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Universal demanda a Grooveshark

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Continúa la guerra en las plataformas de música online. Si recientemente 200 sellos independientes abandonaban Spotify, ahora el punto de mira y la presión sobrevuela Grooveshark. Universal ha demandado a esta última por subir a su catálogo sin licencia más de 100.000 canciones e incumplir, de esta forma, los derechos de autor y copyright. La compañía pide 150.000 dólares de compensación por cada una de las canciones. Si se comprueba que el total de canciones que incumplen las leyes de copyright fuesen 100.000, Grooveshark se enfrentaría a una demanda de cientos de millones de dólares.

La respuesta de Grooveshark no ha tardado en producirse. El Consejero General de Grooveshark, Marshall Custer, ha criticado que la discográfica decidiese emprender acciones legales basándose en un comentario anónimo publicado en Digital Music News, que acusaba a la compañía de incumplir la ley de propiedad intelectual. Según informa El Mundo, el comentario se atribuye a un trabajador de la propia Grooveshark que reconocía la ilegalidad del servicio.

Mientras, Grooveshark ya está preparando su defensa y se defiende de las acusaciones. Dicen que la demanda de Universal se basa «casi en su totalidad en un comentario anónimo totalmente falso en un blog de Internet». ¿Por qué iban a basarse en algo tan nimio si nunca han cedido las licencias de su música para este servicio? En The Next Web realizaron hace unos meses una reflexión interesante sobre el limbo legal en que se basa Grooveshark, al ser un servicio de streaming de canciones que suben los usuarios.

La Ley Sinde, mismo problema en diferentes manos

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La Disposición Final Segunda de la Ley de Economía Sostenible, conocida como «Ley Sinde», continuará siendo un quebradero de cabeza para el próximo gobierno del PP. El primer Consejo de Ministros del Gobierno en funciones celebrado este viernes no ha aprobado el reglamento que desarrolla la ley antidescargas. Según informa RTVE, el ministro de presidencia, Ramón Jáuregui, ha señalado que «hay que ultimar» la citada ley con el PP. Por su parte, la ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, intensificó esta semana sus contactos con el PP para aprobar el citado reglamento de vistas al Consejo de Ministros, según informa el portal ALT140. Un debate que comenzó a gestarse este mismo miércoles cuando Ramón Jáuregui preguntó a la portavoz de los populares en el Congreso, Soraya Sáenz de Santamaría, si su partido aprobaría el citado reglamento, un trámite que basándonos en el Artículo 21 de la Ley de Gobierno, solo atañe al Gobierno en funciones en casos de «urgencia debidamente acreditados».

El Gabinete socialista pasaría de esta forma dicha patata caliente, como ya se ha bautizado a la Ley Sinde, al Gobierno del PP. El reglamento ha sido motivo de divisiones en el seno socialista. Por un lado, Justicia e Industria se muestran contrarios a su aprobación al no considerarlo un trámite de «urgencia» para el Gobierno en funciones mientras que Cultura, con González-Sinde al frente, sigue fuerte en su lucha por defender el sector de los contenidos digitales.

La ley antidescargas fue aprobada el pasado 15 de febrero por el Pleno del Congreso de los Diputados como una disposición final de la ley de Economía Sostenible con el apoyo de PSOE, PP y CIU y con la oposición de PNV, ERC, BNG, ICV, UPyD y CC. Ahora, solo queda pendiente la cuestión del Reglamento, que vela por el funcionamiento de la Comisión de Propiedad Intelectual. Dicho órgano es el encargado de gestionar y tramitar las denuncias contra las webs que ofrecen contenidos de descargas que atentan contra los derechos de autor.

Estupefacción ante John Maus

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A principios de la década de los 90, en unas jornadas sobre «el arte de su tiempo» que organizó la Galería Nacional del Jeu de Paume, el filósofo e historiador Georges Didi-Huberman defendió su tesis, en la que decía que toda actitud de negación y desprecio es, por definición, no crítica. Se refería a todos los espectadores que reniegan de las prácticas artísticas actuales, que son incapaces de mirar la obra tal cual es y se olvidan de que ahora el espectador pasa también a formar parte de la creación artística. Y por otra parte, según las tesis del filósofo de arte C. Danto, la historia del arte murió tras los años 70 y ya no cabe preguntarse si algo es arte o no, sino que la pregunta que hay que hacer es por qué algo es arte en una escena en la que todo es posible.

Uno se puede quedar en la superficie ante una «performance» de John Maus, pero no se nos tiene que olvidar que Maus ha desarrollado su carrera obsesionado por la estética, que es filósofo político y que ha sido profesor de Ciencias Políticas en la Universidad de Hawai. Su actuación anoche en el Primavera Club de Madrid estaba muy meditada y consiguió algo que hoy en día sólo muy pocos pueden o se molestan en intentar: actuar como revulsivo. Fue imposible quedarse indiferente y la gente congregada en el Círculo de Bellas Artes sintió rabia al contemplar sus gritos y autogolpes. Algunos sintieron indignación, pero sobre todo, lo que se sintió fue estupefacción. ¿Un tipo en un escenario soltando alaridos sobre su playback? Muy pocos fueron los que se dirigieron, en todo caso, hacia la puerta de salida. Y no todo el mundo se percató de que el público mismo estaba siendo parte de esa acción artística.

Tras la actuación ayer de John Maus era imposible hablar de otra cosa y hoy la resaca sigue ahí. Ha despertando incluso el interés de la gente que no fue, y hoy hasta los amigos más insospechados te preguntan quién es John Maus. Los que estéis dudando en Barcelona si ir o no, no os lo penséis, que esto va a ser tema de conversación durante mucho tiempo.

Kylie presenta su disco con orquesta

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Hace un par de semanas se celebró en los estudios Abbey Road de Londres, con motivo de su 80º aniversario, una nueva edición de las New Music Sessions, que tratan de consolidar a nuevos artistas que están dando los primeros pasos, normalmente con sólo un EP en el mercado o, como mucho, un disco recién salido. El año pasado había actuado Tinie Tempah, a la postre doble platino en Reino Unido y protagonista de uno de los conciertos más concurridos del FIB, y este año actuaban, entre otros, Emeli Sandé y Professor Green. Cada banda interpretaba sólo dos canciones.

