Lo que originalmente fue concebido como parte del musical homenaje al poeta Robert Burns podría ser uno de los últimos proyectos de Michael Jackson. El Rey del Pop se aproximó a la obra del poeta reinterpretándola en forma de canciones.
Un proyecto que llegó a contar en su origen con la participación de Gene Kelly a la dirección, el actor Anthony Perkins y el mediático David Gest, ex marido de Liza Minnelli. Tras el fallecimiento de Gene Kelly, Anthony Perkins y Jackson, el proyecto se quedó en «stand by». Desde que se dio a conocer la existencia de estas intenciones por primera vez hace años, todavía no se ha escuchado ninguna canción.
Ahora, según ha explicado el propio Gest a la BBC, el disco ha sido cedido al museo del poeta en su ciudad natal, en Ayrshire (Escocia). Al parecer, el trabajo fue grabado en el estudio de la casa de la familia Jackson. El disco lo conforman entre ocho y diez poemas de Burns a los que el norteamericano dio su propia visión, entre los que se encuentran ‘Ae Fond Kiss’ y ‘Tam O’Shanter’, que habría inspirado ‘Thriller’, según recoge The Telegraph. NME, desde el citado museo, confirma la visita de Gest. «Entendemos que hay cierta discusión acerca de la donación de ciertos materiales musicales. Si sale adelante, será una donación interesante «, recalcan.
‘The Artist’ continúa cosechando buenos augurios. Tras su triunfo en los Globos de Oro, la película lidera los Bafta, los premios cinematográficos más importantes de Reino Unido, con doce nominaciones, seguida de cerca por ‘El Topo’, con once. Por su parte, ‘La piel que habito’ de Pedro Almodóvar ha conseguido una nominación en la categoría de mejor película de habla no inglesa junto a ‘Nader y Simin, una separación’, el film iraní que obtuvo ya el Globo de Oro, ‘Potiche’, ‘Pina’ e ‘Incendies’. Esta será la séptima nominación del manchego a los Bafta, donde triunfó con ‘Todo sobre mi madre’ (1999) y ‘Hable con ella’ (2002). Veremos si la suerte vuelve a estar de su lado. Los Bafta se entregarán el próximo 12 de febrero.
Tras una intensa gira de dos años, Public Enemy, a los que vimos recientemente en el Berlin Festival, volverán a los estudios de grabación. Según ha indicado Chuck D en una entrevista concedida a Billboard, la banda lanzará dos nuevos discos este año. El primero, que llevará por título ‘Most of My Heroes Still Don’t Appear on No Stamp’, llegará en junio y contará nuevamente en la producción con Gary G-Wiz. Tres meses después, y poniendo fin a la temporada veraniega, lanzarán ‘The Evil Empire of Everything’. El rapero ha explicado asimismo que ambos discos “están conectados” aunque se publiquen por separado.
Circula por la red otro de esos estudios absurdos que no sirven para nada, realizados por una Universidad, y cuyo margen de error se desconoce posiblemente porque se acerca más a infinito que a cualquier otro valor. Esta vez las noticias llegan desde Harvard, donde han seguido el Facebook de 200 estudiantes (¡esa muestra!) durante cuatro años para concluir lo siguiente: «cuando a tus amigos les empiezan a gustar las mismas bandas indies que a ti, esas bandas indies te dejan de gustar».
Esta conclusión de la Academia Nacional de las Ciencias es vox populi también en España y ellos ponen como ejemplos a Fleet Foxes o a Decemberists. «Dos modernos pueden tener una conversación sobre su camiseta de Fleet Foxes, pero es raro que adopten sus gustos mutuamente». Kevin Lewis, el cerebro detrás de todo esto, dice: «El significado de un gusto indie/alternativo no está sólo en el gusto en sí mismo, sino en ser el único de tu círculo de amigos que lo exprese. Si me gustan los Decemberists y de repente a mis amigos les empiezan a gustar también, ya no soy diferente socialmente, así que correré a buscar a una nueva banda que me diferencie».
