Bombay Bicycle Club vuelven tras un parón de casi seis años con ‘Everything Else Has Gone Wrong‘, un nuevo disco que ha visto la luz este viernes 17 de enero y ha sido presentado con una serie de canciones redondas, como ‘Eat, Sleep, Wake (Nothing but You)‘ o la titular, que demuestran la buena forma en que se encuentra la banda 6 años después de ‘So Long, See You Tomorrow‘ y 10 después de su exitoso debut. La banda no se ha dormido en los laureles y su cantante y compositor, Jack Steadman, sabe que está ante uno de sus álbumes más logrados, como nos cuenta en esta entrevista en la que no deja de subrayar la influencia que ha ejercido en su composición el productor John Congleton (St. Vincent, Angel Olsen, Sharon Van Etten).

‘Everything Else Has Gone Wrong’ será uno de los álbumes que el público de SanSan Festival podrá escuchar en directo la próxima Semana Santa, y sobre él charlamos por vía telefónica con un Steadman que atiende desde la otra línea con toda la cordialidad del mundo, usando uno de los tonos de voz más elegantes y relajados que recuerdo en una entrevista. El merecido descanso del grupo, el acierto de haber trabajado con Congleton, su afición a los samples o la deriva de la música en estos seis años de semi silencio discográfico han sido otros de los temas abordados con Steadman durante esta charla.

En 2014 publicasteis vuestro último disco hasta la fecha. ‘So Long, See You Tomorrow’ recibió buenas críticas, debutó en el top 1 de UK… pero en lugar de seguir decidisteis hacer un parón que ha durado varios años. ¿Cómo veis la decision de parar ahora, en retrospectiva?
Creemos de hecho que era el momento perfecto para tomarnos un descanso. Habría sido triste parar cuando las cosas solo hubieran ido para abajo… Sin embargo, la razón principal de nuestro parón es que estábamos bastante cansados. La gente quizá no se da cuenta pero llevamos tocando desde que éramos muy jóvenes. Cuando empezamos todo era emocionante y nuevo, pero pasado el tiempo nos preguntábamos qué otras cosas estaban ocurriendo en el mundo. Para nosotros fue el momento perfecto de parar y hacer otras cosas, emprender nuevos proyectos, los cuales no tenían que estar necesariamente relacionados con la música.

En una entrevista has dicho que «a todos efectos» os habíais separado, pues incluso llegasteis a vender todos vuestros instrumentos. ¿Llegasteis a pensar un comunicado de separación oficial o nunca cerrasteis la puerta para volver?
Quisimos mantener la puerta abierta para volver. No me gustan las bandas que sacan comunicados extremos como «nos hemos separado» porque la gente cambia de opinión todo el tiempo. Para un fan es jodido cuando su grupo favorito se separa supuestamente «para siempre» y a los dos años vuelve. No queríamos jugar con las emociones de la gente y sobre todo queríamos ser claros con todo el mundo con el hecho que nosotros, en ese momento, tampoco sabíamos si íbamos a volver o no o lo que iba a pasar. Por eso no sacamos un comunicado definitivo.

Antes que componer un nuevo disco ibais a hacer una gira por el 10º aniversario de vuestro debut, pero cambiasteis de idea porque os parecía muy pronto y queríais hacer algo más emocionante. ¿No os daba miedo haber perdido a gran parte de vuestro público en este tiempo?
Por supuesto que nos daba miedo, pero nosotros ya somos personas ansiosas, siempre nos estamos preocupando (ríe). De todas formas, no creo que tuviéramos motivos para preocuparnos, y en cuanto dimos nuestro primer concierto de regreso el pasado verano la recepción fue increíble. Eso fue un alivio, porque no solo fueron viejos fans los que habían venido al concierto, sino también gente nueva que nos había descubierto durante los años de descanso.

¿Qué os comentaba esta gente que os había descubierto más tarde?
Tenían miedo de no poder ir a un concierto nuestro nunca más. Probablemente al descubrirnos, buscaron fechas en Google para vernos en directo y descubrieron que estábamos de parón. Así que estaban felices por que hubiéramos vuelto.

Vuestro disco anterior presentaba influencias de varios estilos y culturas. Podían sonar tanto indias como a Steve Reich. En este habéis potenciado las guitarras obviamente en temas com ‘Everything Else Has Gone Wrong’ o ‘Eat Sleep Wake (Nothing but You)’. ¿Teníais como objetivo no repetiros?
Lo que pasó en ‘So Long, See You Tomorrow’ es que, en ese momento, tenía muchas influencias pero solo una vía donde volcarlas, que era la banda. En cuanto inicié mi proyecto en solitario (Mr. Jukes) me di cuenta que esto no tiene que ser así. Para nosotros esto significa que ahora podemos relajarnos, concentrarnos en mantener las cosas simples y dejar que las canciones se vendan por sí solas, sin necesidad de sobrecargarlas con diferentes sonidos como ocurría en el disco anterior.

