Que el electropop sigue viviendo una época dorada no es nada nuevo. MNDR, el dúo formado por Amanda Warner y Peter Wade, que consiguió acapar la atención con su ‘Fade To Black’, que fue número 1 de JENESAISPOP (en su momento los entrevistamos), deja constancia de ello con el adelanto oficial de su primer álbum de larga duración.
A pesar de que cite como influencias a bandas como Kraftwerk, el dúo sigue recordando a Santigold o a La Roux. El nuevo single, que lleva por nombre ‘#1 in Heaven’, es una pista idónea para las pistas de baile. Un tema con el que desde luego se alejan de su balada ‘I Go Away’. El single se puede escuchar a través de Pitchfork.
El álbum, aún sin fecha de edición, saldrá este verano según este medio y esta canción se puede considerar «el primer single».
Con la publicación, en 2009, de la caja recopilatoria ‘Songs’ (que también incluía algunos descartes bajo el nombre de ‘Failed Songs’) Matt Elliott daba por terminada lo que se ha venido a llamar ‘The Songs Trilogy’. Esto es, la serie de canciones que -tomando como referente aquella inolvidable ‘The Sinking Ship Song’ de su debut en solitario- fueron dando forma a ‘Drinking Songs’, ‘Failing Songs’ y ‘Howling Songs’. Desde entonces, Elliott ha realizado algunas colaboraciones (Yann Tiersen, Chapelier Fou) y se ha animado a relanzar su proyecto más conocido, The Third Eye Foundation, con el todavía fresco ‘The Dark‘.
Por eso, el retorno, poco más de un año más tarde, de Matt Elliott a su proyecto en solitario pilla un poco de sorpresa. Da la impresión de que quiere tanto mantener los proyectos en paralelo como extender su carrera «folk» más allá de los límites que se impuso en los discos de la trilogía.
Sin embargo, que nadie piense que el músico de Bristol vuelve a donde lo dejó en ‘The Mess We Made’. Ni tampoco a donde indica la nota de prensa de la discográfica Ici d’Ailleurs (algo así como un punto medio entre sus dos proyectos). Ni hay el más remoto acercamiento a la electrónica ni se adentra en los terrenos opresivos y angustiosos de sus trabajos de drum’n’bass.
Más bien podríamos hablar de una especie de destilación que si bien no es nueva (no es igual el primero que el último disco de la trilogía) sí que -como pudimos comprobar en algunos temas que adelantó en su concierto en La Casa Encendida este verano- rompe de alguna manera con la base de canción marinera de taberna en la que se ha volcado estos últimos años.
De ese modo, este disco reposa más en una cierta obsesión por la sonoridad de la guitarra española en general y por Paco de Lucía en particular (según parece, su gran sueño sería tocar junto al gaditano). Eso lleva a algunos acercamientos al clacisismo y también al flamenco (muy tímidos, en ‘Oh How I Fell’ y en ‘The Pain That’s Yet To Come’). No obstante, la canción más larga del disco -tomemos aire-, ‘If Anyone Tells Me «It’s Better To Have Loved And Lost Than To Never Have Loved At Al», I Will Stab Them The Face’, gira alrededor del piano. Instrumento, por cierto, interpretado aquí por una de las hermanas Labèque que, curiosamente, también están relacionadas con el flamenco a partir de su disco conjunto con Mayte Martín.
En cualquier caso, temas arrebatados de corte más eslavo como ‘This is For’ o el que parece estar promocionándose más -‘Dust, Flesh and Bones’- no son muy diferentes a lo que nos podíamos encontrar en otras entregas anteriores. Con todo, este ‘The Broken Man» -mezclado por su amigo, aquí invisible, Yann Tiersen- supone un paso en su particular carrera de cantautor atormentado que, sin ofrecer un gran cambio formal ni llegar a emocionar al nivel de otras ocasiones, nos recuerda -una vez más- que estamos ante un músico realmente extraordinario.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘This is For’, ‘Oh How I Fell’, ‘Dust, Flesh and Bones’ Te gustará si te gusta: el crudo invierno Escúchalo: Bandcamp, Spotify
Snow Patrol sigue desgranando las canciones de ‘Fallen Empires’, su último disco. Después de la balada ‘This Isn’t Everything You Are’, es el momento de ‘In The End’, un medio tiempo mucho más entretenido que sus predecibles baladones. El videoclip es un homenaje a los musicales clásicos (ahora que ‘The Artist’ lo peta en todos lados) con una banda tocando en un teatro vacío y una pareja que baila en diferentes escenarios como si fuesen ajenos a la ley de la gravedad. Justo la semana pasada se confirmaba la presencia de la banda en la próxima edición del Bilbao BBK Live.