La verdad es que a nosotros no nos han dejado de gustar ni Fleet Foxes ni Decemberists últimamente, ni planeamos que nos dejen de gustar mientras no saquen disco malo. No debemos de ser hipsters… Esperamos testimonios en la sección de comentarios. Igual si aportan su experiencia cincuenta personas al azar, nosotros también podemos elaborar nuestro propio estudio en quince minutos.
A pesar de que Miren se ha mudado a Brooklyn por razones laborales, Tulsa siguen en activo y de vez en cuando conocemos una nueva canción suya. La última es una colaboración para el proyecto inspirado en el 15-M Robo, por donde ya ha pasado gente como Albert Pla o Nacho Vegas.
‘Qué bonito es el mundo piramidal’ es una de las aportaciones más divertidas. Amén de ese estribillo que repite irónicamente hasta la saciedad «haber aprendido a robar», incluye puyas como «este dinero que alberga nuestro lujoso hogar / Lo necesito para sobrellevar / Que la tengo muy pequeña y que no la puedo casi levantar». Toda la letra, cantada como por una ex enamorada del capitalista, es hilarante.
La canción ha sido grabada en casa de Miren (Brooklyn, N.Y.) y en casa de Alfredo (Getxo) y cuenta con coros de Alfredo Niharra y la masterización de Karlos Osinaga. Sucede a la rapera ‘Campeones’. Todas las canciones de Robo, en Bandcamp.
Durante las últimas semanas ha ido apareciendo en Tumblr una lista de temas supuestamente interpretados por Fleet Foxes. Son versiones de Whitney Houston, Rihanna, Mariah Carey, TLC, Adele, Beyoncé, Feist o Robyn, por nombrar algunos. El Tumblr se llama «Fleet Foxes Sing» y utiliza una foto de Fleet Foxes. Sin embargo, ¿por qué no aparece vínculo entre el site oficial del grupo y este Tumblr? Todo apuntaba a que se trata de un «fake» y así lo recoge NYMag. El parecido es tal que han conseguido engañar a la mismísima Robyn, que hace poco agradecía en Twitter la versión. Aunque muchos medios hablan de las versiones como si fueran de Fleet Foxes, desde Popdust recuerdan que Fleet Foxes twittearon en septiembre: «nosotros no hemos hecho esa versión de Whitney Houston. De todas formas, es divertida».
En cualquier caso, el parecido es considerable. A través de las diversas páginas podemos encontrarnos al grupo, quien quiera que sean, versionando ‘Giving Up The Gun’ de Vampire Weekend o convirtiendo ‘Dancing On My Own’ de Robyn en una balada triste y nostálgica. Escuchar la versión de ‘Dreamlover’ de Mariah Carey en una voz similar a la de Robin Pecknold es una de esas cosas que no podremos pagar en la vida.
Y no sólo se han limitado a temas pop actuales. También podemos disfrutar de versiones de Nick Drake, Roberta Flack, Stevie Wonder, Elvis Presley, Al Green o Bruce Springsteen. Todo, delicioso y recomendable, disponible en su Tumblr.
Lookout Records, el sello que descubrió a Green Day, fundamental en el desarrollo del punk en Estados Unidos durante los 90 y los primeros años del siglo XXI, ha confirmado definitivamente su cierre definitivo a través de su blog, si bien no publicaban ninguna referencia nueva desde 2005. Por su catálogo han pasado grupos como Neurosis, Ted Leo & The Pharmacists (que dieron la exclusiva) o The Donnas. En los últimos años habían sido muchos los grupos que habían abandonado el sello para reeditar sus discos en otras compañías. Como principal razón para dejar el sello que Larry Livermore y David Hayes habían formado en 1987, se solía destacar el impago de «royalties» o simplemente la no renovación de los contratos.