Chiddy Bang, a priori uno de los grupos menos llamativos, sorprendieron con un directo excelente a través de la típica banda de soul en vivo, arropada por el clásico coro de chicas de color, completamente infalible en directo. Su canción sobre Ray Charles, con imágenes del artista proyectadas en las pantallas, fue un comienzo inmejorable. To Kill A King, a pesar de la gravedad de la voz de su líder, resultaron algo más planos, perjudicados por algún pequeño acople de sonido y por dar la impresión de querer beneficiarse de las vacaciones de los Killers y Mumford & Sons. Las de estos últimos se antojan además breves.

The Good Natured, que cuentan con un par de canciones poperas excelentes y de los que ya os hablamos con motivo de su paso por Razzmatazz, decepcionaron ligeramente, pues a pesar de las buenas melodías con que ya cuentan, como la potente ‘Skeleton’, su líder no se movió del micro y la banda se vio perjudicada por ser sólo un trío. Si se preocupan de ganar un poco más de cuerpo en vivo en lugar de por vestirse de colorines y lucir guapísimos (que lo son) podrían llegar lejos. Morning Parade ejercieron de simpática versión y aún muy joven de Coldplay, mientras su teclista, que me aventuraría a decir que consiguió hablar con las 400 personas que pasaron por los estudios este día, mostró ambiciones que les podrían llevar más lejos. En ‘Under The Stars‘ sí llegan a acercarse a Friendly Fires.

Finalmente, Emeli Sandé, a la que se podría acusar de una mímesis excesiva de la era ‘Blue Lines’ de Massive Attack, arrolló por completo con su interpretación apasionada de su hit ‘Heaven‘, número 2 en las islas y una de las canciones del año. Tanta fuerza mostró en directo y tan claro dejó que va a ser una estrella que su fenómeno lo analizaremos mejor en las próximas semanas, cuando conozcamos más datos sobre su debut largo, que se espera para el año que viene. Tras sus dos temas de rigor, apareció la última sensación británica, el pseudo-Eminem Professor Green. Verle moverse por el escenario tranquilamente mientras paseaba su suéter con la cara de un perro ladrando o haciendo air guitar era divertido, pero de nuevo Emeli se lo merendó en su canción conjunta, que recientemente ha sido número 1 en UK, ‘Read All About It’.

Terminada la programación oficial, una voz pidió a los asistentes que no abandonaran el edificio. Pobre del que lo hiciera. Aunque allí no lo sospechaba ni Perry, las cortinas de la sala principal se abrieron para recibir a la que se anunció como «la reina del pop, Kylie Minogue». Avalancha divertidísima de gritos y gente corriendo a hacer fotos y vídeos a las primeras filas.

Arropada por una orquesta de decenas de músicos y algunas coristas, Kylie confirmó los rumores de que el año que viene publicará, con motivo de su 25º aniversario, un disco recopilatorio con sus mejores éxitos revisitados en clave de orquesta. Como Emeli, reconoció que le imponía actuar en un lugar tan mítico como Abbey Road, e interpretó tres canciones que los hardcore fans ya habréis degustado en Youtube: ‘On A Night Like This’, ‘I Believe In You’ y ‘All The Lovers’. Si otras veces un proyecto de estas características da cierta pereza, en este caso, estos temas parecieron haber nacido para este formato, especialmente ‘I Believe In You’, que ya había sido deconstruido varias veces y comenzó en acústico, y ‘All The Lovers’, que hasta diría que suena mejor despojado de su producción de sobado electropop. A destacar la voz de Kylie en este formato: era ella quien hacía las mejores notas por encima incluso de sus vocalistas.

Madrid Popfest apuesta por clásicos del underground

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MadridPopfest suele preciarse por reunir bandas de indie pop nacionales e internacionales en su sentido más fiel, bandas que militan en la independencia por convicción o necesidad, con especial querencia hacia el twee pop. Si en pasadas ediciones han ofrecido la posibilidad de ver en Madrid a Allo Darlin’, Tender Trap o The Orchids, el cartel que se ha anunciado para la edición 2012, a celebrar en los días 8, 9 y 10 de marzo en la sala Clamores, es más que satisfactorio para los fans del género.

Además de artistas nacionales como Parade, los pamplonicas Los Ginkas, los sevillanos Sundae o los suecos The Garlands, Madrid Popfest contará con la presencia de nombres históricos como Close Lobsters, banda escocesa surgida de la C-86 y que se esfumó tras publicar dos álbumes; The Proctors, otro pequeña leyenda del indie británico que, tras una primera y fugaz etapa en los 90, se reactivó en 2009; y, por último, Phil Wilson que, pese a gozar de cada vez más aceptación por su carrera en solitario, parece haberse animado a volver con su banda de siempre, The June Brides, grupo que llegó a telonear a The Smiths allá por el 86 poco antes de disgregarse.

Pequeños mitos del indie pop británico que no solo satisfarán a los antiguos fans sino que probablemente logren dar alguna lección de historia a los más jóvenes. Las entradas ya están disponibles en Ticketea.

Braids / Native Speaker

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Braids son un cuarteto canadiense de dos chicos y dos chicas que, al cambiar de ciudad, de Calgary a Montreal, también cambió su antiguo nombre, Neighbourhood Council, por uno más sencillo pero a la vez más evocador. Han publicado un EP y este LP que nos ocupa, ‘Native Speaker’. En él se aprecia una mezcla a partes iguales entre el pop tardo-ochentero más ensoñador (aunque algunos etiquetan a la banda como shoegazer por ello mismo, no vas a encontrar rastro de muros de distorsión guitarrera) y los Animal Collective del ‘Feels’ (2005), esto es, psicodelia de nuevo cuño y un sonido acuático.

No son precisamente un grupo fácil. Tres temas del álbum, ‘Glass Deers’, ‘Native Speaker’ y ‘Same Mum’, superan con holgura los siete minutos y consisten básicamente en desarrollos lisérgicos y abstractos basados en guitarras limpias, voces etéreas y arpegios. Sin embargo, las melodías, muy influidas por la banda de Baltimore, y más concretamente por uno de sus miembros, Panda Bear, son bonitas y sencillas.

