Cuando aún estamos saboreando el nuevo disco de Ramona Gonzalez bajo su álter-ego electrónico Nite Jewel, el humeante ‘Liquid Cool‘, la artista norteamericana nos cogía por sorpresa con el lanzamiento, el pasado viernes, de un nuevo EP. Pero no de un EP en solitario esta vez, sino del proyecto que comparte con el productor y cantante Dâm-Funk, al que pudimos ver en Barcelona hace algunas semanas, dentro del Primavera Sound 2016, y que lleva por nombre Nite-Funk.
El primer disco de este proyecto que comparten desde 2010 y que, hasta ahora, apenas habia dejado algunos singles por el camino, contiene cuatro canciones verdaderamente espectaculares, demostrando una integración perfecta, y potenciando las virtudes individuales de sus partes. Con Gonzalez a la voz sobre el colchón de funk-R&B tan retro como imaginativo que ambos generan (colabora, además, el marido de Ramona, Cole M. Grief-Neill, antiguo colaborador de Ariel Pink), ‘Nite-Funk’ presenta cuatro canciones fantásticas, experimentales pero no reñidas con el pop, recuerdan vagamente a los trabajos de Kindness, Jessy Lanza o Kelela.
Enseguida destaca una ‘Let Me Be Me’ irresistible, que se presenta como un auténtico y bailable himno a la singularidad y la individualidad. Pero igualmente funcionan ‘Don’t Play Games’, que no anda muy lejos de la vertiente experimental de Róisín Murphy, la sensual ‘Love x2’ y una uptempo ‘U Can Make Me’ que cierra el EP por todo lo alto, con Damon Riddick complementando vocalmente a Gonzalez. Ojalá que, ahora que este tándem ha alcanzado el buen tono de su colaboración, se prodiguen juntos más a menudo.
Roland Emmerich lleva varios años intentando quitarse el traje de fallera. Pero no hay manera. Lo intentó con la pomposa ‘Anonymous‘ (2011), pero su fracaso fue, perdón por el chiste, catastrófico. Lo volvió a intentar con la inédita ‘Stonewall’ (2015), pero no la vio casi nadie. Y los que lo hicieron, según han dejado escrito en Internet, lo van a lamentar toda su vida. Basta echar un vistazo a sus próximos proyectos –el remake de ‘Stargate’, la tercera de ‘Independence Day’ y ‘Moonfall’, otra de catástrofes- para darse cuenta de que Emmerich se ha resignado a seguir haciendo lo que mejor se le da: encender mascletás.
La secuela tardía de ‘Independence Day’ (1996) ha llegado a las carteleras para inaugurar una nueva franquicia. Ante este nuevo ataque alienígena, ¿nos quedamos en casa abanicándonos como si no existiera o salimos corriendo a verla en la sala más grande, ruidosa y refrigerada que tengamos a mano?
Razones para ir a verla
1. No has visto la primera. Teniendo en cuenta que ‘Independence Day: Contraataque’ es casi un remake disfrazado de secuela vigoréxica, si no has visto la anterior porque no vivías en el planeta Tierra, esta te puede hasta gustar. Para los que sí vivíamos en el planeta Tierra no hay muchas razones para repetir. Salvo la de siempre, el propio placer de la repetición.
2. Está bien contada. Emmerich «el destructor» tiene un talento innegable para la representación de mil y una variantes del Armagedón. Pero también es un director especialmente dotado para las narraciones corales. ‘Independence Day: Contraataque’ es modélica en ese sentido. Emmerich encadena secuencias y reparte minutos con la sabiduría de un Dos Passos -¡toma!- hasta conseguir una estructura dramática y un ritmo realmente eficaces.
3. El sentido del humor. Ver un blockbuster veraniego sin que te ofrezcan unas pocas gracietas de vez en cuando es como comerte un whopper sin bebida «super size me» de grifo: intragable. ‘Independence Day: Contraataque’ entra bien. Tiene humor del malo, los chistecitos de macho alfa de Liam Hemsworth imitando al ausente Will Smith, pero también del bueno, el de la pareja cómica que forman el científico interpretado por Jeff Goldblum y su padre.
4. Una mujer presidenta de Estados Unidos y una pareja mayor abiertamente gay que, como diría Rajoy, “hace cosas” en la película además de cumplir un hipotético cupo, que no creo que aún exista, de-pareja-mayor-abiertamente-gay-en-un-blockbuster. La incorporación de estos personajes no va arrastrar a las masas al cine como un madrileño ante la visión de un ventilador, pero aporta jugosos subtextos a los que sacar punta después.
Razones para NO ir a verla
1. Has visto la primera. Mucho te tiene que gustar este plato para que te apetezca repetir. Lo más normal es lo contrario, que todavía te dure la (in)digestión de la anterior. ‘Independence Day: Contraataque’ está ambientada en un 2016 futurista donde los terrícolas se han apropiado de la tecnología alienígena. Y ya está, este asombroso giro de guión es lo más parecido a una novedad que vas a encontrar en esta secuela.
2. Los efectos especiales. Si por algo se recuerda ‘Independence Day’ es por los espectaculares efectos especiales. En su momento, nos dejaron boquiabiertos. Con los de ahora también abrirás la boca, pero por otra razón. Los CGI son eficaces, faltaría más, pero en absoluto sorprendentes. Además, no hay ni una imagen icónica, tipo la de la Casa Blanca de la primera, que llevarte en el bolsillo. Ni una.
3. El guión. Vale que esto cada vez le importa menos a Hollywood, que las buenas historias están en televisión, y que esta secuela se limita a copiar a modo de palimpsesto las pautas argumentales de la primera. Pero… ¿otra vez la idea de la “hormiga reina” para describir el funcionamiento de la estructura social de unos alienígenas? Y para esto cinco guionistas…
4. El final. Sí, ‘Independence Day: Contraataque’ es otra película más que termina con un salto de trampolín para futuras secuelas. 4.
El próximo mes de septiembre estaba previsto que se celebrase en Bogotá la primera edición de Lollapalooza Colombia, franquicia sudamericana del seminal festival estadounidense que en años anteriores ya se había celebrado en Chile, Argentina o Brasil, por ejemplo. Según el comunicado de la organización, la razón de la cancelación del evento es que ese artista principal ha cancelado su actuación en el evento y, ante la imposibilidad de encontrar un sustituto a la altura, creen más conveniente cancelar el festival y proceder a la devolución del importe de las entradas vendidas.
El nombre de ese artista, pese a que ya se había anunciado la participación de Lana del Rey, Disclosure, Wiz Khalifa, Bomba Estéreo o Pennywise, no se había dado a conocer aún, pero la revista especializada Variety asevera que se trataba de Rihanna, y que los motivos de su cancelación han sido el temor de la cantante y su equipo al virus del zika, cuyo crecimiento en Colombia es muy grande, siendo ya el segundo país del mundo con más casos, sólo por detrás de Brasil. Por el momento, como asevera Variety, los representantes de Rihanna no confirman ni desmienten la noticia.
Rihanna, que la pasada semana estrenaba un tema inédito para la banda sonora de ‘Star Trek: Beyond’, prosigue mientras con su ‘ANTI World Tour’, que en estos momentos se desarrolla en europa y que en pocas semanas llega a Barcelona donde, al contrario que en el cancelado festival, podremos disfrutar de esa pasarela transparente que tanto está haciendo disfrutar a algunos de sus fans.
Thierry Frémaux, director del Festival de Cannes, fue el primero en dar a conocer la noticia a través de Twitter hace algunas horas: Michael Cimino, el polémico director de la obra maestra ‘El cazador’ (‘The Deer Hunter’ en su versión original), fallecía en su residencia de Locarno, Suiza. Tenía 77 años y la polémica había rodeado su carrera casi desde el principio. Francés de origen y norteamericano de adopción, Cimino se había formado en la música y la arquitectura (sentía pasión por la figura de Frank Lloyd-Wright, y uno de sus grandes proyectos fue el guión para un remake de ‘El manantial’, que veladamente trataba sobre el arquitecto), pero las circunstancias le llevaron al mundo del cine. Comenzó escribiendo guiones, logrando debutar en 1974 con ‘Un botín de 500.000 dólares’, protagonizada por Clint Easwood y Jeff Bridges. Sin embargo, su gran éxito, y quizá también su gran maldición, fue ‘El cazador’ (1978), que ganó 5 Oscars, entre ellos los de mejor película y mejor dirección. La película, un clásico del cine que marcó un estilo de dirigir en años posteriores, repleta de escenas míticas, convirtió a Cimino en uno de los grandes de forma instantánea.
Sin embargo, la producción de su siguiente película fue un desastre de tales proporciones que cambió su sino hasta el fin de sus días. United Artists dio carta blanca al director para dirigir ‘La puerta del cielo’ (1980), y Cimino multiplicó por 4 el presupuesto, rodó 5 horas de película que hubo de convertir en 2 y la taquilla le dio la espalda por completo, recaudando apenas 3 de los 44 millones de dólares invertidos. Esto se convirtió en un estigma para Cimino, que vio cómo numerosos proyectos subsiguientes eran rechazados o cancelados por la mala fama que esta película le profirió. A partir de ahí, apenas volvió a dirigir en la segunda mitad de los 80 y solo proyectos para los que tuvo que buscar financiación lejos de los grandes estudios, como ‘Manhattan Sur’, ‘El Siciliano’ y ’37 horas desesperadas’. En 1996 dirigió su último filme, el discreto ‘Sunchaser’. A partir de ahí, pasó la vida recluido escribiendo guiones que no fructificarían, hasta que en 2001 reapareció con un nuevo e irreconocible aspecto físico para presentar la novela ‘Big Jane’, obteniendo ese mismo año en Francia la medalla de Caballero de las Artes y las Letras.
