Como os habíamos contado, el dúo de electrónica Phantogram y el rapero Big Boi, mitad de los añorados Outkast, se han montado un nuevo proyecto llamado Big Grams. Juntos han publicado un EP homónimo que incluye colaboraciones de Run The Jewels y de Skrillex.
El primer tema que escuchamos del proyecto es una canción llamada ‘Fell In The Sun’ a la que ahora añaden videoclip oficial. Se trata de un trabajo visual que viene cargado de efectos de iluminación e imágenes caleidoscópicas.
Ya ha pasado un tiempo del estreno en cines de ‘Amy’, el recomendado documental de Asif Kapadia sobre Amy Winehouse, que moría en julio de 2011 a causa de sus problemas con el alcohol, y que era este verano un éxito de crítica y taquilla.
Ahora, Fotogramas informa de que la productora irlandesa Subotica Films prepara un nuevo biopic sobre la cantante dirigido por Kirsten Sheridan, hija de Jim Sheridan, director de ‘En el nombre del padre’. Al parecer, interpretaría a Amy la actriz sueca Noomi Rapace, quien ha hecho en el pasado de Lisbeth Salander para la adaptación cinematográfica de ‘Millennium’, la popular trilogía de suspense de Stieg Larsson.
A falta de que trasciendan más detalles sobre esta nueva película biográfica, de momento tan solo en preparación, está por ver si la familia de Winehouse respalda el proyecto o si la productora encargada de su realización consigue los derechos de las canciones de Amy.
Hoy mismo sale a la venta la banda sonora de ‘Amy’, que incluye canciones inéditas no tan inéditas de la autora de ‘Back to Black‘.
El pasado mes de junio, Los Planetas reeditaron su caja de singles, ‘Los Planetas Singles 1993-2004. Todas las caras A. Todas las caras B’, publicada en 2005, con motivo de su décimo aniversario. La caja se editaba en edición limitada a 999 copias.
Ahora, el grupo, que no es uno de los más populares en Spotify a tenor de un nuevo ránking publicado en las últimas horas, edita dos de estos singles en vinilo de 7″ tal y como hiciera a principios del mes pasado con ‘Un buen día’, el clásico de ‘Unidad de desplazamiento’, publicado en 2000, y ‘Corrientes circulares en el tiempo’, editado en su disco de 2002 ‘Encuentros con entidades’.
Los sencillos escogidos ahora pertenecen ambos a este último trabajo. Se tratan de ‘Pesadilla en el parque de atracciones’ y ‘El artista madridista’. Ambos salen a la venta hoy en «una edición cuidada y limitada a 500 unidades».
Antes de estos singles, Subterfuge ya había editado en los últimos meses los singles de ‘La playa’, ‘Brigitte’, ‘Nuevas sensaciones’, ‘David y Claudia’, ‘Himno generacional del nº 83’ y ‘Punk’.
Si te gusta el pop de guitarras al estilo de los Smiths y también el pop francés, sigue leyendo: aún no has oído (seguramente) una de las mejores canciones del año, titulada ‘Avenue des armées‘, y que inaugura el segundo disco de este grupo de Marsella: arpegios a lo Johnny Marr, rasgueos de puro jangle, gélido sintetizador y la voz de Romain Guerret cantando una melodía hermosa y melancólica. Casi cinco minutos de puro placer, en los que Aline proyectan la historia de un desamor en el escenario urbano que lo vio ocurrir: el sol pálido, el cielo coral y los humos sucios de la Avenida del Ejército de una ciudad anónima. Y todo ello, además, producido por nada menos que Stephen Street (The Smiths, Blur, Morrissey…).
Es el comienzo perfecto para un disco que no decepciona tras tan espectacular arranque, segunda entrega de una carrera que estos franceses comenzaron en 2012 con ‘Regarde Le Ciel’. Un álbum en el que ya se entreveían algunas de las Mozzer-filias que en este ‘La vie électrique’ se hacen más evidentes, algo no muy difícil teniendo en cuenta la elección de productor (un sueño cumplido cuando tras mandarle un enlace de Soundcloud para probar suerte Street les dijo «sí»). Filias que en un par de momentos sonoros parecen casi tornarse copias, como cuando en el paso de estrofa a estribillo de ‘Chaque jour qui passe’ el bajo hace básicamente lo mismo que el propio Stephen Street hacía en ‘Suedehead’ de Morrissey.
Sin embargo, Aline aportan mucho más de interesante: los puntuales devaneos cercanos a los Smiths o los Shop Assistants (otra de sus influencias declaradas) casi siempre adquieren una personalidad más continental, menos británica, y el disco se abre a muchos otros palos: por ejemplo, el tema que da título al disco (adelanto que ya nos alegró los oídos en junio) es una redondísima pieza de electro-pop con pianos house y guitarras a lo Indochine. ‘Plus noir encore’ o ‘Les résonances cachées’ transcurren por ritmos dub pero con fuerte presencia de pads de sintetizadores muy melódicos que reviven las atmósferas vaporosas de Mylène Farmer en buena combinación con guitarras ochenteras y recitados a lo Daniel Darc. Interesante cómo Stephen Street, que no es nada amigo de los sintetizadores, los respeta en todo el disco como elemento esencial del grupo, pero a la vez consigue resaltar las guitarras y, en general, aportar esa naturalidad y lustre que tan bien se le dan. En canciones como ‘Tristesse de la balance’ -algo así como a qué sonarían Phoenix si cantasen en su lengua materna- lo borda especialmente.
Las resonancias ochenteras obviamente están presentes hasta el final, con mención especial para ‘Une vie’ (brillante melodía y riffs a lo Madness) y la ultra Etienne Daho ‘Les mains vides’ (absolutamente preciosa). Curiosamente el mayor (y discutible) tropiezo ocurre precisamente en la última canción, una excelente recreación de punk-pop entre los Buzzcocks y Plastic Bertrand con letra irónica, que sin embargo desentona bastante con el resto del disco, aunque no se puede negar que tiene potencial incluso para convertirse en un éxito. El “hidden track” (muy noventero en su concepto) de ‘Mon dieu mes amis’ arregla en parte ese anticlímax, reencauzándolo hacia los paisajes sonoros que dominan ‘La vie électrique’, un disco lleno de melodías memorables y muy buen pop.
Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Avenue des armées’, ‘La vie électrique’, ‘Les mains vides’.
Te gustará si: te gustan el pop de guitarras de los 80 y el pop francés de los últimos 35 años.
Escúchalo: Spotify
Infoactualidad ha elaborado un ránking con los artistas españoles más escuchados en la conocida plataforma de streaming. Este distingue entre artistas comerciales e independientes o entre artistas «mainstream» e «indie», y concluye, como es natural, que el artista más escuchado en general forma parte del primer grupo. Hablamos de Enrique Iglesias, que acumula 11 millones y medio de oyentes y supera holgadamente a David Bisbal, Pablo Alborán, Alejandro Sanz o La Oreja de Van Gogh.
La sorpresa la encontramos en la lista de artistas «indies» más escuchados, encabezada por Anni B Sweet, que editaba nuevo disco, ‘Chasing Illusions‘, el pasado mes de marzo. Sweet acumula más de 500.000 oyentes en el ránking, lo que la convierte en la única artista indie de toda la lista con medio millón de oyentes en Spotify al mes. La segunda artista más escuchada, Najwa, logra los 400.000 oyentes y tanto Vetusta Morla como Russian Red, Izal o Love of Lesbian llegan a los 200.000 o 300.000.