El resto de las siete canciones del LP siguen un patrón similar, aunque de menor duración. ‘Lemonade’ empieza poco a poco, casi tímidamente, hasta convertirse en oleadas de arpegios, con una batería que recuerda a ‘Did You See The Words’ con la diferencia de que aquí encontramos una voz femenina. ‘Plath Heart’ comienza con unos teclados ochenteros y es quizá la menos apegada al legado ‘Feels’; en este caso, la voz de Raphaelle Standell-Preston y sus florituras recuerdan mucho a las de la Joanna Newsom de ‘Ys’. ‘Lammicken’ se introduce en unos ambientes no tan ondulantes y más oscuros, propios de otro pop delicado y etéreo. Y ‘Little Hand’, pieza que cierra el disco, es un instrumental que resume toda las querencias de los canadienses y quizá el tema más olvidable de este ‘Native Speaker’.

Estamos ante una buena colección de canciones que son muy deudoras, quizá demasiado, de unas referencias muy precisas. El mérito estriba en que estas influencias no han sido muy exploradas por otros músicos y en que, a pesar de tratarse de pop experimental algo denso, no deja de ser pop; es decir, todo aparece visto desde el prisma de la sencillez. Si estás cansado de grupos de pop facilón e insulso que solo buscan el meneo sin mucha más historia detrás quizá ‘Native Speakers’ te resulte una agradable sorpresa.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘Lemonade’, ‘Plath Heart’, ‘Lammicken’
Te gustará si te gustan: los Animal Collective del ‘Feels’, Cocteau Twins
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Mazes / A Thousand Heys

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Siguen corriendo buenos tiempos para el indie rock noventero: tras la vuelta de Pixies, Dinosaur Jr, Pavement o Superchunk, les llega el turno a Guided By Voices. Todos los que éramos demasiado jóvenes para disfrutar de estas bandas en su momento de máximo apogeo estamos de enhorabuena, y por tanto no es de extrañar que, de cuando en cuando, aparezca una joven formación deudora de este sonido, como Mazes, la que nos ocupa en esta ocasión.

Formados en Manchester en 2009, han estado girando con bandas afines como Wavves o referentes como Sebadoh (quienes también están de vuelta), y tras editar una serie de singles, el pasado mes de abril lanzaron ‘A Thousand Heys’, su LP de debut.

Con una producción bastante austera, sin artificios y tirando hacia el lo-fi de discos pretéritos como ‘Slanted & Enchanted’ de Pavement o el debut de los también revisionistas Yuck, el disco es de fácil digestión, gracias también a su corta duración de poco más de media hora. Sorpresas hay pocas, ya que la influencia de algunas de las bandas mencionadas es más que evidente, como la de GBV en ‘Go Betweens’ o ‘Vampire Jive’ o de los de Malkmus y compañía en ‘No Way’ o ‘Boxing Clever’. E incluso podemos encontrar claros trazos de los primeros Teenage Fanclub en ‘Cenetaph’ o ‘Surf & Turf/Maths Tag’. La brevedad de algunos cortes, como ‘Eva’ (menos de medio minuto) nos vuelve a remitir a la filosofía de la banda de Robert Pollard. El caso es que homenajean tan bien y con tanta energía (aunque esto último más bien quedará confirmado cuando los veamos en directo) que importa más la frescura y la juventud de estos chicos que los préstamos que puedan tomar. Un ejercicio de estilo muy disfrutable.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: Go Betweens, Surf & Turf/Maths Tag, Bowie Knives, Boxing Clever, Vampire Jive, Death House
Te gustará si te gustan: Guided By Voices, Pavement, Wavves
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Mendetz estrenan otra canción

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Mendetz continua mostrando a cuentagotas pinceladas de su tercer disco, ‘Silly Symphonies’. Tras presentar ‘Hap Your Clands’ y ‘Plasticine’, el programa Siglo 21 de Radio 3 ha estrenado ‘Phantotheque’. Una nueva pieza de electro-pop luminoso idóneo para las pistas de baile que podéis escuchar en el minuto 1 del podcast del programa. Os recordamos que Mendetz publicarán su nuevo disco el próximo 6 de diciembre.

Russian Red: «Vamos a bailar este tecno»

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Russian Red ha sorprendido al mundo versionando para el site WaaauTV una de las primeras canciones que conocimos de Joe Crepúsculo, de su segundo disco, ‘La canción de tu vida’. Si ya es raro escuchar a Lourdes en castellano, más lo es ver cómo se ha decantado por esta canción que sonaba tan irónica en boca de Crepus, pero que en su guitarra adquiere el punto nostálgico que en el fondo también tuvo siempre. ¿La cumbre? «Vamos a bailar este tecno».

RUSSIAN RED – LA CANCIÓN DE TU VIDA from WAAAU.TV on Vimeo.

Los Ginkas ultiman su nuevo trabajo

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Los Ginkas ultiman la continuación de su celebrado ‘Retumbarama‘, que ha contado con la colaboración de Jaime de Souvenir a guitarras. Según han dado a conocer los pamplonicas a través de Twitter, vuelven a apostar por el formato de vinilo para su nuevo trabajo, que estaría compuesto por 14 canciones. En estos momentos están fabricando las copias por lo que suponemos que podremos escuchar algo nuevo más pronto que tarde. Seguiremos informando.

Nero homenajea a ‘Miami Vice’

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Nero ha estrenado videoclip para su próximo single ‘Reaching Out’, que se lanzará el 18 de diciembre. Un cuidado clip en clave muy ochentera con estampas de Miami, helicópteros, brillos y lujo, sobre todo en la última parte. Un homenaje a las producciones de los ochenta tipo ‘Corrupción en Miami’.

Florence + The Machine versiona a Drake

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Aprovechando su paso por el programa Live Lounge de la BBC, Florence + The Machine han interpretado ‘Take Care’, la última colaboración de Drake y Rihanna, a la que esta última presta su voz. La canción, que da nombre y forma parte del nuevo LP del rapero, se reinventa en cierto modo en clave de Florence. Aunque en un primer momento se echen en falta los toques épicos y orquestales tan propios de sus composiciones -algo que aquí chirriría un poco-, la británica consigue convencer con el resultado final, también con la huella de The xx.

La versión se puede escuchar vía Disco Naïveté.

Unknown Mortal Orchestra

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Con un nombre como Unknown Mortal Orchestra te puedes esperar muchas cosas (y no todas buenas, hay que decirlo). Además, con una imagen de portada como la de su homónimo disco de debut, que parece ocultar algo, la curiosidad se dispara. Y al saber que son de Nueva Zelanda, patria del tipo más raro del pop (por decir algo) actual, Connan Mockasin, uno siente tanta atracción como pavor ante lo que se puede encontrar.

