Aparte del festival que conocemos todas y todos, el Sónar de Barcelona, se celebra en paralelo al mismo Sónar+D, el Congreso Internacional de Tecnologías Creativas y Cultura Digital, que llegará por primera vez a Madrid el próximo 13 de mayo para mostrar una selección de los proyectos de empresas, laboratorios de creación y centros de investigación científica españoles más innovadores de los últimos años.
¿Qué podremos ver en Sónar+D? Una variedad de trabajos relacionados con la tecnología musical, realidad virtual, impresión 3D, ciencia ciudadana, live coding, experimentación colectiva y código abierto. Algunos de los objetos destacados presentes en el Congreso son unas gafas premiadas por la NASA que permiten mover objetos con la mirada, o un casco que consigue extraer bebidas de una nevera con la mente. También habrá impresoras 3D que fabrican comida, experiencias inmersivas de realidad virtual y sonido binaural.
Paralelamente, tendrán lugar 3 pases del show tecnológico ‘The Enlightment’, que os mostramos en un vídeo más abajo, sobre el sonido de la luz del dúo italiano Quiet Ensemble, donde los instrumentos de una orquesta son reemplazados por lámparas de diferentes tamaños y formas.
El aforo a Sónar+D, que tendrá lugar en la Nave Boetticher, es limitado y todas las actividades son gratuitas previa inscripción en este enlace.
A finales de junio, concretamente los días 24 y 25, se celebra en Tarazona, Zaragoza, la nueva edición de Culturefest 16.1, en el que actuarán artistas como La Habitación Roja, León Benavente, Pumuky, Tremendina Trementina y Papaya, entre otros. Hoy, el festival anuncia las fechas para sus dos fiestas de presentación, que tendrán lugar en Zaragoza y Madrid.
La primera, el 30 de abril, será en La Lata de Bombillas de Zaragoza y contará con las actuaciones de Papaya, que presentarán su notable álbum debut, ‘No me quiero enamorar’; y Tierra Vertical. La entrada para este evento cuesta 8 euros, mentras que la entrada para el segundo, que será el 4 de mayo, es libre. Será en la sala Siroco de Madrid con la presencia de Trajano!, que acaban de editar disco, ‘Rubí’; Murciano Total, UV Ultravioleta y DJ Rojiblanco (Julio Ruiz).
Triángulo de Amor Bizarro siguen sacando vídeos para su excelente último disco, ‘Salve discordia’. El nuevo es para ‘Nuestro siglo Fnord’ y cuenta con imágenes de ‘El conde Lucanor’, el videojuego de aventuras de Baroque Decay sobre un «niño pobre que huye de casa en busca de fortuna». «En el videoclip de ‘Nuestro siglo Fnord'», cuenta la nota de prensa, «elementos místicos del folclore tradicional se mezclan con un mundo discordiano que encuentra en Triángulo de Amor Bizarro el nexo de unión perfecto para el viaje de nuestro héroe».
Los chicos de Ocean Colour Scene se embarcarán en mayo en una gira especial en celebración del 20 aniversario de su segundo disco, ‘Moseley Shoals’, uno de los clásicos del brit-pop de los 90. La gira tendrá parada en nuestro país pues el grupo es una de las últimas confirmaciones de Bilbao BBK Live, que se celebra los días 7, 8 y 9 de julio en Kobetamendi.
Además de a OCS, el festival suma también a su programación a DMA’s, Hinds, Bad Breeding, Hana y McEnroe.
Hope Sandoval y su banda The Warm Inventions han estrenado el vídeo de su último single exclusivo para Record Store Day, ‘Isn’t It There’. El vídeo es una sucesión de fotografías antiguas que la nota de prensa describe como una colección de «recuerdos perdidos y encontrados». Además, es un homenaje a Richie Lee de Acetone. El tema podría venir en el próximo álbum del grupo, que no saca disco desde 2009, cuando editó ‘Through the Devil Softly’. Eso sí, disco de Mazzy Star tuvimos en 2013, ‘Seasons of Your Day‘.
Nos moríamos de ganas de ver a Borja Prieto (ex Meteosat y actualmente director de Está Pasando y responsable en parte de la promoción de Delorean, entre otros) en ‘Aquí mando yo’, el nuevo programa de Antena 3 en el que familias ven juntas la tele, pero su estreno el viernes no fue tan bien como sus creadores probablemente esperaban; concretamente, produjo un 8,4% de share y 1.401.000 espectadores, según Vertele.
Por eso, la cadena ha decidido retirar el programa, presentado por Miki Nadal, de su programación y enviarla de nuevo a «talleres» para seguir trabajando en su producción. De momento, la cadena no contempla cancelar la emisión del programa para siempre porque «se sigue confiando en el potencial del formato». Sin embargo, considera que «hay aspectos a mejorar que le impedirían en estos momentos asentarse en la parrilla». Además, no podría hacer cambios al programa durante su emisión porque producción y emisión van «muy pegados».
Dev Hynes, más conocido como Blood Orange, no ha parado quieto en los años que han seguido a la publicación de su último disco, ‘Cupid Deluxe’. Por ejemplo, ha compuesto el tema principal de ‘Palo Alto’, producido un par de canciones junto a Nelly Furtado, estrenado dos temas, ‘Do You See My Skin Through the Flames?’ y ‘Sandra’s Smile’ y colaborado con Kindness en ‘Otherness’ y con Connan Mockasin en ‘Myths 001’.
