→Rara vez un artista tarda 10 años en publicar su álbum debut después de darse a conocer con un par de temas. Ha sido el caso de Lewis Roberts.
→Koreless no solo ha pasado «15 horas» diarias durante años encerrado en su estudio-zulo de Londres grabando este álbum, también ha visto la luz del sol para colaborar como productor en ‘MAGDALENE‘ de FKA twigs. ‘Agor’, que significa «abierto» en galés, se compone de producciones más accesibles y épicas y otras más abstractas. A Roberts le han inspirado cosas tan improbables como los recopilatorios de Café del Mar, el paisaje de su Glasgow natal o una ‘Mumbai Theme Tune’ de A. R. Rahman a la que llama la «pieza de música clásica más épica y apocalíptica de la historia». Arpegios cósmicos y voces femeninas tratados suenan como si estuvieran atrapados dentro de un éter digital.
→Fue Disco Recomendado el 17 de julio.

→‘Blue Weekend’ es uno de esos discos que son “demasiado poperos para los fans del rock” y «demasiado rockeros para los fans del pop” pero es mejor por eso mismo.
→‘Blue Weekend’ es casi redondo sin necesidad de contener singles capaces de cargar con todo el álbum a sus espaldas. Los detalles de producción de Markus Dravs hacen mucho, pero el carisma de Ellie Roswell y su capacidad para elevar cualquier género lo supera con creces. Que Wolf Alice es una de esas bandas que saben digerir sus influencias es obvio desde el primer disco, pero en ‘Blue Weekend’ más que nunca.
→Fue Disco de la Semana en torno al 31 de mayo.

→A principios de año, PinkPantheress era solo una joven de 19 años que estudiaba en la Universidad de Londres y subía canciones a TikTok por afición. Ahora es una de las grandes revelaciones.
→PinkPantheress apuesta por los beats de UK garage, drum ‘n bass y jungle de los años 90, y se ha apuntado el tanto de recuperarlos antes que nadie, por lo que ya son solo asociables a ella. La artista equilibra el uso de samples con sus propias composiciones, logrando que dichos samples suenen como si siempre le hubieran pertenecido.
→Fue Disco de la Semana en torno al 18 de octubre.

→Julien Baker se centra, más “sin filtro” que nunca, en sus adicciones, su reciente recaída, sus comportamientos autodestructivos, sus sentimientos de odio a sí misma y, en definitiva, su (inestable) salud mental.
→En ‘Little Oblivions’ hay novedades respecto al acompañamiento musical, ya con una banda, y con más instrumentos y tímidos experimentos: del banjo de ‘Heatwave’ pasamos al piano de ‘Song in E’ y ‘Crying Wolf’, de ahí a los sintes y órgano de ‘Hardline’, la guitarra sucia de ‘Ringside’, etc. Lo que sí se mantiene constante es su gran habilidad como compositora.
→Fue Disco Recomendado el 3 de marzo.

→La música de la pareja Magdalena Bay es indisociable del mundo audiovisual que han creado en redes como TikTok y Youtube. Dicen haber copiado todo de ‘Videodrome’.
→Una de las bazas de ‘Mercurial World’ es lo divertido que es bucear entre sus inspiraciones. El tema final, llamado ‘The Beginning’ de la misma manera que la intro se llama ‘The End’, empieza tipo Aqua, continúa tipo ABBA para luego incorporar influencias de j-pop y Daft Punk. El final de ‘Halfway’ es más bien dream pop y cinematográfico. Al término de ‘Mercurial World’ el tema se convierte en ‘Material World’ en lo que lo mismo podría ser un homenaje a Madonna que a SOPHIE. Divertimentos que no impiden que haya un poso espiritual en este disco, ajeno a la vacuidad de las redes sociales.
→Fue Disco de la Semana en torno al 11 de octubre.

→Ese experimento llamado boygenius fue uno de las mejores regalos musicales que nos dio 2018: nos introdujo a Phoebe Bridgers, a Julien Baker y a Lucy Dacus.
→Con un estilo cohesionado que seducirá tanto a los fans de sus discos anteriores como a los que la descubrieron por boygenius, Dacus se luce evocando con voz y melodías el ambiente de nostalgia del que precisamente trata el disco, y demuestra de nuevo sus excelentes habilidades como letrista. No hay más que irse a su último single: “you call me cerebral, I didn’t know what you meant / but now I do, would it have killed you to call me “pretty” instead?” canta en ‘Brando‘.
→Fue Disco de la Semana en torno al 5 de julio.