La brecha generacional es, por supuesto, uno de los motivos del resultado de esta lista, pues Los Planetas, que probablemente han influido, en mayor o menor medida, a todos los artistas por encima de ellos, acumulan tan solo 75.000. Sin embargo, es muy probable que el éxito de Anni B Sweet se deba a los 5 millones de reproducciones que suma su versión de ‘Take On Me’ de A-Ha en Spotify, que sonó en un anuncio de McDonalds. También podría estar relacionado ese ‘Ay, Haití’ en el que además de Anni, también figuraba Najwa, con 15 millones de escuchas.
Infoactualidad destaca que solo 15 artistas independientes españoles superan los 100.000 oyentes en Spotify. Su artículo, sin embargo, indica que algunos de estos números no se corresponden con las ventas reales de ciertos grupos, como Vetusta Morla o Izal, que, al contrario que Sweet o Najwa, sí agotan estadios.
La autora de ‘Oh, Monsters!‘ actúa el 20 de noviembre en Madrid, el finde siguiente en Valencia y el 5 de diciembre en Murcia. Entradas para Madrid, aquí.
Serpientes en los créditos mientras suena un baladón de Sam Smith creado ad hoc tras el exitazo del de Adele hace tres años, un cúmulo de postales desde México, Roma o Austria para fomentar el turismo, en su consecuencia una chica Bond para el agente 007 en cada puerto… la saga James Bond podría ser una buena caspa en pleno 2015, pero no. El equipo detrás de ‘Spectre’, como ya se vio en ‘Skyfall‘, también dirigida por Sam Mendes (‘American Beauty’, ‘Revolutionary Road‘), se ha adaptado a los nuevos tiempos de manera casi inmejorable.
Y no me refiero al uso de nuevas tecnologías y más presupuesto y dedicación en las escenas de acción. Obviamente ‘Spectre’ es un hacha en ese sentido. ¿Cómo podía no serlo con un presupuesto de 300 millones de dólares para dos horazas y media de trepidante minutaje? La secuencia que abre la película, en el Día de los Muertos celebrado en México (coincidiendo más o menos con el estreno del filme) es ya una de las mejores de toda la saga, y anticipo de las también excelentes que se dan después en otros territorios. Pero que James Bond se maneje bien en helicópteros, trenes, aviones y por supuesto deportivos no es lo que sorprende al público hoy en día. Si estas escenas funcionan por encima de la media mientras en filmes similares puedes encontrarte en mitad de la supuesta tensión pensando en tus cosas, es porque el fondo es soberbio.
Daniel Craig, 10 centímetros por debajo de Sean Connery pero a su misma altura en cuanto a carisma, es algo más que el mejor James Bond llevando trajes. En ‘Spectre’ jugando solo y sin apenas apoyo de Moneypenny y su equipo, resulta creíble como héroe, hipnotiza por supuesto como seductor, pero de manera más singular, resulta bastante divertido. Partiendo de la base de que una película de James Bond nunca será tan atrevida como una serie de la BBC tipo ‘Sherlock’, y a veces sí se echa de menos que el humor británico vaya un pelín más allá para que la saga termine de resultar tan ácida como Twitter (lo que sólo se deja ver de soslayo muy de vez en cuando), él mola tanto que mejor que de pie, cae sentado.
También son imprescindibles en medio de esta desarticulación de una organización terrorista, el gran villano Christoph Waltz, con una escena de tortura de una fuerza dramática que ya hubiera querido para sí ‘Hostel’, y Léa Seydoux como Madeleine Swann, que aporta un muy necesario toque feminista en nuestros tiempos. Como la canción de Sam Smith, que saldrás de la sala cantando aunque no quieras, su personaje y la escena final son una reivindicación del pasado, de lo viejo, pero con los elementos justos del siglo XXI para que hoy podamos seguir disfrutando del agente como otras generaciones lo hicieron hace 50 años. 8.
Como aún tenemos que esperar hasta enero para poder escuchar al completo el nuevo disco de Bloc Party, está mejor que bien que nos amenicen la espera con el clip para el primer adelanto del álbum. Se trata del machacón ‘The Love Within’, que ya escuchamos hace cosa de un mes.
El clip para el primer sencillo de ‘Hymns‘ ha sido dirigido por Ivana Bobic y muestra a un grupo de gente moviéndose al ritmo de este nuevo sonido bailable de la banda. Todo esto con un centro comercial cerrado como escenario. También aparece el grupo intentando hacer sus pasos de baile.
Según Dazed, Daddy, el dúo que forman el actor James Franco y Tim O’Keefe, ha firmado un contrato discográfico de varios años con Kobalt para la edición de su primer disco, ‘Let Me Get What I Want’, en algún momento de 2016. Si te suena el título es porque está inspirado en el de una canción de los Smiths, que son, de hecho, el motivo de todo este asunto.
El álbum estará compuesto por poemas basados en canciones de los Smiths que Franco ha escrito durante los últimos años y en él colaborará el mismo Andy Rourke, bajista original de la banda de Morrissey. El año pasado, Daddy compartió una versión de ‘The Charming Man’, el clásico de los Smiths de 1984.
El proyecto no se quedará ahí sino que el grupo realizará un videoclip para todas sus pistas, cada uno de los cuales se unirá en una película conceptual de una hora. «Estamos muy contentos de colaborar con Kobalt […] para un proyecto tan único como el nuestro», ha indicado Daddy, destacando que, gracias al sello, podrá abordar este nuevo trabajo con total independencia.
Este proyecto es otro de tantos paralelos a su carrera cinematográfica que Franco ha ido desarrollando a lo largo de los últimos años, y entre los que se encuentra un libro sobre Lana Del Rey, sobre la que ha asegurado estar obsesionado. También le hemos visto dirigir películas, vídeos musicales, pintar cuadros o publicar un libro de poesía.
Actualmente, Franco prepara una película sobre la muerte del productor de cine porno Brian Kocis, asesinado brutalmente en 2007 por el productor Joseph Kerekes con la intención de quedarse con su fichaje Brent Corrigan, entonces emergente estrella del porno gay. Este ha asegurado recientemente haberse desvinculado de este proyecto.
Os dejamos con ‘The Charming Man’:
Uno de los grandes misterios de la música acaba de ser desvelado. Seguro que muchos de vosotros lleváis 17 años sin poder conciliar el sueño pensando qué significaba realmente la letra del primer éxito de Britney Spears, aquel icónico ‘… Baby, One More Time’. Durante mucho tiempo se especuló con las metáforas sexuales o sadomasoquistas de aquel “hit me baby, one more time”, pero nada más lejos de la realidad.
La respuesta ha llegado en un libro titulado ‘The Song Machine’ escrito por John Seabrook en el que se desvela que los suecos Max Martin y Rami Yacoub, autores del tema, pensaban que el verbo “hit” se usaba por los adolescentes americanos como una especie de jerga para decir “llamada”. Lo que en español sería algo así como “dame un toque”.
De hecho, el propio sello de la artista, asustado por el título original de la canción, ‘Hit Me Baby (One More Time)’, decidió prescindir de la primer parte y dejarlo en ‘… Baby One More Time’, para intentar en vano evitar los dobles significados.