En el emocionado post de despedida, Chris Appelgren agradece el apoyo de los fans y de los grupos y sitúa los problemas financieros, la desaparición de su distribuidora, el abandono del sello de sus best-sellers y la bajada de la venta de CD’s como causas de este cierre. «Lookout Records ha sido parte de mi vida durante 20 años y Cathy es una veterana con más de 15 años de experiencia en Lookout. Hemos considerado todas las opciones, pero nos hemos dado cuenta de que lo mejor que podemos hacer con nuestra energía es cerrar la puerta de una vez, por nosotros, por el legado del sello, por los grupos y por el beneficio de las relaciones con artistas, compañeros y los interesados».
Cuando presentábamos lo nuevo de Alexandra Burke junto al DJ Erick Morillo, se nos advertía que se trataba de un remix y que la original no sería tan bailable, que sería más R&B. Parece que no. La voz sigue casi irreconocible entre montañas de autotune y la producción eurodance, que triunfa actualmente, sigue intacta, pero sin rastro de R&B. Mientras, Alexandra Burke sigue ultimando los detalles de su próximo disco, que debería ver la luz dentro de unos meses y que contendrá (teóricamente) contribuciones de RedOne, Bruno Mars, StarGate y Ne-Yo.
Si hace unos días Sébastien Tellier nos dejaba ver el «teaser» de su nuevo álbum, el primero después de su hilarante paso por el Festival de Eurovisión, ahora ha llegado el momento de conocer el primer tema completo.
‘Pépito Bleu’, que adelanta el álbum ‘My God Is Blue’, se explaya en su toque mesiánico. Su vídeo, por supuesto en azul, tiene subtítulos de traducción libre, para aquellos que no sepan francés. Lo mejor que puede decirse de la canción es que es envolvente, y lo peor, que sigue pareciendo un «teaser» o una intro para el disco. De hecho, es la pista 1.
Amanda Mair, la última revelación del sello sueco Labrador y una de las más jóvenes, publica su debut homónimo el próximo 15 de febrero. Esta semana llega a nuestro país para actuar por primera vez. Será hoy 17 de enero en Málaga (C.C.P. Ollerías) y mañana 18 de enero en el Berlín Jazz Café de Madrid con Evripidis and His Tragedies, como parte del ciclo Son Estrella Galicia. Amanda, largamente comparada con Dusty Springfield, nos contesta un cuestionario vía mail.
¿Cómo has terminado haciendo una gira por España sin ni siquiera haber sacado un disco?
Es más una mini gira de dos conciertos. Me preguntaron si quería ir a España a tocar mis canciones y por supuesto dije que sí. Espero poder volver pronto de nuevo.
Nos acabamos de enterar de que el disco sale el 15 de febrero, así que suponemos que ya está terminado. ¿Cuándo lo acabaste y cuánto tiempo te ha llevado?
Lo acabamos a mediados de noviembre y nos llevó casi nueve meses.
¿A qué suena? ¿A música bailable como ‘House’ o más chill y tropical como ‘Someone That Is You’?
Diría que es más chill. Tiene un toque de synth-pop indie con programaciones distintivas y a veces un toque de melodías asiáticas. Mi voz y las melodías ponen un toque melancólico a la música. Espero que os guste.
¿Habrá nuevos singles o remixes?
Saco el tercer single, ‘Sense’, el 1 de febrero.
¿Vas a grabar algún vídeo para ‘House’ o ‘Doubt’?
Iré a Gotemburgo la semana que viene para grabar un vídeo para mi tercer sencillo, ‘Sense’.
Desde que publicaste ‘House’, se ha podido encontrar muy poca información sobre ti en internet, ¿y eso?
Creo que es porque nunca he tenido MySpace o un blog y no tengo una web donde puedas encontrar información sobre mí.
Hemos escuchado las versiones a piano de ‘I Will Remember You’ y ‘You’ve Been Here Before’. ¿Aparecerán tal cual en el álbum? ¿Habrá muchas baladas?
Hay dos canciones que serán las versiones a piano, ‘Skinnarviksberget’ y ‘You’ve Been Here Before’.
¿Habrá canciones en sueco?
No, sólo en inglés.