En cualquier caso seguís interesados en mimar los arreglos, siempre hay una especie de xilófono, una pandereta, una guitarra distorsionada, ritmos muy 60s… en definitiva, diversos sonidos que enriquecen la escucha. ¿Hasta qué punto os interesa cuidar los arreglos? Diría que es una característica vuestra…
Los arreglos son difíciles, por eso hemos trabajado con un productor distinto esta vez, que es John Congleton. El anterior lo produjimos nosotros y cuando estás por tu cuenta es fácil seguir dando vueltas a una idea una y otra vez, porque no hay nadie en el estudio que te obligue a parar. Colaborar con un productor te ofrece una perspectiva nueva de cara a componer un disco, que es la de trabajar las cosas lo justo y necesario.

¿En qué maneras trabajar con John Congleton ha mejorado para la banda el proceso de componer un disco?
Trabajar con él ha cambiado mi opinión de la música, lo cual me ha sorprendido. Yo suelo ser bastante perfeccionista con mi música y eso no es necesariamente algo bueno. John trabaja rápido, sigue sus instintos y no se pasa días dándole vueltas a algo. Te dice «eso que te está rallando, la gente ni se va a dar cuenta de eso». O cosas como «¿crees que el mundo se va a acabar si no haces esto de tal forma?» A veces habla de maneras muy filosóficas y te dice cosas como «al final, estas cosas no tienen importancia». Esta perspectiva te convierte en mejor músico, en mi opinión.

¿Recuerdas algún momento con John Congleton en el estudio que fuera especialmente revelador para ti?
Probablemente el primer día que trabajamos con él porque no sabíamos qué esperar, y de repente ya habíamos terminado la primera canción y no era ni la tarde. No sabíamos cómo esto podía haber pasado, antes podíamos estarnos una semana entera trabajando en una canción.

¿A qué canción te refieres?
La primera que compusimos fue ‘Do You Feel Loved?’. La ensayamos unas tres veces y a la cuarta decidimos que estaba terminada, porque John nos dio esa confianza.

¿Ya sabíais entonces cuál sería el concepto del disco, el titulo…?
En absoluto. No hemos tenido idea el concepto del disco hasta el último minuto, cuando hemos seguido componiendo en Los Ángeles. Ha sido hasta hace muy poco que hemos conseguido extraer las temáticas del álbum. Ha pasado todo muy rápido.

El disco obviamente se titula ‘Everything Else Has Gone Wrong’. Las letras no son abiertamente políticas, de hecho diría más que nada que son abiertamente personales, pero también contienen un elemento de desencanto, el cual asumo tiene que ver con la situación política actual en Reino Unido. Pero en el disco no hay canciones protesta. ¿Las habéis evitado de manera intencionada?
No es algo que hayamos pensado, de hecho esa atmósfera de desencanto está ocurriendo en todo el mundo… Para mí es un disco muy personal. Sin embargo, cuando escribes sobre tus experiencias, necesariamente alguien se sentirá identificado con ella o, por el contrario, interpretará una cosa totalmente distinta. Donde tú oyes ecos políticos, otro oirá cosas que le llegan más a las emociones. Para mí, el disco tiene que ver con el modo en que la música me sirve de refugio en malos momentos, de estrés o de preocupación.

Una canción del disco habla de lo que comentas, ‘Good Day’. Es muy popera, muy alegre, pero la letra contiene un aire de desencanto, ¿De qué va esta canción? ¿Va sobre el mundo en general o es más bien autobiográfica? En ella cantas sobre perder a tus amigos, sobre no tener «un solo día bueno»…
Esta canción la compuso Ed (Nash, bajista) pero estábamos juntos en el estudio cuando la escribió así que te puedo contar de qué va. La letra habla sobre la sensación de querer algo más de lo que tienes y pensar que es mejor. Incluso cuando eres músico y tocas en festivales, sueñas con tener un trabajo de oficina porque eso te parece exótico, diferente y nuevo. También ocurre a la inversa. La gente quiere siempre algo distinto y nunca está satisfecha por este motivo. En general, ‘Good Day’ trata sobre rozar la treintena y sobre ese divertido momento en tu vida en que miras atrás y te pones nervioso por el futuro. Los 30 suelen ser un periodo inquietante para la gente…

La gente está aterrada por llegar a los 30, pero los 20 no son precisamente fáciles, pueden ser años de mucha ansiedad, inseguridad… A veces la vida, al menos psicológicamente, empieza a mejorar cuando rozas los 30, no sé si estarás de acuerdo.
Sí, y esto es algo que hemos hablado con John en el estudio: cuanto más mayor te haces y más maduras, menos te molestan esas pequeñas cosas que antes te afectaban. Te preocupas menos de las cosas que en realidad no tienen importancia. Esta es básicamente la filosofía de John y él la traslada a la música. Con los años consientes menos que esas cosas arruinen tu vida porque sabes que nada de ello importa realmente.

El disco contiene varios samples, ¿verdad? Me consta que te gusta comprar vinilos raros, de jazz, library music… En ‘Let You Go’ suena una voz que parece Dolores O’Riordan, pero no sé si es…
Efectivamente en el disco hay samples, en este y en todos los que hemos hecho los hay. En ‘Let You Go’, esa voz está sampleada de una canción que escuché en la radio durante la gira, porque llevo conmigo un sampler que contiene una radio adjunta. Y como normalmente los samples están cortados y pegados es difícil saber quién es. Pero no sé de quién es la voz, tendría que mirarlo, ¿de quién has dicho que era? ¿Dolores?

Dolores O’Riordan, la cantante de Cranberries.
¡Ahhhh…! Pues ni idea. Lo buscaré.

Luego, en ‘I Worry About You’ suenan unos gemidos que deben ser sampleados. ¿De dónde salen?
(Ríe) De nuevo, no lo sé… Puede proceder de la radio o de Youtube. Muchas noches a la 1 de la madrugada investigo música en Youtube y de ahí saco samples. Pero como soy tan desorganizado y ni siquiera apunto todos los que uso en una libreta, no me acuerdo de dónde los he sacado.

¿La melodía aflautada de ‘Do You Feel Loved?’ es un sample también, de Youtube o de la radio?
Efectivamente. A mí me encanta escribir música a partir de un sample. Muchas veces pasas horas escribiendo sin frutos y cuando una idea se te presenta así, a través de un sample, ya formada, es divertido. A partir de ahi sucede un efecto dominó y puedo componer muy rápido, se me ocurren muchas ideas… Pero me gusta empezar al menos con esa pequeña idea ya presente ante mí.

¿Qué opinas de la deriva de la música en estos 6 años en que no habéis sacado disco? Da la sensación de que muchos grupos con los que se os comparaba entonces han perdido relevancia o directamente se han separado.
No he seguido la música de guitarras en todo este tiempo, he estado más interesado en el hip hop, el jazz y la música clásica. Pero recuerdo que hace unos 10 años, la escena indie-rock de Londres era muy vibrante. Es cierto que por ejemplo The Maccabees han dejado de hacer música (NdE: su último álbum, ‘Marks to Prove It’, fue editado en 2015), así como otras bandas… Personalmente no me sorprendería que alguna de ellas se terminara reuniendo, es algo que siempre ocurre: lo dejas y con el tiempo te das cuenta de lo especial que era y de lo afortunados que erais entonces, y queréis volver a hacerlo.

¿Exactamente qué música te ha interesado en estos años? ¿Te interesa la música pop?
No escucho música pop, más que nada oigo jazz y música clásica. Me gusta escuchar música sin letra sobre todo, para atender a las melodías y a los acordes.

La ilustradora que ha hecho el arte de vuestro álbum, María Medem, es española. ¿Cómo habéis llegado a ella?
Yo la seguía en Instagram desde hacía tiempo, entonces le mandamos un mensaje con la propuesta y dijo que sí. Fue muy fácil. Nos gusta mucho la paleta de colores con la que trabaja y para este disco consideramos que era perfecta.

No sé si lo tenéis presente pero vuestro próximo concierto en el festival SanSan es en Benicàssim, donde se celebra el FIB. ¿Recordáis haber tocado en el FIB o algo sobre Benicàssim en concreto? Es un festival muy british…
El FIB es un festival muy divertido pero recuerdo que, cuando fuimos, había gente británica por todas partes. Cuando íbamos a tocar en el FIB por primera vez estábamos muy emocionados por ir a España, por conocer a nuestros fans españoles… pero luego íbamos por el festival y todo el mundo era de Londres. Supongo que SanSan será un poco mas auténtico en este sentido. Tenemos muchas ganas de tocar allí.

Qué podemos esperar de vuestro concierto en SanSan y de vuestra gira en general? ¿Va a ser electrónica y bailable o más bien guitarrera por lo oído en ‘Eat, Sleep, Wake (Nothing but You)’?
Para un festival queremos hacer algo que la gente pueda bailar, sobre todo durante el día cuando hace sol. Las canciones del disco que contienen samples son electrónicas y, en general, el disco a mí me suena como un día soleado. Encaja en ese ambiente.