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‘Coral Glynn’: tan triste como un vestido de novia roto

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coralglynnDurante su reciente visita a Barcelona, Peter Cameron comentaba en una entrevista con Miqui Otero que, si tuviera que elegir un director para que adaptara al cine su última novela, ese sería Almodóvar. Y que la actriz ideal para protagonizarla sería Jessica Brown Findlay, la hermana pequeña de la serie ‘Downton Abbey’.

Estoy de acuerdo con la segunda opción, pero no con la primera. Creo que el director perfecto para adaptar la extraordinaria ‘Coral Glynn’ (Libros del Asteroide) sería Todd Haynes. De hecho, su aproximación al melodrama en ‘Lejos del cielo’ (2002) tiene mucho que ver con la realizada por Cameron en esta novela. Si Haynes “desnudaba” narrativamente el cine de Douglas Sirk, manteniendo sus formas pero dejando ver lo que éstas ocultaban, Cameron hace algo parecido con escritoras británicas como Elizabeth Taylor, Elizabeth Bowen o Daphne du Maurier: rescata su prosa exquisita y delicada, los ambientes melancólicos y opresivos de la Inglaterra de provincias, pero le añade capas de sensibilidad contemporánea para explorar temas tabú en esa época -la posguerra- como el aborto, la homosexualidad o los abusos sexuales. Es en esa tensión entre forma y contenido, en esa fricción entre el folletín y el género gótico, donde la novela alcanza sus momentos más brillantes.

Ambientada en Inglaterra durante los años 50, ‘Coral Glynn’ cuenta la historia de una joven enfermera que entra a trabajar en una casa de campo para cuidar a una anciana enferma. Allí conocerá al hijo de ésta, un militar herido durante la Segunda Guerra Mundial. El encuentro entre estos dos seres solitarios le sirve al autor para hablar sobre el gran tema de sus novelas: la infelicidad. Una aparente historia de amor, que esconde, entre los pliegues de los cortinajes que cubren las ventanas de la inhóspita casa, una historia de temor, de miedo a la soledad. “Le pareció muy cruel diseñar un vestido cuya propietaria no pudiese abrochárselo sola”, piensa la protagonista en un pasaje de la novela.

Soledad, tristeza, melancolía… Como en su anterior obra, ‘Algún día este dolor te será útil’ (Libros del Asteroide, 2012), el dolor visto como un carburante emocional que nos empuja a actuar, a cambiar, a buscar la felicidad y no acabar resignados, cómodos en la incomodidad (“para él la vida había ocurrido ya, ahora se limitaba a soportarla”). Por medio de unos diálogos extraordinarios, casi teatrales, y un humor muy, muy fino, Cameron nos sumerge en un laberinto sentimental en el que da gusto perderse, una singular, flemática y evocadora “trama nupcial” para leer mientras tomas el té de las cinco. 9.

Icona Pop: «Incluso la canción más popi toma muchísimo trabajo»

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iconapop-entRespaldadas (o, mejor dicho, respaldadísimas) por el enorme éxito de ‘I Love It’, Icona Pop publicaron hace un par de semanas su debut internacional ‘This Is… Icona Pop’. Hablamos con Caroline Hejlt (la pelirroja) sobre su hit y también, entre otras cosas, sobre el disco, su idea romántica de las discotecas y el polémico tema de los créditos en el pop.

¿Qué tal es ser mundialmente famosa?
[Risas] No es exactamente así, pero es genial. Simplemente estamos encantadas de poder hacer esto y de viajar tanto como lo hacemos, y de que la gente escuche nuestra música. Es un poco abrumador incluso.

De algún modo ‘I Love It’ ha cambiado vuestras vidas. ¿Cómo es vuestra vida ahora en comparación con la que teníais antes del éxito de esta canción?
Antes de ‘I Love It’ escribíamos mucha música y ya habíamos lanzado algunos temas en Suecia, pero está claro que este año ha sido un gran cambio para nosotras. Hemos viajado mucho más. En comparación diría que antes de ‘I Love It’ nadie escuchaba lo que estábamos haciendo ni tampoco venía a nuestros conciertos pero ahora definitivamente sí.

Charli XCX es la autora de la canción. ¿Cuál es la historia tras ‘I Love It’?
Estábamos en el estudio escribiendo con nuestro amigo Patrik Berger y nos enseñó una versión inacabada de esta canción que había hecho junto a Charli XCX. Pensamos: “vaya, nosotras estamos pasando por esto ahora mismo, queremos hacer esta canción”, así que se la pedimos a Charli y ella dijo: “¡claro!”. Entonces se la trajimos a otros de nuestros amigos, los productores Style of Eye, y les comentamos que queríamos hacer algo punk, rabioso, porque para nosotras era muy importante que la gente viera que íbamos en serio con lo que estábamos haciendo.

Debéis de haber viajado mucho ya. ¿Recuerdas alguna anécdota divertida que me puedas contar?
¡Qué difícil! Viajamos todos los días y ni siquiera tenemos una casa. Cada día visitamos ciudades nuevas y siempre decimos que nuestro hogar está en todas partes, de modo que me es muy complicado escoger una sola anécdota divertida porque todo en realidad ha sido una aventura, desde dormir en una piscina vacía a la intemperie hasta dormir en un castillo. Todo cambia constantemente.

¿Entonces viajar es lo que más os gusta? ¿O disfrutáis más grabando o actuando?
Lo que más nos gusta hacer es actuar en vivo. La conexión con el público, conocer a la gente que escucha nuestra música, es algo alucinante. Eso es sin duda lo mejor.

Debe de ser increíble ver cómo el público se sabe las letras de tus canciones.
Es surrealista, en serio. Es lo mejor que te puede pasar como artista, que la gente coree tus canciones y que sienta lo mismo que tú.