En el libro, como parte de las anécdotas de la canción, también se relata que el tema fue primero rechazado por TLC, que querían modificarla, y por Robyn, entonces una estrella adolescente. De hecho, en 2013, una de las TLC recordaba la historia: “Yo pensaba: «me gusta la canción, pero ¿crees que será un éxito?» ¿Iba yo a cantar “golpéame, cariño, una vez más”? De ninguna manera”.
‘… Baby One More Time’, con la voz de Spears, publicada un 30 de septiembre de 1998, fue el primer número 1 mundial para la cantante, la canción más vendida en 1999 y es uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos con más de 10 millones de copias despachadas. Además de que su vídeo, con una Spears vestida de colegiala, se ha convertido en referencia e icono de toda esa era.
Echando la vista atrás da auténtico vértigo la cantidad de singles y hits que durante algo más de dos décadas firmaron OBK. Indiscutiblemente, su legado persiste en la memoria colectiva y resulta del todo crucial en la historia reciente del synth pop nacional. Con Jordi Sánchez al frente (su compañero de batallas, Miguel Arjona, decidió desvincularse del proyecto a principios de 2012), ahora vuelve con un ‘De Corazón’ que reformula las mejores canciones de amor de su repertorio. Pero aunque el disco ha debutado más que bien en las listas de ventas, Jordi siente que en los últimos años no se le ha prestado la atención que se merecía. De todo ello y más hablamos con él, quien aprovecha esta sincera entrevista para abrirse como nunca y poner sobre la mesa los pros y contras de su longeva trayectoria.
El último recopilatorio de 2011, ‘2OBK’, conmemoraba el 20 aniversario de la banda. Y ahora, apenas cuatro años después, vuelves con otro que reinterpreta de forma desenchufada las mejores canciones de amor de vuestra carrera. ¿Qué te ha llevado a ello?
La idea del Unplugged la tenía en la cabeza de hace tiempo, siempre había querido hacer algo como esto. Después de ‘2OBK’ vino el EP de ‘Promises’ y ‘Revolución’ con doce temas inéditos. Y ahora, al no tener un disco con material nuevo completamente acabado para este año, el día de los Enamorados se me ocurrió regrabar nuestras mejores canciones de amor. La compañía lo vio muy claro, pero al final ha sido un álbum más difícil de hacer de lo que pensaba y con el que he tenido que estar seis meses en el estudio, bastante más de lo que esperaba.
¿Por qué ha resultado difícil?
Porque había muchas maneras de hacerlo. Incluso había colaboraciones que tenía pensadas que al final no salieron. Todas las canciones podrían haber sido con poco más que piano y voz, pero me sabía a poco y al final en el estudio fui probando más cosas de las que al principio tenía en mente. Las más jodidas han sido aquellas más versionadas como ‘Historias de Amor’ o ‘La Princesa de mis Sueños’. Yo soy el primer fan de OBK y oyente de lo que hago. Me gusta trabajar y que lo que hago, ante todo, me emocione. Por ese motivo no me conformo con cualquier cosa porque después uno tiene que defenderlo.
«Ahora el impacto sólo lo tienes sonando en la radio o siendo jurado de ‘La Voz’»
¿Entiendes que desde fuera se vea como el enésimo recopilatorio de OBK?
Yo lo veo un recopilatorio diferente. Entiendo a la gente que pueda pensar eso, pero la razón de ser de este disco es que no quería quedarme quieto y que no se hablara nada de OBK durante 2015. Se puede interpretar como un paréntesis, un disco diferente que, aun no siendo revolucionario, sí que es disfrutable tanto para los fans como para aquella gente que durante los últimos no nos seguía de cerca. Lo que quiero demostrar por encima de todo es el valor de las composiciones. Si llevo 24 años en esto de la música algo he hecho bien. Y ese bien son las canciones, no hay más secreto.
Pensaba que el lanzamiento había sido impuesto por la discográfica, pero entiendo que digas que es una forma de seguir adelante y una estrategia para que se siga hablando de tu música.
Es que si no, no estás. Ahora el impacto sólo lo tienes sonando en la radio o siendo jurado de ‘La Voz’. De otro modo el público desconoce que sigues haciendo cosas. Tuve que pensar eso: hacer algo ahora, o simplemente hacer esperar a la gente un año o dos más hasta que tenga nuevo material.
«Al haber estado tanto tiempo sonando en Los 40 Principales te ponen una etiqueta de comercial que tiene tanto su parte buena como mala (…) En nuestro caso es como si en cada momento tuviésemos que demostrar que somos unos currantes para que los medios nos hagan caso»
¿Frustra que después de la carrera que arrastras tengas que sacar material constantemente para no caer en el olvido?
Si le preguntas a la gente quién es OBK te dirán que sí lo conocen, pero no conocen el valor de lo que OBK hizo por la música nacional. Desconocen quién compone, quién hace qué… De alguna manera me hace pensar que al haber estado tanto tiempo sonando en Los 40 Principales te ponen una etiqueta de comercial que tiene tanto su parte buena como mala. Revisando mi carrera creo que todo lo he hecho de la mejor forma posible. No obstante, también pienso que nadie ha contado en este país conmigo, por ejemplo, para hacer remixes. Yo le llamo la buena mala suerte de OBK: la buena suerte de poder trabajar en el sueño que quise cumplir con 16 años como cualquier chaval que empieza en esto de la música, y la mala suerte de que a pesar de los años aún no se nos ha reconocido como nos merecíamos. Cualquier artista con tres vídeos de Juan Antonio Bayona podría vivir de las rentas, y en nuestro caso es como si en cada momento tuviésemos que demostrar que somos unos currantes para que los medios nos hagan caso.
Personalmente creo que es más un problema de la poca aceptación que el pop electrónico tiene en general en nuestro país que de OBK en sí.
La electrónica aquí es lo de menos porque, por encima de todo, están las canciones. Si OBK estaba destinado a no triunfar el primer año hubiéramos puesto punto y final. Pero después de 24 años me encuentro por parte de la industria y los medios con una gran indiferencia, algo así como si estuviera cruzando el desierto solo. ¿Qué he hecho tan mal? Este es mi trabajo, y como trabajo necesito una exposición para que la gente lo vea. Sé que soy una persona afortunada y privilegiada por dedicarme en exclusiva a la música, pero esa buena mala suerte me persigue. Yo sigo siendo ese chaval de dieciséis años, no he perdido eso. No quiero ir de nada, pero tengo ganas de hacer cosas y me resulta muy complicado en este país. Vivo en una eterna contradicción en ese sentido.
«Después de 24 años me encuentro por parte de la industria y los medios con una gran indiferencia, algo así como si estuviera cruzando el desierto solo. ¿Qué he hecho tan mal? Este es mi trabajo, y como trabajo necesito una exposición para que la gente lo vea. Sé que soy una persona afortunada y privilegiada por dedicarme en exclusiva a la música, pero esa buena mala suerte me persigue»
¿Por qué no has guardado el único tema inédito del disco, ‘Perdimos la Batalla’, para el futuro largo de estudio?
No la quería guardar. Como fan de OBK que ante todo soy, aparte de ofrecer nuevas versiones también me gusta trabajar en alguna canción nueva. Quería que el disco fuera un repaso a las canciones de amor y desamor de todos estos años, pero también que hubiese algo que aportara algo inédito al conjunto.
Lo que no entiendo es por qué se rescata ‘Lo Tomas o lo Dejas’, que es de hace apenas dos años. ¿Qué necesidad había de regrabarla estando tan caliente?
