Crystal Fighters, uno de los grupos británicos más queridos en nuestro país (al final su conexión con Navarra era limitada), tienen un tercer disco preparado aunque aún sin fecha de edición ni nombre. Sucederá a ‘Star of Love‘ y ‘Cave Rave‘. ‘Love Is All I Got’ con Feed Me, ‘At Home’, ‘Plage’ y ‘You & I’ superan los 10 millones de reproducciones en Spotify.
El grupo anuncia una gira por nuestro país que llama la atención por los recintos en que se celebra: Barclaycard Center de Madrid (el antiguo Palacio de los Deportes, ahora habilitado para formatos de 2.500 o 5.000 personas), el amplio Sant Jordi Club en Barcelona, el Velódromo de Anoeta, también ciudades que no visitan todos los grupos internacionales como A Coruña, Granada, Valencia… Está claro que será una gira ambiciosa en la que recogerán el cariño recibido por el público durante esta década.
De hecho, Houston Party anuncia que ya se han vendido 2.000 tickets en una preventa organizada por el grupo en Songkick. Hoy se ponen a la venta las entradas. Os dejamos con las fechas a la espera de tener novedades sobre ese tercer disco del grupo, el primero tras la muerte de su batería, Andrea Marongiu.
3 dic – A Coruña – Pelícano (Entradas)
5 dic – San Sebastián – Velódromo de Anoeta (Entradas)
7 dic – Barcelona – Sant Jordi Club (Entradas)
9 dic – Granada – Coliseo de Atarfe (Entradas)
10 dic – Valencia – Feria Valencia (Entradas)
11 dic – Madrid – Barclaycard Center (Entradas)
Aparte de contar con una de las películas más taquilleras este año, la divertida ‘Kiki, el amor se hace‘, Paco León estrenaba el pasado 20 de mayo una zarzuela llamada ‘Cómo está Madriz’ que no está precisamente exenta de polémica. Esta es la sinopsis oficial según se desprende de la web del Teatro de la Zarzuela: «Año 2016. Paco vive en la Plaza Mayor de Madrid. No consigue acostumbrarse a las miles de celebraciones, manifestaciones, cabalgatas y demás ruidosas reuniones ciudadanas que se celebran bajo su balcón. Esta vez una orquesta entera toca La Gran Vía para celebrar el centenario de su construcción. A pesar del escándalo, Paco consigue caer en un profundo sueño hasta que un nuevo griterío lo despierta. Para su sorpresa se ve caminando por las calles del Madrid de finales del siglo XIX. Más que caminar, charla con ellas. Aquí le habla todo el mundo con la mayor naturalidad: las calles, las estatuas, los políticos, los madrileños, la Generación del 98, músicos insignes… Todos le invitan a emprender un paseo enajenado por este Madrid del siglo XIX que presenta sospechosas similitudes con su propio tiempo. Tal vez porque quien lo sueña es un hombre del siglo XXI o tal vez, porque tampoco hemos cambiado tanto…»
La obra es una versión libre de Miguel del Arco, basada en las piezas de género chico ‘La Gran Vía’ y ‘El año pasado por agua’ de Federico Chueca (1886) y Joaquín Valverde (1889). Como informa El País, hay alusiones directas a Bárcenas, Rato y varios miembros del Partido Popular, alguna pulla a la izquierda y también se ve cómo a un cardenal le practican una felación en un prostíbulo. Entre los asistentes indignados en otras sesiones está el ex alcalde popular de la ciudad Alberto Ruiz-Gallardón, y el pase del pasado miércoles, al que asistía la actual alcaldesa Manuela Carmena, tuvo que ser interrumpido por los abucheos del público, parte del cual había acudido con silbatos preparado para el boicot: estaba organizado.
Daniel Galindo de RNE ha relatado en el mencionado diario: «Nunca pensé que asistiera a una escena tan violenta en el teatro. Se levantó una fila entera, pero no se fueron sino que se quedaron como buscando bronca». Paco León intervino para pedir respeto para los actores e invitó a los que montaban bronca a irse, como así terminaron haciendo tras intentar forzar una pelea. La obra pudo seguir aunque Paco León ha relatado que «las risas no fueron las mismas».
El director ha declarado en El Mundo: «Entiendo que a alguien no le guste, que no sea lo que se esperaba, pero cuando eso sucede uno se levanta y se va, abuchea al final o plantea una reclamación, pero eso de pretender que porque a uno no le gusta algo debe dejar de representarse inmediatamente es inaceptable». La obra ha recibido 50 reclamaciones y Gallardón «se fue dando un sonoro portazo en su palco y diciendo que no volvería nunca al Teatro de la Zarzuela».
The Stone Roses están de regreso después de 22 años sin disco y unos cuantos también de rumorología y giras de revival, un tanto extraños teniendo en cuenta la decepción que supuso su segundo álbum, que rozaba lo inescuchable. Hace unas semanas compartían un single llamado ‘All for One’, decepcionante en la reivindicación de su propio sonido y facilón a más no poder. El tema aparecía en el top 17 de las listas británicas en su semana de salida, todo un logro para una banda de rock en la era streaming, pero desaparecía del top 100 en la segunda semana. Sin contar el streaming, solo las ventas, pasaban del número 5 al número 72 en solo una semana. Traducción: sus fans permanecen fieles, pero no han ganado precisamente nuevos seguidores.
Quizá por esa falta de impacto, han decidido rápidamente publicar una nueva canción, si bien el cada vez menos hipotético tercer álbum continúa sin ser anunciado. La nueva composición tiene algo más de miga. También se inspira en su sonido clásico pero en esta ocasión la recreación de su mítico debut está más conseguida y, aunque solo sea porque dura 7 minutos, hay más tiempo para penetrar en sus clásicas atmósferas Madchester de guitarras acuosas y ritmos «trippy». Se llama ‘Beautiful Thing’ y, de nuevo, Stone Roses han recurrido a la repetición masiva de un mantra para terminar de captar al oyente.
¿Recordáis la etiqueta «Galician Bizarre»? Pues se inventó para esto. Es muy probable que estos días te hayas encontrado con un vídeo con atisbo de hacerse viral y que te haya dejado una sensación mezclada, entre desazón por no entenderlo todo y la fascinación ante un ser raro y atractivo. Hablo de ‘Chica de La Coru’, una apropiación por todo el morramen de ‘I Follow’, el hitazo de Lykke Li. Y el ¿intérprete? es Edu, sin más. Aunque, en realidad, se llama Eduardo Fernández Peral, un chico residente en La Coruña (así lo indica el título de su canción), que se presenta como máster de arte contemporáneo, gestor cultural, crítico de arte, poeta emergente. «Míralo en Facebook, todo likes; mira en Instagram, todo favorites«.
De acuerdo, puede que ahora estés pensando que qué es esta mierda y que ya están los imbéciles de la Yeni tratando de epatar. Pues más o menos eso pensé yo (exceptuando lo de la Yeni) pero, al rato, me encontraba sin parar de canturrear lo de «de La Coru, chica-de-La, de La Coru» y dándole vueltas a su letra y al impacto que dejó en mí el clip. Una ardua investigación de 20 minutos me mostró que Edu, también conocido en la internet como @DufPearl, es un auténtico hijo de la generación Tumblr, sólo que diferente. Él es una evolución ilustrada del canismo. Un Youtuber que, en sus clips (no siempre son canciones, como muestran los desconcertantes / descacharrantes ‘Total Curator‘ o ‘Crísis existencial’), demuestra que es una rareza entre sus semejantes, un chico leído en historia, arte, filosofía y política, y con una mordacidad sin piedad, capaz de ridiculizar a las generaciones posteriores como a la suya propia con mucha gracia.
Por imposible que os parezca, Edu tiene un disco de este mismo año subido a Bandcamp, titulado ‘Príncipe de la Tinieblas‘ en el que una inquietante y divertida propuesta de rap (algo torpe, pero con mucha gracia), tecno, synth-pop, incorrección política, autotune y electrónica de baratillo se concretan en títulos como ‘Pimp Wa$$ap’, ‘Inditex Vixens’, ‘Erasmus Nights <3', 'Queercore' o 'Bosque fosforito', con samples de Portishead (!). Repito que, lo más probable es que todo esto os parezca una mamarrachada, y quizá tengáis razón. Pero, ¿habéis pensado por un momento lo que opinaba la gente de vuestra edad del colectivo Austrohúngaro allá por 1999? Pues eso: abismo generacional en toda la cara.
