A un día de que empiece Eurovisión (el 8 de mayo es la primera semifinal, el 10 la segunda, y el 12 es la gran final), los países participantes van reforzando sus propuestas o perdiendo fuelle en las casas de apuestas a medida que realizan los ensayos de sus actuaciones en Lisboa. Y para España las noticias no son malas, aunque tampoco espectacularmente buenas, al menos en las semifinales. Según las apuestas, ‘Tu canción’ de Amaia y Alfred baja, situándose en el 14, tras haber fluctuado en los últimos días el puesto 11 y el 13, y haber realizado un segundo ensayo con ligeros cambios de vestuario e iluminación. Podéis verlo bajo estas líneas. Tras el sorteo pertinente, se ha sabido que España actuará en la primera mitad de la final del sábado, lo cual no se considera bueno tradicionalmente en las casas de apuestas.
Israel sigue siendo el país favorito, pero hay que destacar en las apuestas, como apuntan desde Eurovision-Spain, las espectaculares subidas este fin de semana de Moldavia (+16), Chipre (+15), Hungría (+12) y Suiza (+10), además de las de Croacia (+6) y Noruega (+5). El top 2 y el top 3 se lo disputan ahora mismo Estonia y Noruega, mientras Chipre les sigue de cerca en el top 4 y Francia en el top 5 tras haber descendido desde el 2. El resto del top 10 lo completarían Bulgaria, Suecia, Italia y Moldavia.
Entre las bajadas más importantes en las apuestas se encuentran las de Australia, que era una de las canciones favoritas y, tras los ensayos, no ha dejado de bajar posiciones, saludando ahora desde el top 12; Austria (top 19), Países Bajos (24), ARY Macedonia (38) y Georgia (top 39).
Maus actúa ahora sin playback y con banda, y en MondoSonoro afirma que esta decisión ha estado en parte motivada por su actuación en Madrid en 2011, la cual le hizo replantearse “lo que es o debe de ser un concierto”. Explica: “Puedo intentar justificar intelectualmente lo que ocurrió aquella noche como que estuvo bien provocar un acto de pasión o sinceridad por parte de mi público. Pero visto con perspectiva lo que ocurrió fue muy ridículo, porque recuerdo aquella gran sala donde nos encontrábamos con gente que en el contexto de un festival, y a diferencia de lo que ocurre en mis conciertos, tal vez no venía a verme a mí [y] no sabía lo que se iba a encontrar”.
“Me disgusté mucho con lo que ocurrió aquel día al darme cuenta de que había decepcionado a la gente que había ido a verme”, añade Maus, apuntando que “en realidad no debería sentirme culpable, porque aquella noche no hice nada diferente de lo que venía haciendo en directo”, pero que aunque hasta entonces había sabido asumir la “hostilidad” del público durante sus provocativos directos, esa noche “no me sentía entusiasmado sobre el escenario, la reacción de la gente me hizo sentir culpable por haber fallado”. Por eso, dice que aquella actuación “tiene mucho que ver con la decisión de por qué tengo ahora mismo a tres tíos tocando conmigo”.
Este domingo 5 de mayo, Adele ha cumplido 30 años, y lo ha celebrado la pasada noche llevando a cabo, con sus familia y amigos, una fiesta temática inspirada en ‘Titanic’ de James Cameron (Adele iba disfrazada de Kate Winslet (Rose), aunque casi parece Edith Piaf). En Instagram, Atkins ha escrito: “¡Sucios 30! No estoy segura de lo que voy a hacer en los siguientes 30 años, ya que hasta ahora en mi vida he sido bendecida más de lo que yo misma pueda describir. Gracias a todo el mundo por acompañarme en este viaje en los últimos 11 años. [Gracias también] a mi familia y amigos por saciar mi fascinación por la película ‘Titanic’. La noche de ayer fue la mejor de mi vida. Estoy la hostia de destruida, ¡no creo que vuelva a salir de casa!”.
En el mismo texto, Adele también ha tenido palabras para Childish Gambino por su último single y vídeo, ‘This is America’, que también ha recibido halagos, en las redes sociales, de Trent Reznor y Bruno Mars. “¿Cómo tienes tiempo para ofrecernos tanta genialidad desde tantas plataformas? Te adoro”, ha escrito.
A sus 30 años, Adele es la única artista actual que ha vendido más de 30 millones de copias de un disco en el siglo XXI (empata en cifras a los Beatles), con ‘21‘, publicado en 2011, y además su tercer disco, ‘25‘, es uno de los pocos que han vendido más de 20 millones de copias en la mencionada centuria. En tiempos de crisis para la industria, Adele es el vivo ejemplo de que todavía se puede mover a gente en masa a comprar discos, y aunque su música es más bien conservadora, los temazos de Adele ya no nos caben en los dedos de la mano, sus discos suelen estar muy cuidados y ella es un personaje moderno y divertidísimo (su paso por Carpool Karaoke sigue siendo el mejor de todos), por el que, francamente, solo podemos estar agradecidos.
Residente es el alias de René Pérez Joglar, artista puertorriqueño que se dio a conocer como mitad del dúo Calle 13. Tras publicar el pasado año su álbum de debut en solitario con bastante carga política y social, y canciones bastante exitosas como ‘Somos anormales’, ‘Guerra’ y ‘Desencuentro’ –con la francesa Soko–, este 2018 regresa con un tema mucho más hedonista que los contenidos en aquella obra. Se trata de ‘Sexo’, canción producida por Dillon Francis, uno de los cómplices habituales de Diplo en su sello Mad Decent, y cuyo estribillo, compuesto por evocadoras onomatopeyas, está interpretado por iLe, vocalista que también colaboró en Calle 13 y que es hermana de su otro fundador, Visitante.
El caso es que ‘Sexo’, como dejan claro su título y su introducción –“esto es dedicado para Sigmund Freud y Judith Butler, pa’ que la meneen”–, habla sobre follar como eje primordial de la vida humana. Así, enumerando todas las cosas que hacemos cada día por tener sexo (desde peinarnos a buscar trabajo y ganar dinero) aunque no lo digamos, construye un tema festivo y divertido, cuya frescura está popularizándose rápidamente y sin grandes promociones.
De hecho, esta semana ha entrado directa al top 1 de la lista de canciones virales de Spotify en España –esto es, la más compartida en redes sociales– y, con 5 millones de streamings, se aproxima en poco tiempo a muchas de las canciones más populares de Residente en la plataforma. Aún más allá va su vídeo oficial, que en menos de un mes acumula cifras de superéxitos internacionales, más de 45 millones de reproducciones. No es para menos, porque el clip es tan divertido como la canción, trasladando la letra de la canción de manera simpática y conduciendo a una coreografía grupal enorme, con una enorme cantidad de participantes, de diversa condición sexual y morfología física.
Residente actuará a finales del próximo mes de junio en el festival O Son Do Camiño 2018, junto a Lenny Kravitz, The Killers o Jamiroquai.
Triunfadores por su obra de teatro musical ‘La llamada’, convertida recientemente con idéntico éxito en película, por la web-serie –luego fichada por Netflix– ‘Paquita Salas’ y por su paso como profesores de interpretación en Operación Triunfo 2017, Los Javis se han convertido en personalidades influyentes por algo más que por su trabajo. Y es que, además, Javier Calvo y Javier Ambrossi, pareja también en sus vidas personales, se han erigido en portavoces de una generación que se esfuerza por normalizar las diferentes maneras de entender la sexualidad. Muchos tardaremos en olvidar el emotivo discurso de Calvo en la entrega de los Premios Feroz 2018.
Durante su paso por el Chester de Risto Mejide emitido anoche en Cuatro y que se centraba en el talento, pronto surgió en la charla que su discurso artístico es una suerte de “venganza” por todo el daño que sufrieron cuando eran niños por la no aceptación de su homosexualidad por parte de su entorno. Especialmente emocionante fue la parte en la que Ambrossi recordó lo mal que lo pasó en su paso por un colegio del Opus Dei, donde sufrió bullying y agresiones físicas constantes: “yo iba con miedo a clase. A mí de repente me han tirado un diccionario en mitad de clase, o toda la clase se ha puesto de acuerdo para pegarme cuando salía por una puerta. No tenía ganas de ir al cole porque sabes que te van hacer daño”. Unas agresiones que le han marcado y aún, dice, no ha superado –“con 33 años, no estoy liberado”–, y que le llevaron a reflexionar: “la humanidad puede hacer un cohete, ir a la Luna, hacer mil movidas científicas y no puedan conseguir que un profesor controle que veinte alumnos no le hagan bullying a uno. O que unos padres no puedan darse cuenta [de] que su hijo llega raro a casa”.
Calvo, en cambio, decía no haber sufrido tanto acoso y que su lucha había sido más “consigo mismo”, hasta que recordó que un chico le decía a diario “¡maricón!”. “Eso es bullying”, le recordó Mejide. La sinceridad que mostraron en la entrevista está siendo muy elogiada en redes sociales, pidiendo que esta charla –que puedes ver íntegramente aquí– sea difundida como ejemplo en colegios. Javier Calvo y Javier Ambrossi están a punto de presentar la segunda temporada de ‘Paquita Salas’, que estrenará Netflix este verano.
«El que no ama siempre tiene razón: es lo único que tiene» dijo Antonio Gala. Si no habéis escuchado la preciosa versión que hizo Antonio Vega de uno de sus poemas, hacedlo. Pero no es es esa la razón por la que mencionamos al genio de Ciudad Real en una reseña musical, sino por lo que esconde esa frase. Porque hay gente que siente con demasiada intensidad, y hay que amar con la intensidad justita. Hay que emocionarse pero sin fliparse. Hay que ocultar los sentimientos bajo una máscara de sarcasmo si no quieres hacerte daño, como Brenda Chenowith. Y hay que fingir desinterés para ganar interés. Y hay que ser auténtica pero sin pasarse, que incomodas. ¿Hay que hacer todo eso? Puede que sí.
