Parte de la redacción valora el single de comeback de Joe Crepúsculo.
«Parecía que después de ‘Mi Fábrica de Baile’ no iba a llegar nunca un pelotazo a su altura, pero Joe Crepúsculo ha resuelto la incógnita con este ‘La Verdad’. El tema tiene todo lo que me gusta de Crepus, una producción cuidada e intencionadamente de baratillo, una letra intrascendente y el organillo que ya es marca de la casa. El acierto de incluir las voces femeninas de La Prohibida y Supremme de Luxe en ese estribillo irresistible es otro valor añadido». ACM.
«No es un pepinazo avasallador como eran ‘Mi fábrica de baile’ o ‘Soy leyenda’ y el puente me parece algo anodino… pero como siento debilidad por este hombre y además me gusta más el techno-pop que a un tonto un lápiz, me declaro fan de ‘La verdad’. Me encanta esa mezcla de technazo, hit synth pop ochentero y europop. Y, sobre todo, me encanta el estribillo: redondo, definitivo, que recuerda a ‘Hasta la verdad’ de Javiera Mena y a ‘Pantera en libertad’ de Mónica Naranjo y al que, a la vez, La Prohibida consigue otorgar una personalidad única». Mireia Pería.
«Si los últimos conciertos vistos de Joe Crepúsculo han parecido más bien sesiones de DJ’s realizadas en directo con sólo pepinazos y poco espacio para la balada, ‘La verdad’ es el perfecto «suma y sigue». Continúa la línea llenapistas de los singles del disco anterior de Crepus, pero aportando el toque españolete de las acertadísimas palmas ahora que sus amigos de La Bien Querida las han abandonado. Buen movimiento también el de llamar a La Prohibida, seguro que dispuestísima a aportar un poco de maquillaje y peluquería a un par de sus shows en vivo». Sebas E. Alonso.
El Nota de ‘El gran Lebowski’ (1998) deambulando por el ‘El sueño eterno’ (1946) dirigido por el Robert Altman de ‘Un largo adiós’ (1973). Algo así sería la nueva película de Paul Thomas Anderson, un vagabundeo narrativo por el universo de Raymond Chandler intoxicado por el humazo de la literatura posmoderna de Thomas Pynchon.
‘Puro vicio’ (¿por qué la han titulado como una película porno si el libro se tradujo de forma bastante acertada como ‘Vicio propio’?) es una nueva demostración de las virtudes y limitaciones del cine de Anderson. ¿Virtudes? Menos de las habituales. La más reseñable es sin duda la utilización de la música. ¿Hay algún director actual con mejor oído que el director de ‘Magnolia’? El tandem Anderson/Greenwood, que ya colaboró en ‘Pozos de ambición’ (2007) y ‘The Master‘ (2012), va camino de hacer historia.
En ‘Puro vicio’, a falta de asideros argumentales, la banda sonora es la que lleva al espectador de una secuencia a otra; la que consigue proporcionar una cierta sensación de continuidad narrativa, de coherencia interna. La música de Greenwood, junto a la sugerente y literaria voiceover de Joanna Newsom y las canciones de Neil Young o los alemanes Can, envuelven la realidad –caótica, desestructurada, inconexa, abstracta, extraña- como el humo de la marihuana, creando una bruma de apariencia de sentido.
Pero también hay que hablar de las limitaciones. Se supone que Anderson, por medio de la peripecia del protagonista (de nuevo, fabuloso Joaquin Phoenix), está trazando algo así como una cartografía del desencanto; una crónica, entre irónica y melancólica, del derrumbe de la utopía de la Contracultura californiana. Puede ser. El problema es que su discurso, al estar desarrollado por medio de una narrativa tan áspera, esquinada e incómoda, tiene menos alcance que la alegoría del capitalismo planteada en ‘Pozos de ambición’ (otra película suya con momentos brillantes pero finalmente frustrante).
Anderson hace con el género negro lo que hizo con la comedia en ‘Embriagado de amor’ (2002): manosearlo, revolverlo y presentarlo de una forma completamente nueva. ¿Mejor? No, nueva. Ya lo dice el propio director en varias entrevistas, disfrutar de esta película es una cuestión de capacidad empática, de “estar” con el protagonista y “preocuparse” por él. No es mi caso. 6,5.
Aprovechando unos conciertillos que tiene este fin de semana en Estados Unidos, Prince ha estrenado un tema nuevo en una radio. El artista, que el año pasado publicaba ‘PlectrumElectrum‘ y ‘Art Official Age‘, se entrega a los punteos de guitarra casi jevis en este ‘What If’ que parece el típico dúo eurovisivo chico-chica.
Entradas agotadas para ver anoche a La Bien Querida en el Teatro Lara de Madrid: la campaña de tres EP’s conduciendo -por carretera comarcal- hacia su cuarto disco, una de las mejores que recuerdo en el mundo independiente español, parece haber dado sus frutos. Ana y David se presentan en esta gira, como anunciaron, en formato trío acompañados de Frank Rudow, entregándose a un sonido electrónico y sombrío que muy pocas veces deja lugar a las palmas por mucho que el público se empeñe en darlas en canciones como ‘De momento abril’, en realidad interpretada con vibraciones a lo Alan Vega.