¿Y qué es lo que hay en este disco? Pues melodías pop pasadas por una instrumentación lo-fi que juega con ritmos que tiran hacia el funk gracias a la fuerte presencia de un bajo saturado y una batería seca, pero en el que las guitarras tienen un papel importante combinando punteos entre lo bonito y lo extraño con acordes cortantes.

Su web oficial describe su sonido como «Captain Beefheart, Sly Stone y RZA improvisando el tema principal de un show televisivo para niños demasiado oscuro para ser emitido». Las referencias se agolpan en la cabeza ya que la música de ‘Unknown Mortal Orchestra’ desprende cierto aroma de refrito de muchos estilos: la no wave a lo James Chance and The Contortions, un funk-pop a medio camino entre David Bowie y Prince e incluso el aire despreocupado de los Moldy Peaches.

Sin embargo, las canciones son pegadizas, empezando por el primer corte, ‘Ffunny Ffrends’, el tema con el que se dieron a conocer en 2010. El sonido casi de demo, sin sutilezas, se acopla perfectamente a canciones sencillas pero tirando hacia lo raro como ‘Biocycle’, ‘Jello and Juggernauts’ (que tiene una muy resultona intro de guitarra) o ‘Little Blu House’. Por otro lado, cada vez que escucho el principio de ‘Though Ballune’ no puedo evitar pensar en la Velvet Underground, mientras que ‘Boy Witch’, con una introducción de ruidos selváticos, me recuerda a una mezcla entre The Cramps y los Beach Boys, y ‘Strangers Are Strange’ es un ejemplo de buen funk pop.

¿Y quién es el responsable de todo esto? La mente pensante detrás de Unknown Mortal Orchestra es Ruban Nielson, que regresó a su Nueva Zelanda natal tras haber estado viviendo en Portland, Oregón, donde tocaba en una formación punk-pop bastante desprejuiciada llamada Mint Chicks. Regresó a las islas donde se crió buscando un trabajo normal y corriente pero no pudo evitar de nuevo la llamada de la música, dando una vuelta de tuerca al estilo de los Mint Chicks y añadiendo a las canciones un ritmo más sincopado.

En resumen, el debut de la Unknown Mortal Orchestra llama la atención en un primer momento por su sonido descacharrado pero la mantiene gracias a unas canciones que esconden un corazón pop y un espíritu más lúdico que iconoclasta. Y, por si fuera poco, el disco es lo suficientemente corto para que lo hayas escuchado entero sin darte cuenta.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Ffunny Ffrends’, ‘Jello and Juggernauts’, ‘Little Blu House’
Te gustará si te gustan: James Chance, Moldy Peaches, The Velvet Underground, Ganglians
Escúchalo: Spotify

Los Cardigans anuncian pequeña gira

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Después de dos años sin actualizar su web, los Cardigans se han animado a hacerlo. Y ha sido para anunciar «la primera de una serie de pocos conciertos que tendrá lugar el verano que viene». El grupo repasará en directo su disco más vendido (que no el mejor, mérito que recae en ‘Long Gone Before Daylight‘), ‘Gran Turismo‘, del que colocaron en su momento 2 millones y medio de copias gracias a éxitos como ‘My Favourite Game’ y ‘Erase/Rewind’.

Según se desprende del texto, el concierto en el festival sueco Hultsfredsfestivalen será el único en Suecia en el que tocarán sólo este disco. Es la primera vez en la carrera de la banda que realizan algo parecido. «Va a ser muy gratificante para nosotros, ya que la iniciativa y la propuesta viene de la organización». En las últimas entrevistas que concedieron entre 2005 y 2007, incluida la nuestra, hablaban de la gira infernal de ‘Gran Turismo’ con cierto desdén, aunque lo cierto es que nunca dejaron de tocar sus temas, a diferencia de lo que sí pasó con los éxitos de sus primeros álbumes. «Cuando recibimos la petición del festival, pensamos que era tan inesperado y divertido que teníamos que decir que sí. Para nosotros, será divertido redescubrir un disco favorito y esperamos que suponga lo mismo para la audiencia».

Lamentablemente, el mítico guitarrista Peter Svensson no podrá participar en esta gira «por problemas familiares», pero ha elegido a su sustituto para todas las fechas. Asimismo, el grupo informa de que no concederá ninguna entrevista. En breve se anunciarán más conciertos fuera de Suecia. Esperemos que nos caiga algo.

Gracias a smorgasmord por el aviso.

Christina Rosenvinge, en la Casa Murada

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El próximo martes 29 de noviembre se publica la caja de cuatro discos que repasa toda la carrera de Christina Rosenvinge, desde los tiempos de Álex y Christina hasta hoy, días en los que ha regrabado no sólo temas de su primer disco tras la salida del dúo, sino alguna joya reciente como ‘Canción del eco’. Entre éxitos y revisiones, uno de los claros “must” de estas Navidades.

La caja se divide de la siguiente manera: el primer disco incluye temas de la era de Los Subterráneos, el segundo de la conocida como trilogía neoyorquina, el tercero canciones de sus dos últimos álbumes (sus obras maestras) y el cuarto, un surtido de rarezas y variedades, donde no falta ‘Chas, y aparezco a tu lado’. El tracklist, aquí.

También se incluye un DVD en el que aparecen videoclips, tan lejanos como ‘El souvenir’ y tan recientes como ‘Mi vida bajo el agua’, además de numerosos extras, como un documental llamado ‘En la casa Murada’, que estrenamos en exclusiva en JENESAISPOP. En este “así se hizo” puedes ver a Rosenvinge interpretar en acústico temas como ‘Jorge y yo’ junto a Refree o ‘Canción del eco’, así como disfrutar de la nueva versión imprescindible de ‘Alguien que cuide de mí’, mientras ella misma cuenta cómo ha desarrollado este proyecto. La semana que viene publicaremos una entrevista con Christina.

Escucha ‘La Polinesia meridional’ de La Casa Azul

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Después de los singles ‘Todas tus amigas’ y ‘Los chicos hoy saltarán a la pista’, Elefant ha permitido escuchar otra de las canciones que formarán parte del álbum nuevo de La Casa Azul, el que le da título, ‘La Polinesia meridional’, un tema más calmado y maduro con arreglos easy-listening y chill que no sólo da nombre al disco sino sentido a su portada. El álbum sale a la venta el lunes 28.