La moda de consumir series en plan maratón de tarde puede relacionarse con la subida del paro en los últimos años, la amplísima oferta y la expansión de nuevas vías como Filmin o Netflix. Esta última realiza un interesante estudio en el que revela qué tipo de series son consumidas en plan maratón de tarde. Según este estudio, la gente consume más rápidamente los thrillers, las series de terror o de ciencia ficción, como ‘The Walking Dead’, ‘Scream’ o ‘The Fall’. Las comedias como ‘Bojack Horseman’ se consumen más despacio y también ese tipo de dramas políticos para los que hace falta pensar o atar cabos. El ejemplo dado es ‘House of Cards’: poca gente ve dos episodios seguidos.
En medio, quedarían obviamente lo que se conoce como dramedias. Según publica PRNewsWire el ejemplo dado es el de ‘Orange is the New Black’. Cuando termina una serie como esta, el público dice «vamos a ver uno más, pero solo uno más» en lugar de «vamos a ver otro y otro».
El estudio se ha hecho sobre más de 100 series en 190 países y su conclusión con respecto a la comedia es curiosa. Porque todos entendemos por qué uno puede llegar a tragarse 4 episodios seguidos de ‘Prison Break’, ¿pero quién no se ha tragado 6 capítulos de ‘Modern Family’ seguidos un domingo por la noche o una temporada entera de ‘Girls’ un sábado por la tarde? ¿Está el estudio sesgado por la duración de las sitcoms?
Justin Bieber está demasiado liado como para hacer un vídeo decente para ‘Company’, pero no para meterse en más líos. La gira de presentación de ‘Purpose’ tenía un descanso programado entre los días 19 de mayo y 11 de junio -sin cambiar de continente-, y este miércoles el cantante acudía en Cleveland a un partido de la NBA.
Sin que se sepa la razón se enfrascó en una pelea con otro individuo algo después de las once de la noche en las afueras de un hotel. TMZ obtiene el vídeo en el que se ve cómo da un puñetazo, se defiende, más gente se suma y termina en el suelo. Justin Bieber estaba en el tercer partido de la final del torneo de baloncesto portando una camiseta de los Cleveland Cavaliers y el portal de sociedad cree que podría ser una tradicional pelea post-partido.
También algunos testigos dicen que había gente pidiendo fotos a Justin, algo que no le agrada nada. Sus palabras exactas el pasado mes fueron que se sentía como «un animal del zoológico» y que comprar un disco no te daba derecho a ninguna foto. «Me gustaría ser capaz de poder mantener mi salud mental», indicaba defendiéndose de las decenas, probablemente cientos de fotos que sus fans intentan hacerse con él a diario.
No sabíamos de ellos desde 2011, cuando hicieron una gira por nuestro país para presentar su álbum de 2010, ‘Shadows‘, y la verdad, ha sido demasiado tiempo. Pero, al fin, hay novedades de los escoceses Teenage Fanclub. El locutor radiofónico Mark Radcliffe ha estrenado esta semana en su programa de BBC Radio 6 Music el nuevo single del grupo de Glasgow. Se titula ‘I’m in Love’ y nos presenta esa vena romántica que los autores del mítico ‘Bandwagonesque’ siempre tuvieron y a la que han dado rienda suelta en sus últimos álbumes de estudio. Por el momento, sólo podemos escuchar un radiorip que un fan ha subido a Youtube, pero la calidad es suficiente para disfrutar de la canción.
Con una cadencia acelerada (no punk pero casi casi), las siempre fantásticas armonías vocales de Norman Blake y Gerard Love, y una letra sencilla (que dice en su estribillo «Me siento bien cuando estás cerca de mí, eso es suficiente / ¿Verdad que el amor es un gran misterio? Ahora estoy enamorado de ti»), ‘I’m in love’ tiene madera de nueva favorita del público, como ya ocurriera con los dos primeros singles de sus dos álbumes anteriores, ‘Baby Lee’ e ‘It’s All in My Mind’. De hecho, podemos escucharla en una grabación en directo que una seguidora del grupo hizo en una actuación en Colonia, en la que Norman anunciaba que su nuevo álbum saldría en 2015.
No fue así y, de hecho, tendremos que seguir esperando un poco más para escuchar esas nuevas canciones. El 29 de julio se publicará este single, mientras que el disco llegará más tarde, en otoño, en paralelo a una gira que Teenage Fanclub ofrecerá en Reino Unido. Con la salida de este álbum se habrá cumplido el lapso más largo entre dos discos de la banda, 6 años. El anterior, ‘Shadows’, se publicaba justo 5 años después de su predecesor, ‘Man-Made’.
‘Final Song’, el último single de Mø, suena por momentos como un intento bastante desesperado de emular el éxito que la cantante danesa tuvo con Major Lazer y DJ Snake en ‘Lean On’. Como lo fue, sin llegar a ningún sitio, ‘Kamikaze‘. Es difícil encontrar en ella el encanto que tenían muchas de las canciones del debut de Mø, ‘No Mythologies to Follow‘.
El caso es que había que hacer un vídeo para ella y se estrena hoy. En él vemos a la cantante en el desierto, arrancándose con una coreografía salvaje. No en vano oficialmente la canción va de «reconectar con tu fuerza interior, con la pasión y el espíritu animal que llevamos dentro, la fuerza que consigue que sigamos haciendo lo que amamos». Quizá el baile se verá replicado en los múltiples festivales que esperan a Mø este verano, desde Alemania y Noruega a Estados Unidos pasando por Japón. La amplísima gira anunciada no incluye España, al menos de momento.
Por otro lado, Mø recuerda que esta canción la escribió con MNEK y el autor de ‘The Rhythm’, a la postre corista en ‘Living for Love’ de Madonna y colaborador en ‘Lemonade’ de Beyoncé, también está de estreno esta semana. En concreto presenta el vídeo para su tema ‘At Night (I Think About You)‘.
Garbage han jugado al despiste con el lanzamiento de su sexto álbum. Lo primero que supimos de él es que supondría un regreso a sus inicios y lo primero que escuchamos un single, ‘Empty‘, totalmente carente de interés, que efectivamente podríamos situar cerca de ‘Garbage’, debut que el año pasado celebraba su 20º aniversario con edición especial y gira. Y no, ‘Strange Little Birds’ no es un álbum parecido a ‘Garbage’ ni está hecho precisamente en «piloto automático». Se abre sonando como el disco más electrónico y raro de Garbage (ojo a su título), con una canción tan intrigante como cargada de patetismo, culpa e inseguridad, ‘Sometimes’, que pasa de sonar a banda sonora en sus primeros instantes a ser el tema más sucio de su carrera, bajo la co-producción de Billy Bush, el técnico de sonido con el que la banda ha trabajado desde 1998 y que en 2010 se casaba con la cantante Shirley Manson.
Ese sonido más electrónico tiene continuidad poco después con la balada radioheadiana ‘If I Lost You’, una declaración de amor, oficialmente la «primera canción de amor escrita desde dentro por Shirley desde ‘Milk'», y ‘Night Drive Loneliness’, con un espíritu medio decadente muy parecido. Incluso ‘Blackout’, también en esta primera mitad, aunque suene muy Garbage, incorpora un bajo tipo Joy Division que da un nuevo aire a este tema que en principio escribieron para una película de vampiros.
Sí encontramos en este disco referencias a su pasado: ‘If I Lost You’ recuerda un poco a ‘A Stroke of Luck’, ‘Teaching Little Fingers To Play’ incluye un simpático «fix me now» además de, de nuevo, cierto sabor a ‘Milk’; y quizá los elementos del disco sean casi los mismos sólo que dispuestos de otra forma. Garbage nos tienen acostumbrados a abrir sus discos con un potente tema uptempo, a seguir con una serie de hitazos en la primera mitad para después alternar medios tiempos con temas más animados y terminar con una balada o canción épica (‘Milk’, ‘You Look So Fine’, ‘Happy Home’). Sí cierra ‘Strange Little Birds’ un tema lánguido, muy cercano a los U2 de ‘Love Is Blindness’, pero encerrando una considerable fiereza. Ese ‘Amends’ muestra a una Shirley profundamente decepcionada por la imposibilidad de conocer a una persona, recordando lo aptos que han sido siempre Garbage para expresar sentimientos como la decepción, la inadaptación al medio o la tristeza.
Por razones musicales y líricas, estos son los Garbage de siempre. Pero aunque los ingredientes sean casi los mismos, la presentación cuenta y esta está, como decía, claramente del revés: han empezado en voz baja, han situado bastante baladas al principio, lo más parecido a los hitazos hacia el final (‘Magnetized’, la vitalista y combativa ‘So We Can Stay Alive’ y ‘We Never Tell’, esta última muy en la línea de ‘Special’ y ‘When I Grow Up’) y la pasivo-agresiva ‘Even Though Our Love Is Doomed‘, que parecía hecha para cerrar, está justo en el centro del disco. Por eso y por la radicalización de algún sonido, parecen otros Garbage.