No hay tanto lugar para lo folclórico en su nuevo directo como en su primer álbum, pero sí para un histrionismo próximo a Raphael. Ana Fernández-Villaverde, que esconde su seriedad con tres grandes focos a la espalda y una tonelada y media de humo blanco que resultó completamente excesiva en ‘Crepúsculo’, se desata extendiendo los brazos en momentos como ‘Ojalá estuvieras muerto’ o ‘Muero de amor’, convenciendo con sus movimientos y confianza en sí misma donde con potencia vocal no siempre puede. Y es que el Teatro Lara no es un bar de copas, sino el escenario más duro para un grupo, en tanto que el mejor para buscarle las costuras. Lo que en una sala normal puede resultar deliberadamente salvaje, en este lugar se torna por momentos involuntariamente caótico, como sucedió en ‘9.6’ después de una bonita intro con punteos eléctricos.
Con estas pequeñas trabas se terminan los defectos de un directo que cuenta ya con un setlist de órdago, uno de los mejores del país. Comenzando con una ‘Hoy’ algo deslucida por la gente que aún entraba al teatro por estar tomando en el hall su cerveza gratuita, y siguiendo con ‘Música contemporánea’, ‘Arenas movedizas’ o ‘Alta tensión’, el repertorio se muestra inmejorable cuando aún no han sonado cortes como ‘Poderes extraños’, el encargado de cerrar el show antes del bis, con David Rodríguez pidiendo al público levantarse «a bailar bakalao», o ‘A veces ni eso’, terminando definitivamente el concierto.
Entre las favoritas esta vez, una ‘Vueltas’ que conecta con los mejores Mecano (los del primer disco) o una ‘Sentido común’ en la que Ana aparece perfectamente alineada con los dos músicos tocando de espaldas. No sobra ninguno de los temas, en cualquier caso, hasta el punto de que nadie nota que faltan ‘Carnaval’, ‘Luna Nueva’, ‘Monte de Piedad’, ‘Noviembre’, ‘Queridos tamarindos’, ‘Me quedo por aquí’ o ‘ADN’. ¿Cuántos temazos tiene ya esta mujer? 7,5.
Acostumbrados como nos tenían a publicar al menos un álbum al año, 2014 fue atípico porque no llegó el disco número 14 del trío británico The Wave Pictures. Aunque, ojo, tampoco estuvieron en barbecho: ahí quedó ‘Gin’, un nuevo álbum junto a Stanley Brinks, ex Herman Dune. En cualquier caso, parece que la banda de David Tattersall se tomó algún tiempo después del notable y extenso ‘City Forgiveness‘, un disco que grabaron durante un largo periplo por Norteamérica. En contraposición a ese disco, el nuevo ‘Great Big Flamingo Burning Moon’ ha sido grabado cerca de sus casas y, además, ha contado con la participación, como si de un miembro más del grupo se tratase, del mismísimo Billy Childish (Thee Headcoats, Thee Mighty Caesars, largo etcétera), héroe del rock británico desde que despuntara en los albores del punk.
Estas nuevas canciones compuestas y arregladas junto a él, tocadas, incluso, con sus instrumentos, devuelven a The Wave Pictures la urgencia que perdían con su doble álbum anterior, apostando por un sonido deslavazado y travieso, rabioso incluso. Apenas en dos cortes, ‘All The Birds Lined Up Dot Dot Dot’ y el precioso ‘At Dusk You Took Down The Blinds’, bajan el ritmo. El resto es una carrera sin freno de rhythm & blues primigenio y alocados solos de guitarra cargados de distorsión, aderezados con genuinas armónicas, que no podían estar más alejados de los sonidos de moda y que, precisamente por eso, nunca perderán vigencia. Aunque el punto agresivo en su sonido remite con frecuencia a The Who, la banda suena cada vez más escorada al rock norteamericano, a lo que han aprendido de The Troggs, Cream, The Who, The Modern Lovers o, incluso, Creedence Clearwater Revival, a los que rinden un explícito homenaje aquí interpretando no una sino dos versiones de la banda de John Fogerty: ‘Sinister Purpose’ y ‘Green River’, seguidas y a toda pastilla. Mejor que tratar de esconder una influencia es ser honesto y abrazarla fuerte, sin duda.
Es otra señal más de la honestidad de un grupo que, por ética y estética, parece haber viajado desde los años 60 al futuro en un Delorean. Cualquier aficionado al rock que sepa reconocer el valor de las bandas citadas en el anterior párrafo sabrá disfrutar de canciones clásicas e inapelables, de riffs poderosos, como ‘Pea Green Coat‘, ‘We Fell Asleep In The Blue Tent’, el corte titular, ‘Fake Fur Pillow Case’ o ‘Katie’, con ‘I Could Hear The Telephone (3 Floors Above Me)‘ (gracias a los geniales coros (recurrentes en buena parte del álbum) de Juju Claudius -The Chatham Sisters-), un peldaño por encima del resto de este estupendo disco. De la mano del veterano Childish, que parece haber insuflado nuevas energías al grupo, y con David Tattersall al frente, con su peculiar vibrato, su toque de guitar hero comedido y esas peculiares letras que ponen un punto surrealista a la cotidianeidad, The Wave Pictures entregan en ‘Great Big Flamingo Burning Moon’ más sólidas razones para llenar las salas de una nueva y larga gira que, precisamente hoy, comienzan por nuestro país.