Y tú contestastes… que no hay gira confirmada

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Ayer, José Antonio Abellán anunciaba con triunfalismo uno de los regresos que más interés despiertan en el panorama español. El periodista deportivo, muy aficionado a este tipo de noticias oficiosas, confirmaba una reunión del grupo con sus tres miembros originales, sin citar fuentes.

No obstante, Internet difundió rápidamente la noticia, hasta el punto que se han enviado comunicados de agencias de noticias al respecto. Pero ha sido esta mañana cuando las fuentes de RLM, la oficina de management que representó a Mecano en su momento, ha confirmado que, por ahora, nada de gira.

El año que viene se cumplirá el trigésimo aniversario desde que la banda empezase a tocar en 1982. Y por lo visto, sí había algunas conversaciones que iban en esa dirección, en la de organizar una gira a modo de celebración, aunque hasta el momento «no hay ningún papel que permita confirmar la gira». Desde el entorno de la banda se afirma que «si hay algo en marcha, es posible que el anuncio de Abellán de ayer lo haya retrasado todo».

Los peores momentos de Mecano

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Algunos no dudan en incluirlos en la categoría de «el mejor grupo de pop español de todos los tiempos». Pero hay que ver qué grande les queda a los Mecano esa afirmación cuando uno se pone a rebuscar entre lo peor, lo más tedioso y lo más cutre de toda su discografía… que en contra de lo que pueda parecer, no es poco. Desde letras inenarrables, que no se pueden ni deconstruir, hasta vídeos de auténtica vergüenza ajena que han marcado (para mal) nuestra infancia y adolescencia. He aquí un top 10 de los peores momentos de Mecano.

1. ‘Una rosa es una rosa’: Por algún extraño motivo, no sabemos qué nos parece más absurdo de esta canción. ¿El acento medio andaluz de Ana Torroja, con todas esas eses aspiradas? ¿El ceceo insoportable y forzado? ¿El intento de Mecano por hacer una rumba? ¿Ese estribillo totalmente impagable que repite «una rosa es una rosa, es una rosa»? ¿El interludio en el que alguien grita «ay, que te pongas los zapatos de tacón y taconea»? Es difícil elegir, sobre todo porque además todo está concentrado en «solo» cuatro minutos y cuarenta y cinco segundos.

2. ‘Bailando salsa’: El ‘Aidalai’ tenía algunas de las mayores joyas de la banda, y una de ellas es, sin lugar a dudas, ‘Bailando salsa’. Un tema en el que también es difícil quedarse con lo peor: no sabemos si decantarnos por la cuidada rima de pista – vista – fisonomista o por el hecho de que La Carmela sudaba tanto que (sic) «dando un giro con transpiración, me regó por aspersión». Menudo asco.

3. ‘Barco a Venus’ (en su versión en directo): En su época dorada, los conciertos de Mecano se llenaban hasta la bandera. Una cosa loca. Y aunque ‘Barco a Venus’ es una canción que mola bastante en sí, su versión en directo es repudiable. Ana Torroja la inicia como una auténtica pitufina gritando «Venga, todos juntos, fuerte las palmas», es prácticamente incapaz de terminar las frases sin ahogarse y después de cada estribillo se oyen unos chillidos en plan «quejé» que suenan de lo más cómico. Pero no podemos dejar de mencionar ese mítico, mitiquísimo «a ver cómo cantáis ahora de fuerte. Que se caiga el techo… bueno, que no se caiga. Pero muy fuerte, ¿eh?».

4. ‘Dalai Lama’: Mullets por doquier. Sobacada con bien de pelazo por todos lados. Cuerpos sudorosos. Cuero que más bien parece polipiel. Bailes sexis (o con intención de ser sexis). Ana Torroja vestida de espantaja con cara de pardilla. «Ay, Dalai Lama, Dalai Lama, Dalai. Ay, Dalai Lama, ay Dalai». ¿Cómo olvidar esta aportación sin par a la factoría del videoclip español?

5. ‘Hawaii-Bombay’: En su obsesión por conseguir las rimas más trabajadas de la música española, Mecano incluso se atrevían a juguetear con el lenguaje. «A la luz del flexo, nos damos un bexo». Porque si no rima de por sí, ¿qué te impide cambiar las letras sin más y formar una palabra nueva? Vanguardia pura.

6. ‘La fuerza del destino’: Hay mucha rumorología con respecto a esta canción, pero sin duda tiene dos momentos álgidos: el momento en el que Nacho Cano parece llamar FEA a Penélope Cruz, protagonista del vídeo pero no de la canción («no sé si esa cara tan rara / un ojo aquí y un diente allá») y ese verso mítico, «te dije nena dame un beso, y tú contestastes que no», que ha quedado para la posteridad y que deseamos saber si repetirán en su concierto de reunión o si alguien les habrá dicho ya: «oye, sabéis que la segunda persona del singular del pretérito perfecto simple no se conjuga así, ¿verdad?».

7. ‘Stereosexual’: Una canción ultra rompedora sobre una experiencia homosexual que, oh, cielos, al final no es tal. En general, salpicada de referencias preciosas y elegantísimas como ese: «a mí me sale a cuenta por un lado nada más», «y por otro lao / por el lao de atrás» o «pero por el squash / es mejor no volver / no sea que un día en las duchas / no me pueda contener». Porque como sabemos todos, los maricas percuten todo lo que se les ponga por delante. ¿Obviamos comentar ese coro gospel del final.

8. ‘No hay marcha en Nueva York’: Generaciones de españoles se propusieron denunciar a Mecano tras cancelar sus viajes a Nueva York porque la banda afirmaba que allí no había mucho movimiento. Cuenta la historia de cómo Nacho Cano, tras tener diarrea en un avión, se planta con la navaja de explorador y la botella de Fundador en la Gran Manzana. Por desgracia, como no hablaba ni papa de inglés, no le dejaron entrar en ninguna disco de moda, así que inspirado por esa preciosa ciudad, terminó sacándose de la manga varias rimas deliciosas «no hay marcha / en Nueva York / y los jamones / son de york» (¡BRAVO!); «traté de hacerle entender / a un policía / a la Estatua de la Libertad me dice usted cómo se va / su señoría» o «que te comen el coco / con los telefilmes / pero es todo un ardid / y estoy loco por irme a Madrid». Normal que en su momento, Alaska y Dinarama se preguntasen dónde se habían metido estos para no encontrar la marcha de Nueva York…

9. ‘Otro muerto’: Muchísima profundidad en esta letra que acercaba a los Mecano al activismo político. «Yo no sé ni quiero / de las razones / que dan derecho a matar / pero deben serlo / porque el que muere / no vive más». ¡TOMA YA!