El grupo ha vuelto a equivocarse con el single, como sucedió en ‘Not Your Kind of People‘, y no ha terminado de unir bien estrofas y estribillos en canciones que podrían haber estado a la altura de sus mejores éxitos un poco más trabajadas, como ‘Magnetized’ y ‘Blackout’. Como consecuencia, no hay claras favoritas igual que la evolución no es radical, pero entre los momentos hermosos (‘If I Lost You’), los más comercialoides (‘We Never Tell’) y los que esconden grandes «growers» (el emocionante final de ‘Even Though Our Love Is Doomed’, el desgarradísimo de ‘Amends’ y el jevi-industrial de ‘So We Can Stay Alive’), la escucha de estas canciones es más apasionante que perezosa, en contra de lo que algo como ‘Empty’ hacía pensar. Nada kitsch a diferencia de ‘BeautifulGarbage’ y ‘Bleed Like Me’, ‘Strange Little Birds’ muestra a Garbage ligeramente renovados y sorprendentemente centrados. Este es su disco más electrónico desde ‘Version 2.0’ y posiblemente también sea el mejor desde entonces.
Gibraltar Music Festival es un evento celebrado en el Estadio Victoria de la colonia británica, en los días 3 y 4 de septiembre. En su pasada edición, pudimos presenciar actuaciones tan diversas como las de Kings Of Leon, Madness, Duran Duran, Paloma Faith, Little Mix u OMI. El festival se caracteriza por reunir bandas y artistas de estilos musicales muy diversos, tanto de habla anglosajona como española. Entre los primeros, como contábamos hace unas semanas, se cuentan los rockeros Stereophonics, la siempre interesante KT Tunstall, las recientemente reactivadas All Saints, así como nuevas y pujantes solistas pop como Jess Glynne y Foxes. Entre los segundos, los recurrentes Rosario y Los Secretos.
Hoy se ha dado a conocer una nueva tanda de incorporaciones al cartel, entre las que se cuentan los ídolos adolescentes The Vamps, que se han convertido en un fenómeno en UK, logrando aupar tres de sus canciones al Top 10; Toploader, la banda que reventó las listas en 2000 con su adaptación del tema de 1972 ‘Dancing in the Moonlight‘; y Nathan Sykes, joven vocalista que formara parte de la boyband The Wanted y que ahora se labra una carrera en solitario cantando, entre otros, con Ariana Grande.
Pero sin duda, el gran atractivo de este anuncio es el de la participación como cabeza de cartel del que fuera vocalista de Roxy Music, Bryan Ferry. Como indica la nota de prensa, «con tres álbumes números uno y diez singles top ten, Bryan Ferry será el cabeza de cartel del escenario Gibtelecom. Como líder de Roxy Music, se convirtió en un icono global gracias a hits como Virginia Plain, Street Life y Love is a Drug antes de empezar su carrera en solitario en 1973. Bryan Ferry sigue sigue siendo un artista majestuoso, con una voz y una capacidad interpretativa que lo conviertene en único. Un enigma del pop, capaz de hacer temblar las rodillas a estadios enteros». Cabe recordar que en los últimos años Ferry ha publicado discos tan destacables como ‘Olympia‘ o ‘Avonmore‘, un álbum en el que colaboraba con artistas de la talla de Nile Rodgers, Johnny Marr, Mark Knopfler, que no desmerecían en absoluto su leyenda.
La Oreja de Van Gogh han anunciado esta semana a través de Twitter que se van a Francia a grabar su nuevo disco. Ya era hora, porque la incertidumbre después de su disco ‘Cometas por el cielo’ empezaba a convertirles en los Portishead del pop español. El álbum se editaba hace 5 añazos. ¿Qué ha pasado desde entonces? Algunas canciones inéditas para un directo por allí, alguna banda sonora de Leire por allá (nada menos que para el taquillazo ‘Ocho apellidos vascos‘), pero nada serio.
No podemos enlazar críticas que indiquen que ‘Cometas por el cielo’ es una cumbre de la historia de nuestro país, pero sí puedo decir que es un álbum muy difícil de superar en muchos sentidos. Agradecidísimo de reseñar -pocas veces he tomado tal cantidad de notas criticando un disco-, divertido, rocambolesco en sus textos, generoso en ganchos muy locos repartidos entre puentes, estrofas, letras y efectos, incluía joyas como ‘La niña que llora en tus fiestas’, la canción de «tu carita es una rosa sin abrir» -con efectos vocales justo en esta frase- que culminaba con un sonoro campanazo; ‘Cometas por el cielo’, la de «quédate hasta que la luz del alba muestre mi corazón enredado en la alambrada de tu voz que me ha rozado el alma» o «quédate conmigo y mi suspiro será el único testigo que se vestirá de fiesta»; o también ‘Las noches que no mueren’, la de «me tuve que marchar, me tuve que marchar, me tuve que marchar, me tuve que marchar, me tuve que marchar, me tuve que marchar, me tuve que marchar, me tuve que marchar, me tuve que marchar, yo me tuve que marchar, me tuve que marchar» y «el invierno en tu nariz» y «querías poner la primavera en mí». ¿Cómo superar esto? No hay duda de que La Oreja de Van Gogh han estado en una encrucijada todos estos años.
El álbum fue un éxito comercial, logrando el disco de platino, y consolidaba la formación con Leire tras la buena acogida que había tenido ‘A las cinco en el Astoria’. Teniendo en cuenta lo complicado que es ubicar a una nueva cantante cuando el público estaba acostumbrado a Amaia Montero, es bastante extraño que el grupo donostiarra no aprovechara para seguir exprimiendo la nueva gallina de los huevos de oro, y en cierta medida lo hacía con una generosa gira y los discos en directo ‘Cometas por el Cielo – En directo desde América’ y ‘Primera fila’, pero no con material realmente inédito grabado en el estudio. ¿No se arriesgan al olvido del público casual?
«Una caca pinchada en un palo»
El grupo ha estado, después de actuar durante un par de años, dedicado a sus vidas personales. Sabemos que Leire se ha casado y ha sido madre y que el pasado verano fallecía el político Txiki Benegas, padre del compositor y miembro de La Oreja Pablo Benegas (Amaia Montero acudió al entierro), pero los retrasos han tenido no sólo que ver con lo personal, sino también con lo musical. En enero de 2015 se anunciaba que el disco saldría a finales del año pasado o principios de este. En enero de 2016 se anunciaba que el grupo comenzaría a grabar en abril. De nuevo, no se cumplía el plazo.
Ayer @laorejadevgogh anunció que su próximo disco de estudio saldrá a finales de 2015 o principios de 2016 como muy tarde.
La Oreja de Van Gogh dejaba el pasado mes de agosto un mensaje en su club de fans realmente ilustrativo: «Queridos amigos, como imaginaréis, nuestra desaparición es más bien una hibernación mientras seguimos y seguimos escribiendo un nuevo disco. Cada día, no importa qué día de la semana sea, lo comenzamos juntos con un café en la mano y legañas en los ojos repasando lo que avanzamos el día anterior. Muchas veces, lo que ayer nos pareció maravilloso, es al día siguiente una caca pinchada en un palo, pero, cuando no, la sensación es fabulosa. Y así, poquito a poco, estamos preparando un disco que estamos convencidos de que os gustará al menos a los fans del electro latino y el death metal. Circunstancias personales que la mayoría conoceréis, algunas buenas y otras malas, hacen que vayamos despacio, pero, eso sí, con paso firme. Sabemos que seguís allí, al pie del cañón, como siempre. Os notamos cerca y con ganas y eso nos encanta y nos contagia. Dentro de poco volveremos a tomar las riendas de Twitter y Facebook con propiedad y os contaremos de todo, pero, mientras tanto, acordaos de nosotros y mandadnos energía creativa para que el disco quede guay».
Casi un año después, parece que al fin el grupo tiene las canciones maquetadas, después de 5 años de esfuerzos, y se encuentra en Francia grabando el álbum, en el mismo estudio donde han grabado varios de sus discos. El 5 de junio anunciaban: «Hoy nos vamos pronto a la cama, que mañana es el gran día: ¡nos vamos a Francia a grabar nuestro séptimo disco! No hemos parado ni un segundo, pero para vosotros ha sido una larga espera. A partir de ahora os iremos contando nuestro día a día». El día 6 posaban ya de viaje y durante esta semana han hablado de la grabación de las baterías, de noches de insomnio, citado a Camela o bromeado sobre los costes del álbum: «Haciendo el idiota a varios miles de euros cada día de estudio ahora que Sony no nos ve».