Ahora, Blood Orange ha anunciado al fin nuevo disco, ‘Freetown Sound’. Lo ha hecho en una entrevista con V Magazine, donde ha revelado que el disco es como su versión de ‘Paul’s Boutique’ de Beastie Boys y que es «muy personal». El disco habla de temas como la «sexualidad» o el «sentimiento de desubicación que surge de la vida en la ciudad». «Todas las decisiones que he tomado en relación a este disco están cargadas de un enorme significado», ha dicho. «Es un disco que mira a mi infancia y examina quién soy en este momento de mi vida».
Pero ‘Freetown Sound’ no hablará solo de Dev Hynes. El músico asegura que también reflexionará sobre «la forma en que se trajo el cristianismo a África occidental y el modo en que los hogares negros se agarraron estrechamente al cristianismo porque representaba tal faro de esperanza… y cómo esto llevó finalmente a que alguien en mi escuela me ordenase a no usar mi mano izquierda». ¿Incluirá el disco al menos 10 canciones tan buenas como las que recopilamos en este artículo?
Nacida en Senegal, criada en Kuwait y asentada en Nueva York, la artista sonora y visual Fatima al Qadiri ha visto mundo. Por ejemplo, en 2003 participó en las protestas contra la invasión de Irak en Nueva York, enfrentándose a un «ejército de policías que estampaban violentamente sus botas contra el suelo y nos gruñían» como en «una película de ciencia ficción». Pero Al Qadiri no solo ha visto mundo, como artista también lo ha cuestionado y retratado en numerosas ocasiones, como es el caso de ‘Asiatisch’, su álbum debut para Hyperdub, que exploraba las problemáticas del orientalismo, o su proyecto paralelo Future Brown, que celebra y reivindica la diversidad cultural.
En su segundo largo para Hyperdub, ‘Brute’, Al Qadiri ajusta su crítica social ahora en Estados Unidos y propone una reflexión sobre la «mengua de la protesta como derecho en Occidente» tras los sucesos de brutalidad policial ocurridos recientemente en lugares como Baltimore o Ferguson. De hecho, lo primero que oímos en el disco es un audio de las protestas de Ferguson en el que un agente policial hace (ab)uso de su poder tratando de parar una protesta pacífica. No es el único sample en ‘Brute’ pero sí el más importante y el que sirve para establecer el tono del disco, que será, a partir de este momento, decididamente intrigante y apocalíptico.
La artista ha dicho que su intención en ‘Brute’ no era «ahogarlo en samples» sino usar «lo mínimo para ilustrar el contexto». Lo que nos queda, por tanto, es la música y el título de las canciones que la conforman (además de su portada, un teletubby vestido de policía, obra de Josh Kline). En primer lugar, la música es una colección de abstracciones instrumentales entre el grime minimalista y el ambient que, en el estilo de Al Qadiri, nunca enfurece sino que se mantiene en un estado de inquietud constante; y, en segundo lugar, tenemos títulos como ‘Oubliette’ (un tipo de cárcel subterránea), ’10-34′ (un código policial para amotinamientos) o los más gráficos ‘Blows’, ‘Aftermath’ y ‘Power’.
En teoría, un disco de protesta no tiene por qué ser siempre el primero de Rage Against the Machine. En la práctica, sin embargo, Al Qadiri raramente ofrece en ‘Brute’ momentos memorables a la altura de sus aspiraciones reivindicativas. El álbum empieza bien con los coros masculinos digitales de ‘Blood Moon’, que parece una idea derivada (para bien) de Oneohtrix Point Never, y continúa explorando sonoridades futuristas y frías en cortes como ‘Oubliette’ y ‘Aftermath’, añadiendo instrumentos a su paso en temas como ‘Battery’, que incluye vientos metal, o la evocadora ‘Fragmentation’, que combina flautas y arpas con lo que parece una kora.
Si el secreto de un disco minimalista, sea del género que sea, es decir mucho con muy poco, ‘Brute’ lo consigue solo en partes. Sus paisajes son elegantes, finos y melódicos, en tanto que sus pausados tempos proporcionan a sus piezas una energía muy rara de encontrar en el grime contemporáneo, pero el resultado global es una colección de canciones que pasa desapercibida y aburre. Solo unas pocas pistas como ‘Blood Moon’, ‘Fragmentation’ o la robusta ‘Blows’, en la que podemos oír a una ex agente del Departamento de Policía de Los Ángeles explicar el código de silencio, ofrecen «packs» redondos; el resto es una retahíla de producciones tan refinadas en sonido como inocuas en ejecución. En conclusión, poquita chicha en ‘Brute’ para lo que podía haber sido.
Calificación: 5,1/10 Lo mejor: ‘Blood Moon’, ‘Blows’, ‘Fragmentation’ Te gustará si te gusta: Tim Hecker, Laurel Halo, Oneohtrix Point Never, Julianna Barwick Escúchalo:Spotify Cómpralo: Amazon
No os creáis que todos los días se puede ver juntos al único autor y productor del macrohit ‘We Found Love‘, Calvin Harris, y a su intérprete Rihanna. Es una de las imágenes que nos ha dejado Coachella y a pesar de que Rihanna, en su línea, canta unas veces sí y otras no, esto lógicamente hay que verlo. No os perdáis tampoco a Taylor Swift, Haim y Lorde dándolo todo entre el público, de hecho quizá cantando más que Rihanna.