Commonpeoplemusic.com ha formalizado su cierre, que no será ninguna sorpresa para los que hayan seguido el site en los últimos tiempos, pero sí una pena si recordamos sus tiempos gloriosos a principios de la década pasada. Pasarán a la memoria por su irreverencia y mordacidad. Su último mensaje sigue su línea editorial y revela que enviará copias impresas a todos aquellos que recuerden un artículo determinado.
«Amigos, es momento de confirmar su peor temor. No, Cycle siguen inactivos. Lo otro. COMMONPEOPLEMUSIC.com albergó siempre una cierta ética analógica que nos hace reacios a entregar nuestro féretro al archivo digital. En consecuencia, nuestra hemeroteca dejará de estar disponible en la red con efecto inmediato. Para evitar disgustos, durante un periodo limitado podrán solicitar sin coste copias impresas de sus artículos de referencia utilizando el formulario que encontrarán bajo estas líneas».
Han pasado más de diez años desde que ‘One Armed Scissor’ golpeó por primera vez los oídos de los melómanos y todavía sigue siendo un trallazo difícil de superar en intensidad. Que At the Drive-In se tomara un descanso indefinido después de la publicación de su tercer y más famoso disco, ‘Relationship of Command’ (2000), en el que está incluido su mayor éxito, también hace adivinar de qué masa está hecha esta banda.
Nacidos a mediados de los 90 en una localidad tan en las antípodas del hardcore y del grunge como El Paso, Texas, fueron la combinación perfecta de la amplitud de miras y mala leche de Fugazi y el sonido rugiente y las melodías épicas de Sunny Day Real Estate. Como buena banda de post-hardcore, abundaban en cambios rítmicos, juegos con las intensidades y las numerosas ideas a la guitarra de Omar Rodríguez-López (que entró como bajista).
La insobornabilidad de At the Drive-In les pasó factura en dos primeros álbumes, ‘Acrobatic Tenement’ (1996) e ‘In/Casino/Out’ (1998), que no tuvieron demasiada repercusión en un panorama en el que míticas bandas como Pearl Jam o Sunny Day Real Estate estaban en un excelente momento comercial. Valga como ejemplo de esta actitud que el primer videoclip de la banda tardaría en llegar, concretamente hasta 1999, con el EP ‘Vaya’ y el tema ‘Metronome Arthritis’. También es cierto que el grupo no encajaba fácilmente en las descripciones del rock imperante en los 90: no compartían el radicalismo del post-hardcore ni la accesibilidad del emo del momento, tenían un sonido mucho más elaborado que la mayor parte de sus coetáneos y se permitían bajar el ritmo e incluso sonar, a su modo, como una banda de rock clásica. Cosas de venir de El Paso, donde, como en cualquier localidad fronteriza, afiliarse a la ortodoxia significa perderte muchas de las cosas que pasan a tu alrededor.
Sin embargo, sus señas de identidad estuvieron presentes desde un primer momento, sobre todo la voz aguda y penetrante, con momentos de desquicie total, de Cedric Bixler-Zavala. Cabe destacar entre estos dos primeros LP’s a ‘In/Casino/Out’, donde las ideas se multiplican, los ritmos mutan con una facilidad insultante y los temas lucen una madurez compositiva de banda completamente asentada. Desde los primeros impactos con ‘Alpha Centauri’ y ‘Charabanda’ hasta los acercamientos hacia Rage Against the Machine (‘A Devil Among the Tailors’) e incluso el pop de Pavement (‘For Now… We Toast’), ‘In/Casino/Out’ demuestra que la diferencia de ventas con su siguiente referencia se debe únicamente a la capacidad de promoción de una major y no a un cambio en la calidad.
La situación hasta cierto punto marginal de At the Drive-In cambiaría radicalmente con su fichaje por Virgin y la edición en septiembre de 2000 de ‘Relationship of Command’. No se puede decir que fuera un gran éxito comercial (el álbum alcanzó el puesto 116 en las listas estadounidenses y el nada desdeñable 33 en las inglesas) pero comenzaron a sonar para el gran público. Los tres singles, ‘One Armed Scissor’, ‘Rolodex Propaganda’ e ‘Invalid Litter Dept.’ entraron en las listas de éxitos británicas. Ni que decir tiene que fans del grunge, el post-hardcore, el emo, el punk, etc. encontraron en At the Drive-In un nuevo vehículo de sensaciones emocionantes para la catarsis: las cuatro primeras canciones (‘Arcarsenal’, ‘Pattern Againist User’, ‘One Armed Scissor’ y ‘Sleepwalk Capsules’) resucitan a un muerto y solo a partir de la quinta, la mencionada ‘Invalid Litter Dept.’ es cuando levantan el pie del acelerador y permiten, a medias, relajarse al oyente, porque enseguida vuelven a la carga.