Huele a Q4, que dirían en Popjustice. Ahora sí, parece que antes de Navidades tendremos nuevo disco de La Oreja de Van Gogh. Después de tanto tiempo, no puede haber decepción, ¿verdad? Porque habrá álbum este año, ¿no?
El hoy exitoso ‘ANTI‘, el último y sorprendente disco de Rihanna, ya nos convenció bastante de inicio, pese a que una secuencia distinta podría haberlo hecho incluso mejor. De hecho, es un disco que no para de crecer con las escuchas sucesivas. Pero no podemos imaginar lo que podría haber sido si, como hoy sabemos, hubiera incluido colaboraciones como la que hoy conocemos. Se trata de una canción que el productor escocés Hudson Mohawke presentó a la cantante de Barbados y que ella, finalmente no escuchó, como ha aclarado el sello Lucky Me (en principio se había dicho que la había rechazado). Según Dazed, ha sido el propio Ross Birchard (nombre real de Mohawke) el que ha dado a conocer una de las demos que presentó, con fecha de septiembre de 2015, en una versión cantada por el prometedor vocalista y productor Littlebabyangel.
¿Que te suena de algo? No, ni te ha poseído el espíritu de Esperanza Gracia ni se te ha sentado mal la ensaladilla rusa del bar. Es, simplemente, que la has escuchado recientemente. Porque esta demo no es ni más ni menos que una versión primigenia de ‘Crisis’, una de las canciones incluidas en ‘Hopelessness‘, el disco publicado hace unas semanas por ANOHNI. Se trata del nuevo nombre artístico de Antony Hegarty, la mujer que se haya convertido en un icono de nuestro tiempo con su proyecto musical Antony & The Johnsons. Nuestro compañero JB, en su crítica de este álbum, decía de ‘Crisis’, entre otras canciones del disco: «(…) cuesta mucho imaginar que alguien vaya a morirse de ganas de volverlas a escuchar una vez haya terminado de oír el disco». ¿Quizá Rihanna pensó exactamente lo mismo?
‘Hopelessness’ es un proyecto en el que ANOHNI abandona las orquestaciones y la sencillez en las que se apoyaba en sus primeros trabajos y se entrega del todo a la música electrónica, confiando enteramente en dos artistas que conjugan riesgo y música pop, cada uno desde un ángulo diferente. Se trata de Oneohtrix Point Never, álter-ego del productor Daniel Lopatin que el pasado año publicó el fantástico ‘Garden of Delete‘ (uno de nuestros discos del año), y el mencionado Hudson Mohawke, cuyo ‘Lantern‘ le transformó en una estrella internacional. Mohawke se ha convertido en un solicitado productor desde que publicara en 2009 su debut, ‘Butter’, llegando a trabajar con estrellas del calibre de Kanye West y Drake. Lo cual, sin embargo, no le ha reportado los beneficios económicos que supuestamente merecía: recientemente acusaba de impago a ambos raperos por las bases que había hecho para ellos.
@FACTmag not sure you can say rejected when no one heard it. the beat went to the Anohni album.
El dúo californiano de hard rock Deap Vally, formado por Lindsey Troy y Julie Edwards, nos presenta hoy su nuevo single, titulado ‘Smile More’. Este tema formará parte del que será su segundo álbum, ‘Femijism’, que se publicará el próximo 16 de septiembre. La canción encaja a la perfección en el esquema de rock sencillo, directo y contundente, à-la-White-Stripes, que ya mostraron sobradamente en su debut ‘Sistrionix‘, en el que explotaban el componente sexual del rockandroll. En ‘Smile More’, sin embargo, su letra mantiene un discurso de autoafirmación, que, a la ligera, podría resumirse como feminista («and yes, I am a feminist») pero que, en realidad, podría extenderse a cualquiera que en su vida se haya sentido menospreciado o tratado con condescendencia.
En una contundente retahíla, Lindsey canta que no se avergüenza de su estado mental, de su peso corporal o de no ser la esposa de nadie. «No quiero ser un reflejo, no necesito tu dirección», culmina su estribillo. Su videoclip fue rodado en un barrio de su Los Ángeles natal, cerca de donde grabaron su primer disco, por la realizadora canadiense Nina Ljeti, que usó un smartphone de última generación para su rodaje, con el fin de darle una mayor sensación de realismo, a lo que contribuyen diversos viandantes que accedieron a aparecer en el vídeo. De hecho, incluso la hija recién nacida de Julie, la batería, hace un cameo en el clip junto a su canguro.
‘Femijism’ ha sido producido por Nick Zinner, conocido por ser guitarrista y compositor del afamado grupo neoyorquino Yeah Yeah Yeahs y que el pasado 2015 hizo lo propio con el debut de Songhoy Blues, una interesante banda de rock de Mali. Hace unos meses, Deap Vally se dirigían de esta forma a Nick, según NME, tras finalizar la grabación: «Nick, ha sido un verdadero honor y una aventura épica hacer este disco contigo. Gracias por inspirarnos, forzarnos a dar lo mejor de nosotras, y por levantarnos». Gracias por compartir tu magia con nosotras. Casi ni podemos creer que se haya terminado. Te queremos y te echaremos de menos». Por entonces, la banda lanzó otro nuevo single, que previsiblemente estará incluido en ‘Femijism’, titulado ‘Royal Jelly’, cuyo vídeo contaba con el protagonismo absoluto de la famosa modelo Georgia May Jagger, la hija de Mick Jagger y Jerry Hall. Precisamente su querido Nick Zinner hacía también un cameo en el vídeo, ejerciendo de camarero.
Los pamploneses Belize son y con motivo uno de los grupos nacionales que ha dado el salto en el último año. Sus variadas canciones -no sólo en cuanto a idioma-, entre el indie, la bossa e incluso la música de baile tal y como la entienden Crystal Fighters y Delorean han calado entre la gente y dos de sus canciones, ‘Stab My Heart’ y ‘Little Secrets’, superan holgadamente el millón de escuchas en Spotify (la primera se acerca a los 3 millones).
El grupo planea un segundo álbum que saldrá al mercado en 2017 pero tan pronto como este viernes 10 de junio llega a las plataformas digitales el primer adelanto, la cálida ‘L’Hiver (Qui Sera)’, que alterna un delicado ritmo brasileño con arreglos orgánicos y electrónicos. Hoy JENESAISPOP estrena su nuevo videoclip, en sintonía con la canción, rodado en un tranquilo campo de flores con la banda sintiendo el viento en la cara, disfrutando de la vida bucólica, etc. Dirige Santi G. Barros, que ha querido recrearse en las flores amarillas de los campos de colza, tan característicos del paisaje navarro en primavera. «Había momentos en que las flores nos tapaban a todos por completo, filmar con tan poco espacio fue un gran reto», comenta Santi. «Inicialmente íbamos a rodar en una azotea, pero al subir y contemplar el paisaje, tuvimos claro que teníamos que cambiar la ciudad por el campo. Al fin y al cabo, las flores han formado parte del imaginario del grupo desde la grabación de ‘Tik’al‘, añaden un aire mágico y onírico que funciona muy bien con la música», concluye el director.
La canción ha sido compuesta para el último cortometraje de los directores donostiarras Jon Garaño y Jose Mari Goenaga (las fantásticas ‘En 80 días’ y ‘Loreak’), y cita entre sus influencias a Charles Trenet, Jacques Brel o Georges Moustaki, pero también a Air, Phoenix o Yelle. La sección rítmica, con aires exóticos y tropicales, corre a cargo de Juan R. Berbín (Seward), que además ha producido la canción codo a codo con el grupo. Romain Renard (La Pegatina) interpreta el acordeón y es coautor de la letra. La portada del single la han diseñado Laprisamata Artwork & Ángel Fuertes.
«Es nuestra primera canción en francés», apunta Ana. «Es una historia en forma de diálogo, como el resto de composiciones de Belize». «Nos gustaba el contraste que se crea al hablar del invierno a la vez que suenan los cálidos sonidos de acordeones, violas y guitarras españolas», añade Ángel.
Belize actuarán este 11 de junio en el Festival de les Arts de Valencia junto a Hurts, The Drums o Zahara (entradas, aquí) y también se les podrá ver el mes de junio en La Roda (Festival de los Sentidos), Barbastro (Polifonik Sound) y Cáceres (Sonora CC). En agosto participarán en las ediciones del Santander Music Festival, Arenal Sound y Sonorama Ribera.
Justin Bieber estrena hoy el vídeo de su nuevo single ‘Company’, extraído del disco ‘Purpose‘, que se acerca ya a los 5 millones de unidades vendidas en todo el mundo. Dirige una persona habitual de su equipo, Rory Kramer, y se compone de: Bieber de gira, Bieber saltando, Bieber diciendo «cómo molo», Bieber de buen rollo, etcétera.