10. ‘»Eungenio» Salvador Dalí’. Sí, no es que oigas mal o que Ana Torroja se hiciese la graciosa en la letra de la canción: el juego de palabras, bellísimo, es real.

BONUS TRACK: ‘Por la cara’. En serio, ¿a quién se le ocurrió esto?

  • Escucha lo peor de Mecano en nuestra lista de Spotify.

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    Los mejores momentos de Mecano

  • We Have Band anuncian gira por España

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    We Have Band anuncian gira para presentar su segundo disco, ‘Ternion’, que toma su nombre de una palabra de origen latino que se utilizaba para designar a un grupo formado por tres componentes, y en el que, según la nota de prensa, «encontraremos a We Have Band dando un giro estilístico muy radical al de su disco de debut ‘WHB’, que pese a la buena acogida que obtuvo, el grupo no estaba por la labor de repetir». Las nuevas influencias citadas son ESG, Animal Collective y The Rapture.

    Las fechas elegidas para la presentación en España son el viernes 30 de marzo en la Sala Caracol de Madrid y el 31 de marzo en La [2] de Apolo de Barcelona.

    Los mejores momentos de Mecano

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    Aunque Mecano nunca han sido santo de mi devoción, hay que reconocer su función esencial en la historia del pop español y el modo en que han marcado no a una sino a varias generaciones (mucha gente joven acudía, para mi sorpresa, al montaje de ‘Hoy no me puedo levantar’). En este artículo recordamos las diez razones por las que hasta los detractores podríamos plantearnos asistir a su gira de reunión.

    1.-‘Mecano’, el disco: A pesar de los aciertos salteados en su carrera posterior y de lo que se desarrollaron como artistas, Mecano pertenecen a ese tipo de grupos que nunca logró igualar la frescura y la espontaneidad de su disco de debut. Este ‘Mecano’, con canciones instrumentales como ‘Boda en Londres’, es uno de los mejores álbumes neo-románticos que se hicieron en nuestro país. Incluye clásicos del pendoneo y la holgazanería como ‘Hoy no me puedo levantar’, ‘Perdido en mi habitación’, ‘Me colé en una fiesta’ y ‘Maquillaje’, junto a otras canciones que ya apuntaban otras ambiciones, como ‘Sólo soy una persona’, y joyas perdidas como ‘No me enseñen la lección’.

    2.-Las canciones de José María Cano para ‘Entre el cielo y el suelo’: El cuarto disco de Mecano es el que claramente supuso un antes y un después en su carrera. Más que por las canciones de Nacho, que seguían cierto continuismo, destacaban las cuatro de José María, que terminaron siendo cuatro de los cinco singles (el primero fue ‘Ay, qué pesado’). ‘Hijo de la luna’ podría haber estado incluida en el ‘Romancero gitano’, ‘Cruz de navajas’ mostraba su habilidad definitiva para las canciones costumbristas, ‘Me cuesta tanto olvidarte’ era uno de sus mayores logros atemporales y ‘No es serio este cementerio’ continúa siendo su canción más ácida y negra: «Luego en plan señorial, el panteón familiar de los duques Medina y Luengo / Que aunque el juicio final, nos trate por igual, aquí hay gente de rancio abolengo».

    3.-‘Aire’: Como antecedente de las grandes canciones que haría para el siguiente disco, José María hizo este tema para ‘Ya viene el sol’, también en principio muy poco pop, que a mis cuatro o cinco años, supuso mi primer contacto con el surrealismo. Uno de mis primeros recuerdos musicales es la extrañeza que me generó esta canción, de rara ambientación y arreglos orquestales, que hablaba sobre algo tan intangible como un trozo de aire que decidía salir de paseo. Muy grande a pesar de algún ripio como «no faltéis al funeral».

    4.-‘Naturaleza muerta’: Quitando el exceso de arreglos en la parte final, demasiado pomposa, esta canción incluida en ‘Aidalai’, su último disco, es perfecta. El regreso de las historias que comienzan por la cotidianeidad para terminar por la grandilocuencia de la relación de una mujer con elementos no humanos muestra a los Mecano que saben contar historias, de nuevo, en su momento más agraciado.

    5.-Los temas de corte social: Prueba de que incluso en sus días de decadencia tenían sus aciertos, ‘El fallo positivo’, también de ‘Aidalai’, muestra la manera nada obvia ni excesivamente dramática en que se acercaban a un tema tan espinoso como el sida, aplicando un doble estribillo que se movía entre lo synthpop y la balada. Aunque hoy demasiado denostada como himno bóller, hasta el punto de que es imposible escucharla sin esbozar una sonrisa hasta paternalista (?), hay que reconocer el carácter de clásico también de ‘Mujer contra mujer’, atrevido tanto en lo musical como en lo lírico para las radios de 1988.

    6.-Las canciones más industriales: Todo el mundo acusaba a Mecano de ser unos pijos disfrazados de modernos, pero si nos atenemos a su sonido, lo cierto es que rozó la dignidad internacional en multitud de ocasiones: ‘No pintamos nada’ y ‘Japón’, con sus letras cantadas de forma casi ininteligible mientras mandan en el sonido un cruce de todo tipo de sintetizadores, conforman junto a ‘El amante de fuego’, una vertiente ligeramente más oscura.

    7.-Las baladas sencillas y directas: En contraposición a ese lado moderno de hombreras que se asocia a Mecano, queda una lista de canciones sencillas y acústicas, que no cuentan historias tan complejas como las apuntadas en puntos anteriores, pero que llaman la atención por su honestidad. A este grupo pertenecen ‘Tú’ o ‘Quédate en Madrid’, una de las más Vainica Doble que tienen. Ambas son, naturalmente, de José María.

    8.-La recreación en el pop: A Mecano no se les puede echar en cara no haber escrito sobre la realidad. Sus canciones están llenas de referencias pop como las discotecas, el maquillaje, Signal o las Rebajas. ‘Busco algo barato’ sería una de las más evidentes.