Quimi Portet es hoy trending topic y, aunque tiene pinta de resbalarle el tema a lo grande, imaginamos que hubiera preferido que su reciente disco en solitario ‘Ós Bipolar‘ tuviera que ver en ello. Pero para nada. Todo comenzó cuando el ex integrante de los exitosos El Último de la Fila y Los Burros lanzó ayer un tuit para denunciar que, en un desplazamiento en ferri entre las islas de Formentera e Ibiza, pidió un café con leche, recibiendo como respuesta del camarero que él no hablaba ni catalá ni mallorquín.
Esto molestó a Portet hasta el punto de subir, como véis, una foto del camarero en cuestión y llamando la atención del incidente a la operadora del ferri, en primera instancia, y un segundo mensaje recalcando la respuesta literal del trabajador del navío: «Mira: en gallego, español, francés, inglés y hasta en italiano te entiendo, en catalán o mallorquín, ya no». Poco después, la empresa de transportes respondía diciendo que tomaría «las medidas oportunas». «Gràcies», contestaba escuétamente el músico de Vic.
Desde algún medio de comunicación, todo esto se ha interpretado como una exigencia del músico para que despidieran al operario, además de una reivindicación nacionalista del catalán. La polémica ha saltado pronto a Twitter, que se ha alzado mayoritariamente en contra del artista, no solo por su reclamación sino, sobre todo, por la foto en la que muestra el rostro del camarero, teóricamente vulnerando sus derechos de imagen.
Ante las airadas respuestas, Baleària ha emitido un comunicado en Facebook hace pocas horas dejando entrever que «las medidas» a las que se refería no sería, necesariamente, el despido de su trabajador. Quimi, por su parte, ha lanzado un par de tuits esta mañana sobre la presentación de su último disco en, precisamente, Formentera, permaneciendo totalmente ajeno a la agria polémica mientras medio Internet le atacaba o se burlaba de su acción.
Como decíamos al inicio, Portet se encuentra en plena promoción de ‘Ós Bipolar’ (título curiosamente similar al de una canción del nuevo disco de Chucho, ‘Oso Bipolar’), su noveno álbum de estudio en solitario. En él han colaborado artistas habituales en nuestra página como Joan Miquel Oliver y Nùria Graham, y también Manolo García, su compañero inseparable en sus inicios en la música pop. De hecho, ambos se reunieron hace poco también para regrabar algunas canciones de su largo repertorio para un «álbum autobiográfico» de infames resultados.
Massive Attack han actuado este fin de semana en Londres, en un multitudinario show en Hyde Park que es noticia por partida doble. En primer lugar, el grupo de Grant Marshall y Robert del Naja sorprendió invitando a actuar con ellos a Tricky, colaborador en sus primeros álbumes y con el que partieron peras en algún momento de los 90, aunque se reconciliaron hace pocos años. Esta retomada relación se vió escenificada ante miles de personas en este show, cuando el autor de ‘Maxinquaye’ se unió a ellos en un escenario por segunda vez en la historia para interpretar ‘Take It There’, tema contenido en el último EP de Massive Attack, el notable ‘Ritual Spirit‘, que ya contaba con su participación.
Por otra parte, también resultó significativo cuando interpretaron ‘Eurochild’, de su segundo largo ‘Protection’, la cual, en palabras de 3D, nunca supusieron que 20 años después sería «un réquiem», según Stereogum. «Como hijos de inmigrantes, estamos muy disgustados por la situación», en alusión directa a la salida del Reino Unido de la UE que recientemente ha sido impulsada en referéndum. «No podemos permitirnos caer víctimas de la mierda populista que está ocurriendo. No podemos volver a permitir que fanáticos y racistas vuelvan [a meclarse] en esta situación», aseveró Del Naja. La «situación» divide a la sociedad británica, si bien el mundo del pop parece rechazar mayoritariamente el Brexit, pese a que hay voces discordantes.
Mientras seguimos esperando noticias de ese segundo EP que, supuestamente, publicarían la pasada primavera, o del nuevo álbum que lo sucedería a lo largo de la segunda mitad del año, Massive Attack son uno de los principales reclamos del próximo Festival Internacional de Benicássim, que se celebrará entre los próximos días 14 y 17 de julio.
Cuando vamos camino de que se cumplan 3 años desde la publicación de ‘Prism‘ y sin que, por el momento, esté confirmado que en este 2016 vaya a haber (como se había dicho) un nuevo álbum de estudio suyo, Katy Perry sigue siendo noticia por otras cuestiones extramusicales. Por ejemplo, que la suya es desde hace unas horas la cuenta de Twitter con más seguidores del mundo, alcanzando 90 millones de followers, un récord que ninguna otra personalidad mundial había alcanzado antes. Ni Obama, ni el Papa, ni Beyoncé, ni Mario Vaquerizo, ni Putin… nadie, vamos.
Para celebrarlo, Twitter ha lanzado una imagen conmemorativa repleta de emoticonos (recordemos que la propia Perry los usó con gran ingenio tanto en vídeos promocionales como en algunos números de su última gira), y, de paso, ha señalado las 6 expresiones que se usan en la red social con más frecuencia para citar a Perry: «mi reina», «bella», «la mejor», «mejor que», «maravillosa» y, por algún inexorable motivo, «mi espíritu animal».
Curiosamente, la cuenta de Twitter de Perry fue noticia hace pocas semanas debido a que fue hackeada, junto a la de otros artistas conocidos como Tame Impala o Bon Iver. En el caso de la cantante, se lanzaron una serie de tuits en los que se fingía que ella y Taylor Swift habían vuelto a ser amiguis. También, se subía una supuesta maqueta de un tema en el que estaría trabajando la artista, una ‘Witness’ que, por más que se haya intentado, no se logra hacer desaparecer de Internet.
Los valencianos Testarosa son finalmente los ganadores de Budweiser_emerge 2016 y se convierten, por tanto, en la nueva confirmación de Low Festival, que se celebra a finales de este mes en Benidorm. El grupo de power-pop de Xàtiva, un curioso cruce entre Los Nikis y Odio París con un par de EP’s a sus espaldas, destacando hits como ‘Destrucción’ o ‘Novias de verano’, inaugurará el Escenario Budweiser del festival y grabará un EP de forma gratuita que se subirá a las plataformas de streaming.
Más de 200 bandas han participado en esta edición del concurso de bandas de Low Festival y Budweiser, del que JENESAISPOP ha ejercido como jurado junto a representantes de Budweiser, Mondosonoro, Radio 3 y Cut Records. Hoy se publica en plataformas digitales el recopilatorio «Budweiser_emerge 2016» con temas de las bandas finalistas de esta edición. Han llegado a la fase final a Ganges, Dinamita Brother, Ayoho y Bous.
El escenario que abrirán Testarosa en el Low Festival será también en el que actúen Suede, Los Planetas, Belle and Sebastian, Vetusta Morla, Hot Chip o The Kooks. Los últimos abonos de tres días están disponibles por 69 euros en Ticketea.
En la tercera jornada de Vida Festival 2016, visiblemente más tibia en cuanto a cantidad de público que la del día anterior, asistimos a los shows populistas pero eficaces de Kula Shaker y Nada Surf, y a uno de The Divine Comedy que habría sido más apropiado para un teatro, además de !!!, Lindstrøm, Basia Bulat o Niño de Elche, entre otros. En breve completaremos este artículo con el resto de crónicas.
Es curioso que, durante la jornada del sábado, las propuestas más frescas, excitantes e innovadoras provengan de las bandas catalanas y estatales programadas, frente a un grueso de artistas extranjeros más bien anclados en los 90. A primera hora de la tarde, se pudo disfrutar de varias de las actuaciones más interesantes de la jornada: Emilio José e Os Indígenas, Nacho Umbert o Niño de Elche. A este le tocaba abrir a las siete el escenario Masia, con mayor suerte meteorológica que la que tuvieron Inspira la tarde anterior; el día está nublado y sopla la brisa. El Niño, muy bien acompañado de Raúl Cantizano y Darío del Moral (Pony Bravo), desgrana ‘Voces del extremo’ en un concierto “convencional” (todo lo convencional que puede llegar a ser), pero igualmente subyugante. Empieza con “Canción del levantado’, en una larga cadencia post-rock. El Niño estira la voz, rechina los dientes, juega con su garganta y también con un transistor, hasta que rompe convirtiéndola en ‘Estrategias de distracción’. Trufan de riffs piscodélicos ‘El comunista’ (envenenada diatriba contra la figura de Santiago Carrillo), el Niño hace bromas antes de acercarse al flamenco más canónico en ‘Informe para Costa Rica’: “Me recuerda esto a El Rocío, porque estáis tragando mucho polvo. Y como veo la valla, yo debo ser la Virgen. ¡A ver si la saltáis!”; entra en locura cacofónica en ‘Nadie me conoce’, se ríe del “sorpasso” en ‘Miénteme’ y es el primero en mostrarse obsesionado con el bosque del Vida (extrañamente, una constante durante la jornada): “Espero que acabéis follando esta noche en ese bosque, que es mi sueño”, antes de atacar, claro, ‘Que os follen’. Grande. Mireia Pería.
Sin duda, el escenario El Vaixell parece específicamente pensado para artistas como Basia Bulat porque, pese a que en sus álbumes se esmera en ofrecer dimensiones sonoras diferentes, donde más y mejor luce su espectacular voz es en las distancias cortas y con sonidos acústicos, minimalistas. Acompañada por la guitarra eléctrica y teclados de su colaborador Andy Woods, realizó un repertorio cálido, en el que ese timbre vocal entre Joni Mitchell y Vashti Bunyan. Poco a poco, fue engatusando a un público que asistía bastante respetuoso, incluso en los temas del reciente ‘Good Advice’, unas ‘Fool’, ‘La La Lie’ o ‘Infamous’, casi más bonitas despojadas de percusión. Pero si algo la ayudó a meterse del todo al público en el bolsillo, además del encantador castellano chapurreado con el que la canadiense se expresa razonablemente bien, fueron sus versiones de la enorme ‘´S Wonderful’ de George e Ira Gershwin, que popularizara Ella Fitzgerald, y, sobre todo, una ‘Tu nombre me sabe a hierba’ habitual en su repertorio y que la gente sigue acogiendo con verdadero regocijo. Y con razón: es muy de agradecer que un artista foráneo del renombre de Basia reconozca la grandeza de las canciones de autores patrios como Serrat o Cecilia. Raúl Guillén.