→En 2021 el sonido PC Music continúa vigente aunque ya sea fuera de PC Music para el que fue uno de sus artífices, Danny L Harle. El artista ha decidido fichar por Mad Decent, el sello de Diplo.
→‘Harlecore’ es un disco conceptual inspirado en un espacio digital llamado Club Harlecore, en el que los usuarios pueden experimentar la euforia de diferentes maneras. Para ello, cada género musical es representado por «un DJ residente fantástico»: «DJ Danny» nos trae el hardcore edificante, «MC Boing» el rap (se trata de Danny L Harle con Lil Data), «DJ Ocean» el ambient (se trata de Danny L Harle con Caroline Polachek) y «DJ Mayhem» (Danny L Harle con Hudson Mohawke) «lidera un rastro de destrucción con la banda sonora de un charlatán en confrontación». Al final el Club Harlecore no es tanto una discoteca de euforia muy bien diseñada, como sí un paradigma de la diversidad que cabe en el corazón de todos los que compusieron PC Music.
→Fue reseñado en abril e incluido en lo mejor de enero a junio.

→Los proyectos con los que Sufjan Stevens nutre los cinco añazos que transcurren entre sus “discos oficiales” suelen hacer alzar una ceja, pero no ha sido el caso de este, no tan lejano a ‘Carrie & Lowell’.
→ ‘A Beginner’s Mind’ es una sucesión de temas repletos de lo que solemos buscar en las canciones de Stevens, sin fallos, sin nada que chirríe. Son canciones que arrullan, con un nivel altísimo… Y con sus cimas, claro: la encantadora ‘Lady Macbeth in Chains’; la voz de Sufjan lanzando sus mejores requiebros en ‘Olympus’, el dolor que se intuye en la pizpireta ‘Fictional California’… Y, sobre todo, la perfección de ‘Back to Oz’.
→Fue Disco Recomendado el 23 de septiembre.

→Las canciones de los autores de ‘Lost in the Dream‘ nunca han ocultado sus raíces, en ocasiones resultando una recreación demasiado fidedigna. Sin embargo, siguen componiendo pistas sobresalientes.
→Granduciel otorga a sus creaciones un carácter poético y también revitalizante más por sus arreglos que por sus sencillos textos. Así se siente ya en los primeros 60 segundos del álbum, bellísimos, y por el modo en que va situando esos pilares. Los desarrollos instrumentales siempre han sido un fuerte para The War on Drugs y aquí eso se mantiene, por ejemplo, en los dos últimos minutos de ‘Change’, la vitalidad que aportan cosas como ‘Wasted’, el ritmo y la percusión de la desaforada ‘Victim’ y la construcción mediante clímax armónico de ‘Old Skin’.
→Fue Disco Recomendado el 14 de noviembre.

→14 años viviendo en México, los 2 últimos en la pequeña localidad de Tepoztlán literalmente «viendo caballos pasar», han llevado a la chilena Mon Laferte a publicar su disco más empapado de folclore.
→‘SEIS’ habla de ostentación, derroche, política y redes sociales, si bien vuelve a ser ante todo una colección de canciones de amor y desamor, que luchan por quitarse de encima la obsesión por el amor tóxico y posesivo. Mon Laferte puede presumir de haber afrontado la música tradicional 1) con un ímpetu arrollador, tamaño Chavela o Rocío Jurado, muy pocas veces visto en el panorama actual y 2) con un mensaje que huye de las malas costumbres.
→Fue Disco de la Semana en torno al 12 de abril.

→Dice el mito que los terceros discos son difíciles, pero Japanese Breakfast ha aprovechado la creación de ‘Jubilee’ para reinventarse. ‘Jubilee’ no abandona radicalmente el indie-rock ni el dream pop, pero sí los pasa por un prisma más positivo.
→Michelle Zauner dice que «después de pasarse los últimos cinco años cantando sobre la pérdida de un ser querido, quería que mi siguiente trabajo hablara sobre la alegría», algo que ha conseguido con una enorme variedad musical que la vinculan lo mismo con Beirut que con el vocoder de Bon Iver y el lo-fi pop nervioso de The Microphones. Japanese Breakfast sale airosa de todos esos retos.
→Fue Disco de la Semana en torno al 14 de junio.

