Vaca Films va camino de convertirse en un referente del thriller español, y Luis Tosar en su icono más reconocible. Después del éxito de ‘Celda 211‘ (2009), la productora gallega sigue apostando, con más o menos fortuna pero con gran determinación, por películas de género que miran de frente y sin complejos tanto al cine de acción de Hollywood como a la realidad social española. Después de ‘Invasor’ (2012), ‘El Niño‘ (2014) o ‘El desconocido’ (2015), es el turno de ‘Cien años de perdón’.
Hace unos meses, en un artículo sobre directores españoles «caídos en desgracia«, pronosticábamos la «resurrección» de Daniel Calparsoro. ¿El motivo? La presencia de Jorge Guerricaechevarría como guionista de su nueva película. Pues bien, no íbamos mal encaminados. ‘Cien años de perdón’ no solo se va a convertir en el título más taquillero de la filmografía del realizador vasco (ya está en el número de 1 taquilla) sino en su mejor película desde… ¿’Salto al vacío’ (1995)?
Y eso que ‘Cien años de perdón’ arranca de la peor manera posible. Unos planos aéreos de Valencia, con una fotografía gris verdoso que ya empieza a parecer un cliché del género (y que parece prestada de ‘El desconocido’), dan paso a unos brochazos mal dados de realismo social (las conversaciones con los clientes del banco) y a una secuencia de atraco muy poco creíble por culpa de un exceso de sobreactuaciones: de la cámara, de los atracadores (¿cuántas veces dicen «la concha de tu madre»?) y, sobre todo, de una Patricia Vico que me ha hecho recordar por qué Carolina Bang sale tanto en las últimas películas de Alex de la Iglesia.
Sin embargo, cuando todo parecía que se iba a convertir en una versión aguada de filmes de atracos tipo ‘Tarde de perros’ (1975) o ‘Plan oculto’ (2006), el “uruguayo” comienza a hablar (Rodrigo de la Serna), el “gallego” a replicar (Luis Tosar) y la película a crecer como la corrupción política en la tierra del caloret. Por medio de una astuta dosificación de la información, un habilidoso montaje, la eficaz música de Julio de la Rosa y un diestro manejo de los mecanismos del suspense, Calparsoro consigue un equilibrio perfecto entre la acción, el humor y la denuncia social. Se podrán elaborar retratos de la España actual más profundos, incisivos y estimulantes que ‘Cien años de perdón’, pero pocos más entretenidos. 7,5.
Låpsley, autora de al menos una de las mejores canciones de 2015, ‘Hurt Me‘, publica su debut ‘Long Way Home’ esta semana. Recientemente visitaba Madrid para promocionar el disco, ofreciendo un mini set en el Fotomatón, al que acudían unos cuantos oyentes afortunados de Radio 3. Antes de comenzar esta entrevista, la joven artista me contaba que es la tercera vez que visita nuestro país, pues primero realizaba un intercambio en Valdepeñas (bromeó sobre sus vinos baratos) y después visitaba a una amiga en la capital.
No sé si hiciste en Nochevieja lo de pedir un deseo para 2016, ¿pero qué esperas de este año como artista debutante?
El disco es lo mejor que he sabido hacer en este momento, tengo la certeza de que voy en la dirección adecuada. No soy una de esas personas que sueñan con el estadio de Wembley, quiero pasar más tiempo en el estudio con los ingenieros, aprender… sobre todo tengo metas personales.
Hay algo que si no consigues, ¿te decepcionaría? Si tuvieses malas críticas o vendieses muy poquito…
Quiero que la gente me entienda como artista. No creo que nada de lo que he editado hasta ahora me represente tan bien como este disco. Necesito desplegar estas canciones y me gustaría que la gente las escuchara para saber si les intereso o no. No tengo grandes problemas con las malas críticas, siempre que no se basen en una sola canción y se tome en base a ella una decisión sobre quién soy. No me importa tanto lo que digan, esto es lo mejor que he sabido hacer.
Entiendo lo que dices, pero para la prensa es excitante tratar de adivinar dónde vas a llegar…
Bueno, obviamente quiero pagar el alquiler (se ríe).