Vicisitudes festivaleras me hacen llegar al concierto de Doble Pletina un poco comenzado ya, cuando están tocando ‘Artista revelación’. El escenario La Cova es curioso y de disposición un tanto antipática. Raúl me comenta lo que los propios Doble Pletina le explicaron en la entrevista que les hizo en junio: que, en directo, las canciones de ‘Así es como escapó’ iban a ser menos sintéticas. Y sí, en directo los temas parecen ganar un plus de emoción y melancolía. ‘Soltera’, ‘Llenamos vacíos’, ‘Tiquet’, las canciones más tiernas del disco, suenan aún más tiernas y ‘Primeras impresiones’ crece en intensidad… aunque ‘Cruzo los dedos’ sigue siendo mi favorita. Hacia el final sube Evripidis (de Evripidis and his Tragedies) para acompañarles al teclado y pasárselo en grande en modo fan. Llega la hora del clásico ‘Música para cerrar las discotecas’ y todo el mundo lo baila y lo canta, aunque el honor de cerrar su concierto recae en ‘Electrobolero’, convertido, por aclamación popular, en su nuevo gran éxito. Mireia Pería.
Como ya nos había adelantado en un alarde de honestidad, Neil Hannon reprodujo junto a su nueva banda (integrada en su totalidad por británicos, lo cual sirvió al irlandés para hacer mofa del Brexit) el mismo concierto que había realizado un par de meses atrás en un teatro de París como The Divine Comedy. No era del todo cierto, puesto que hubo variaciones del set (por ejemplo anoche en Vida Festival arrancó con ‘The National Express’ y prescindió de ‘Something For The Weekend’), pero sí que se asemejaba bastante. Algo que no pareció muy acertado y perjudicó un poco su show, teniendo en cuenta que La Gaîté Lyrique es un antiguo teatro, un escenario y un público muy distintos al que asistía ayer a la Masía D’en Cabanyes, obviamente con ganas de venirse arriba y celebrar. Nada que reprochar, por supuesto, a la estupenda ejecución de Hannon y su remozado grupo, pero desde luego el repertorio no pareció el idóneo para satisfacer a un no-fan de The Divine Comedy: alternando con clásicos como ‘Sweden’ o ‘Generation Sex, revelando algunas canciones del próximo ‘Foreverland’ (como el single ‘Catherine The Great’, ‘Funny Peculiar’ o ‘To The Rescue’), pudimos escuchar canciones indudablemente bonitas, nuevos clásicos como ‘A Lady Of A Certain Age’, ‘Down In The Street Below’ o ‘Bang Goes The Knighthood’ (todas de este ya penúltimo disco, el que más presencia tuvo con diferencia). Pero, pese a ser exquisitas, no pareció el repertorio apropiado para conectar con un público medio, más profano en su larguísima carrera. Bastante a lo suyo, aunque simpático como suele, Hannon ni siquiera se molestó en estructurar el show dejando cortes más uptempo hacia el final para generar algún tipo de clímax. Con decir que su penúltimo tema, antes del clásico y siempre emotivo cierre de ‘Tonight We Fly’, fue ‘Charmed Life’ creo que se explica todo. Fue un show bonito, a veces algo tibio, que la gente aplaudió agradecida. Pero hace falta más que eso para triunfar en un festival, y Neil lo sabe. Raúl Guillén.
Nada Surf vuelven a ser un trío. Enseguida Matthew Caws nos aclara el misterio en un esforzado castellano: “Por tiempos tempestuosos, nuestro guitarrista está en un avión, en algún lado. Ahora somos Nada Surf “vintage”. Su show no parece resentirse: son recibidos como clásicos en vida y ellos se muestran felices y entregados. Lo suyo es pundonor y oficio a toneladas, aunque confieso que nunca me han calado. Sin embargo, su pop-rock alternativo sobrio y emocional sí que causó estragos entre el público, un público ya convencido de antemano, que se vuelve loco en un concierto de éxitos. Porque aunque tienen disco nuevo en la calle (‘You Know Who You Are’), apenas tocan un par de canciones de él. Durante su hora de actuación se dedican a ofrecer lo más representativo de su discografía, con aplastante presencia de ‘Let Go’ (el disco que marcó el inicio de su segunda vida, en 2002). Y la gente lo agradece. Dani Lorca, cuyas rastas son cada día más desbordantes, cede el micro constantemente a Matthew para que “mejore su español”. Y el español de Matthew es lo suficientemente bueno para convencer al público de que baile de un lado a otro durante ’Inside of love’ o mostrarse obsesionado (no es el primero) con el bosque del Vida: “Seguro que hay “fantomas” en el bosque. “Fantomas” simpáticos”. Cierran encadenando ‘Blonde on blonde’, ‘See These Bones’, una coreadísima ‘Popular’ (su canción más ídem) y ‘Always love’ ante el entusiasmo de la gente, que reclama unos bises que no llegarán. A mí siguen sin convencerme, pero para el resto de los presentes han sido los claros vencedores de la jornada. Mireia Pería.
En las antípodas del planteamiento de The Divine Comedy, Kula Shaker demostraron una mayor capacidad para empatizar con lo que el respetable podría esperar de ellos, teniendo en cuenta que vivieron unos años de gran popularidad en la confusa resaca post-Britpop de segunda mitad de los 90, que se esfumó tan pronto como la vida del grupo, separado en 1999 tras la edición de su segundo álbum. Tras reactivarse en 2008, esta segunda vida de momento apenas ha fructificado en dos discos apañados (y otro en ciernes) pero sin repercusión, que no parecían justificar el estatus de cabeza de cartel de esta segunda jornada de festival. Sin embargo, Crispian Mills (que, pese a ir ataviado casi como en 1997, ha dejado su famoso sex-appeal por el camino de los años) parece un tipo más talentoso y listo de lo que cabría imaginar. Con un buen sonido y unas interpretaciones bastante comedidas (para tratarse de un grupo-homenaje al rock setentero más espiritual y mesiánico), Kula Shaker hicieron lo que hacía falta: tocar con energía y buena cara las canciones que la gente mejor conocía y querría escuchar de ellos, ni más ni menos. Desde la inicial ‘Sound of Drums’, uno se sorprendía reconociendo y tarareando casi cada tema que iban desgranando. Siendo conscientes, quizá anoche más que nunca, de que su mayor mérito fue saquear los años hinduístas de George Harrison, lo cierto es que Kula Shaker pusieron sobre la mesa el hecho de que atesoran un buen puñado de canciones (especialmente las de su inapelable debut, ‘K’) capaces de hacer bailar y disfrutar a la notable cantidad de público (aunque lejos del llenazo de Wilco, eso sí) que asistía a su show, especialmente en una recta final sin concesiones, acumulando ‘Tattva’, ‘Hush’, Hey Dude’ y ‘Govinda’, mano ganadora. Si, además, se hubieran ahorrado la deriva de tostón místico de algunos temas y unos ocasionales pregrabados bastante bisoños, la cosa podría haber sido, incluso, más agradecida. Raúl Guillén.
¡Pero qué guapo es Lindstrøm! Perdonad el comentario un poco fuera de lugar, pero durante los primeros minutos de su DJ set no puedo evitar estar más pendiente de él que de la música. No debo ser la única, porque, aferradas a la valla del escenario, hay dos muchachas extáticas, que lo miran embelesadas. Valoraciones estéticas al margen, su sesión es liviana, bastante más entretenida que su último disco hasta la fecha, ‘Smalhans’. Cosmic-disco sin efectismos, aunque con un agradecido viraje final hacia el house y el italo disco, merced al divertidísimo ‘Lanzarote’ que confeccionó con Todd Terje. Mireia Pería.
Haciendo de tripas corazón, abandoné la sesión de Lindstrøm y cruzé el festival de punta a punta para ver qué se cocía en La Cova, escenario estrenado en esta edición, donde se preveía un fiestón a cargo de Joe Crepúsculo. Acompañado por su actual escudero fiel, Aaron Rux, Crepus efectivamente no cesaba de arengar con “¡Arriba Vilanova!”s, “¡Esas manos, arriba!”s y “¡Más bakalao!”s a los que la gente respondía o lo intentaba, mientras desgranaba sus ‘Corazón de colmillo’, ‘Un nuevo amanecer’, ’Reina del locutorio’ o ‘Toda esa energía. Sin embargo, el espacio se había quedado del todo pequeño para un artista del tirón del catalán, y la extraña y algo incómoda disposición del escenario, entre dos hileras de árboles y en pendiente descendiente, dificultaban enormemente la visibilidad y la audición de un espectáculo que bien podría haber tenido cabida en un espacio más agradecido del recinto. Raúl Guillén.
Para entonces, ya estaba muerta y a punto de la retirada. Pero fue aparecer !!! en el escenario principal con su imparable máquina de baile funk y el agotamiento se esfumó. Definitivamente, me quedo. A esas horas, es todo lo que se necesita y ellos lo saben. Nic Offer y la exuberante corista no solo ejercen de vocalistas, sino además de go-gós frente al resto de la banda, que parecen los funcionarios del ritmo. Nic salta, corre, nos jalea, trepa por los bafles, se mete entre el público, hace monerías y, por supuesto, canta. Contagia al público y, por primera vez en todo el festival, recibo empujones. Ellos atacan, imparables: ‘Yadnus’, ‘Except Death’, antiguos clásicos que tenía olvidados y recupero a golpe de música disco (¡’Must Be the Moon’!). Finalmente el hachazo del cansancio festivalero me parte en dos durante ‘Heart of Hearts’ (otro hit enterrado en mi cabeza) y acabo desertando. ¿Derrota? No. Con cualquier otro grupo no hubiera logrado resistir a la fatiga durante cincuenta y cinco minutos. Mireia Pería.