O puede que todo esto sea pura mierda de la que gente como Hayley Kiyoko está un poco harta. ‘Feelings‘, el tema que sucede a una magnética intro, sirve también como presentación de ella misma: la «Lesbian Jesus» -como la llaman sus fans– se prepara/nos prepara, porque a lo largo del álbum va a abrirse y a dejar claro que, cuando siente, siente mucho (y es, sí, muy intensa: «why can’t I relax?») y que no piensa que deba avergonzarse por ello: «quería escribir un himno celebrando estos sentimientos, en oposición a suprimirlos, como ocurre cuando la sociedad presiona para que ocultes tus sentimientos cuando estás soltera y empiezas a quedar con alguien», contó a Flaunt. Por tanto, los «sorry that I care, care, care» suenan como un lamento pero también como un cierto desafío, como una postura irónica a esa convención social. Y también funcionan estupendamente como ganchos.
No es por hacer el chiste fácil, pero está claro que las expectativas estaban altas en cuanto al debut en un largo -tras varios EPs- de Hayley Kiyoko, como os comentamos cuando os hablamos de ella. Cada vez menos en el underground y más en el estrellato, en el disco también se deja ver este camino entre ambos lugares: hay ambiciones en cuanto a conseguir nuevo público, pero también en cuanto a concepto y sonidos (‘Mercy/Gatekeeper’ y sus pausas nada radiofriendly son solo una muestra), y es que los productores de los que se ha rodeado también entran dentro de este doble objetivo: Jack & Coke han trabajado con Tove Lo y 4e con The Neighbourhood, pero The Futuristics con Camila Cabello o Selena Gómez.
Lo que es seguro es que Kiyoko demuestra muchas habilidades como artista pop, como cuando transforma una situación trágica en ‘Molecules’ -canción con los dejes épicos de unos Bastille/Imagine Dragons o una Ellie Goulding-. Algo que hará también en el tema que cierra el disco, el post-ruptura ‘Let it Be’ que se centra en lo aprendido tras esa experiencia, y en las oportunidades que pueden venir de ahora en adelante. Del toque funky en la disfrutona ‘Palm Dreams’ a lo asfixiante de ‘Wanna Be Missed’ («want you tired every day / cause I run through your brain»), pasando por la cuidada ‘Under the Blue / Take Me‘ (cuya segunda parte recuerda en su inicio al ‘All Around The World’ de Lisa Stansfield), Hayley va mostrando propuestas distintas, de forma que, al final, casi no nos acordamos del que fue el primer single, el más simple ‘Sleepover’ (que también tiene sus momentos inspirados en la letra, sobre un crush hetero: «always there to brush your hair / help you pick what to wear / I just feel alone, feel alone»).
Pero si ‘Sleepover’ peca de ser un poco obvio, Kiyoko te coloca después dos temas dobles (casi seis minutos cada uno) seguidos, para que tengas que pensártelo antes de decir que está haciendo pop facilón. Y, después de esos temas, llega, con un aire a ‘Hands to Myself’ (curiosamente no es una de las producidas por The Futuristics) ‘Curious‘, cuya inmediatez e ironía le hacen ser otro de los puntos fuertes del disco. Esta última forma, junto a ‘He’ll Never Love You (HNLY)’ y ‘What I Need’, un tríptico sobre la misma situación, con algunas variantes: una chica con la que estaba Hayley no terminaba de aceptar que le gustaban las tías y ahora sale con un chico. Así, en esta última, que supone un ligero acercamiento al bubblegum bass de PC Music y Charli XCX, Hayley se lamenta junto a Kehlani de ese armario («when we’re all alone, girl, you wanna own it / when we’re with your fam, you don’t wanna show it»), pero a la vez se muestra decidida a no querer pasar por todo lo que una relación así supone («I only want a girl who ain’t afraid to love me / not a metaphor of what we really could be»… como el «fearless love» que cantaba Melissa Etheridge).
El contenido lésbico y bi está, por tanto, muy presente tanto en su música como en sus vídeos, en tanto que su propia sexualidad y sentimientos lo están, y eso es algo que en la industria le ha supuesto algún que otro escollo, como comentaba hace poco en una entrevista: «No estoy hipersexualizando mi música: me lío con mujeres porque me gustan las mujeres, no para ser sexy. No es que sea para provocar, es que es mi vida.» En esa misma entrevista se preguntó si los «¿otra vez una canción sobre una chica?» los recibía Taylor Swift cuando escribía sobre chicos y, lejos de iniciar cualquier beef, la propia Taylor la apoyó, recordando lo que ella misma decía cuando se comparaba con Bruno Mars o Ed Sheeran. Todo esto contribuye a crear una conversación necesaria en la industria musical sobre la presión para mantener a cantantes en el armario, y la falta de referentes no heteros… no heteros abiertamente, claro. Lo cierto es que la Lesbian Jesus tiene merecido el estatus que está adquiriendo, y no solo por lo importantísimo de su visibilidad para las chicas de su generación (y de no-tanto-su-generación), sino por la mezcla de sus habilidades, ideas e inteligencia, que pueden dar muchas alegrías en el mundo del pop. Este notable debut es solo la primera de ellas.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Feelings’, ‘What I Need’, ‘Under the Blue / Take Me In’, ‘Curious’, ‘Let it be’ Te gustará si te gusta: Halsey, Carly Rae Jepsen, Tegan and Sara, Melanie Martínez, Troye Sivan, Selena Gomez, Billie Eilish, Ellie Goulding Escúchalo:Spotify
Una de las artistas británicas más prometedoras, no ya de este año sino de los últimos dos o tres, es Jorja Smith. Smith fue elegida como premio de la crítica 2018 por los Brits, pero lleva ya tiempo despuntando con su carrera como cantante con diversos singles como ‘Where Did I Go?’, ’Teenage Fantasy’ y, sobre todo, ‘On My Mind’ –un club banger producido por Preditah–. Aunque sin duda su gran espaldarazo llegaría cuando el pasado año nada menos que Drake la eligiera para colaborar en su mixtape ‘More Life’, en el tema ‘Get It Together’ y, claro, en ‘Jorja Interlude’.
Educada entre música soul (su padre era músico en un grupo neo-soul que no fue popular) y jamaicana –las comparaciones con Amy Winehouse son frecuentes e ineludibles– en un barrio modesto de Walsall –localidad de las Midlands próxima a Birmingham–, esa aparición de la joven cantante propulsó radicalmente su popularidad. Pronto llegaron nuevas colaboraciones sonadas en temas de Kali Uchis (‘Tyrant’), Stormzy (‘Let Me Down’) o, más recientemente, la BSO de Kendrick Lamar para ‘Black Panther’. Por eso su álbum de debut es uno de los lanzamientos más esperados de este año para muchos.
Un disco, ‘Lost & Found’, del que recientemente se revelaba su fecha de edición –el 8 de junio– y su tracklist, que alterna nuevos temas junto con algunos de los más antiguos antes citados, incluido el que hoy nos ocupa, ‘Blue Lights’. Porque esta canción destacada recientemente como single y que acaba de ser objeto de un vídeo oficial es, curiosamente, el primer single en solitario que lanzó, allá por el mes de febrero de 2016. Un tema basado en un sampler de un tema de música lounge de la serie ‘April Orchestra’ –concretamente, ‘Amour, emoi et vous’, de G. Bonnet y R. Romanelli– que sirve a Smith –y a los productores Joice y Engine Earz– para construir un cautivador medio tiempo de hip hop soul a lo Lauryn Hill que, además, tiene una potente historia detrás.
‘Blue Lights’ se inspira, además del sampleado ‘Sirens’ de Dizzie Rascal, en una experiencia personal: cuando iba al instituto Jorja encontró en su casa una mochila aparentemente vacía de uno de los dos amigos que acababan de visitarla allí; al abrirla, encontró un cuchillo, y no dejaba de preguntarse de quién sería –si del portador de la mochila o de su compañero, como encubridor–, ni si lo habrían usado para cometer algún delito o era solo un juego. Eso la llevó a construir una reflexión sobre cómo pende sobre los chicos de clase baja y trabajadora de su barrio, especialmente las minorías raciales, un permanente recelo y temor hacia la policía, alimentado por el sentimiento de ser siempre sospechosos de algo en un entorno en el que el crimen se convierte en cotidiano (“Asesinato por arma en tu oído derecho / drogas y violencia en el izquierdo”).
Por eso en su estribillo Jorja querría convertir esas luces azules en luces estroboscópicas –de discoteca– o en “el destello de un hada” y pregunta a esos chicos “¿Qué has hecho? No hay por qué correr / Si no has hecho nada malo, las luces azules pasarán de largo”. Sin embargo, resulta un bucle difícil de abandonar y, en su tercer verso, Smith asume lo casi inevitable del destino de chicos como aquellos amigos suyos: “Mejor echa a correr cuando escuches las sirenas, porque vienen a por ti”. En todo caso, esta amargo final busca una redención con su fantástico vídeo, filmado por Olivia Rose en blanco y negro su barrio natal que, alternado con alegóricas imágenes de un hombre bailando esposado, muestra el tranquilo día a día de niños y adultos que viven en él. Lo cual incluye aquellos dos chicos que inspiraron su historia y a su propio padre, junto con artistas de la zona como el poeta Benjamin Zephaniah, el productor Preditah o Mike Skinner de The Streets, nada menos.
Jorja Smith es una de las artistas confirmadas en DCODE 2018, que se celebra en Madrid el día 8 de septiembre.
Tracklist de ‘Lost & Found’:
1. Lost & Found
2. Teenage Fantasy
3. Where Did I Go?
4. February 3rd
5. On Your Own
6. The One
7. Wandering Romance
8. Blue Lights
9. Lifeboats (Freestyle)
10. Goodbyes
11. Tomorrow
12. Don’t Watch Me Cry
Los franceses The Scaners, desde Lyon, llegan hoy a nuestro país para presentarnos su primer disco, homónimo, un álbum de 12 canciones y 24 minutos en el que pese a su brevedad caben recuerdos a The Ramones y a los tiempos en que proliferaban grupos como The Vines y The Hives. Aunque lo suyo es por tanto un punk garajero que les hace entregar hits de 2 minutos (‘Abduction’, ‘We Want to Talk to Your Leader’) o incluso solo 1 (‘Spacecraft’), también tienen importancia en su música los teclados, como podemos observar en ‘Checkpoint Planet’. Atención al sonido de ambulancia con el que arranca ‘The Dries’, incorporándose como sample a distintas partes de la canción, truco parecido al que encandila al final de ‘Video Tape’, al inicio de ‘Flying Fuck’ o durante ‘Modern Fissure’.