Pero, de nuevo, la insobornabilidad. Inesperadamente, en menos de un año la banda decidió frenar su indiscutible ascenso a la fama y sus miembros tomaron diferentes caminos que no son más que la evolución de lo que habían hecho hasta ahora: Sparta, formación creada por Jim Ward, Paul Hinojos y Tony Hajjar (guitarra, bajo y batería en ATDI), continúa la senda del post-hardcore pero limando las aristas del prefijo «post». Sin embargo, The Mars Volta, creado por Bixler-Zavala y Rodríguez-López (los dos melenudos afro que aparecen en las fotos del grupo), se eleva hacia las cotas del rock progresivo y marciano sin perder la mordiente de su banda de origen y superando en popularidad a esta. Cabe destacar también la extensa carrera en solitario del portorriqueño Rodríguez-López, digna sucesora de la experimentación de King Crimson y en la que mezcla sin tapujos el español y el inglés (con clara ventaja de este idioma, todo hay que decirlo). No contento con eso, a veces se atreve con bandas sonoras y colaboraciones con gente tan atípica como Lydia Lunch o John Frusciante.
¿Qué se puede esperar de la vuelta a los escenarios de At the Drive-In? Si ya en 2005 lanzaron un recopilatorio que no era un grandes éxitos (‘This Station Is Non Operational’), no parece que vaya a ser un regreso más como los que estamos acostumbrados a ver últimamente. The Mars Volta y Sparta (que anunciaron su regreso el año pasado) están trabajando en nuevos discos, por lo que se desmienten las sospechas de sequía creativa. ¿Dinero? Es posible, aunque The Mars Volta ha tenido, con diferencia, más éxito que su antecesora. Fue Cedric Bixter a través de Twitter y de su propio canal en YouTube quien anunció la reunión de la banda para tocar en Coachella, así que puede que este regreso venga por la mejor de las causas: las ganas.
‘Old Ideas’, lo nuevo de Leonard Cohen, es uno de los discos más esperados del mes. Ya conocemos dos de los sencillos, ‘Show Me The Place‘ y ‘Darkness‘. ‘Going Home’ no será un single, sino simplemente una de las canciones del tracklist.
Antes de la publicación del largo, se ha incluido como poema en el nuevo número de la revista New Yorker y en su web se puede escuchar también el audio.
Shout Out Louds no publican nada desde que en 2010 editaran ‘Work’. Sus miembros Bebban Stenborg y Adam Olenius, para pasar el rato, han decidido grabar una versión de la que fuera la obra maestra creada por Madonna y William Orbit, en estos momentos de actualidad tras haber ganado un Globo de Oro una co-producción suya, ‘Masterpiece’. Esta versión se realizó en noviembre, pero al haber sido interpretada para el medio francés Pars En Live había pasado desapercibida hasta que hoy Beatsperminute la rescataba.
DropxLife, que co-produjo una de las canciones contenidas en ‘Echoes of Silence‘ de The Weeknd, ‘Initiation’ para ser exactos, regala desde hoy a través de internet su mixtape. Recibe el nombre de ‘Furthur’ y viene a completar el trabajo que ya apareció online el pasado mes de diciembre. Desde Pitchfork, donde nos recuerdan que DropxLife también es amigo de Drake, puede descargarse también el tema titular.
A través de Disco Naiveté descubrimos que hace un par de horas la hypeadaAzealia Banks ha subido a Souncloud una más de esas demos que, según había anunciado, precederían a su álbum producido por Paul Epworth. Se titula ‘Needsumluv’, y en ella la prometedora artista de Harlem se dedica más a cantar que a rapear, dejándonos ver al fin su faceta R&B. Su estribillo es simple y machacón, adictivo.
Como ya ocurría en ‘Liquorice’ y su hit ‘212’, se trata de una canción construida sobre un tema ajeno. En este caso, ‘SXLND‘, canción incluida en el reciente EP de idéntico título del productor de Brooklyn Travis Stewart, bajo su alias Machinedrum. Aunque lleva en activo desde el año 2000, Stewart ha logrado una mayor relevancia gracias a Sepalcure, proyecto conjunto con el músico Praveen Sharma, cuyo álbum de debut ha sido considerado de los mejores del pasado año 2011 por medios como Pitchfork. Uno de sus temas, ‘Outside The Lines’, estaba incluido en la banda sonora de ‘Cisne Negro’, nuestra película favorita de 2011.
Ayudado por la falta de competencia en estas fechas y por supuesto por su crecimiento como artistas, ‘Given To The Wild‘, el tercer disco de The Maccabees, ha logrado su mejor posición de la historia en Reino Unido. El disco entra al puesto 4, mientras que el segundo disco había sido puesto 13 y el primero, puesto 24. Ha vendido más de 22.000 copias en siete días, por lo que parece fácil que supere las 73.000 de ‘Colour It In’ y las 60.000 de ‘Wall Of Arms’.