→Una máxima dylanesca, «el hambre por absorber, investigar y expresarse», inspira el título del nuevo disco de Kiko Veneno. Y hay que decir que ese «hambre», esas ganas de sumergirse en cosas diferentes, se ve en pocos artistas de 70 años.
→Entre conexiones con ‘Omega’ puntuales, como en ‘Madera’, y momentos más pop, ‘Hambre’ avanza reservando ciertas sorpresas en su secuencia y en sucesivas escuchas. No sabemos si han sido sus singles de presentación los adecuados para revelar al mundo la grandeza de lo contenido aquí, pero lo seguro es que lo grande permanece, desde el reconocimiento de la pena y los problemas sociales en ‘Duele’ a lo saltarín del ‘Gitano Dave’.
→Fue Disco Recomendado el 19 de julio.

→Durante un tiempo, Aidan Moffat y Malcolm Middleton, Arab Strap, fueron estandartes; los amos de la depresión, del desasosiego, de las relaciones de pareja atormentadas, de la vida jodida y, sobre todo, del sexo: sexo ansioso, sexo triste, sexo frustrante. Ahora han vuelto.
→‘As Days Get Dark’ es un disco tan pegadizo como perturbador. Recuerda a los grandes momentos de la banda, pero sin resultar para nada desfasado. La música de Arab Strap, seca, amarga, siempre tuvo una cualidad atemporal, que se mantiene. Siguen destilando mala leche y humor, suavizados por cierta ternura y un mucho de resignación. El regreso del dúo no puede ser más clarividente y glorioso.
→Fue Disco Recomendado el 5 de junio.

→Como decía Picasso, a él la inspiración le va a pillar trabajando. Nick se sienta cada día en su oficina y piensa, escribe, compone. En confinamiento ha parido esta obra junto a Warren Ellis.
→A pesar de ser un disco elaborado en tiempos muy difíciles, ‘Carnage’ ofrece más luz, belleza y consuelo que desasosiego. Las canciones parecen reflejar una búsqueda y una reconfortación en el «Reino en el Cielo» (término que aparece varias veces), en el amor a la humanidad, al mundo. Ellis y Cave apelan más a lo universal que a lo personal, a un humanismo salvador. Las aguas son procelosas, duro es el viaje, pero no nos hundiremos mientras permanezcamos juntos, nos dicen. Y en semejante estado de gracia, imposible no creerles.
→Fue Disco de la Semana en torno al 1 de marzo.

→Billie Eilish vuelve antes de tiempo por obra y gracia de la pandemia, tras haber vendido todo y ganado todos los premios con su debut.
→Entre los temas tratados en ‘Happier than Ever’ y sus aventuradas producciones queda claro que el segundo disco de Billie Eilish está hecho para callar bocas, y en la mayoría de casos lo consigue. En la portada anuncia que es más «feliz que nunca» pero aparece llorando y las imágenes promocionales la muestran como una especie de ídolo adolescente de los años 50 con la mirada muerta. En ‘Happier than Ever’ se dan este tipo de contrastes varias veces a lo largo de la secuencia, empezando por el tema titular y terminando por una amplia amalgama de bossa, folk, neo-soul y rock.
→Fue Disco de la Semana, en torno al 3 de agosto.

→Halsey atraviesa una etapa especialmente inspirada y tan sólo un año y medio después de ‘Manic‘, su primer gran disco y el que parecía que podía ser el mejor de su carrera, se saca de la manga otro superior.
→‘If I Can’t Have Love, I Want Power’, con la excelente producción de Nine Inch Nails, se beneficia de llegar en un momento perfecto para la multitud de estilos que presenta. En un escenario saturado hace rato de hip hop, reggaetón y temas colaborativos a la desesperada, el giro al pop-rock de Miley Cyrus o después el de Olivia Rodrigo han sido recibidos como un soplo de aire fresco. Por paradójico que pueda parecer, estamos hablando de grunge y pseudo-grunge más que en lustros, y aquí ‘You asked for this’ y ‘The Lighthouse’, cuyo desenlace no puede resultar más Garbage, saben sacar partido de ello. Parece haberlas producido Butch Vig.
→Fue Disco de la Semana en torno al 27 de agosto.