La nota de prensa destaca por supuesto sus guitarras afiladas y la urgencia de las baterías, pero también su interés por la vida extraterrestre, que dicen tener en común tanto con Frank Sinatra como con David Bowie: «Para The Scaners, la cuestión extraterrestre no es una pregunta sino un hecho: algo con lo que no solo se sienten cómodos sino con lo que, después de escuchar su álbum, pueden haber colaborado siendo hombrecillos verdes ellos mismos». Sin duda, el texto se refiere al ambiente generado con canciones como ‘No Place In Space’, y a una constante admiración del punk-pop por el espacio. ‘Saturno es aburrido’, que cantaban Los Nikis. ‘Usted morirá en el espacio’, respondían sus colegas Airbag.
Tras su paso este fin de semana por lugares como Sopelana, Soria o Logroño, The Scaners actúan hoy 7 de mayo de manera gratuita en la Sala Wurlitzer de Madrid como parte del ciclo Escenarios Mahou. Después les esperan León (8 de mayo), Valladolid (9 de mayo), Bilbao (10 de mayo) y Barcelona (12 de mayo).
El colombiano Maluma publicaba el pasado viernes un nuevo single en una faceta en la que no estamos tan acostumbrado a verle. Se trata de ‘Marinero’, una balada de poso soul en la que la voz de Juan Luis Londoño –que así se llama en la vida real– apenas se hace acompañar por una guitarra eléctrica, demostrando su estilo como cantante melódico. No perreo… no labio. En ella Maluma se lamenta por los “dolores en el alma” de un amor perdido, porque lo descuidó (“hablabas, no te escuchaba, sólo era desnuda que me gustabas”). Por si fuera poco, mientras ella le daba su corazón, él iba como “un marinero buscando amor, por cada puerto como si nada”.
Desde su estreno el viernes, su vídeo oficial acumula nada menos que 15 millones de visualizaciones y se ha instalado como el vídeo más visto del momento en España. Imaginamos porque, además de la canción, a su público le gusta su interpretación de hombre atormentado y borracho en batín, cantando su decadencia botella en mano hasta acabar llorando amargamente durante el último minuto del clip.
‘Marinero’ podría ser el último avance del nuevo disco de Maluma antes de su publicación. ‘F.A.M.E.’ verá la luz el día 18 de mayo y supone su primer álbum con una fama ya internacional, convertido en una estrella incluso en Estados Unidos: hace unos días le veíamos ocupando la portada de la revista Billboard junto a Shakira. Incluirá sus recientes singles, como ‘El préstamo’ o ‘Colors’, junto a Jason Derulo, además de temas junto a Timbaland y Prince Royce. El hit ‘Felices los 4’ será parte de su edición Deluxe.
Maluma presentará ‘F.A.M.E.’ en arenas de nuestro país –Madrid, Valencia, Sevilla, Barcelona y Málaga– durante el mes de septiembre. Recientemente suscitaba polémica la inclusión de una fecha en Palencia, localidad en la que el concierto iba a ser financiado en un 10% por el Ayuntamiento de la ciudad castellana. Sin embargo, una mujer lanzó una iniciativa en change.org para impedirlo, debido al carácter machista de parte de sus letras. Por el momento, la fecha del show –que además marca el inicio de su gira europea– sigue en pie y sus entradas a la venta junto con las del resto del tour español.
Tracklist de ‘F.A.M.E.’:
Intro
Corazón (ft. Nego Do Borel)
El Préstamo
Cuenta A Saldo
Hangover (ft. Prince Royce)
Mi Declaración (ft. Timbaland & Sid)
How I Like It
Marinero
Delincuente
Condena
Ojos Que No Ven
La Ex (ft. Jason Derulo)
Unfollow
Si hace unos días gracias a Yago de Perapertú, Arthur Russell era el gran protagonista de nuestra sección «Meister of the Week» auspiciada por Jägermusic, en la que un músico habla de una de sus pasiones, en esta ocasión hablamos con Laura de Melenas sobre el que fue el ídolo de su adolescencia. Aunque Melenas son uno de los grupos clave del rock underground actual con gusto por el reverb, gracias a su disco homónimo, con temazos como ‘Volaremos’ o ‘Mentiras’, la baterista nos sorprende escogiendo hablar de algo que nada que ver: Michael Jackson. Foto: Shelly Simon.
¿Por qué has escogido hablar de Michael Jackson en esta sección?
A lo largo mi vida he tenido cierta tendencia a tener ídolos y obsesionarme un poco con ellos. Esto fue así sobre todo en mi infancia y adolescencia; era muy apasionada con lo que me gustaba, y acumulaba información en torno a ello. Pero lo de Michael Jackson fue (y es) otro nivel. Aunque, obviamente, conocí a Michael antes, empezó a gustarme de verdad cuando tenía 11 años, y muy rápidamente se convirtió en un fanatismo que fue muy intenso, al menos hasta los 16. Durante 5 o 6 años, Michael fue verdaderamente central en mi vida, y lo que más quería era conseguir toda su discografía, llegar a ver todos sus vídeos y películas, leer todo lo posible acerca de él, reunir todos los datos posibles de su biografía (hablo de la era pre-internet, no era tan fácil). Bueno, y bailar como él. Y defenderle, siempre. Se puede decir que, bueno, realmente le quería. Soñaba con él habitualmente, y sufría un montón por él. Es que… me empezó a gustar en la época chunga, la verdad. Justo después de las primeras acusaciones. Muy mal timing.
¿Alguna vez ha tenido algo que ver con tu trabajo, tus estudios o la música que haces? En cuanto a Melenas, parece difícil adivinar algún tipo de influencia…
(risas) Qué va, qué va, nada de influencias. Soy historiadora y trabajo en un museo así que… Bueno, lo de recopilar información del pasado y conservar objetos, se ve que ha estado siempre ahí, pero creo que forma parte de mí, al margen de Michael. Mi relación con la música (desde dentro) empezó mucho más tarde de mi época más fan, y en proyectos que… no tienen mucho que ver. Comencé a tocar la batería con Panty Pantera, luego vinieron Río Arga y Melenas. Bueno, espérate, porque si lo piensas todo esto es pop, y MJ es el rey del pop, ¿sí o no? Pues ahí lo llevas.
¿Cómo conociste la música de Michael Jackson o cuál es tu primer recuerdo de él?
Mi primer recuerdo de él… imagino que se parece al de muchos de los nacidos en los ochenta (yo soy del 83). Y es el de verle transformarse en hombre lobo y en zombie en el vídeo de Thriller. Durante mi primera infancia asistí a su progresivo cambio de color, y, bueno, entre una cosa y otra, lo que me daba, básicamente, era bastante miedo. Todo cambió -Dios, qué vergüenza esto- cuando una profesora de inglés nos puso en clase ‘Heal The World’, y ahí, ya, esa cosa tan cursi y Disney-humanitaria; tan Michael, joder, me llegó al corazón y caí totalmente en el hoyo. Llegué a casa de mi tío, le pillé el ‘Dangerous’, luego el ‘Bad’, luego el ‘Thriller’, y bueno, pues, se lió. Obsesión.
«Intenté comprarme ‘Moonwalker’, pero estaba descatalogada, así que la alquilaba continuamente; en plan, casi cada finde, los del videoclub flipaban. Terminaron regalándomela. Ya la había pagado x100 veces…»
Nos decías que te habías gastado muchas pesetas en alquilar ‘Moonwalker’ y que te costó hacerte con ‘Off the Wall’, ¿nos puedes contar algo más al respecto?
Sí, así es! Como decía, en la era pre-internet, y en una ciudad de provincias como la mía, costaba encontrar material. No sé, no había ni Corte Inglés, solo comercios pequeños, maravilla, pero costaba encontrar las cosas… al menos a mí, que era una cría y quizás no sabía bien dónde buscar. Un día, paseando por el videoclub de debajo de mi casa, encontré ‘Moonwalker’, una peli que ya tenía algunos años y que estaba totalmente marginada. Intenté comprarla, pero estaba descatalogada. Así que la alquilaba continuamente; en plan, casi cada finde, los del videoclub flipaban. Terminaron regalándomela. (Ya la había pagado x100 veces, todo hay que decirlo).
Respecto al ‘Off the Wall’, había leído mil veces lo que había supuesto para la carrera de Michael, su primer disco en solitario como artista independiente, adulto, digamos, en Epic Records, la primera colaboración con Quincy Jones; y pude escuchar los singles en el recopilatorio del HIStory… ¡Pero en ninguna tienda lo tenían! Descatalogado. Lo encontré, ya con 15 años o así, en otra ciudad, y me pareció tan… ¡música Disco! Difícil para una adolescente de finales de los noventa. Me costó que me gustase, bastante además, pero me empeñé y lo conseguí, ya lo creo que lo conseguí. Ahora está en mi top, claro.
¿Cuál es tu canción favorita de Michael y cuántas veces estimas que la hayas podido escuchar?
Jo, qué difícil. Mi canción / vídeo favorito (lo de los vídeos cuenta mucho en este caso) han ido cambiando con el paso del tiempo. Aunque ahora no diría que es mi favorita, la que más veces he escuchado, tanto en mi casa, como fuera de ella, es ‘Billie Jean’. Y la actuación de Michael en el 25 aniversario de la Motown, donde la interpreta por primera vez en directo, me sigue pareciendo algo histórico, de poner en los colegios, obligado, Historia del Arte, selectividad.
¿Cuál es tu disco favorito? ‘Thriller’ siempre sale en lo mejor de la historia, a veces ‘Off the Wall’ también, pero también está ‘Bad’…
Yo soy del ‘Bad’. Quiero decir, no soy crítica musical, y puede que sean mejores o más significativos ‘Thriller’, u ‘Off the Wall’, pero “mi casa” es el ‘Bad’.
A partir de ‘Dangerous’, la cosa se empieza a complicar, algunas canciones están mejor que otras, ‘History’ es mitad greatest hits mitad no, ‘Invincible’ tuvo muy malas críticas y luego está lo de sus 2 discos póstumos, el segundo con mejor recepción del primero, ¿rescatarías alguna joya de estos últimos álbumes?
Yo soy defensora acérrima del ‘Dangerous’. Un poco chiflado, y un poco bastante despistado andaba Michael tras romper con Quincy, y plantarse en los 90, pero la mayoría de las canciones son buenísimas, de verdad. Al margen de la joya indiscutible que es ‘Remember the Time’, están esos coqueteos con el rap en ‘Jam’ (ojo que igual es mi favorita, con vídeo con Kriss Kross y Michael Jordan); ese rollo ¿sexy? de ‘In the Closet’… Joder, ¡si me gusta hasta el ¿rock? de ‘Give it To Me ‘(sale Slash)!
