ‘Medianoche / Mediodía‘. Màquina Total es la expresión musical del reputado realizador Virgili Jubero, que en esa faceta ha trabajado con Najwa, Ellos, El Columpio Asesino, Russian Red, Fangoria y hasta la británica Foxes. Ambos comparten gusto por una electrónica que se nutre de tiempos pasados, pero adaptados a su personalidad y vivencia personal.
En el nuevo Puente Aéreo Caliza aporta dos inéditos, ‘Break Free’ y ‘La torre’, la primera bastante más luminosa que su primer material y con presencia de una guitarra eléctrica; y la segunda, más sombría y reconocible en su estilo. Màquina Total, por su parte, aporta una ‘Estàtua’ que se mira en el electropop clásico de The Human League y herederos como Neon Indian, mientras que ‘Palmeres i megatron’ respira unos efluvios más tropicales. La edición es un 7″ con una bonita portada de la ilustradora Mirena Ossorno, creadora del recomendable volumen ‘Sensación de vivir’, muy en sintonía con la estética de ambas propuestas musicales. La tirada es limitada a 200 copias y puede adquirirse ya en la web de La Fonoteca.
Además, La Fonoteca Barcelona celebrará próximamente sus 5 años de existencia con una fiesta que se celebrará los días 4 y 5 de noviembre en la Sala Almo2bar de la Ciudad Condal. Contará con las actuaciones de Doble Pletina, Las Ruinas, Hazte Lapón, Mujeres, Gúdar y Sierra. Toda la info, aquí.
Dan Deacon te levanta de la silla en ‘Change Your Life (You Can Do It)’
El gran Dan Deacon, inventor del future-shock o algo así, sacaba un nuevo álbum el año pasado, ‘Gliss Riffer‘. Ha estado de gira, pasando por lugares como el FIB, y en los últimos tiempos ha presentado una canción en vivo, cerrando sus conciertos, que es una de las mejores piezas de su carrera por su carácter optimista: no hay quien no se venga arriba con este ‘Change Your Life (You Can Do It). Esta es la historia del tema:
«A finales del 2015, un buen amigo, Dave Hughes, me preguntó por la posibilidad de hacer una canción para su programa de año nuevo “Off the Air”. El concepto del programa era algo así como “el nuevo presente”, que no pudo llegar en un mejor momento ya que me encontraba en un momento de mierda, deprimido y confuso. Esta canción me ayudó a entender que estaba en un periodo de transición y que tenía que mirar hacia adelante. Esta composición representa eso a través de los sonidos sintéticos y las frases simples: una intención de mirar seguir el camino, y volver a estar motivado».
El lanzamiento del single suelto viene acompañado de un vídeo con imágenes en directo. La alegría del público asistente refuerza las intenciones del tema, pero la mejor manera de disfrutarlo es simplemente con su audio.
Angel Olsen / My Woman
Poderoso título el del tercer álbum largo de Angel Olsen: ‘My Woman’. Tras un par de escuchas atentas, parece obvio que es un disco aún más personal, si cabe, que el gran ‘Burn Your Fire For No Witness’ y que “su mujer” no es otra que ella misma. Esta nueva obra, por petulante que suene, parece un homenaje a sí misma como artista y ser humano, que no duda en esbozar en él sus propios anhelos y, sobre todo, sus contradicciones. No es casual que la secuencia esté claramente estructurada para una cassette o un vinilo, en dos caras muy diferenciadas.
La A, con sus cinco primeros temas, concentra su faceta más uptempo. Tras la sinuosa ‘Intern’, que muestra a una Angel seductora, envuelta en el misterio de unos sintes muy Lynchianos (en este álbum ha vuelto a componer al piano, su primer instrumento), encontramos a esa cantautora infalible tanto en ecos de doo-wop (‘Never Be Mine’) como de grunge (‘Shut Up Kiss Me’, la primera GRAN canción del disco). Y, también, a la que sabe conjugar ambos palos en uno a las mil maravillas (‘Give It Up’).
En la B, por contra, encontramos a la Olsen más taciturna y melancólica. También, la más esquiva y experimental. Así, podemos escucharla aunar dub y blues a lo Mazzy Star en ‘Heart Shaped Face’, encandilar con el soul susurrado de ‘Those Were The Days’ o madurar una larga y bluesy jam en ‘Woman’. También en «esta cara» se incluye ‘Sister’, una canción de amor y añoranza a una hermana imaginaria. Pese a ser la pequeña de ocho hermanos, Olsen fue adoptada a una corta edad, y ese tema, sin duda el más hermoso del álbum y también uno de los más poderosos de toda su carrera, parece reflejar el sueño de tener y conocer a una hermana carnal. Su letra es la más explícita y bonita, en un sentido clásico, de su carrera. Su música, que arranca como una torch-song para ir transitando terrenos propios de Fleetwood Mac y hasta Neil Young (en su espectacular solo de guitarra), estremece y emociona a idéntico nivel.
Pese a que no le agrada especialmente que se la interpele por un asunto tan íntimo, es obvio que la ausencia de su familia biológica es un tema recurrente en sus canciones. Si en ‘BYFFNW’ dirigía a su madre la terrible ‘White Fire’, aquí parece poner en boca de su padre biológico la letra de ‘Pops’, una canción interpretada por ella en solitario al piano, cargada de emoción. Bajo ese prisma, escucharíamos a su padre chantajearla emocionalmente en la actualidad. “Coge mi corazón y escóndetelo en la manga, desgárralo para que puedan corearlo (…) cariño, no olvides, no olvides que es una canción. Yo seré lo que viva en tu sueño cuando se haya acabado”.
Si bien el sonido de ‘Intern’ y el hecho de que en esta ocasión haya sustituido como productor a John Congleton por Justin Raisen (habitual de Charli XCX, Sky Ferreira o Santigold, curiosamente) podían hacer prever una (r)evolución sonora, el cambio que ofrece ‘My Woman’ es bastante sutil, sumando la solidez de su rodada banda de directo y la intervención de teclados. Donde mayor progresión se percibe es en la composición. Resulta obvio que la autora folkie de ‘Strange Cacti’ o ‘Half Way Home’ parece mucho más lejana que apenas 4 o 5 años. Y, sobre todo, hay una evolución notable en sus letras.