Calificación: 7,2/10 Lo mejor: ‘I Could Hear The Telephone (3 Floors Above Me)’, ‘Great Big Flamingo Burning Moon’, ‘Pea Green Coat’, ‘At Dusk You Took Down The Blinds’ Te gustará si te gustan: The Who, Creedence Clearwater Revival, The Troggs. Escúchalo: Spotify
Anni B Sweet ha evolucionado más de lo que parece desde que debutara con ‘Start, Restart, Undo‘. En realidad, aquella obra ya resultaba variada gracias a la inclusión de guiños jazzies (‘Second Hand’) o circenses (‘Lalala’), pero lo cierto es que las cuerdas que acentuaban el folk de ‘Let’s Have a Picnic’ han dejado paso a otras cosas. La Anni B Sweet de hoy sigue remitiendo a los años sesenta, pero ahora incorpora una influencia más decidida de las guitarras indie-pop de los ochenta, sin renunciar a sus principios.
Uno de los mejores ejemplos lo encontramos en la pista ‘Knives’. Ese ambiente luminoso y playero de -literalmente- «cometas volando por el cielo» podríamos asociarlo al gran clásico de The Free Design, mientras la segunda parte de la composición se va acercando a las «girl groups» (atentos al maquillaje a lo Amy Winehouse de la sensual portada), como esa sencilla pero irresistible letra que dice que las melodías son «para bailar o llorar / bailemos o lloremos / al final elegí bailar». Sin embargo, el fondo aportado por las guitarras es mucho más oscuro, mucho más próximo a Cocteau Twins o a los Smiths.
También tenebrosa, casi propia de The Cure, es la desembocadura de ‘Dare to Love’; y también llena de contrastes está ‘Watch Me Shoot You’, en la que se alterna una melodía easy-listening propia de los Cardigans (en un momento ‘Carnival’ parece una referencia bastante clara) con unas guitarras acuosas propias de Stone Roses. Su agresiva letra en torno al deseo de deshacerse de alguien de manera violenta tiene su aquel. Distintas influencias igualmente se dan la mano en ‘Everyone Talks’, en la que al ritmo Motown del estribillo hay que sumar unos efectos electrónicos que le sientan mejor que a la banda de uno de los productores del disco, Noni Meyers (los otros son Javier Doria y la propia Ana López); mientras que el single ‘Chasing Illusions’ destaca gracias a sus resplandecientes influencias sixties.
Menos suculento es el resto del álbum, cayendo en lo olvidable más a menudo de lo que nos gustaría: la batería a lo Phil Spector no salva ‘Onyx Stars’ ni los teclados a lo Killers ‘Beginner’ después de que Russian Red nos haya contado algo muy parecido en ‘Agent Cooper‘. A ‘Drive’, con su momento rockero hablando sobre alguien que no es una estrella y recordando a Chris Isaak, y al final ‘Doctor’ («check this mind / I think I’m kind of mad») puedes encontrarles cierta gracia, aunque en este caso sí resultan números algo predecibles seis años después de haber conocido a Anni B Sweet.
Calificación: 6,8/10 Lo mejor: ‘Chasing Illusions’, ‘Everyone Talks’, ‘Watch Me Shoot You’, ‘Knives’ Te gustará si te gustan: ¿Texas, The Cure, Chris Isaak? Básicamente los anteriores Escúchalo:Spotify
¿El del single ‘Stonemilker’? ¿El vídeo de ‘Black Lake’ cuyo tráiler hemos visto? No. Mientras esperamos que su fecha en Barcelona se confirme, lo que podemos ver de momento es el vídeo de ‘Lionsong’, otra de las canciones de ‘Vulnicura‘ de Björk.
Se trata de una creación del conocido dúo holandés Inez & Vinoodh y mantiene la estética tanto del disco como de la gira que ya ha empezado.
Inez & Vinoodh han declarado, como recoge Vice, que el personaje de Björk para ‘Lionsong’ tenía que ser «delicado como una araña esperando en su tela y seductora como una bailarina balinesa moldeada en bronce». «Es vista como a través de un microscopio, desnudando su corazón mientras nos atrae a la galaxia sangrante de su propia herida”, indican los propios autores de la obra.
Muse tienen lista la continuación de ‘The 2nd Law‘. Esta llevará por título ‘Drones’ y saldrá el 8 de junio. Su cubierta es la que veis. Según Matt Bellamy, los drones «son psicópatas metafóricos que inspiran actitudes psicopáticas sin recurso. El mundo está dirigido por drones que emplean drones para convertirnos a todos en drones».
Bellamy, por otra parte, explica que el álbum «explora el viaje de un ser humano desde el abandono y pérdida de la esperanza hasta su adoctrinamiento por parte del sistema para ser un drone humano hasta la deserción final de sus opresores».
El primer sencillo, ‘Dead Inside’, podrá escucharse el 23 de marzo, mientras el pre-order del álbum está disponible desde hoy y viene con canción de regalo, ‘Psycho’. Al fin puede escucharse, bajo estas líneas: un rabioso número que sucede a una intro militar.
Os recordamos que Muse es una de las bandas confirmadas en la próxima edición de Bilbao BBK Live, a celebrarse el próximo mes de julio.
‘Drones’:
01 Dead Inside
02 [Drill Sergeant]
03 Psycho
04 Mercy
05 Reapers
06 The Handler
07 [JFK]
08 Defector
09 Revolt
10 Aftermath
11 The Globalist
12 Drones
Petarlo en medio mundo con tus singles no es siempre sinónimo de éxito y si no que se lo digan a Iggy Azalea. Con el trabajo que le ha costado a la australiana conseguir la posición que ha alcanzado en el cada vez más complicado panorama musical actual, y parece que se esté planteando si todo ha valido la pena.