El disco está muy influido por el sonido EDM. De hecho alguien podría reproducirlo entero en un club y funcionaría perfectamente. Pero también hay grandes ganchos, con lo que también está bien para escucharlo en casa. ¿Os es difícil encontrar un equilibrio entre la fuerza de vuestro sonido y las melodías?
Para nada, ocurre de forma muy natural. Siempre decimos que no tenemos reglas, simplemente vamos al estudio y hacemos lo nuestro y cuando tenemos algo acabado lo llamamos pop. Pero nos influye todo, desde el pop comercial hasta el underground, desde el EDM hasta el reggae, la música clásica… Creo que es divertido sentirse con la libertad de mezclarlo todo. Y me alegra que a la gente le apetezca escuchar el disco tanto cuando se van de fiesta como si está en casa.

Mi canción favorita del disco es ‘Ready for the Weekend’. Parece que os lo pasasteis muy bien haciéndola. Tiene ese sample vocal como ardillesco que da hasta un poco de miedo.
¡Sí! Esa canción surgió porque desde siempre nos han encantado los clubs. Hay algo romántico en el hecho de ir a una discoteca y ver que todo el mundo está ahí por la música y que hay un montón de gente bailoteando en la pista y sudando, y las luces de neón también… así que empezamos a referirnos a ello como nuestra religión y por eso suena un coro eclesiástico al principio de la canción. Por un tiempo, cuando vivíamos en Londres, vivíamos para los clubs, así que es divertido pensar en cómo surgió. La hicimos junto a Leolv, uno de nuestros productores favoritos.

¿Cómo ha sido trabajar con productores como Patrik Berger o Leolv?
Adoramos a Patrick Berger, a Leolv y a Style of Eye. También trabajamos con productores pop como Shellback, Benny Blanco y Stargate. Esa es la clave, creo que es divertido mezclar y tener la posibilidad de hacer cosas muy diferentes.

El disco, por lo menos en cuanto a su sonido, es una fiesta continua, ¿pero es este tipo de música la que escucháis ahora mismo?
¡Vaya! Escuchamos tantos estilos musicales distintos. Antes de salir al escenario escuchamos «desert blues», y también un estilo africano muy meditativo que está muy bien. Pero a veces escuchamos puro hardcore techno, o pop. Depende mucho del momento porque cuando uno escucha música es porque anhela una sensación, así que nuestros gustos son muy variados.

Echando un ojo a los créditos del álbum pensé en lo controvertido que es este tema actualmente, sobre todo cuando se trata de música pop. La opinión general parecer ser que el pop no tiene ningún valor porque a veces los créditos pueden llegar a incluir cuatro o incluso más nombres, por lo que la gente asume que la música pop no es honesta y que escribir una canción no toma demasiado trabajo. ¿Tú qué piensas al respecto?
No sé cómo lo hacen los demás porque eso es algo muy individual, pero nosotros solo colaboramos con gente que realmente admiramos y queremos. Normalmente empezamos con los ritmos y sobre eso escribimos algo porque tampoco nos queremos bloquear con el tema de qué notas usar y eso. Pero a veces hay más de un productor en el estudio, puede que incluso cinco y entonces empiezas de cero. Lo más importante es que colaborar con gente es divertido porque percibes mucha energía en el ambiente y todo el mundo da lo mejor de sí. Eso no hace que la música sea menos honesta. Simplemente puede que haya gente contribuyendo a tu trabajo y eso hace que colaborar sea muy divertido y componer muy animado.

Está bien que lo aclares porque, como fan de la música pop, suelo leer muchas críticas en contra por culpa de este tema.
¡Sí, lo sé! Mucha gente piensa que es fácil y en realidad hay un montón de esfuerzo detrás. A veces disfrazamos nuestras emociones con melodías más alegres pero incluso la canción más popi lleva muchísimo trabajo.

Citáis a Robyn, *NSYNC y a Britney Spears, entre otros, como algunas de vuestras principales referencias. ¿Esperáis convertiros vosotras en una influencia en el futuro?
¡Eso espero! Ojalá la gente escuche nuestra música y se sienta inspirado. Sería un honor.

Volviendo a ‘I Love It’, no sé si sabes que una banda española llamada Nancys Rubyas hizo una versión del tema y que llegó al top 10 aquí en España.
¡Vaya, no tenía idea!

No es que sea buenísima, pero fue un éxito.
¡Eso es genial!

Sleigh Bells / Bitter Rivals

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sleighbellsToca subir el volumen: Sleigh Bells han vuelto. ‘Bitter Rivals’ es el tercer disco de la banda de Brooklyn en cuatro años y el primero en el que su miembro femenino, Alexis Krauss, ha escrito casi todas las melodías. De hecho es ella la que saluda nada más abre el disco con el tema titular, con un histérico “hey!” acompañado después del desenvaine de una espada, los chasquidos de unos dedos y el ladrido de unos perros. “Eres mi enemigo / pero te necesito para sobrevivir”, canturrea en el estribillo, en su dulce estilo.

Todo ‘Bitter Rival’, producido por el miembro masculino del grupo, Derek Miller, y mezclado por el habitual de Kanye West Andrew Dawson, está así marcado por la sensibilidad melódica de Krauss, quien en ocasiones parece querer revivir su pasado como cantante de un grupo de pop con unas melodías un tanto chiclosas como la de ‘Young Legends’ o la de la algo ridícula –y no solo por la letra– ‘Minnie’. Pero son al fin y al cabo canciones irresistiblemente pegadizas y, sobre todo, lo suficientemente distinguibles como para que la homogeneidad del sonido Sleigh Bells no se las termine comiendo.