El ‘HIStory’ no está mal, pero bueno, ahí sí que es cierto que la cosa se complica. De los singles, valoro mucho la que fue más hit, ‘They Don’t Care About Us’, con esos dos vídeos con mensaje “político”, cosa bastante extraña en la carrera de Michael. Y me siguen encantando los pasteles de ‘Earth Song’ y ‘You Are Not Alone’, no puedo evitarlo. Como cosa algo menos conocida, te diré que me encanta la versión que hizo de Chaplin, ‘Smile’. Pero me lío, me has pedido que rescate joyas de los últimos. Para resumir, te diré que no he prestado ninguna atención a nada de lo póstumo, soy incapaz, nunca me ha apetecido. Tras el ‘HIStory’, vino el ‘Blood on the Dance Floor’: me gusta la que le da título al disco, si es que puede llamarse así, a pesar del terrorífico vídeo. De ‘Invincible’ (menudo DRAMA de título), me gustó mucho el primer single, Unbreakable (otro drama), en el que -ATENCIÓN- Michael re-su-cita a Notorious BIG. Creo que ya solo por eso vale la pena, ¿no?
Luego hay una serie de discos de sus inicios que eran más difíciles de conseguir, al menos hasta que llegó Spotify, ¿qué opinas de ellos?
El primer disco de los J5 es del 69, así que hablaré de los 70. ¡Lo que me costó conseguirlos! Iba alimentándome de regalos que me hacían amigos de mis padres, y profes míos y así, que tenían discos de los Jackson 5 de cuando eran pequeños. Luego, llegó un momento que reeditaron varios en CD, no sé si por algún aniversario de la Motown o qué… Y ahí ya fui feliz, me fui comprando todos poco a poco. Y la verdad es que hay mucho, y de muy variada calidad. De los primeros años el ‘ABC’ es maravilloso entero, y el siguiente, el ‘Third Album’, es mi favorito de todos. De la carrera en solitario de Michael en Motown me quedo con sus primeros LP, ‘Got to Be There’ y ‘Ben’. De la etapa de los Jacksons en Epic, aunque de la alianza con Gamble y Huff salió algún hit que me gusta, como ‘Let Me Show You the Way to Go’… Como álbum me quedo totalmente con el ‘Destiny’, el primero en que pudieron aportar, por fin, sus propias canciones, y tomar decisiones sobre su música.
Para los fans de Michael era un verdadero calvario defender su vitiligo, ¿recuerdas alguna anécdota o alguna conversación absurda al respecto de cuando eras pequeña en el cole o en la calle?
Recuerdo que me enfadaba un montón cuando me llevaban la contraria con eso. Solía hacer como que no, pero alguna vez estallaba y pegaba un empujón a mi interlocutor; rompía algo o me iba corriendo súper airada o llorando. No lo podía evitar.
«Ver a Michael en directo fue una de las experiencias más abrumadoras de mi vida, lo recuerdo como vivir un sueño durante unas horas»
Él vino varias veces a actuar, supongo que eras muy pequeña para ir, ¿alguien de tu entorno pudo ir? ¿Pensabas ir a su gira de despedida?
¡No tan pequeña! Vi a Michael en directo en Zaragoza, el 24 de septiembre de 1996. Yo tenía 13 años, me llevó mi padre. Una de las experiencias más abrumadoras de mi vida, lo recuerdo como vivir un sueño durante unas horas. Respecto a la gira de despedida, nunca me lo planteé. Llevaba ya años algo “desenganchada”. Pero sobre todo, me pareció una cosa muy loca desde el principio, y me daba como miedo verlo. Miedo de que Michael no estuviera en forma o a la altura, miedo de que cancelase todo, miedo de que algo saliese mal. Era como que no quería saber nada del tema.
¿Dónde estabas cuando murió Michael y cómo te enteraste?
Buff, qué mal. Pues hacía muy buena noche, había salido a dar una vuelta y estaba volviendo a casa, iba con mi novio. Me llamó mi mejor amiga por teléfono, cogí. Ella estaba medio pedo pero se notaba que estaba haciendo un esfuerzo por ponerse muy seria para decirme algo importante. “¿Te has enterado?”, me dijo. Y yo “¿de qué?”. “Ha muerto Michael Jackson”. Me quedé en shock total, no me salía llorar ni nada, me costó días. Me sentía fatal por no haberle hecho caso en los últimos años.
Se te ha visto hacer el moonwalking en las redes sociales, me dicen, ¿muchas horas de práctica?
(risas) ¡Muchas! Soy hija única y de pequeña me pasaba así las horas. Viendo los vídeos, parándolos, volviendo a empezar… y frente al espejo. Por supuesto, como no podía parar de hacerlo todo el rato, actué bailando como Michael varias veces en fiestas del colegio; y en el teatro de mi ciudad, en la actuación de fin de curso de la academia de danza a la que iba… Y estoy MUY CONTENTA de que aparentemente no se haya conservado ningún vídeo, ninguno. Solo tengo fotos y están muy muy escondidicas, bajo llave, casi. Lo único que, bueno, de vez en cuando (bastante a menudo) vuelvo a hacerlo y me hacen un robado (posado).
¿Te planteaste participar en aquel vídeo póstumo que se hizo con fans bailando?
No, nada póstumo me ha interesado nunca.
¿Alguna declaración favorita de Michael o alguna faceta de su vida de la que no se haya hablado lo suficiente?
Bufff, no sé ni que decir, tengo la sensación de que se han dicho tantas cosas ya sobre él… Más que facetas o declaraciones, me gusta quedarme con una etapa de su vida, en lo personal y artístico, que es desde un poco antes del ‘Off The Wall’ hasta el momento de sacar ‘Thriller’. Ahí está lo más grande de Michael, la magia, la lucidez, su capacidad inmensa de trabajo, de aprender de los demás, está como en estado de gracia total. Físicamente, incluso. Me gusta recordarlo de esa manera. Recomiendo mucho el docu que hizo Spike Lee sobre el ‘Off The Wall’, creo que ahí se entiende muy bien lo que digo. Es como la actuación del 25 aniversario de Motown que decía antes, debería verlo todo el mundo.
Si Melenas versionaran una canción suya, ¿cuál sería?
Mmmm… Propongo desde aquí a mis compañeras una versión encubierta y no acreditada de ‘Will You Be There’, aquella por la que Al Bano acusó a MJ de plagio. A ver qué pasa, ¿no?
Parte de la redacción evalúa ‘Hunger’, el nuevo single de Florence + the Machine.
«Una de las muchas virtudes que tiene ‘Hunger’ es que se hace corta: termina justo cuando parece empezar un segundo puente, lo cual es uno de las motivos de que la tenga en bucle. Por fin llega el lead-single de ‘High As Hope’ y, aunque ‘Sky Full of Song’ era una preciosa composición que ya nos puso los dientes largos, se entiende que Flo haya reservado este tema para presentar oficialmente su nuevo disco. ‘Hunger’ es puro Florence And The Machine: es el baile que simboliza libertad y búsqueda de ti misma mientras ríes y lloras, es la catarsis de nostalgia y épica, es la sexualidad elegante y a la vez animal, es el barroquismo de ‘Ceremonials’ con la energía de ‘HBHBHT’. Y es también lo que pasaría si Fleetwood Mac tuviesen un hijo con ninfas del bosque puestas de setas. Aplausos por mi parte, porque así se hace un comeback, Florence». Pablo N. Tocino.
«El hecho de que ‘Hunger’ no me haya abrumado como lo hiciera, ya de entrada, ‘What Kind of Man’, ha hecho que sea una pequeña decepción para mí. No encuentro en ella la pasión desbordante de canciones como aquella, o ‘Ship To Wreck’ o, remontándonos más, ‘Dog Days Are Over’. La veo un poco fría y algo predecible en cuanto a su planteamiento sonoro –más allá de algún retoque técnico superfluo–, y dudo que se convierta desde ya en uno de mis singles favoritos de Florence + The Machine, la verdad. Sin embargo, como ya me ha sucedido en otras ocasiones en el caso de Welch, las escuchas van logrando que la canción, su gancho, permanezca. Y al final, esa es la gran baza de Florence, por lo que cabe seguir esperando mucho de ‘High As Hope'». Raúl Guillén.
“Esperaba que ‘Hunger’ ganara con las escuchas, pero cuanto más me familiarizo con ella, más me doy cuenta que no hay en ella mucho más misterio del que muestra a simple vista. Es, ni más ni menos, una buena canción de Florence + the Machine pero, al margen que no añade nada nuevo o especialmente interesante al repertorio de Florence (que no tendría por qué), como canción no es demasiado magnética. Eso sí, gana con el vídeo. Me quedo con la preciosa, contenida y poética ‘A Sky Full of Song’”. Jordi Bardají
Es tremendo, un terrible síntoma de cómo funciona la precaria industria musical (independiente o no) de nuestro país, pensar que nos acercamos a los 10 años de la primera ocasión en que hablamos en nuestra web de Betacam y que estoy haciendo una review de su álbum de debut. Vale, ha estado involucrado en numerosos proyectos, como Templeton, Rusos Blancos, Cosmen Adelaida, Tulsa… y no puede vivir de la música (¿llegará el día? ¿querrá?), pero es una pena que sólo podamos disfrutar de un talento compositivo como el suyo de manera excepcional. No nos importa tanto, eso sí, si es para presentar trabajos tan redondos como aquella magnífica selección de demos ‘Saca pecho’ o este ‘Mítico’.
En cierto modo, casi podemos observarlo como una metáfora de su música: es como si lleváramos toda la vida con él, igual que el sonido de sus canciones. Porque estas evocan a épocas pretéritas, a nuestra infancia, a nuestra adolescencia, a nuestra juventud, a italodisco, a synthpop, a tecno, a electropop. A épocas en las que, como él, una sola persona con un sintetizador y una caja de ritmos eran capaces de emocionarnos, haciéndonos indistintamente bailar o llorar (“una noche más, llorando en la discoteca”, canta en ‘Cospedal’), y sentir que estaban hablándonos de nosotros. Él mismo cita a Jean-Michel Jarre (que emerge en los sintes de ‘Rey Sol’, antes de su giro eurodisco), Franco Battiato, Parade (una referencia muy clara en ‘Extraterrestre’, y en varios sentidos) y Javiera Mena (‘Cospedal’), y podríamos añadir a Mecano (‘Canoe’), Iván/Miguel Bosé (‘Ave rapaz’), Wham! (‘Otras chavalas’)… Artistas variopintos en origen y épocas, pero unidos por una sensibilidad próxima.