Podría haber incluido la versión original, pero pensé que era la última balada de estos 24 años y que debía estar ahí. Además, es un tema que a mí me gusta mucho. Así de sencillo.
¿Con qué te quedas de todos estos años teniendo en cuenta que cualquier carrera tan longeva inevitablemente es una montaña rusa en la que el éxito va y viene?
Lo que me parece increíble es que después de tantos años esté aquí sentado contigo hablando. Recuerdo que en las primeras entrevistas decía que sería un milagro que la banda aguantara diez años, y eso se ha superado con creces. Me quejo, sí, pero no para alimentar mi ego. Lo que pasa es que quiero hacer muchas cosas más y en este país resulta muy complicado.
Desde 2008 no trabajas con él, pero siempre he tenido la sensación de que J.A. Bayona ha sido algo así como lo que Anton Corbjin representa para Depeche Mode.
Por supuesto. Lo que Corbjin hizo por Depeche Mode es lo que Bayona hizo por OBK. Y no una vez, sino catorce. Recuerdo hasta cuando hice la banda sonora de su primer corto…
¿Por qué motivo no ha vuelto a dirigir uno de tus videoclips?
Cada año le tengo en mente y se lo digo porque es amigo, pero ahora está a un nivel de presupuesto muy elevado y resulta imposible poder pagarlo. Él no trabaja solo, tiene un gran equipo detrás que, obviamente, tiene que cobrar. Entiendo perfectamente que ahora tenga un gran caché.
¿Consideras que el público tiene poca memoria?
Para nada, el público está a lo que le digan de alguna manera. El problema es la falta de exposición, de dar valor a las cosas. La cuestión es estar y sonar. Si eso no ocurre, como me pasa desde el 2008, arrastras durante años ese vacío. Yo soy un compositor pop y eso no me lo puede quitar nadie. La electrónica no tiene tanto público realmente, pero la gran baza de OBK es que sí llegó a muchísima gente. Por encima de la electrónica había la emoción y las buenas melodías de las canciones. La gran suerte de OBK fue sonar. Nunca nos interesó la fama, sino el éxito. Y eso se traduce en que se recompense tu trabajo sonando, cosa que ahora no sé por qué, pero no ocurre.
«Gracias a Dios tengo el público suficiente para seguir adelante, pero ‘Revolución’ pasó muy desapercibido al no sonar en las radios ni reseñarse en los medios. Hasta nos fuimos a Tokio a grabar un vídeo con un presupuesto muy ajustado para que alguien hablara de él, y ni con esas»
¿Qué ocurrió con ‘Revolución’ hace un par de años?
Sinceramente, nada. Gracias a Dios tengo el público suficiente para seguir adelante, pero el disco pasó muy desapercibido al no sonar en las radios ni reseñarse en los medios. Hasta nos fuimos a Tokio a grabar un vídeo con un presupuesto muy ajustado para que alguien hablara de él, y ni con esas. Soy muy humilde, pero es que esa es la puta realidad. Sé que no puedo competir con muchos artistas de mi quinta que aún siguen, pero duele que te ninguneen después de tantos años.
¿Te molesta que siempre se haya comparado a OBK con Depeche Mode?
Para nada. Al contrario, estoy súper orgulloso. Siempre he dicho que es como si eres futbolista y te comparan con Maradona. ¡Si OBK viene de ‘Oberkorn’! Muchas veces cuando escucho a Depeche Mode en casa digo que gracias a ellos tenemos lo que tenemos. Me cambiaron la vida. Si Martin Gore o Umberto Tozzi no hubiesen nacido yo no sería lo que soy. No sólo como artista, sino incluso como persona.
Alguien me recordó hace poco cuando trabajabas en un Mango de Barcelona y hablabas años ha con las clientas de tus aspiraciones musicales…
Sí, trabajaba en uno de la calle Bruc. No cambiaría nada de la historia de OBK, pero imploro porque se me den oportunidades. Tengo la misma ilusión del primer día. No pienso ni en el dinero ni en la fama, sino en algo totalmente diferente. Y lo que me encuentro con los años es que no se ha reconocido todo lo hecho. Hasta que el cuerpo aguante y mi ilusión se mantenga seguiré adelante, por supuesto.
¿Qué pasó con Miguel Arjona en realidad? Nunca quedó claro por qué decidió marcharse en 2012.
Después de veinte años juntos hubo un lógico desgaste. Los dos tenemos unas personalidades muy diferentes. Ha sido el mejor compañero de viaje posible, pero los últimos años antes de 2011 notaba que él ya no estaba. Miguel siempre ha sido más tranquilo, no tenía mis mismas inquietudes artísticas. Jugando montamos OBK, y durante muchos años compartí mi mundo con mi mejor amigo y grandes momentos aun siendo muy diferentes. Simplemente decidió abandonar el barco. Fue romper y distanciarnos amigablemente. Se ha pasado página. Él sigue con su vida y yo con la mía.
«(Miguel y yo) no hablamos realmente, pero si nos viéramos claro que nos tomaríamos un café. Siempre decíamos que todo el mundo se separaba menos nosotros, pero estas cosas pasan sin más. No deja de ser lo mismo que ocurre con una pareja»
¿Seguís en contacto?
No hablamos realmente, pero si nos viéramos claro que nos tomaríamos un café. Siempre decíamos que todo el mundo se separaba menos nosotros, pero estas cosas pasan sin más. No deja de ser lo mismo que ocurre con una pareja. Lo que ha cambiado con esta nueva realidad es que antes en todos los discos siempre escribía dos o tres canciones y ahora no me queda otra que ocuparme de todas.
Investigando me ha parecido curioso que para ‘Momentos de Fe’ en un principio barajasteis que lo produjera Flood, aunque al final te encargaste tú de ello.
En aquel momento Flood era Dios, pero ahora me gustaría más trabajar con Stuart Price, Alan Wilder o con Vince Clarke en algún tema.
¿Tienes la espinita clavada de no haber trabajado con un productor internacional?
Siempre lo he pedido, pero en ese aspecto nunca ha habido una respuesta. Esto no sólo lo comento a los periodistas, sino también a las discográficas. Cuando quise hacer un dueto con Umberto Tozzi se dio. Y, asimismo, recuerdo que cuando escuché lo que Carlos Jean hizo con Fangoria le dije a Diego Torán de EMI que me gustaría conocerlo para trabajar con él, y así ocurrió. No siempre hemos tenido la misma suerte en ese sentido a la hora de poder contactar con productores internacionales.
¿Consideras que alguien ha tomado vuestro testigo?
Me hubiera encantado. A mí me gustaban mucho cosas como Santuario que salieron y concebían la electrónica de otra manera, con mundos diferentes al nuestro. Pero en general no ha habido bandas nacionales que me hayan conquistado. Siempre digo que en España ha habido Fangoria y OBK, pero en realidad cada uno tiene su mundo y es difícil hacer comparaciones. Me gustan mucho por ejemplo Skrillex o Zedd, pero jamás podría hacer algo como ellos porque no me resulta natural ni es coherente con mi universo creativo. Los experimentos a mí no me van. Para mí es muy importante defender lo que hago. Ningún grupo -como OBK- ha nacido a partir de Umberto Tozzi y Depeche Mode, ni uno. Así moriré, con ese ADN que tengo dentro de mí desde la adolescencia.