¿De quién son los coros en ‘House’?
De Philip Ekström, que también ha escrito unas pocas canciones del disco.
¿Cómo has llegado a Labrador? ¿Cuánto se ha implicado Johan Angergård en el disco? ¿Ha tomado decisiones fundamentales?
Todo empezó cuando conocí a Tom Steffensen hace tres años y grabamos tres versiones en su estudio de Estocolmo. Fue mi madre quien me preguntó si quería grabar unas cuantas canciones, para pasarlo bien. Tom había tocado la batería con Johan, presidente de Labrador Records, en Club 8. El verano de 2010 Tom me llamó y me dijo que pondría mis versiones a Johan. Según Tom, Johan dijo que quería escuchar más cosas mías. El pasado invierno firmé un contrato con Labrador Records. Así empezó todo. Realmente tengo que agradecérselo a mamá.
Tus canciones no suenan como si tuvieras 16 años. ¿Has evitado hacer un disco adolescente o sólo te preocupaba ser tan honesta como pudieras?
No, no he planeado eso. Como las canciones no están escritas por mí, creo que es importante sentir que me identifico con ellas, así que he intentado ser tan honesta como he podido.
Hemos leído que tienes 16 años ya durante unos cuantos meses, ¿exactamente cuándo naciste?
¡Nací en 1994, así que este verano cumplo 18! Pero es verdad que cuando firmé con Labrador tenía 16.
Anna Calvi parece imparable en su afán por hacer llegar a sus fans todo su material. Si hace unas semanas compartía con el resto de los mortales todas las caras B de sus singles, ahora nos ofrece poder disfrutar de la versión en francés del clásico ‘Jezebel’. La versión en inglés del tema, que no estaba incluida en su disco de debut, aparecía por primera vez en octubre de 2010. Ahora aparece por primera vez en su versión francesa. La descarga oficial estará disponible a partir del 20 de febrero acompañada de una edición limitada en vinilo de 7 pulgadas con ‘Wolf Like Me’ como cara B.
Con el debut de los Vaccines de vuelta esta semana en el top 10 de las listas británicas, no es muy complicado comprender por qué el primer disco de Howler es uno de los más hypeados esta temporada por el NME. Las críticas del grupo del semanario están escritas a la defensiva -ellos mismos saben que es una caspa reivindicar ad eternum copias de los Ramones y de los Strokes-, pero hay que reconocer que el medio tiene olfato para los grupos «sing along» con potencial para llenar los escenarios grandes de los festivales de «hey! ho! let’s gos!».
La banda es, en realidad, de Estados Unidos, donde la prensa especializada en los últimos años está volcada en cosas más finas, pero su origen es algo que queda claro en las ya mencionadas influencias, en el libreto del CD o en las melodías surferas de canciones como ‘Back To The Grave’ y el nuevo single ‘Back Of Your Neck’, la mejor novedad que encontramos en un álbum que recupera los dos grandes himnos de la banda, ya conocidos de su EP del verano pasado, ‘Told You Once’ y ‘This One’s Different’. El primero habla de un odio a uno mismo irresistible para cualquier estudiante desarraigado y el segundo, que repite caprichoso «I want you right now», tres cuartos de lo mismo.
Cuando el quinteto post-adolescente (rondan los 20 años) no está preocupado por conseguir el estribillo adecuado para su sexto single o titulando canciones con nombres como ‘Beach Sluts’, se rinde a un muro de sonido tomado de Phil Spector y similar al de The Jesus & Mary Chain (‘Too Much Blood’), o a una suciedad próxima a los grupos tipo Wavves. Aunque son los Strokes definitivamente la referencia más obvia en ‘America’ o en ‘Wailing (Making Out)’, con un Jordan Gatesmith cantando completamente desgañitado. Letras tontas como «tu cuerpo mola pero tu mente no está bien» encajarían en el repertorio del mucho menos hypeado Hunx & His Punx, pero no puede acusarse a Howler de no tener la frescura de los primeros Hives, Vines y compañía.
