Poco le ha durado la relajación a Justin Bieber en Barcelona, donde actuó anoche (nuestra crónica, aquí), después de dejarse ver pateando la pelota con Neymar y Rafinha en la Ciutat Esportiva. TMZ publica hoy un vídeo en el que se ve a Bieber siendo trasladado en coche al Palau Sant Jordi de Barcelona cuando un fan corre a por él y mete su brazo en el interior del automóvil para tocarle, a lo que Bieber reacciona pegándole un puñetazo en la cara.
El chico, probablemente la única persona en el mundo que ha acudido a un concierto de Justin Bieber después de haber besado sus nudillos, regresa de su encuentro con el canadiense exaltado por lo ocurrido y con la cara hecha un cuadro. «¡Me ha pegado un puñetazo!», exclama, sin dar crédito, confusión que contagia a sus compañeras. Es lo que tiene el fanatismo religioso aplicado a una persona de carne y hueso, que la tocas y resulta ser de verdad.
Claramente Bieber está hasta el gorro de ser una estrella adolescente, quizás desde hace tiempo, pero ya no hace el esfuerzo de esconderlo. Ya son varias las veces que el cantante se ha enfadado con sus fans, ya sea porque le lanzan regalos durante un discurso o porque gritan durante otro sin hacer caso de lo que tiene que decir, o porque le bajan los pantalones delante de los paparazzi. Como para culparle. En serio, leave Bieber alone.
El fervor adolescente no es comparable a nada: a nada se asemejan miles de rostros gritando entre la desesperación y la entrega absoluta; a nada sus caras dispuestas a abandonar el recinto repitiendo que ese, y nunca podría haber otro, ha sido el mejor día de su vida.
Esa fue la escena exacta que presentó anoche el Palau Sant Jordi, cinco minutos antes de lo esperado, cuando apagó sus luces y dio paso, sin ningún tipo de dilación, a una pecera de cristal gigante, surgida de las profundidades del escenario. Dentro de ella, y elevado a varios metros de altura, Justin Bieber interpretó ‘Mark My Words’, canción que también abría su último disco, como si se tratara del nuevo David de Miguel Ángel.
Desapareciendo, y volviendo a aparecer al ritmo de ‘Where Are ü Now’, la calma se convirtió en un despliegue festivo de luz, sonido y efectos, una profusión que, durante las primeras canciones, contrastaba con la actitud de Bieber, la cual le hacía preguntarse a uno hasta qué punto deseaba Justin estar aquí dentro, y hasta qué punto le apetecía más estar afuera, dejando al lado la marca Bieber. A lo largo del show permitió que entreviésemos su descomunal capacidad sobre el escenario, pero, si bien podría haberse centrado esta muestra de talento en enseñar lo mejor de sí mismo, a veces nos dejaba entrever que podría dar mucho más, pero que esa posibilidad era algo a lo que, a día de hoy, no estaba dispuesto. Que podría dejarnos con la boca abierta si quería, pero, quizá, en otra gira.
En algunas ocasiones, la puesta en escena —sostenida en el juego de pantallas— hizo que canciones menos conocidas como ‘I’ll Show You’, cuyo uso de las pantallas y el escenario recordaba a algunas secciones del ‘Sticky and Sweet Tour’ de Madonna, saliese victoriosa. Para ‘The Feeling’, por otro lado, desplegaba unas proyecciones espaciales que conseguían transportar la canción a un nuevo nivel. ¿Todo en Justin Bieber, se preguntaba uno entonces, podría llegar a ser un éxito mundial?
Poco después, la percusión con «swag» y los arreglos discretos de ‘Boyfriend’ hacían recordar que ese midtempo ha terminado siendo uno de los hits más redondos y atemporales de su carrera. Luego, guitarra en mano y sentado en un sofá, interpretó una versión reducida de ‘Love Yourself’. Tal es, está claro, la seguridad que tiene —y puede tener— en el repertorio de esta gira. Pero el show debía continuar y una plataforma —con cama elástica incluida— bajó de las alturas para recoger la interpretación de ‘Company’. Bieber se movía por unos y otros lados como el que lo hace por su casa, sin recordar que, a veces, está bien saber que el escenario no tiene que ser tu casa, por muy acogedor que te parezca.
Poco antes de llegar a la hora, un parón inusitado nos dejó pensando si, quizá, habría acabado el concierto. Puede que se tratase de un interludio tan minimalista que no ofrecía más que la oportunidad de ir al baño o a por un bocadillo, pero resulta extraño este receso en un tour mundial, donde el movimiento y el ritmo son primordiales, y donde otros artistas no dan ni un segundo de respiro.
El espectáculo se reanudó de forma vertiginosa. Nada parecía sobrar de nuevo. Si bien el show no escatimó —ni hasta entonces ni después— en el uso de recursos (luz, sonido, efectos), sí resultó un poco pobre la indumentaria. No obstante, no es este asunto de primer orden, y quizá deberíamos aceptar que el dress-code de esta gira es por, decisión propia —o al menos así lo fue anoche—, como cuando vas de rebajas al Pull & Bear la última tarde y sales, porque necesitabas ropa, con lo poco que quedaba.
En la recta final del espectáculo, el Palau se entregó con las interpretaciones —con Bieber muy brillante a nivel vocal en muchas de ellas, incluso con y sin los playbacks y pregrabados— de éxitos como ‘As Long As You Love Me’, ‘Children’ o ‘What Do You Mean?’. La entrega del público fue tal que apenas hizo falta, llegado el momento de interpretar ‘Baby’, que Bieber siguiese la letra, pues era el propio estadio quien dirigía la canción. ¿Podemos reconocer ya ese primer hit mundial de Bieber como el himno popular que es desde hace más de un lustro? El final del concierto, para el que se guardó el insuperable ‘Sorry’, hizo que aquel que todavía tuviese sus dudas saliese de allí encantado.
Mención especial requiere el espacio «talk show» inaugurado por Bieber en la segunda mitad, al que podríamos titular «Pregúntaselo a Justin». Resultando mucho más divertido que las peroratas de Lady Gaga en su última gira, nos dio la oportunidad de presenciar cómo algunos fans afortunados, entre la emoción extrema y el inglés extravagante, trasladaban sus inquietudes y declaraciones de amor a Bieber. Este momento, monumental en su sencillez, solo se vio superado por la fan entregada que hizo un featuring cuando Justin le colocó el micrófono unas canciones más adelante. Una maravilla.
En definitiva, el show se sostuvo con soltura, aunque la implicación de Bieber —como la de muchas estrellas en un momento similar de sus carreras— hiciese dudar de su propio disfrute. Uno, en definitiva, sentía que, en determinadas ocasiones, Bieber se limitaba a ejecutar rutinas de sobra conocidas, y no se esforzaba por dejar ver que es mucho mejor performer de lo que demostró. No obstante, la fiebre belieber, lejos de apaciguarse o caer en el olvido —como muchos quieren creer—, parece haber trascendido, al menos, un par de generaciones distintas. Si él quiere, con el paso de un puñado de años, Justin Bieber podría ser el icono popular que miles de personas esperaban de él anoche.
Aunque podría pedírsele mucho más —y él, tristemente, podría haberlo dado sin problemas–, tantos éxitos seguidos hicieron que el público abandonase el Palau ampliamente satisfecho, y por un segundo miles de personas se atrevieron a reconocer la valía como estrella del pop de Bieber.
Los Grammy latinos de la semana pasada nos dejaron una sorpresa más aparte de la colaboración de Jennifer Lopez y Marc Anthony en plan Pimpinela. Según informa hoy Billboard, durante el descanso se estrenó un tráiler de la que será una de las películas más taquilleras de 2017, ’50 sombras más oscuras’, la segunda parte de ’50 Sombras de Grey’, pero no la última.