Eso no debe confundirse con mera nostalgia, primero porque no podemos hablar de esos estilos en pasado en una línea temporal artística fluida: ocurrió y sigue ocurriendo; y segundo, porque Javier Carrasco consigue que todo ‘Mítico’ suene vigente, contemporáneo y cercano (ha sido grabado, en distintas épocas entre 2014 y 2017, con Hans Kruger –Delorean, El Columpio Asesino, Perro…– en Subiza), por su impecable tratamiento sonoro: ’La discusión’, por ejemplo, tiene un toque a lo Passion Pit, mientras que las subidas y bajadas de ‘Reliquias’ podrían remitir a otro solitario, Francis and the Lights. El equilibrio entre ambas facetas (aunque la retro, no hay duda, tiene más peso) brilla –también se aplica a su magnífico acabado técnico– en todo ‘Mítico’, conjugándolas a menudo, y apenas dando respiro de principio a fin, aunque la caída de ritmo entre su abrumador arranque y los últimos cortes es palpable. Una tacha menor.
Donde no puede, ni quiere (“estoy cansado de pedir perdón, de estar al día, de la ley del pop”, canta en ‘Reliquias’) evitar el clasicismo (ahí parece entrar su alegórico portadón, obra de su amigo y compañero en Templeton, Álvaro Martínez) es en su manera de entender las canciones: las protagonistas necesarias son siempre sus melodías y estructuras, muy trabajadas, con sus precoros, sus crescendos, sus puentes, sus subidas de tono y sus estribillos, que se esmeran en tocar fibra sensible, agradar más que sorprender porque sí. Si ya nos había encandilado con adelantos como ‘La discusión’, ‘Otras chavalas’ o ‘Chacal’, aquí refrenda su gran capacidad en temas igualmente irresistibles como ‘Ave rapaz’, ‘Rey Sol’ o ‘Reliquias’, mi debilidad personal de este disco: en una línea de escritura similar a la de los propios Templeton, pocas canciones me han emocionado últimamente como este honesto retrato de la edad adulta, la certeza de que el ansia por esa pirueta de la vida que transforme toda la mierda en purpurina no va a ser saciada nunca.
Y es que la otra gran mano de Carrasco está en sus preciosas letras, la encantadora combinación de intelectualidad y cotidianidad de estas historias de peleas y tensiones de pareja con final agridulce (pero en la cama, preferiblemente: esos eufemísticos “ratos a oscuras”), reencuentros con amores de juventud que desmoronan su mitología, relaciones fugaces al calor de un bingo entre una persona madura y un toy boy (¿o girl toy?), irrealizables propósitos de Año Nuevo para un freelance o fantasías sobre quedarse sólo en el mundo. Que, en el fondo, no son sino perfectos retratos del individuo urbanita contemporáneo, joven y culto, y su constante «azogue», esbozados con un reparador sentido del humor (toda ‘Cospedal’ lo resume de forma exquisita, mucho mejor que yo). Pese que este, repito, sea su debut, no cabe duda que Betacam es uno de los cronistas musicales destacados de nuestros días, en el que vernos reflejados como un espejo. Solo que él tiene el talento creativo para contarlo así de bien.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Reliquias’, ‘La discusión’, ‘Ave Rapaz’, ‘Otras chavalas’, ‘Rey Sol’, ‘Cospedal’. Te gustará si te gusta: Javiera Mena, Templeton, Parade, los primeros Mecano. Escúchalo:Spotify
Tras publicar el aclamado disco de rap ‘because the internet’, Childish Gambino sorprendió a propios y extraños en 2016 con un personal disco de funk y neo-soul, ‘“Awaken My Love!”‘, que le valió al también guionista Donald Glover (él es autor de la premiada serie ‘Atlanta’) una sorprendente nominación a la categoría de Disco del año en los Grammys.
Dos años después de aquel disco, Childish Gambino está a punto de publicar un nuevo trabajo y de hecho acaba de actuar en Saturday Night Live, donde ha parodiado la vorágine de tweets de Kanye West y ha presentado un par de temas nuevos, ‘Saturday’ (muy disco) y ‘This is America’, cuyo vídeo se estrenaba durante el programa y ya puede verse en Youtube. Durante el vídeo, un Glover descamisado interrumpe la interpretación de la canción para asesinar a varias personas, en un turbio retrato de la brutalidad policial en Estados Unidos. Hacia al final, aparece SZA sentada en una silla.
‘This is America’ es una canción de hip-hop con partes góspel y percusiones tribales, y en ella colaboran hasta siete raperos, estos son, Chance the Rapper, Offset, Problem, Blocboy JB, Young Thug, 21 Savage y Big Sean. Young Thug canta al final la frase “you just a Black man in this world” y si esta remite a Michael Kiwanuka y su canción ‘Black Man in a White World’, no te sorprenderá descubrir el director de aquel video, Hiro Murai, está también detrás de este.
Bad Gyal actuaba anoche en el OchoyMedio de Madrid habiendo agotado las entradas con semanas de antelación. De hecho, se ha programado un segundo show en la misma sala hoy domingo a las 16.00 para el que quedan muy pocas entradas. La gira de presentación de ‘Worldwide Angel‘ llegaba a la ciudad después de haber pasado por A Coruña, Washington, Atlanta, Nueva York, Seattle, San Francisco, Los Ángeles, Austin, Reykjavik, Alicante y Barcelona. Como indica la letra de ‘Internationally’, el primer tema de esta «mixtape», Alba Farelo se jacta de visitar numerosos países con los bolos llenaos y desde luego anoche en la sala madrileña no cabía ni un alfiler. Había tantas ganas de Bad Gyal que el público gritaba: «¡Alba, Alba, Alba!» desde antes de que siquiera saliera a escena. Foto: OchoyMedio.
Sin embargo, el show no dejó la impresión de haber rodado ya por una decena de ciudades. La intención de Bad Gyal de actuar con un micro de diadema hubo de abortarse después de canción y media (‘Tu moto’, la inicial, y ‘Dinero’), y, el que tenía que haber sido uno de los momentos cumbres de la noche, la intervención sorpresa de Ms Nina, fue toda una bajona. Hay que recordar que Ms Nina venía de actuar en la madrugada del viernes del Warm Up de Murcia nada menos que a las 4.30 de la madrugada. Aun así, se hizo los kilómetros a Madrid para intervenir en ‘Despacio’, pero por dos veces la cosa quedó en «coitus interruptus», pues llegado un momento el mp3 daba error en manos del chico encargado de las bases y su colaboración no pudo verse terminada. Una tercera vez salió Ms Nina al escenario para intervenir en una segunda colaboración, pero de nuevo, la canción dejó de sonar. «Entro yo al escenario y se para la música», terminó bromeando.
Bad Gyal corrió un tupido velo sobre estos problemas técnicos asistida por dos bailarinas (con un «esto es dancehall» presentó sus alardes boca abajo, en el suelo), un MC sin demasiado protagonismo (sí hubo dúo de verdad en ‘Dinero’) y sobre todo, un repertorio lleno de hits. Aunque el show visto anoche no estuviera a la altura del del año pasado en el FIB, Alba sí supo levantar el concierto, por ejemplo, interpretando ‘Mercadona’ y ‘Jacaranda’ justo después del frustrante primer paso de Ms Nina por el escenario; o ‘Internationally’, su favorita ‘Yo sigo iual’ y ‘Tra’ después del segundo; y por supuesto reservando ‘Fiebre’ para el bis. El público le tenía ganas y lo dio todo. Cuando el concierto terminó con las acrobacias de las bailarinas sobre la base witch-house de ‘D Way You Do Me’, y la gente permanecía atenta mientras Alba ya no estaba en el escenario, quedaba claro que el público había sido -gracias, eso sí, a lo sólido que resulta el repertorio con tan solo dos mixtapes y alguna canción suelta- el gran protagonista del evento. 6.
Parte de la redacción evalúa ‘Accelerate’, el nuevo single de Christina Aguilera con 2 Chainz y Ty Dolla $ign.
“No sucede a menudo, por eso cuando vives una catarsis pop ya sabes reconocerlo. Y la primera vez que he escuchado ‘Accelerate’ ha sido uno de esos instantes en los que se congela todo y sientes que algo muy especial está pasando en tu cerebro. El nuevo single de la Aguilera, sin ser yo seguidor suyo, me ha ganado por su valentía, su sensualidad, su magnetismo, su modernidad naturalizada, su relevancia al margen de su resultado comercial –presumiblemente malo–. La interpretación de Xtina, ágil y apasionada, es perfecta para lo que realmente marca la diferencia, esa producción de Kanye West que es pura seducción contemporánea, alejada de la obviedad tanto en lo accesorio –los arreglos– como en lo formal –su estructura, con esa outro–. Lo verdaderamente grande de ‘Accelerate’ es que recoge la promesa de algo que deseas pero no llega, como cuando una boca se detiene un instante, a un par de centímetros, antes de besarte. E introducir un previsible bombo hubiera sido pornografía, que sirve y queda para otr@s – aunque es inevitable fantasear con un buen remix bailable para darlo todo–. Si no es mi canción favorita de lo que llevamos de año, se acerca mucho”. Raúl Guillén.