Os recordamos que la cantante ha publicado recientemente ‘ANTI’, para la redacción el 2º mejor disco de Rihanna. Según la encuesta de portada, estáis bastante de acuerdo con nuestra tabla, con alguna salvedad como vuestra buena valoración de ‘Rated R’:
¿Cuál es el mejor disco de Rihanna?
-Loud (31%, 127 Votos)
-Anti (27%, 111 Votos)
-Rated R (18%, 73 Votos)
-Good Girl Gone Bad (10%, 43 Votos)
-Unapologetic (8%, 34 Votos)
-Music of the Sun, aunque no sé cómo un disco se puede llamar así (3%, 12 Votos)
-Talk That Talk (3%, 12 Votos)
-A Girl Like Me (0%, 2 Votos)
Los próximos 6, 7 y 8 de mayo se celebra en Murcia una nueva edición del festival SOS 4.8, que todavía no ha cerrado cartel, pues le falta por confirmar las bandas británicas ganadoras del concurso UK Calling y las bandas y DJs ganadores del concurso TalentoSOS, del que somos jurado. De momento, os dejamos con 10 artistas imprescindibles de la programación, desde los Manic a Triángulo pasando por Chvrches, León Benavente y Addictive TV. Pronto publicaremos otra lista, la de 10 joyas perdidas de su cartel.
Manic Street Preachers
Rara es la vez que un artista o grupo decide girar por todo el mundo presentando un disco antiguo con motivo de un aniversario. Manic Street Preachers lo hará con su clásico de 1996 ‘Everything Must Go’, que este año, concretamente el 20 de mayo, cumple dos décadas de existencia. ¿Qué mejor oportunidad de ver a los Manic en directo que interpretando su disco más vendido, uno de los más emblemáticos de la era brit-pop de los noventa, al completo? Fue histórico: era el primero que publicaban tras la desaparición del carismático Richey James Edwards y lograron salir adelante entregando el mayor himno de su carrera (lo cual es mucho decir) ‘A Design for Life’.
Chvrches
Con dos discos en el mercado, a Chvrches ya le va costando escoger qué canciones tocar en sus conciertos entre tanto temazo, por eso hay ganas de verlos actuar en Murcia presentando su último disco, ‘Every Open Eye’, sobre el que charlamos con Lauren Mayberry unos días antes de su salida. ¿Nos dejará su directo alguna anécdota como las que protagoniza Mayberry de vez en cuando?
Blonde Redhead
El trío de rock experimental de Nueva York no suele visitarnos, por eso es una gran noticia que haya escogido SOS 4.8 como una de las paradas para presentar su nuevo disco, que ya está grabando y saldrá este año. Mientras nos llega alguna noticia oficial sobre este nuevo material discográfico, podemos disfrutar de su interesante último trabajo, ‘Barragán’, o de clásicos como ‘Melody of Certain Damaged Lemons’ o ‘23’, el disco que definitivamente les abrió las puertas a una nueva generación de seguidores.
of Montreal
Con trece discos en el mercado, entre los que se encuentran obras maestras como ‘Hissing Fauna, Are You the Destroyer?’ o discos tan controvertidos como ‘Skeletal Lamping’, of Montreal son los grandes supervivientes del colectivo Elliphant 6. Pero no es solo el hecho de que su música mole mil lo que nos interesa, es que sus directos suelen ser una fiesta que no podemos sino recomendar. Además, los de Kevin Barnes presentarán su último largo, ‘Aureate Gloom’, que no estaba nada mal. Sobre él y otros asuntos hablamos recientemente con Barnes en una entrevista que publicaremos en los próximos días.
Addictive TV
Este dúo de Londres que mezcla música y vídeo lleva en activo desde 1992, es decir, desde mucho antes de que los «mash-ups» inundaran internet, y su propuesta, que combina música electrónica de baile con imágenes que muestran exactamente lo que estás escuchando (un ritmo, un sonido, un efecto) es de lo más original y atractivo que encontrarás en la programación del festival. Lo último del dúo es el proyecto audiovisual ‘Orchestra of Samples’.
Triángulo de Amor Bizarro
El nuevo disco de Triángulo de Amor Bizarro, ‘Salve discordia’, es el primer redondo 10 que hemos puesto a un disco este año… y quién sabe si el único. Ya sabéis que puntuar discos con un 10 es complicado. Por si había alguna duda, nos morimos de ganas de escuchar esto en directo: pinta a bombazo.
The Libertines
Tras actuar en Low Festival y en el FIB, The Libertines vuelven a España para presentar su último disco, ‘Anthems for Doomed Youth’, el primero en 11 años. Es la primera vez que podremos oírlo en directo en nuestro país, aunque ciertamente el público del grupo lo que va a querer escuchar son sus dos primeros discos, los de 2002 y 2004, que son los clásicos. Ojo, eso sí, porque «Anthems» no estaba mal.
