Maria era una niña de Alabama, sólo mona pero con talento musical, que montó un grupo con su amiga del insti Orenda Fink (la guapa), al que llamaron ‘Little Red Rocket’ y que hacía cancioncillas de esas absurdas que suenan en las películas cuando sale una fiestecita de la hermandad Gamma/Alfa/Pi de la Universidad de Pennsylvania, muy a rebufo de Veruca Salt, que por entonces pitaban. Sacaron dos discos en Geffen, que las largó cuando se la comió fusionó con Universal. Ella y Orenda decidieron hacerse indies de verdad, y se arrimaron a Connor Oberst, alma de los ahora célebres Bright Eyes y dueño del sello Saddle Creek, (todo esto a pesar de su insultantemente corta edad, que por entonces rondaría la veintena). Se buscan una coartada de dúo dreamfolk con pátina electrónica, bastante cool (perdón) trendy por entonces. Azure Ray, se llamaron. Tras un par de álbumes bastante tibios en general pero con alguna canción realmente buena (me quedo con ‘New Resolution’ y ‘The Drinks We Drank Last Night’ de «Hold On Love») y unirse a la banda Now It’s Overhead (de la familia Saddle Creek, claro), deciden que son muy maduras y que están preparadas para sacar sus discos en solitario. A Orenda La Guapa le sale una cosa muy experimental a la par que farragosa, mientras que Maria La Feuca saca un precioso disco en 2005, ’11:11′, en el que demuestra tener un especial talento para las melodías evocadoras con canciones que van de lo olvidable (las menos, esos sí) a lo sobresaliente (‘Nature Song’, ‘Birmingham 1982’, ‘One For The Shareholder’), pasando por lo bien (‘Speak Easy’, ‘Song Beneath The Song’).

Ahora edita ‘Lynn Teeter Flower’, un segundo disco que debería consolidarla como cantautora indie de referencia. Y digamos que sale bastante bien parada. Maria demuestra personalidad y opta por lucir su preciosa y dulce voz, más arropada por instrumentos reales, prescindiendo casi siempre de innecesarias bases electrónicas que no aportan nada. Y el disco arranca apuntando al sol con lo mejor del mismo. ‘A Good Start’, una canción enorme, de esas de pop perfecto que cuando las escuchas tres o nueve años después te dan el mismo subidón, y sigue con ‘Clean Getaway’, una preciosísima balada que a los flojeras como yo hace que les brote el lagrimón. Sin embargo, el tiro se tuerce a medio camino. Pese a tener otros muy buenos temas como ‘No Stars’, ‘Replay’ o ‘Small Part Of Me’ hay un puñado que no aguanta el nivel de aquellos (Irish Goodbye’, por ejemplo) resultando un conjunto un tanto irregular. Además la canción prestada y coreada por Oberst, ‘The Ballad Of Sean Fowley’, resulta no ser gran cosa (flaco favor). Aun así ‘Lynn Teeter Flower’ no es un mal álbum en absoluto y desde luego confirma a Maria Taylor como una promesa de futura gran dama del indierock americano. Yo seguiré esperando ese gran disco. 6,8.

Pequeñas malas noticias para los apasionados de ‘Let it die’. Feist ha decidido despachar la continuación a tamaño disco en una semana, para plasmar «los sonidos lo-fi que tenía en la cabeza». Y amenaza con grabar otro disco en breve «si encuentra una semana libre». Tres discos después de que Adam Green se decida por los matices orquestales y una considerable perfección sonora. A buenas horas recuperas tú del lo-fi, guapa.

Es una pena que las cuotas de sensualidad de ‘Inside and out’ (versión de los Bee Gees mucho mejor que la original) queden tan lejos, por mucho que el disco siga contando con Gonzales y también cuente con Jamie Lidell, Renaud LeTang y Mocky, autor de uno de los discos más chulos de soul-funk que se han hecho últimamente, el infravalorado ‘Navy Brown blues’. En estos casos me imagino al productor tan desesperado como un Mirwais frente a un ‘American life’: intentando disuadir discreta pero desesperadamente el objetivo del artista.

Pero eso es sólo mi imaginación. Y después de todo, los cuatro parecen haber asomado su cabeza en lo que sería la parte más sofisticada del disco: el gran single ‘My moon my man‘, el siguiente single ‘One two three four’ o la versión de Nina Simone ‘Sea-lion woman’, perfecta para la preciosa voz de Leslie Feist. Y qué demonios, de esa parte lo-fi, que además ella ya ha practicado otras veces, podemos rescatar muchas cosas. Ahí está por ejemplo ‘The Park’, que puede parecer una maqueta de Damien Rice pero que, como su voz es su voz, termina emocionando desde lo básico, ya sabéis, la espera eterna en un parque de quien nunca regresará a ese parque. O también el favor devuelto de Eiriz Glambek de Kings of convenience en ‘How my Heart behaves’, la canción cedida por Ron Sexsmith, ‘Brandy Alexander’… Dan ganas de escuchar el disco de remezclas anterior, o de esperar uno nuevo, pero si al menos seguimos queriendo seguirla, por algo será. 7.