Tiene el valor de defenderlo así: «Personalmente me encanta este vídeo porque es una mirada honesta a mi viaje durante el último año. El proceso de sacar este disco y esta gira adelante rodeado de la gente con la que me encanta estar ha sido realmente especial. Estoy orgulloso de él, todo el proceso ha sido muy divertido y ha llevado mucho trabajo, y creo que eso se muestra en el vídeo. Espero que a mis fans les guste tanto como a mí, porque es realmente para vosotros». Y tanto que es para sus fans.
Bieber publicó ‘Purpose’ acompañado de una serie de visuales para cada canción. El que se dio a conocer en 2015 para ‘Company’ se componía de escenarios urbanos y movimientos sexys en una suerte de orgía, si bien no ha calado demasiado en Youtube: 28 millones de visitas, una minucia para los números que suele manejar este artista.
Justin, de gira, probablemente no ha tenido tiempo de grabar un vídeo interesante para esta canción tan digna, pero es curioso lo que está sucediendo y quizá hasta puede hablarse de tendencia: en plena era audiovisual, ahora que Youtube y Vevo cuentan para el Billboard Hot 100, Justin Bieber no sale en el vídeo de ‘Sorry’, presenta este esperpento para ‘Company’, Drake no presenta vídeo para el mayor macrohit de su vida ‘One Dance’, Kanye West no hace ni un vídeo para ‘The Life of Pablo’ y Beyoncé no tiene ni uno de sus nuevos vídeos visibles en su cuenta de Youtube. ¿Qué está sucediendo? ¿Crearon tendencia Daft Punk con ‘Get Lucky’ y no nos dimos cuenta?
Beyoncé estrenaba en HBO la estupenda película de ‘Lemonade’ inmediatamente antes de estrenar el disco en Tidal el pasado mes de abril. Ahora el director Matthew Fulks ha decidido denunciar a Beyoncé, Sony, Columbia y Parkwood Entertainment por haber plagiado su corto ‘Palinoia’. El artista indica que le consta que el equipo de Beyoncé conocía su trabajo antes de filmar ‘Lemonade’, pues se envió un enlace a su corto a Bryan Younce de Columbia Records al trabajar con otro artista de este sello, en concreto el dúo MS MR. En julio de 2015 se invitó a Matthew Fulks a que enviara un vídeo para que Columbia lo valorara.
Matthew Fulks considera que se ha «explotado» su trabajo y pide un porcentaje de las ventas de ‘Lemonade’ al incluir estas la película. ‘Palinoia’ está en Youtube y además Pitchfork ha obtenido una comparación de algunas capturas algo parecidas entre este corto y algunos planos de ‘Lemonade’. El caso recuerda bastante al de otra queja que recibió Beyoncé por unos audiovisuales el pasado mes de septiembre. Entonces, se trató del vídeo junto a Naughty Boy, ‘Runnin’. Los canarios The Ocean Brothers recalcaban el parecido que el clip de Naughty Boy tenía con uno de sus vídeos. Contaban que una importante productora se había puesto en contacto a través de mail, interesándose por recrear los mismos idea y concepto para un videoclip, hasta un punto en el que se perdieron las comunicaciones y nunca más volvieron a saber de los responsables del videoclip. En el momento en que su queja apareció en Cadena Ser, no habían decidido si procederían a denunciar.
Es por eso que esta vez han contado con Toño Casado y el Padre Damián, el cura de aspecto indie que participó recientemente en La Voz) para generar la inenarrable ‘Hoy ya soy feliz’, un pepinazo EDM que -como la canción de Chico y Chica- tiene de todo: tiene dance, tiene techno, tiene trap, tiene dubstep, tiene moderno. ¡Si por tener tiene hasta una coreografía!
Hace cuatro años los suecos Niki & the Dove emergieron en el pop electrónico con la voluntad de encandilar a los simpatizantes de sus paisanos The Knife y aquellos que lo gozan con las melodías sintéticas más épicas. Sin embargo, pese a lo notable de su debut, ‘Instinct‘, el disco realmente pasó sin pena ni gloria y sólo fue reivindicado por unos pocos, por lo que imaginamos que antes de ponerse a trabajar en este ‘Everybody’s Heart Is Broken Now’ que ahora nos ocupa, Malin Dahlström y Gustaf Karlöf se sentaron seriamente para decidir si de cara a su segundo largo iban a tirar por los derroteros del primero, o bien se iban a salir por la tangente reinventándose.
Al final se han decantado por lo segundo, lo cual puede llevar a primeras a que aquellos que les seguían la pista desde sus inicios se lleven un chasco. Y digo lo de a primeras porque hasta quien esto escribe se sintió algo defraudado al escuchar en diagonal hace semanas estos nuevos trece temas. Eso sí: una vez uno deja los prejuicios de lado y se adentra con las escuchas en este último trabajo, las canciones crecen y crecen como un tsunami. Si Dahlström hace menos de un lustro aspiraba a ser la nueva Karin Dreijer Andersson, ahora quiere ser la nueva Stevie Nicks. No hace falta más que escuchar la muy ‘Tango in the Night’ ‘So Much It Hurts‘ o esa ‘Lost Ub’ que bien podría haber formado parte de ‘Tusk’ para darse cuenta de que los nuevos Niki & the Dove han convertido a Fleetwood Mac en una de sus mayores influencias artísticas.
Aunque también se asoman otros artistas a lo largo de este disco que toma el desamor y la nostalgia como principales leit motivs. La sombra de Prince se vislumbra en el baladón ‘Everybody Wants To Be You’, y hasta la de Donna Summer en esa ‘Shark City (Tropico X)’ de aires funky, uno de los temas más coquetos que aquí pueden encontrarse. Asimismo, aparentemente los singles sonados no son tan descarados, pero resulta imposible no acabar enamorado de la buenrrollera ‘You Want the Sun’ o esa ‘Play It On My Radio‘ que seguramente le habrá encantado a Anthony Gonzalez de M83 ahora que él, al igual que el dúo sueco, reivindica el legado de la radiofórmula AOR.
Calificación: 7,2/10 Lo mejor: ‘So Much It Hurts’, ‘You Want the Sun’, ‘Lost Ub’ Te gustará si te gusta: Fleetwood Mac y el último M83 amante de la radiofórmula AOR Escúchalo: Spotify Cómpralo: Amazon
Piyama es el proyecto de Aaron Sáez de Varry Brava, y wini two, investigador y productor musical, uno de los que incluimos hace unos meses en nuestra última lista «13 temas nacionales que deberían estar arrasando«. La canción allí incluida era ‘Carmesí’ y hoy nos damos el gusto de estrenar su videoclip.
Como el correspondiente a ‘Bicicletas‘, ha sido realizado por Rasterice, y su concepto es fresquísimo como la canción: «A Piyama les encanta el verano, las azafatas de vuelo y viajar». Por ello, esta pieza intercala «sus tristes vidas reales con las soñadas vidas como detectives privados de honorarios inflados donde las esperas sorbiendo café, los maletines y las carreras están a la orden del día». El vídeo, a veces literal, alterna escenas de Piyama creando la canción en un ático o sobre una cama en un escenario pop -como lo es su música mucho antes que hip-hop- con símbolos de esa otra vida ansiada: maletas, aeropuertos, avionetas, etcétera.
Piyama! preparan su entrada de nuevo al estudio para cerrar su trilogía de presentación con ‘EP#3’. Hasta entonces, no perdemos la oportunidad de compartir de nuevo la animada mixtape del grupo ‘Mezcla de influencias’.
Hace unos días, nos citamos con Doble Pletina en el barrio barcelonés del Poble Sec, en un bar de los de toda la vida, para charlar con ellos sobre su nuevo álbum, ‘Así es como escapó‘. Me espera la banda al completo a excepción de Jordi Llobet, batería, días antes de su presentación en la jornada inaugural del Primavera Sound 2016. Charlamos con ellos sobre la gestación del álbum, el cambio de Cati por Jordi a la batería, la mayor presencia del componente electrónico en las nuevas canciones o el humor y la tragedia de sus letras. Doble Pletina actuarán este verano en Vida Festival y el Festival Internacional de Benicàssim. Antes de eso, presentan su nuevo álbum en Madrid este sábado día 11 de junio, en la sala Siroco, junto a Caliza.
Han pasado 3 años entre vuestro debut y ‘Así es como escapó’. En este tiempo, Cati ha dejado el grupo definitivamente. ¿Ha sido particularmente difícil sacarlo adelante?
Jaume: «No, para nada».
Marc: «Ha sido el tiempo que nos ha llevado hacer las canciones».
Laura: «El hecho de que Cati haya dejado el grupo no ha influido».
Francina: «Tampoco es que tuviéramos prisa en terminarlo».