«Independientemente de cuál sea su recorrido comercial, impredecible en estos momentos, Christina Aguilera puede estar bien orgullosa de este ‘Accelerate’ que está entre lo más avanzado que jamás haya grabado, su ‘Music‘ particular. Aguilera menciona Nueva York («y todo el mundo») nada más empezar, y Ty Dolla $ign Los Ángeles («y todo el mundo»), como si se hubieran planteado este single como un homenaje a la música de moda en estas ciudades a lo largo de las décadas. Hay algo del jazz de Harlem en ese ritmo acelerado sobre el que algunos de los participantes parecen improvisar, en las voces y el ruido de fondo que se han dejado pasar en el club (¿ladridos, coches de carreras del futuro «acelerando»?), y también en la toma vocal del californiano Ty Dolla $ign, que parece como si se hubiera quedado afónico después de haber estado cantando toda la noche sin poder aclararse la garganta en un club de mala muerte; hay algo de las fiestas funky de Studio 54 y de Parliament en ese teclado que emerge tan cósmico de vez en cuando pero que nunca llega a mutar en explosión disco; hay algo de la vocación pop de las artistas curtidas en Nueva York de toda la vida (de Debbie Harry a la propia Aguilera) en un pre-estribillo y un estribillo nítidos en medio de todo esto; pero también, como anunciaban ambos, esto es un viaje por el mundo. Hay algo del urban de Timbaland y su modo de producir voces a Justin Timberlake, algo del minimalismo de moda impuesto hace un par de años desde Canadá por Drake y Bieber, de la marca retorciendo bajos y sintes de Kanye West y su colega Mike Dean (ambos presentes), de la producción post-soul a lo James Blake en la outro, quizá algo de electro europeo o de «French touch» en el mencionado teclado… aparte del obligado rap actual a cargo de 2 Chainz. En ‘Accelerate’ cada pista parece provenir de un lugar diferente, haciéndonos recordar marcianadas olvidadas como aquel momento en que los alemanes Kraftwerk influían en los albores del hip-hop tanto en el Bronx, con ‘Planet Rock’ de Afrika Bambaattaa (1982), como en el de Los Ángeles, vía Uncle Jamm’s Army (1984). Pero sobre todo ‘Accelerate’ despunta porque nada de eso parece estar ahí en absoluto, conformando todo un himno del futuro. De una primera escucha en que te pasas 2 minutos esperando a que la canción empiece de una vez… hasta la revelación final en que todo encaja y se te va la olla preguntándote de dónde coño viene cada una de sus apasionantes pistas». Sebas E. Alonso.
“¿Tiene Christina Aguilera mala suerte? Desde luego rara vez cumple eso de «estar en el sitio adecuado en el momento adecuado»: lo de Timberlake/Madonna/Britney (muchos ni siquiera recuerdan que ella también estuvo allí), la polémica del ‘Not Myself Tonight’ añadiéndose a la controversia que ya existía por Gaga, el caos de ‘Lotus’ y su flop, que superaba incluso al que acababa de sufrir el infravalorado ‘Bionic’ -siempre defenderé que a ese disco le quitas algo de morralla y te queda un notable álbum de pop electrónico disfrutón, lleno de temazos-. Casi diez años después, lo de la mala suerte sigue ahí: lead-single producido por Kanye, JUSTO AHORA. Lo bueno: es difícil que funcione peor que ‘Lotus’. Lo malo: la repercusión que podía tener antes no es, en absoluto, la que puede tener ahora… en principio. Porque ‘Your Body’ no sonó tanto como debería y un temazo como ‘Birds of Prey’ ni siquiera trascendió, pero la ñoña ‘Say Something’ fue hit, así que ‘Accelerate’ podría dar una sorpresa positiva para la intérprete de ‘You lost me’. ‘Accelerate’ no es la bomba que podría ser porque aunque tiene puntos a favor (la producción y el estribillo, tampoco quedan mal los versos junto a Ty Dolla), otros restan mucho (la estrofa de 2 Chainz sobra, el outro podría haberse recortado bastante, la propia Christina está desaprovechada). Por hacer un símil gaguil: no es un ‘Jewels & Drugs’, pero tampoco un ‘Do what U want’”. Pablo N Tocino.
Janelle Monaé ha publicado este mes de abril su tercer disco, ‘Dirty Computer‘, un trabajo complejo, pero a la vez muy pop, en el que Monáe reflexiona sobre su identidad como “mujer negra queer” en Estados Unidos hablando de sexualidad, identidad y hedonismo, a la vez que deja multitud de referencias al contexto social y político actual de manera similar a lo que han hecho recientemente Beyoncé, Kendrick Lamar o Solange.
Una canción que resume las intenciones de ‘Dirty Computer’ es ‘Screwed’, una de las pistas más accesibles y queridas por el público. ‘Screwed’, en la que colabora Zoë Kravitz como artista invitada, es una divertida canción pop con ecos a los ochenta de Cyndi Lauper, Bananarama (esos punteos tan ‘Cruel Summer’) y, por supuesto, Prince, pero también es un corte abiertamente político (como todos los de ‘Dirty Computer’) en cuya letra caben referencias a un “mundo que está jodido” y, de manera más directa, a Donald Trump, las “fake news”, la brecha salarial o las armas.
‘Screwed’ plantea un escenario de revolución a través del hedonismo y de la libertad sexual, y el mensaje del tema está en el carácter polisémico de la palabra “screwed”: si el mundo está “jodido”, más nos vale “follar” o salir de fiesta hasta caernos muertos, como hacen Monáe y sus colegas en el videoclip de la canción presente en la película ‘Dirty Computer’ (minuto 14.55). Como el resto de temas del disco, ‘Screwed’ aúna política con una sensación irrefrenable de pasarlo bien, y es enormemente representativa del disco en su reflexión última de que pasarlo bien también es política.
Este fin de semana se está celebrando en Murcia el Warm Up Festival (antes WAM), cuyo primer plato fuerte del viernes fue Carlos Sadness, confirmando su tendencia al alza en cuanto a legión de seguidores. Para ellos, por mucho Kasabian, seguro que el catalán fue su “fruta favorita”, como canta en ‘Amor Papaya’, uno de los temas incluidos en su último trabajo, ‘Diferentes tipos de luz‘, que presentó y del que no faltaron tampoco lo ya hits ‘Hale Bopp’, ‘Longitud de onda’, sin olvidarse de temas anteriores como ‘Días Impares’ o ‘Miss Honolulu’. Todo un habitual de los festivales, Iván Ferreiro congregó a un grupo de seguidores de edades bastante diversas. El gallego, de actualidad esta semana por la publicación de su tema para la serie ‘Fariña‘, salió al escenario bailando a ritmo de ‘Casa, ahora vivo aquí’ y se centró especialmente en su último álbum (‘Casa’), cantando -con una voz especialmente destacable- temas como ‘El pensamiento circular’, pero sin olvidarse de sus anteriores trabajos. De hecho, el top 3 en cuanto a entrega del público se lo llevaron ‘El equilibrio imposible’, la pirata ‘Años 80’ y, sobre todo, la preciosa ‘Turnedo’. Otros con muchos años de experiencia sobre los escenarios son Sidonie, que presentaron el reciente ‘El peor grupo del mundo’, donde no faltaron, por supuesto, la revolveresca ‘Carreteras Infinitas’ y las guitarras Smiths de la canción homónima, nacidas ambas para ser interpretadas en festivales por sus letras, además de temas de sus anteriores discos como ‘Estáis aquí’. Mención también para otros incombustibles: El Columpio Asesino, que mantuvieron despiertos al personal en una hora difícil a base de bailes en cortes como ‘Babel’ y, por supuesto, ‘Toro’, que tuvo a la mitad del público coreando el “te voy a hacer bailar toda la noche”.
La primera parada internacional estuvo a cargo de Nada Surf. A pesar de problemillas técnicos, los neoyorquinos compensaron contagiando de energía a su público e interactuando con él (los momentos de Daniel Lorca traduciendo a Matthew Caws). En un show con gran presencia de las guitarras eléctricas, aprovecharon para presentar parte de su ‘You Know Who You Are’ y temas muy queridos como ‘Inside of Love’ y una ‘Blonde On Blonde’ (a la que la película ‘Tormenta de verano’ le dio un buen empujón) que nos perdimos para poder ver el último tramo de Poolshake. El gran nombre internacional del festival, Kasabian, abrió con ‘III Ray (The King)’ y se dedicó a las canciones del reciente ‘For Crying Out Loud’, como la pegadiza ‘You’re in love with a psycho’, sin olvidarse de las dos más celebradas, ‘Club Foot’ y ‘Fire’ (cantaron esta última cuando más llovió, curiosamente). En general los británicos no interactuaron demasiado con el público, más allá de los “raise your hands” y “can’t hear you!” habituales, lo que hizo que el concierto, más allá de momentos puntuales, no terminase de despegar todo lo que podía. El caso contrario fue el de !!!: a pesar de ser unos veteranos con siete álbumes de estudio a sus espaldas, es cierto que no son unos Kasabian en cuanto a convocatoria… a priori. Porque su frontman, Nic Offer, se llevó de calle a los allí presentes y a todos los que, curiosos, se fueron acercando: salió a escena vestido con una chaqueta y calzoncillos y no paró de moverse al más puro estilo Mick Jagger, acercándose al público y jugueteando con ellos en varias canciones. Sin duda, uno de los grandes momentos de la noche (por ponerle un pero, la percusión estaba alta de más, en comparación con la voz), donde los estadounidenses se dedicaron sobre todo al interesante ‘Shake The Shudder‘, con gran protagonismo de teclados en temas como ‘Our Love (U Can Get)’.
Y de veteranos pasamos al otro extremo, porque también hubo hueco para tres revelaciones como Esteban y Manuel, Poolshake y la cada vez más popular Ms Nina. Poolshake, que citan entre sus influencias a Pale Waves y Britney Spears, tienen un punto fuerte en su mezcla de tropical y guitarreo psicodélico, pero también en la actitud de su vocalista, desde sus bailes en trance a sus ocurrencias entre canción y canción. La “cumbiatune” de Esteban y Manuel convenció también, haciendo que las caras WTF de los presentes al empezar el concierto dejasen paso a toda una fiesta en directo, con cada vez más personas congregándose al ritmo de idas de olla como ‘Ela Namoroume’ que dejaban un buen rollo instantáneo. Por último, fue Ms Nina la encargada de cerrar esta primera edición. Ya tuve la oportunidad de verla después de nuestra entrevista en Monkey Week, pero aquí su reto era mayor al estar programada para las 4:30 de la mañana. Ningún problema: la autora de ‘Pastillas’ hizo que fuese muy fácil aguantar y, tras una introducción (quizás demasiado larga) en la que se pincharon temas de reggaetón, Nina entró en escena y no paró de bailar y entregar un hit de perreo tras otro, del ‘Tu Sicaria’ nada más comenzar a ‘Reinas’, ‘Traketeo’, ‘Danger’ o la más reciente ‘Friki’, además de estrenar un tema(zo) nuevo del que no dijo el título -apostamos por ‘Rico Rico’- y que, según contó, lanzará la semana que viene.