Miller, que describe ‘Bitter Rivals’ como un disco más alegre tras haber superado la muerte de su padre (desgracia que ensombreció el sonido del anterior trabajo del grupo) entrega por su parte más agresivos guitarrazos metal (‘You Don’t Get Me Twice’) y más teclados propios del rock ochentero (‘Sing Like A Wire’) en una colección de canciones de electro-rock adrenalínico impulsada de nuevo por ritmos espaciosos y heroicos, algunos más negros que otros (‘Love Sick’), y acentuadamente lo-fi. Es decir, lo de siempre.

Ese es el mayor problema de ‘Bitter Rivals’, y es que cuatro años después de la publicación de ‘Treats’, aquel pionero debut que sorprendió a todos y sigue sonando tan fresco y “cool” como el primer día, Sleigh Bells apenas evolucionan musicalmente a cada disco que sacan. Cabe preguntarse hasta qué punto quiere la banda probar cosas distintas con su sonido cuando deja tan poco margen entre disco y disco, y es innegable que su habilidad para componer canciones memorables sigue intacta, pero igual es momento de probar algo distinto. ¿O quién escogería esto frente a ‘Treats’?

Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘Sugarcane’, ‘Young Legends’, ‘Sing Like A Wire’
Te gustará si te gusta: M.I.A., Crystal Castles, Dan Deacon
Escúchalo: Página oficial

Bassmatti & Vidaur fichan por Jabalina y telonean a The Pastels

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bassmatti-vidaurJabalina ha anunciado el fichaje de Bassmatti & Vidaur. El dúo donostiarra debutó con ‘Apropósito‘ en Birra y Perdiz, si bien ha estado también involucrado por separado en distintos proyectos vinculados al Donosti Sound.

El año que viene sacarán disco pero antes, en unos días, tendrán el privilegio de telonear a The Pastels. Será el 18 de octubre en Zarautz (Guipúzcoa). Además, el miércoles 16 de octubre Bassmatti en solitario también teloneará a The Pastels en el Teatro Lara de Madrid.

Revelación o Timo: Wardell, los hijos «indies» de Spielberg

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wardellWardell son a primera vista un grupo normal. Un dúo formado por dos hermanos de Los Ángeles que según su biografía oficial se conoció en una cita organizada por sus padres. Pero el dato importante es: ¿quién es su padre? Pues nada más y nada menos que un señor de nombre Steven Spielberg. Theo (adoptado por la mujer de Steven antes de conocerle) y Sasha Spielberg son los integrantes de este grupo que anteriormente respondía al nombre Brother/Sister con el que publicaron en 2011 ‘The Accidental Zoo’.

Con este trasfondo es normal que surjan todo tipo de prejuicios, pero si dejamos que su música hable por sí misma, es un dúo bastante interesante que puede recordar a bandas como Tennis o Summer Camp. Tomemos como ejemplo este ‘Opossum’ colgado en su Soundcloud hace dos años.

Las últimas noticias que nos llegan del dúo es que ha sido fichado por el todopoderoso Jay Z para su sello Roc Nation y publicará su disco de debut oficial en 2014. También han sido incluidos dentro de alguna lista como artistas a los que tener en cuenta para el futuro junto a otros ahora más conocidos como Solange o Haim. Además han publicado otro tema nuevo titulado ‘Call It What You Want’ que debería disipar cualquier duda de su calidad por ser «hijos de».

Gisela, en plan DIVA

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gisela-divaDe buenas a primera Gisela se ha convertido en una DIVA, así en mayúsculas. Y desde su posición ha estrenado un videoclip en el que se pasean un grupo de famosos, aunque nadie puede eclipsar a la verdadera estrella de este ‘Sugarwood’: Gisela. Lo mismo vestida de oficinista, de azafata o recién quitados los rulos, ella no pierde el glamour en ningún momento. Mención especial merecen la cabeza de maniquí, que parece sacada de alguna pesadilla de David Lynch, y esos movimientos de manos de los primeros segundos mientras cae una lluvia que no moja a la artista. Y además el clip tiene mensaje -aunque sea lo que menos importa- y más de un minuto de créditos y fotos del rodaje que ha dirigido la propia Gisela junto a Pol Turrents. Lo dicho, una DIVA.

Skrillex, por el mundo

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diplo--Skrillex no tiene claro si finalmente optará por el lanzamiento tradicional de un álbum, o si seguirá como hasta ahora reuniendo su música dentro de EP’s. Mientras se decide sobre cuál será el formato de su próximo lanzamiento, ya ha publicado un nuevo tema en colaboración con Alvin Risk, productor fichado por su propio sello. Otra versión de la canción ya estaba incluida en un videojuego el año pasado, pero es ahora cuando estrenan un videoclip para acompañar a este ‘Try It Out (Neon Mix)’ que sigue al ex novio de Ellie Goulding por todo el mundo entre sesiones y aventuras varias. Casi lo más interesante del clip es intentar reconocer a algunas de las caras que aparecen entre los múltiples planos de Corey Feldman Skrillex y Alvin Risk, entre ellos Diplo, Grimes, A-Track, Liam Howlett de Prodigy o el actor Jack Black.

Gossip y Mcenroe, también al BIME

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gossip-getajobAparte de las apuestas más que interesantes de Manic Street Preachers, Patrick Wolf, Yuck, Soleá Morente y Los Evangelistas, John Grant, Jay-Jay Johanson y Mark Lanegan, el Bizkaia International Music Experience, también conocido por sus siglas BIME, suma nuevos nombres a su programación.

Gossip y McEnroe son las dos confirmaciones de lujo, que junto al dúo Bakelite, cierran el cartel del festival que se celebrará del 19 al 23 de noviembre en el Bilbao Exhibition Centre de Barakaldo. Además ya se puede consultar la distribución por días de las actuaciones en su página oficial y se puede aprovechar una oferta de bono con precio rebajado disponible solamente hasta el día 22 de este mismo mes.