    9.-‘Abracadabra’: La cantó Alaska, pero este clásico de la televisión, indisociable de ‘La bola de cristal’, fue escrito también por José María. La lista de elementos relacionados con la carrera de Imagen y Sonido es hilarante y el «zoom, zoom», el mejor «lalala» o «parapapá» que se podía aplicar en un tema tan técnico.

    10.-‘El uno, el dos, el tres’: Como sucede con el último disco de R.E.M., el último disco de Mecano contenía también un guiño más que claro a su inminente separación, quizá porque por aquella época ya estaban muy lejos de soportarse en plena lucha de egos. Es bonito que de todo el dolor o la ira que pueda envolver una separación supieran sacar un tema tan delicado como este: «Y quizá volvamos al local a cantar para nosotros, lo de ‘Hoy no me puedo levantar’, y dejar que esa chorrada nos empañe la mirada. Lágrimas de agua pasada, despintando la fachada».

    Ian Brown no podrá conducir en tres meses

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    Ian Brown no podrá ir en coche a prepararse la reunión de Stone Roses, ya que se le acaba de retirar su licencia para conducir durante tres meses. El problema ha sido superar el límite de velocidad. En un lugar en que debía ir, como mucho, a 40 millas por hora, circulaba a 93. Anteriormente, ya tenía otra multa por exceso de velocidad. Ahora ha sido sancionado con 900 libras y 1.105 libras por los costes del proceso. Además, el juez ha dicho a Ian que si es sorprendido conduciendo durante el período en que se le ha prohibido, podría enfrentarse incluso a la cárcel. Ian Brown dijo que no había conducido a esa velocidad y que «el radar debía de estar mal». Sin embargo, su abogado finalmente ha pedido disculpas y ha admitido que la culpa «fue suya».

    Abellán anuncia el regreso de Mecano

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    Mecano, uno de los grupos españoles más vendedores de todos los tiempos, volvería a los escenarios después de varios años de reticencias y desencuentros entre sus miembros, especialmente entre los hermanos José María y Nacho Cano.

    La noticia se ha anunciado en exclusiva a través de ABC Punto Radio vía José Antonio Abellán. Después de varios minutos y minutos de pistas, se da por hecho el esperado regreso del grupo (minuto 8 del vídeo enlazado), algo que el grupo no ha confirmado (según Abellán se produciría en unas cuantas semanas).

    Mecano se separaron en plena cumbre de su carrera, en 1992, cuando igualaban el millón de copias vendidas en España con ‘Aidalai’ que también habían conseguido con ‘Entre el cielo y el suelo’ y ‘Descanso dominical’. La gira de ‘Aidalai’ les dejaba completamente exhaustos y perjudicados como grupo. Cada miembro comenzaría entonces a desarrollar una carrera en solitario con desiguales resultados, lo que comprendía desde la versión de ‘A contratiempo’ de Ana Torroja a los discos pseudoinstrumentales de Nacho Cano pasando por la comentada ópera de José María. El penúltimo invento hasta ahora era Mecandance.

    La reunión de 1998 para el recopilatorio ‘Ana, José, Nacho’ (riguroso orden alfabético en el nombre para evitar problemas) era un disfraz, pues las canciones inéditas que se incluían en él databan de años anteriores. Y después, el silencio, sólo interrumpido por alguna aparición pública conjunta muy aislada o el estreno del musical ‘Hoy no me puedo levantar’. Numerosas negativas para su reunión, entre las que Abellán recuerda la que dieron al 100º aniversario del Real Madrid por «cifras astronómicas» nos llevan hasta hoy, cuando se ha baraja una gira mundial que arrancaría alrededor de marzo y recorrería los grandes estadios españoles en verano. No se ha dicho una palabra sobre nuevas canciones, por lo que más que probablemente su gira consistiría en la interpretación de sus mayores éxitos, como ‘Hijo de la luna’, ‘Me cuesta tanto olvidarte’, ‘Perdido en mi habitación’ o ‘Maquillaje’.

    Kate Bush / 50 Words For Snow

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    Cuando se anunció la publicación de este ’50 Words For Snow’, su portada, su tracklist, su fecha de edición y su temática ( siete canciones perfectas para «un fondo de nieve cayendo»), parecía inevitable sospechar que el primer disco en seis años de la eminente Kate Bush podía ser el típico lanzamiento navideño. A la postre, no lo es en el mero sentido mercadotécnico que habitualmente acompaña ese calificativo, pero después de escucharlo no cabe duda de que es un álbum que no podría publicarse en otra época del año. ‘50 Words For Snow‘ no es navideño, pero sí es invernal. El décimo álbum de estudio de la autora de ‘Hounds Of Love’, el primero con canciones nuevas (el reciente ‘The Director’s Cut‘ era una revisión de temas antiguos) desde ‘Aerial’, demuestra que el estatus de Bush como una de las compositoras e intérpretes más reconocidas, imitadas y referenciadas de las últimas tres décadas no es gratuito. ’50 Words Of Snow’ no es una mera y acomodada fuente de ingresos, sino que representa un nuevo hito creativo en su carrera, una nueva muestra de su singularidad como intérprete y autora.

    La nieve como fenómeno meteorológico, los parajes helados o personajes míticos ligados al frío y su precipitación como hilo conductor de esta obra suenan, de primeras, a astracanada, e incluso la temática específica de sus canciones puede resultar hasta sonrojante: el descenso de un copo de nieve desde su creación hasta alcanzar la tierra firme, la leyenda de una mujer-fantasma que busca a su perro perdido o la relación sentimental (y sexual) entre un muñeco de nieve y una humana son los argumentos de algunas de estas siete historias. En serio. Sin embargo, Bush frustra nuestra idea de bromear con ello nada más arrancar el disco. En ‘Snowflake’ convierte el viaje de descenso de ese copo de nieve lleno de ilusión, miedo e incertidumbre (interpretado por su propio hijo Albert) en una obra de tal intensidad poética que alcanza una altura universal. Como Michael Nyman o Philip Glass, Bush utiliza los arreglos de piano, cuerda y teclados (a los que se unen magistralmente sutiles percusiones y guitarras) de una manera teatral u operística, como elementos descriptivos y expresivos, redimensionando la historia que cada letra nos cuenta.