Y si en la primera escuchamos una versión distorsionada de ‘Crazy In Love’, el que al principio parecía que iba a ser el mayor éxito para siempre jamás de Beyoncé, en esta nueva entrega se ha rizado el rizo y han llamado a Miguel para versionarla. Esto ya se conocía desde hace unos meses, y de hecho circulan tráilers con su versión del tema. La novedad es la idea de castellanizar ese mismo tema.
En el nuevo tráiler puede escucharse un fragmento en castellano y ese «tú me vuelves muy looocoooo» en boca de Miguel no puede sonar más chanante. No se espera la versión completa del tema hasta 2017, pues la película se estrena el 10 de febrero.
El último disco hasta ahora de Miguel Jontel Pimentel, de ascendencia mexicana por parte de padre y afromericana por parte de madre (su padre es mexicano-estadounidense, de ahí sus habilidades con el acento), salía el año pasado con el nombre de ‘Wildheart‘.
Billboard ha informado sobre los primeros detalles de la hospitalización de Kanye West durante este lunes, poco después de que Los Ángeles haya amanecido. Kanye West ha sido hospitalizado para evaluación psiquiátrica, poco después de que se haya cancelado una veintena de las fechas de su gira, en la que últimamente se estaba mostrando errante. Según algunas fuentes, el ingreso se habría producido contra su voluntad y esposado.
El diagnóstico al que ha tenido acceso este portal es que la hospitalización de Kanye West es “consecuencia del agotamiento y del insomnio”. Cuando han preguntado al Doctor Michael Farzam, la persona que llamó a la policía -y no a una ambulancia- si está tratando a Kanye West, Farzam ha respondido “sin comentarios”. Billboard también cita a TMZ, que afirma que Kanye sufre una “psicosis temporal” por las causas indicadas, además de por «deshidratación» y que por ello el Doctor Michael Farzam habría aplicado lo que en California se llama un «5150», un ingreso psiquiátrico involuntario que pretende proteger a las personas de sí mismas o de hacer daño a otros. Las esposas se habrían aplicado como protocolo de este caso.
No obstante, su médico indica que West no se opuso con violencia cuando la policía se presentó a buscarle. La llamada a la policía de Farzam se habría producido después de que Kanye intentara asaltar a un miembro del gimnasio en el que estaba entrenando.
Los conciertos «fin de gira» son una excusa para volver a congregar a tus fans al cabo de pocos meses a la que no está dispuesto a renunciar -ni tiene por qué, su discografía, con la tontería es notable, y sus conciertos, de lo más divertido- Joe Crepúsculo. El cantante ha anunciado en redes sociales su concierto «fin de gira» de la era ‘Nuevos Misterios‘. Será en la Sala Taboó de Madrid el próximo 22 de diciembre. Debido a lo señaladísimo de la fecha (día de la Lotería de Navidad), ha denominado el evento «nuestra fiesta de empresa» y ha anunciado que habrá «dj, baile y efectos de iluminación».
El precio es de 12 euros más gastos y puedes comprar las entradas en Ticketea (en taquilla serán 15 euros). Como veis, hay cartel específico para este evento.
¿Qué ha traído la era ‘Nuevos Misterios’ a Joe Crepúsculo, aparte de un poquito de trap? Nada menos que su segunda canción en superar el medio millón de reproducciones en Spotify (lógicamente ‘La Verdad’ junto a La Prohibida, la primera fue ‘Mi fábrica de baile’); la versión de Los Punsetes de ‘Maricas’ que con tanta naturalidad se ha incorporado a su repertorio y una ‘A fuego’ que fue reivindicada como canción del año por Rockdelux. Después, cuando parecía que el artista se sumaba a la moda de subir a las redes canciones sueltas a lo loco lanzando ‘Me parto la camisa‘ junto a Tomasito, hace unas semanas presentaba el anunciado como primer single de su octavo álbum, ‘Te voy a pinchar‘. Por el momento se desconoce su título, pero se publicará «a principios de 2017».
Odina es el apelativo que una barcelonesa emigrada al Reino Unido (como Pavvla, curiosamente) ha escogido para lanzar su carrera musical. Allí, tras madurar influencias como Keaton Henson, Bon Iver o Daughter en su minúscula habitación de Londres, ha fraguado las cuatro canciones de su primer EP, ‘Broken’. Un trabajo lanzado el pasado verano e inspirado por una ruptura sentimental, en el que pone en primer plano su bonita voz, algo aniñada, y su guitarra acústica. Estas, en su crudeza, se van envolviendo en madejas de reverb que las hacen sonar, pese a su aparente fragilidad, expansivas. Especialmente cuando se combinan con coros y (lo que parecen) arreglos de trompa, como en su single, ‘You Loved Me, You Killed Me’ o la gran tapada del EP, ‘Father’.
Decimos que es la gran tapada porque, pese a no ser anticipada previamente, ya ha alcanzado la considerable cifra de 284.000 reproducciones (el tema principal antes citado «apenas» supera las 100.000). Parte de este éxito puede residir en que medios británicos avezados ya han puesto sus ojos y oídos en Odina y su música. The 405, por ejemplo, estrenó meses atrás el clip oficial de ‘You Loved Me, You Killed Me’ y le dedicó una entrevista, en la que destacó que todo en Odina lo hace sola, desde la composición y la producción a sus portadas y visuales, como este vídeo que grabó en los Pirineos durante unas vacaciones.
Odina es una de las artistas que actúa mañana, día 23 de noviembre, en Bala Perduda, certamen de bandas noveles organizado por la Sala Apolo de Barcelona y cuyo premio es, entre otras cosas, actuar en el próximo Primavera Sound 2017 y la grabación de un LP. Junto a ella, estarán los sevillanos Vera Fauna, de interesantes ecos psicodélicos y nuevaoleros, y los intimistas Puput, desde Manresa.
C. Tangana tenía hace claro hace un año, cuando ’Bolsas’ se estaba convirtiendo en un hit, que era el momento de colarse “en el mainstream de verdad”. Si mainstream es que te entreviste Carlos del Amor para el Telediario de La 1 o que Matías Prats haga un chiste sobre su nombre, quizá no lo haya logrado (aún). Pero si se refería a que un público y prensa de muchos ámbitos y edades estuviera pendiente de su próximo lanzamiento, sí está ahí. Por supuesto, eso se suma a los miles de chavales que se saben cada tema subido a Youtube de memoria. El trap estatal se ha convertido en el salvavidas musical para una generación adolescente y post-adolescente, crecida en un periodo de profunda crisis económica y social, que quiere, necesita, marcar territorio con sus mayores, sentirse diferente con algo que sus padres e incluso hermanos mayores no solo no entiendan sino que además les resulte molesto, les ofenda.
Entre los nuevos héroes del rap, Agorazein tienen un especial mérito, puesto que ellos emergieron en un momento de baja popularidad del género (principios de este década), con un lenguaje y un sonido más fresco y luminoso que la anterior generación, apostando por producciones ricas que se abrían incluso a la música electrónica. Su inteligencia les ha llevado a no quedarse clavados en sus hallazgos de entonces, e ir mutando como cualquier otro fan de la música, hacia lo que los grandes referentes estilísticos del género han marcado. Tras el ya lejano (tanto temporal como artísticamente) ‘Kind of Red’, ‘Siempre’ llega impulsado (no se puede negar) por el hype que Puchito ha generado con sus temasen solitario de los últimos meses. Es sin duda uno de los lanzamientos nacionales más importantes del año, y el resultado está a la altura de las expectativas.