Fleetwood Mac, o cómo molar a los 60

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fleetwoodmac2013Fleetwood Mac nos marearon durante años con rumores sobre una gira de reunión que finalmente se confirmaba este 2013. El tour recorre estos días Europa sin pisar España y los motivos son fáciles de adivinar: cuesta imaginar un estadio en nuestro país como el Ziggo Dome de Ámsterdam -con capacidad para 17.000 personas- casi lleno hasta la bandera para ver a la banda de John McVie y Mick Fleetwood, más teniendo en cuenta el precio de las entradas (en torno a los 70 euros), la acentuada crisis en la que sigue inmerso nuestro país, la problemática del IVA cultural que impide que muchas bandas se acerquen, la falta de público para el grupo o su puta madre.

Antes de que pasasen otros 10 o 20 años sin Fleetwood Mac, viajar para comprobar cómo suena uno de los grupos más citados de la historia era demasiado tentador. Con una profesionalidad máxima y una complicidad que era difícil suponer en una banda con un pasado personal tan turbulento como el de los miembros del grupo, la banda se muestra a la altura de las expectativas, o incluso va más allá: del temor a que no salieran a escena provocado por unos minutos de retrasillo, se pasó a desear que se fueran después de dos grupos de bises con bien de solos de batería y guitarra que alargaron el asunto hasta casi las tres horas de duración. Un tiempo que yo al menos no querría pasar casi con nadie.

Pero eso eran también Fleetwood Mac. Antes de ser considerado un grupo «cool», que ha influido en toda una generación de gente de moda ahora o hace dos años como Haim o Summercamp, fueron un grupo al que citaba sólo gente tan colgada como Smashing Pumpkins o Courtney Love o que recibía tributos y versiones de gente tan poco bien vista como The Corrs o Jewel. Para muchos han sido siempre unos apestados de la M-80, unos moñas del AOR que encima mostraban su virtuosismo sobre las tablas. Personalmente los desprecios hacia lo que suena en la emisora me aburren (como si todo lo que cagaran los blogs de ahora fuera oro) y no puedo (ni quiero) evitar que muchas de las canciones de Fleetwood Mac sigan estando entre mis favoritas a pesar de que hace muchos años que no publican un disco excepcional, ni probablemente vuelvan a hacerlo.

Su concierto, que se abre con un altísimo golpe de batería como para recordar quién es el fundador del grupo, arranca con una potente ‘Second Hand News’, continúa con una muy americana y pantanosa ‘The Chain’ y levanta las primeras ovaciones mayúsculas con la siempre emocionante ‘Dreams’. La pregunta era inevitable: ¿estábamos ante un concierto de recuperación de ‘Rumours’, su disco de mayor éxito con más de 20 millones de copias vendidas, al completo? En absoluto. Desde el principio se planteaba esta gira como una reivindicación de ‘Tusk’, el disco doble que editaron justo después y que ni por asomo logró el mismo impacto comercial «porque a veces la industria te da la espalda». Así, sonaron seguidas ‘Not that Funny’, la infalible por sus percusiones canción titular, ‘Sisters of the Moon’ y mi favorita ‘Sara’. Y además, en cualquier caso, ninguno de sus álbumes populares podría haber sonado al completo si recordamos que Christine McVie abandonaba la banda en 1998 porque prefería retirarse de la vida pública. La amistad la animaba a aparecer en un par de los muchos conciertos de Londres el pasado mes de septiembre -ellos siempre fueron mucho más famosos en los países anglosajones- para interpretar ‘Don’t Stop’, la última canción del primer bis, pero no era más que una excepción. Sus canciones no suenan en el repertorio y eso significa que nos quedamos sin escuchar en vivo ‘You Make Loving Fun’, además de otras como ‘Everywhere’ o ‘Little Lies’.

Pero eso tampoco termina de mermar el desarrollo del concierto. Incluso el solvente nuevo single ‘Sad Angel’ o ‘Without You’ del mismo nuevo ‘EP‘, ésta con la pertinente explicación de Stevie Nicks de unos 35 minutos sobre el origen de la canción -es una grabación perdida del 74 y la más bonita según ella de las dedicadas al guitarrista Lindsey Buckingham, su ex- entretienen. «Absolutamente todo el mundo en internet sabía que esta canción se había filtrado menos yo porque no tengo ordenador ni móvil ni nada de eso», indicaba.

Entre su simpatía y la de Lindsey, que habló sobre cómo ‘Big Love’ había cambiado de significado para él, de ser una canción sobre protegerte del amor a ser una sobre el cambio, todavía a día de hoy es imposible elegir qué vocalista es tu favorito. Lindsey deslumbra en la versión reducida de ‘Never Going Back Again’ (aunque sí, la gente también habla en los conciertos en Holanda). Stevie lo hace en ‘Rhiannon’ y sobre todo en ‘Gypsy’. Ninguno de los dos se ve ensombrecido por las dos coristas prácticamente inaudibles y ambos comparten la cumbre del concierto: la interpretación de tres de sus mejores canciones, seguidas. Me refiero a ‘Sara’, en cuyo final Stevie se acerca a Lindsey para darle un sentido abrazo; después la ya famosa versión acústica de ‘Big Love’ con Buckingham en solitario tocando la guitarra como si tuviera cuatro manos e interpretando su final completamente desgarrado; y luego un ‘Landslide’ con la ex pareja en acústico dándose la mano en una de sus pausas. Imposible no pensar que ese «I’m getting older’ no adquiera un nuevo significado a cada día que pasa.

Hay momentos más áridos hacia el final del concierto, como la extensión de ‘Stand Back’, con unos solos que sólo le perdonamos a la siguiente del tracklist, ‘Go Your Own Way’. Pero el show vuelve a remontar con esta canción, la más conocida, o con la esperable dosis macarra de Mick en ‘World Turning’, cuyas zapatillas rojas y aparatosa batería ya me hubiera gustado ver de cerca. Al final, un ‘Say Goodbye’ con Lindsey y Stevie cara a cara que despierta hasta el deseo de bucear en los discos menores de la banda para encontrar joyas y dobles sentidos. ¿Será impostado el cariño que aún se profesan sobre el escenario, el gracejo con el que recuerdan los días como limpiadora de Stevie o la posibilidad de hacer una TV movie sobre aquello? Si así fue, qué bien disimulado… 8.