El Club Social de Borja Prieto (Está pasando) y Popstock/Young Turks/XL presentan una colaboración de El Guincho con Javiera Mena en el tema ‘Novias’, uno de los grandes himnos contenidos en ‘Pop Negro‘, el último disco de él. El Guincho ha realizado las siguientes declaraciones sobre esta nueva versión de la canción. «Sigo a Javiera desde ‘Esquemas Juveniles’. Creo que nos conocimos hace un par de años o así en Barcelona, en el Clandestino. Tocó unas canciones en un showcase junto a Gepe y otros músicos chilenos. Cuando salió ella era como estar viendo una estrella. El sitio es pequeño, estaba lleno y sonaba horrible pero ahí estábamos todos, atentos a lo que cantaba, un poco hipnotizados. Su voz es muy profunda, de esas voces de mujer grave que cuando entona te crees todo lo que dice. Me encanta el giro que toma ‘Novias’ en esta versión. Con ella es más canción. El estribillo se entiende mejor, menos afectado. Ojalá nos podamos juntar ahora en Chile y se suba a cantarla».
‘Novias’, que ya destacamos como una de las canciones fundamentales de ‘Pop negro’, toma nueva forma. Si en aquel momento decíamos que, «aparte de contar con un título genial, puede ser la mejor canción del disco entre la fuerza de ese estribillo súper latino o el insaciable “dime al menos algo que haya hecho bien” del final», aquí se respeta la esencia de la original, con el morbo de la decidida voz de Javiera. ¿Qué mejor que una voz femenina para reinterpretar un corte con esta temática?
Según la nota de prensa, en febrero y marzo El Guincho estará de gira por México, Argentina, Chile, Colombia y Brasil, mientras Javiera Mena actuará en Estados Unidos antes de volver de nuevo a España, posiblemente en mayo. Os dejamos con el tema, que esta mañana ha sido radiado por primera vez en Siglo 21.
El Guincho & Javiera Mena «Novias» by Está Pasando
Como se venía rumoreando, Alaska es la nueva portada de Interviú. Esta vez no ha posado desnuda contra los toros, sino para recordar los 12 posados más destacados en los 35 años de historia de la revista. La cantante de Fangoria ha querido rendir así un homenaje a algunos de sus mitos favoritos. La portada, por ejemplo, ha sido un recuerdo de la de 1983 de Sara Montiel.
Otras famosas portadas imitadas en las páginas interiores de Interviú han sido las de Belén Esteban, Ana Obregón, Inma Contreras de ‘Gran Hermano 7’, Isabel Pantoja, Rocío Jurado, Marta Sánchez, Marisol o Terelu.
En la web de la revista hay un pequeño avance del texto, donde Alaska explica el porqué de este desnudo. «Este posado tendría que haberse hecho hace un año dando la bienvenida a los 35 años de Interviú. Tampoco está mal que ahora sirva para cerrar el aniversario. Doce meses atrás estaba inmersa en la promoción de mi último disco con Fangoria (NdE: ‘El paso trascendental del vodevil a la astracanada‘) y no me pareció adecuado mezclar la música con el nudismo». Finalmente, Alaska dice que las portadas de la revista forman parte de su «paraíso pop» y recuerda que está a 18 meses de cumplir 50 años. «Mejor no dejarlo para más tarde».
Que los americanos son fieles devotos de Almodóvar no es nada nuevo. Pero hasta ahora no habíamos visto una declaración tan directa como la que protagonizó la actriz Angelina Jolie en la cena previa a la entrega de los Globos de Oro. Mientras ambos daban entrevistas a los medios allí reunidos, Angelina se saltaba su entrevista para abordar literalmente al director manchego, que se encontraba a su lado, y pedirle un papel en alguna de sus películas. En la conversación entre ambos, lo suficientemente surrealista, Almodóvar le recordaba a Jolie cuando se conocieron durante la promoción de ‘Inocencia Interrumpida’, el mismo año que él presentaba ‘Todo Sobre Mi Madre’. Jolie aprovechaba que tenía las cámaras delante para hacer prometer al director que algún día le dará un papel en uno de sus filmes.
Después del asalto, Pedro Almodóvar declaraba que Angelina “podría haber hecho de Pepi en ‘Pepi, Luci, Bom y Otras Chicas del montón’ o el personaje de Carmen Maura en ‘Qué He Hecho Yo Para Merecer Esto’ bien despeinada y sin maquillaje. Mientras, Angelina se deshacía en elogios para el director afirmando: “se ve que no hay nada que le bloquee y que le haga pensar cómo se van a recibir sus obras. Tiene la libertad de dejarse llevar e intentarlo todo y es tan creativo y tan valiente que no puedes evitar sentirte inspirada por él”.