Con una cuidada estrategia de calentamiento, mediante esa película y posteriores vídeos de Manson (de la productora CANADA) para tres cortes del disco, el nuevo disco de C. Tangana, Sticky M.A., Jerv.agz, Fabianni y I-Ace es un hijo de su tiempo. Evidentemente, como ya se hace ver desde los sectores críticos más avezados, su música y estilo lírico no es tremendamente original. Cualquiera que esté acostumbrado a escuchar las producciones para Partynextdoor, Lil Yachty o Travi$ Scott no va a ver la luz aquí. Pero lo que logra Agorazein es algo fuera de lo común: han logrado absorber esos referentes, quizá poco accesibles para la gran mayoría de su público potencial, y adaptarlos a su idiosincrasia, a un lenguaje propio que sea capaz de conectar con aquel.
En ese sentido, diría que ‘Siempre’ es uno de los mejores trabajos nacionales de pop de 2016. O, al menos, uno de los que mejor representa lo que es la música popular en nuestros días. Puede que estas oscuras y profundas producciones de trap-pop, a cargo del colectivo vigués Banana Bahia Music –con Royce Rolo a la cabeza–, no sean lo ultimísimo en el rap pero están, como ellos dirían, pegás. Como sus tres MCs: aunque C. Tangana acabe presente en la práctica totalidad de los temas por la musicalidad de su flow, poniendo las partes más cantables, tanto Sticky –que también sabe hacer líneas cantadas con gran eficacia– como Jerv demuestran que están en estado de gracia. Se montan en los beats con clase y personalidad, brillando prácticamente en cada “surco” de este disco, que va mucho más allá que su inicio apabullante con ‘To pue’ ser‘ y el final en lo más alto con el exitazo ‘100K pasos‘. Pucho vuela al nivel que viene acostumbrando todo el año en la excepcional ‘Planes’, en ‘Panini’ o ‘Lo mío’ (con agresiva producción de Alizzz); el segundo se pone a la altura, especialmente en la espeluznante experiencia más-allá-de-la-vida de ‘Guadalupe’, en la adictiva ‘Qué pasará’ o en la emocional ‘Superreservao’ (producida por White Noise); mientras que el tercero, menos activo, lo parte en la irresistible ‘Golfi’ y en ‘Mentira’. Y, por supuesto, en los colectivos ‘Los Tru’ y ‘Explícame’ todos se complementan con rotundidad.
Claro, podemos afear los aspectos misóginos y violentos de sus letras (como se podría hacer en muchas otras bandas nacionales y no exclusivamente de rap, ojo). Y podemos señalar la perecilla que da la autoafirmación y los golpes de pecho por su autenticidad (aunque si alguien puede hacerlo es quien que lleva 10 años en esto, claro). Pero, la verdad, eso no puede espantar el acojonante magnetismo que despliega todo el grupo en ‘Siempre’, un disco que se eleva a un nivel musical y lírico superior, y que será capital para el género, tanto por su potencial comercial, como por su halo de hito generacional (hasta su portada es icónica). Ojalá que las señales que apuntan que este podría ser el final del combo no sean ciertas, pero tendría sentido cerrar una carrera con una obra tan rocosa, inapelable.
Agorazein presentan ‘Siempre’ el día 7 de enero en la sala Joy Eslava de Madrid. Las entradas están a la venta aquí.
Calificación: 8,2/10 Lo mejor: ‘100K pasos’, ‘Qué pasará’, ‘Golfi’, ‘Planes’, ‘Guadalupe’, ‘Panini’ Te gustará si te gusta: el trap y el pop. Escúchalo:Youtube, Spotify Cómpralo:tienda Agorazein
‘Marte‘, ‘Ex machina’, ‘Interstellar‘… Parece que últimamente cualquier película de ciencia ficción en la que el director se ponga el puño en el mentón (y dure más de dos horas) ya es una obra maestra del género, la nueva ‘2001: una odisea del espacio’. En realidad, no son más que variaciones –algunas notables- sobre los mismos temas visuales y argumentales de siempre, los que ya vimos en ‘Encuentros en la tercera fase’, ‘Blade Runner’, ‘2001’… De hecho, la película más relevante que ha dado el género en los últimos años, la auténticamente visionaria ‘Under the Skin‘, ha resbalado por el público como lágrimas en la lluvia (en España ni se estrenó).
Con ‘La llegada’ pasa algo parecido. Es una buena película de ciencia ficción, unos encuentros (malickianos) en la tercera fase, pero no esa obra maestra que gran parte de la crítica estadounidense está proclamando.
Lo mejor de ‘La llegada’
1. Su atrevida propuesta argumental. Que una lingüista cuarentona sea la heroína de una película de Hollywood es sorprendente. Pero que su trama gire alrededor de un tema clásico de la más árida literatura de ciencia ficción -los procesos de aprendizaje lingüístico y las dificultades de comunicación entre terrícolas y alienígenas (leer, por ejemplo, ‘Embassytown‘)-, es algo más insólito y marciano que el flequillo de ALF. Si Denis Villeneuve (‘Prisioneros’, ‘Sicario’, ‘Enemy‘) ha conseguido «colar» este argumento en una producción así, qué podrá hacer en la secuela de ‘Blade Runner’ que está rodando…
2. Amy Adams. Su talento sí que es extraterrestre. Ella sola se echa la película a los hombros (apenas hay planos donde no aparezca) componiendo un personaje lleno de sutiles matices y complejidad psicológica. Una nueva (y mejor) Eleanor Arroway (‘Contact’) capaz de sufrir un ataque de pánico ante una situación peligrosa pero también de dar un paso adelante con más determinación que todos los soldados que la rodean. Su nominación a los Oscar parece segura (sería la sexta), pero su victoria –todo apunta a que va a ser el año de la también multinominada Annette Bening- improbable.
3. La banda sonora. El islandés Jóhann Jóhannsson es la nueva estrella de la música de cine. Lleva dos años consecutivos siendo nominado al Oscar (‘La teoría del todo’ y ‘Sicario‘) y el próximo parece que no se le escapa. Si en ‘Sicario’ gran parte de la tensión que transmitían sus imágenes era gracias a la angustiosa música que las acompañaba (la secuencia de la entrada a Ciudad Juarez ha dejado más de una butaca inservible de tan arañada), aquí ocurre algo parecido. La fascinación, el suspense y la emoción que provoca la llegada de los extraterrestres es también culpa de la atonalidad y las hipnóticas armonías vocales de la composición de Jóhannsson. Y para abrir y cerrar el filme, la belleza sideral de ‘On the Nature of Daylight’ de Max Richter inyectando emoción en cada fotograma.
Lo peor de ‘La llegada’
1. Cuando Villeneuve se viste de Malick. A pesar de la belleza incontestable de esos planos de Amy Adams al atardecer en la pradera junto a la nave, toda la parte final, cuando «el tiempo se abre», no funciona demasiado bien. La relación con su hija resulta cursi e impostada, la solemnidad del discurso excesiva y la emoción que intenta transmitir viene más por la mencionada música de Richter que por la propia narración. Si a veces es difícil para Malick ser Malick, ni que decir tiene lo complicado que es imitarle.
2. La amenaza bélica. Es la parte más formularia de la película. Se nota demasiado que es una mera excusa argumental para provocar tensión dramática, para que el espectador medio no «se joda», como diría David Simon, y pueda ver cómo salvan por enésima vez el mundo mientras engulle palomitas.
3. La apariencia de los alienígenas. Después de leer ‘El libro de las cosas nunca vistas‘ (Michel Faber) y descubrir la forma tan imaginativa en que ha resuelto el siempre espinoso tema de la representación de los extraterrestres, lo de ‘La llegada’ me parece aún más sorprendente. No voy a desvelar a qué se parecen porque en el trailer casi no se ven, pero… ¿en serio? 7,5.