El acústico de Veronica Falls es en…

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VERONICA FALLS_baixaVeronica Falls actúan hoy viernes 11 de octubre en el ciclo #GetLoud de Converse del que os hemos hablado en las últimas semanas y que ya trajo a Madrid a Triángulo de amor bizarro y a Yuck.

El lugar era secreto y todos los que os registrarais en Converse.es recibiréis un mensaje en breve, pero os podemos avanzar que el show acústico será en el Garito de Converse (c/Barceló, 9) a las 19.30 horas.

El aforo es limitado: el que primero llegue, entra. ¡Corred!

Kate Nash, una chicá ye-yé

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Por si alguien aún no ha pillado la influencia retro del último disco de Kate Nash, la británica se ha grabado un vídeo a juego con el sonido de su siguiente sencillo, ‘Fri-End?’. Multiplicada y luciendo vestidos de colores, la cantante acompaña el videoclip con bailes entre el punk y el ye-yé. Pelucas de colores, pantallas divididas y efectos sesenteros intentan amenizar estos tres minutos y medio en los que Nash termina de darnos las pistas necesarias sobre sus intenciones con ‘Girl Talk’.

Robbie Williams estrena ‘Go Gentle’

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De Robbie Williams ya sabíamos que en este tramo final del año publicaría la continuación de su disco de 2001 ‘Swing When You’re Winning’. Incluso pudimos escuchar un primer adelanto de ‘Swings Both Ways’, uno de los temas inéditos que se mezclarán con versiones de grandes clásicos del jazz con la compañía de Lily Allen, Rufus Wainwright o Michael Bublé. Ahora el artista estrena el verdadero primer sencillo oficial del disco, ‘Go Gentle’, otro de los temas nuevos que ha compuesto el propio Williams en colaboración con su inseparable Guy Chambers. Además lo estrenan acompañado de un bonito «lyric video» animado.

Julia Holter / Loud City Song

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jholterJulia Holter visitó nuestro país en verano con una banda exquisita compuesta por batería, violín, violoncello y saxofón. Un acompañamiento atípico para una música atípica: muy pronto se fueron vaciando los asientos de aquellos que pensaban que asistían a un concierto de pop.

A pesar de destellos tarareables como ‘In the Same Room’ o ‘Goddess Eyes’, el grueso de la producción de la californiana va por otro lado. En su tercer disco, ‘Loud City Song’, repite la jugada con pequeñas perlas como ‘This Is a True Heart’, que volverá a engañar a los aficionados al pop precedido por las etiquetas dream o soft. Sin embargo, lo más interesante de este álbum –el primero que graba en un estudio profesional- se encuentra en el equilibrio que ha alcanzado entre su sensibilidad melódica y sus aspiraciones experimentales.

‘Loud City Song’ está basado en ‘Gigi’, novela de la escritora francesa Colette centrada en una sociedad de apariencias como la del París de finales del XIX. Holter traza un puente fantasmal entra esta y Los Ángeles de principios del XXI con una obra contemplativa pero sin ser ambient. Como si de una narración cinematográfica se tratara, el disco se abre con la misteriosa ‘World’, una introducción que da paso a ‘Maxim’s I’ (como un mítico restaurante parisino), donde el rasgueo de los platos con las escobillas y un teclado etéreo nos empujan como si fueran oleaje al interior de la ciudad.

La sensación de estar dentro de una película se acentúa en ‘Horns Surrounding Me’, que empieza con los pasos de alguien huyendo y continúa con vientos simulando cláxones y unas cuerdas en staccato que dan mayor sensación de tensión a las melodías disonantes y las armonías retorcidas de Holter. Acto seguido se adentra en el mundo de apariencias como si fuera en una selva en la algo exótica ‘In the Green Wild’, donde “un árbol es todavía un árbol” pero de repente “el árbol dice «wa wa» y el lenguaje es extraño”.

El momento álgido llega cuando Holter se encuentra a alguien especial en ‘Hello Stranger’, tema de una belleza fría pero emocionante como un atardecer de septiembre, con las cuerdas ascendiendo en un crescendo que no acaba. Y de repente aparece ‘Maxim’s II’ como un sueño grotesco y regresa la confusión, con más fuerza que nunca. ‘He’s Running Through My Eyes’ es el reverso de ‘Hello Stranger’, llena de una nostalgia punzante a la que el piano da un punto de luz y que podría figurar en la banda sonora de ‘Blade Runner’. ‘This Is A True Heart’, lo más pop del conjunto, parece poner un broche final a la historia con una canción de rasgos afrancesados, exquisita y decadente. El epílogo lo marca ‘City Appearing’, rozando el ambient, entre Julianna Barwick y la banda sonora de ‘American Beauty’, que acaba como una neblinosa canción de Anna Domino.

La música de Julia Holter no es pop de estrofa-estribillo-estrofa pero tampoco es plenamente experimental. Proveniente de un clasicismo sin ínfulas, no puede ser descubierta a primera vista, como no se puede descubrir la ciudad desde el taxi o la habitación del hotel. Necesitas bajar y callejearla sin un objetivo específico, sintiendo la frialdad de las fachadas de piedra, los cuidados escaparates, los perros ladrando alegremente y, por qué no, el mal olor al pasar al lado de un cubo de basura. Es lo que te hace sentir que está viva.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Horns Surrounding Me’, ‘Hello Stranger’, ‘This Is a True Heart’
Te gustará si te gusta: Björk, Arthur Russell, Julianna Barwick
Escúchalo: Deezer

Juveniles, hoy en Barcelona

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juvenilesJuveniles han sido uno de los protagonistas del verano, al menos para nosotros, que incluimos su fantástico tema ‘Fantasy’ -con vídeo de estética 10- en nuestro recopilatorio anual ‘Lo + sabrosón 2013‘. El dúo francés defendido por el sello «garantía de calidad» Kitsuné ha publicado este año un debut producido por Yuksek e influido por gente como Cut Copy, Chromeo y Two Door Cinema Club, con todas las armas para conquistar a los fans del mejor pop hedonista. Hoy lo presentarán en la Sala Razzmatazz de Barcelona.