Ambos artistas competían anoche en los Globos de Oro en la categoría a Mejor Película de Habla No Inglesa. Almodóvar con ‘La Piel Que Habito’ y Jolie con su debut tras las cámaras rodado en Bosnia ‘In The Land Of Blood And Honey’. Al final se hacía con el premio la iraní ‘A Separation’.
Anoche os adelantamos quiénes eran los triunfadores del apartado musical de los Globos de Oro, Madonna con su tema ‘Masterpiece’ y Ludovic Bource por la banda sonora de ‘The Artist‘. La película muda más famosa de las últimas décadas también triunfó en la categoría de mejor comedia o musical y mejor actor (Jean Dujardin), terminando como una de las grandes vencedoras de la ceremonia.
En la categoría de mejor drama se llevó el Globo de Oro ‘Los descendientes’, que también obtuvo el premio a mejor actor, George Clooney. Meryl Streep fue la mejor actriz de drama por ‘La dama de hierro’ y Michelle Williams la mejor en comedia por ‘Mi semana con Marilyn’. Woody Allen se hacía con el premio al mejor guión por ‘Midnight In Paris’, Martin Scorsese con la mejor dirección por ‘La invención de Hugo’ y Steven Spielberg con la mejor película de animación por ‘Las aventuras de Tintín’. Almodóvar esta vez se quedó sin premio porque la triunfadora en mejor película extranjera fue ‘Una separación’ de Asghar Farhadi.
Entre las premiadas en televisión han estado ‘Homeland’ como mejor drama y mejor actriz (Claire Danes). El mejor actor ha sido Kelsey Grammer’ por Boss’. ‘Modern Family’ ha triunfado como mejor comedia, aunque el premio de los actores en esta categoría ha sido para Laura Dern (‘Iluminada’) y Matt LeBlanc (‘Episodes’). ‘Downton Abbey‘ ha sido reconocida como mejor miniserie. Entre las curiosidades, el reconocimiento a Kate Winslet por su papel en ‘Mildred Pierce’ y Jessica Lange por su fantástico papel de Constance por ‘American Horror Story’.
Madonna ha ganado el Globo de Oro a mejor canción por ‘Masterpiece’, el tema incluido en su segunda película como directora, ‘W.E.’. Este tema se ha impuesto a Elton John con ‘Hello Hello’ para ‘Gnomeo & Juliet’, que contaba con la voz aunque no la composición de Lady Gaga; Sinéad O’Connor con ‘Lay Your Head Down’ de ‘Albert Nobbs’ (ella no era la autora); Mary J Blige con ‘The Living Proof’ para ‘The Help’ y Chris Cornell con ‘The Keeper’ para ‘Machine Gun Preacher’. El premio a la mejor banda sonora, en cambio, ha sido para ‘The Artist’, por las composiciones de Ludovic Bource.
Madonna ha dedicado el premio a los coautores de la canción y al co-productor William Orbit, responsable de la obra maestra de la cantante, ‘Ray Of Light’, y co-productor de su próximo disco. Madonna también ha recordado a su mánager Guy O’Seary, quien le insistió para que escribiera un tema para la película, que sólo surgió cuando el film estuvo acabado e incluso estrenado en algunos festivales.
Al parecer, ‘Masterpiece’ estará también incluida en ‘M.D.N.A.’, el nuevo álbum de la reina del pop, que saldrá a la venta el próximo mes de marzo. Horas antes de la ceremonia, Elton John se había burlado de nuevo de Madonna diciendo que no tenía «ninguna jodida posibilidad» de llevarse el premio. La red ya se burla de su cara escuchando el discurso de Madonna.
Dos interpretaciones de Madonna han ganado el Oscar a la mejor canción, la infravalorada ‘Sooner or later’ de ‘Dick Tracy’ y ‘You Must Love Me’ de ‘Evita’, si bien en ninguno de los dos casos pudo recoger el galardón al no ser autora del tema. Esta vez sí ha sido el caso de ‘Masterpiece’, que de manera absurda todavía no ha sido lanzada al mercado y sólo se puede escuchar en una calidad completamente nefasta. ‘Masterpiece’, sin embargo, no podrá optar a los Oscar al aparecer sólo bien entrados los títulos de crédito de la película, lo que va contra las normas de la Academia.
En las próximas horas comentaremos los premios no musicales de los Globos de Oro, que incluyen a Woody Allen al mejor guión, aunque no a Almodóvar a mejor película extranjera (ha ganado ‘A Separation’).
La actuación de Lana del Rey el sábado por la noche en el programa Saturday Night Live fue bastante peculiar. En general daba la impresión de que todo el asunto le quedaba demasiado grande. Alguien que lo notó y no se ha cortado en sus declaraciones ha sido la cantante y actriz Juliette Lewis, quien minutos después de la actuación de la intérprete de ‘Born To Die’ escribía en Twitter: “Ver a esta “cantante” en SNL es como ver a una niña de 12 años en su habitación cuando finge como que canta e interpreta”.