León Benavente
Mi compañero Sebas era conciso en su crítica del nuevo disco de León Benavente, que describía como una «colección de hachazos» y como «una de las mejores colecciones de hitazos del pop en castellano de los últimos tiempos». ¿Hacen falta más elogios para defender que los de Abraham Boba y compañía son, sin lugar una duda, una de las apuestas fuertes de la próxima edición de SOS 4.8? Sumad sus nuevos temazos a los del disco anterior y queda un bombazo de repertorio que ya quisieran para sí decenas de grupejos internacionales mucho más famosos.
Mew
Del mismo modo que Manic Street Preachers celebran este año el veinte aniversario de su disco más vendido, a Mew les queda solo un año para cumplir dos décadas como banda, lo cual es excepcional teniendo en cuenta lo discretamente que empezó su carrera, con un álbum debut titulado ‘A Triumph for Man’ del que se produjeron solo 2.000 copias en 1997. Un placer, por lo tanto, poder ver a los autores de la magnífica ‘Comforting Sounds’ en Murcia tras la publicación de su último disco, ‘+-‘, que llegó el año pasado un lustrazo después del anterior, ‘Eggs Are Funny’ y probó que los daneses todavía saben muy bien lo que hacen.
Amaral
El dúo zaragozano presentará en SOS 4.8 su último disco, el notable ‘Nocturnal’, que, pese a su calidad, no ha conseguido ser número uno en nuestro país, aunque se mantiene en el top 30 de la lista de ventas (por si había alguna duda de que el disco sí ha sido y sigue siendo un éxito). Esta es la primera fecha de la gira de ‘Nocturnal’, que también llevará a la banda a Contempopránea.
Tenía que pasar. Tanto decir un día una cosa y al siguiente otra no podía traer nada bueno. Kanye West y Tidal han sido denunciados por un fan del cantante por la forma de edición de ‘The Life of Pablo‘. Kanye anunció que su álbum sería una exclusiva de por vida del servicio de streaming del que es socio y ahora resulta que está disponible en Spotify y a la venta a través de su página web. Hay gente que se suscribió a Tidal por esto que podría considerarse claramente publicidad engañosa y ha decidido recurrir a lo legal.
La denuncia se ha presentado en un juzgado de San Francisco. El demandante es Justin Baker-Rhett, que se define como «fan de la música de West». La denuncia, como indica Pitchfork, recuerda que West prometió que Tidal sería el único lugar en el que podría escucharse el disco. El denunciante también pide que Tidal no muestre los datos de sus suscriptores online, valorando esta información en 84 millones de dólares. También incluye los tuits de Kanye. Su abogado Jay Edelson ha declarado que su cliente «cree que las superestrellas tienen que seguir las mismas normas que los demás. Incluso si a su servicio de streaming le va mal, no pueden engañar a millones de personas para que paguen (y den información personal) sólo para inflar sus números».
My album will never never never be on Apple. And it will never be for sale… You can only get it on Tidal.
Continuamos con la sección ‘Estética de videoclips’ interpretando las imágenes de algunos de los más destacados vídeos que hemos visto en las últimas semanas.
‘Tu coño es mi droga’ (Pxxr Gvng)
La letra de la canción será muy burda o muy «demigrante», pero el vídeo de ‘Tu coño es mi droga’ le ha salido a Sergio Caballero (codirector del Sónar y autor de las muy desconcertantes y enigmáticas ‘Finisterrae’ y ‘La distancia’) más fino que la tira de un tanga. Pocas veces se puede ver tal grado de coherencia entre forma y contenido, entre la repercusión de un fenómeno y su traducción en imágenes. Lo fácil hubiera sido hacer esto. Pero Caballero propone algo muy diferente. El formato vertical (disruptive) no es nada nuevo, lo sabemos. Se lleva utilizando en la industria audiovisual desde hace varios años, incluso en el cine (ver ‘Mommy‘). Pero lo que sí me parece novedoso es la manera que tiene el director de combinarlo con ese scroll infinito tan lleno de significados. Una forma de emular la navegación en el móvil, en WhatsApp (donde, no por casualidad, se lanzó el clip), pero también una decisión estilística que se puede leer de dos maneras: como el perfecto correlato del estribillo-mantra que da título a la canción y, puestos a decir lo que nos salga del coño, como la metáfora visual de un cunnilingus.
‘Genghis Khan’ (Miike Snow)
Miike Snow hacen honor a su nombre. El director Ninian Doff, autor del impactante ‘Sometimes I Feel So Deserted‘ (Chemical Brothers), ha realizado el nuevo vídeo de la banda sueca siguiendo la misma estrategia narrativa que utiliza el prolífico director japonés (Takashi Miike): revolver los géneros hasta extraer de ellos nuevas y sorprendentes lecturas. ‘Genghis Khan’ empieza como una parodia de las películas de Bond de los sesenta (‘Goldfinger’, sobre todo). Pero de repente dan las cinco. A partir de ese momento asistimos a un sorprendente melodrama cómico donde el supervillano aparece retratado como un gris Don Draper encerrado en un armario de cotidianeidad del que solo podrá salir -¿o soñar salir?- a través del baile. Una simpática parodia sobre la banalidad del mal y la represión sentimental que incluye una irresistible coreografía final tan contagiosa como la canción.