Tras la jornada inaugural del jueves, Vida Festival 2016 comenzó a presentar el viernes los grandes nombres de su tercera edición en bonito entorno de la Masía D’en Cabanyes, con los norteamericanso Wilco a la cabeza, secundados por Unknown Mortal Orchestra, Manel, Triángulo de Amor Bizarro, Villagers o Kiko Veneno.
Germà Aire tuvieron el honor de inaugurar la jornada del viernes en la Cabana Jägermusica. A pesar de la hora (las cinco y media de la tarde), a la sombra se estaba estupendamente, como bien nos recalcan: “Esto es un oasis en la calor”. Lamentablemente, también nos informan de que ese va a ser su último bolo, ya que estarán una temporada indefinida sin hacer nada como Germà Aire. Pero fue un concierto de despedida nada triste. Se lo toman de manera parsimoniosa y algo accidentada, pero sin perder la compostura. Desarrollos largos en sus temas más shoegazes, aunque rompen la atmósfera de siesta (“Va, os animaréis un poco”), cuando tocan seguidas las magníficas ‘Imprigionato’ y ‘Girotondo’. Deseamos su pronto regreso. Mireia Pería.
En directo, Maria Arnal y Marcel Bagés, no sólo resultan abrumadores, sino que además son didácticos. Maria explica con detalle de dónde sale cada canción que entonan en el Vaixell (el escenario más lindo de todo el Vida, probablemente): cantos de Alicante recuperados de archivos digitalizados, adaptaciones de poemas de Joan Brossa llamando a la revolución, versiones de jotas, homenajes a exiliadas republicanas… Y la teoría toma aplastante forma mediante la increíble, fuerte y expresiva voz de Maria y la versátil guitarra de Marcel, que ahora imprime una fuerza country-westerne gótico, ahora casi llega a terrenos surf. Nos avasallan con su fuerza telúrica hasta cerrar con ‘A la vida’ del gran Ovidi Montllor. A continuación, el pop rock con un punto de épica a lo The National de Inspira, que abren uno de los escenarios grandes, se antoja demasiado tibio. Claro que el sol cayendo a plomo (todo el público está refugiado en la sombra) no ayuda demasiado. Mireia Pería.
Con Refree a su lado como escudero, que se aferra a la guitarra y a su rica imaginación para ofrecer un contrapunto muy suyo pero casi siempre apropiado para lo que acompaña, la misma estampa de Kiko Veneno subido a ese barquito que sirve de escenario en El Bosque de la Masía D’en Cabanyes ya tuvo algo de icónico. El de Figueras realizó un repaso bastante completo a su carrera, sin renunciar a casi ningún hit salvo el mayor, ‘Echo de menos’, al que renunció sin que se resintiera el set lo más mínimo. A cambio, puso en valor temas menos populares pero fantásticos como ‘Coge la guitarra’, ‘Reír y llorar’ o la emotiva ‘La felicidad’, de su álbum en directo de este mismo año. Incluso se permitió regalar su versión de ‘La leyenda del tiempo’ (cabe recordar que Veneno participó de lleno en la gestación de la obra maestra de Camarón). Siempre vacilón, Veneno mostró su sencillez e integridad y el público de Vida le devolvió cariño y admiración. Raúl Guillén.
Villagers, o sea Conor J. O’Brien, da el que, para mí, es el gran concierto de la noche. Acompañado por un batería (que usa muchas veces escobillas), un programador y una arpista multitarea (canta y toca también el teclado. Juraría que a ratos ambas cosas a la vez), reproduce a la perfección la atmósfera soñadora de sus discos. Incluso la supera. La banda, junto a un sonido pluscuamperfecto, logran darle aún más fuste a las canciones. Además, domina a la perfección el tempo: la actuación empieza sosegada pero finalizará con los temas más animados; un crescendo que abre con la calma y la emoción contenida de las enormes ‘Courage’ y ‘Everything I Am Is Yours’. Todo se desarrolla en una exquisitez sentimental, con puntos en que la grandilocuencia se refrena con la emoción contenida, como en una inmensa y emocionante ‘Hot Scary Summer’. Al final Conor se desata y el público rompe a bailar con ‘Little Bigott’. Así hasta la final ‘Occupy Your Mind’, la más saltarina. Subyugante y emocionante. Mireia Pería.
Manel venían rondando dar un conciertazo en un festival, pero las últimas veces que lo habíamos intentado no se habían dado las condiciones. En el Primavera Sound no les acompañó el horario (las 7 de la tarde), y en el Mad Cool, tampoco gozaron de los mejores escenario y sonido. Anoche en el escenario principal, el Estrella Damm, del Vida Festival todo estaba a favor, y sacaron partido de ello, a lo grande. Claro, que jugaban en casa, y eso ayudó mucho. Apoyados en un sonido espectacular, no necesitaron ni más ni menos que sus mejores canciones, que el público cantó y jaleó con una euforia contagiosa. Funcionaron, y muy bien, los temas del nuevo y notable ‘Jo competeixo’ (que el respetable ya conocía a la perfección), demostrando que su progresión va en la línea correcta. Ni siquiera les hizo merma cuando arruinaron el gran clímax creado con ‘Boomerang’ continuando con la atmosférica ‘Arriba l’alba a Sant Petersburg’. Enseguida se rehicieron con adaptaciones a su sonido de hoy de ‘Ai, Dolors’ o ‘Benvolgut’, que enardecieron los ánimos y dispusieron una recta final gloriosa con ‘Jo competeixo’, ‘La serotonina’, ‘Teresa Rampell’ y ‘Sabotatge’, que pusieron a bailar a toda la amplia explanada, que se dice pronto. Se marcharon al son del hit ‘Obsesión’, de Aventura, y pareció el mejor y más apropiado final para su merecido baño de masas. Raúl Guillén.
“¡Escribe que estos plagian a Prince!”, me espeta un chico muy perjudicado cuando me ve tomando notas en el concierto de Unknown Mortal Orchestra. No caigo en ese momento a qué canción del genio de Minneapolis se refiere, pero sí que es cierto que su funk-neopsicodelia-etc bebe de multitud de fuentes… y ellos no esconden ni sus orígenes ni los homenajes. Con una puesta en escena austera para lo que cabría esperar de su sonido, un look entre skate punk californiano de los 90 (las pintas de Ruban Nielson) y funkymen (el inefable teclista), dan un concierto la mar de apañado y bailongo, desde la ruidosa y distorsionada ‘From the Sun’. Aunque el grueso se centra en su último álbum ‘Multi-Love’, también caben piezas como ‘Swim and Sleep’. Ruban (eterno falsete vocoderizado) se deja querer por las masas en ‘Stage or Screen’ , baja a la arena y se mezcla y canta entre el público. Una locura algo contenida, por eso. Ellos son solventes pero no se dejan arrastrar, mientras la gente baila y lo goza hasta la final ‘Can’t Keep Checking my Phone’. Mireia Pería.
Creo que hay pocas cosas más difíciles en este mundo que Wilco decepcionando en uno de sus shows. Y anoche tampoco fue una noche aciaga para ellos. Incluso aunque, por un instante, lo pareciera cuando lanzaron, a la tercera de cambio, una ‘l am Trying To Break Your Heart’ algo descastada y plana. Pero no, fue un espejismo. Como ocurriera tantas veces antes, las interpretaciones de canciones más recientes como ‘Art of Almost’, ‘More…’ o ‘Random Name Generator’ las pusieron en su verdadera (gran) dimensión. Pero los de Chicago saben de sobra que el público de un festival lo que quiere ver y escuchar son sus temas más populares y gloriosos, y ellos no se hicieron querer de más en ningún momento. Las casi dos horas de show de Jeff Tweedy y su abrumadoramente engrasada banda sirvieron sobre todo para satisfacer al personal con ‘Hummingbird’s, ‘Via Chicago’s, ‘Kidsmoke’s, ‘Heavy Metal Dummer’s, ‘Jesus, etc.’s, etc. Antes de rematar con ‘The Late Greats’ y hacer un fugaz y furioso bis con ‘I’m a Wheel’, Wilco entregaron la cima de la noche con la enésima versión alucinante de ‘Impossible Germany’, con un Nels Cline que se gustó y se lució al máximo. El público les rindió una merecida ovación que mostraba que si hay una banda prácticamente infalible en el rock actual, es decididamente Wilco. Raúl Guillén.
Que Triángulo de Amor Bizarro son una apisonadora en directo no es noticia. Que nosotros nos dejemos aplastar con gusto, tampoco. Desde ‘Desmadre estigio’, su concierto es un no parar, una tempestad sexy, peligrosa y adictiva. El set está basado en su último álbum, aunque con multitud de paradas en su obra anterior: el engarce entre ‘Un rayo de sol’ y ‘Amigos del género humano’ resulta feroz. Demoledor también es comprobar cómo convierten la ráfaga final de ‘O Salve Eris’ en una tormenta aún más perfecta. Ellos casi no dan tregua y encadenan temas apenas sin pausa, aunque también hay momentos para su lado más, ehem, “sensible”, como ‘Nuestro siglo Fnord’, ‘Seguidores’ o ‘Barca quemada’, hasta que Rodrigo retoma la vena cafre mediante ‘Cómo encontró a la diosa’. Isa bromea: “Ahora vamos a hacer un poquito más de ruido” y atacan ‘El crimen…’ y el público entra en modo pogo enloquecido con el cierre con ‘De la monarquía a la Criptocracia’. No, las fuerzas no fallan. Su apisonadora tampoco. Mireia Pería.