Angel juega en ellas, como decía al principio, a exponer las contradicciones propias de un/a amante desesperado/a hasta lo inquietante (“No voy a colgar esta vez, no voy a rendirme esta noche. (…) Si te parece que no me ves alrededor, da otro vistazo” -‘Shut Up Kiss Me’-), ansioso/a por que una persona le corresponda para después huir (‘Intern’), dibujando el enamoramiento como una dolorosa maldición (“el cielo me golpea cuando veo tu cara” -‘Never Be Mine’; “Cuando estás a mi lado, una parte de mi muere” -‘Give It Up’-). Quizá, en esa dicotomía sobre amor a otro y amor propio, el mensaje más poderoso esté en ‘Woman’: “Y podría respirar por ti / (…) / dime qué no podría hacer / dime que el amor no es verdad / te desafío a entender / lo que me convierte en mujer”. Una frase muy dramática, casi folclórica, que casi podemos imaginar en voz de una Rocío Jurado.
Su estructura, tan polarizada, hace que su asimilación y disfrute sean menos amables de lo que nos gustaría, pero indudablemente ‘My Woman’ es un sólido paso adelante de una artista que ya se aventura como una de las voces más personales e interesantes de nuestra era. Con apenas 29 años, continúa en pleno crecimiento.
Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Sister’, ‘Shut Up Kiss Me’, ‘Intern’, ‘Those Where The Days’, ‘Woman’.
Te gustará si te gustan: Cass McCombs, Sharon Van Etten, Mazzy Star.
Escúchalo: Spotify
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‘The Greatest’ de Sia: una canción fantástica y necesaria… ¿o demasiado formulaica?
Parte de la redacción evalúa el single de regreso de Sia.
«No puedo concebir ‘The Greatest’ de Sia sin su espectacular videoclip, uno de los mejores del año y, probablemente, el mejor trabajo de Maddie Ziegler hasta la fecha. El vídeo, efectivamente, es mejor que la canción (esa coreografía grupal final me seguirá poniendo los pelos de punta durante años), pero ‘The Greatest’ es una canción fantástica, un número de pop bombástico con un estribillo efectivo desde el segundo cero y un «fade out» de los que hacen que quieras volver a escuchar la canción todo el rato. Particularmente destacable, por otro lado, me parece la producción, mucho más refinada de a lo que Sia nos tiene acostumbrados. Un sí doble, canción y vídeo, para lo nuevo de Sia, que sigue sin decepcionar haciendo lo mismo de siempre. La fórmula ‘Chandelier’ sigue sin agotarse». JB.
«Si juzgáramos ‘The Greatest’ desde un punto de vista exclusivamente compositivo, es evidente que suena más a 2015 que a 2016 (aunque, visto lo visto con ‘Cheap Thrills’ y ‘Don’t let Me Down’, parece que lo último es vivir en el año anterior). Pero Sia parece tener muy clara esa fórmula matemática para crear temas pegadizos y en este caso la ha empleado muy bien. Por más que suene a otras cosas, resulta casi imposible escucharla y salir de ella sin tararearla. Ahora bien, cada vez el pop va tanto de lo accesorio como de lo estrictamente musical. Y, en ese sentido, ‘The Greatest’ es incluso más loable, por su mensaje de libertad y coraje poco escondido en su letra y, sobre todo, su vídeo, emotivo y cargado de simbolismo en recuerdo de las víctimas del colectivo LGTB+ del atentado de Orlando de hace unos meses. En este caso, además, estoy poco de acuerdo con la opinión generalizada y creo que el verso de Kendrick Lamar es más que necesario: es importante que un hombre afroamericano de éxito y respetado se moje en esta causa. Creo que es una intervención que hace bien en varias direcciones». Raúl Guillén.
«Después del inesperado éxito de ‘Chandelier’, después del inesperado éxito de ‘Elastic Heart’ y sobre todo después del inesperado éxito de ‘Cheap Thrills’, ni más ni menos que la canción del verano pese a haber sido lanzada el año pasado, parece que el lanzamiento de un nuevo single de Sia es una adivinanza sobre cuál será su techo comercial. Desde luego es lo más excitante que debatir sobre ella. ‘The Greatest’ contiene los elementos para convertirse en otro hit: el tropical house que tan bien le ha ido a ‘Cheap Thrills’ sobrevuela la canción, existe versión con y sin rapero (Kendrick Lamar, a la caza de su segundo número 1 tras lo bien que le fue con Taylor Swift) como en el caso de ‘Cheap Thrills’, los ganchos tipo «uh-oh» y «no-no-no» se acumulan y además en el vídeo aparecen 49 bailarines en homenaje a las 49 personas que murieron en la tragedia de Orlando (50 con el agresor). Sí, puede petar. Y sin embargo, desde el punto de vista artístico, uno se queda con las manos vacías para defenderlo. Demasiado formulaico y hasta un poco pasadillo tras… el inesperado éxito de ‘Work’«. Sebas E. Alonso.
Malasaña llora la muerte de Sonia del Amo, impulsora del Tupperware
Sonia del Amo ha muerto a los 46 años tras haber sido diagnosticada de cáncer hace poco tiempo. La madrileña había sido habitual del Agapo de la calle Madera a mediados de los 80, fundando una década después el mítico Tupperware junto a sus hermanas Eva, Cristina y Blanca. El bar ha sido uno de los más exitosos del underground madrileño durante las últimas dos décadas y todo habitual de Malasaña habrá disfrutado de su buena y variada música, habrá oído hablar de sus colas para entrar o como mínimo habrá vivido el barullo a sus puertas.