‘A Love Song’ (Ladyhawke)
Aunque uno esté más cansado de la estética ochentera que de ver perrear a cantantes culonas, lo cierto es que después de ver este vídeo no queda más remedio que rendirse a la evidencia: ¡joder, sigue funcionado! ‘A Love Song’ es una gozosa celebración del poder terapéutico de una canción pop y de su capacidad para transformar la más anodina de las realidades, tanto sentimentales como laborales. Al igual que una película de John Hughes, a la que Ladyhawke podría poner perfectamente banda sonora, la «chica de rosa» reparte besos y carantoñas entre los clientes de un videoclub: el nerd, la gótica, el quinqui, el adulto pajillero. Y lo hace a través de festivos zooms y coloristas cortinillas. ‘A Love Song’ es más un homenaje nostálgico que una parodia irónica, un viaje en el tiempo con una ventana en el presente: Pip Brown cantando sobre un fondo animado obra de Paul Robertson, no por casualidad el autor de uno de los homenajes ochenteros más celebrados de los últimos años: la fabulosa intro del capítulo ‘My Fare Lady‘ de Los Simpson.
‘Opinión de mierda’ (Los Punsetes)
Los Punsetes en Barrio Sésamo. Los Ganglios, autores del vídeo (con producción de Canada), emulan la estética y la sintaxis del mítico programa infantil (formato 4/3, mucho plano estático y frontal, decorados baratos, iluminación plana, rótulos ochenteros) y lo combinan con collages de inspiración surrealista (o de los cortos de Zulueta) articulados a través de la boca de Ariadna, la cantante. Bocas que expulsan líquidos, que sueltan recortes o a las que le crecen los colmillos. Bocas para dar opiniones de mierda y contar miserias. Un divertido choque estilístico entre la canción y su ilustración que, además del insólito baile de Ariadna, contiene otro detalle muy relevante: un levísimo pero muy potente guiño sonoro final con más poder de evocación que la magdalena de Proust.
‘Future Graves’ (Hola a todo el mundo)
El nuevo y desconcertante vídeo de HATEM podría ser despachado con un par de sílabas: pla-gio. Recuerda tanto al ‘The Scientist’ de Coldplay, sobre todo por su planteamiento argumental, que no es de extrañar esta opinión. Sin embargo, ‘Future Graves’ no juega tanto al virtuosismo técnico y la sorpresa final como a la traducción poética de un sentimiento. El protagonista del vídeo despierta tirado en la carretera presa de violentas convulsiones, de una agitación exterior que parece la somatización de un (pre)sentimiento interior. Es como si el cuerpo tuviera memoria y estuviera hablándote, gritándote que algo grave ha sucedido. En ese sentido recuerda más al reciente ‘Voodoo In My Blood’, de Massive Attack y Young Fathers, donde gran parte del peso dramático de la historia recae en el cuerpo del actor, en su habilidad para expresar una falta de dominio sobre él. El cuerpo como brújula para encontrar la tragedia.
¿Recordáis a Mostaza Gálvez, el proyecto de Guille Mostaza con su amigo Frank Gálvez de Gasca? Se anunció su formación hace tres años pero es esta semana cuando publican un EP de cinco canciones llamado ‘Restos’ del que estrenamos hoy el corte titular. Tres minutos de energía callejera y macarra que pronto rehúye del punteo tan New Order del inicio y ofrece un muy certero estribillo: «tú, que siempre fuiste lo más / ya no puedes bailar / tendrás que intentarlo en el infierno».
Se describe la canción como «un decorado de personajes decadentes, noches que acaban a destiempo y recuerdos de días mejores, todo ello envuelto en una capa de energía y caos que sintonizan perfectamente con la temática de las letras que se irán desplegando a lo largo del disco». ‘Restos’ ha sido producido, grabado y mezclado por Guille Mostaza y Frank Gálvez en los estudios Alamo Shock utilizando material analógico vintage.
La nota de prensa avanza cómo sonarán las otras composiciones, que aparecerán esta noche en Spotify, Deezer, etcétera (también hay una edición limitada de 150 CD’s): «Esta colección de temas da muestra de la capacidad del dúo para facturar canciones de marcadas melodías con un sonido que va desde la aspereza ruidosa de ‘Agotado’ (demo aquí) al pequeño deje electrónico de ‘La noche nos engaña’. Esta, con una evocadora introducción de sintetizadores y guitarras, nos lleva de nuevo a lo más profundo de la perdición, cosa que se arregla en ‘Resucitar’, cuyo pegadizo estribillo refleja la otra cara de la moneda: el arrepentimiento como presuntamente eficaz método de redención. ‘La belle age’, versión de Dar Ful Ful, insufla algo más de luz al conjunto aportando el que probablemente sea el tema más bailable. Pero al poco tiempo llegan las afiladas guitarras de ‘Agotado’ con el registro más oscuro del grupo». La portada es una obra única pintada al óleo para la ocasión por el pintor onubense David Morales. A principios de junio habrá una presentación en el Café Berlín (Madrid).
Foto: César Lucas Abreu
Actualización: El EP ya está en las plataformas digitales.