Amaia y Alfred han realizado este viernes el primer ensayo de ‘Tu canción’ en el escenario de Eurovisión en Lisboa, y las críticas están siendo mayormente negativas. Se habla de una actuación fría y “lineal” a la que “le falta romper” y que sobre todo no consigue transmitir la “magia” y la “química” que expresa la canción y que debería fluir entre los dos intérpretes, que son pareja. También hay críticas para la “oscura” puesta en escena de ‘Tu canción’ y para el trabajo de cámaras, que “tiene que ser mejor”, y se han apuntado a varios errores técnicos que se esperan se subsanen en próximos ensayos, como un fallo pirotécnico y errores en la iluminación y el sonido.
Sin embargo, en una entrevista posterior a los ensayos, Amaia y Alfred han comentado que se sienten contentos con la actuación, aunque han afirmado que tras la prueba se van a cambiar detalles de la actuación relacionadas con la iluminación y los planos. También han hablado sobre el apoyo que reciben de sus compañeros de Operación Triunfo y de las varias entrevistas que están realizando estos días con motivo de su participación en Eurovisión. Dicen que la prensa sobre todo les preguntan sobre el vestuario y la puesta en escena.
Actualización: Nuevo ensayo de Amaia y Alfred entero. Se ha confirmado que actuarán en la primera mitad de la gala final.
En ‘10.000 Days’, el último disco de Tool (su banda mater), Maynard James Keenan colocaba a su madre, Judith Marie, a la altura de la más alta de las divinidades surgidas de la Tierra. Una mujer que padeció un gran calvario en vida –vivió en silla de ruedas sus últimos 27 años (unos 10.000 días…)– pero que dejó una importantísima huella moral en el músico sobre la que siempre han pivotado sus valores, sus ideas y sus letras. Resultado de la mezcla de aquella impronta con una visión ácida de la religión institucionalizada, unas creencias espirituales autodidactas y sincréticas y una tendencia a la crítica social feroz, las canciones de Keenan sientan muchas veces como los capítulos más punzantes de ‘Black Mirror‘: un oscuro reflejo en el que da miedo mirarse. En consonancia, ‘Eat The Elephant’, su última obra al frente del supergrupo A Perfect Circle, es un disco que, escuchado con atención, humildad y autocrítica, te puede romper el corazón y la conciencia por su alto contenido crítico-ético. Porque, mientras fracasa en su obsesiva búsqueda de divinidad en la humanidad, en la búsqueda frustrante de una humanidad pura y buena en la que merezca la pena creer, Keenan arrasa con todo, iracundo y corrosivo, configurando un discurso agitador y contestatario muy necesario en nuestros días.
Hemos tenido que esperar casi década y media para escuchar el cuarto disco de la banda encabezada por Keenan, Billy Howerdel y James Iha (de The Smashing Pumpkins), pero ha merecido la pena. Y no solo porque el arsenal lírico-discursivo de Maynard se haya actualizado y sincronizado con la era actual de la hiperconexión, sino también porque en lo estrictamente musical A Perfect Circle han vuelto siendo totalmente reconocibles. Sin buscar comparaciones con ‘Mer de Noms’ y ‘Thirteenth Step’, la característica voz telúrica de Keenan sigue igual, las guitarras profundas e incisivas, el piano casi apocalíptico y las baterías apremiantes se mantienen intactas y con el mismo veneno curativo que hace quince años. Siempre más cerca del rock alternativo que del progresivo o que de cualquier cepa del metal, y más en la órbita estética-espiritual de Tool que en la de The Smashing Pumpkins.
Esta cualidad morfológico-identitaria de ‘Eat The Elephant’ ya se fue intuyendo a medida que aparecieron los diversos adelantos: ‘The Doomed’, combativa y emocional, ‘Disillusioned’, trascendental y romántica, y ‘TalkTalk’, con ese deje toolero que le da el salto de voz catártico del verso “Get the fuck out of my way”, refuerzan el estilo genuino de A Perfect Circle. Puede que sean los tres mejores temas del disco, pero esa misma identidad estilística aparece en la lenta progresión de intensidad de ‘The Contrarian’ y en la envoltura con eco de sus guitarras en el tramo final; en ‘By and Down the River’, la canción estructuralmente más toolera; en la densa ‘Feathers’; e incluso en la inaugural y desalentadora ‘Eat the Elephant’, que recuerda a ‘Annihilation’, de ‘eMOTIVe’, su álbum de versiones.
Por otro lado, ninguna de las canciones que se sale de la norma resulta molesta o inconveniente. La apertura y los arreglos de violín y piano de ‘So Long, and Thanks for All the Fish’, el aire a Pearl Jam de ‘Delicious’ o la siniestra agresividad de ‘Hourglass’ –hola, Marilyn Manson– refrescan de algún modo el discurso musical y lo distancian ligeramente de un canon al que no tendría sentido aferrarse quince años después.
Volviendo al apartado lírico, podría decirse que ‘Eat The Elephant’ contiene música ética más que protesta. Las dianas de las críticas de Maynard son una sociedad alienada por las nuevas tecnologías y el consumismo –“So we dive like crows towards anything glittering” (‘Disillusioned’)–, los mentirosos –léase Trump– (‘The Contrarian’), los charlatanes que dicen y no hacen (‘TalkTalk’), el orden establecido que bendice al rico y condena al pobre, al pacífico y al decente –“Behold a new Christ / Behold the same old horde / (…) New beginning, new Word / And the word was death / And the word was without light” (‘The Doomed’)– y la inexistente justicia divina (‘Delicious’).
Por eso, tras el despliegue de los problemas diagnosticados por Keenan, y con la amenaza de una guerra nuclear, más hambre y destrucción de fondo, ‘Hourglass’ subraya de forma tan agresiva que ya ni siquiera somos capaces de reconocer las señales de alerta y peligro inminente: “No hope left in the hourglass / (…) Tick tick tick, do you recognize the sounds as the grains count down?”.
Pero Maynard también aporta recetas contra la inacción. “Just take the step / (…) Just take the bite / Just go all in”, dice desde un comienzo como solución para enfrentarnos al elefante que hay en la habitación. “We got mountains to climb / No time to coddle you”, concluye en ‘Get the Lead Out’. Y, mientras tanto, “Echa un vistazo a tu alrededor, encuentra un camino en el silencio / Acuéstese con la espalda apoyada en el suelo / Desconecta y vuelve a conectarte”. Si el mundo no cambia, cambia tú.
Calificación: 7,9/10 Lo mejor: La identidad de ‘Disillusioned’, ‘The Doomed’ o ‘TalkTalk’, la urgencia agresiva de ‘Hourglass’ y, sobre todo, el discurso. Te gustará si te gusta: la esencia de A Perfect Circle, Tool y las propuestas de rock alternativo que se ponen trascendentales y/o profundas. Escúchalo: Spotify
Hemos hablado de las candidatas favoritas a ganar en el Festival de Eurovisión 2018, de las propuestas más infravaloradas pero, ¿qué pasa con las canciones con menos posibilidades? Esas que a lo largo del tiempo no perduran y cuyas actuaciones en muchas ocasiones aprovechamos para ir al baño, hablar con amigos o simplemente tuitear que ya llevas dos chupitos porque te han liado para jugar al Bingo de Eurovisión y han aparecido dos divas de pelazo y ventilador de frente y te toca beber. Este año sorprende ver a países tan típicos como Rusia o Rumanía con tan pocos apoyos pero en esto de Eurovisión ya se sabe que un día puedes estar arriba y al siguiente en lo más bajo.
Europa del Este
Llama la atención que uno de los tópicos más repetidos por aquellos que detestan el Festival de Eurovisión es que los países del este siempre ganan porque se votan entre ellos. Las cifras demuestran lo contrario. En los últimos 12 años, solamente podríamos considerar a 3 países “del este” como ganadores (Rusia, Azerbaiyán y Ucrania) por lo que dicho tópico, como era de esperar, no tiene ni pies ni cabeza.
Otra prueba de peso se encuentra en la edición de este año, donde muy pocos países de esa zona geográfica se encuentran con posibilidades reales de llegar a la parte alta de la tabla. El caso más sorprendente es el de Rusia, eterna favorita y siempre en cabeza de los países soviéticos, que este año puede llegar a quedarse en semifinales. Rusia viene representada por Yulia Samóilova, una artista discapacitada que por razones políticas no participó en la edición anterior celebrada en Ucrania. Su tema ‘I Won’t Break’ ha pasado sin pena ni gloria, sus actuaciones dejan mucho que desear al oído y, atención, la puesta en escena consiste en ella sobre una montaña de papel maché (literal) ocultando su silla de ruedas.
Con este panorama, algunos prefieren mirar a otros países como Letonia, Armenia o Georgia. El país báltico lleva un tema llamado ‘Funny Girl’ interpretado por Laura Rizzotto, artista de origen brasileño que tiene todas las papeletas para ser la peor clasificada de las tres intérpretes bálticas del concurso. Por su parte, Armenia lleva lo que viene siendo una armeniada que hace 10 años habría sorprendido pero a estas alturas de la vida, no. ‘Qami’ de Sevak Khanagyan es la típica canción con elementos folk que la mitad del continente cree que ya ha participado dos o tres veces en el concurso. Por otro lado, Georgia presenta ‘For You’ de la mano del grupo Iriao de corte bastante similar, pero es la candidata más probable a ocupar el farolillo rojo en su semi: no destaca, no tiene a ningún país de cultura similar del que pueda recibir apoyos y actuaría después de los anuncios, algo bastante mortal para cualquier país en Eurovisión. Aun así, hay quien asegura que se salvará de la quema gracias al jurado.
Ni siquiera Rumanía se encuentra como las favoritas en Eurovisión 2018. The Humans cantarán ‘Goodbye’ en el escenario del Altice Arena de Lisboa, un tema pop rock que no destaca demasiado y que ni llenando el escenario de maniquíes (como lo leéis) se salvará de la maldición de actuar en segundo lugar. Muy distinta puede ser la suerte de sus vecinos de Moldavia con ‘My Lucky Day’ de DoReDos. Hablando mal y pronto, su representación es un cuadro mamarracho: la canción suena a verbena y la actuación promete recordar a los sketches de ‘Noche de Fiesta’, por lo que no ha dejado indiferente a nadie. No llegarán al tercer puesto de SunStroke Project el pasado año pero las apuestas ya les están aupando y en estos momentos se encuentran rozando el top 10. No podemos evitar preguntarnos qué suerte hubiera corrido la candidata ‘La esencia del sur’ de haber llegado a Lisboa.