La noticia se ha conocido a través de la web Somos Malasaña, donde se publica una preciosa foto del mensaje de agradecimiento para Sonia que se ha dejado en la puerta del Tupper. El País dedica un emocionado obituario a del Amo, en el que hablan su amigo y ex director de PIAS España Gerardo Cartón, y en el que se sitúa el Tupper como puente entre la movida y el indie español (por fechas y relevancia desde luego lo es) y como lanzadera de sellos tan importantes para la historia del indie español como Subterfuge (Dover, Anni B Sweet, Corizonas) o Siesta (La Buena Vida, Pauline en la Playa). Entre sus luchas, impulsó la Asociación de Hosteleros de Malasaña y el regreso de las Fiestas del Dos de Mayo.
Entre los artistas y personalidades que están lamentando su pérdida en las redes sociales están Los Enemigos, César Strawberry de Def Con Dos, Nacho Ruiz de Nine Stories, Unax Ugalde o Carlos Galán de Subterfuge, entre otros.
Falleció Sonia del Amo. Un abrazo para toda su familia y amigos. pic.twitter.com/npMjvk66B0
— LosEnemigos(oficial) (@revueltaenemiga) September 7, 2016
Entre la tristeza y el desconcierto, Sonia del Amo nos deja un poso emocional inolvidable. https://t.co/nUn3qZ8nha
— César Strawberry (@CesarStrawberry) September 8, 2016
Todo mi cariño a la familia y allegados de Sonia del Amo. Yo también pasé por la cabina del Tupperware y me bebí mil birras allí.
— Nacho Ruiz (@Nine_Stories) September 8, 2016
Hasta Siempre Sonia!! Te vamos a echar mucho de menos, como Malasañero y amigo te despido con tremendo dolor. 😘😘😘 https://t.co/YrqAKKY9AU
— unax ugalde (@unaxugalde) September 7, 2016
Muchisima pena….Muere Sonia del Amo, impulsora desde el Tupperware de la noche indie madrileña https://t.co/9JyiF81zWX vía @somosmalasana
— Carlos Galan (@CarlosSubter) September 7, 2016
Frank Ocean estará entre lo más exitoso del año, Kanye no
‘Blonde’ de Frank Ocean es uno de los pocos lanzamientos de 2016 dignos de aparecer en positivo en nuestra columna «Hits and Flops«. A pesar de que el disco no ha sido editado en formato físico y a pesar de la exclusiva con Apple Music que ha supuesto que el largo fuera descargado ilegalmente más de 750.000 veces en seis días, sus números son bastante saludables.
Según Mediatraffic, lo nuevo de Frank Ocean ha vendido más de 300.000 unidades en todo el mundo en su primera semana. Aunque ahora sus ventas se estancarán debido a la ausencia de single de éxito, ya sólo esas 325.000 unidades durante los primeros días le garantizan que se acercará al millón de copias -si no lo supera con la ayuda de una edición física, próximos singles y vídeos y reconocimientos críticos y posibles premios- y por tanto estará entre los 40 discos más vendidos de 2016.
El principal responsable del éxito es Estados Unidos, donde se han vendido 232.000 copias en iTunes (más 44.000 en puntos de streaming que Mediatraffic no cuenta), pero también el disco ha sido top 1 en Reino Unido, Australia, Noruega, la parte flamenca de Bélgica y top 2 en Canadá.
Lo de Kanye West… es más complicado, pero lo seguro es que el cantante no está en su mejor momento de popularidad. Es tendencioso calificar de «flop» un álbum que no es que no se haya editado físicamente sino que ni siquiera se puede comprar en iTunes.
Sin embargo, sus números de streaming son buenos, pero tampoco espectaculares. No a la altura de un ego como el de Kanye West: quedan a años luz de los de Drake. Ahí van unos datos:
1.-En Reino Unido, el streaming de discos cuenta para la lista de álbumes y ‘The Life of Pablo’ nunca ha pasado del top 30.
2.-En Reino Unido, el streaming cuenta para la lista de singles y ningún single ha pasado del top 34 (‘Famous’).
3.-En Estados Unidos, el streaming cuenta para la lista de singles y ningún single ha pasado del top 33 (‘Famous’).
4.-En multitud de países europeos, el streaming cuenta para la lista de singles, pero ‘Famous’ no ha entrado en el top 100 en España, sólo ha sido top 128 en Francia, top 59 en Italia o top 55 en Holanda. ¿Qué diría la gente si estos fueran los datos de Swift, Gaga, Trainor?
5.-‘The Life of Pablo’ sí ha sido número 1 en Estados Unidos, pero las 28.000 unidades que se vendían del disco durante la primera semana a través de su web se convertían en 78 copias (!) durante la tercera semana.
6.-Según el foro UK Mix, sumando streamings y las ventas, en este caso testimoniales, ‘The Life of Pablo’ tendría 511.000 puntos en Estados Unidos. Sería disco de oro, sí, pero aun contando la trampa de sumar los streamings del single ‘Famous’, sería el primero de sus lanzamientos que se queda sin ser platino en Estados Unidos.
7.-Sus vídeos tampoco tienen un número de visitas realmente alto: ‘Famous’, pese a su enorme polémica y desnudos, cuenta con 17 millones de visitas en Youtube (Sia va a lograr esa cifra en 3 días con ‘The Greatest’). ‘Fade’ no ha reunido un millón en un día.
En resumen, no termina de haber descalabro, especialmente ‘Famous’ suma 127 millones de streamings en Spotify, pero tampoco cifras realmente impresionantes, más bien siguen la tendencia descendente que, desde el punto de vista comercial se inició con ‘Graduation’: los dos álbumes más exitosos de Kanye West y con diferencia, continúan siendo los dos primeros como podéis comprobar en Wikipedia.
Demasiado mareo entre «ahora no quiero un hit», «ahora sí», «ahora digo que no subo nada a Spotify», «ahora sí que subo vídeo a Youtube». Demasiada antipatía generada entre el público generalista.