→Alizzz se ha convertido en el productor más exportado del país. Desde Castelldefels a Las Vegas, el artista que se dio a conocer con una serie de producciones de future bass para después triunfar de la mano de C. Tangana acaba de adjudicarse tres Latin GRAMMYs.
→‘Tiene que haber algo más’ se empezó a concebir antes de que ‘El Madrileño’ llegara al mercado y tampoco busca tamaño reconocimiento. Al contrario, parece evitarlo. En comparación con la obra maestra de C. Tangana es menos ambicioso y enrevesado: las canciones son pop, directas e instantáneas, no se comen la cabeza a la hora de experimentar con diferentes sonidos y a la vez persiguen una vía más alternativa, logrando ser un altavoz generacional entre la pesadumbre (‘Ya no siento nada’) y las ganas de fiesta (‘Amanecer’).
→Fue Disco de la Semana en torno al 22 de noviembre.

→Corría el pasado mes de marzo cuando Doja Cat publicaba el vídeo de ‘Streets’ de su exitoso anterior disco. Tres meses después, ya teníamos en las manos el siguiente.
→Los encantos de ‘Planet Her’ no son revolucionarios, pero sí más duraderos que un cuarto de hora de fama, pues la cantante acumula demasiados hitos ya como para que sigamos arqueando las cejas cada vez que se anota un tanto. La artista curtida en Garageband y Soundcloud, que según ella misma ha sido cancelada unas 350 veces entre su pasado sectario, sus ex, su propia familia y los haters de Dr Luke (que sigue apareciendo en algunos de sus principales créditos), se pasa todo ello por el coño con el que aún no es su ‘ANTI’ ni su ‘Lemonade’, pero sí su ‘Good Girl Gone Bad’, su ‘Loose’, su ‘B’Day’, su ‘Love. Angel. Music. Baby.’… discos que hicimos de menos en su momento y aún escuchamos. Así que pasen y disfruten.
→Fue Disco de la Semana en torno al 28 de junio.

→Floating Points es conocido por sus impresionantes producciones electrónicas, como las de su reciente álbum ‘Crush‘, pero también por su pasión por el jazz. Aquí se une al colega de John Coltrane durante los 60 Pharoah Sanders, que quedó maravillado cuando escuchó su disco de hace 5 años, ‘Elaenia‘.
→Si es difícil hacer una «pieza» de casi una hora que en ningún momento aburra, Shepherd y Sanders hacen que parezca fácil, a lo que ayuda que la Orquesta Sinfónica de Londres nunca sobrepase su poder: mantiene la compostura en todo momento. En ‘Promises’, el balance de repetición e improvisación funciona a merced de un trabajo lleno de espacio en el que Shepherd y Sanders dialogan de manera espontánea, sin pisarse el uno al otro.
→ Fue Disco de la Semana en torno al 19 de abril.

→¿De cuántas maneras puede reciclarse un grupo sin perder su esencia? Low dieron una lección al respecto en ‘Double Negative‘ (2018). En ‘HEY WHAT’ siguen por el camino de llevarse a sí mismos hasta el límite.
→‘HEY WHAT’ no es un disco tan rompedor e inesperado como lo fue ‘Double Negative’, ofreciendo a cambio una visión más accesible para el oyente casual. Aquí, por cada arduo ‘There’s a Comma After Still’ emerge un medio popero ‘More’ (ambos cortes de 2 minutos de duración), como antes tras la brumosa segunda parte de ‘Hey’ había emergido el single ‘Days Like These’. Una gozada seguir escuchando el infierno interior que suena dentro de las cabezas de Low, con el único deseo de que algún día puedan encontrar la paz.
→Fue Disco de la Semana, en torno al 13 de septiembre.

→La británica Little Simz podría ganar el Mercury el año que viene con su nueva gran obra.
→‘Sometimes I Might Be Introvert’ es un disco que habla sobre racismo y muchas cosas más. Es un álbum excelentemente producido que no cuenta con cientos de manos, sino más que nada las de su hombre de confianza, Inflo, últimamente asociado al fenómeno crítico de la temporada pasada, SAULT. Y es un álbum muy bien adornado por una portada llamativa y unos vídeos cuidados y llenos de significado. Sobre todo ello -y sobre su propio carisma- brillan el flow y los mensajes que Little Simz lanza al mundo a lo largo de esta variada multitud de pistas, influida por las obras magnas de Kanye West y Lauryn Hill.
→Fue Disco de la Semana, en torno al 6 de septiembre.