Dejando aparte sus problemas encontrando el tono o su presencia escénica inexistente, lo cierto es que la actuación de Lana Del Rey fue polémica mucho antes de que tuviera lugar, cuando desde el sello DFA se preguntaban cómo era posible que Del Rey actuase en el Saturday Night Live sin disco en el mercado (Girls habían dicho lo mismo sobre su paso por el show de Jools Holland). LCD Soundsystem lo intentaron durante 6 años sin éxito. Esta es la actuación de ‘Blue Jeans’.
The Big Pink, dúo británico formado por Robbie Furze y Milo Cordell que hace más de dos años copaba blogs y medios especializados con la edición de su debut ‘A Brief History Of Love‘, ha afrontado su segundo álbum con el propósito de hacer «un disco hip-hop«. Esto no solo es un cliché, sino que además no se trata de ninguna novedad en el grupo, que ya había adoptado los tempos y la rítmica del rap en sus primeros temas. Pero lo que sí introducen en su música, además de la estética grafittera del diseño gráfico, es el uso de samples ajenos y cierto toque soul en sus arreglos, ayudados por el solicitado productor Paul Epworth (Adele, Azealia Banks, Friendly Fires).
Renovada su banda de acompañamiento (Daniel O’Sullivan -de Sunn O)))- y Akiko Matsuura han sido sustituidos por Victoria Smith a la batería y Zan Lyons en las programaciones y teclados), Furze y Cordell han demostrado con los singles previos al álbum, ‘Stay Gold‘ (una revisión de su propio éxito ‘Dominos’) y ‘Hit The Ground (Superman)‘ (con ese sample de ‘O Superman’ de Laurie Anderson como base de la canción), que aún conservan la capacidad para crear nuevos estribillos con gancho. Ambos abren el álbum de manera inmejorable, estableciendo una sólida base sobre la que construir el largo. Desde ese inicio queda clara su intención de aclarar su sonido y apartarlo del aire sofocante y sucio de antaño, reduciendo el protagonismo del fuzz de las guitarras y cediendo espacio a arreglos de teclados. Con ‘Give It Up’, que incluye un sample de la interpretación que Ann Peebles hizo del clásico ‘I’m Gonna Tear Your Playhouse Down‘, acentúan su nueva cara incluyendo unas marcadas voces soul en el estribillo, un recurso empleado varias veces a lo largo del álbum.
‘Future This’ supone un valiente esfuerzo por rehuir sus propias convenciones, arriesgando con nuevas vías. En no pocos cortes del álbum The Big Pink hallan un notable término medio entre su anterior propuesta y un futuro posible, como ocurre en el medio tiempo que titula el álbum (co-escrito aún con O’Sullivan), ‘The Palace’ o ’77’, la balada que cierra el álbum y cita a su admirado John Fante. Sin embargo, fracasan en las canciones que pretenden aportar un lado más festivo, como ‘Rubbernecking’ o ‘Jump Music’, que resultan predecibles y algo impersonales, poco inspiradas. Si no puedes mejorar lo que hicieron Pop Will Eat Itself, corres el riesgo de quedarte en un amago de E.M.F. Tampoco podrán salvarles sus anodinas letras sobre la resistencia a madurar ni ingenuos himnos hedonistas. Quizá por un exceso de ambición, ‘Future This’ termina por no cumplir con las altas expectativas de su arranque, pero funciona perfectamente como disco de transición. Cabe esperar más y mejor en el futuro.
Calificación: 6,2/10 Lo mejor: ‘Hit The Ground (Superman)’, ‘Stay Gold’, ’77’, ‘Give It Up’. Te gustará si: te resulta más satisfactoria una pose que las canciones, Kasabian, Pop Will Eat Itself. Escúchalo: NME
Enfadarse ahora por decir que Germanotta se ha inspirado en Madonna parece una pérdida de tiempo. Estaba claro que las declaraciones de Madonna en las que afirmaba que ‘Born This Way’ se parecía bastante a ‘Express Yourself’ iban a levantar la ira de sus fans, pero han llegado más allá. Paul Blair, más conocido como DJ White Shadow, productor de varias de las canciones del último disco de Gaga, publicaba en Twitter un comentario lo suficientemente ofensivo para provocar una guerra. El comentario venía a decir algo así como: “Alguien debería medicar a la vieja antes de dejarla hablar en público”. Además, culminaba a lo grande: «No memories having, motherfucker». Un comentario tan fuera de lugar como poco apropiado, cuando la propia Gaga reconoció que ambas canciones se parecían lo suficiente como para inventarse que el equipo de Madonna le había dado su visto bueno. El productor intentó disculparse varios comentarios después: “Obviamente no odio a Madonna, o menosprecio su talento o logros, sin embargo, si piensa que le robamos una canción, está equivocada”. Suponemos que con ambas artistas publicando material nuevo este año, la batalla no ha hecho más que empezar.