Junto a este pepinazo, también cuentan en su disco con el primer single ‘Strangers’ o el último ‘Washed Away’, para el que también estrenaban vídeo este verano. Además, al tiempo que su disco lograba una entrada en el top 200 de los más vendidos en Francia, se atrevían a versionar ‘Stay’ de Rihanna. Os dejamos con todo ello y un directo que ha subido la propia banda a su canal de Youtube hace justo una semana y que da una buena pista de lo que podría ser el final de su concierto de hoy.

Atoms for Peace versionan el tema que inspiró ‘Blurred Lines’

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Texas no han sido los únicos que han versionado a Marvin Gaye en un concierto reciente. También lo han hecho Atoms for Peace, el último proyecto de Thom Yorke, a su paso por México. La calidad de sonido del correspondiente vídeo de Youtube es penosa, pero merece la pena escucharla porque se trata de ‘Got To Give It Up’, el tema por el que la familia de Marvin ha llevado ‘Blurred Lines’ de Robin Thicke ante los tribunales.

Happy Mondays cancelan en Barcelona

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happymondays-reunionEl evento en el que tenían que actuar Happy Mondays en Madrid era cancelado hace unas semanas. Y ahora el grupo también cancela la actuación que iba a tener lugar en casi las mismas fechas, el viernes 18 de octubre, en Barcelona. El comunicado de la sala Razzmatazz hace alusión a la confusión vivida durante las últimas semanas en el management del grupo y a su «penosa gestión», mientras que el del mánager de la banda habla de «situaciones imprevistas» y espera que puedan volver en 2014. Este es el de Razzmatazz:

«Por motivos absolutamente ajenos a Razzmatazz, lamentamos comunicar que el concierto de Happy Mondays previsto para el próximo viernes 18 de octubre queda cancelado. Tras varias semanas de incertidumbre, ante la filtración de rumores e informaciones cruzadas sobre la posible cancelación de este concierto, y ante el silencio del management del grupo al respecto, finalmente hoy viernes 11 de octubre el grupo, a través de sus representantes, ha comunicado escuetamente la cancelación de su concierto en Razzmatazz sin alegar ningún motivo concluyente para haber tomado esta decisión.

La sala Razzmatazz y Miles Away, la promotora del concierto, lamentan profundamente esta situación y quieren manifestar su enorme descontento ante el comportamiento y la penosa gestión de esta situación por parte del grupo.

El resto de la programación prevista para la noche del viernes 18 de octubre queda tal y como estaba prevista, con el resto de artistas del Grand Tour Manchester, Mani (The Stone Roses / Primal Scream), Soulsavers djs, Gato y Manchester Bar djs. Así como la programación del resto de salas, con la fiesta Bugged Out con Skream y Mykki Blanco, y nuestros residentes Sidechains y Sanatruja.

Para quienes lo deseen, la devolución del importe de las entradas se hará a través de los canales habituales de compra. Para quienes las hayan adquirido a través de Codetickets, deberán mandar un correo a info@salarazzmatazz.com».

Y este es el comunicado del mánager del grupo:

«Lamentamos mucho anunciar que tenemos que posponer el concierto de Happy Mondays en Razzmatazz Barcelona debido a circunstancias imprevistas. El grupo y el management envían sinceras disculpas a los organizadores del evento y a los fans, con la esperanza de poder reubicar el concierto el año que viene. Nos gustaría agradecer a la promotora todo el trabajo desempeñado para intentar que esto tuviera lugar. Sentimos los inconvenientes».

Último pase de ‘Searching for Sugar Man’ con concierto homenaje

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Hace meses que os hablamos del exitazo de ‘Searching for Sugar Man‘ en la cartelera española, donde se ha convertido en un «sleeper» a pesar de haberse estrenado con pocas copias. A pesar de su llegada a plataformas como Filmin, la cinta ha seguido en cartelera, y lo estará hasta el jueves que viene. Han sido 33 semanas en cartel y más de 100.000 espectadores.

Con motivo de la última sesión, el próximo 17 de octubre, a las 20.20h, se realizará el último pase de la película sobre Rodríguez en los cines Renoir Plaza de España. Además, el Grupo Ernest (conocido por realizar versiones de R.E.M., Oasis, U2 y Fool’s Garden en la calle Preciados de Madrid) versionará algunos de los temas del artista antes de la proyección. Los asistentes a este pase especial recibirán un regalo por cortesía de Avalon y Cines Renoir. La sesión será numerada y las entradas ya están disponibles en internet.

Borrado el vídeo de Disclosure por «glamourización de las drogas»

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disclosure-help‘Settle‘ de Disclosure, uno de los álbumes del año en las listas británicas, tiene ya nuevo single, el sexto si la cuenta no nos falla. El escogido es el evocador ‘Help Me Lose My Mind’ junto a London Grammar, para el que se ha decidido retratar a unos jóvenes visiblemente colocados a bordo de un autobús. El álbum permanece como favorito en las casas de apuestas para el Mercury Prize, incluso por encima de Bowie y James Blake, pero con la gran Laura Mvula pisándoles los talones.

Actualización: El vídeo ha sido borrado por el propio sello según informa Fact Mag debido a los comentarios recibidos en Youtube. «PMR está en contra de la glamourización de las drogas de cualquier forma o manera y por eso hemos decidido borrarlo».