Sia fue la sorpresa musical de la presentación de Apple
Sia ha sorprendido al mundo esta semana con un single de un nuevo disco. Bueno, igual no ha sido tal sorpresa, pues aunque nadie se acuerde, la cantante lleva más de un año diciendo que tenía dos discos listos: una era ‘This Is Acting‘, con descartes de otros artistas, y queda el otro, de composiciones pensadas para sí misma. El primer single de ese segundo disco nuevo es ‘The Greatest‘, presentado con un vídeo con el que ha querido rendir homenaje a las 49 víctimas fallecidas en una discoteca gay de Orlando. Lleva más de 12 millones de visualizaciones en Youtube en tan sólo dos días.
Aunque muchos esperaban a Lady Gaga por su presumible acuerdo con Apple Music y ese nuevo single que sale mañana, ha sido Sia, también a un lazo pegada, la sorpresa musical de la presentación de otoño de Apple (nuevo iPhone 7, etc), donde otros años lo eran U2 o The Weeknd.
Sia realizaba una presentación de ‘The Greatest’, como siempre oculta tras peluca y lazo gigantes, mientras un quinteto de bailarines replicaba las imágenes del vídeo. A continuación, no faltó una nueva presentación de ‘Chandelier’, también con la niña que nadie quiere que crezca a lo Marisol, Maddie Ziegler, que a finales de este mes cumplirá 13 años.
Thom Yorke, rey de los discos sorpresa, harto de los discos sorpresa
Radiohead viven un momento dulce tras la edición de ‘A Moon Shaped Pool‘. El álbum se acerca ya al millón de copias vendidas y es uno de los discos más vendidos del año en todo el mundo. Thom Yorke ha acudido a un programa de 3 horas en la BBC para charlar, presentar y poner música y allí ha dejado una serie de declaraciones interesantes: habrá actuaciones de Radiohead en 2017 (aunque de momento no saben de qué tipo), habrá nueva colaboración de Yorke con Burial y Four Tet (de momento sólo se ha dicho que la toma vocal es «muy oscura») y el cantante ha asegurado estar harto de los discos sorpresa. ¿Cómo?
Efectivamente. A pesar de que Radiohead no suelen optar por el lanzamiento tradicional desde hace unos años, en particular desde que ‘In Rainbows’ llegara a la red con precio a la carta en otoño de 2007, sin singles previos ni más aviso que unos días; a pesar de que el lanzamiento del disco de Yorke ‘Tomorrow’s Modern Boxes‘ fue totalmente sorpresa; como recoge Uproxx, Thom Yorke ahora dice cuando le preguntan por este álbum: «Basta. Ya he tenido suficiente. Simplemente sácalo, tío, no más runrún, simplemente sácalo. Me estoy haciendo viejo para esto. Desmerece otras cosas, y a veces es frustrante. La energía que se invierte en tratar de averiguar cómo hacerlo de una manera diferente y evadir a los monstruos… Como sea, como sea».
Radiohead han conquistado a crítica y público con ‘A Moon Shaped Pool’. En nuestro país lo presentaban en Primavera Sound, donde cierta falta de volumen, según la organización deliberada en favor de la claridad, impidió que su show llegara a las últimas filas como a las primeras.
Amy Schumer la lía recogiendo un premio de manos de Florence Welch
Como ya demostrara en otras ocasiones, la cómica Amy Schumer puede ser temible. Y anoche, en la entrega de premios de la edición británica de la revista GQ, volvió a demostrar el porqué. Además, todo sucedión en presencia de Florence Welch, conocida por su proyecto musical Florence + The Machine, que entregaba el premio a mujer del año otrogado por la revista masculina. Amy comenzó «alegrándose» del hecho de que por fin se celebre la hombría y agradeciendo el premio a la «humana» del año. Después, tranquilizaba a la organización asegurando que sería comedida en su discurso, teniendo en cuenta algunos antecedentes… Todo mentira.
Tras unos cuantos chistes muy de su estilo pero tolerables, llegó la traca final. Tras explicar que cuando se recogen premios se suele mentir para caer bien, ella aseguró que diría toda la verdad: «Patrick Stewart [Nde: veterano actor británico de 76 años que recientemente ha alcanzado mayor renombre por sus papeles en las sagas de ‘X Men’ y ‘Star Trek’] se ha corrido en mis tetas más veces de las que puede recordar». A partir de ahí, la cosa se sale de madre, aludiendo a Michael Caine, al razonamiento que lleva a recibir una corrida en las tetas y con una cita a Ana Frank. Y Florence, que se había pasado la mitad del discurso tratando de mantener el decoro pero sin poder evitar partirse de risa, ya no pudo contenerse más.
Por cierto, por si alguien se lo pregunta, a Patrick Stewart no se tomó demasiado mal la broma de las corridas, como demuestra este selfie subido a Instagram por la propia Amy.
M.I.A. presenta la versión final de ‘Foreign Friend’
Apenas a un par de días de la publicación de ‘AIM’, el nuevo álbum de M.I.A., ella sigue promocionando fuertemente el lanzamiento. Anoche, en el programa del locutor británico Zane Lowe en Beats 1, la artista británica realizó una entrevista para hablar del álbum y, de paso, presentar otra de las canciones que estarán incluidas en el disco que ve la luz este próximo viernes. Se trata de ‘Foreign Friend’, una canción que, si recordais, ya pudimos escuchar en una versión primigenia hace meses, cuando mostró aquella demo llamada ‘MIA Ola‘. En su versión final, tal y como se incluye en ‘AIM’, el tema cuenta con la colaboración del cantante jamaicano Dexta Taps, cuya voz cambia sustancialmente la canción.
Con este ya conocemos hasta 5 cortes distintos, casi la mitad, de la edición estándar disco. Primero pudimos escuchar ‘Borders‘, en aquel vídeo tan poderoso que dedicaba al drama de los refugiados; más tarde, desesperada por la inacción de su compañía, ella misma filtró ‘Finally‘; luego ‘Go Off‘, el que se considera el verdadero primer single del disco, producido por Skrillex; más tarde, ‘Bird Song‘, que cuenta con dos versiones diferentes, entre ellas una con Diplo que NO será la incluida en el álbum; y, por último, el tema compuesto junto a Zayn Malik de One Direction, ‘Freedun‘. La larga espera, en cualquier caso, casi ha terminado.