Lo bueno de los proyectos paralelos es que muestran nuevos gustos de los artistas. El trío Teacher Teacher, formado por Guillermo Farré (Wild Honey y Mittens), María (también de Mittens, Charades y Las Señoras) y Cristina (Las Señoras) nada tiene que ver con los proyectos anteriores del madrileño: el pop clásico y atemporal es ahora una inyección enérgica de punk rabioso y power-pop.
Para muestra, las dos canciones estrenadas en su Bandcamp. La primera es ‘Campamento de verano’, un tema nostálgico que revisita las aventuras veraniegas en clave de humor y a un ritmo vertiginoso. ‘Océanos’ es, por su parte, una curiosa adaptación de ‘Ocean’ de Sebadoh que, conservando su espíritu power-pop, traduce de manera bastante literal aquella cruda letra de Lou Barlow. «Me apetece llamarte mentiroso pero creo que yo también lo soy». La historia de siempre que al final tanto gusta y tan buenos resultados da en el mundo del pop. ¿Llegarán más lejos que sus bandas madre?
Tori Amos ha publicado un vídeo que más bien es un corto para ‘Star Whisperer’, perteneciente a su último disco ‘Night of Hunters‘, el que revisita a algunos autores de música clásica desde su estilo personal.
En este caso son diez minutos de secuencias protagonizadas por la propia artista y su hija de once años, que además es la voz principal de la canción ‘Job’s Coffin’. La delicada voz de Tori se contrapone con la fuerza de los visuales en un vídeo que se grabó en Irlanda y se estrenó en Sundance Channel.
Aunque lleva varias semanas online, su número de visitas (1960, tal cual) es irrisorio. Una pena si valoramos su mezcla entre el goticismo del cine de terror de la Hammer y los experimentos visuales del underground americano de los 60: Warhol, Mekas, Brakhage, Anger, etc.
Recientemente, los lectores de JENESAISPOP habéis votado como número 1 de nuestro top ‘Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)’, una de las canciones más bailables del fantástico ‘The Suburbs’. Es por eso que hemos decidido recopilar, en nuestra sección ‘El hit’, algunas de sus particularidades de esta canción en concreto.
1. Un tema doble. Aunque ‘Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)’ funciona a la perfección por sí sola, forma parte de un tándem. En el álbum, inmediatamente antes se encuentra ‘Sprawl (Fatlands)’, en este caso interpretada por Win Butler. Una canción mucho más pausada que la que nos ocupa, que no ha sido single por su evidente tono baladístico y que sin embargo forma parte de un todo conceptual.
2. Sprawl. El término que da título a esta canción tiene diferentes significados en inglés. El primero es «sentarse o tumbarse de mala manera» y cuya traducción en castellano vendría a ser «espanzurrarse». Pero «sprawl» también se utiliza para las grandes ciudades, y en este caso significa «extensión», no en un sentido ordenado, sino de forma descontrolada. ‘The sprawl’ vendrían a ser, por tanto, todos esos barrios periféricos que nacen al calor de las grandes ciudades, especialmente característicos en Norteamérica, con miles de casas bajas que se extienden más allá de donde la vista puede alcanzar.
3. La canción. Cantada de forma íntegra por Régine Chassagne (aunque Win Butler hace los coros de cuando en cuando), ‘Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)’ se presenta tras un monográfico en el que Butler rememora su ciudad natal («Took a drive into the sprawl / to find the house where we used to stay») para luego hablar de los buenos y malos momentos que han vivido en las afueras. Desde esos momentos que cualquiera recuerda con cariño de su infancia («We rode our bikes to the nearest park / sat under the swings and kissed in the dark») hasta otros mucho menos agradables, de los que te persiguen cuando te haces mayor («They heard me singing and they told me to stop / quit these pretentious things and just punch the clock»).
4. Premios. Si algo han recogido los Arcade Fire gracias a ‘The Suburbs’ eso han sido premios. El LP ha cosechado una amplísima variedad de premios, desde el Polaris Music Prize 2011 hasta un Grammy o un BRIT. ‘Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)’ fue número 8 en la lista de 2010 de los lectores de JENESAISPOP. ‘Ready To Start’ fue número 3.
5. El sonido. Para conseguir el sonido característico de todo el álbum, Arcade Fire grabaron primero cada canción en un disco de acetato (que permite una grabación mecánica analógica instantánea) y después con eso crearon el máster del álbum.