Durante el mes de junio se ha ido viralizando un anuncio de los supermercados Netto, que todos los inmigrantes españoles en Alemania conocerán muy bien, hasta alcanzar los 8 millones de visitas. El anuncio recupera a muchos de los gatos que se han hecho famosos en internet durante los últimos años, ejerciendo de clientes. Los fans de estos animales reconoceréis unos cuantos.
La música que suena es muy identificativa, y aunque hay muchos que piensan que se trata de una adaptación gatuna de algún tema de Kraftwerk, lo cierto es que en realidad se trata de una versión de ‘Magic Fly’, el que fuera el mayor éxito de los franceses Space. Desde Marsella, el grupo de, ejem, space disco formado a finales de los 70 por Didier Marouani, debutaba en 1977 con un álbum llamado igualmente ‘Magic Fly’. Su single titular llegaría a ser número 2 en las listas británicas, si bien ‘Tango In Space’ no conseguía repetir su éxito.
Después de su separación inicial, el grupo ha seguido funcionando como spAce tras una disputa legal o como Didier Marouani & spAce (su Facebook está actualizado). Eso sí, no confundir con estos pipiolos también llamados Space desde París que hacen futurehouse. Pese al predominio de la EDM, podría colar como una adaptación algo chunga a los nuevos tiempos de los sonidos de Space.
En 1991, cuando ya llevaban cuatro discos a sus espaldas, Red Hot Chili Peppers se las arreglaron para dar el salto definitivo de mano de Rick Rubin con ‘Blood Sugar Sex Magik’. Ocho años después, conquistaban a una nueva generación de «90’s kids» con su séptimo álbum, el también multiplatino ‘Californication’, que volvía a contener 5 singles como 5 soles por los que cualquier estrella del pop mataría. Reescuchadlos a día de hoy y alucinad de lo bien que han envejecido, de lo «a clásico» que suenan.
Hace tiempo que a los Red Hot, como a U2, les hubiera venido muy bien un álbum que pudiera hacerles ganar nuevo público. El suyo no lo van a perder, el público rockero es poco crítico y muy fiel, pero la marcha de John Frusciante les había dejado definitivamente como vaca sin cencerro, y para muestra el escaso impacto que tuvo en 2011 el malogrado ‘I’m With You‘. Por eso era una idea excelente que el grupo pasara página, dejara atrás a su hombre de confianza Rick Rubin por primera vez en 25 años para probar otras cosas, y llamara a Danger Mouse para la producción de su nuevo álbum, el primero en cinco años.
El single ‘Dark Necessities‘ no puede ser mejor. Contiene la cadencia californiana del grupo, el bajo inequívocamente funk de Flea, su estribillo quema como una tarde de verano a 35º y su aura no puede ser más apacible merced a la bonita melodía y al salpimentado del productor, muy identificable pero sin excesivo protagonismo. La letra, sobre la necesidad de conocer el lado malo de la vida para disfrutar del bueno, y de paso, escribir buenas canciones, acompaña. ¿Lo hace el resto del disco?
No siempre. ‘The Getaway‘, el corte titular, sí sigue una línea parecida. Un atractivo punteo en el puente, los coros femeninos muy bien traídos para hablar de una ruptura y el contenidísimo ritmo funky construyen una excelente intro para el disco. También forman un buen combo ‘Goodbye Angels’ y ‘Sick Love’, ambas inspiradas en la ruptura del cantante Anthony Kiedis con la modelo australiana Helena Verstergaard. La primera es otra buena mezcla del sonido identificativo de Red Hot Chili Peppers con la labor de Brian, con la progresión de la canción remitiendo a una travesía por el desierto en la que se van recobrando las fuerzas a trancas y barrancas. Y la segunda es uno de esos medios tiempos que te reconcilian con el mundo con todo en su justo lugar, desde la guitarra eléctrica al piano aportado por Elton John. Seguro que la mezcla del álbum por parte de la mano derecha de Radiohead Nigel Godrich tiene mucho que ver.
Por lo demás, el grupo se ha echado una siesta aprovechando las altas temperaturas de California, ha puesto el modo piloto automático y ha entregado temas nunca dantescos pero sí inacabados o perezosos. Entre los primeros, un ‘Go Robot’ que después de entregarse al disco cósmico acaba con un fade-out que no creo que haga bailar demasiado ni a nosotros ni a sus fans. Entre los segundos, un ‘Detroit’ que, entre citas a The Stooges y J Dilla, parece encajado en la segunda mitad del disco sólo para que la facilona ‘This Ticonderoga’ -que contiene una cariñosa mención a Flea- parezca mucho más brutal de lo que es.
Hay canciones tan agradables como ‘Encore’ (es conveniente aclarar en medio de todo este «name dropping» que con Calexico se refieren a una autopista y no al grupo) y las temáticas del álbum son interesantes, pues ‘Feasting on the Flowers’ habla de la muerte del guitarrista de los Red Hot Hillel Slovak en 1988 de una sobredosis, ‘The Hunter’ está dedicada al padre de Anthony, ‘Go Robot’ habla sobre la deriva de la promiscuidad sexual en el siglo 21 y muchos cortes hablan sobre el amor con alguien a quien sacas muchos años; pero el grupo no ha podido o sabido o tenido la paciencia suficiente para eliminar un par de pistas y trabajar más otras para que este fuera su disco de comeback definitivo.
Calificación: 6,4/10 Lo mejor: ‘Dark Necessities’, ‘Sick Love’, ‘The Getaway’ Te gustará si te gusta: la suma de Broken Bells a los Red Hot, pero sobre todo, en definitiva, los Red Hot Escúchalo: Spotify Cómpralo: Amazon
Julio ha de ser un mes importante para Frank Ocean, por mucho que naciera en octubre. ‘channel: Orange‘ se publicaba durante este mes en 2012, el año pasado Frank Ocean anunciaba -un poco de aquella manera- disco para julio de 2015 y ahora parece confirmar que su nuevo álbum saldrá durante este mes, en el que ya nos encontramos desde ayer.
Ese parece ser el mensaje velado de la actualización de su web en la que vuelve a aparecer lo mismo que había subido el año pasado: una imagen suya con unos hashtags reveladores y una hoja de ruta con el nombre del álbum, ‘Boys Don’t Cry’ y la fecha de este mes con el día tachado. La imagen revela también que el disco ha sido pospuesto unas cuantas veces. De hecho, el pasado mes de marzo se decía que podía salir «en un día o en un mes».
Frank Ocean es uno de los nombres más queridos del R&B actual tras la edición de la mixtape ‘nostalgia,ULTRA.’ y el mencionado ‘channel: Orange’. Recientemente escribía una bonita carta sobre los atentados contra un club gay de Orlando, que dejaba 50 muertos. También ha co-escrito un par de canciones en el tercer álbum de James Blake, ‘The Colour In Anything‘. Lo último que sabíamos de él es que Unknown Mortal Orchestra habían dicho durante una entrevista que nos concedían que «las nuevas canciones de Frank Ocean son muy buenas». Y eso que aún no sabían si su contribución aparecería en el disco o no.
Aparte de pasarse por un vídeo de Blood Orange esta semana, Julian Casablancas también ha presentado un nuevo vídeo para una de las canciones del nuevo EP sorpresa de los Strokes, ‘Future Present Past‘, que en verdad encerraba pocas sorpresas agradables.
Una de las canciones era ‘Threat of Joy’ y en la introducción de su videoclip The Strokes nos cuentan que no han podido hacer un vídeo para ‘Oblivius’ por «circunstancias que no estamos en libertad de contar», por lo que lo han hecho para este otro.
Entre referencias a Bob Dylan en la muestra de la letra de la canción, bailes de salón, reuniones de cerdos turbulentas llenas de conspiración, críticas a Wall Street y la metapelícula, The Strokes desarrollan otra de sus obras impenetrables.
Aunque siguiendo su broma, no ha podido haber vídeo para ‘Oblivius’ por lo elevado de su contenido político, sí lo ha habido para la tercera canción del EP, ‘Drag Queen‘.
Como es ya una tradición, Vida Festival ha aprovechado su celebración este fin de semana en Vilanova i la Geltrú para anunciar un nombre de su edición del próximo año durante el mismo evento. Si el año pasado se soltaba el nombre de Divine Comedy, que actúa en la noche de este sábado, este se aprovechaba la jornada del viernes para dar el primer avance de 2017.
La Casa Azul actuará en Vida Festival el año que viene, lo cual es toda una curiosidad, pues era el propio Guille Milkyway quien cerraba anoche el escenario Masia apareciendo en este caso para pinchar a eso de las 4 de la mañana. La noticia emocionaba a muchos de los asistentes, que deducían que en breve se avecinaría disco nuevo de este proyecto, el primero en -ojo- 5 años. Desde la edición de ‘La Polinesia meridional‘, Milkyway se ha embarcado en distintos proyectos, como la producción de los últimos discos de Fangoria o la actualización del catálogo de Nino Bravo.
La noticia no nos pillaba por sorpresa, pues en el comunicado de cancelación de La Casa Azul en la fiesta de 10º aniversario de JENESAISPOP, Guille Milkyway indicaba expresamente que ya estaba escibiendo canciones para su próximo disco.
por lo menos vosotros no os habéis puesto a llorar en el suelo cuando han confirmado a la casa azul para el vida dos mil diecisiete
Están los entrevistados que con un disco de éxito ultra relativo ya se creen los reyes del mambo y lo valen tanto que se ven capaces de abandonar una entrevista que nadie les pidió a la mitad, y están los profesionales de verdad. En este último grupo están Roxette, un dúo con mucho callo que quizá porque ya no acapara la atención de los medios musicales internacionales, quizá porque Suecia sí es Europa y Reino Unido no, es todo amabilidad y educación al otro lado del teléfono.