Calificación: 7,4/10 Lo mejor: ‘Told You Once’, ‘Back Of Your Neck’, ‘This One’s Different’ Te gustará si te gustan: los Vaccines, básicamente Escúchalo: Spotify
A Madonna últimamente no dejan de salirle enemigos. Hace unos días era un productor de Lady Gaga quien utilizaba Twitter para hacer unas declaraciones bastante desafortunadas y ofensivas. Ahora es David Furnish, marido de Elton John, quien toma Facebook para criticar a Madonna por ganar el Globo de Oro a la mejor canción por ‘Masterpiece’. Justo antes de la ceremonia de entrega de los premios, el propio Elton John decía que Madonna no tenía “ni una puta opción” de ganar el premio. Al parecer, quien estaba más molesto era el señor esposo de Elton, quien escribía en Facebook: “Madonna, mejor canción???? Que le den!!!”. Una hora más tarde volvía a asaltar la red social para seguir manifestando su opinión sobre el premio entregado a Madonna. “Gracias a todos por vuestro apoyo y comentarios. Que Madonna gane Mejor Canción Original realmente muestra cómo estos premios no tienen nada que ver con los méritos. Su discurso de agradecimiento fue vergonzoso en su narcisismo. Y sus críticas a Gaga muestran lo desesperada que está realmente”.
En su rueda de prensa tras ganar, a Madonna le preguntaron cómo se sentía por ganar a Elton John. Madonna contestó: «Espero que me hable durante los próximos dos años. Se va a enfadar conmigo. Es brillante y le adoro. Él ya ganará otro premio, no me siento mal». Minuto 1.30.
Antonio Luque ha presentado un nueva canción de su próximo disco, ese que al principio iba ser firmado como «Antonio Luque» y llamado ‘Sr Chinarro’, pero al final no. Se trata de ‘La Ley de Murphy’, un tema en el que el artista revisita la recurrente ley para expresar su confianza en ella.
La canción ha sido estrenada en Videoteca Bodyspace que, además, publica un vídeo en el que el andaluz interpreta el tema en acústico apoyado únicamente en las palmas y las guitarras de sus nuevos socios musicales, Maronda. «Me daba problemas hasta la palabra amor, encontré una abogada y fue mucho peor. Por los pelos no acabo en el calabozo. Estuve a punto de tirarme a un pozo, pero era ya bastante el destrozo». Según la citada web, el disco será doble y contendrá 18 canciones. Se llamará ‘Menos Samba’ y podría salir en marzo.
El mismo día que conocíamos una canción nueva del próximo disco de Leonard Cohen, escuchamos una versión suya a mano de los encantadores Cults, autores de uno de los mejores temas de 2011, ‘Abducted’. La versión de ‘Everybody Knows’ que han incorporado a sus conciertos respeta la melodía de la original, pero añade intensidad mediante un martilleante piano y más guitarras. Excelente. Esperamos poder oírla en condiciones más dignas. ¿Qué tal en estudio?
Aunque ‘Born To Lose‘ fue lo primero que escuchamos del segundo disco de Sleigh Bells, el dúo neoyorquino ha presentado ahora el single oficial. Se trata de ‘Comeback Kid’, el segundo adelanto de su ‘Reign Of Terror’. La pareja sigue fiel a ese arranque hard-rock de ‘Born To Lose’, aunque en esta ocasión de una forma más discreta, para dar forma finalmente a un tema apoyado en la percusión y las guitarras distorsionadas. De momento, y juzgando únicamente lo que hemos escuchado hasta la fecha, lo de «Reino del terror» aún está por llegar.
Que el electropop sigue viviendo una época dorada no es nada nuevo. MNDR, el dúo formado por Amanda Warner y Peter Wade, que consiguió acapar la atención con su ‘Fade To Black’, que fue número 1 de JENESAISPOP (en su momento los entrevistamos), deja constancia de ello con el adelanto oficial de su primer álbum de larga duración.