La última noticia es que Azalea ha pospuesto las fechas de su gira por Norteamérica debido a «retrasos en la producción». Lo cierto es que, en base a toda una serie de decisiones y declaraciones de la artista, no nos cuesta adivinar que existen otras razones para este aplazamiento.
Al hecho de que las ventas de su álbum no se hayan correspondido con las de sus singles ni por asomo, por no hablar del fracaso de la reedición de ese debut, hay que sumar sus problemas con la fama. El mes pasado decidía abandonar Twitter y dejarlo en manos de su management. La rapera, que conseguía dos top 5 en EEUU con ‘Fancy’ (numero 1) y ‘Black Widow’ (top 3), además del segundo puesto junto a Ariana Grande, no veía venir que su popularidad iba a despertar toda una oleada de odios y desprecios. Eminem, Jill Scott, Eve, J. Cole… todos parecen tener algo que decir en detrimento de la artista y de su supuesta apropiación de la “cultura negra”, algo que hace tiempo que no se le achaca a Eminem, por ejemplo.
Pero sin duda, quien más daño le ha hecho ha sido Azealia Banks. La rapera no dudaba en amenazarla, insultarla y acusarla de racista sin pestañear. Y a pesar de que Iggy tenía la clase y la elegancia para ponerla en su sitio, Banks parecía tener muy claro que su misión era hacerle la vida imposible a la australiana.
Una foto publicada por Iggy Azalea (@thenewclassic) el
Con esto sobre sus espaldas, no nos extraña que haya decidido aplazar 5 meses su gira por un país en el que algunos la miran con malos ojos. Por ahora, los grandes afectados por esa decisión han sido Tinashe y Nick Jonas, que iban a acompañarla en ese ‘The Great Escape Tour’ y ahora no podrán hacerlo.
Eso sí, mientras esperamos a saber de qué manera se resuelve esta situación, Azalea pasa el tiempo en lo que mejor sabe hacer, la música. Será una de las artistas que actúe en los iHeartRadio Music Awards el próximo 29 de marzo junto a Madonna, Rihanna y Sam Smith. Además, no paran de llegar colaboraciones y noticias de futuros featurings en los próximos discos de Britney Spears y Shakira. También se acaba de presentar su último videoclip junto a Jennifer Hudson, oportunamente titulado ‘Trouble‘, aunque de momento no ha conseguido entrar en la lista del Billboard americano. ¿Correrá mejor suerte este ‘All Hands On Deck’ con Tinashe, en principio extraído del disco de esta, ‘Aquarius‘? ¿O será un fracasillo como el de Jennifer Hudson deprimiendo aún más a Iggy?
Daughn Gibson, el artista al que recordarás por discos como ‘All Hell‘ o ‘Me Moan‘, está de vuelta con un nuevo largo llamado ‘Carnation’, que saldrá a la venta el 1 de junio. El disco ha sido co-producido por Gibson y Randall Dunn (Tim Hecker, Sunn O)))) y entre las influencias están «Raymond Carver, Tim Burton y John Waters».
Ya puedes escuchar el primer adelanto ‘Shatter You Through’.
Brandon Flowers sigue ofreciendo con cuentagotas las noticias de su disco preparado junto a Ariel Rechtshaid, ‘The Desired Effect‘, previsto para el próximo 18 de mayo.
El sencillo será ‘Can’t Deny My Love’ y acaba de presentarse tanto su portada como su teaser, que deja un importante aroma a película ochentera a través de imagen, sonido y tipografía. Esperamos no salir decepcionados. Saldremos de dudas el 23 de marzo.
Hoy se ha presentado a los medios Filmadrid, un nuevo festival que tendrá lugar en la capital en el mes de junio, contando con «secciones a concurso, actividades que mezclarán el cine con las artes performativas, espacio para el cortometraje y poniendo foco en cineastas consolidados que ayuden a comprender el panorama audiovisual de hoy».
Según la nota de prensa, la I edición del festival madrileño nace como «un nuevo espacio para descubrir, dialogar y disfrutar del paisaje cinematográfico contemporáneo, con un carácter cultural, educativo y artístico, y pretende situar a Madrid como espacio referente del cine contemporáneo».
Pasajes de Cine, que desde hace ya más de dos años promueve el cine independiente, es la entidad organizadora del festival, capitaneada por Nuria Cubas, Fernando Vílchez y Javier H. Estrada, jóvenes críticos y programadores de cine a nivel internacional.
El festival se compondrá de «películas de todas partes del mundo, tanto de cineastas consagrados como de autores por descubrir, que llegarán por primera vez a Madrid para competir en la primera edición del festival».
FILMADRID está compuesto por dos secciones a concurso: una Competición Internacional formada por una decena de largometrajes provenientes de todo el mundo y una Competición de Vanguardia enfocada al mejor cine experimental. La convocatoria está abierta a obras de todo género y duración. El plazo de presentación termina el 10 de abril. El festival tendrá lugar del 5 al 13 de junio.
El programa lo completa la sección Focos, dedicada a dos cineastas de gran relevancia internacional cuyas obras permanecen prácticamente inéditas en Madrid. La web oficial es esta.