Hablamos con un simpatiquísimo y totalmente puntual -una rara avis, de nuevo- Per Gessle, que da detalles sobre el nuevo disco de la banda, ‘Good Karma’; el estado de salud de Marie Fredriksson, que ha obligado al grupo a cancelar toda opción de gira mundial; sus artistas favoritos de hoy y de ayer, o el cambio de sentido en la industria musical.
El nuevo disco suena bastante fresco, sobre todo canciones como ‘Don’t Cha’ o ‘Some Other Summer’. ¿Cómo os las apañáis para que os salgan temas así después de 20 años?
No sé… Me interesa la música pop, la cultura pop, y cuando entro al estudio, intento actualizar mi sonido. Lo primero que nos preguntamos siempre es por qué hacer un disco nuevo y la razón es hacer un disco diferente. Intentamos actualizar nuestro sonido pero manteniendo el ADN de Roxette. No queremos hacer el mismo disco que hicimos hace 10 años.
¿Eres el tipo de autor que descarta muchas composiciones?
No, no, para nada. Para este disco de Roxette hay solo 2 canciones más grabadas y quizá unas 3 que no llegamos a grabar. En total, unas 20. Según voy escribiendo, si no me gusta la canción, la dejo y me centro en otra cosa. Hacer una canción lleva muchísimo tiempo. Si hago una demo y no me gusta, la dejo por completo. Para que una canción llegue al estudio tiene que pasar varios procesos. Si no me gusta, la he desechado antes.
‘Some Other Summer’ parece el single obvio del disco, pero ‘From a Distance’ parece la favorita de los fans, ¿para vosotros es una canción especial o todas lo son?
Todas son especiales. ‘Some Other Summer’ va a ser el nuevo single. ‘From a Distance’ era en principio una balada, atmosférica, sin groove… Pero ya teníamos muchas baladas, así que cogimos la voz de Marie y se la dimos a (Addeboy Vs.) Cliff, la hicimos uptempo, pusimos una guitarra, unas voces nuevas… La del disco es la segunda versión. Fue la última canción que grabamos.
Esta canción tiene un punto 80’s. Vosotros venís de esa década, obviamente, pero también me suena al revival ochentero de Carly Rae Jepsen o Haim. ¿Puede ser?
Sí, creo que sí. También estuvimos en los 90. Cuando tienes tantos años, tu viejo sonido se vuelve trendy otra vez. Es un proceso natural, nosotros intentábamos sonar como los 60 y como los 70. Estoy muy agradecido de que la gente se interese aún por Roxette. Nunca se puede dar nada por hecho. Está bien que la gente oiga aún ‘Listen to Your Heart’, cada vez que oigo en el aeropuerto o en el supermercado ‘It Must Have Been Love’ me siento muy bien.
¿Hay alguna banda que os cite como referencia y os haya sorprendido?
Mucha banda desconocida que nos escribe por Facebook. Tampoco leo mucho revistas de música. Pero nuestra tradición musical es muy de los 60, los 70, mucho de la melodía, el ritmo… Lo nuestro es vieja escuela, en definitiva, al final.
«Me encanta la producción de The 1975, pero necesitan tres canciones realmente buenas»
¿No escuchas nada actual?
Escucho música en Spotify, voy a las listas de reproducción. A veces escucho cosas que molan. Busco más que nada la producción, me preocupo de cómo están producidos los temas. Está este grupo, The 1975, me encanta la producción, pero necesitan tres canciones realmente buenas (risas). No, en serio, hacen un buen trabajo. También escucho música de cuando me iba haciendo mayor, como country, David Bowie o lo que sea.
Es curioso que menciones este grupo, se me había olvidado que existieron INXS hasta que han salido.
¿Sí? (Silencio).
Aunque Roxette tiene el nombre que tiene, siempre os había visto como grupo de pop, incluso cuando os he ido a ver en directo. Hasta que he visto ‘Roxette Diaries’, el documental que habéis sacado (dirigido por Jonas Åkerlund). Creo que os plantea como grupo de rock, incluso rodeados como de jevis.
No sé. Nunca hemos decidido que Roxette debería ser una banda de pop, de rock, esto o aquello. Crecimos con lo que podría llamarse rock, Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath, pero también escuchábamos Joni Mitchell, James Taylor, Leonard Cohen, Smokie o T-Rex. Es una línea pequeña la que separa todo eso. Cuando hicimos la última gira, era bastante más guitarra que teclados. Nunca nos lo hemos planteado. Para mí Abba es una banda de pop, mucho más pop que Roxette. ¿Es Bon Jovi una banda de pop o de rock? ¿Y Def Leppard? Eran muy grandes cuando salimos. Creo que hacemos música pop pero con guitarras.
¿Crees que este es el mejor álbum que podíais hacer o es sólo el mejor que podíais hacer teniendo en cuenta las circunstancias de que Marie no puede viajar, etcétera?
Sí, ha llevado mucho tiempo hacerlo, como tú dices, considerando las circunstancias. Marie no estaba mucho con nosotros en el estudio, nosotros íbamos a su estudio de Estocolmo para hacer las voces. Christof (Christoffer Lundquist) y yo mismo éramos los que estábamos en el estudio. No ha sido como antiguamente. Pero creo que es un buen álbum. Marie dice que es el mejor que hemos hecho. Yo… no sé. Con ‘Look Sharp!’ no veníamos de ningún lado y creamos nuestro propio sonido. Pero creo que ahora hemos dado un paso en cuanto a producción y en cuanto a sonido. Creo que es un buen álbum.
La canción final ‘April Clouds’ suena como una despedida, aunque creo que es vieja. ¿Es así? ¿Este podría ser vuestro último álbum?
Podría serlo, sí. Aunque no queríamos plantearlo así. Teníamos dos baladas, ‘April Clouds’ y ‘Why Don’t You Bring Me Flowers’, y pensábamos que una tenía que ser la canción final del álbum. Nos decidimos por esta, que es orgánica, no tiene sintetizadores pero sí bajo de verdad, instrumentos de verdad… No pensamos en ella como una canción de despedida, pero mucha gente lo está interpretando así, y así funcionan las cosas. Tú haces algo y la gente lo interpreta como quiere y está bien que sea así.
«La razón por la que Marie ha cancelado la gira es porque no sabe cómo va a estar cada día, así que no puede concentrarse en cantar, porque se tiene concentrar en moverse y entonces no canta como le gustaría»
Tengo que preguntar cómo está Marie…
Marie está bien. He hablado con ella hoy (NdE: la entrevista se hizo el 22 de junio). Está bien. A veces no se puede levantar y tiene que estar sentada. Hay días que está bien y puede dar un paseo. La razón por la que ha cancelado la gira es porque no puede viajar, no sabe cómo va a estar cada día, así que no puede concentrarse en cantar, porque se tiene concentrar en moverse y entonces no canta como le gustaría. Esto no ha sido una sorpresa para mí. Me lo esperaba. Hemos hecho 280 conciertos desde que volvimos en 2009, así que, lo que ha durado, ha sido un viaje estupendo.
¿Crees que podríais hacer un concierto al año o algo así, en Suecia, si se encuentra bien?
No, no hemos hablado de eso en absoluto. No parece que vaya a haber más conciertos en absoluto. Pero Marie a veces nos sorprende… Si ella quiere hacer algo, lo haré. Pero no hay planes en absoluto.
«El apoyo de los fans ha sido una rehabilitación para Marie»
Vuestra base de fans es alucinante. Es de lo más jevi que he visto en mi vida. Conozco gente que va a 8 conciertos vuestros en cada gira, por diferentes países. Algunas de las historias más locas que he escuchado sobre fans provienen de fans de Roxette. ¿Sois conscientes de ello?
Sí, sí, sí, claro que lo sabemos. Es por los fans, por su amor y su afecto que hemos seguido adelante. Sobre todo desde que Marie enfermó. El apoyo de los fans, cuando volvimos en 2009, ha sido una rehabilitación para Marie. Incluso ahora cuando hemos decidido no hacer más giras hemos tenido su apoyo. Nos emociona mucho, de hecho.
Esto se ha perdido bastante en este siglo, ¿no? Los grupos ya no generan este tipo de fans tan sumamente fieles a lo largo de las décadas, de países…
Creo que tienes razón. La música, en general, ya no es tan importante como antes. Hay tantas opciones… La gente se pone música mientras juega a un videojuego, mira Youtube o lo que sea. La gente no mira quién ha producido el qué y pasa luego a otra cosa. No es lo mismo que cuando había algo físico. No sé cómo será en España, pero en Suecia Spotify es como el 90% del mercado. Y esto no tiene nada que ver con una gramola de la que solo puedes poner una canción. Se parece bastante a los 15 minutos de fama de los que hablaba Warhol. Así que ha sido fantástico formar parte de Roxette. Tuvimos muchísimos éxitos y fans que han estado con nosotros durante años, hemos sido parte de su vida, ha sido fantástico. Pero bueno, me estoy haciendo viejo, supongo. Todavía me compro álbumes, quiero ver cómo el artista presenta el disco… Pero es una cosa generacional.
¡Yo también compro!
¿Pero cuántos años tienes?
35.
¡Eres joven!
«Hoy el artista es como una marca. Avicii y David Guetta son marcas y se presentan como marcas, y nosotros no somos una marca»
Ya no tanto.
(se ríe) Todo el tema de qué presentas, cómo lo presentas, como músico quieres que el álbum tenga armonía. No puedes poner un montón de baladas seguidas, etcétera. Todo ese proceso creativo me apasiona. Es lo que me hizo ponerme a hacer discos cuando era joven. Si pones ‘Diamond Dogs’ o ‘Born to Run’ es maravilloso el modo en que están presentados. Hoy el artista es como una marca, sobre todo en el mundo EDM. Avicii y David Guetta son marcas y se presentan como marcas, y nosotros no somos una marca. Queremos ser una banda. Vivimos en un mundo diferente, estamos muy lejos de eso.