A pesar de que cite como influencias a bandas como Kraftwerk, el dúo sigue recordando a Santigold o a La Roux. El nuevo single, que lleva por nombre ‘#1 in Heaven’, es una pista idónea para las pistas de baile. Un tema con el que desde luego se alejan de su balada ‘I Go Away’. El single se puede escuchar a través de Pitchfork.
El álbum, aún sin fecha de edición, saldrá este verano según este medio y esta canción se puede considerar «el primer single».
Con la publicación, en 2009, de la caja recopilatoria ‘Songs’ (que también incluía algunos descartes bajo el nombre de ‘Failed Songs’) Matt Elliott daba por terminada lo que se ha venido a llamar ‘The Songs Trilogy’. Esto es, la serie de canciones que -tomando como referente aquella inolvidable ‘The Sinking Ship Song’ de su debut en solitario- fueron dando forma a ‘Drinking Songs’, ‘Failing Songs’ y ‘Howling Songs’. Desde entonces, Elliott ha realizado algunas colaboraciones (Yann Tiersen, Chapelier Fou) y se ha animado a relanzar su proyecto más conocido, The Third Eye Foundation, con el todavía fresco ‘The Dark‘.
Por eso, el retorno, poco más de un año más tarde, de Matt Elliott a su proyecto en solitario pilla un poco de sorpresa. Da la impresión de que quiere tanto mantener los proyectos en paralelo como extender su carrera «folk» más allá de los límites que se impuso en los discos de la trilogía.
Sin embargo, que nadie piense que el músico de Bristol vuelve a donde lo dejó en ‘The Mess We Made’. Ni tampoco a donde indica la nota de prensa de la discográfica Ici d’Ailleurs (algo así como un punto medio entre sus dos proyectos). Ni hay el más remoto acercamiento a la electrónica ni se adentra en los terrenos opresivos y angustiosos de sus trabajos de drum’n’bass.
Más bien podríamos hablar de una especie de destilación que si bien no es nueva (no es igual el primero que el último disco de la trilogía) sí que -como pudimos comprobar en algunos temas que adelantó en su concierto en La Casa Encendida este verano- rompe de alguna manera con la base de canción marinera de taberna en la que se ha volcado estos últimos años.
De ese modo, este disco reposa más en una cierta obsesión por la sonoridad de la guitarra española en general y por Paco de Lucía en particular (según parece, su gran sueño sería tocar junto al gaditano). Eso lleva a algunos acercamientos al clacisismo y también al flamenco (muy tímidos, en ‘Oh How I Fell’ y en ‘The Pain That’s Yet To Come’). No obstante, la canción más larga del disco -tomemos aire-, ‘If Anyone Tells Me «It’s Better To Have Loved And Lost Than To Never Have Loved At Al», I Will Stab Them The Face’, gira alrededor del piano. Instrumento, por cierto, interpretado aquí por una de las hermanas Labèque que, curiosamente, también están relacionadas con el flamenco a partir de su disco conjunto con Mayte Martín.
En cualquier caso, temas arrebatados de corte más eslavo como ‘This is For’ o el que parece estar promocionándose más -‘Dust, Flesh and Bones’- no son muy diferentes a lo que nos podíamos encontrar en otras entregas anteriores. Con todo, este ‘The Broken Man» -mezclado por su amigo, aquí invisible, Yann Tiersen- supone un paso en su particular carrera de cantautor atormentado que, sin ofrecer un gran cambio formal ni llegar a emocionar al nivel de otras ocasiones, nos recuerda -una vez más- que estamos ante un músico realmente extraordinario.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘This is For’, ‘Oh How I Fell’, ‘Dust, Flesh and Bones’ Te gustará si te gusta: el crudo invierno Escúchalo: Bandcamp, Spotify
Snow Patrol sigue desgranando las canciones de ‘Fallen Empires’, su último disco. Después de la balada ‘This Isn’t Everything You Are’, es el momento de ‘In The End’, un medio tiempo mucho más entretenido que sus predecibles baladones. El videoclip es un homenaje a los musicales clásicos (ahora que ‘The Artist’ lo peta en todos lados) con una banda tocando en un teatro vacío y una pareja que baila en diferentes escenarios como si fuesen ajenos a la ley de la gravedad. Justo la semana pasada se confirmaba la presencia de la banda en la próxima edición del Bilbao BBK Live.