El pasado mes de febrero os hablábamos de Taburete, el grupo de Willy Bárcenas (hijo del extesorero más famoso de España) y Antón Carreño (nieto del expresidente de la CEOE, Gerardo Díaz Ferrán) con motivo de unas declaraciones del primero a Tentaciones en las que aseguraba no saber «qué es ser hipster» y hablaba sobre su primer disco, ‘Tres tequilas’, su gusto por beber en casa más que en bares y sobre su inclinación política (de derechas pero socialmente de izquierdas).
Mucho ha llovido desde entonces y no nos referimos a que Bárcenas haya entendido finalmente qué se siente siendo hipster. La realidad es que Taburete se ha hecho famoso, tiene decenas de miles de fans, acumula millones de escuchas en Spotify y agota entradas de conciertos allá por dónde va, recientemente, en Madrid y Barcelona, como indica El Mundo, que publica hoy una entrevista con el grupo (en realidad un quinteto) por la que este ha sido este martes trending topic en Twitter.
Taburete, que acaba de editar nuevo disco, ‘Dr. Charas’, del que se extrae el single ‘El fin’, cuenta con un grupo de fans que se hace llamar Comando PAM («Comando Pijos a Muerte»), que deja una gran declaración: «imagina que yo voy vestido así (pantalón de pinza marrón claro, camisa blanca y un jersey de algodón de color rosa y caballito Ralph Lauren atado) a un concierto de Los chikos del maíz. Me atracarían y volvería a casa en gayumbos. Aquí puedo ser yo y respirar tranquilo».
Por otro lado, Bárcenas confiesa que su apellido ha afectado al grupo para bien (promoción) y para mal (contratación), pero que ya ha superado las críticas por ser quien es y que el grupo puede vivir de la música. Preguntado por si cree que su público acude a sus conciertos motivado por el morbo de su apellido, Bárcenas asegura: «al principio imagino que más de uno vendría por morbo, prejuzgando, pero el tiempo ha demostrado que nuestra música gusta y que se lo pasan de puta madre en los conciertos». Lo cierto es que la música de Taburete tiene tirón comercial y cabe preguntarse si no habría alcanzado el éxito de todas formas en nuestro país, a pesar de los apellidos que acompañan a dos de sus integrantes. En cualquier caso, entre revelación o timo, parece que revelación.
El pasado 18 de noviembre, Metallica editaba nuevo disco, ‘Hardwired…to Self-Destruct’, su primero desde 2008, cuando salió ‘Death Magnetic’. Ocho años, ni más ni menos, que no sabemos si habrá valido la pena esperar, pues el anterior trabajo de Metallica era solo para fans de su primera época, pero ya lo averiguaremos. En cualquier caso, no nos extraña que el álbum haya salido a las puertas de Navidad, que es cuando más discos de venden, pues ya se sabe que los fans del rock son los más fieles del mercado.
Para darle un poco de vida al asunto de la promoción de este trabajo, esta semana, el líder del grupo, James Hetfield, ha acudido a la radio británica, concretamente a BBC Radio 6, y ha hecho una declaración que está dando la vuelta por varios medios musicales del mundo, pues Hetfield se ha declarado súper, súper, súper fan de Adele. Sus palabras exactas han sido que Adele le «vuelve loco» y que la «ama» y ha elogiado su voz y su humildad a pesar de ser una de las artistas más famosas del mundo en este momento.
Hetfield es tan fan de Adele que versionó una de sus canciones hace unos días en San Francisco junto a su hija. Y ojo porque no hizo ‘Rolling In the Deep’ o ‘Someone Like You’ o ‘Hello’; ni siquiera ‘When We Were Young’ o ‘Turning Tables’ sino una canción no tan conocida del primer disco de la cantante titulada ‘Crazy for You’. La hija de Hetfield, como veréis a continuación, tiene una voz muy soul, conque no nos extraña que sea fan de Adele, aunque esta, en realidad, sea más de The Cure.
Estos días celebramos que Joni Mitchell, que ha estado enferma durante meses después de sufrir un aneurisma cerebral en 2015, finalmente ha reaparecido en público en Los Ángeles, donde reside, primero en un concierto de Chick Corea y, después, en su casa por su cumpleaños el pasado 7 de noviembre, aunque esta última aparición la conocíamos 10 días después.
Existen muchos motivos para reivindicar la figura de Mitchell y una de ellas es ‘Both Sides Now’, el clásico de Mitchell incluido en su disco de 1969, ‘Clouds’, después recuperada en su disco de versiones de 2000, ‘Both Sides Now’, que se cerraba con esta misma canción, una composición hermosa sobre el amor y sus dimensiones rearreglada ahí con una preciosa sección de cuerdas. Pura poesía esta canción que ahora reivindica uno de las bandas de pop más relevantes del momento, Years & Years, para la campaña ‘Torch Songs’ de CALM (Campaign Against Living Miserably, «campaña en contra de vivir miserablemente») dedicada a prevenir el suicidio masculino.
En el vídeo de presentación de su versión, el líder del grupo autor de ‘Communion’ , Olly Alexander, explica que ‘Both Sides Now’ fue la primera canción que aprendió a tocar al piano y que ha sido fan de Mitchell desde siempre. Su versión no incluye sección de cuerdas, es únicamente al piano, pero es particularmente emotiva, sobre todo por su sincera interpretación vocal. Con ella os dejamos:
Minogue no edita disco desde 2014, cuando sacó ‘Kiss Me Once’, pero las Navidades no se las salta y el próximo 25 de noviembre sale una reedición de ‘Kylie Christmas’, su disco de villancicos de 2015 que sustituía «merry» por «Kylie» en su título, pues naturalmente, titulado ‘Snow Queen Edition’.
El primer adelanto del álbum es el villancico inédito ‘At Christmas’, un número ufano y pegadizo por sonido que nos habla, sin embargo, de un amor ausente y sitúa a Kylie melancólica y sola recordando este amor acompañada únicamente de la voz de Frank Sinatra, que suena en la radio (en la de Spotify, queremos creer).
El álbum, por cierto, contiene una colaboración holográfica del mismo Sinatra, así como las colaboraciones de Iggy Pop, James Corden, Mika o de Dannii Minogue en ‘100 Degrees’.
‘Snow Queen Edition’:
1. It’s The Most Wonderful Time Of The Year
2. Santa Claus is Coming to Town featuring Frank Sinatra
3. Winter Wonderland
4. Only You (with James Corden)
5. Stay Another Day
6. Christmas Wrapping (with Iggy Pop)
7. At Christmas
8. I’m Gonna Be Warm This Winter
9. Every Day’s Like Christmas
10. Wonderful Christmastime (with Mika)
11. 100 Degrees (with Dannii Minogue)
12. Let It Snow
13. I Wish It Could Be Christmas Everyday
14. White December
15. 2000 Miles
16. Santa Baby
17. Christmas Isn’t Christmas ‘Til You Get Here
18. Have Yourself A Merry Little Christmas
19. Oh Santa
20. Cried Out Christmas
21. Christmas Lights
22. Everybody’s Free (To Feel Good)
Rihanna tiene dos nuevos singles enviados a las radios estadounidenses, uno es uno de los bonus tracks de ‘ANTI’, ‘Sex With Me’, que esta semana entra al puesto 92 del Billboard Hot 100. El otro es la preciosa balada ‘Love on the Brain’, que está empezando a ascender en las listas, aunque con un paso demasiado pausado como para pitar antes de Navidad. Sus fans exigen un vídeo inmediato, pues la canción puede perder su «momentum»: esta semana sube del puesto 65 al puesto 50 del Billboard Hot 100, avanza en radios, iTunes y Spotify, pero pronto las radios empezarán a programar villancicos, las emisoras volverán a pinchar a Mariah Carey por primera vez este 2016 y ‘Love on the Brain’ caerá en el olvido para siempre.