He leído que este es vuestro primer disco en llegar al top 100 de Reino Unido desde 1999, me ha sorprendido bastante porque en España nunca habéis dejado de ser famosos. ¿Cuándo dejaron las cosas de funcionar en Reino Unido y Estados Unidos? ¿Qué pasó? ¿No os lo peleasteis o qué?
Son dos escenarios diferentes para nosotros. En Reino Unido siempre hemos funcionado bastante, ‘Wish I Could Fly’ funcionó bastante bien en 1999 y ‘She’s Got Nothing On (But the Radio)’ fue bastante bien en 2010 (sic). Cuando vamos allí siempre tocamos en el O2 World, hacemos varias ciudades… Estados Unidos se perdió cuando nuestra compañía fue vendida en 1992. Con ‘Joyride’ teníamos programada una gira mundial, pero la gente del sello solo quería trabajar con gente que conocía y a nosotros no nos conocían. Desde entonces, las cosas no funcionaron. Al mismo tiempo, para captar el mercado americano teníamos que pasar allí 6 o 7 meses, Marie se quedó embarazada y eso cambió todo. Desde más o menos 1993, cuando empezamos a grabar ‘Crash, Boom, Bang’, no hicimos lo suficiente por mantenernos allí, no tocábamos allí. La última vez tocamos en Nueva York y Los Ángeles y fue increíble, pero no fue algo tan masivo. Siempre digo que, para hacernos las cosas más fáciles, abandonamos América por el resto del mundo. Requería demasiado esfuerzo, había que pasar mucho tiempo allí y Marie no quiso.
Cada vez que dan ‘Pretty Woman’ en la tele, sale en las noticias porque millones de personas siguen viéndola. ¿Pasa así en todo el mundo o sólo en España?
Sí (se ríe), creo es la película más famosa de la historia en Australia. También en Suecia, cada vez que la dan la ven como un millón de personas. No sé por qué. La gente se reconoce, se siente bien viéndola. Tuvimos mucha suerte de formar parte de la película. Nuestra canción representa la película muy, muy bien. Es una canción muy grande. Durará para siempre.
¿Os pagan cada vez que esta canción sale en la tele?
¿Si me pagan? ¡Eso espero! (risas) Hoy en día no es tanto dinero, pero sí, un poquito de aquí y un poquito de allá…
¿Crees que habría ganado el Oscar a mejor canción?
Creo que hubiera ganado el Oscar. Sí. Lo que pasa es que había una versión antigua de la canción, como villancico, y no se podía presentar.
Conozco la historia, te preguntaba si pensabas que habríais ganado.
Creo que sí. Fue como la canción más famosa de aquel año. Fui yo quien confesó que había una versión anterior de la canción y que por eso no podía ser nominada. Quizá debería haberme callado la boca (risas).
¿Qué opinas a día de hoy de aquel disco en castellano que hicisteis?
No lo escucho. Fue idea de la compañía. Yo no hablaba español, Marie un poquito. Teníamos a Rafael Gil en el estudio para que pronunciáramos bien. Yo canto una canción y Marie las demás. Tuvimos muchas críticas que decían que las letras eran cutres. Espero que estuvieran OK.
La pronunciación de Marie es espectacular, pero las palabras eran raras, más que cutres.
Oh, ¿de verdad? No sé, solo sé decir «una cerveza, por favor».
Finalmente, quiero preguntarte qué tal estás. Este disco os gusta pero sale a la vez que el anuncio de que no haréis una gira nunca más. Supongo que es un sentimiento agridulce para ti… ¿o no hay nada amargo?
No siento nada amargo. Creo que es un buen disco, el mejor que podíamos hacer. Si lo miras con perspectiva, es una desgracia que Marie enfermara en 2002, pero conozco toda la historia, y que sobreviviera es un milagro. Que hayamos hecho una gira de 200 conciertos, para 1,4 millones de personas… He mirado todo desde diferentes puntos de vista, y ha sido una bendición trabajar durante 30 años en esto. Y quizá podremos hacer más música. Marie no tiene cáncer ni nada, simplemente está afectada por la enfermedad. Pase lo que pase, ya nos sentimos afortunados.
Icona Pop sacan nuevo single, esta vez junto al dúo Louis the Child, y de nuevo, se trata de un tema tan obvio, tan ceñido a los patrones de los hits de los últimos años, que probablemente no consigan despuntar con él. Desde el inesperado pelotazo de ‘I Love It’, Icona Pop han sacado canciones tan comerciales, tan comerciales que no ha pasado nada con ninguna.
Poca cosa ocurrió con ‘Emergency‘ (un puesto 19 en Suecia, un puesto 99 en Canadá… y ya, aunque, ojo, sus 60 millones de reproducciones en Spotify no son moco de pavo) y este ‘Weekend’, de vídeo fiestero, podría correr la misma suerte.
En este caso estamos ante un tema de estribillo instrumental que no sale una tercera vez como para que te veas obligado a volver a oír el tema (esta treta se vio en ‘We Found Love’ hace 6 años), que se pega a la primera y se olvida inmediatamente después.
Por cierto, su disco ‘This Is Icona Pop‘, la mar de reivindicable, incluía ya una canción llamada casi igual, la divertida ‘Ready for the Weekend’. Hace un par de años pudimos entrevistarlas y les preguntábamos por ella: «Esa canción surgió porque desde siempre nos han encantado los clubs. Hay algo romántico en el hecho de ir a una discoteca y ver que todo el mundo está ahí por la música y que hay un montón de gente bailoteando en la pista y sudando, y las luces de neón también… así que empezamos a referirnos a ello como nuestra religión y por eso suena un coro eclesiástico al principio de la canción. Por un tiempo, cuando vivíamos en Londres, vivíamos para los clubs, así que es divertido pensar en cómo surgió. La hicimos junto a Leolv, uno de nuestros productores favoritos».
Os dejamos con el vídeo y también con el hit de Louis the Child, ‘It’s Strange’.
Continuamos con nuestra colaboración con Kia Music Box con una playlist que hemos titulado «Como en los 80 pero ahora». En ella hemos querido contraponer una canción actual inspirada en los años 80 con una canción de sonido similar publicada en aquella década. Contraponemos un tema de Tegan and Sara con otro de Kim Wilde, uno de Kristin Kontrol con uno de Bananarama, uno de Carlos Berlanga (editado en 1990) con uno de Papa Topo, etcétera.
Y es que lejos de agotarse, en 2016 el revival 80s está más vivo y vigente que nunca. Por más que lleguen retazos de reciclaje 90s, grunge e inlcuso 00s, la década de los cardados, las hombreras y la Movida sigue ahí perenne, en múltiples lanzamientos de cada año. Por una parte, es una gozada comprobar cómo temas publicados décadas atrás siguen conservando un punch increíble. Por otra, reconforta escuchar a músicos y artistas asemejarse sin rubor a obras que vieron la luz incluso antes de que ellos llegaran al mundo. 2016, como en los 80 pero ahora. Podéis escuchar la playlist en este enlace. Kia Music Box continuará publicando listas de reproducción nuestras y de otras personas durante todo el año, y una de las últimas es la que Carlos Sadness ha dedicado a la noche de San Lorenzo, a las que ha dedicado su single ‘Perseida’. Para novedades, podéis seguir Kia Music Box en Facebook y Twitter.
Triángulo de Amor Bizarro han acudido a un programa de la Televisión Gallega, en concreto a Luar. Allí han hecho un playback y, como apuntan en nuestros foros, se han hecho un Muse o algo parecido. ¿Qué es hacerse un Muse? El grupo de Matt Bellamy hacía historia al actuar hace unos años en la televisión italiana, pues obligado a hacer playback, decidieron cambiarse los instrumentos y roles -cantante incluido- sin que nadie del programa se diera cuenta.
En este caso vemos a Inés Isa pasando totalmente siquiera de colgarse el bajo o de acercarse el micro a la boca. Entregada al baile como pocas veces se ha visto, «interpreta» su versión de Beach Boys, que daban a conocer este año para un homenaje, ‘A Cantiga de Juan C’. La entrevista del principio tampoco tiene mucho pierde, con el actor Kevin Sorbo de ‘Hercules’ presentando la actuación de la banda en el programa.
Triángulo han editado este año ‘Salve Discordia‘, un álbum que tiene un lugar guardado en nuestra lista de lo mejor de 2016 a tenor de los votos recibidos ya. Hasta que llegue diciembre, el grupo tiene una larga lista de festivales contratados, entre los que se encuentran Vida Festival, Dcode, BBK Live, Sonorama, etcétera.
Sólo un año después de ‘Hairless Toys’, aquel disco que tanto aburrió a parte de la redacción, pero tanto gustó a uno de nuestros redactores y al jurado del Mercury Prize, que llegó a nominarlo, Róisín Murphy tiene un nuevo disco preparado. Y sale, sin que nos hayamos dado cuenta, tan pronto como la semana que viene, el 8 de julio.
Recientemente la cantante presentaba un vídeo para uno de los singles que había dado a conocer, ‘Ten Miles High’, y hoy estrena otra de las pistas a través de las plataformas digitales, ‘Romantic Comedy’. Ya os contamos que el vídeo es un desvarío a la altura de los últimos tiempos de Murphy. La cantante se pasea por estaciones de metro e iglesias con casco de obrera y chaleco reflectante, mientras su figura se multiplica. No sabemos si aspira a crear tendencia aún pero es el mismo look que se observa en la portada de su álbum, que recibe el nombre de ‘Take Her Up to Monto’.
El tema nuevo ‘Romantic Comedy’ es un medio tiempo de cinco minutos y medio en la misma línea que confirma simplemente que el disco girl-group que un día entre ‘Overpowered’ y ‘Hairless Toys’ planeó, sigue guardado a buen recaudo.