Commonpeoplemusic.com ha formalizado su cierre, que no será ninguna sorpresa para los que hayan seguido el site en los últimos tiempos, pero sí una pena si recordamos sus tiempos gloriosos a principios de la década pasada. Pasarán a la memoria por su irreverencia y mordacidad. Su último mensaje sigue su línea editorial y revela que enviará copias impresas a todos aquellos que recuerden un artículo determinado.
«Amigos, es momento de confirmar su peor temor. No, Cycle siguen inactivos. Lo otro. COMMONPEOPLEMUSIC.com albergó siempre una cierta ética analógica que nos hace reacios a entregar nuestro féretro al archivo digital. En consecuencia, nuestra hemeroteca dejará de estar disponible en la red con efecto inmediato. Para evitar disgustos, durante un periodo limitado podrán solicitar sin coste copias impresas de sus artículos de referencia utilizando el formulario que encontrarán bajo estas líneas».
Han pasado más de diez años desde que ‘One Armed Scissor’ golpeó por primera vez los oídos de los melómanos y todavía sigue siendo un trallazo difícil de superar en intensidad. Que At the Drive-In se tomara un descanso indefinido después de la publicación de su tercer y más famoso disco, ‘Relationship of Command’ (2000), en el que está incluido su mayor éxito, también hace adivinar de qué masa está hecha esta banda.
Nacidos a mediados de los 90 en una localidad tan en las antípodas del hardcore y del grunge como El Paso, Texas, fueron la combinación perfecta de la amplitud de miras y mala leche de Fugazi y el sonido rugiente y las melodías épicas de Sunny Day Real Estate. Como buena banda de post-hardcore, abundaban en cambios rítmicos, juegos con las intensidades y las numerosas ideas a la guitarra de Omar Rodríguez-López (que entró como bajista).
La insobornabilidad de At the Drive-In les pasó factura en dos primeros álbumes, ‘Acrobatic Tenement’ (1996) e ‘In/Casino/Out’ (1998), que no tuvieron demasiada repercusión en un panorama en el que míticas bandas como Pearl Jam o Sunny Day Real Estate estaban en un excelente momento comercial. Valga como ejemplo de esta actitud que el primer videoclip de la banda tardaría en llegar, concretamente hasta 1999, con el EP ‘Vaya’ y el tema ‘Metronome Arthritis’. También es cierto que el grupo no encajaba fácilmente en las descripciones del rock imperante en los 90: no compartían el radicalismo del post-hardcore ni la accesibilidad del emo del momento, tenían un sonido mucho más elaborado que la mayor parte de sus coetáneos y se permitían bajar el ritmo e incluso sonar, a su modo, como una banda de rock clásica. Cosas de venir de El Paso, donde, como en cualquier localidad fronteriza, afiliarse a la ortodoxia significa perderte muchas de las cosas que pasan a tu alrededor.
Sin embargo, sus señas de identidad estuvieron presentes desde un primer momento, sobre todo la voz aguda y penetrante, con momentos de desquicie total, de Cedric Bixler-Zavala. Cabe destacar entre estos dos primeros LP’s a ‘In/Casino/Out’, donde las ideas se multiplican, los ritmos mutan con una facilidad insultante y los temas lucen una madurez compositiva de banda completamente asentada. Desde los primeros impactos con ‘Alpha Centauri’ y ‘Charabanda’ hasta los acercamientos hacia Rage Against the Machine (‘A Devil Among the Tailors’) e incluso el pop de Pavement (‘For Now… We Toast’), ‘In/Casino/Out’ demuestra que la diferencia de ventas con su siguiente referencia se debe únicamente a la capacidad de promoción de una major y no a un cambio en la calidad.