La “vieja” Europa
Que el festival haya girado los últimos años hacia los países clásicos de Eurovisión no asegura nada. Países como Irlanda o Suiza no se encuentran entre los favoritos de esta edición y la semana de ensayos tampoco augura nada bueno para ellos. Lo cierto es que Alemania, con Michael Schulte y ‘You Let Me Walk Alone’ es el mejor posicionado de los países incluidos aquí (incluso Reino Unido o los Países Bajos parecen contar con menos apoyos), quizás por tratarse de una balada con clara intención lacrimógena cantada a piano y dedicada al padre del intérprete. Es probable que consiga una posición bastante decente pero no cambiará la historia del festival. Al menos este año Alemania no ha copiado descaradamente un hit pop como ha hecho los dos últimos años.
Igual suerte puede correr Irlanda, el país que más veces ha ganado Eurovisión en toda la Historia. Ryan O’Shaughnessy, actor y concursante de ‘Britain’s Got Talent’ y ‘The Voice’, representará a dicho país con ‘Together’, una balada (la tercera en cuatro años) sobre una ruptura cuya letra te dará ganas de cortarte las venas si te han dejado hace poco. Como dato a tener en cuenta, su videoclip muestra a una pareja gay de manera totalmente natural, algo no muy común a pesar del público que siempre ha seguido Eurovisión.
Polonia buscará lograr su quinta final consecutiva con ‘Light Me Up’, donde el dance y la electrónica se juntan en una canción que puede sonar tanto en un Bershka como en un bar de Chamberí. Interpretada por Gromee ft. Lukas Meijer y con un videoclip rodado en Barcelona, transmite mucho buen rollo pero por ahora Europa no está “living a celebration” (perdón por el chiste malo). ¿Ganará en directo una canción de este estilo de música?
Por su parte, Islandia parece haberse hartado de llevar propuestas interesantes como en 2016 y 2017 y esta vez apuesta por Ari Ólafsson y ‘Our Choice’, una canción que deja bastante claro las pocas ganas que tiene el país helado de intentarlo este año. Suiza, por último, nos presenta a Zibbz y ‘Stones’, un corte de pop rock que desgraciadamente no correrá mejor suerte que el resto de candidatas suizas de los últimos años.
La antigua Yugoslavia y el Mediterráneo
Algo similar a lo ocurrido con la Europa del Este se está produciendo en la zona de los Balcanes. Mientras que hace años era habitual ver propuestas interesantes en buenos puestos de la tabla final, en las últimas ediciones no más de dos países han logrado una clasificación y ni siquiera con resultados esperados (lo más “exitoso” podrían ser los puestos 10 y 13 de Serbia 2015 y Croacia 2017 respectivamente). Es precisamente Croacia el país que presenta el corte más interesante de la edición con ‘Crazy’ de Franka Batelic, una propuesta soul.
Eslovenia, Montenegro, Serbia y Albania son los países que completan la lista. El primero (actualmente último en las casas de apuestas por debajo de San Marino) está representado por Lea Sirk y ‘Hvala, ne!’, una canción de electropop que en su país mostró con una realización muy interesante. Mientras, Serbia actuará con la balada algo insulsa ‘Nova Deca’ de Sanja Illic y Balkanika. Montenegro (con ‘Inje’ de Vanja Radovanovic) y Albania (con ‘Mall’ de Eugent Bushpepa) presentarán sobre el escenario sendas “balcanadas” aunque la segunda con un toque mucho más comercial y llamativo.
Por último tenemos los casos de Malta y San Marino. La isla mediterránea llevará a Lisboa ‘Taboo’ de Christabelle, una mezcla de Demi Lovato y Ariana Grande pero no tan bien como suena. San Marino no estará representada por Valentina Monetta, la única habitante del microestado, sino por el dúo formado por Jessika y Jenifer Brening con ‘Who We Are’. La canción suena sospechosamente parecida a ‘Heroes’ de Mans Zelmerlow y contará con varios robots emitiendo mensajitos. Es todo tan surrealista que a lo mejor al final termina triunfando.
José María Íñigo ha muerto este sábado a los 75 años, ha comunicado esta mañana Pepa Fernández en su programa ‘No es un día cualquiera’ de Radio Nacional de España (RNE), y recoge RTVE. Con la marcha de Íñigo se va uno de los rostros (y también una de las voces) más conocidos de la televisión española desde los 70 y 80 hasta nuestros días.
Periodista sobre todo vinculado a la música, Íñigo -nacido en Bilbao en 1942- presentó varios programas de radio musicales a lo largo de su carrera, como ‘Último grito’ o ‘El gran musical’, y además fue uno de los creadores de Los 40 Principales. Aunque fue en los 70 y 80 cuando empezó a gozar de verdadera popularidad gracias a programas muy recordados de Televisión Española como Fiesta, Directísimo o Estudio Abierto.
Últimamente fue muy recordada la labor de Íñigo de comentarista de Eurovisión, trabajo que desempeñó desde 2011 a 2017, años en los que sustituyó a José Luis Uribarri. Sin embargo, este año Íñigo había declinado comentar Eurovisión, y llegó a explicar que le daba “pereza hacer siete u ocho horas de vuelo” para viajar al país anfitrión. Unos años antes, en 2006, Íñigo formó parte de ‘Supervivientes: Perdidos en el Caribe’, retransmitiendo desde República Dominicana las últimas novedades de los concursantes.
Ariana Grande sube al número 1 de nuestra lista semanal con su nuevo single ’No Tears Left to Cry’, que está siendo todo un éxito comercial. A las puertas del top 10, ’I Like It’ de Cardi B, ‘Delicate’ de Taylor Swift y ‘Call Out My Name’ de The Weeknd marcan nuevo máximo. También suben Nicki Minaj y C. Tangana, en una semana cuyas únicas novedades son el curioso tema de Beatriz Luengo con Mala Rodríguez, el de Franz Ferdinand y el de Vega. Nos despedimos -al superar las 10 semanas en lista y estar en la mitad baja de la tabla- de los singles de La Bien Querida, Los Punsetes y Beach House, aunque en el último caso se puede votar por el nuevo. Ya podéis escuchar nuestra nueva lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.
Najwa Nimri y Sandra Escacena (‘Verónica’) protagonizan el divertido vídeo de Glamour España dedicado al Día de la Madre, que es el domingo 6 de mayo. Divertido y a la vez un poco inquietante, porque aunque seguramente la intención era que el personaje materno de Najwa fuera entrañable, por momentos da un poco de mal rollito, como en la escena que describe su hija (Escacena) sobre sus poderes de deducción, que le hacen toda una detective. “Tú debes creer que soy la única que no se entera de nada, pero ayer no estuviste durmiendo ni estudiando en casa con Natalia”, relata Najwa. “Ayer saliste con Joe, el que tiene el cuello corto. No me malinterpretes, yo no tengo nada en contra de este chico, bueno, podría dejarse algún hueco entre tanto tatuaje para que le pudieran poner los sellos del after, y entiendo que el desarrollo normal de una hija es mentir a una madre, pero hazlo con inteligencia y sobre todo sin creer que soy gilipollas”. La piel como escarpias.
En el resto del vídeo, la hija explica cómo su madre sabe tanto de todo que cuando quiere es lingüista (“debo hablar en chino, ¿verdad?”) o traductora (“te lo voy a decir muy clarito para que lo entiendas: no”) y cuando no enfermera (“lo que pica, cura”), peluquera (“¿qué te has hecho en el pelo?”) o médico de cabecera (“si estas mala para ir al colegio, estas mala para salir”), pero sobre todo, M-A-D-R-E, como concluye al final “porque soy tu madre y punto”.
A un día de que empiece Eurovisión (el 8 de mayo es la primera semifinal, el 10 la segunda, y el 12 es la gran final), los países participantes van reforzando sus propuestas o perdiendo fuelle en las casas de apuestas a medida que realizan los ensayos de sus actuaciones en Lisboa. Y para España las noticias no son malas, aunque tampoco espectacularmente buenas, al menos en las semifinales. Según las apuestas, ‘Tu canción’ de Amaia y Alfred baja, situándose en el 14, tras haber fluctuado en los últimos días el puesto 11 y el 13, y haber realizado un segundo ensayo con ligeros cambios de vestuario e iluminación. Podéis verlo bajo estas líneas. Tras el sorteo pertinente, se ha sabido que España actuará en la primera mitad de la final del sábado, lo cual no se considera bueno tradicionalmente en las casas de apuestas.
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Los franceses The Scaners, desde Lyon, llegan hoy a nuestro país para presentarnos su primer disco, homónimo, un álbum de 12 canciones y 24 minutos en el que pese a su brevedad caben recuerdos a The Ramones y a los tiempos en que proliferaban grupos como The Vines y The Hives. Aunque lo suyo es por tanto un punk garajero que les hace entregar hits de 2 minutos (‘Abduction’, ‘We Want to Talk to Your Leader’) o incluso solo 1 (‘Spacecraft’), también tienen importancia en su música los teclados, como podemos observar en ‘Checkpoint Planet’. Atención al sonido de ambulancia con el que arranca ‘The Dries’, incorporándose como sample a distintas partes de la canción, truco parecido al que encandila al final de ‘Video Tape’, al inicio de ‘Flying Fuck’ o durante ‘Modern Fissure’.
El colombiano Maluma publicaba el pasado viernes un nuevo single en una faceta en la que no estamos tan acostumbrado a verle. Se trata de ‘Marinero’, una balada de poso soul en la que la voz de Juan Luis Londoño –que así se llama en la vida real– apenas se hace acompañar por una guitarra eléctrica, demostrando su estilo como cantante melódico. No perreo… no labio. En ella Maluma se lamenta por los “dolores en el alma” de un amor perdido, porque lo descuidó (“hablabas, no te escuchaba, sólo era desnuda que me gustabas”). Por si fuera poco, mientras ella le daba su corazón, él iba como “un marinero buscando amor, por cada puerto como si nada”.
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Janelle Monaé ha publicado este mes de abril su tercer disco, ‘
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