Pues eso, que yo pensaba que al 85% restante de JNSP le iba a gustar más que a mí Sally Shapiro y no, que resulta que es a mí, al más viejuno de todos, al que más. Y tiene una explicación muy lógica: yo, el italo-disco lo he mamao. Y se ve que todo aquello de ir a los coches de choque de la verbena con Limahl, Moroder (Giorgio), Spagna, Samantha Fox y Sabrina (por supuesto) de fondo le deja a uno una reminiscencia, un poso o algo que ha conseguido que a mí el disco de estos suecos me haya llegao más. Imagino que los chavalitos que ahora se empapan de gabber palurdo entre choque y choque dentro de unos años mirarán ese horror con cierto romanticismo. Porque, tampoco nos engañemos, no vamos ahora a decir que aquello era lo más, que ayer me dio por escuchar el tag ‘Italo’ en LastFm y vaya tela. Pero Sally Shapiro tiene un algo, sí.

Sally en realidad es el proyecto de Johan Agebjörn, productor sueco, fanático del estilo ochentero que aún tiene legiones de fans, que decidió después de jartarse de cantar villancicos con ella, que su amiga Sally era perfecta para cantar ‘I’ll Be By Your Side’, un tema que compuso en dos horas con letra y todo. Ella, extremadamente tímida, sólo accedió si nadie la veía cantar. Después, Johan colgó el mp3 en un foro de italo-disco y en unos meses tenía una oferta del sello austríaco Diskokaine. Bonito, ¿verdad?

Reconozco que siempre me gustó el estilo de este rubito noruego que un día se puso a componer temas de pop-folk guitarrero y empezó a ofrecer shows acústicos por Oslo sin haber llegado ni a la edad legal de poder entrar en los clubs donde actuaba. Con apenas 18 años, Sondre Lerche graba ‘Faces Down’ y en cuestión de meses el LP triunfa por toda europa y EE.UU. Después llegaron ‘Two Way Monologue’ (2004) y un disco en clave de jazz y rythm & blues, ‘Duper Sessions’ (2006).

Su último LP, ‘Phantom Punch’, recoge el espíritu que ya tenían sus álbumes anteriores pero visto desde una perspectiva más rockera. Guitarras más contundentes, ritmos más acelerados. Supongo que las modas llegan a todas partes y Sondre Lerche ha hecho lo propio. Llevo unos dos meses sin dejar de oír el single ‘Say It All’ y no deja de entusiasmarme. Al mismo tiempo me saturan temas como el interminable ‘Happy Birthday Girl’ (¿cómo puede durar un tema 7 minutos + 28 segundos?) o ‘Phantom Punch’ y ‘Well Well Well’, donde veo demasiado guitarreo para muy poca chicha en el fondo. Pero haciendo balance me doy cuenta de que el disco tiene temazos imprescindibles, quizá los más retro por sus arreglos y melodías. Y así, me quedo con ‘Tragic Mirror’ y ese aroma Beatles del final (mmmm… delicioso), los armónicos de ‘After All’ y el riff de ‘She’s Fantastic’. Por supuesto, de Sondre Lerche, adoro su voz: gravedad y falsete en su justo equilibrio, ejecutados con una dosis suficiente de gracia como para encandilar sin demasiado esfuerzo.

‘Phantom Punch’ no es ni de lejos su mejor álbum en cuanto a calidad compositiva, pero sí es una muestra de que la creatividad de Sondre Lerche sigue en forma, demostrando que su proyecto va más allá que un simple sueño adolescente con una calidad de fondo que augura apetecibles futuros discos de los que seguiré pendiente. Disfrutemos por el momento, si no al completo, de parte de este LP que, por partes, puede acercarse a una especie de maravilla pop de éstas que nos alegran las mañanas. 7

Nos seguimos haciendo viejos, porque cada vez menos grupos que nos gustaban en los 90 siguen juntos. De hecho en algunos casos estamos siguiendo ya el spin-off del spin-off del spin-off. Es el caso de Sarah Nixey, aquella que formó Black Box Recorder junto a Luke Haines, de Auteurs, y John Moore, de Jesus and Mary Chain.

Sarah, que comparte con la Cracknell decididamente algo más que el nombre, publica ahora su primer disco en solitario. Ya sabéis: Black Box Recorder no se ha separado. Es sólo que «han decidido probar con proyectos en solitario». Aunque teniendo en cuenta que John y Sarah estaban casados y ya no y eso, igual con este ‘Sing, Memory’ sí podríamos dar al grupo por muerto. Lejos de los chicos, el disco ha sido escrito por ella misma, que «maltoca la guitarra» y por James Banbury, que tocaba los teclados en Black Box Recorder y el violonchelo en The Auteurs.

El resultado es un disco 100% Popjustice, que debería ser una categoría más de las revistas musicales de tendencias. En un medio de comunicación si le pasas el disco al redactor gay poppy, es posible que le plante un 8. Si se lo pasas a alguien que con el recopilatorio de Sugababes y Girls Aloud y el reciente dueto entre ambas ya ha tenido bastante pop por ahora, es posible que le plante un 4.