Asthmatic Kitty, el sello de Sufjan Stevens, recordado por aquellas declaraciones en que afirmaba que se oponía a la moda de vender novedades a 3,99 dólares en Amazon porque su música valía «más que un café con leche», ha vuelto a realizar una serie de afirmaciones para la historia.
Como han notado los usuarios Flounder y Lasalledebain en nuestros foro de Sufjan, no han dudado en reaccionar a la filtración del nuevo álbum del artista, ‘Carrie & Lowell’, previsto para finales de mes pero en la red desde hace días, de la mejor manera posible. Raudos y veloces han acudido a Reddit nada menos que para regalar a todo el mundo el libreto del CD con letras, fotos y créditos. Por si era poco con tener la música sin pagar nada, puedes descargar lo único que te faltaba desde aquí. «Si no podéis permitiros pagar por el disco, no os preocupéis. ¡Disfrutad de la música!», indican, mientras el mundo asiste con los ojos abiertos como platos.
Y eso ni siquiera es lo mejor, sino el deslenguado debate posterior en el que el sello continúa participando. En primer lugar indican que lo molesto de una filtración no es la pérdida de ventas. «No creemos que eso suceda. Simplemente me encanta cuando todos los seres humanos mantienen la misma experiencia al mismo tiempo. Cuando algo se filtra, se divide entre los que son capaces de enterarse de cómo funciona un mega uploader y el resto del mundo», indica un representante. Ante la sugerencia de realizar un lanzamiento sorpresa, enviada por otro de los usuarios, responde: «Lo hicimos con ‘All Delighted People‘ y fue divertido. Pensamos en volver a hacer algo así, pero Sufjan quería que esta vez todo fuera sobre la música y no sobre cómo hemos hecho el lanzamiento. Así que hemos optado por una campaña normal, no sorpresa».
Más interesantes aún son sus declaraciones sobre Spotify. El sello viene a opinar -aunque no tiene manera de probarlo- que Spotify perjudica más la venta que una filtración. «Puedes volverte loco (tras una filtración), hacer algo rápido con la prensa y sacarlo antes en iTunes, pero todo el mundo se quedará pensando: «Oh, una filtración. Debería averiguar cómo bajar eso», y resulta que se descarga el disco gente que no se lo iba a descargar. O puedes darte cuenta de que la gente que descarga música son personas a) súper entusiastas y quieren escuchar la música antes, pero que van a apoyarla de una manera o de otra, o b) gente que nunca se compraría el disco de ninguna manera, en cuyo caso, no importa de ningún modo. Nos gusta la opción a». Eso explica por qué han regalado el libreto, pero hay más: «No hay manera de probar esto, pero tenemos la teoría de que la gente que descarga música de hecho paga más por la música que la gente que escucha Spotify. Pero sólo es una opinión».
Por si quedan dudas, aclaran: «Nos encanta Spotify, nuestro problema no es con los servicios de streaming, es con los acuerdos secretos de las multinacionales sobre los beneficios para los artistas». Para más información, sugieren este artículo de Billboard. En él se denuncia que las multinacionales se han visto reducidas de 6 a 3 con el paso de los años y que venden el 65% de los discos de Estados Unidos, quedándose «un porcentaje mayor (de ese 65%) de lo que les corresponde en derechos de copyright».
Se pide, pues, una revisión de las leyes de copyright que perjudica a los artistas pequeños, pero ese debate, ya conocido y reivindicado en España por asociaciones como la UFI, no es la noticia del día. La noticia es cómo un sello pequeño consigue dar la vuelta a la tortilla logrando 1) que el público se ponga de parte de la empresa gracias a su interactuación 2) que el público desee que su artista favorito fiche por Asthmatic Kitty -«estamos completos», contestan a un usuario- 3) probablemente ver aumentadas las ventas del disco de Sufjan Stevens porque donde se ve buena voluntad… 4) caer bien hasta al último usuario de Reddit porque hasta animan a aquel que dice que comprará merchandising de Sufjan a no hacerlo («si puedes, bien, y si no, el mundo seguirá. Ya has comprado una entrada para un concierto y no son baratas. Gracias por comprar una entrada») 5) cuestionar de nuevo a Amazon y salir airosos de ello («Amazon se lleva una parte importante, pero hey, paga lo que puedas permitirte, estamos súper agradecidos»).
Es curioso: un sello que vuelve a ser simpático. Después de vender cientos de miles de copias de Sufjan, esta atención personalizada… ¿huele a Sarah Records?
The New Raemon, el proyecto de Ramón Rodríguez, ha publicado este año un nuevo disco, el notable ‘Oh, rompehielos‘. Ramón habla sobre el proceso creativo y también de las gilipolleces que no soporta que le pregunten. No desaprovechamos la oportunidad por preguntarle por su hija, últimamente protagonista del mundo musical gracias al disco de Mourn.
The New Raemon actúa este viernes 13 de marzo en Madrid, el 20 de marzo en Castellón, el 21 de marzo en Zaragoza, el 10 de abril en Barcelona (Bandautors) y el 17 de abril en Girona (Strenes).
Hay cosas muy logradas en ‘Oh, rompehielos’, por ejemplo, las ambientaciones, la instrumentación y algunos ganchos en las letras. ¿De qué en concreto o de qué momento estás más orgulloso?
De la portada de Arnau Pi.
Muchas de las letras son algo difíciles de comprender en conjunto. En cambio, presentan frases muy fácilmente memorables como “es mejor no volver a verse”, “tus idas y venidas me ponen enfermo” o “suerte con eso y eso”. ¿Llegas a este tipo de frases con grandes esfuerzos y muchas vueltas a una letra, en busca de un gancho, o surgen de manera espontánea a la primera?