Entre los compositores y productores habituales de Jessie Ware está Dave Okumu. De hecho Dave produjo la mayor parte de su debut e incluso fue co-autor de varias canciones de aquel ‘Devotion‘, mientras que en ‘Tough Love‘ se encargó de menos temas pero aún aparecía en ‘Cruel’ y ‘Sweetest Song’. Por eso es normal que ahora Ware le devuelva el favor y entone un tema para la banda de Okumu, The Invisible. Jessie pone su voz a este ‘So Well’ que acaba de estrenarse y que abrirá el disco ‘Patience’ que preparan de cara al próximo 10 de junio. En el largo también encontraremos a Anna Calvi, Connan Mockasin y Floating Points, ahí es nada:
1 So Well [ft. Jessie Ware]
2 Save You
3 Best Of Me
4 Life’s Dancers
5 Different [ft. Rosie Lowe]
6 Love Me Again [ft. Anna Calvi]
7 Memories [co-written with Sam Shepherd]
8 Believe In Yourself
9 K Town Sunset [ft. Connan Mockasin]
Reino Unido publica los lunes las ventas del fin de semana y hay buenas noticias para PJ Harvey. Su notable nuevo álbum, ‘The Hope Six Demolition Project‘, ha vendido más de 8.000 unidades este finde en Reino Unido y es, de momento, número 1 de las “midweeks” de este país tras haber salido a la venta el pasado viernes. Supera en más de 2.000 copias al número 2, ‘IV Santana’ de Santana, y en 4.000 copias a Adele. Sin embargo, de aquí a que se acabe la semana musical, el próximo jueves, Adele puede recortar distancias o incluso superar a Harvey, aunque recordemos que en su caso ’25’ no obtiene puntos de streaming pues no está en Spotify.
De mantener el top 1 en la lista definitiva de este viernes, sería por alguna razón el primer top 1 de PJ Harvey en Reino Unido, y el primer top 1 en ventas de toda su carrera en cualquier país (ella es más de destacar en las listas de lo mejor del año, ya sabéis). Os dejamos con las posiciones que han alcanzado sus discos en Reino Unido y su certificación (plata son 60.000 copias distribuidas en este lugar, oro 100.000 y platino 300.000). Aunque «Stories» fue el que más bajo llegó, fue el que más ha vendido: fue un sleeper y salió en los meses previos a Navidad.
11 Dry (plata)
3 Rid of Me (plata)
12 To Bring You My Love (oro)
17 Is This Desire? (plata)
23 Stories from the City, Stories from the Sea (platino)
12 Uh Huh Her (plata)
11 White Chalk (plata)
8 Let England Shake (oro)
Cuando uno piensa en la música de Calexico, surgen adjetivos como elegancia, belleza, sobriedad. En buena parte de su carrera discográfica, esos son los calificativos de los que gozaban sus temas y esas sensaciones también se repiten, sin ir más lejos, en ‘Edge Of The Sun‘, su último trabajo, que contiene pasajes verdaderamente emocionantes. Lo que, a mi juicio, define a la banda liderada por Joey Burns y John Convertino es la capacidad de fusionar elementos musicales de distintas partes del continente americano y hacerlos suyos, como ya hiciera (y sigue haciendo) Ry Cooder o Howe Gelb, antiguo mentor y jefe en Giant Sand.
Con esa premisa fui a verlos anoche a La Riviera, donde Burns, Convertino & Cía. actuaron ante un numeroso público que estuvo entregadísimo durante las casi dos horas de concierto (los de Tucson nos tienen mucho cariño, como confesó Burns en más de una ocasión y lo pasaban tan bien que regalaron dos bises). Empezaron estupendamente, recuperando clásicos como ‘Trigger’, que enlazaban con temas más recientes como ‘Splitter’ o ‘Falling From The Sky’. Con una instrumentación muy rica, entre guitarras, vientos, contrabajo, vibráfono y un sinfín de elementos, se estaba plasmando en directo lo que Calexico hacen en el estudio: belleza estremecedora, clase, contención.
Confieso que la faceta que menos me gusta de la banda es cuando dejan a un lado la fusión de elementos y se van directamente a sacar su lado más latino, haciendo ejercicios de estilo, ya sea con aires de ranchera, cumbia, etc. Cuando llegan esos temas en un disco, no desencajan, pues les salen divertidos y los ejecutan con bastante gusto, pero en directo es otra cosa. Dios sabe por qué, pero cuando llegaron ‘Cumbia De Donde’ (en la que, por cierto, sacaron a David García «El Indio» de Vetusta Morla, para acompañarlos con los bongos), ‘Roka’ o ‘Güero Canelo’, los adjetivos de los que hablábamos al principio desaparecían por completo y ya no se piensa en referencias como Ry Cooder. Desgraciadamente, cuando tocan estos temas, Calexico recuerdan más a Santana o a Manu Chao (hasta cantaron algún verso de ‘Desaparecido’), dejando a un lado la sobriedad y por la estridencia, la clase por la juerga. Es curioso que, en esos momentos, Burns pasa a un segundo plano y son otros, como el trompetista/vocalista Jacob Valenzuela o el guitarrista Jairo Zavala, los que manejan el volante, llevando las riendas del concierto a lo excesivo, lo innecesario, lo hortera. Sobraban esos solos de guitarra y el buenrollismo al que alentaba Zavala (apoyado, dicho sea de paso, por Burns y el resto de la banda).