A la espera de si Rihanna presenta vídeo o pierde el tiempo con algún que otro interludio o cara B, hoy compartimos la lista de remixes oficiales que se han realizado para la canción: el de John Blake evoluciona hacia los terrenos de Mad Decent, RY X lo mantiene en un entorno de dubstep primerizo y elegante y Don Diablo ha tratado de llevarlo hacia las pistas de baile actuales. Pero el más llamativo es el trabajo de Gigamesh.
El productor que remezclara el ‘Cooler Than Me’ de Mike Posner (mucho antes de que este triunfara con otro remix, el de ‘I Took A Pill in Ibiza’) ha tenido la ocurrencia de convertir ‘Love on the Brain’ en una versión de ‘Everybody Wants to Rule the World’, una de las canciones insignia del grupo ochentero y ochentoso Tears for Fears. Aunque no está resultando el remix más popular de los cuatro, mérito que ha caído por supuesto sobre Don Diablo, tiene bastante gracia.
Ahora que Donald Trump va a ser presidente de Estados Unidos, Father John Misty tiene más razones que nunca para estar aburrido de su país. Aburrido o cabreado, desencantado, con ganas de coger un cohete a la luna… Por suerte para sus fans, Josh Tillman va a tener temas sobre los que escribir en los próximos cuatro años (como los ha tenido durante la presidencia de Barack Obama) y, de hecho, no ha esperado a que la candidatura de Trump arranque en enero para estrenar su primera canción sobre el Estado de la Nación Americana en el 2016 post-Trump.
Tillman estrenaba esta canción después de debatir en Facebook con un seguidor sobre neoliberalismo y la superficialidad de las reflexiones políticas de la juventud privilegiada actual… o algo por el estilo. El músico borraba estos mensajes después de su muro pero, posteriormente, tenía el buen sentido del humor de subir una captura de los mismos a su foto de perfil de la mencionada red social. La canción en cuestión, ‘Holy Hell’, es una nana política al piano que bien podría haber extraído su línea melódica de ‘Pedro y el Lobo’ de Profokiev.
Pero lo que nos interesa de la canción nueva de Tillman es su letra. ¿Será esta otro ejemplo de la fina sátira que caracteriza al músico? En esta ocasión, Tillman ha decidido ir al grano. «Mierda, el futuro no parece tan brillante, nunca pedí un paraíso pero 70 años estarían bien, con mis hermanos y hermanas y y yo y el sueño imposible de la humanidad, pero siempre he sido un tipo irracional», canta. «A todos mis amigos, el mundo no acabará hasta que queramos, no hay nadie al mando, hemos de decidir nuestra propia vida».
Tras el éxito de su última edición, Granada Sound anuncia las fechas de la siguiente: los próximos días 22 y 23 de septiembre de 2017 se celebrará en Cortijo del Conde. De momento no hay confirmaciones, pero sí abonos en oferta: cuestan 16 euros los abonos para los dos días de entrada general, y 30 los VIP. El acceso a la zona VIP incluye 2×1 en cerveza y precios especiales en algunas bebidas, si bien estará prohibido sacar bebida de la zona VIP.
Ambas opciones salen a la venta a las 12.00 de hoy en Ticketea.
Aunque aún no se conoce el cartel de la nueva edición, puede dar una pista sobre la línea editorial los artistas que fueron este año: Amaral, León Benavente, Carlos Sadness, Miss Caffeína, Mucho o Modelo de Respuesta Polar.
Desde Euskadi y después de unos inicios más metaleros, Shinova han conseguido con sus dos últimos discos convertirse en uno de los grupos más exitosos del país, sonando en la estela de Izal o Lori Meyers, y llamando la atención de colegas como Second o Grises. Especialmente el editado este otoño, ‘Volver’, lograba situarse entre los 50 discos más vendidos en España en la semana de salida, como muestra de lo que han gustado sus conciertos en festivales como Sonorama y en salas o su hit ‘Doce meses’. Mientras continúan girando por todo el país, este jueves 24 de noviembre tienen un show especial en OchoyMedio, Madrid. Junto a Amaral, Sidecars, Delafé, Rusos Blancos y Julieta 21, actúan en la fiesta de presentación de Sonorama. Entradas, aquí. El 16 de diciembre Shinova tocan en Sidecar, Barcelona. Gabriel de la Rosa, líder y cantante, nos contesta unas preguntas.
Os preguntan mucho por vuestro cambio de sonido desde los primeros tiempos y he leído vuestra explicación de un parón de dos años, las limitaciones de la primera etapa, etc, ¿nunca fue una opción cambiaros de nombre?
En algún momento sí que existió ese debate, pero no duró demasiado. Posiblemente hubiera sido más fácil buscar otro nombre y con ello marcar una línea que separara de una manera mucho más drástica los dos primeros discos del tercero, pero de esa forma hubiéramos etiquetado y encajonado nuestro propio trabajo, y eso es precisamente lo que no queremos hacer. No sabemos como será nuestro siguiente disco. Quizá compongamos doce canciones «puramente» folk, pero no por ello cambiaremos de nombre. Seguiremos siendo nosotros haciendo canciones que nos emocionen, y eso es lo importante.
¿Alguna canción/es de vuestros primeros tiempos que sigáis tocando o hayáis podido adaptar al nuevo sonido? ¿Alguna que no tocaríais jamás?
En la presentación de ‘Ana y el Artista Temerario’ tocamos alguna canción del primer disco, y aunque en esta gira aún no lo hayamos hecho, puede que en algún concierto nos animemos a adaptar alguno de aquellos temas. No tenemos ninguna canción a la que le tengamos «manía», simplemente tenemos un tiempo limitado en el escenario y es importante elegir bien cuáles van a formar parte del show. Esto hace que muchas se queden fuera, pero es algo natural.
‘Doce meses’ es vuestra canción más exitosa y parece la mejor construida en cuanto al crescendo final, ¿es de las más trabajadas, de las espontáneas, de las más viejas, de las más nuevas…?
Si no me equivoco, creo que fue de las últimas, pero no te lo podría decir con seguridad. Compusimos este disco en un periodo de cuatro meses, e hicimos modificaciones hasta el último día antes de la grabación, así que realmente no hay demasiada diferencia temporal entre ellas. Lo que sí recuerdo bien es que la letra de ‘Doce Meses’ se escribió en poco tiempo. La historia estaba clara y salió de una manera muy fluida.
¿Alguna canción de este disco que pueda dar una idea del futuro de Shinova?
Tenemos unas cuantas canciones nuevas escritas, pero aún es pronto para hacer una valoración.
El disco tiene cuerdas en algunos puntos, pero en ‘Para cambiar el mundo’ lo que predominan son unos teclados, ¿no? ¿Cómo habéis decidido qué partes del disco suenan más sintéticas y cuáles más con cuerdas?
Tiene mucho que ver con lo que pida cada canción. El cello, por ejemplo, tiene un sonido que es emoción pura y dura, por lo que en temas como ‘Doce Meses’, con una letra tan emotiva, quisimos situarlo en un claro primer plano, el mismo que tiene en ‘La Ciudad Dormida’. Otras canciones, de temática más «alocada», como por ejemplo, ‘A Treinta Metros’, pedían a gritos unos sintetizadores que envolvieran las peripecias del vengativo músico que protagoniza el tema. Hemos tenido la gran suerte de poder contar con Nerea Aizpurua (cello) e Imanol Iribarren (teclados y sintetizadores) para ‘Volver’, y con sus arreglos han conseguido llevar cada canción a una dimensión mucho más amplia de la que nosotros imaginamos en un principio.
El álbum es largo, el anterior también, sois de disco y canción larga, deduzco…
No es algo intencionado, la verdad. Nos gusta que las canciones estén completas, aunque para ello nos tengamos que saltar los cánones estructurales de la inmediatez comercial. Quizá en el futuro aprendamos a sintetizar en dos minutos lo que ahora hacemos en cinco sin que el relato se pierda por el camino, pero aún no sabemos hacerlo.