A mí esas frases me parecen menos interesantes que, por ejemplo, “procurabas cariño a todos mis vicios”. Lo que sucede con esos estribillos es que vienen a ser algo así como el «punchline» en un chiste, es decir, acaban de redondear el texto. Escribo las letras en una mañana y, mientras, voy improvisando la melodía sobre la música, que es lo que construyo antes. Lo que busco es que me suene bien y me guste escrito sobre un papel.
¿Qué canción/es de este álbum te han sorprendido más por su recepción popular?
‘El Yeti’ es la que veo que gusta más. Me sorprende mucho porque es larga, lenta y un drama inmenso.
¿Y por su evolución en el estudio?
Estoy muy contento con la base rítmica de Salvador D’Horta, Javi Vega y Marc Clos. Le da a todo el conjunto un sonido muy auténtico y particular.
Cuando pienso en el tipo de arreglos que hacéis vosotros, Standstill o Love of Lesbian cuando se ponen más dramáticos, me vienen a la cabeza bandas americanas de sonido adulto pero algo calmado tipo The National o Spoon. ¿Entiendes tú esa conexión?
Entiendo que esa generación de músicos nos acercamos peligrosamente a los 40, bueno, algunos tienen ya más de 40, las cosas por su nombre. Yo eso lo llevo bien, tengo 38 años y una hija de 19, pero no escribo canciones para su generación, no me interesa perder el tiempo intentando conectar con gente más joven que yo. Es como cuando llegas a los 30 y de pronto conectas con los discos de Bob Dylan o Leonard Cohen que escuchaba tu padre. Pienso que uno debe escribir para uno mismo, no para agradar a los demás. Esas canciones no pueden sobrevivir al paso del tiempo.
«The National publican mejores discos que Spoon, según mi opinión de mierda»
¿Admiras a estos grupos o no ves que haya conexión especialmente?
Spoon tienen un par de discos que considero buenos y otros que me aburren mucho. The National publican mejores discos, según mi opinión de mierda.
Hace poco un tuitero nos metió en una conversación sobre si ‘Quimera’ tenía temática gay. ¿Es la pregunta más surrealista que te han hecho?
Me pareció muy gracioso; supongo que es por aquello de “sucumbí a tu espada, permitiendo su entrada”. No sé si el tuitero iba cachondo o es como el niño de ‘El Sexto Sentido’: “ven lo que quieren veeeer”. Si ahora es un tema sobre una relación gay, ¿pues por qué no? Mola. De todas formas, cada individuo recibe la canción de un modo muy personal, es inevitable.
Hace un par de años te retiraste de los directos “indefinidamente”. Pensábamos que tardarías más en volver. Al final, hemos visto un ciclo normal de un año de retirada. ¿Qué ha pasado?
Me da una pereza extrema volver a explicar esta historia, llevo un puñado de entrevistas respondiendo a esto. Quién quiera saberlo que vaya a la web de EFE EME, allí lo explico bastante bien. Pasapalabra.
Normalmente te involucras en distintos proyectos. ¿Hay algo previsto para este año o te concentrarás en The New Raemon?
He terminado un cómic nuevo, ‘Alfa, Beta, Bronson’. Lo publicaré en septiembre. Supongo que estaré ocupado con eso y los conciertos del disco. Estoy preparando un álbum a medias con Ricardo Lezón (McEnroe, Viento Smith); admiro mucho su trabajo. No sabemos cuándo lo podremos grabar, de momento estamos reuniendo canciones.
¿Algunos de tus amigos músicos han editado o editarán próximamente algo que te tenga muy excitado?
Me gusta mucho el disco de Ensemble Topogràfic, tanto que hasta lo he publicado en mi propio sello.
¿Cuál es tu canción favorita de Mourn?
‘The Unexpected’, todavía inédita. Formará parte de su nuevo EP, que sale en abril.
¿Alguna vez pensaste que llegarían a salir en medios internacionales?
No esperábamos nada de esto, tienen el grupo para pasarlo bien.
¿En qué momento te diste cuenta de que el asunto se estaba saliendo de madre?
El día que firmaron el contrato con Captured Tracks.
Si se hacen muy famosas/o, ¿crees que terminarás por pedir que no se te pregunte por Mourn en las entrevistas?
No me molesta, me irrita más que me pregunten gilipolleces como “¿qué nos vas a ofrecer en el concierto de esta noche?”, “¿dónde te gustaría despertar mañana?” o “describe tu música con una palabra”.
No habrá Día de la Música en Madrid, pero al menos Mulafest, al que estaba asociado, subirá de nivel.
El festival madrileño acaba de confirmar la presencia de Twin Shadow, John Talabot DJ set y Evian Christ. También se incorpora al cartel el colectivo madrileño Undermad, con el proyecto Undermad Special (all b2b) + artista invitado. Twin Shadow publica la semana que viene su nuevo disco, ‘Eclipse‘.
Mulafest se celebrará los días viernes 26 y sábado 27 de junio y ya había confirmado antes a Hudson Mohawke (Live), que acaba de anunciar su nuevo disco, ‘Lantern’, para el día 15 de junio, 2manydjs dj set, Mount Kimbie dj set, Rhye, Is Tropical, SOPHIE, Klangkarussell dj set, Optimo (espacio), Fono y Blue Hawaii.