Marc: «Suena a mucho, tres años, pero se nos ha pasado rápido».
Francina: «Hoy día parece que todo caduca súper rápido, pero vamos, en este tiempo nuestra actividad no se ha interrumpido en ningún momento».
¿Entiendo que su salida ha sido la circunstancia que ha implicado un mayor uso de cajas de ritmos en el disco? ¿Y de ahí habéis saltado a un sonido más electrónico?
Marc: «Más que la salida de Cati, ha sido el hecho de trabajar más las canciones en casa que en el local. En el primer disco, como las canciones ya estaban hechas previamente y estábamos muy nerviosos por grabar, hubo mucho trabajo de ensayo en conjunto de las canciones antes de grabar. Y esta vez llegamos a grabar al estudio con las canciones más puras, apenas con algún arreglo, y terminaron de tomar forma ahí. Quizá por eso suene más sintético».
Francina: «En resumen, en el debut teníamos más la necesidad de traducir a analógico ideas que habían nacido en formato digital, mientras que en este no».
Finalmente, Jordi Llobet se ha sumado como batería habitual del grupo…
Marc: «Perdona, pero Jordi lleva ya mucho tiempo con nosotros, porque empezó a tocar la batería en directo hace ya unos dos años…»
Laura: «Pero bueno, sí, ha sido ahora cuando… ha firmado el contrato». (Risas)
Se percibe cierta lucha entre los temas interpretados por todo el grupo y los de mayor presencia de sintetizadores. ¿Ha sido complicado dar con ese equilibrio? ¿En algún momento llegasteis a plantearos prescindir de ese instrumento, a lo Klaus & Kinski, por ejemplo?
Jaume: «Tampoco lo vemos como una lucha…»
Marc: «Hemos hablado de esto, pero no lo hemos meditado, en realidad. Sí nos pareció evidente que canciones como ‘Nada’ ganaban mucho con esa caja de ritmos tan marcial, lo vimos muy claro. Pero en otras no era así y teníamos claro que tendría que estar la batería de Jordi, sencillamente».
O sea que, por lo que decís, entiendo que las canciones, tal y como las escuchamos en el disco, se transforman después cuando iniciáis los ensayos para trasladarlo al directo, ¿no?
Francina: «Sí, y nos apetecía, además, que fuera así. Nos gustaba pensar el disco como tal, y después adaptarlo al directo, al revés que sucedió con ‘De lo concreto a lo general‘, en el que fuimos a grabar las canciones tal y como las tocábamos. Son recursos distintos, y no queríamos limitarnos al formato banda para la grabación».
La influencia de OMD o los primeros Depeche Mode en canciones como ‘Mausoleo’ o ‘Nada’… ¿siempre ha estado ahí?
Laura: «En nuestro bagaje musical, han estado ahí de siempre, no es que hayan surgido de repente».
Jaume: «Quizá también al trabajar más desde casa, la tentación de usar midi y programaciones ha sido mayor».
Francina: «Siempre han estado ahí, pero ahora les hemos dado más rienda suelta».
Reescuchando ahora ‘De lo concreto a lo general’ era muy fácil recurrir a Le Mans o Vainica Doble para referirse a vosotros. En parte, ¿buscabais libraros del sambenito de la etiqueta folk o pop de cámara?
Jaume: «¿Qué es pop de cámara?». (Risas)
La verdad es que no lo tengo claro, pero he leído por ahí que os lo aplicaban…
Laura: «Nunca hemos sido un grupo de folk».
Marc: «Doble Pletina siempre ha sido un grupo muy de trabajo con el ordenador en casa, desde nuestra primera maqueta. El acabado acústico es algo circunstancial, pero no veo que tengamos que ver con el folk».
Francina: «De hecho, este disco suena más como la maqueta».
«He renunciado a ella [N.d.r: la sierra musical]. Embarcar en los aviones un arma blanca es muy complicado»
Curiosamente, volvéis a recurrir al uso de la sierra, como en vuestros inicios. ¿Cómo es que la recuperáis? ¿La usáis en directo también?
Marc: «No pierdo la oportunidad de tocarla. Sufría un poco porque se iba a acabar la grabación y no había ninguna y bueno, al final ahí ha estado en dos canciones. Hay una un poco más gratuita que otra, pero ha quedado bien…»
Laura: «La cosa es que no la podemos llevar nunca en directo, y es una pena, porque es donde Marc demuestra su virtuosismo acústico…» (Risas)
Marc: «Estoy muy triste, que lo sepáis, pero he renunciado a ella. Como embarcar en los aviones un arma blanca es muy complicado… (Risas) Me limitaré a tocar la guitarra».
Francina: «¡Como si embarcar la guitarra fuera fácil!». (Risas)
La afinidad con Elsa de Alfonso es obvia, dado que Laura y Marc formáis parte de Los Prestigio, su banda. ¿Cómo surgió la idea de que se involucrara en la producción del disco? ¿Qué aportación suya al álbum destacaríais?
Laura: «Nos prestaron un estudio de grabación y ella ejerció de soporte técnico con el Pro-Tools, básicamente. También nos daba su impresión sobre algunos temas, algunos consejos. Y algo de apoyo espiritual y espirituoso (Risas). Confiamos mucho en su criterio».
Marc: «Aunque no siempre le hemos hecho caso». (Risas)
Por momentos, especialmente en ‘Electrobolero’ o ‘Tenemos lagos’, parece muy clara la reminiscencia de Hidrogenesse, de las producciones de Genís. ¿Son una influencia en vosotros?
Jaume: «Somos hiperfans, así que para nosotros es un elogio del copón».
Marc: «En realidad no usamos nada analógico, como él, son todo plug-ins digitales. Pero gracias».
Aunque se suele hablar de humor en vuestras letras, personalmente veo en ‘Así es como escapó’ un trasfondo mucho más amargo que en vuestros inicios, casi hasta trágico. En todo caso, sería un humor estilo Buster Keaton, capaz de hacer comedia de situaciones dramáticas… ¿Representa un poco vuestra manera de relativizar el drama?
Marc: «¿Qué dices?» (Risas)
Laura: «Bueno, yo creo que el humor aparece porque es todo tan exagerado que acaba siendo cómico. Sí que hay un fondo trágico».
Jaume: «No son precisamente chistes, no es obvio».
Marc: «Pero, ¿a qué te refieres con trágico? Intento repasarlo mentalmente y no…»
«Pero, ¿a qué te refieres con trágico? Intento repasarlo mentalmente y no… (…) Yo veo este disco incluso más alegre que el disco anterior»
‘Nada’ me parece particularmente triste, tratando de negar una realidad que evidentemente es mucho más dolorosa de lo que nos quiere hacer ver la letra. Habéis hablado de escapismo en alguna entrevista, pero ahí es un escapismo un poco engañoso, ¿no? Como en ‘Tiquet’, puedes mirar a otro lado, pero no se va…
Marc: «Bueno, no es una escapada literal. Es buscar un mecanismo para huir de algún horror de la vida diaria».
Del mismo modo, ‘De la casa, del jardín’, que es uno de mis cortes favoritos y del que se extrae el título del disco, no es tan escapista como podría parecer por su narración casi cinematográfica. De hecho, parece empujar a escapar… ¡a través de la rutina!
Marc: «Bueno, eso es gracioso, ¿no?» (Risas)
Francina: «Siempre ha sido así. Del anterior disco, ante una canción como ‘Ya es tarde’ la gente decía qué canción tan dramática. Ya empieza diciendo «es tarde para tocar en un grupo de pop»».
Igual la culpa es mía, que me lo tomo demasiado en serio. Entiendo vuestro sentido del humor, pero es solo que a ‘Así es como escapó’ le veo un punto más trágico en un sentido teatral.
Marc: «Igual el paso del tiempo nos ha hecho más exagerados. Pero de verdad que yo veo este disco incluso más alegre que el disco anterior. Me he quedado de piedra con tu pregunta».
Laura: «Hombre, alegre, alegre… Yo entiendo lo que dice de trágico, y de hecho lo comparto…»
Donde sí veo el humor por todos lados es en ‘Electrobolero‘, cuyo vídeo me ha parecido maravilloso, descacharrante del todo. Dan ganas de ponerlo en bucle para analizar cada fotograma. ¿Cómo surgió la idea de recurrir a la marcha de Cati?
Marc: «Las preguntas del principio vendrían un poco de esto, ¿verdad?». (Risas)
Hombre, lo cierto es que redimensiona por completo el sentido de la canción, y ya no parece de amor. ¿Cuánto hay de psicoanálisis, de terapia, en todo esto?
Marc: «Fue desde el principio una idea de Stanley Sunday, nos lo propuso y nos pareció brutal».