¿Cómo oyente, si tuvieras el poder de cambiar algo de tu discografía qué sería?
Nada, porque la primera vez que sentí eso al final fue un exitazo. Las cosas deben ser como son. Soy muy Virgo en ese sentido, muy perfeccionista y obsesivo a la hora de crear. En 1991, para nuestro disco de debut, el sonido de las maquetas se mejoraron tan sólo un poco. El productor, Viborilla, ni aparecía por el estudio prácticamente. Recuerdo que llegamos a los estudios de Blanco y Negro en agosto, cuando en principio estaba cerrado, para grabar ‘Llámalo Sueño’. No había dinero por entonces ni para promoción ni para el primer videoclip. Era el mundo al revés, pero aun con esas había tantas ganas y tanta magia por hacer cosas que fue increíble. Eso me hizo aprender que las cosas son como son y que una canción como ‘Historias de Amor’ puede calar en la gente aunque no tuviéramos todo de nuestra parte. Eso sí, haciendo memoria lo único que sí hubiera cambiado es el primer single de ‘Feeling’, ‘Sin rencor’. No lanzar ‘A Ras de Suelo’ como single de adelanto fue un error. Carlos Jean en aquella época estaba muy en la onda de Coldplay y quería sonar muy orgánico, y ahí nos equivocamos.
Como fan de Depeche Mode, ¿qué piensas de sus últimos años?
No me gustan, en eso soy un clasista. Desde que se fue Alan Wilder ya no es lo mismo. Ya no me emocionan tanto por mucho que en alguna canción puntual como ‘Precious’ sí lo hagan. Aunque eso no quita que cuando aún me pongo ‘Violator’, ‘Songs of Faith and Devotion’ o ‘Music for the Masses’ piense que eran increíbles. A día de hoy sigo alucinando con esos discos.
«Siempre hemos pasado de la fama o si quedábamos bien en foto. Estamos rodeados de tanta frivolidad y tanta gilipollez que el ser normal no se premia. A la gente le gusta más ese prototipo de artista estúpido que le dice «fuck you» al fan que quiere un simple autógrafo»
Con todo lo que has dicho antes, ¿alguna vez se te ha pasado por la cabeza tirar la toalla? ¿O, al menos, plantearte que la música no sea tu única fuente de ingresos?
Me jode pensar eso porque es mi vida. Amo mucho lo que hago. El problema no está en mí, sino en que no me dejan trabajar ni me dan la plataforma necesaria para mostrarlo. Eso es lo único que me da rabia. Me veo con la fuerza de aquel chaval que mostraba sus demos al principio de todo. Ese soy yo y esa es la historia de OBK. Siempre hemos pasado de la fama o si quedábamos bien en foto. Estamos rodeados de tanta frivolidad y tanta gilipollez que el ser normal no se premia. A la gente le gusta más ese prototipo de artista estúpido que le dice «fuck you» al fan que quiere un simple autógrafo. Y oye, al fan siempre hay que tratarlo bien: sin ellos no seríamos nada.
¿De cara al año que viene tienes algún plan?
Sería desvelar demasiado… Habrá nuevo álbum de estudio, pero también me gustaría lanzar un disco en directo aun sabiendo que sería otro recopilatorio a su manera. Queda un año para pensar qué hacer. Me ha absorbido tanto tiempo ‘De Corazón’ que ahora es cuando me pondré a pensar en lo siguiente. El año que viene cumplo 25 años de carrera, lo cual es una fecha muy importante.
¿Si siempre hubieras cantado en inglés crees que la historia de OBK hubiese sido diferente?
Si hubiera nacido en Manchester OBK no hubiera existido. Cantar en español fue un revulsivo. Soy de aquí, así que OBK nació y morirá aquí.
Coldplay han confirmado al fin la salida de su disco, no como otras. Se titula, como ya anunciaran el año pasado, ‘A Head Full of Dreams’, y saldrá el 4 de diciembre a través de Parlophone Records. La colorida cubierta es la misma que apareció en un misterioso cartel promocional por el metro de Londres hace unos días.
El primer single es ‘Adventure of a Lifetime’, un tema bastante disco que podéis escuchar a continuación. El grupo presentó otro corte de este álbum, ‘Amazing Day’, durante su concierto en la pasada edición del Global Citizen Day, donde Chris Martin hizo un dueto con Ariana Grande.
Según la nota de prensa, ‘A Head Full of Dreams’ es el disco que Coldplay «más han disfrutado hacer» y del que «más orgullosos se sienten». Ha sido producido por Stargate, el dúo noruego tras numerosos éxitos de Rihanna, Katy Perry y Beyoncé, y Rik Simpson, productor de ‘Viva La Vida‘ de Coldplay, entre Malibú, Los Ángeles y Londres. Colaboran en el álbum Tove Lo, Noel Gallagher y la misma Beyoncé, entre otros.
El grupo planea una gira mundial en presentación de este disco, que parece a todas luces la otra cara de su último disco, ‘Ghost Stories‘, más melancólico.
‘A Head Full of Dreams’:
01 A Head Full of Dreams
02 Birds
03 Hymn for the Weekend
04 Everglow
05 Adventure of A Lifetime
06 Fun
07 Kaleidoscope
08 Army of One
09 Amazing Day
10 Colour Spectrum
11 Up&Up
Por si alguien no lo sabe aún, Rita Ora es esa señora que se arrima a todo lo que huela a éxito. Gracias a esa jugada ha conseguido un par de éxitos, sobre todo en su Reino Unido natal. Ahora, la ex de Calvin Harris forma equipo con el dúo de drum & bass Sigma, que ya le dio un número 1 a Paloma Faith con ‘Changing’.
La apuesta con Rita Ora se titula ‘Coming Home’ y repite la fórmula de prácticamente toda la breve discografía de la pareja de productores. El tema irá incluido en el primer trabajo de Sigma, titulado ‘Life’ y que saldrá a la venta el próximo 4 de diciembre.
Gracias a nuestro foro de Russian Red escuchamos la nueva aventura musical de Russian Red. Más o menos. Se trata de un tema grabado por Lourdes junto al músico californiano Daniel Anderson «Glowbug«, mucho más rockero y denso que el repertorio habitual de la autora de ‘Cigarettes’, y que incluso los momentos más extremos de ‘Agent Cooper’.
‘Ultimate Stranger’, con incluso algo de distorsión, suena al underground americano recubierto de electrónica que hemos venido conociendo desde finales de los 90, si bien donde se conocieron estos dos según la nota de prensa fue en Tokio. Han estado cuatro años colaborando juntos pero no ha sido hasta ahora cuando se han decidido a compartir «su pista favorita» de las que han grabado no en Japón sino en Los Ángeles.
El tema nuevo también ha sido subido a las plataformas de streaming. De hecho en Spotify puede escucharse otra canción que Lourdes ha cantado para Glowbug. Su tema conjunto en plan dúo, ‘All In’, cierra su disco ‘Headhunters’ de este mismo año. En este caso, se combinan lo acústico y lo ambiental, sonando cerca de The Postal Service.
Russian Red, que suponíamos algo apartada de la música desde la edición de su tercer álbum, también ha sido noticia recientemente porque protagoniza un corto, ‘El beso‘.
‘Honeymoon‘ llegaba a las tiendas el pasado 18 de septiembre, sin alcanzar el número 1 en ninguno de los mercados más importantes del mundo, y vendiendo hasta la fecha unas decepcionantes 400.000 copias en todo el mundo que dividen entre más de 10 los logros de ‘Born to Die’… ¡sólo tres años después!