La Oreja de Van Gogh anuncian single de regreso
Algo pasaba con… La Oreja de Van Gogh, que no sabíamos nada de ellos, pero en la pasada primavera descubrimos que ya estaban grabando el que será su próximo elepé. Un álbum que, tras una amplia gira por Norteamérica, ya está a la vuelta de la esquina. El grupo donostiarra acaba de dar a conocer la portada y el título del que será su primer single. Se titula algo tan loco como ‘Verano’. ¿Dónde han quedado aquellos ‘La niña que llora en tus fiestas’? ¿Dónde ‘El primer día del resto de tu vida’? ¿Dónde? En fin. El grupo también ha mostrado la portada del single, una imagen en la que la silueta de una niña sujeta un manojo de globos que no son globos sino amapolas. ¿Sabíais que España es el segundo productor mundial de amapolas, que se usan para la fabricación de opiáceos? En realidad da igual, porque probablemente LODVG hayan elegido esta flor porque el clavel era demasiado cañí y la rosa demasiado cursi.
Como sea, ya estamos deseando escuchar la nueva canción de este grupo que posee una amplísima colección de hits para pasar un par de horas coreando sin parar. Como parecía, el séptimo álbum del grupo, sucesor del exitoso ‘Cometas por el cielo‘, saldrá en el peleado Q4 y algo nos dice que podremos escuchar ‘Verano’ este mismo viernes, compitiendo nada menos que con Lady Gaga el single se estrena el día 16 de septiembre. Si hace 5 años se hicieron un Dover, ¿qué podemos esperar ahora?
‘We Will Rock You’ es la canción más pegadiza de la historia
En España la Investigación y el Desarrollo brilla por su ausencia gracias a dramáticos recortes en la inversión. Pero en países como Escocia la merma parece mucho menor y dedican recursos para llegar a conclusiones del calado de esta: ‘We Will rock You’, el himno de Queen, es la canción más pegadiza de la historia. Según NME, así lo determinan científicos de la Universidad de St. Andrews, cuyo departamento de Estudios Filosóficos, Antropológicos y Fílmicos ha desarrollado una fórmula matemática para desentrañar qué es lo que hace que una canción sea pegadiza.
El investigador Bede Williams afirma que una canción pegadiza posee 5 componentes fundamentales: sorpresa, predictibilidad, repetición rítmica, potencia melódica y receptividad (es decir, la sensación que la canción transmite al oyente). El estudio, finalmente, ha logrado determinar el factor de influencia de cada uno de estos aspectos y expresarlo en la siguiente fórmula:
Receptividad + (predictibilidad – sorpresa) + potencia melódica + (repetición rítmica x 1,5) = canción pegadiza
No nos termina de quedar claro bajo qué ciencia han determinado variables como «sorpresa» o «receptividad», pero el caso es que, basándose en esta fórmula, el estudio concluye con las que serían las 20 canciones más pegadizas de la historia. Como decíamos, está encabezada por la canción de Queen que abría su álbum de 1977 ‘News Of The World’. Nada casualmente, la siguiente canción de ese mismo álbum, ‘We Are The Champions’, está en el número 3. Y no es la única canción en la lista del grupo que comandó Freddie Mercury: ‘Bohemian Rhapsody’ ocupa el puesto número 6. El podio lo completa una canción bastante reciente, aquel ‘Happy’ de Pharrell Williams que hace un par de años sonaba por doquier. Lo cierto es que de aquí sale una playlist bastante apañada en la que conviven hitazos de Bon Jovi, Village People, Mark Ronson, Journey o Rick Astley, que lo mismo lo peta en un festival que en un bautizo. Eso sí, si es en Navidad, tanto mejor.
1) Queen – ‘We Will Rock You’
2) Pharrell Williams – ‘Happy’
3) Queen – ‘We Are The Champions’
4) The Proclaimers – ‘I’m Gonna Be (500 Miles)’
5) The Village People – ‘YMCA’
6) Queen – ‘Bohemian Rhapsody’
7) Europe – ‘The Final Countdown’
8) Bon Jovi – ‘Livin’ On A Prayer’
9) James Pierpoint – ‘Jingle Bells’
10) Baha Men – ‘Who Let The Dogs Out?’
11) Psy – ‘Gangnam Style’
12) Rick Astley – ‘Never Gonna Give You Up’
13) Journey – ‘Don’t Stop Believin’
14) Mark Ronson – ‘Uptown Funk’
15) Taylor Swift – ‘Shake It Off’
16) Michael Jackson – ‘Beat It’
17) Kaiser Chiefs – ‘Ruby’
18) The Rocky Horror Show – ‘The Timewarp’
19) Meghan Trainor – ‘All About The Bass’
20) Culture Club – ‘Karma Chameleon’
SOHN y Milla Jovovich, un tándem perfecto en ‘Signal’
Las últimas noticias que habíamos dado sobre él eran sus trabajos como productor para Kwabs o Banks, pero al fin, hace unos días, SOHN lanzaba su nuevo single, ‘Signal‘. Es la primera canción firmada por el músico y productor británico que ve la luz desde que lanzara en 2014 su debut, ‘Tremors‘.
Esta nueva canción, que le emparenta claramente con James Blake, ve reforzado su lanzamiento con un espectacular videoclip que dirige y protagoniza la actriz y modelo Milla Jovovich. La protagonista de los filmes de la saga ‘Resident Evil’ se declara una fan incondicional de la música de SOHN, y asegura que llegó a obsesionarse con ‘Tremors’, escuchando el disco una y otra vez durante semanas, y que haciéndolo le asaltaban imágenes a su cabeza y que fue la primera vez que sintió interés por la dirección. Por eso, cuando SOHN le envió ‘Signal’, ella le convenció para que le permitiera dirigirlo.