¿Os quedan fans de la era metal o colegas que os hayan hablado mal de la vertiente más folk, más country, del disco, tipo ‘Volver’?
Creo que nunca hemos pertenecido del todo a ninguna escena en concreto, y eso ha ayudado a que mucha gente que nos sigue desde el principio nos vea como una banda de canciones, más allá de cuantos bombos metamos por compás o del tipo de distorsión que utilicemos en las guitarras. Habrá quien no entienda nuestra filosofía y cierre la puerta a esta nueva etapa, pero para eso están las puertas, para salir y entrar cuando a uno le apetezca… y la nuestra está siempre abierta.
He leído lo de la influencia de Chavela Vargas en reseñas y entrevistas, pero no lo percibo. ¿Está en algún sitio aparte de en el título del disco?
Es una influencia mucho mas emocional que musical. Nos encanta lo que desprende en cada frase, el sentimiento y la fuerza que proyecta.
«Musicalmente no hemos bebido mucho de Bunbury, pero desde luego, nos parece uno de los artistas más grandes que ha dado este país»
Hablando de rancheras, se os mete mucho en el saco de Izal y eso, pero aparte de en sonoridad, lo que más parece que tengáis en común es lo rebuscado de algunas palabras o frases, una cosa muy Bunbury. ¿Ha sido una influencia para vosotros él o Héroes?
Nos parece un artistazo. Con los años ha demostrado ser una figura única en el panorama musical, independiente de cualquier escena, con una personalidad irrepetible y libre en lo artístico. Musicalmente no hemos bebido mucho de su trabajo, pero desde luego, nos parece uno de los artistas más grandes que ha dado este país.
¿Cómo llegáis a incluir palabras como «prestidigitación» o «letanía» en vuestras canciones? ¿A qué letristas nacionales o internacionales os sentís cercanos?
En lo referido a las letras, las influencias vienen más del cine y la literatura que de la música, pero hay grandes letristas estatales que nos encantan, como la gente de Antílopez, Santi Balmes, Ismael Serrano o Sean de Second.
También os unen a grupos tipo Lori Meyers frases muy vistosas que no son el estribillo tipo «tus relaciones tóxicas / tu agenda repleta de idiotas» o «mucho peor la indecisión que el arrepentimiento». ¿Es algo deliberado meter frases sonoras o vistosas en las estrofas para el sing-along festivalero?
No solo es importante lo que se dice, sino también cómo se dice. Lo hacemos de la mejor manera que sabemos e intentamos cuidar al máximo estos aspectos, sin pensar en el resultado que tendrá en directo una frase en particular. Sí es cierto que después, al tocar en público esas canciones, nos damos cuenta de que hay partes concretas que conectan muy bien con la gente, pero no es intencionado.
Warner y festivales como Sonorama han apostado fuerte por vosotros, de momento habéis entrado en la lista de ventas, pero aguantado solo una semana. Supongo que el grupo tendrá largo recorrido por festivales en 2017 y por vuestra cuenta, ¿pero os habéis puesto algún listón al que os decepcionaría no llegar? ¿Os conformáis con lo que habéis conseguido ya?
Estamos muy agradecidos por todo lo que nos está sucediendo, así como también por el equipo que formamos con la gente que trabaja con nosotros. Este año está siendo una maravilla, y el 2017 se presenta muy bien, pero tenemos los pies en el suelo y sabemos que no podemos sentarnos y dejar de trabajar. Nos apasiona la música y la oportunidad que ésta nos da para expresarnos, así que nuestra intención es esa, seguir disfrutando y trabajando día a día.
‘Niña Kamikaze’ no era exactamente vuestra canción más escuchada en las redes, ¿por qué habéis decidido que sea vuestro nuevo single?
Somos bastante impulsivos y nos apetecía hacer un vídeo que plasmara en imágenes la historia que se cuenta en esa canción, además de ser un tema que funciona muy bien en directo.
La canción tiene una parte muy celosa, muy a lo Planetas, que a la gente le encanta porque es el reflejo de un sentir colectivo, ¿os consideráis muy pasionales?
Somos muy pasionales, desde luego, pero lo que queríamos transmitir con algunas frases de esa canción no son celos. Podría ser, perfectamente, la llamada de atención de una persona a una amiga que está tirando su vida por la borda y que debido al orgullo no es capaz de rectificar el rumbo. De ahí lo bonito de las canciones. Cada cual les otorga el significado que crea conveniente y las hace suyas a su manera.
Es gracioso porque alguien me dijo que no parecíais vascos. Supongo que porque Supersubmarina, Lori… son andaluces e Izal de Madrid. ¿Os han hecho este comentario?
Hace poco, en un periódico de nuestra tierra, hicieron un reportaje sobre los grupos vascos que iban a actuar en un festival. Nombraron a todos menos a nosotros, pero sí comentaron que además de las bandas de Euskadi, «también actuarán Shinova». Nos pareció muy curioso que en nuestra propia tierra no supieran de dónde venimos, pero si somos objetivos, hemos tocado mucho más fuera que en casa, así que tampoco es extraño. Pero sí, somos vascos. De Berriz.
Tanto Second como Grises dijeron en una entrevista que tenían ganas de veros en vivo hace unos meses. Supongo que habrá sido un honor porque los habéis citado a ambos en entrevistas, en particular ‘Viaje iniciático’ como banda sonora vuestra. ¿Sabéis si os vieron y les molasteis? ¿Tuvisteis finalmente opción de conocerlos o ya les conocíais de antes?
Sí, eso fue, si no me equivoco, en una entrevista conjunta que les hicieron antes del Festival Gigante. Allí estuvimos con ellos y solo tuvieron buenas palabras. Fue algo muy bonito y un honor para nosotros. A Grises les conocíamos porque coincidimos en un festival, el Festivalley, hace un par de años. Son una banda tremenda, con un directo explosivo, y además son muy buenas personas. Con la gente de Second hemos estado un par de veces, y podemos decir que, a la admiración que ya sentíamos por su trabajo, hay que sumarle la gratitud máxima por el buen trato personal que nos han dado.
«Todos los trabajos de Amaral son destacables y están por encima de cualquier etiqueta»
También habéis citado a Amaral, con quien tocáis en breve. ¿Siempre habéis sido seguidores, en algún momento les perdisteis la pista u os interesa más su última etapa?
Amaral nos parece gente muy valiente artísticamente, además de ser músicos geniales con una trayectoria envidiable. Y después está la voz de Eva, brillante, especial y única. Personalmente, hay un disco que no he dejado de escuchar desde que lo publicaron: ‘Hacia lo Salvaje’. Me parece una genialidad desde la primera nota hasta la última, pero absolutamente todos los trabajos de Amaral son destacables y están por encima de cualquier etiqueta.
Y también os encantan Miss Caffeína, después de haber cambiado tanto, ¿os imagináis haciendo algo tan electrónico, un poco en la línea del principio de ‘El país de las certezas’, que además abre el disco?
Miss Caffeína han sacado un discazo al mismo tiempo que han sellado una personalidad muy reconocible y personal. Cada banda tiene su camino y su manera de hacer las cosas, y aunque nosotros no vayamos, ni tengamos intención de ir en esa dirección, admiramos profundamente el trabajo de esta banda. Eso no quiere decir que no sigamos introduciendo elementos electrónicos. Lo hemos hecho desde el principio y posiblemente sigamos haciéndolo si la canción lo pide.
¿Seguirá el bajista del grupo dirigiendo los vídeos? ¿Decidís entre todos por dónde irá la cosa o tenéis (tiene) plena libertad?