Con este panorama, la pregunta es obvia: ¿dónde está metida Lana del Rey? ¿No piensa interpretar las canciones en vivo en alguna tele? ¿No piensa editar nuevo vídeo? ¿No piensa siquiera anunciar gira mundial como una artista de su categoría debería hacer? Para indignación de sus fans, que ven cómo este nuevo disco que ha tenido las mejores críticas de su carrera (?) cae en el olvido día tras día, pasando desapercibido para el público generalista, que probablemente ni sepa que existe, Lana parece pensar ya en otras cosas.
La cantante ha declarado recientemente algo así como que ya ha pasado página con respecto a ‘Honeymoon’. Ha sido en la entrevista con Billboard, la que ha dejado grandes titulares porque en ella la cantante vuelve a hablar de la muerte («es duro para mí seguir adelante cuando sé que todos vamos a morir»). Cuando le preguntan si va a salir de gira dice: «Lo hago todo al revés. Ya he salido de gira. De hecho ya he terminado la gira mundial que empecé hace cuatro años, cuando necesitaba estar por ahí. Realmente necesitaba salir a cantar», decía, como indicando que ahora mismo ya no lo necesita.
Para más inri, se ha dejado fotografiar junto a Justin Parker, co-autor de ‘Born to Die’ pero con el que no trabaja desde ‘Ride’, dando a entender que quizá ha vuelto a escribir con él y que quizá busque un sonido más comercial en sus próximos pasos artísticos. ¿Será el caso o tendremos un nuevo caso «Mark Ronson», quien tenía que negar lastimosamente que formara parte de ‘Honeymoon’ tras haber anunciado que estaría en el mismo? Hasta que lo averigüemos no cabe descartar que Lana del Rey nos dé alguna sorpresa respecto a ‘Honeymoon’ en forma de vídeo o festival. Con ella, que sí, en efecto, realizó una gira con Courtney Love antes de ‘Honeymoon’, ¡pero sin interpretar en vivo sus temas!, nunca se sabe…
Eso sí, mientras la gente se pregunta por qué un álbum con tantas posibilidades de salvarse en el terreno comercial no es promocionado de la manera debida, por qué una persona que vendía 5 millones de copias hace unos años ahora vende 500.000 y nadie hace nada por impedirlo… da morbo comprobar cómo Lana del Rey parece funcionar a la antigua. Si los años 50 y los 60 son su obsesión es justo recordar que lo habitual en aquellas décadas, de los Beatles a Elvis pasando por Aretha Franklin o Stevie Wonder, era no dejar de producir, escribir y crear, sacando disco por año o incluso más. Con la de discos que llevamos, los publicados y los filtrados, y el que parece que viene, Lana del Rey parece aún más cerca de «los clásicos». Si Nancy Sinatra sacó tres discos en 1966, ¿por qué ella no?
Mañana es viernes, día de lanzamientos musicales. Sale al mercado lo nuevo de Grimes (ya filtrado y comentándose en nuestros foros) y lo nuevo de Ellie Goulding, por poner dos ejemplos, pero considerando que el single de esta, ‘On My Mind’, no ha arrasado tanto como ‘Burn’, parece haber vía libre para un lanzamiento sorpresa. Todo lo contrario de lo que sucederá los próximos 13 de noviembre (Justin Bieber y One Direction competirán por el top 1 en las listas) y el 20 de noviembre (sale ’25’ de Adele).
Rihanna parece no tener ‘ANTI’ preparado, y quien podría dar la campanada como se preguntan en nuestro foro de Drake, es el autor de ‘Hotline Bling’, una de las mejores canciones del momento (y de las más exitosas). ¿La razón? No sólo que su disco se llame ‘Views from the 6’ y por lo tanto lo ideal sería lanzarlo un día 6 (el 6 de diciembre es domingo), sino que acaba de aparecer este anuncio en un tablón de Toronto haciendo referencia al próximo lanzamiento del rapero.
No obstante, Drake suele subir sus mixtapes/discos sorpresa, siempre arrasando en iTunes, un poco el día de la semana que le da la gana, así que, quién sabe, quizá se tire a la piscina en cualquier momento…
Lo único claro es que sería un poco tonto no aprovechar el tirón de ‘Hotline Bling’ para sacar disco. Retrasado a primeros de 2016, vendería muchísimo menos. Aunque el tema se haya quedado sin el top 1 del Billboard Hot 100 primero por culpa de The Weeknd, luego de Adele y sobre todo por no haber lanzado su coqueto vídeo en Vevo sino en Apple Music; es uno de los cortes fundamentales de su carrera y su primer éxito de verdad en España, esta semana subiendo al 56 en su quinta semana.
Sabíamos muy poco de Santigold desde la edición de ‘Master of My Make-Believe‘, uno de los mejores discos de 2012. Cuatro años después volverá con ’99¢’. O casi. Porque en verdad el disco que acaba de confirmar saldrá pronto en 2016, el 22 de enero. La amiga de M.I.A. ha contado en este disco con iLoveMakonnen, así como con Rostam Batmanglij de Vampire Weekend, Hit-Boy, Dave Sitek de TV on the Radio, Patrik Berger, Justin Raisen, Sam Dew, John Hill y McKinney. Hay un divertido tráiler jugando con el nombre del disco y con el hecho de que todo en esta vida esté etiquetado y «empaquetado», cuando las opciones de «diversión» son «múltiples».
El single ‘Can’t Get Enough of Myself [ft. B.C.]’ ha sido estrenado por Apple Music y suena bastante luminoso y de nuevo jamaicano, si bien irrumpen sonidos acelerados que podríamos asociar al terror de unas ametralladoras pero también a la diversión de unos dibujos animados. Puedes oírlo después del tracklist.
01 Can’t Get Enough of Myself [ft. B.C.]
02 Big Boss Big Time Business
03 Banshee
04 Chasing Shadows
05 Walking in a Circle
06 Who Be Lovin Me [ft. iLoveMakonnen]
07 Rendezvous Girl
08 Before the Fire
09 All I Got
10 Outside the War
11 Run the Races
12 Who I Thought You Were
Iron & Wine nos visita en solitario cuando se cumplen trece años de su primer disco, ‘The Creek Drank The Cradle’, y se ha reeditado este álbum con algunos extras.
Hoy se anuncia que las fechas en Madrid y Barcelona anunciadas este verano ya no cuentan con entradas disponibles, se han agotado. Los conciertos tendrán lugar este fin de semana, en concreto el 7 de noviembre en la sala Barts de Barcelona y el 8 de noviembre en el Teatro Barceló de Madrid. Sí quedan localidades para verle en Cartagena un poco antes, mañana día 6.
Este año, editaba un disco junto a Ben Bridwell de Band Of Horses, con versiones de gente como Talking Heads, Pete Seeger, El Perro del Mar y Bonnie Raitt. Con ‘Sing Into My Mouth’ os dejamos.
Banks surgió un poco a la sombra del fenómeno de The Weeknd. Ahora que hasta el canadiense parece haber abandonado las atmósferas densas por las que se dio a conocer, quedaba la curiosidad de ver por qué derroteros iba a ir el siguiente trabajo de la californiana.