→‘Clamor’ es mucho más que «el segundo disco» de Maria Arnal i Marcel Bagès. ‘45 cerebros y 1 corazón’ explotó con tal fuerza que era de temer que su luz cegadora quemase toda la obra posterior de Maria Arnal i Marcel Bagés. Pero ellos no se han dejado arredrar en su continuación.
→Clamor’ es un disco más experimental que su predecesor, aunque aún sigue enraizado en la canción popular hispánica, pero de manera menos obvia. Hay poca guitarra y sí mucha investigación sonora. ‘Clamor’ se sustenta en la electrónica, los sonidos de la naturaleza y, sobre todo, en el uso de la voz como instrumento, siguiendo la estela de eminencias como Björk o Holly Herndon. Es una obra que apela tanto a lo visceral como a lo intelectual y que cuesta mucho, mucho de abarcar en sus múltiples facetas, dados su derroche musical y lírico. Arnal i Bagés han confirmado de manera contundente que ellos también son mucho más que su primer largo.
→Fue Disco de la Semana en torno al 8 de marzo.

→La sombra de ‘Norman Fucking Rockwell!’ es tan alargada que corremos el riesgo de juzgar a ‘Chemtrails Over the Country Club’ como obra menor. Pero rotundamente no. Es más ligero, sus temas son menos enrevesados, más directos y breves, y más sutiles.
→En «Chemtrails» Lana ha fabricado una obra más luminosa. Sin apartarse de su querencia por el pop de los 70, por la canción augusta, compuesta y construida con esmero y la nostalgia vintage, hay aquí ligereza y sí, esa cohesión que se echaba de menos. La atmósfera es lánguida y morosa, las canciones no. Las instrumentaciones parecen suspendidas en el aire, oníricas y, a la vez, todo suena muy natural, abandonadas prácticamente las sonoridades más hip hoperas. En ‘Chemtrails Over the Country Club’ Lana ha ido a buscar, definitivamente, el clasicismo de gran autora de los 70. Quiere ser Joni Mitchell o Carole King. Y no tanto porque su música «recuerde a», sino porque Lana pretende que su obra alcance esas cotas de inmortalidad.
→Fue Disco de la Semana en torno al 22 de marzo.

→C. Tangana estaba empezando a repetirse a sí mismo en busca de «Today’s Top Hits». ‘El Madrileño’, apodo que adopta, es un punto y aparte en su carrera.
→‘El Madrileño’ se compone de canciones arraigadas en la tradición española y latina -pues su concepto es un avión partiendo de viaje de Madrid hacia Latinoamérica-, que han sido manipuladas tímidamente por C. Tangana, Alizzz y un tercer productor, Víctor Martínez. Menos ambicioso en producción que ‘El mal querer’, pero más generoso en número de hits, no hay que dar por sentada la enorme cantidad de éxitos que se suman a los 5 (¡CINCO!) singles que ya conocíamos con antelación a su edición. Después llegaban ‘Ingobernable‘ como rumba turbia pero irresistible; ‘Los tontos’ como otra cara de la moneda, un tema festivo, divertidísimo, en el que Kiko Veneno y Puchito se proponen huir de su condición de «losers»; ‘Párteme la cara’ e incluso joyas perdidas como ‘Cuándo olvidaré’.
→Fue Disco de la Semana el 26 de febrero.

→Desde la edición de su primer disco, Zahara se ha renovado proyecto a proyecto. ‘PUTA’ es su obra maestra. Un álbum que pone en valor millones de casos de acoso, abuso y maltrato a nuestras amigas, compañeras, hermanas y madres, o a nosotrxs mismxs.
→‘PUTA’ no es solo el disco más relevante que jamás se ha hecho sobre el movimiento #MeToo, sino el que lo refleja de manera más gráfica desde su compleja producción. Entre canciones que hablan del maltrato psicológico, como ‘sansa’ y de una falta insana de autoestima, como ‘Taylor’, aparecen sintetizadores tan quebrados como los de ‘joker’, estructuras tan inasibles como la de ‘flotante’, producciones tan depresivas como ‘canción de muerte y salvación’. Con bombos que emergen como para representar las hostias recibidas por el camino, el desarrollo electrónico y experimental es decisivo para el acabado de ‘PUTA’. «Creo que es el disco que más me ha impactado en la vida, sin exagerar», escribió el usuario Molinero en nuestro foro de Zahara, y todos hemos podido comprender por qué.
→Fue Disco de la Semana en torno al 26 de abril.