Cuando está a punto de llegar al FIB -quedan dos semanas-, Jamie xx estrena vídeo para ‘Gosh’, el tema que abría el sobresaliente ‘In Colour‘, uno de los mejores discos de 2015. El tema ya tenía vídeo de temática intergaláctica, pero se ha encargado de darle una nueva vuelta Romain Gavras, una persona muy admirada en el mundo del videoclip después de haber realizado los vídeos de ‘Bad Girls’ y ‘Born Free’ para M.I.A., así como otros de Kanye West y Jay Z (‘No Church in the Wild’) o Justice (‘Stress’).
Después de unas horas de esfuerzo y desesperación, al fin hemos hallado el modo de incrustar el vídeo gracias a nuestro forero Flounder, y el caso es que por una vez en la vida toda la ida y venida de exclusivas de Apple Music o quien sea, ha merecido la pena.
La canción cuenta con ligeros nuevos arreglos en su versión extended adaptada al vídeo, aunque continúa fiel a su espíritu; mientras la obra visual, asistida por 400 extras que corren por una ciudad china hacia una réplica de la parisina Torre Eiffel, realmente podría pertenecer a un vídeo de West o M.I.A. por su grandilocuencia. El debate en torno a la crítica política y a la recreación estética está sobre la mesa.
Os dejamos también con el antiguo vídeo de ‘Gosh’. Tenía su aquel, pero claro, no hay color…
La Terremoto de Alcorcón vuelve a tiempo de hacer una de las canciones del Orgullo Gay de 2016 y del verano. En este caso, donde antes se ventilaba a Madonna o a Kylie, se trata de una versión de ‘Sax’ de Fleur East, un hit de finales de 2015 y principios de 2016, que no supera la realizada de ‘212’ de Azealia Banks pero que tampoco se queda demasiado lejos.
La nueva letra toma un viejo eslogan publicitario («¿qué tal?» «yo muy bien, con Okal»), muy bien traído de otros tiempos, como la inspiración disco-funky de la canción, y contiene grandes rimas con Okal, del tipo «yo prefiero ser bisexual» o «conocí a tu padre, que no estaba mal». También hay menciones a Rosendo, Britney Spears, El Gran Wyoming, a «Bertín» y al «Duque».
El tema original ‘Sax’ ha sido un sleeper en España, pues a pesar de no haber pasado en ningún caso del top 24 de la lista oficial, sí está certificado como single de platino.
El álbum que lo contiene ‘Love, Sax and Flashbacks‘, de la triunfita Fleur East (participó en ‘X Factor’), ha logrado ser disco de oro en Reino Unido a pesar de los estrepitosos fracasos de los singles ‘More and More’ y ‘Breakfast’.
Gibraltar Music Festival, que se celebra los días 3 y 4 de septiembre y ya había confirmado a gente como Stereophonics, Ne-Yo, Bryan Ferry, All Saints y Jess Glynne, entre muchos otros, suma hoy nuevos nombres. Entre ellos están Travis, Europe, Zara Larsson, Lawrence Taylor, Jeremy Loops y la banda de Línea de la Concepción Enkalomaos. Los menores de 12 años entran gratis, mientras los adultos tiene disponibles los abonos a 89 libras en la web oficial.
Recientemente Gibraltar Music Festival era noticia porque su director se pronunciaba contra el Brexit. De hecho el lema de esta nueva tanda de confirmaciones es: «una semana después que Inglaterra dijera no a Europa, Gibraltar otra vez dice sí a Europe», jugando con el doble sentido del continente y la banda autora de ‘The Final Countdown’. Hace unos años vimos a Europe en directo, puedes recordar nuestra crónica aquí.
Estas eran las declaraciones de Owen Smith la semana pasada: «El resultado del referéndum en Reino Unido sobre la pertenencia a la Unión Europea es decepcionante para Gibraltar, que ha votado de manera aplastante para permanecer en la Unión Europea. La mayoría de nuestras ventas internacionales son a británicos residentes tanto en Reino Unido como en España. La incertidumbre sobre lo que traerá el futuro, la posible recesión en Reino Unido y la debilidad de la libra afectará a nuestras ventas».
Tras el fracaso del retrospectivo ‘Akústika’, que no pasó del puesto 97 en la lista de ventas, Universal tiene que intentar exprimir el fichaje de Soraya. Según la nota de prensa (las negritas son nuestras), «Soraya vuelve, aunque en realidad es como si irrumpiera de repente en la escena musical del país para sorprender a todo el mundo con un nuevo estilo e imagen arrolladoras, marcando tendencia en los próximos meses. ‘Long Time’, tema compuesto, producido y masterizado por Barac Sebastian, es el punto de partida para re-descubrir a Soraya en un mundo más trendy del que habitualmente suele habitar».
¿Qué quiere decir el sello con todo esto? El tema suena a la modita de los medios tiempos de la radio, con un punto paradisíaco y bailable (atentos al momento Disclosure) pero también melancólico y envolvente, calmado, en la estela de Avicii, Alan Walker, ‘I Took a Pill In Ibiza‘, etcétera. ¿Sonará la flauta?
Volviendo a la divertida nota de prensa, el videoclip ha sido realizado por Greg A. Sebastian y producido por Pablo Pacheco. Y, dicen, «nos traslada a un mundo ideal en el que la artista juega con la luz, sensualidad y nuevas tendencias musicales, mezclando el pop con pinceladas house & chill out que sólo Soraya sabe trazar, sumergiéndonos en una música electrónica con sabor a verano, frescura, elegancia, modernidad y tendencia, muy cool para los próximos meses estivales».
Traducimos: Soraya conoce Chico Martini entre palmeras, agua, mucha agua y ralentizado sexy.
Cuando aún estamos saboreando el nuevo disco de Ramona Gonzalez bajo su álter-ego electrónico Nite Jewel, el humeante ‘Liquid Cool‘, la artista norteamericana nos cogía por sorpresa con el lanzamiento, el pasado viernes, de un nuevo EP. Pero no de un EP en solitario esta vez, sino del proyecto que comparte con el productor y cantante Dâm-Funk, al que pudimos ver en Barcelona hace algunas semanas, dentro del Primavera Sound 2016, y que lleva por nombre Nite-Funk.
Roland Emmerich lleva varios años intentando quitarse el traje de fallera. Pero no hay manera. Lo intentó con la pomposa ‘
Los valencianos Testarosa son finalmente los ganadores de Budweiser_emerge 2016 y se convierten, por tanto, en la nueva confirmación de Low Festival, que se celebra a finales de este mes en Benidorm. El grupo de power-pop de Xàtiva, un curioso cruce entre Los Nikis y Odio París con un par de EP’s a sus espaldas, destacando hits como ‘Destrucción’ o ‘Novias de verano’, inaugurará el Escenario Budweiser del festival y grabará un EP de forma gratuita que se subirá a las plataformas de streaming.
Durante el mes de junio se ha ido viralizando un anuncio de los supermercados Netto, que todos los inmigrantes españoles en Alemania conocerán muy bien, hasta alcanzar los 8 millones de visitas. El anuncio recupera a muchos de los gatos que se han hecho famosos en internet durante los últimos años, ejerciendo de clientes. Los fans de estos animales reconoceréis unos cuantos.
En 1991, cuando ya llevaban cuatro discos a sus espaldas, Red Hot Chili Peppers se las arreglaron para dar el salto definitivo de mano de Rick Rubin con ‘Blood Sugar Sex Magik’. Ocho años después, conquistaban a una nueva generación de «90’s kids» con su séptimo álbum, el también multiplatino ‘Californication’, que volvía a contener 5 singles como 5 soles por los que cualquier estrella del pop mataría. Reescuchadlos a día de hoy y alucinad de lo bien que han envejecido, de lo «a clásico» que suenan.
Julio ha de ser un mes importante para Frank Ocean, por mucho que naciera en octubre. ‘
Aparte de pasarse por un 
Como es ya una tradición, Vida Festival ha aprovechado su celebración este fin de semana en Vilanova i la Geltrú para anunciar un nombre de su edición del próximo año durante el mismo evento. Si el año pasado se soltaba el nombre de Divine Comedy, que actúa en la noche de este sábado, este se aprovechaba la jornada del viernes para dar el primer avance de 2017. 
Están los entrevistados que con un disco de éxito ultra relativo 
Icona Pop sacan nuevo single, esta vez junto al dúo Louis the Child, y de nuevo, se trata de un tema tan obvio, tan ceñido a los patrones de los hits de los últimos años, que probablemente no consigan despuntar con él. Desde el inesperado pelotazo de ‘I Love It’, Icona Pop han sacado canciones tan comerciales, tan comerciales que no ha pasado nada con ninguna. 
Continuamos con nuestra colaboración con Kia Music Box con 
Triángulo de Amor Bizarro han acudido a un programa de la Televisión Gallega, en concreto a Luar. Allí han hecho un playback y, como apuntan en 
Sólo un año después de ‘Hairless Toys’, aquel disco que 
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La Terremoto de Alcorcón vuelve a tiempo de hacer una de las canciones del Orgullo Gay de 2016 y del verano. En este caso, donde antes se ventilaba a Madonna o a Kylie, se trata de una versión de ‘Sax’ de Fleur East, un hit de finales de 2015 y principios de 2016, que no supera la realizada de ‘212’ de Azealia Banks pero que tampoco se queda demasiado lejos.
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Tras el fracaso del retrospectivo ‘Akústika’, que no pasó del puesto 97 en la lista de ventas, Universal tiene que intentar exprimir el fichaje de Soraya. Según la nota de prensa (las negritas son nuestras), «Soraya vuelve, aunque en realidad es como si irrumpiera de repente en la escena musical del país para sorprender a todo el mundo con un nuevo estilo e imagen arrolladoras, marcando tendencia en los próximos meses. ‘Long Time’, tema compuesto, producido y masterizado por Barac Sebastian, es el punto de partida para re-descubrir a Soraya en un mundo más trendy del que habitualmente suele habitar».