Hacia el final del concierto, contaron con la voz de Gabi Moreno, quien participa en su último álbum. El resultado fue paralelo al resto del concierto: hubo momentos brillantes, como en la preciosa ‘Moon Never Rises’, pero excesos y estridencias en la versión del ‘Five Years’ de David Bowie. Quede claro que gran parte del público lo pasó en grande, con lo cual aceptan todo lo que Calexico traen bajo el brazo, convirtiéndose en una banda para todos los públicos, cada vez más accesibles (si bien no tanto en los discos, desde luego en los conciertos). A juicio del que escribe, cuando convierten su música en pura fiesta sin fundamento, pierden su signo de identidad, se vuelven genéricos y si cierras los ojos (y más cuando Joey no canta), podrías estar escuchando a cualquier banda de fusión latina. Eso, para mí, no es Calexico, pero si ellos lo quieren, habrá que respetarlo…
The Kills sacan disco este 3 de junio. Se trata de ‘Ash & Ice’, continuación de ‘Blood Pressures‘ (2011). Hoy estenan el vídeo del corte ‘Heart Of A Dog’, que se presentó en el festival Coachella inmediatamente después de la actuación de la banda el viernes pasado. El clip ha sido dirigido por la famosa Sophie Muller, que además de con decenas de estrellas millonarias tipo Beyoncé, ha trabajado con The Kills en el pasado (‘U.R.A Fever’, ‘Cheap and Cheerful’, ‘Last Days of Magic’ y ‘Satellite’).
Esto han comentado en nota de prensa: “Estamos especialmente agradecidos por el vídeo de “Heart of A Dog!”: lo grabamos en un día completo en Los Angeles junto a nuestra querida amiga Sophie Muller. Amamos el vídeo, el resultado que ha quedado; nos encanta lo divertido que es, con los coches increíbles, las palmeras, el sol, la noche, las luces de neón… Esperamos que os guste tanto como a nosotros…”. El grupo actúa en Mad Cool y el FIB.
Inspirado por su periplo mexicano, Novedades Carminha editaba hace unos días su disco más experimental, ‘Campeones del mundo’. Y que no os asuste lo de experimental: no es que el grupo se haya puesto ahora a sacar melodías de vasos de cristal; sencillamente, sus influencias son ahora más variadas que nunca y, como consecuencia, también lo son sus canciones. La intención del trío ha sido hacer un disco «más sexy y fresco» y «recuperar el espíritu de los discos hechos para bailar en clubes», esto es, un disco de rock ‘n’ roll clásico hecho para la pista de baile.
Este concepto se nota en canciones tan verbeneras como ‘Lento’ o la veraniega ‘Todo bajo el sol’, pero también en la variedad de estilos que abarca el disco, que además de incluir una versión del clásico de la cumbia peruana ‘Cariñito’ de Los Hijos del Sol, desde una base mucho más psicodélica y surfera no le hace ascos ni al rockabilly (‘Dame veneno’, que referencia a Los Chunguitos) ni al «easy listening» (‘La mejor de Europa’), en tanto que la mayoría de sus arreglos de guitarra eléctrica llevan la palabra «California» pegada en todas y cada una de sus cuerdas, como prueban la ligera ‘De vuelta de todo’ o ‘Chispas relax’, que parece un cruce de calipso, el funk de William Onyeabor -a quien el mismo Carlangas reivindicaba en nuestro «tipo test»- y el sonido del condado de Orange. Incluye, por cierto, un guiño a ‘Un sorbito de champagne’ de Los Brincos.
Y mientras evoluciona como banda en la mejor de las direcciones, el grupo vuelve a dejarnos en la continuación de ‘Juventud infinita’ además frases tan buenas como las contenidas en ‘Que dios reparta fuerte’ («solo hay que ver lo guapos que estáis / siempre viajando, qué bien lo pasáis / ¿a qué coño os dedicáis?») o ‘De vuelta de todo’ («eres un triste, ya nada te emociona / todo lo que te enseño ya lo viste en Barcelona»), frases que sitúan a los chicos entre los mejores retratistas de la realidad juvenil contemporánea de nuestro país, al mismo tiempo que las canciones en cuestión, divertidas, memorables y atemporales, los confirma, simplemente, como uno de nuestros mejores grupos. Ojalá lo vendan todo.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Que dios reparta fuerte’, ‘De vuelta de todo’, ‘Lento’, ‘Chispas relax’ Te gustará si: odias que tus grupos favoritos hagan siempre el mismo disco Escúchalo:Spotify Cómpralo:Tienda Ernie
Guns N’ Roses no han tenido mucha suerte en su vuelta a los escenarios: su integrante principal, Axl Rose, se rompía un pie a días del comienzo del festival Coachella y tuvo que actuar con escayola, que deberá llevar cuatro semanas. Una maravilla para sus fans más fieles esperar años para esta reunión y que su icónico y carismático líder tenga que actuar… sentado.
Para cuando comience la nueva gira del grupo por Estados Unidos, que empieza en junio, el músico ya estará recuperado y listo para dar la bienvenida en su escenario a… ¿Lana Del Rey? La autora de ‘Honeymoon‘ ha publicado una foto de ella en Facebook que parece una confirmación de que la artista teloneará al grupo en su regreso a los escenarios. En ella, Del Rey deja ver su camiseta, que lee «Lana Del Rey / Guns N’ Roses / Tour 2016». Más claro el agua, ¿no?