La situación hasta cierto punto marginal de At the Drive-In cambiaría radicalmente con su fichaje por Virgin y la edición en septiembre de 2000 de ‘Relationship of Command’. No se puede decir que fuera un gran éxito comercial (el álbum alcanzó el puesto 116 en las listas estadounidenses y el nada desdeñable 33 en las inglesas) pero comenzaron a sonar para el gran público. Los tres singles, ‘One Armed Scissor’, ‘Rolodex Propaganda’ e ‘Invalid Litter Dept.’ entraron en las listas de éxitos británicas. Ni que decir tiene que fans del grunge, el post-hardcore, el emo, el punk, etc. encontraron en At the Drive-In un nuevo vehículo de sensaciones emocionantes para la catarsis: las cuatro primeras canciones (‘Arcarsenal’, ‘Pattern Againist User’, ‘One Armed Scissor’ y ‘Sleepwalk Capsules’) resucitan a un muerto y solo a partir de la quinta, la mencionada ‘Invalid Litter Dept.’ es cuando levantan el pie del acelerador y permiten, a medias, relajarse al oyente, porque enseguida vuelven a la carga.
Pero, de nuevo, la insobornabilidad. Inesperadamente, en menos de un año la banda decidió frenar su indiscutible ascenso a la fama y sus miembros tomaron diferentes caminos que no son más que la evolución de lo que habían hecho hasta ahora: Sparta, formación creada por Jim Ward, Paul Hinojos y Tony Hajjar (guitarra, bajo y batería en ATDI), continúa la senda del post-hardcore pero limando las aristas del prefijo «post». Sin embargo, The Mars Volta, creado por Bixler-Zavala y Rodríguez-López (los dos melenudos afro que aparecen en las fotos del grupo), se eleva hacia las cotas del rock progresivo y marciano sin perder la mordiente de su banda de origen y superando en popularidad a esta. Cabe destacar también la extensa carrera en solitario del portorriqueño Rodríguez-López, digna sucesora de la experimentación de King Crimson y en la que mezcla sin tapujos el español y el inglés (con clara ventaja de este idioma, todo hay que decirlo). No contento con eso, a veces se atreve con bandas sonoras y colaboraciones con gente tan atípica como Lydia Lunch o John Frusciante.
¿Qué se puede esperar de la vuelta a los escenarios de At the Drive-In? Si ya en 2005 lanzaron un recopilatorio que no era un grandes éxitos (‘This Station Is Non Operational’), no parece que vaya a ser un regreso más como los que estamos acostumbrados a ver últimamente. The Mars Volta y Sparta (que anunciaron su regreso el año pasado) están trabajando en nuevos discos, por lo que se desmienten las sospechas de sequía creativa. ¿Dinero? Es posible, aunque The Mars Volta ha tenido, con diferencia, más éxito que su antecesora. Fue Cedric Bixter a través de Twitter y de su propio canal en YouTube quien anunció la reunión de la banda para tocar en Coachella, así que puede que este regreso venga por la mejor de las causas: las ganas.
‘Old Ideas’, lo nuevo de Leonard Cohen, es uno de los discos más esperados del mes. Ya conocemos dos de los sencillos, ‘Show Me The Place‘ y ‘Darkness‘. ‘Going Home’ no será un single, sino simplemente una de las canciones del tracklist.
Antes de la publicación del largo, se ha incluido como poema en el nuevo número de la revista New Yorker y en su web se puede escuchar también el audio.
Shout Out Louds no publican nada desde que en 2010 editaran ‘Work’. Sus miembros Bebban Stenborg y Adam Olenius, para pasar el rato, han decidido grabar una versión de la que fuera la obra maestra creada por Madonna y William Orbit, en estos momentos de actualidad tras haber ganado un Globo de Oro una co-producción suya, ‘Masterpiece’. Esta versión se realizó en noviembre, pero al haber sido interpretada para el medio francés Pars En Live había pasado desapercibida hasta que hoy Beatsperminute la rescataba.