Hemos aprendido a trabajar de una manera muy eficaz, distribuyéndonos las tareas y dándonos confianza plena en los trabajos que, de manera natural, nos hemos asignado. En el caso de Ander, que además es freelance audiovisual, él se encarga de esa parte y confiamos mucho en todo lo que hace.
Kanye West cancelaba ayer lo que queda del ‘Saint Pablo Tour’, la gira que presenta en vivo su último disco ‘The Life of Pablo‘. Quedaba más de una veintena de fechas, por toda Norteamérica, lo que incluía shows en Florida, Texas, Canadá y un par de shows de cierre en el Barclays Center de Brooklyn, Nueva York, el último de ellos en Nochevieja, entre otros lugares. No se explicaba la razón de la cancelación, a pesar de lo que una macrogira de este tipo implica para sus seguidores: viajes programados, hoteles reservados, etcétera, para empezar porque la gira no visitaba Europa ni Asia ni México ni Sudamérica.
El artista era noticia por decir en mitad de un show que «habría votado por Trump» y por arremeter contra sus colegas Jay Z y Beyoncé, a los que acusaba de ser demasiado políticamente correctos, y a la última de acudir a los VMA’s sólo porque sabía que iba a ganar el premio a mejor vídeo. Ahora se sabe que Kanye West ha sido hospitalizado después de que la policía de Los Ángeles respondiera a una llamada del médico de West a la 13.20, hora local, aludiendo «a su propia salud y seguridad», según informaba en exclusiva NBC.
La razón de su hospitalización es el agotamiento y también se le está realizando una evaluación psiquiátrica, pues su actitud cuando llegó la policía se califica como «errante». No hubo ningún incidente. Aunque TMZ indica que Kanye West habría ingresado esposado, siguiendo un protocolo, pues Kanye se habría mostrado «calmado», pero «resistiéndose» a ingresar; The New York Times asegura que ha ingresado «por voluntad propia».
Anthony Kiedis, líder de Red Hot Chili Peppers, con los que este año ha publicado ‘The Getaway‘, presentándolo en vivo a lo largo de varios conciertos en nuestro país, ha concedido una entrevista a un medio alemán en el que habla sobre el fenómeno groupie. A pesar de lo sexualizado de varios puntos en la carrera de Red Hot Chili Peppers y de su condición de estrellas del rock, nunca le ha interesado nunca enrollarse con sus seguidoras.
Estas son sus palabras: «No tengo problema en apartar a la gente, porque me gusta mi privacidad. Creo que la gente tiene que respetar la privacidad de todo el mundo. Es bonito tener fans. Es bonito que haya gente de diferente sexo que disfrute la música y la experiencia, pero incluso cuando empezaba con la banda, lo del fenómeno groupie no me parecía interesante, porque había algo en el hecho de que alguien quiera estar contigo a causa de lo que haces, que lo convierte en algo un poco menos apetecible».
Después de venir a decir que no le pone mucho tener sexo gracias a su trabajo, recuerda: «antes de ser famosos, creo que me atraían más las mujeres de esa forma, en el modo groupie, pero en el instante en el que nos hicimos famosos, para mí aquello simplemente ya no estaba bien».
Os recordamos que Red Hot Chili Peppers traerán su espíritu anti-groupie al próximo FIB 2017.
Anoche se celebraron en Estados Unidos los American Music Awards, con una lista de superestrellas del mundo del pop que ya hubiera querido para sí cualquier ceremonia: más de la mitad del top 10 actual del Billboard Hot 100 estaba ahí: Bruno Mars interpretando ’24K Magic’, The Weeknd con ‘Starboy’, The Chainsmokers con Halsey en ‘Closer’, Twenty One Pilots con ‘Heathens’ y Maroon 5 con Kendrick Lamar en ‘Don’t Wanna Know’.
De todo ese top 10 de las canciones más populares en este momento en Estados Unidos, la ganadora podría considerarse Ariana Grande, que se llevó el premio a Artista del Año y además ofreció la mejor actuación de la noche según el tradicional ránking de Billboard «de peor a mejor». Interpretó ‘Side to Side’ junto a Nicki Minaj en un entorno exótico.
También entre las mejores actuaciones de la noche, se destaca a una muy emocionada Lady Gaga con una nueva versión de ‘Million Reasons’ a la guitarra eléctrica o la superproducción visual de Fifth Harmony. Completaron las actuaciones Niall Horan, James Bay, Shawn Mendes, John Legend, Green Day, Sting y DJ Khaled con Nicki Minaj y Future, entre otros.
En cuanto a los premios, Beyoncé se hizo con la gira del año y Justin Bieber, estos días de gira por Europa, con el premio a mejor artista masculino, mejor vídeo (‘Sorry’, nada menos), mejor canción de pop-rock (‘Love Yourself’) y mejor disco de pop-rock (‘Purpose’).
Por su parte Drake arrasó entre los premios de rap y hip-hop (mejor artista, mejor disco por ‘Views’ y mejor canción por ‘Hotline Bling’) y Rihanna entre los de soul y R&B (mejor artista femenina, mejor disco por ‘Anti’ y mejor canción por ‘Work’). Y también destacó un emocionado discurso de Selena Gomez recogiendo el galardón a mejor artista femenina de pop, después de haber tenido que cancelar una gira por ansiedad y depresión tras haber sido diagnosticada de lupus. «La mayoría de vosotros sabéis mucho sobre mi vida, independientemente de que me gustara o no, he tenido que parar. Porque tenía todo, pero estaba destrozada por dentro (…) No quiero ver vuestros cuerpos en Instagram, quiero ver lo que hay aquí. No intento obtener aprobación, ni la necesito YA. Pero si estáis mal, no tenéis que quedaros en eso. Independientemente de que me respetéis o no, eso es lo que tenéis que saber sobre mí, que me preocupo por la gente, gracias por todo esto, esto es para vosotros». La lista completa de ganadores, en la web oficial.
Actualización: los artistas han empezado a subir las actuaciones oficiales a Youtube.
Shelley Duvall, la actriz que interpretaba a Olivia en ‘Popeye’ de Robert Altman junto a Robin Williams y a Wendy Torrance -la esposa de Jack Torrance (Jack Nicholson)- en ‘El resplandor’ de Stanley Kubrick, ha acudido recientemente a un programa de televisión estadounidense para hablar de su vida actual. Duvall, de 67 años, no actúa en una película ni aparece en televisión desde 2002, cuando interpretó a una detective en ‘Maná caído del cielo’, por lo que su reaparición pública ha resultado toda una sorpresa… aunque para muchísimo peor de lo que nadie hubiera imaginado.
La actriz se ha sentado en el sillón del psicólogo Dr. Phil, que presenta un programa en el que psicoanaliza a famosos, por muy ridículo que suene, y su entrevista ha corrido como la pólvora por internet porque es de lo más preocupante. La actriz revela que tiene una enfermedad mental, aunque no indica cuál, y menciona algunas de sus inquietudes: cree que Robin Williams está vivo, «cambiando de forma», señala, y asegura que lo ha visto; que un agente de la policía de Nottingham la acosa y que tiene un disco girando en el interior de su pierna.
Lo extremadamente sensacionalista del asunto no ha gustado nada en internet y tampoco a una sección de Hollywood: ambas partes han entendido la emisión de esta entrevista como una explotación de la enfermedad mental. Vivian Kubrick, hija de Stanley Kubrick, ha tuiteado que la entrevista representa un ejemplo de «entretenimiento de explotación morboso» y ha dicho que es «horripilantemente cruel». Además, ha iniciado una campaña de micromecenazgo en GoFundMe para costear un tratamiento psicológico digno para Duvall. Esta asegura en la entrevista que necesita ayuda y puede que la haya conseguido, ¿pero a qué precio?