Curiosamente, Del Rey tiene una canción llamada ‘Guns and Roses’…
Tras revelar el tracklist de su próximo disco, ‘Dangerous Woman’, Ariana Grande ha estrenado otra de sus pistas, ‘Let Me Love You’, su cacareada colaboración con el rapero Lil Wayne. Se trata de una sensual balada R&B en la línea de ‘Best Mistake’, una de las canciones incluidas en su anterior trabajo, ‘My Everything’, que gustará a los fans de la Grande que tanto se ha fijado siempre en la Mariah Carey de los 90 hasta hoy.
Aunque Suede no está tan de moda como The 1975, el grupo sigue dando vueltas por algunos de los festivales más relevantes de nuestro país y, tras actuar en el Dcode, se añade a la programación de Low Festival, que tendrá lugar en Benidorm del 29 al 31 de julio. La banda presentará su último largo, ‘Night Thoughts’.
Por si pensabas que el cartel de Low no podía lucir mejor, os recordamos que algunos de sus artistas confirmados anteriormente son Belle and Sebastian, Los Planetas, Vetusta Morla, Hot Chip, Love Of Lesbian, The Kooks, Peaches o 091, además The Bohicas, León Benavente, Miss Caffeina, Miami Horror, Xoel López, Second o Sr. Chinarro. Por su parte, Low Festival On Tour continuará acercando el festival a varias salas del país durante el mes de mayo.
«El festival del siglo». Así titula El País su noticia sobre un nuevo festival organizado por la promotora de Coachella que estaría a punto de anunciarse y reuniría a varias de las leyendas del rock más importantes de todos los tiempos como son Bob Dylan, The Rolling Stones, Paul McCartney, Neil Young, The Who y Roger Waters de Pink Floyd. El festival tendría lugar en octubre en el desierto del sur de California.
La noticia, una exclusiva de Los Angeles Times, supondría la primera vez para algunos de estos artistas que actúan juntos en un mismo evento, como es el caso de Dylan y McCartney. El festival planea que estos artistas ofrezcan conciertos de duración normal y no reducidos como se suele hacer en festivales grandes de este tipo, ofreciendo dos conciertos por día, con Dylan y los Stones el 7 de octubre, Young y McCartney el 8 de octubre y The Who y Roger Waters cerrando el 9 de octubre.
Mientras esperamos a la confirmación de este festival lleno de penes leyendas, el festival Coachella volverá el fin de semana que viene, también desde California, con más actuaciones apetecibles.
A tiempo del Record Store Day, que se celebró el pasado viernes, una empresa dedicada a las encuestas del Reino Unido ha llevado a cabo un estudio para averiguar cuánta gente escucha los vinilos que compra y cuánta no y los resultados son sorprendentes… o totalmente predecibles, según se mire.
Según la compañía, cerca de la mitad de las personas que compra vinilo en Reino Unido, concretamente el 48%, tiene un tocadiscos pero no lo usa, mientras solo el 52% de las personas encuestadas reconoce usar su tocadiscos y el 7% ni tiene uno ni contempla comprárselo. Es decir, que más de la mitad de las personas que compra vinilo en Reino Unido, un 55%, pasa de escucharlo porque, o bien no puede, o bien no quiere, o por ambas cosas a la vez.
El estudio indica también que los motivos por los que la gente que no tiene tocadiscos ni se lo va a comprar próximamente compra vinilos son, por un lado, el arte del disco en cuestión,y por el otro, una simple afición a comprarlos. De hecho, la mitad de los compradores de vinilo encuestados se considera «coleccionista».
De manera curiosa, la BBC cita a Jordan, un estudiante de Manchester, que reconoce tener vinilos en su habitación «más por decoración». «No los escucho en verdad… [pero] me da ese rollo anticuado. Para eso está el vinilo». El chico compra sobre todo vinilos de hip-hop y R&B antiguos aunque también es fan de Amy Winehouse… En fin, al menos compra música, ¿no es cierto?
Róisín Murphy, autora del controvertido ‘Hairless Toys’, edita nuevo disco el próximo 8 de julio. Lo ha estado adelantando en los últimos días a través de varios «teasers» en los que ha ido revelando qué palabra se escondía tras las iniciales #THUTM. Aunque es hoy cuando se descubre la última palabra, una tienda de discos inglesa ya ha catalogado el disco en su inventario con el título ‘Take Her Up to Monto’.
Extraño título, ¿verdad? Se trata del nombre de una canción perteneciente al folklore irlandés escrita en 1958 por George Desmond Hodnett y popularizada por los Dubliners. Teniendo en cuenta que Murphy es irlandesa y lo friqui que es cuando se pone, no nos extrañaría nada que este fuera el título de su álbum. Eso sí, nos morimos de ganas por averiguar cómo encajará Murphy su supuesta versión de ‘Monto’ con la imaginería urbana que ha mostrado en los «teasers» previos al anuncio de su disco, centrada concretamente en el metro… ¿de Dublín? ¿Londres? Pronto lo sabremos…
Os dejamos con la versión de ‘Monto’ de los Dubliners: