Client ahora es un trio: a Client A y Client B se suma Client E, una chica a la que han sacado de un programa de nombre prometedor: ‘Make me a supermodel’. Ya fuera del sello de Andy Fletcher, que parece que ha cerrado, el grupo sigue la pista synthpop de los Depeche Mode de finales de los 80 y principios de los 90. Entre esto y que ‘Lights go out’ recuerda un poco a ‘Oh la la’, las chicas no suenan demasiado originales ni diferentes. Ni siquiera con la producción de Youth (The Verve, Primal Scream, Dolores O’Riordan) o Stephen Hague (New order). Pero son tan majas y a veces hacen tan buenas canciones que da casi lo mismo. Las mejores, las que más se pegan, son ‘It’s not over’, ‘Heartland’ o la rockera ‘Zerox Machine’. La instrumental ‘Koeln’, la sosaina ‘6 in the morning’ o la balada ‘Someone to hurt’ están peor. 6.

Diez años y siete discos. La Habitación Roja se ha ganado a pulso el adjetivo de clásicos del indie pop patrio y han sabido mantenerse a flote, lo que no es tarea baladí en un mercado discográfico tan exiguo como el nuestro. Y no es que precisamente su camino haya estado sembrado de rosas, porque también soplaron aires de tempestad.

La peor de las espinas se les clavó tras la edición de ‘Radio’, álbum con el que iniciaron una preocupante cuesta abajo que, por suerte, remontaron. La elección de Mushroom Pillow como sello y de Steve Albini en la producción ha sido un acierto. ‘Cuando ya no quede nada’ corrobora el cambio de tendencia iniciado con ‘Nuevos Tiempos’.

La primera mitad del disco mantiene una clara línea de continuidad con su disco anterior, con un sonido más eléctrico, potente y con gran riqueza de matices, recuperando definitivamente parte de la frescura perdida tras ‘LHR’ y ‘Largometraje’, en hits potenciales como ‘Esta no será otra canción de amor’ o ‘No hay dinero’, aunque el primer single elegido haya sido ‘La vida moderna’. A partir de la sexta canción, los valencianos se calman y ofrecen su cara más íntima, con más que interesantes canciones como ‘Los amantes y la paz’ o la que da título al álbum, con final al más puro estilo Strokes.

En cuanto a las letras, una vez más, queda patente que no son su punto fuerte, excesivamente tópicas y edulcoradas, aunque eso sí permiten que en sus directos los fans puedan corear sus estribillos al dedillo. Y su pretendida crítica social y política en temas como ‘París ardiendo’ o ‘Tened piedad del ex presidente’ producen sonrojo. 7

A favor: Al fin está en tiendas ‘Tú no existes’, que aparece como una continuación estilística, temática y temporal del anterior trabajo de Astrud, ‘Performance’. Una vez más, Astrud ha vuelto a grabar con banda (con su batería, su bajo y sus guitarras, así que lo de «dúo electrónico» ya se les queda un poco pequeño), Manolo compone, Genís le da brillo y esplendor a todo con su sintetizador. Entre las once canciones -todas nuevas, nada que ver con el recopilatorio ‘Algo Cambió‘- está ‘Son Los Padres’, que ya pudimos escuchar en Navidad, y una sorpresa como canción instrumental, ‘Ningún Tesoro’, un regalito en el que Manolo susurra que es para que asimilemos lo que acabamos de escuchar. Astrud no ha perdido el sentido del humor ni sus fobias y filias: los miedos y temores que abren el disco con ‘El Miedo Que Tengo’, la admiración en ‘Noam Chomsky’ o una curiosa reflexión sobre la juventud y la madurez en ‘Los Otakus’. Yo les veo en plena forma, inspirados y en su línea; para mí, otro gran disco de Astrud. 7,5 Patata.

En contra: No sé si soy el único al que le gustaría que uno de sus grupos favoritos sonara bien en estudio. El lo-fi puede tener su sentido en un disco de emociones desnudas como los últimos de Magnetic Fields o el fantástico ‘Performance’, pero definitivamente no se ajusta tan bien a skaters y otakus en ‘Tú no existes’. ¿Es que Astrud nunca va a sonar tan pulido como en ‘Gran Fuerza’? ¿Es que un disco de Mendetz tiene más presupuesto? ¿Es que no les gusta ningún productor? Ni idea. Pero hay algo todavía peor. Si ya el disco anterior carecía de segundo single, éste carece de primero. ‘Paliza’, ‘Acordarnos’ y ‘Minusvalía’ están bien, pero recuerdan a otras canciones antiguas y mejores. ‘Noam Chomsky’ tiene la originalidad de las letras del dúo, pero gancho no mucho. Y todos sabemos que lo pueden hacer muchísimo mejor. 5. Supervago.

El otro día discutíamos por gmail si nos gustaba más, así en general, un disco de 10 pistas o uno de 20. Yo soy de los de 10 y el nuevo, el sexto de The Apples in Stereo, uno de los grupos asociados al colectivo americano Elephant Six Collective junto a otras bandas como Of Montreal, tiene 24. Soy totalmente contrario a esos peregrinos y sobre todo innecesarios intermedios entre canción y canción que gustan de practicar artistas como Patrick Wolf, pero en este caso, algunos, como esa broma llamada ‘My pretend’, tienen su gracia y todo.

‘New magnetic wonder’ comienza dando una pista de lo esplendoroso y brillante que pueden sonar los Apples in Stereo. ‘Can you feel it’ es energética y colorida como los primeros Supergrass. Es en esos momentos radiantes cuando los temas adquieren la categoría de himno, como el single ‘Energy’, cuyo vídeo ha dirigido Elijah Wood, que además es propietario del sello del grupo; o mi favorita ‘7 Stars’, que recuerda al mismo tiempo a Flaming Lips, Bis y Architecture in Helsinki. La preciosa ‘Play tough’, la psicodelia de finales de los 80 de ‘Open eyes’ y un vocoder por aquí y por allá hacen del disco una gracia de lo más simpática. 7,5.

Maria era una niña de Alabama, sólo mona pero con talento musical, que montó un grupo con su amiga del insti Orenda Fink (la guapa), al que llamaron ‘Little Red Rocket’ y que hacía cancioncillas de esas absurdas que suenan en las películas cuando sale una fiestecita de la hermandad Gamma/Alfa/Pi de la Universidad de Pennsylvania, muy a rebufo de Veruca Salt, que por entonces pitaban. Sacaron dos discos en Geffen, que las largó cuando se la comió fusionó con Universal. Ella y Orenda decidieron hacerse indies de verdad, y se arrimaron a Connor Oberst, alma de los ahora célebres Bright Eyes y dueño del sello Saddle Creek, (todo esto a pesar de su insultantemente corta edad, que por entonces rondaría la veintena). Se buscan una coartada de dúo dreamfolk con pátina electrónica, bastante cool (perdón) trendy por entonces. Azure Ray, se llamaron. Tras un par de álbumes bastante tibios en general pero con alguna canción realmente buena (me quedo con ‘New Resolution’ y ‘The Drinks We Drank Last Night’ de «Hold On Love») y unirse a la banda Now It’s Overhead (de la familia Saddle Creek, claro), deciden que son muy maduras y que están preparadas para sacar sus discos en solitario. A Orenda La Guapa le sale una cosa muy experimental a la par que farragosa, mientras que Maria La Feuca saca un precioso disco en 2005, ’11:11′, en el que demuestra tener un especial talento para las melodías evocadoras con canciones que van de lo olvidable (las menos, esos sí) a lo sobresaliente (‘Nature Song’, ‘Birmingham 1982’, ‘One For The Shareholder’), pasando por lo bien (‘Speak Easy’, ‘Song Beneath The Song’).

Ahora edita ‘Lynn Teeter Flower’, un segundo disco que debería consolidarla como cantautora indie de referencia. Y digamos que sale bastante bien parada. Maria demuestra personalidad y opta por lucir su preciosa y dulce voz, más arropada por instrumentos reales, prescindiendo casi siempre de innecesarias bases electrónicas que no aportan nada. Y el disco arranca apuntando al sol con lo mejor del mismo. ‘A Good Start’, una canción enorme, de esas de pop perfecto que cuando las escuchas tres o nueve años después te dan el mismo subidón, y sigue con ‘Clean Getaway’, una preciosísima balada que a los flojeras como yo hace que les brote el lagrimón. Sin embargo, el tiro se tuerce a medio camino. Pese a tener otros muy buenos temas como ‘No Stars’, ‘Replay’ o ‘Small Part Of Me’ hay un puñado que no aguanta el nivel de aquellos (Irish Goodbye’, por ejemplo) resultando un conjunto un tanto irregular. Además la canción prestada y coreada por Oberst, ‘The Ballad Of Sean Fowley’, resulta no ser gran cosa (flaco favor). Aun así ‘Lynn Teeter Flower’ no es un mal álbum en absoluto y desde luego confirma a Maria Taylor como una promesa de futura gran dama del indierock americano. Yo seguiré esperando ese gran disco. 6,8.