Los abonos de MULAFEST NOCHE están disponibles a precio promocional de 25 Euros (+ gastos de distribución) hasta el lunes 16 de marzo.
El próximo 4 de mayo, HBO proyectará ‘Montage of Heck’, el primer documental autorizado sobre Kurt Cobain. La pieza fue uno de los estrenos más esperados de la pasada edición del festival Sundance y hoy podemos ver al fin su primer tráiler oficial. La mayor parte del material incluido en la cinta, cuya producción ejecutiva ha corrido a cargo de la hija de Cobain, es inédito o raro. Sonará, de manera interesante, una canción de 12 minutos acústica de Cobain hasta ahora sin publicar. Échale un ojo al tráiler, con animaciones y grabaciones caseras de Cobain y Courtney Love, a continuación:
Ha muerto a los 63 años Richard Glatzer, director de la recientemente oscarizada ‘Siempre Alice’, debido a complicaciones de la Esclerosis lateral amiotrófica que sufría. La enfermedad le fue diagnosticada en 2011. Su marido, Wash Westmoreland, con quien dirigió la película, ha enviado un mensaje: «Estoy devastado. Rich era mi alma gemela, mi mejor amigo y mi vida. Verle luchar contra la ELA durante cuatro años con tanto valor me ha inspirado a mí y a todos los que le conocían».
Richard Glatzer también había dirigido ‘La última aventura de Robin Hood’, ‘The Fluffer’, ‘Pedro’ y ‘Quinceañera’.
Julianne Moore recibía el Oscar por ‘Siempre Alice’, en la que interpreta a una enferma de alzhéimer, el pasado mes de febrero, además del Globo de Oro y el premio BAFTA. Glatzer no pudo asistir a la ceremonia, pues dos días antes le ingresaron.
Edurne acudió anoche a El Hormiguero para promocionar su participación en el Festival de Eurovisión. La cumbre de la entrevista fue ese momento en el que varios miembros del equipo imitaron el grito de guerra de su canción, ‘Amanecer‘. Por otro lado, a Pablo Motos le falló el guión: alguien le había dicho que Edurne imitaba sonidos tipo la aspiradora y el loro y no era cierto. «Esto han sido los de El Intermedio», improvisaba el presentador.
La cantante habló de cómo prefiere actuar en la segunda mitad de Eurovisión y de su pareja, que vive en Manchester. Al final participó en uno de esos jueguecitos inexplicables del programa en el que mediante un juego de cartas se adivinó que ganaría España. En verdad, continuamos en las apuestas en el puesto 11.
La cantante es actualmente top 20 en la lista oficial española con el tema para el festival.
Daniel Lopatin, es decir, Oneohtrix Point Never, que hace poco anunciaba disco junto a Antony Hegarty, también prepara algo para el Record Store Day del próximo 18 de abril. Se trata de ‘Comissions II’, la mini colección de composiciones por encargo que sucede a ‘Commissions I’. La pieza vendrá con las dos partes de ‘Bullet Hell Abstraction’, creadas para Red Bull Music Academy e inspirada en la banda sonora de los videojuegos de Manabu Namiki, y ‘Suite from Magnetic Rose’, extraída de la banda sonora de Lopatin para el anime de Koji Morimoto de igual título.
Commissions II:
01 Bullet Hell Abstraction I
02 Bullet Hell Abstraction II
03 Suite From Magnetic Rose
Se llama Yeezy y se puede descargar gratis. Faltaría más, pues en realidad es promoción para su línea de ropa para Adidas. En estas 53 páginas, poca ropa en verdad y mucho desnudo femenino.
Os recordamos que finalmente se aclaró ayer que el portátil de Kanye West no ha sido robado en París, por lo que nueva música no habría de filtrarse en las próximas horas.
Kendrick Lamar ha compartido el título de su nuevo disco, ‘To Pimp a Butterfly’, y su cubierta, que podéis ver a continuación. Por ahora, eso sí, se desconoce la selección de pistas definitiva y la lista de colaboradores y productores que han acompañado al músico esta vez. El álbum, que viene presentado por ‘The Blacker the Berry’, sale el 23 de marzo.
Una foto publicada por Kendrick Lamar (@kendricklamar) el
Os dejamos con ‘The Blacker the Berry’:
Actualización: el tracklist ha sido revelado e incluye el tema editado el año pasado, ‘i’.
01 Wesley’s Theory
02 For Free? (Interlude)
03 King Kunta
04 Institutionalized
05 These Walls
06 U
07 Alright
08 For Sale? (Interlude)
09 Momma
10 Hood Politics
11 How Much A Dollar Cost
12 Complexion
13 The Blacker The Berry
14 You Ain’t Gotta Lie (Momma Said)
15 i
16 Mortal Man
Azealia Banks estrena vídeo para ‘Wallace’, uno de los cortes incluidos en el excelente ‘Broke With Expensive Taste‘. Se han encargado de él Nick Ace y Rob Soucy, es interactivo y funciona con Google Chrome a través de esta web. Tu cámara se activará y en un par de momentos te verás a ti mismo/a detrás de Azealia haciendo el mónguer.
Azealia dice que es una gran fan de la tecnología y de nuevas formas de interactuar con sus fans que anticipen el futuro, así que juega hasta que te hartes.