«Me obsesioné con incluir proyecciones en esto. Sentía que podíamos llevar al espectador a la mente del personaje que yo estaba interpretando a través de distintas proyecciones, detrás de mi y sobre mi cuerpo, que sería a la vez emocional y visualmente excitante», cuenta Jovovich en nota de prensa. Añade que, de forma mágica, lograron una única y poderosa toma que contaba a la perfección la historia, y eso es precisamente lo que vemos en el vídeo oficial. Una escena bellísima y espectacular en la que la expresividad de las distintas imágenes de Milla conjuga perfectamente con la canción del SOHN.
Leiva deja a Britney sin número 1 en España
El duelo por el número 1, que hasta ahora ocupaba Manuel Carrasco con ‘Bailar el viento’, es la noticia de la semana en la lista de ventas española. La victoria es para Leiva con su tercer disco ‘Monstruos’, lo que deja a Britney en un nada desdeñable número 2, algo que no siempre ha conseguido en nuestro país ni remotamente. Pasamos a analizar las novedades en la lista de álbumes esta semana.
1(E) Leiva / Monstruos
Como decíamos, ‘Monstruos’ de Leiva entra al número 1, lo cual no es una sorpresa después de que el artista fuera top 3 con ‘Diciembre’ y top 1 con ‘Pólvora’, su último disco hasta la fecha. Además, el single principal de este disco, ‘Sincericidio’, vuelve a asomar la cabeza por la lista de singles, en concreto por el puesto 69. Es su máximo.
2(E) Britney Spears / Glory
Britney se queda en el 2 con ‘Glory‘ en España, y también en Reino Unido. En Estados Unidos ha de conformarse con el puesto 3. Aun así, hay países donde el álbum sí ha llegado al número 1: Italia, Irlanda y República Checa.
Además, estos datos mejoran sustancialmente los del anterior ‘Britney Jean’, que fue top 4 en Estados Unidos, top 12 en España y top 34 en Reino Unido (!!!). Eso sí, se lanzó en una fecha completamente imposible para lo que era el lanzamiento: un 3 de diciembre. No, no era el disco de Adele.
El último disco de Britney que fue número 1 en España fue ‘Oops I Dit It Again’ en 2000 y este sería su mejor dato desde entonces, pues Spears ha venido ocupando distintas posiciones dentro del top 10 o incluso fuera de él (‘Blackout’ fue número 11 en nuestro país).
4(E) Barbra Streisand / Encore: Movie Partners Sing Broadway
Uno de los discos que ha impedido a Britney ser top 1 en Estados Unidos es el nuevo de Barbra Streisand, en el que interpreta clásicos de Broadway en compañía de Antonio Banderas, Hugh Jackman o Alec Baldwin. Es su 11º álbum número 1 en USA, lo que le sirve para distanciarse de Madonna como mujer con más números 1 de la historia del Billboard 200 (Madonna tiene 8).
En España, buena entrada para Streisand, calcada a la que logró con el anterior ‘Partners’, otro disco de duetos.
24(60) Drake / Views
La subida más fuerte de la semana es para Drake, si bien no sirve aún para superar el top 17 que ‘Views‘ lograra a su salida. ‘One Dance’ sigue en el top 10 en España, en concreto en el top 6, 20 semanas después, certificada como doble platino.
26(E) Hazhe & Acción Sánchez / Meid in Espein Vol. 2
Segunda entrega del disco que el rapero Hazhe sacara hace unos años, y que se edita a través de SFDK y Boa Música. ‘Made in Espein’ fue número 48 en 2012, por lo que se mejora su resultado. De momento la pista favorita del público es ‘Los mato’ con ToteKing.
48(E) Céline Dion / Encore un soir
Céline Dion saca nuevo disco en francés. Como era de esperar, ha sido número 1 en Francia, en Canadá, en las dos partes de Bélgica (tienen listas diferenciadas), en Suiza… y en el resto del mundo pasa algo más desapercibido: top 16 en Alemania, top 88 en Reino Unido, top 48 en España. Su anterior álbum en francés databa de 2012.
51(VE) Carly Rae Jepsen / Emotion
El 26 de agosto se reeditaba la gran joya pop de Carly Rae Jepsen acompañada de un disco de caras B que reseñábamos aparte y que devuelve el largo a la lista española, aunque sin superar su cima: en su momento el disco original llegó al puesto 45.
53(VE) Jake Bugg / On My One
La reentrada que sí supera su entrada original es la de Jake Bugg, que en su momento sólo fue top 98 con este tercer disco de estudio. Alguna oferta en grandes almacenes o en iTunes nos habremos perdido, como puede ser el caso de otras de las siguientes entradas.
64(E) J.B.O. / 11
La cuota metal de la semana la ponen los alemanes J.B.O., en este caso no exentos de humor y pop. J.B.O. Llevan en activo desde finales de los años 80 y con este nuevo álbum aparecen por la lista española. El disco salió hace varias semanas en Alemania y fue top 5 a su salida.
82(E) Shawn Colvin / Uncovered
La cantante de folk americana aparece ahora en la lista española con este disco en verdad editado el año pasado y que tan solo fue número 175 en Estados Unidos. Se compone de versiones de gente como Bruce Springsteen, Paul Simon o John Fogerty.
83(E) AC/DC / Hell Ain’t A Bad Place to Be
Cofre con cuatro conciertos grabados entre 1977 y 1978, editados en recuerdo del que fuera el cantante de la banda Bon Scott, fallecido en 1980.
97(RE) Kendrick Lamar / To Pimp a Butterfly
Tercera semana en España de la considerada obra maestra de Kendrick Lamar: la primera fue a su salida, la segunda tras su paso por el FIB y la tercera en esta que nos ocupa.
Cat’s Eyes y Belako, nuevas confirmaciones de BIME Live 2016
Los próximos días 28 y 29 de octubre se celebra en el BEC! de Barakaldo el festival BIME Live, en cuyo cartel ya se han confirmado grandes nombres como The Chemical Brothers, PJ Harvey, Suede, The Divine Comedy, Wild Beasts, Lambchop y un largo etcétera. Hoy el certamen ha anunciado una nueva tanda de confirmaciones, encabezada por Cat’s Eyes y Belako (de los que acabamos de publicar una interesante entrevista), y en la que cuentan con nuevos valores de la escena local como Shinova, Perlak y Exnovios.