    El acompañamiento vocal del jovencísimo cantante de coro Stefan Roberts viene a confirmar esto en ‘Lake Tahoe’, que nos transmite la gélida desolación del fantasma de una dama de la época victoriana que emerge de aquel lago americano buscando en vano a su perro Snowflake, regresando a su antigua mansión y recordando cada rincón, convirtiendo sus más de once minutos en una apasionante aventura. Solo la frase «her eyes are open, but no one’s home» ya justifica toda la canción. En una línea similar, la jazzy ‘Misty’ muestra el romance, acaso soñado, entre una chica y un muñeco de nieve creado por ella misma, llevado a la vida con su propia sangre y derretido a la mañana siguiente. El ya conocido single ‘Wild Man‘, sin duda el corte más ajeno estilísticamente al resto, alberga una reflexión sobre la soledad de un ser singular como el Yeti, quizá buscando un símil con su esfuerzo por ser invisible a la vida pública y la fama.

    Una de las mayores y más agradables sorpresas de ’50 Words For Snow’ es la intervención de Sir Elton John, sobrio e impecable como nunca, en un dueto totalmente mágico, en el que ambos interpretan a dos amantes literalmente eternos (de la Roma en llamas de Nerón al Nueva York del 11-S) pero cuya unión resulta imposible. El hipnótico desarrollo y el catártico final de ‘Snowed In At Wheeler Street’ lo convierten, sin duda, en uno de los momentos más poderosos del álbum. La otra sonada colaboración del disco, la de Stephen Fry en el tema titular, llega en un sonado y desconcertante tropiezo. Fry recita uno a uno esos cincuenta sinónimos de la palabra nieve (tal y como, según se dice, existen en la lengua esquimal), numerados correlativamente por Bush. Ni lírica ni musicalmente se encuentra justificada esta canción. El estribillo, con la artista de Kent recordando «c’mon man, you got 44 to go» y así hasta el final, da entre risa y bochorno. Pese a la ruptura en la alta calidad general, el accidente queda enmendado con la delicada y sencilla ‘Among Angels’, una exquisitez que parece cantar a la inminente muerte de un ser querido.

    En ’50 Words For Snow’ convergen música clásica, pop, ópera, rock y jazz con una naturalidad pasmosa y un sonido superlativo, elegante a cada instante. Y este álbum es, nada más y nada menos, la más reciente prueba de que Kate Bush, como Leonard Cohen, como Tom Waits, como Bob Dylan, es de la clase de creadores que permanece unos metros por encima del resto de artistas, una aristócrata de la música.

    Calificación: 8,2/10
    Lo mejor: ‘Wild Man’, ‘Snowed In At Wheeler Street’, ‘Snowflake’, ‘Misty’, Elton John.
    Te gustará si te gustan: Michael Nyman, Joni Mitchell, Leonard Cohen.
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    Kate Bush / Director’s Cut

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    Cuando Kate Bush anunció sus intenciones de revisitar dos discos suyos a principios de este año, la noticia estaba llamada a llenar de decepción a sus seguidores, a los que sólo quedaba el consuelo, incluido en la misma nota de prensa, de que Bush estuviera ya trabajando en un nuevo proyecto, esta semana materializado en forma de nieve (‘50 Words For Snow‘). No puede decirse que ‘The Sensual World’ y ‘The Red Shoes’ fueran álbumes recientes, pero lo cierto es que hubo un enorme lapso entre sus discos de 1993 y 2005, por lo que, en realidad, ‘Director’s Cut’ revisita lo que hasta entonces eran el penúltimo y el antepenúltimo disco de Kate Bush.

    ¿Qué podía justificar entonces este lanzamiento? Decía Kate que en su momento no le dieron el permiso necesario para incluir textos de Joyce en su composición ‘The Sensual World’, pero que ahora sí los había logrado, por lo que había decidido aprovechar para realizar algunos cambios en las voces y las estructuras de otras canciones de la época, que le han ido rondando la cabeza durante los últimos años. La mencionada pista, aquí rebautizada como ‘Flower of the Mountain’, mantiene alguno de sus bastiones, como los arreglos étnicos y el mítico «mmm, yes», pero incorpora una nueva letra que no es más que el recuerdo de la historia vivida 16 años atrás, ahora con los sonidos arabescos expresamente ubicados en Andalucía y Gibraltar.

    El fuerte componente sexual repite en ‘Song of Solomon’ y también en el single ‘Deeper Understanding‘, una canción originalmente grabada en 1989 sobre la relación de amor entre un ordenador y un humano, que no puede sonar más actual en pleno 2011. Se atrevía a anunciar aquella vieja computadora: «sé que estás cansada y que eres infeliz» e incluso a se ofrecía de esta manera: «te traigo amor y comprensión profunda». Pocos verían venir hace 22 años hasta dónde llegarían estas afirmaciones en la red, y por tanto sólo por esta nueva versión con el hijo de Kate Bush pasado por el vocoder haciendo de ordenador, merece la pena este ‘Director’s Cut’.

    ‘This Woman’s Work’ es otra de las que aparece alterada (y alargada), muestra de la vertiente más intimista y ambiental del álbum, que encuentra su antítesis en la bastante Nick Cave ‘Rubberband Girl’; pero en su empeño por respetar a los músicos originales, en muchas otras ocasiones los cambios no son tan radicales y se limitan sólo a la voz, mucho más adulta y calmada, y a la mezcla. Kate Bush no ha renunciado nunca al espíritu original de las canciones, en otras palabras, no ha convertido la estupenda y explosiva ‘The Red Shoes’ en la multitud de cosas bailables que podría ser; y más bien se ha dedicado a actualizar el sonido de los temas dotándoles de una mayor atemporalidad.

    Con el anuncio de este disco de pizpireto título, ‘Director’s Cut’ se antojaba como un pasatiempo irrelevante para una artista sin demasiadas nuevas ideas. Ahora que conocemos la grandeza de ’50 Words For Snow’, publicado sólo unos meses después, sabemos el verdadero valor de este capricho convertido en delicatessen por esta enorme perfeccionista.

    Calificación: 7,9/10
    Lo mejor: ‘Deeper Understanding’, ‘Flower of the Mountain’, ‘The Red Shoes’
    Te gustará si: a veces has pensado que tu colección de discos de los 80 necesita una elegante actualización
    Escúchalo: en Spotify