Aunque quedan un par de meses para que termine el rodaje de ‘Spectre’, la nueva entrega de las aventuras de James Bond que está filmando Sam Mendes con Daniel Craig de protagonista, es inevitable comenzar a pensar en quién será el artista que ponga voz al icónico tema principal del filme.
Ciertamente, la participación de Adele en el anterior, con Globo de Oro y Oscar incluidos para aquel ‘Skyfall’, ha dejado el listón muy alto, pero a pesar de que algunos apuntan a que la británica repetirá en esta nueva película, su ausencia en el panorama musical actual nos hace poder especular con otras posibilidades. ¿O acaso está el lanzamiento de ‘Adele 25‘ aguardando a que se termine de rodar el filme?
Mientras se revela el secreto, que ya conocen los miembros del equipo, aquí os dejamos una lista de 10 opciones que no desentonarían con las canciones que han acompañado las aventuras del agente británico durante más de 50 años.
Lana Del Rey: ¿De verdad existe una artista que se adapte mejor al sonido y al historial de los temas Bond? Lana es en sí misma una chica Bond y verla arropada por unos buenos arreglos de cuerda con bien de épica sería un sueño hecho realidad.
Lady Gaga: Ahora que la Germanotta se ha revelado como artista de corte clásico y que ha callado a más de uno después de su incontestable potencia vocal en el homenaje a ‘Sonrisas Y Lágrimas’ en los pasados Oscar, Gaga suena como una opción bastante interesante y legítima.
Sam Smith: Es el británico del momento. Aunque despierte en la misma medida amores y odios, su registro vocal y, sobre todo, su éxito, nos hacen pensar en él como en una versión masculina de Adele, y no estamos solos en eso. Sam Smith no es nuestro favorito, pero seguramente tiene muchas papeletas para ser quien finalmente se lleve el gato al agua.
Sia: Con la facilidad que tiene la australiana para las melodías y los estribillos pegadizos, además de saber adaptarse a casi cualquier estilo, no nos parece descabellado que sea una opción, siempre que esté a la altura de ‘Chandelier’ o, sobre todo, de ‘Elastic Heart’.
Florence + The Machine: La voz de Florence Welch es otra que nos encantaría poder escuchar acompañando a los clásicos créditos iniciales de las aventuras de James Bond. Ella, tan habituada a la épica, no desentonaría para nada. Y si Garbage pudieron adaptarse, ¿por qué ella no?
Woodkid: Otro acostumbrado a la épica es el francés Yoann Lemoine. Alguna de sus barrocas composiciones, con sus excesivos arreglos de cuerda y percusión, le sentarían de maravilla a la saga, y si ya le ponemos alguna vocalista de las que hemos citado más arriba, el resultado podría ser memorable.
Goldfrapp: Ya que el affaire con la electrónica de Madonna y Mirwais fue un tanto decepcionante en ‘Die Another Day’, no estaría mal ver qué harían Alison y Will Gregory. Un poco de electro y baile no le sentaría mal a Daniel Craig y compañía.
Rumer: Está demostrado el amor que siente la artista por compositores clásicos como Burt Bucharach y no nos cuesta imaginarla con una balada con influencias del gran Hal David. Probablemente, si buscan recuperar ese sonido de los clásicos de los 60 y 70, la británica es una apuesta segura.
Benjamin Clementine: Si hablamos de voces clásicas, la de este británico de 26 años tiene para dar y repartir. Tras su disco de debut publicado este mismo año, los productores podrían marcarse un tanto reivindicando a este artista que está esperando un empujón de ese tamaño para explotar.
Portishead: Y como soñar es gratis y por mucho que ellos no lo consintieran jamás, cerramos la lista con Portishead. Ya en su segundo disco tontearon con los temas de corte “jamesboniano” y la influencia de John Barry en la música de las películas clásicas de la saga. No estaría mal que Geoff Barrow se despegase un rato de Twitter y grabase un tema que estuviese a la altura de ‘All Mine’, posiblemente el mejor tema Bond que nunca apareció en una película de 007.
Sony anuncia el regreso de Airbag con un nuevo disco llamado ‘Gotham te necesita’. El trío llevaba sin grabar nuevas canciones desde 2011 con ‘Manual de montaña rusa’. En esta nueva aventura, según la nota de prensa, «sus referencias estéticas se mantienen insobornables». Producido por Carlos Hernández, grabado en Málaga y mezclado en Madrid, el álbum se edita como CD y LP de vinilo y vendrá precedido de un single tradicional, también de vinilo, con el tema ‘Ladrones de cuerpos’ y una canción inédita para la cara B.
«Todos los temas llevan firma del trío formado por Adolfo, Pepe y José Andrés y comparten su infalible fórmula: punk pop veraniego, algunas dosis de sonido 90´s, letras ingeniosas y diversión. Es todo lo que Airbag necesita para dar otro salto», aseguran.
Tracklist:
1. Hijos de Hawaii
2. Ladrones de cuerpos
3. Marcas en la hierba
4. La bomba de nuetrones
5. Todo está bien
6. Rompes de nuevo
7. La vuelta a la manzana
8. Gran Caimán
9. Un año después
10. Gotham
11. Matar a Bill
12. Mystery spot
Primeras fechas confirmadas, Gira 2015:
11 de abril, Madrid, Enofestival
16 de mayo, Estepona, King Creole Rock n Roll Bar
4 de julio, Ojen, Ojeando Festival
10 de julio, Valencia, Loco Club
11 de julio, Benicasim, BIF Festival