Gracias a Sr_Antxonio en el foro de Disclosure por el aviso.

El hit: ‘PrimeTime’, Janelle Monáe habla sencillamente del primer amor

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janellemiguelHace unas semanas, los lectores de JENESAISPOP volvíais a votar un tema de Janelle Monáe, ‘Primetime’, su delicioso dúo junto a Miguel, como número 1 de nuestro top. Aprovechando hoy el estreno de su vídeo, la canción pasa por nuestra sección «El Hit».

El vídeo de ‘PrimeTime’ muestra el romance de la protagonista del último disco de Janelle Monáe, Cindi Mayweather, interpretada por ella misma, y Joey Vice, interpretado por Miguel. Según la descripción de Youtube, «‘Primetime’ es la historia de amor basada en las primeras aventuras de Cindi Mayweather y su primer amor Joey Vice». Ella es una «cibercamarera» para clientes de alto standing «en un barrio peligroso de la Metrópolis conocida como «Slop City»». El texto revela también que la «música cibersoul» tocada en este lugar -al principio la vemos elegir estilo y velocidad- la inspirará en el futuro para «cantar y tocar sus propias composiciones innovadoras». Se concluye: «además, Cindi decidirá cambiar la percepción del público de lo que una «electric lady» puede ser, soñar o aspirar a hacer tras trabajar en malas condiciones en el club».

Como podéis comprobar, el vídeo está lleno de autorreferencias al micromundo que Janelle Monáe ha creado en compañía de su equipo de artistas profesionales. ‘Electric Lady‘ es evidentemente una referencia al nombre del disco que contiene este ‘Primetime’, «Metrópolis» al futurista emplazamiento en el que suelen situarse sus álbumes conceptuales (este último es la parte 4 y 5 de las 7 totales), el rosa que vemos en billetes, bebidas, paredes, sofás e iluminación es el mismo de la portada del álbum y, lo que es más importante, los abusos sufridos por la camarera encierran una reflexión sobre el feminismo, como muchas de sus canciones.

‘PrimeTime’ es una composición de la propia Janelle Monáe junto a Irvin III, Joseph II, Roman GianArthur Irvin y el artista invitado Miguel Pimentel. A todos excepto el último podemos encontrarles en el equipo de trabajo encabezado por Janelle en Wondaland (que por supuesto aparece como productora de este vídeo). Roman GianArthur también ha sido ingeniero de sonido para Big Boi y ha publicado su propio material. Además, Irvin III y Joseph también han colaborado con Big Boi y Outkast (‘Idlewild’) como autores y productores o incluso a los coros.

Los productores son casi los mismos solo que en algunos casos con otros nombres: Nate «Rocket» Wonder (alias de Irvin III), el mencionado GianArthur y Chuck Lightning (alias de Joseph II), además de la propia Monáe como co-productora.

El último -o primer, según se mire- colaborador es Miguel, de sobra conocido entre nuestros lectores. El año pasado editaba el notable ‘Kaleidoscope Dream‘ y aparecía entre las mejores canciones de 2012 para nuestra redacción. Poco a poco ha ido haciéndose más famoso por diversos motivos y este año casi lograba merendarse a Mariah Carey en su mini hit de «comeback» ‘#Beautiful‘. En el vídeo nuevo aparece con una cazadora con el logo del sello independiente de punk californiano Fat Wreck Chords, pero la lista de artistas con los que ha trabajado Miguel sólo en este 2013 ha sido menos punk: Big Sean (‘Ashley‘), Talib Kweli (‘Come here‘) y J. Cole (‘Power Trip’).

El director Alan Ferguson reúne a algunos de los artistas relacionados, al haberse encargado de ‘Party’ de Beyoncé con J Cole o ‘Green Light’ de John Legend con André 3000. También se ha encargado de ‘Hot n Cold’ de Katy Perry, ‘Night is Young’ de Nelly Furtado, varios trabajos de Fall Out Boy o el propio ‘Many Moons’ de Janelle Monáe.

A pesar de los recovecos que suelen tener las composiciones de Janelle Monáe, esta es simplemente una canción de amor muy clara y tan grande como un piano. Lo dejan en evidencia frases como «nuestro amor siempre permanecerá verdadero y fiel» o «es el mejor momento para nuestro amor». Con toda probabilidad, debido a su carácter clásico, la canción sea también una de las más «clásicas» en cuanto a sonido: una balada R&B en la que encajan a la perfección guitarras eléctricas (Prince colabora en el álbum pero no en esta canción) y cuerdas. Apenas la única curiosidad es la referencia a la música que hace cada uno en su estrofa «esta noche estaremos tú y yo solos, no llamaré a nadie y ni siquiera escribiré una canción», en relación también con el concepto musical que explicaba el vídeo.

Janelle ha hablado tanto en las entrevistas de la colaboración con Prince, de cuánto tuvo que pellizcarse para poder creérselo, de la ilusión que le hizo que él la contactara ya con el primer EP para felicitarla por su trabajo y por publicar a través de su propio sello; que no ha hablado tanto de Miguel, quizá porque esta canción se define muy claramente por sí misma. Sin embargo, en Pitchfork sí citó a Miguel y también a Solange entre los artistas que la han influido por estar llevando el R&B a nuevos lugares. «En algún lugar el R&B llegó a perderse. Los responsables han reciclado sonidos sin mantener la esencia y la musicalidad se ha reducido. Yo quería hacer uno de esos grandes discos de R&B del año, resultando innovador al mismo tiempo».

janelle-miguelComo single, ‘Primetime’ fue lanzado el 19 de agosto, si bien no hubo remezclas, ni caras B, ni vinilo y ni siquiera ha sido todavía interpretado en vivo. No sonó al paso de Janelle por el iTunes Festival, quizá debido a la ausencia de Miguel. Quizá haya más suerte en la gira que durante este otoño se desarrollará en Estados Unidos. Hubo, desde el principio, eso sí, portada para el lanzamiento digital.