Además, la organización confirma que ya se han puesto a la venta las entradas de día, al precio de 40€ más gastos. El bono de dos días sigue a la venta al precio de 66€ hasta el próximo día 16 de septiembre. El festival ofrece zona de camping sumando un suplemento a la entrada de 10€. Puedes comprar todas estas modalidades aquí. Esta es la nota de prensa sobre sus nuevas confirmaciones:
«Energia, potencia y muchísima actitud hacen que todo el que asiste a un concierto de Belako quiera repetir. Hits como ‘Sea of Confusion’, o su particular versión de ‘Sinnerman’ de Nina Simone, se multiplican por mil cuando este cuarteto se sube a un escenario.
Cat’s Eyes, es la banda compuesta por Faris Badwan, miembro de The Horrors, y la soprano, compositora y multi-instrumentista Rachel Zeffira. Con dos álbumes en el mercado, el dúo ya ha conseguido meterse a la crítica en el bolsillo: las prestigiosas publicaciones The Guardian y Pitchfork puntuaban con un notable su primer álbum y lo mismo ha ocurrido con el segundo, ‘Treasure House‘, que salía a la venta el pasado mes de junio.
Cuando Shinova se formó en 2009, la web MariskalRock dijo de ellos que son «la mejor banda debutante de rock». Su nuevo disco, ‘Volver’, afianza esa afirmación. Este próximo LP saldrá a la venta este mes y con él llegan a BIME Live.
Perlak, desde Zarautz y con claras referencias de nombres tan míticos como Joy Division, The Cure o Siouxsie and the Banshees, son post-punk puro y duro. Su nuevo disco, ‘Itzelatik’, al que MondoSonoro califica de notable, les ha servido para hacerse un importante hueco en la escena vasca.
No bailar en un concierto de Exnovios es imposible. Su combinación de rock and roll, psicodélia, garage y pop, e influencias que van desde The Ronettes a The Velvet Underground, hacen única a esta banda formada por cuatro amigos de Pamplona».
‘Julieta’ de Pedro Almodóvar, candidata española a los Oscar 2017
Esta mañana, desde la sede de la Academia de Cine, el actor Miki Esparbé (que triunfa ahora mismo en taquilla con ‘Cuerpo de élite‘) ha anunciado que la película seleccionada para representar a España en la categoría de Mejor película de habla no inglesa de los próximos Premios Oscar 2017 será ‘Julieta’ de Pedro Almodóvar. Ha sido elegida por los académicos en detrimento de ‘La novia’, de Paula Ortiz, y ‘El olivo’, de Icíar Bollaín, las otras dos finalistas.
El propio Pedro Almodóvar, acompañado de la actriz protagonista Emma Suárez, asistía en persona al anuncio en la Academia, declarando su «ilusión» por seguir adelante y que confían que, de alguna manera, haga que el film tenga un repunte en taquilla. Recordemos que ‘Julieta’ ha sido un considerable fracaso en las salas españolas, alcanzando la peor recaudación de un film del manchego en 20 años. Incluso Francia ha dispensado un mejor trato a la película.
‘Julieta‘, que en principio iba a llamarse ‘Silencio’ pero se optó por cambiar su título ya que Scorsese trabajaba en un proyecto con ese nombre, supone un cambio de registro de Almodóvar, su película más austera hasta la fecha, y está basada en un relato de la escritora canadiense Alice Munro. De ser seleccionada para optar al premio, se rumorea que sus grandes competidoras podrían ser la alemana ‘Toni Erdmann’y la venezolana ‘Desde allá’.
Belako: «El formato LP es imprescindible»
La publicación de ‘Hamen‘ ha llevado un poco más allá la popularidad de Belako. El álbum permanecía varias semanas en la lista de ventas, las escuchas de sus pistas se cuentan por decenas de miles en las plataformas de streaming y el grupo no deja de actuar por todo el país. Este sábado 10 de septiembre llegan a Dcode, donde les tocará subir al escenario en horario diurno. Hablamos con Josu Ximun, multiinstrumentista del grupo y también productor.
Ha pasado bastante tiempo entre disco y disco, pese a que editasteis los EP’s, no habéis dejado de tocar, etc. ¿Estáis contentos con la recepción del álbum tanto en directo como lo que es el disco de estudio en sí? ¿Algo que os haya trastocado o no esperarais?
Estamos muy contentos con el resultado, especialmente con la recepción en directo. Parece que las canciones nuevas y las viejas se llevan bien y hacen que quede un buen repertorio para ejecutar en vivo. Tenemos ya muchas canciones con las que jugar a la hora de ponerlas en diferentes posiciones del directo y eso hace que todos los conciertos sean diferentes en cuanto a setlist.
Entrasteis en la lista de ventas con el nuevo álbum. ¿Lo esperabais, lo barajasteis o ni siquiera os enterasteis ni lo comentasteis entre vosotros?
De esas cosas se entera Lander, jejeje… El resto somos unos felicianos que disfrutamos solo con que el disco esté terminado. Pero cuando nos comenta estas cosas, por supuesto que nos llevamos una grata sorpresa.
La fecha inicial de edición del disco (últimas semanas de 2015) no era muy buena idea para lo que suele ser el pop independiente nacional. ¿Hubo algo de estrategia en el retraso u obedeció exclusivamente a cuestiones artísticas?
El disco ya estaba terminado para la fecha inicial. El retraso fue idea de Mushroom Pillow, por lo tanto, sí que había algo de estrategia en ese cambio.
«El objetivo de este disco fue conseguir algo crudo y cocido, fresco y pulido, agresivo y delicado, sucio y brillante»
Cuando oigo el disco me vienen a la cabeza palabras como «energía» o «intensidad». Cuando pensabais en este disco, cuando ensayabais las canciones, ¿recordáis qué palabras os podían venir a la mente como objetivo de vuestro sonido esta vez?
El objetivo de este disco fue conseguir algo crudo y cocido, fresco y pulido, agresivo y delicado, sucio y brillante… Siempre intentamos que el sonido del grupo tenga una sencillez compleja.