6. La cantante del tema, Régine Chassagne. Miembro de Arcade Fire desde sus inicios, la cantante y multrinstrumentalista está casada con Win Butler. Nació en Montreal, pero vivió gran parte de su infancia y adolescencia en St-Lambert, un pequeño pueblo a las afueras del sur la ciudad. En el escenario, toca el acordeón, la batería, el xilófono, la zanfona, los teclados y el órgano, y ha formado parte de una banda medieval llamada Les Jongleurs de la Mandragore y de una banda de jazz llamada Azúcar. En esta canción, en vivo, se dedica también a bailar con unas cintas.
7. El vídeo. Para la promoción de ‘Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)’ se grabaron dos vídeos, ambos obra de Vincent Morisset. El primero es un vídeo interactivo en el que los usuarios pueden cambiar el ritmo del mismo, ya sea haciendo click en la pantalla con el ratón o bailando frente a la webcam, en una oportunidad única de bailar al mismo son que Régine Chassange. En el caso del vídeo tradicional, se desarrolla en las afueras de una ciudad anónima, poblada por extraños personajes sin cara que bailan de una forma mecánica y artificial, pensada para que el espectador la recuerde perfectamente tras el vídeo.
8. La promo del vídeo. Para invitar a los fans a ver tanto el vídeo tradicional como el interactivo, Arcade Fire se apoyaron en los estudiantes del Cine Institute, que grabaron tres pequeños teasers en Haití, un lugar al que Régine Chassange se siente muy unida porque sus padres emigraron desde allí a Canadá durante la dictadura de François Duvalier. En los tres vídeos aparecen personas llevando las cabezas en papel maché de los miembros de la banda. Transcurren en tres localizaciones diferentes: la calle, una piscina y un barco. Obviamente, los vídeos están doblados con la voz de los integrantes de Arcade Fire, y en uno de ellos Win Butler se despide de sus fans «hasta 2018 «, lo que ha llevado a muchos a pensar que no piensan sacar nada nuevo antes de esa fecha.
9. La interactividad en los vídeos de Arcade Fire. No es la primera vez que los canadienses juguetean con la interactividad. Ya para ‘Neon Bible’ colaboraron con el mismo Vincent Morisset en el videoclip que permitía a los fans mover a Win Butler prácticamente a su antojo según transcurría la canción. Sin embargo, quizá su aproximación más prodigiosa antes de este ‘Sprawl II’ fuese con ‘We Used To Walk’, que sirvió de banda sonora para ‘The Wilderness Downtown’, un proyecto de Chris Milk y Google que utilizaba Google Maps, Street View y la tecnología HTML5 para conseguir que el espectador fuese capaz de ver el vídeo, escuchar el audio, controlar la coreografía e incluso dibujar en la pantalla.
10. El director del vídeo, Vincent Morisset. Aunque lleva colaborando con la banda desde que empezasen y cuando no les conocía nadie, no ha sido hasta ahora cuando Arcade Fire ha visto que tiene un genio entre sus filas. El director y realizador canadiense se considera a sí mismo «web-friendly», siendo capaz de contar historias que trascienden el vídeo tradicional para que el espectador tome parte activa en el transcurso y desarrollo del vídeo. Sin embargo, no cree que a la banda se le pueda colgar ya el sambenito de interactivos por su trayectoria con los clips, puesto que considera que son, simplemente, «mentes creativas que utilizan el contenido interactivo para adaptar la plataforma que la gente utiliza a la hora de escuchar música». Actualmente, su influencia en la banda es tal que participa en muchas de las decisiones respecto a la web de Arcade Fire, las portadas de los discos y la documentación en vídeo de sus giras y procesos creativos. Este colosal trabajo le ha valido para darse a conocer en el mundo de la música, y él ha sido también el responsable de ‘Inni’, el reciente lanzamiento en DVD de Sigur Rós.
The Wish lanza de manera inminente la continuación de ‘Rev‘. El álbum será presentado el 28 de Enero en la Sala Doré (antigua sala Aftasí) en Badajoz, pero el quinteto de Badajoz empieza ya a promocionar su nuevo disco con la presentación de algunos temas. El primero que se dio a conocer fue ‘Empty’, una melodía limpia y bien conseguida apoyada en los arreglos de teclado, que tan bien casan con el devenir de la misma, logrando un efecto muy Killers. Una intensidad que no baja en ‘New Hope’, la última pista estrenada hasta el momento. La percusión marca el ritmo de una canción en la que hasta los recurrentes «oh-oh» encuentran su sitio. Los dos temas se pueden escuchar en su Bandcamp.
Tras la buena acogida de ‘Measure‘, Field Music ultiman el lanzamiento de ‘Plumb’ para el próximo 14 de febrero. Hasta entonces, los británicos nos deleitan con ‘A New Town’, una canción elegante caracterizada por el empleo de falsetes y agudos. Melodía vocal aparte, el tema tiene un peculiar toque galáctico arropado por un curioso riff y un sonido bastante burbujeante en su final. La canción se puede escuchar en streaming y también está disponible su descarga en su web oficial.