De momento Janelle no ha terminado de tener suerte con sus singles y es más una artista de álbumes. ‘The Electric Lady’ ha sido top 5 en Estados Unidos, top 14 en Reino Unido, top 11 en Dinamarca y top 44 en España, logrando posiciones similares a nuestro país en Francia (50) o Alemania (68). Mediatraffic estima las ventas del álbum de momento en torno a las 100.000 copias en todo el mundo.

En nuestro site, ‘PrimeTime’ es el segundo número 1 de Janelle tras ‘Q.U.E.E.N.‘ junto a Erykah Badu (‘Dance Apocalyptic’ perdió su batalla contra ‘Painful Like’ de Austra); y el primero para Miguel (‘#Beautiful’ no pudo hacer nada contra Bowie, entre otros; ni ‘Adorn’ contra M83).

‘Gone’ de Kanye West, un hit 8 años después

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mariashifrinComo muy bien sabe Miley Cyrus, las visualizaciones de una canción en Youtube cuentan desde hace unos meses para el Billboard Hot 100. El viral de la trabajadora como editora de vídeos de noticias que decide comunicar a su jefe que deja su trabajo a través de Youtube, tras haber sacrificado «relaciones personales, tiempo y energía», mientras que él «sólo se preocupaba por las visitas», ha sido visto 15 millones de veces.

Ah, de fondo suena muy apropiadamente ‘Gone’, una canción incluida en ‘Late Registration’ de Kanye West que decía «What you rappers could get is a job from me / Maybe you could be my intern, and in turn / I’ll show you how I cook up summer, in the winter». Billboard ha considerado que, al haber sido escuchada tantas veces, merece la posición número 18 en la lista de singles de esta semana. Como curiosidad, lo más alto que ha llegado un single de ‘Yeezus‘ este 2013 ha sido al puesto 65, ‘Black Skinhead’.

Azealia Banks remezcla ‘Work Bitch’ de Britney Spears

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No sabemos si porque, teniendo en cuenta su ritmo, le encanta lo de «work» o por lo que le gusta «bitchear» en Twitter, Azealia Banks se ha decidido a remezclar la nueva canción de Britney Spears, ‘Work Bitch‘. En la primera mitad ella es protagonista del rap y en la segunda aparece Britney. Y eso es todo, amigos.

Franc3s estrenan ‘El sentido de la lucha’

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franc3s-limboFranc3s no olvidan al desaparecido artista Alberto Gende, que solía encargarse de su arte, como fue el caso de la portada de ‘Campanas de fuego rosa‘. Hoy viernes 11 de octubre habría cumplido 41 años, por lo que han decidido dedicarle el nuevo tema ‘El sentido de la lucha’, un corte que habla «de amor y amistad, algo por lo que siempre hemos creído que merece la pena luchar». El corte, grabado por Roberto Mallo y de segunda parte muy intensa, estará incluido en el tercer álbum de la banda, que saldrá ya en 2014.

No has oído el próximo single de Lady Gaga

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A pesar de que Lady Gaga llegó a preguntar cuál de las canciones nuevas interpretadas en el iTunes Festival gustaba como segundo single de ‘ARTPOP’ tras ‘Applause‘, y los nombres de ‘Sexxx Dreams’ o ‘Swine’ llegaron a sonar como favoritos de sus fans, finalmente ninguna de ellas será el sencillo oficial. ‘Venus’ -Botticelli es una influencia clara en esta era- será la elegida según ha anunciado la propia cantante en Twitter y aún queda bastante para que llegue a las tiendas: será el 27 de octubre. Además, os recordamos que sucederá al corte ‘Aura’, que encabeza el tracklist del álbum.

Supersubmarina hablan sobre la broma del secuestro de Delorean

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supersubmarinaCon motivo de un concierto ofrecido este jueves desde los Red Bull Studios de Madrid y que se ha podido escuchar en formato «silent band» con auriculares desde la céntrica plaza de Callao, Supersubmarina, autores de ‘Santacruz‘, concedían una entrevista a Público, que dejaba el siguiente titular en este periódico: «Estamos deseando que nos secuestren».

El grupo se refiere naturalmente al secuestro sufrido por Delorean a comienzos de esta semana. En un momento de la entrevista indican que ellos están encantados con su visita a México y el baterista del grupo Juanca concluye: «estamos deseando que nos secuestren porque ha cogido una repercusión impresionante y es un medio de promoción estupendo».

El medio abre el siguiente párrafo «dejando de lado las bromas con las que están en constante contacto este grupo» e indicando que la banda en ningún momento sintió sensación de peligro en este país. Pero hay tiempo todavía para una broma más: «Nuestra integridad física solo corrió peligro tras la segunda botella de Mezcal -tequila-«.

Delorean enviaban un comunicado este miércoles pidiendo respeto por su privacidad e indicando que su secuestro, de virtual tenía poco: «Lo que ocurrió desde que fuimos secuestrados fue una experiencia en donde las amenazas de muerte eran absolutamente reales debido fundamentalmente a la manipulación psicológica de la que son capaces los captores, auténticos profesionales del secuestro. (…) Esperamos que nuestra situación llame la atención sobre este tipo de abusos para que ninguna otra persona pueda convertirse en víctima en el futuro».

Actualización: En la mañana de este viernes el grupo escribía en las redes sociales, tanto Twitter como Facebook, lo siguiente de manera escueta: «De lo que dijimos (y cómo) a lo que ha sido publicado hay una diferencia grandísima. Cualquiera que nos conozca sabe que no pensamos así. La broma era por el sensacionalismo, es muy triste que se hable más de lo que pasa en torno a los grupos que de la música en sí misma».