‘Better’ es el primer avance de un nuevo trabajo y un aperitivo para comprobar que ella sigue fiel al sonido por el que la conocimos. Para todos aquellos que no crean que nueva aparición de FKA Twigs sea la llegada del nuevo Mesías, esto es una lección de cómo mezclar r&b con electrónica de la manera correcta. Además, la canción llega acompañada de un sugerente clip, en el que tal vez sí sobren los planos de la cantante cubierta con pan de oro.
Belle & Sebastian estaban a punto de visitarnos de gira, con una fecha en Madrid agotada, una segunda disponible y otras dos en Barcelona y Donosti. De hecho, tenemos una entrevista preparada con Sarah Martin para publicar en los próximos días.
Sin embargo, lamentablemente la gira de presentación de ‘Girls In Peacetime Want to Dance‘ no va a tener lugar. La razón es la salud de Stuart Murdoch, que se ha visto resentida. Este es el comunicado que han colgado en Facebook:
«Belle and Sebastian lamentan anunciar la cancelación de lo que queda de gira europea por Europa. La razón es la salud del cantante principal Stuart Murdoch. Es una enorme decepción para nosotros no hacer los conciertos, y la decisión no ha sido fácil. Nada desea más Stuart que ser capaz de tocar y cantar para vosotros, pero primero se tiene que poner bien. Esperamos que lo entendáis. Con amor y todo respeto como siempre, Belle & Sebastian».
Se desconoce cuál es el problema de salud de Stuart Murdoch, si bien sí se sabe que padece encefalomielitis miálgica, tema que ocupa ‘Nobody’s Empire’, una de las canciones fundamentales de este nuevo disco.
Interpretamos que estas fechas que aparecen en su web son canceladas. Las dos pendientes para junio de 2016 suponemos que se mantienen en pie. El último show de Belle & Sebastian fue esta misma semana en su ciudad, Glasgow. Su repertorio aparece en Setlist.fm.
Gira europea cancelada:
November 10th: FRANCE, Rocher de Palmer, Bordeaux »
November 11th: SPAIN, Razzmatazz, Barcelona »
November 12th: PORTUGAL, Lisbon, Coliseu dos Recreios. »
November 14th: SPAIN, Riviera, Madrid. »
November 15th: Spain, Riviera, Madrid »
November 16th: Spain, San Sebastian, Kursaal »
November 18th: FRANCE, La Paloma, Nimes. »
November 19th: FRANCE, Paris, Casino de Paris »
November 20th: LUXEMBOURG, Rockhal »
November 21st: SWITZERLAND, Fribourg, Fri-Son »
November 23rd: SWITZERLAND, X-tra, Zurich. »
November 24th: GERMANY, Live Music Hall, Cologne. »
November 25th: BELGIUM, Cirque Royal, Brussels. »
November 27th: GERMANY, Docks, Hamburg. »
November 29th: HOLLAND, Tilburg, 013 »
Finalmente, la nota de prensa de Razzmatazz menciona una posible reubicación de fechas: «Lamentamos comunicar que, debido al estado de salud actual de su cantante Stuart Murdoch, Belle and Sebastian han decidido cancelar su gira europea, tal y como queda expuesto por el grupo en su comunicado oficial que adjuntamos aquí. Los conciertos previstos para Madrid, Barcelona y San Sebastián quedan cancelados. El grupo espera poder anunciar pronto nuevas fechas en 2016 para su gira europea.
El importe de las entradas será devuelto a través de los diferentes canales de venta por los que se adquirió la entrada:
El importe de las entradas adquiridas por internet o teléfono se devolverá automáticamente. Quienes compraron físicamente tendrán que acudir con la entrada a los puntos de venta donde la adquirieron».
Gracias a guiones en el foro de Belle & Sebastian por el aviso.
Aunque Sia acaba de estrenar nuevo tema, ‘Bird Set Free’, no se ha olvidado de su éxito actual, ‘Alive’, y acaba de presentar un videoclip para el mismo dirigido por ella misma y Daniel Askill, el mismo equipo que nos dio vídeos como los realizados para ‘Big Girls Cry’ y ‘Elastic Heart’ en promoción de ‘1000 Forms of Fear‘.
Protagoniza el videoclip una niña que no es Maddie Ziegler pero que podría hacerse igual de famosa. Su arte no es la danza interpretativa, eso sí, sino las artes marciales. La niña, por cierto, lleva la peluca bicolor que Sia parece dispuesta a convertir en icono de esta era. No es que pase mucho en el vídeo, en realidad, no pasa absolutamente nada, pero ahí queda.
‘This Is Acting’, de portada inenarrable, sale el 29 de enero.
Najwajean, el dúo formado por Najwa Nimri y Carlos Jean, regresa varios años después de ‘Till It Breaks’ con ‘Bonzo’, adelanto de su nuevo disco, que saldrá a la venta el viernes 27 de noviembre. Además, desde hoy y hasta el lanzamiento del disco, Najwajean irá desbloqueando una nueva canción cada viernes que se podrá adquirir de forma anticipada a su salida.
Este primer single del dúo autor de ‘No Blood’, aparentemente influido por el catálogo de Mad Decent y Missy Elliott, es la antesala del que será su nuevo trabajo, descrito por Carlos Jean como “un golpe de un bate de béisbol contra una almohada”. Ya se conocen tanto la portada del disco como el videoclip realizado por el hombre de confianza de Najwa, Virgili Jubero.
El regreso de Najwajean no es precisamente una sorpresa, pues no hace tanto que compartían un tema nuevo, ‘Waiting’, editado este mismo verano.
El mismo día del lanzamiento de ‘Bonzo’, el viernes 27 de noviembre, Najwajean estará firmando discos en Fnac Málaga. A esta firma le seguirán las de Fnac Sevilla el sábado 28 de noviembre y las de Fnac Valencia y Fnac Barcelona L’Illa el domingo 29 y el lunes 30 de noviembre, respectivamente.
Joanna Newsom no llenó anoche la sala BARTS de Barcelona en presentación de su nuevo disco, ‘Divers‘. Desconozco si lo hubiera logrado tocando en el Palau de la Música Catalana como hizo hace cinco años durante la gira de ‘Have One On Me‘, que recuerdo a rebosar (no me extraña porque el recinto es espectacular), pero al final dio lo mismo: los intensos aplausos entre canción y canción que inspiró Newsom, que terminaban súbitamente en cuanto se disponía a tocar de nuevo, como si el público temiera por su vida el interrumpirle a la artista un sola nota, y la cantidad de gente de pie al final del concierto confirmaron una cosa: si Newsom no es una estrella, no sé qué puede ser.
Puntual como un reloj, Newsom salió al escenario acompañada de tres músicos: el multi-instrumentalista Ryan Francesconi, la violinista Mirabai Peart y el batería, su hermano Pete Newsom. La cantidad de instrumentos presentes en el estrado era tal que ni la propia Newsom fue capaz de anunciarlos todos, en tanto que los cuatro músicos presentes fueron repartiéndoselos de manera que parecía aquello un juego de sillas. La misma Joanna Newsom, que frecuentemente pasaba del arpa al piano y del piano al arpa en mitad de una misma canción, olvidó durante un punto del concierto, absorbida en su interacción con el público, que le tocaba sentarse al teclado para tocar ‘Goose Eggs’. Se lo tuvo que recordar su hermano. «Y esto, amigos, es un concierto de rock profesional», bromeó.