Francina: «Habíamos trabajado con él en el clip de ‘Igual o mayor que‘ y después se mudó a Barcelona, nos hicimos muy amigos y, bueno, nos encanta todo lo que hace, así que teníamos claro que lo haríamos con él».
Marc: «Nos entiende en muchos sentidos, sabe darle un enfoque que nos va a encantar siempre».
«En un festival no tiene que ser todo música llenaestadios. También hay otro modelo de conciertos, más introspectivos pero a la vez más expansivos, que te hagan sentir»
Me llama la atención la fijación por las matemáticas y la geometría en las portadas de ambos discos y algunas letras de este, como ‘La progresión exponencial’. ¿De dónde viene ese ramalazo? ¿Algún tipo de deformación profesional?
Jaume: «Bueno, yo soy arquitecto técnico y Laura, arquitecta».
Marc: «Yo empecé arquitectura, y de hecho, conocí en la facultad a Laura. Pero lo dejé».
Laura: «Hiciste bien». (Risas)
Marc: «No somos muy de letras, en realidad, es una fachada». (Más risas)
Jaume: «La portada es muy literal, simplemente colores cálidos».
Francina: «Era una forma de mantener a Cati involucrada en el proyecto. Y bueno, ella nos conoce muy bien».
Curiosamente, nosotros que decíamos que no habíais hecho hits en este disco, al final vais a hacer más festivales (y más gordos) que Supersubmarina… Primavera Sound, FIB, Vida Festival…
Laura: «Y que Miss Caffeina».
A ver si vais a ser los próximos en dar el salto… Se presenta bien la cosa, ¿no?
Marc: «Todo es muy reciente. De hecho, pensábamos que era tarde. Sacando el disco en mayo, nos decían «es una fecha muy mala para llegar a festivales», y mira».
Laura: «Bueno, en un festival tampoco tiene que ser todo música llenaestadios. También hay otro modelo de conciertos, más introspectivos pero a la vez más expansivos, que te hagan sentir. Y ahí yo creo que encajamos bien».
Marc: «Encajamos bien en la primera hora de la tarde. Es cuando la gente está más atenta».
Jaume: «Más sobria, ¿quieres decir?». (Risas)
Laura: «Bueno, en Sonorama 2014 tocamos a la 1:00h y lo recordamos como nuestro mejor concierto».
Marc: «Parecíamos los Chemical Brothers. Sebas hubiera estado tan orgulloso de nosotros…». (Risas)
Dos cosas han molado mucho del esperado regreso de Metronomy, autores de uno de los grandes discos de 2014, ‘Love Letters‘, que no estaba anunciado y una parte de la nota de prensa que enviaba Warner: «Metronomy no tienen planes por lo pronto de salir de gira. «Quiero descansar de las giras, pero no quiero dejar de sacar música» dice Joe Mount, señalando que quiere pasar más tiempo junto a sus hijos».
En un mundo en el que los artistas ya ni se plantean no salir de gira porque donde está el dinero es en los directos -ya sea para enriquecerse más y más o simplemente como única forma de supervivencia-, es una rara avis digna de elogio que alguien grabe música por el placer mismo de grabarla, como en los últimos años Bowie, durante décadas Kate Bush o incluso en un momento de su vida, The Strokes.
Una vez escuchados sus singles principales, ya es muy evidente que Metronomy no han vuelto por el dinero. Si ya el sencillo ‘Old Skool’ te sonaba raruno, el nuevo que se estrena hoy es directamente una canción… ¡de of Montreal! La banda experta en cambios de ritmos e inclusión de géneros semi pop parece una referencia fundamental en su sonido pero esta es la influencia oficial que nos deja caer la banda sobre ese nuevo disco, ‘Summer 08’, que saldrá el 1 de julio:
«Producido y ejecutado enteramente por Mount, ‘Summer 08’ nace de las experiencias vividas por el multi-instrumentista en la época en que Metronomy consiguió su primer gran impacto en el público con su álbum ‘Nights out’ y la culpa de pasar momentos clave en la vida de sus seres queridos de gira en la parte de atrás de un autobús y la confusa manía de ser carne de cañón para la crítica (sic). El enfoque de Mount en ‘Summer 08’ era el de hacer un álbum de pop ecléctico y maduro con influencias de artistas como David Bowie, Outkast y Daft Punk. Grabado en Francia en los estudios Black Box y mezclado por Bob Clearmountain (Bruce Springsteen, David Bowie) y Neal Pogue (Outkast), es el álbum más creativo y atrevido de la Metronomy hasta la fecha y por una buena razón: no tienen planes por lo pronto de salir de gira».
A la espera de escuchar el disco al completo, os dejamos con ese segundo adelanto. Se llama ‘Back Together’.
Cruïlla, festival del que JENESAISPOP es medio colaborador, ha confirmado en su cartel de 2016 a Alabama Shakes, Damien Rice, Enrique Bunbury, Cat Power, Robert Plant & The Sensational Space Shifters, Skunk Anansie, Bomba Estéreo, Rudimental, Elefantes, Digitalism, Calexico, Xoél López, Esperanza Spalding, Crystal Fighters, Snarky Puppy, Chambao, Xoél López, Ramón Mirabet, Adrià Puntí y Animal. Hace unas semanas se cerró el cartel con la inclusión de James, en su único concierto en España este año, Egon Soda, Seeed, Shantel & Bucovina Club Orkestar y Emicida. Puedes encontrar toda la info sobre distribución por días, horarios y venta de entradas en la web del festival.
Esta mañana, en la Antigua Fábrica de Estrella Damm de Barcelona, Jordi Herreruela, director del festival, convocaba a la prensa para mostrar las novedades extramusicales que ofrecerá este año el evento que, de nuevo, se celebra en el Parc del Fòrum, los días 8, 9 y 10 de julio. Como novedad destacada, Herreruela ha avanzado que Cruïlla busca adaptarse mejor a las necesidades e intereses de sus usuarios, para ofrecerles la mejor experiencia posible, tratando no al público en masa, sino de la forma más individualizada posible. Para ello, aplicarán Business Intelligence, es decir, tratarán los datos de sus usuarios para que su participación en el evento vaya más allá de la mera asistencia a unos conciertos. Como ejemplos, Herreruela citaba que, en estos momentos, saben que 174 personas que acudirán a Cruïlla 2016 cumplen años en los días del certamen o, también, que acudirán 26 personas de edad superior a 65 años, a los que podría ofrecérseles algún tipo de ventaja. Sobre todo, se trata de utilizar la base de datos que se genera en la compra de la entrada a su evento para usarlos de una manera imaginativa, de forma que el público no sea un ente pasivo, sino que interactúe, incluso, con los propios artistas. Por ejemplo, ha sugerido que el propio festival podría incitar al público a hacer algún tipo de performance o guiño coordinado a algún artista, y que este pueda verse sorprendido por los asistentes a su show.
Para ello, el festival dispondrá de dos herramientas fundamentales: una aplicación para móviles, cuyo lanzamiento se prevé para el próximo 17 de junio, y una red de antenas dispuestas por todo el recinto, cortesía de uno de los patrocinadores del evento, que ofrecerán Wifi para los usuarios. De este modo, la organización y los usuarios pueden tener contacto permanente a través de la aplicación, a través de la cual se podrían coordinar acciones, enviar mensajes individualizados, organizar meet& greets con algunos artistas, pero también comunicar quejas, incidencias y demandas de uso en los servicios del festival, que el festival podría atender en tiempo real, o incluso alertar de una posible situación de emergencia.
En cuanto a los servicios, Cruïlla vuelve a apostar por buscar la mayor satisfacción del público como su mejor activo. Para ello, dada la buena experiencia de la edición 2015, volverá a contar con el sistema de pago con pulsera inteligente para evitar las colas (dispone de un chip recargable a través de Paypal, entre otros, y las devoluciones de efectivo no consumido se realizan de forma inmediata y sin comisiones al acabar el evento), mejorará la formación del personal de seguridad y restauración para orientarles en el tipo de atención que deben ofrecer e incrementará la calidad y la cantidad de aseos, incidiendo en el servicio de mantenimiento de los mismos. Este año, el festival contará con un servicio de parking de bicicletas gratuito, así como bicicletas motorizadas a disposición de los asistentes en el interior del recinto. Toda la oferta extramusical puede consultarse aquí.
El objetivo de Cruïlla es alcanzar el máximo de 25.000 asistentes por jornada, buscando un festival cómodo, con cuatro escenarios (este año se suprime el que había en el Lounge Damm porque la contaminación acústica de la zona de comidas no daba garantías de calidad en las actuaciones para artistas y público) que no disten demasiado entre sí, con el fin de acortar los tránsitos, y con actuaciones más largas, de entre 75 y 90 minutos, que aseguren poder disfrutar de una mayor cantidad de bandas y artistas.