¿Qué canciones nuevas están funcionando mejor en directo?
Pues del disco de ‘Hamen’ la que mejor funciona puede que sea ‘Track Sei’. Siempre se oye al público coreando los estribillos. Aunque depende mucho de cada sitio y concierto. Y de la posición en la que toquemos las canciones en directo. Como decía antes, variamos mucho el orden del repertorio y hay veces que algunos temas cobran más importancia que otros.
«En los festis el personal quiere jaleo y no está para detallitos y delicadezas de estudio»
¿Habéis tocado ya todas las canciones del disco en vivo?
Nos falta la última, ‘Monster’. La tocábamos como era antes, pero la versión de este disco todavía no la hemos defendido en directo. Está preparada ya, pero estamos esperando a tocarla en alguna sala o en algún sitio más íntimo y acogedor que un festival. En los festis el personal quiere jaleo y no está para detallitos y delicadezas de estudio… jejeje.
Por lo que veo no os asustaba nada sacar disco largo, ¿verdad? ¿Y eso?
Teníamos bastante material entre manos y muchas ganas. Ya estamos deseando sacar el tercero. El formato LP es imprescindible. Te da tiempo a desarrollar muchas ideas y preparar un viaje largo lleno de altibajos y texturas diferentes.
«Si la pregunta iba por si haríamos reggaeton o no, la respuesta es por supuesto que sí»
Belako tocáis muchos géneros distintos, ¿creéis que hay alguna barrera que nunca atravesaréis en cuanto a géneros musicales? ¿En qué género sí que no os veis?
Donde no nos vemos sería en un género muy concreto estancados. Siempre hemos bebido de diferentes fuentes, pero nunca nos hemos quedado con nada fijo. Seguimos el camino que nos pide el cuerpo en cada momento y no nos ponemos barreras. Intentamos adaptar cada estilo a nuestra forma de hacer y darle una identidad más nuestra. Si la pregunta iba por si haríamos reggaeton o no, la respuesta es por supuesto que sí. Pero no creo que se asemejara al reggaeton que nos tienen acostumbrados :)
Cuando escucho ‘Mum’ pienso en Jean Michel Jarre, que además acaba de ser reivindicado por el Sónar, o en M83, que acaba de hacer un disco de homenaje a la música francesa antigua, y Daft Punk. ¿Qué diríais que la ha inspirado?
Sí que tiene un toque Jarre. Nuestro padre nos ponía muchos discos de Jarre en casa y aunque a día de hoy muchos sonidos se hayan quedado como «cutres» me ha influido mucho a la hora de componer. Ese sinte arpegiado de ‘Mum’ es bastante «ochentero francés» y puede recordar también a Kavinsky (más franceses). Es una de las canciones de las que más orgullosos estamos y nunca falta en un concierto.
Cuando un compañero de Bilbao reseñó vuestro disco, aluciné con la letra de ‘Hegodun baleak’. Parece muy chula. Ignoro si habéis traducido la letra en vuestro CD, vinilo o Facebook, ¿os agobia que su mensaje se pierda o es parte del encanto de cantar en otra lengua, reivindicarla, que la gente se interese por ella, etc?
Está tal cual, sin traducir. Pero no nos parece que se pierdan los mensajes de las canciones en general. El que quiera interesarse por las letras ya indagará. Es verdad que esa canción emociona más cuando entiendes la letra, pero hay que entenderla en euskera, porque traducida a cualquier otro idioma pierde la intensidad de la relación melodía/significado.
«‘Aarean Bez’ igual es la canción que menos nos gusta, pero de las que más disfrutamos tocando»
Contadme algo de ‘Aarean Bez’. En nuestra web siempre ha gustado mucho el electropop y no todos los grupos alternativos se atreven a ir tan lejos con él. ¿Cómo surgió, es de las fijas del setlist?
Es una de las canciones más viejas que tenemos y aún no está terminada. Está a medias. Pero funciona muy bien para terminar los conciertos porque es una canción muy festiva y directa. De ritmos fáciles de bailar y sintetizadores tóxicos. Le llamamos el rompepistas. Igual es la canción que menos nos gusta, pero de las que más disfrutamos tocándola en directo. Ahora mismo estamos preparando otro temita del mismo estilo que seguro que gusta en vuestra web ;)
En Low Festival una redactora nuestra percibió que unos espectadores gritaban «piropos» algo molestos creo que a Cristina. ¿Llegaron a vuestros oídos? La cantante de Chvrches o Grimes han escrito cosas interesantes al respecto por ser tratadas como un pedazo de carne solo por ser mujeres sobre el escenario, ¿habéis tenido alguna experiencia así? ¿Vosotros/vosotras qué pensáis?
Por desgracia hemos tenido muchas experiencias así. Es triste que la gente se comporte de esa manera y más aún tratándose de hombres/chicos/chavales jóvenes que deberían (aunque no lo hacen) apoyar y compartir la lucha por la igualdad de las mujeres. El hecho de que se trate a cualquier mujer como a un trozo de carne en cualquier ámbito, profesional o cotidiano, y sea objeto de actitudes, comentarios y gestos machistas nos indigna profundamente y es algo a lo que no hay que darle la espalda.
¿A qué otros artistas actuales os sentís cercanos? ¿Más a Hinds por generación, más a Triángulo de amor bizarro, Juventud Juché, al indie español noventero superviviente…? Siendo vuestro sonido tan variado da mucha curiosidad…
Nos sentimos más cercanos a grupos que hemos conocido y con los que hemos compartido experiencias. Grupos como Perro, Crystal Fighters o Xoel López a nivel internacional. Pero sobre todo artistas vascos. Yellow Big Machine, Niña Coyote eta Chico Tornado, 𝜋.L.T., Hertzainak, Kortatu, Itoiz, Lisabö, Willis Drummond, Matxura, Berri Txarrak, Joseba Irazoki, Borrokan, Vulk, WAS, Mortimer Tangana, Cecilia Payne, Luma, Leun, Dekot, Grises…