Protagonizó el espectáculo la artillería pesada de ‘Divers’. Newsom cerró, antes de los bises, con una interpretación asombrosa de ‘Time, As a Symptom’ que, al menos en mi opinión, brilló con más intensidad que la versión de estudio, aunque las verdaderas estrellas del concierto fueron las canciones situadas en la primera mitad del álbum, como ‘Sapokanikan’ o ‘Leaving the City’. ‘Goose Eggs’ y su hipnótica coda instrumental fueron uno de los momentos más notables, mientras ‘Waltz of the 101st Lightborne Elite’ mostró a Newsom y a su banda gozando de manera especial.
Pero el show también fue generoso en clásicos. Abrió con ‘Bridges and Balloons’, que ganó enteros gracias a la renovada calidad de la voz de Newsom, mucho más elegante, cadenciosa y bella que hace diez años, pero igual de encantadora. También cayeron canciones como ‘In California’ en una interpretación portentosa, o ‘Have One On Me’. En general, fue memorable oír a la autora de ‘Ys‘ interpretar canciones tan antiguas como ‘Monkey & Bear’ y ver lo que es capaz de hacer con ellas ahora que ha adquirido un control absolutamente impecable de sus cuerdas vocales. Dicen que su voz es un gusto adquirido y es verdad, pero hoy debería serlo mucho menos. Su primer top 10 debería decirnos algo, ¿no es cierto?
Si asististe a este concierto y eres de los y las que miran los «setlist» de un concierto antes de que suceda, probablemente conocieras ya gran parte de las canciones seleccionadas. Joanna Newsom, sin embargo, varía la selección con frecuencia y los bises no fueron una excepción. La gran sorpresa no fue ‘Peach, Plum, Pear’, enormemente agradecida como guinda del pastel por su carácter ufano, sino ‘Baby Birch’, que es absolutamente todo lo contrario, una canción melancólica, pero que proporcionó la actuación más escalofriante de la noche y, en una palabra, la mejor gracias a una melodía vocal y a unos arreglos de una emotividad sobrecogedores.
En todo el show, solo unas pocas personas se atrevieron a dirigirse directamente a Newsom para expresarles su admiración. «¡Eres maravillosa!», gritó alguien desde la lejanía, reservadamente. El silencio entre canción y canción era sepulcral, el respeto hacia la actuación de Newsom, imponente, casi incómodo para lo que fue su concierto en realidad, que no por incluir canciones más intimistas dejó de ser en mayor parte una retahíla de grandes melodías para cantar a pleno pulmón. No puedo evitar pensar que a Newsom le hubiera gustado un poco más de participación por parte de su público, pero, para las veces que nos visita, y esta era la única parada en España de su gira europea de 9 fechas, no me extraña que lo que quisiera este fuese, simplemente, acomodarse y disfrutar del espectáculo. A tenor de la estruendosa ovación final, eso fue exactamente lo que hizo.
‘Tendrá que haber un camino’ es uno de esos debuts que en realidad no es un debut. Y no me refiero sólo al material ya publicado junto a Los Evangelistas (otro de los grupos paralelos de Jota, Eric y Florent de Los Planetas junto a Antonio Arias de Lagartija Nick), sino a que Soleá Morente ya colaboró en varios discos y proyectos de su padre Enrique y su hermana Estrella. Escuchar su voz, con una vocación más pop para bien y para mal, no es una novedad, pero este disco sí es la «puesta de largo» que necesitaba para consolidarse en el mapa.
Aunque La Bien Querida nos contaba que lo que quería era participar en el disco mainstream de Soleá, esto como ella bien se temía es a menudo el álbum indie de la artista. El álbum no está exento de folclore y presenta fandangos, granaínas y una sevillana, pero incluso esta desde sus cuatro partes clásicas suena en clave rock, con un punto de densidad que quiere aproximarse a ‘Omega’, como también sucede en ‘Eso nunca lo diré’ o en las adaptaciones de Leonard Cohen. Evidentemente la sombra de Enrique Morente planea sobre este álbum, como no podía ser de otra forma, pero también está la de Jota, que incluso canta el dueto ‘Arrímate’, y se siente clara en ‘La ciudad de los gitanos‘, básicamente una canción de los últimos Planetas.
Aunque Soleá Morente logra hacer suyas adaptaciones de Antonio Machado (‘Yo escucho los cantos’ a modo de intro) o de Cohen (‘Esta no es manera de decir adiós’), sí es cierto que a veces es devorada por el compositor. Sucede sobre todo en ‘Tonto’, la aportación de David Rodríguez (Beef, La Estrella de David), que viene a ser casi una versión de ‘9.6‘ del primer disco de La Bien Querida, con una incursión electropop que será tan polémica para algunos fans de los Morente como lo fue en su momento para los del pop independiente.
Sin embargo, el gran triunfo de ‘Tendrá que haber un camino’ es el de la demolición de fronteras. Una que tenía que haber tenido lugar hace tiempo pero contra la que seguimos luchando. No cabe mucho debate sobre la deriva estilística del disco porque se ha conseguido lograr cohesión (ayuda que ‘Tonto’ aparezca casi al final) y en cualquier caso, la buena calidad de las composiciones se merienda las dudas. Ese «que eres mu tonto / lo sabía toa Graná / más tonta soy yo / que me acabo de enterar» no puede resultar más cuqui, demostrando que las canciones realizadas en el underground durante los últimos 20 años son completamente universales… sólo que no todo el mundo lo ha descubierto todavía.
«Qué bonito», comentaba La Bien Querida en nuestro obituario de Enrique Morente. Pero lo bonito de verdad es que Ana y otros compositores de este disco hayan sabido retomar el legado de la familia, no sólo sus raíces flamencas -aquí expuesta en ‘Dama errante’ y en la totalidad de los temas de una forma o de otra- sino su amplitud de miras para ofrecer un disco rico, variado y singular, digno de celebrar por todo tipo de públicos. De la cómica ‘Vampiro’ a la atemporal ‘La nochecita sanjuanera’ -su ‘La fuerza del destino’ particular-, ‘Tendrá que haber un camino’ es un ordenado festín de palmas, cuerdas morunas, guitarras progresivas y sobre todo melodías memorables. ¿Qué mejor cierre que ese ‘Todavía’ que referencia al «Todavía no», con el que Enrique aconsejó a una Soleá Morente adolescente que aún no se dedicase a la música? Ahora sí que ha llegado el momento, ahora sí que hay un camino.
Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Todavía’, ‘Vampiro’, ‘Nochecita sanjuanera’, ‘Arrímate’
Te gustará si te gusta: (muy fácil) ‘Omega’, La Bien Querida, Los Evangelistas
Escúchalo: Spotify
Tal día como hoy hace 41 años se inauguró el puente aéreo entre Barcelona y Madrid. Es, pues, el momento idóneo para que la serie «Puente Aéreo» de LaFonoteca y LaFonoteca Barcelona, cuyo objetivo es establecer un «diálogo musical» entre grupos de ambas ciudades, regrese con un nuevo lanzamiento.
En este caso, los madrileños Wild Honey, autor recientemente del notable ‘Medalla de plata‘, y Betacam versionan a Doble Petina y los catalanes Fred i Son, el nuevo grupo favorito de Michel Gondry gracias a discos como ‘Diu que no sap què vol‘, y Neleonard, que publicaban ‘Agosto‘ a principios de año, versionan a Los Lagos de Hinault, autores de ‘Flores de Europa‘.