The Kills tienen un álbum que promocionar esta semana, llamado ‘Ash & Ice’. Se trata de su primer álbum en cinco años, desde que editaran ‘Blood Pressures‘, tiempo en el que Jamie Hince ha tenido que volver a aprender a tocar la guitarra debido a sus operaciones de mano. Como indica la nota de prensa de Domino / Nuevos Medios, «a diferencia de sus primeros discos, que habían sido escritos y grabados en Key Club Studio en Benton Harbor, Michigan, la mayoría de las grabaciones de ‘Ash & Ice’ se hicieron en una casa alquilada de LA y en los famosos estudios Electric Lady Studios de NYC. Este nuevo trabajo ha sido producido por Jamie Hince y John O’Mahony (Metric, The Cribs), y mezclado por Tom Elmhirst (Adele, Arcade Fire, Amy Winehouse) y Tchad Blake (Black Keys, Arctic Monkeys)».
‘Ash & Ice’ se define como un disco «más abierto, menos temperamental» y uno de sus singles, ‘Doing It To Death’ tiene cierto carácter electrónico. Por eso sorprende que, cuando han visitado una emisora de radio para realizar una versión, se hayan decidido por una canción de Rihanna, en concreto de su último trabajo ‘ANTI’, y la hayan desnudado a su mínima expresión, explotando la faceta más oscura del dúo formado por Alison «VV» Mosshart y Jamie Hince.
Repasamos las novedades de la lista de ventas española esta semana.
1(E) Fifth Harmony / 7/27
El grupo de chicas salido del ‘Factor X’ estadounidense Fifth Harmony logra ser número 1 en España con su segundo disco. Y se repite lo que pasaba la semana pasada con Ariana Grande, que era número 1 en España pero no en su propio país. Aunque por supuesto sus ventas en Estados Unidos son mucho más voluminosas e importantes para ellas, en su propio país han tenido que conformarse con el puesto 4. ¿Igual sus fans americanos se pensaban tontamente que el disco saldría el 27 de julio? Este es el single ‘Work from Home’, que no tiene nada que ver con el ‘Work’ de Rihanna.
2(E) José Mercé / Doy la cara
Javier Limón produce este disco del cantaor jerezano, en el que ha contado con colaboraciones tan sonadas como Joaquín Sabina, Pablo Alborán, Alejandro Sanz, Ainhoa Arteta, Andrés Calamaro o Jorge Drexler. Como veis, ni toda esta artillería pesada ha sido suficiente para lograr el top 1. Aun así, una gran marca para José Mercé, pues su último top 10 databa de 2006, ‘Lo que no se da’, y fue top 6.
5(10) Coldplay / A Head Full of Dreams
Después de su visita a Barcelona, en concreto al gigantesco Estadi Olímpic, durante dos días seguidos, no es una sorpresa que Coldplay protagonicen la subida más fuerte de la semana con su último álbum.
Además, en singles suben al #11 con ‘Hymn for the Weekend’, al #31 con ‘Adventure of a Lifetime’ (ambas platino) y además vuelven al #94 con ‘A Sky Full of Stars’ del disco anterior (doble platino).
38(E) Alba Gallardo / Alba Gallardo
Considerable éxito de la ganadora del programa de Canal Sur ‘Se llama copla‘, que ya va por su novena edición. La portada demuestra que no hemos aprendido nada de los tiempos de ‘Operación Triunfo’.
45(E) La Gossa Sorda / L’Ultima Volta en
El grupo valenciano de rock, punk, reggae y ska llega a la lista con su último trabajo, un directo que incluye 26 canciones.
51(RE) Drake / Views
Drake vuelve a la lista tras haber sido número 17 con su último disco, ‘Views’, uno de los mayores éxitos en todo el mundo ahora mismo. Su subida en España puede tener que ver con la distribición física del álbum, con el exitazo de ‘One Dance’ (sigue top 2 en singles) o con un poquito de ambas.
67(E) David Parejo / Más
David Parejo de ‘La Voz Kids’ logra una modesta entrada con un álbum que se llama como el disco «más» vendido de la historia en España. Este es el single ‘Gimme’.
69(E) Lacuna Coil / Delirium
El grupo de metal italiano, que suele aparecer por la parte baja de la tabla en España y tiene su público internacional repartido entre varios países, entra con ‘Delirium’ al número 11 en Italia y al número 33 en Estados Unidos.
89(RE) Fuel Fandango / Aurora
96(RE) PJ Harvey / The Hope Six Demolition Project
Bastantes discos reaparecen en lista esta semana. Entre ellos destacamos dos por su relevancia informativa: PJ Harvey probablemente en relación a la presentación de ‘The Hope Six Demolition Project‘ en Primavera Sound, y Fuel Fandango, que después de haber sido top 2 con ‘Aurora‘ probablemente tengan un «sleeper» bajo al brazo si atendemos a la contundencia del disco.
97(E) Javier Ruibal / 35 Aniversario
Celebración del 35º aniversario de carrera del artista gaditano con un doble CD y DVD que ha contado con la colaboración de Martirio, Kiko Veneno, Miguel Ríos, Carmen Linares, Jorge Drexler, Pasión Vega, Tomasito, Jorge Pardo, Dorantes, Juan Echanove… y un largo etcétera.
100(E) Sule B / Neo Noir
Sule B es miembro activo del grupo Suite Soprano. Tras dos discos con su banda inicia su carrera en solitario con este ‘Neo Noir’ que ha logrado colarse por los pelos como farolillo rojo en la lista de ventas. Distribuye, cómo no, Boa Music.
Crystal Fighters, uno de los grupos británicos más queridos en nuestro país (al final su conexión con Navarra era limitada), tienen un tercer disco preparado aunque aún sin fecha de edición ni nombre. Sucederá a ‘Star of Love‘ y ‘Cave Rave‘. ‘Love Is All I Got’ con Feed Me, ‘At Home’, ‘Plage’ y ‘You & I’ superan los 10 millones de reproducciones en Spotify.
Aparte de contar con una de las películas más taquilleras este año, la divertida ‘
The Stone Roses están de regreso después de 22 años sin disco y unos cuantos también de rumorología y giras de revival,
¿Recordáis la etiqueta «Galician Bizarre»? Pues se inventó para esto. Es muy probable que estos días te hayas encontrado con un vídeo con atisbo de hacerse viral y que te haya dejado una sensación mezclada, entre desazón por no entenderlo todo y la fascinación ante un ser raro y atractivo. Hablo de ‘Chica de La Coru’, una apropiación por todo el morramen de ‘I Follow’, el hitazo de Lykke Li. Y el ¿intérprete? es Edu, sin más. Aunque, en realidad, se llama Eduardo Fernández Peral, un chico residente en La Coruña (así lo indica el título de su canción), que se presenta como máster de arte contemporáneo, gestor cultural, crítico de arte, poeta emergente. «
Justin Bieber está 
La Oreja de Van Gogh han anunciado esta semana a través de Twitter que se van a Francia a grabar su nuevo disco. Ya era hora, porque la incertidumbre después de su disco ‘Cometas por el cielo’ empezaba a convertirles en los Portishead del pop español. El álbum se editaba hace 5 añazos. ¿Qué ha pasado desde entonces? Algunas 
Los pamploneses Belize son y con motivo uno de los grupos nacionales que ha dado el salto en el último año. Sus variadas canciones -no sólo en cuanto a idioma-, entre el indie, la bossa e incluso la música de baile tal y como la entienden Crystal Fighters y Delorean han calado entre la gente y dos de sus canciones, 
Beyoncé estrenaba en HBO 
Este año la Jornada Mundial de la Juventud (a.k.a. la JMJ, el festival para católicos que se realiza cada dos o tres años en una ciudad diferente) tendrá lugar en Cracovia, y 
Hace cuatro años los suecos Niki & the Dove emergieron en el pop electrónico con la voluntad de encandilar a los simpatizantes de sus paisanos The Knife y aquellos que lo gozan con las melodías sintéticas más épicas. Sin embargo, pese a lo notable de su debut, ‘
Piyama es el proyecto de Aaron Sáez de Varry Brava, y wini two, investigador y productor musical, uno de los que incluimos hace unos meses en nuestra última lista «
Dos cosas han molado mucho del esperado regreso de Metronomy, autores de uno de los grandes discos de 2014, ‘
Cruïlla, festival del que JENESAISPOP es medio colaborador, 
The Kills tienen un álbum que promocionar esta semana, llamado ‘Ash & Ice’. Se trata de su primer álbum en cinco años, desde que editaran ‘
Repasamos las novedades de la lista de ventas española esta semana.