No deja de tener cierta guasa que Sia haya alcanzado sus mayores cotas de popularidad en su etapa más reciente como artista en solitario, cuando ella ha decidido dejar de dar la cara en sus actuaciones y ceder los focos a otros, escondiéndose detrás de toda clase de artilugios e inventos, entre los que destacan esas pelucas faciales de media melena rubia. Pero así es: con ‘Chandelier‘ y ‘Elastic Heart‘, en 2014 y 2015, y con ‘Cheap Thrills‘ y ‘The Greatest‘ en 2016, la australiana ha alcanzado el estatus de superventas que persiguió durante años. Porque, sí, antes de esto y antes de pasar varios años escribiendo éxitos para otros, Sia tenía toda una carrera previa, cuando no temía mostrar su rostro (más bien al contrario, solía protagonizar casi todas sus portadas). Hoy dedicamos nuestra nueva playlist para Kia Music Box a desentrañar lo mejor, para nosotros, de esa etapa.
Sia Furler debutaba oficialmente con ‘Onlysee’ en 1997, si bien su verdadero despegue comenzó en 2000 con ‘Taken For Granted‘, un single introducido por altisonantes arreglos de cuerda y una querencia hip hop muy de su tiempo, emparentada con Moby, Moloko o Zero 7, con los que colaboró asiduamente al inicio del siglo. Fue el anticipo de ‘Healing Is Difficult’, un disco muy marcado por esos sonidos y en el que la artista ya daba cuenta de su personal estilo vocal. Su segundo álbum, sin embargo, supuso un registro muy diferente: en ‘Colour The Small One’ la electrónica pasaba a un papel secundario y los sonidos acústicos ganaban peso en canciones delicadas, de cadencia lenta y llenas de melancolía. Curiosamente, su primer gran éxito surgió de este álbum: ‘Breathe Me‘ se hizo célebre por sonar en la famosa escena final de la serie de HBO ‘A dos metros bajo tierra’.
Ese éxito propició su primera gira por USA, que quedó plasmada en un disco en directo titulado ‘Lady Croissant’, que incluía un interesante inédito, ‘Pictures’, con ciertos aires soul. Una inspiración más clásica que tomó forma en ‘Some People Have Real Problems’, en el que los sonidos orgánicos cobraban todo el protagonismo en canciones que gozaron de cierto éxito, como ‘The Girl You Lost To Cocaine‘ o ‘Day Too Soon‘, y ya mucho más liberada en el plano interpretativo. Pero el gran salto, a todos los niveles, llegó con ‘We Are Born‘, un disco en el que comenzó a dar muestra de su enorme potencial comercial con hitazos para la pista de baile como ‘Clap Your Hands’ o ‘You’ve Changed‘. Nuestra playlist toma canciones de todos esos discos en una secuencia que pretende ser equilibrada y variada, mostrando que la Sia pre-‘Chandelier’ no solo existe sino que fue bastante interesante. Escucha la playlist aquí.
Las mejores noches surgen de manera inesperada. Ese tipo de noches en las que no puedes dejar de hablar, en las que de repente se te hace de día porque una persona que conoces, un lugar o un DJ consigue que seamos al fin nosotros mismos, son el fondo de presentación de #AbsolutNights, cuya campaña se presenta con una serie de emocionantes vídeos, en parte de temática LGTB.
Inspirados por ese concepto compartimos una playlist con una serie de canciones que pueden dar un vuelco a tu noche y convertirla en una de esas #AbsolutNights. Esa noche en la que un «DJ salvó tu vida», esa noche en la que bajas al centro para quemar la ciudad y terminas en el after del afterparty, ese momento en el que deja de importarte todo lo que digan o en el que conoces a alguien en el lugar más inesperado son algunas de las sensaciones reflejadas en estas 20 canciones que se inspiran en pistas de baile, flechazos e instantes mágicos. Todas nos traen un recuerdo de lo inesperado de la noche, de esas conexiones que provocan que lo veamos todo de forma diferente, de las experiencias que, simplemente, suceden.
El último año ha sido muy bueno para Coldplay. El grupo británico ha editado nuevo disco, ‘A Head Full of Dreams‘, que ha vendido cerca de 3 millones de copias (el álbum se colocaba como el octavo disco más vendido del mundo en 2015 y parece que volverá a aparecer en la lista de 2016), y producía varios singles de éxito, entre ellos ‘Adventure of a Lifetime’ y ‘Hymn for the Weekend’ con Beyoncé. Además, la banda de Chris Martin estrenaba uno de los mejores vídeos de su carrera para la canción que cerraba aquel disco, ‘Up&Up’. La explosiva gira de ‘A Head Full of Dreams’ pasaba por España el pasado mes de mayo con éxito de ventas de entradas y dejando en el recuerdo un espectáculo con altibajos pero entretenido de principio a fin.
Durante la gira de ‘A Head Full of Dreams’, sin embargo, Coldplay aseguraba que no sacaría más discos (aunque tampoco se separaría). A espera de que esto resulte ser verdad, lo que ha anunciado Coldplay hoy es un EP, ‘Kaleidoscope’, para 2017, tal y como ha confirmado en Facebook. ‘Kaleidoscope’ contendrá presumiblemente la nueva versión únicamente a piano de ‘Everglow’ que el grupo ha publicado recientemente, además de nueva música.
Como curiosidad, la versión original de esta canción incluye coros de la actriz Gwyneth Paltrow, ex de Chris Martin. Por cierto, ‘Kaleidoscope’ titulaba un interludio de ‘A Head Full of Dreams’.
Conocíamos a ROLE por su participación en la edición de 2014 de Make Noise Malasaña, la convocatoria cazatalentos de Converse que ha dado a conocer a grupos como Hinds (en su momento Deers), Sau Poler o Betacam. El grupo, oriundo de Madrid pero ubicado en Londres, está formado por Mvr, Hai, Franj y Alex O, ha salido en DiY y practica una electrónica tenebrosa conectada con el trip-hop, el witch-house y el ambient que se materializaba en un álbum debut, ‘How Distant’, en 2015, disco autoeditado y del que destacamos ‘Holy’, vídeo esotérico mediante.
Hoy, Role vuelve a autoeditar una nueva referencia, su nuevo EP, ‘Blurry’. Del mismo la nota de prensa asegura que es «un misterioso viaje que nos guía hacia profundos ambientes trip-hop, decorados con toques del witch-house más elegante, y voces etéreas que sugieren más preguntas que respuestas».
El EP contiene 4 canciones, ‘Blurry’, ‘Unstained’, ‘Lost Sea’ y ‘AM’, las cuales siguen una estética sonora similar compuesta por paisajes ambientales acuáticos, densos, con más sombras que luces, ritmos hip-hop pausados, voces distorsionadas y «difusas» y un oído para la melodía sutil pero esencial. Para fans de Washed Out y Balam Acab y, en menor medida, Burial y los Crystal Castles más introspectivos.
Poco le ha durado la relajación a Justin Bieber en Barcelona, donde actuó anoche (nuestra crónica, aquí), después de dejarse ver pateando la pelota con Neymar y Rafinha en la Ciutat Esportiva. TMZ publica hoy un vídeo en el que se ve a Bieber siendo trasladado en coche al Palau Sant Jordi de Barcelona cuando un fan corre a por él y mete su brazo en el interior del automóvil para tocarle, a lo que Bieber reacciona pegándole un puñetazo en la cara.
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Tras el éxito de su última edición, Granada Sound anuncia las fechas de la siguiente: los próximos días 22 y 23 de septiembre de 2017 se celebrará en Cortijo del Conde. De momento no hay confirmaciones, pero sí abonos en oferta: cuestan 16 euros los abonos para los dos días de entrada general, y 30 los VIP. El acceso a la zona VIP incluye 2×1 en cerveza y precios especiales en algunas bebidas, si bien estará prohibido sacar bebida de la zona VIP.
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