¿Ha cambiado el tipo de música que oyes desde pequeña?
De pequeña escuchaba lo que tenían mis padres. Mi madre escuchaba Kate Bush, Fleetwood Mac, también Genesis y Phil Collins (se ríe), y mi padre era más de Joy Division, además del mayor fan de la historia de los Smiths y Morrissey. También New Order, Depeche Mode, Kraftwerk, cosas así.
Pero tú no naciste en los 80…
No. En 1996.
¿Y cómo es que era todo tan ochentero?
Mamá ponía la radio, pero no tanto música pop. Tirábamos de la colección de CD’s. Luego, en el instituto oía otro tipo de cosas, más Joni Mitchell, más canción de autor, cosas más acústicas… Cuando tenía 14 años empecé a salir y me interesé más por la electrónica. Entonces, oía por un lado electrónica pero por otro canciones bastante acústicas. Me encanta The Tallest Man on Earth.
El disco es sólido, pero hay muchas influencias dispares: soul, jazz, Laura Mvula, James Blake, CocoRosie, que no sé si las conocerás… ¿Querías un disco coherente o no te importaba que hubiera diferentes elementos?
Es la escritura de las canciones lo que da sentido a todo. Casi todo el disco va de lo mismo. No sentía ninguna presión para que la producción aunara las cosas, sino que tuve total libertad con los estilos. El disco es lo que yo quería. Me encanta el R&B, pero también el soul y la música disco. En la canción ‘Operator’ es bastante evidente que escucho mucho música soul, cosas como George McCrae.
«Este disco soy yo intentando averiguar quién soy como artista. No tuve ninguna restricción»
Hablando de R&B, hace poco entrevisté a Junior Boys y me dijeron que les encanta este estilo, pero que les gustaba adulterar el modo en que se articulaban las voces en este género, porque para ellos se había hecho siempre igual. ¿Opinas algo parecido?
No lo he pensado con demasiada profundidad. Este disco soy yo intentando averiguar quién soy como artista. No tuve ninguna restricción. Adultero mi voz más bien para simular otros puntos de vista, como el chico al que va destinada la canción.
Háblame de la canción ‘Cliff’, en la letra aparece un chico, al borde de un acantilado, pero parece que él no quiere ser rescatado. Es algo extraña, cuéntame.
Todas las canciones son metáforas visuales de algo para mí bastante difícil de describir. Hay una persona con un problema mental, hay una tercera cosa que controla la relación, y la pareja intenta apartar ese algo. Lo quise representar con un acantilado, pero eso no es que la persona no quiera ser rescatada por mí, sino que físicamente me es imposible llegar a él.
Has dicho que el disco va sobre todo de una relación sacudida por la distancia, aunque antes de leerlo mi percepción es que iba más que nada sobre la carencia de amor.
Más que de la carencia de amor va de carecer de una persona.
Entonces es algo muy concreto.
Es difícil de explicar. El disco está muy influido por el momento en que me fui a vivir a Londres y eso implicaba la distancia. ¿Sabes cuando estás en el cole y vuelves a casa con tu mejor amiga por el camino más largo para estar más tiempo con esa persona? De eso va el disco: de extender el tiempo lo máximo posible cuando sabes que algo no va a durar. La relación ya sabes que va a acabar, pero intentas extender la bonita parte del medio lo máximo posible.
Adele dijo después del primer disco que quería que le rompieran el corazón para escribir un buen segundo disco. Aunque debía de estar de broma, al final lo consiguió y le fue bien. ¿Piensas tú también algo así o crees que no escribirás tantas canciones de amor la próxima vez?
He escrito sobre esto porque es lo que me ha pasado este año, pero me parece bastante casual. No sé sobre qué escribiré en el futuro porque no sé qué me espera. Espero que no sea sólo desamor, nadie quiere eso en su vida (se ríe).
‘Operator’ es una canción triste, pero a la vez es divertida y va muy bien a mitad de la secuencia. ¿La colocaste tú ahí?
Era la primera vez que sampleaba algo. Estaba escuchando cosas en Youtube, algo aburrida en el estudio, y ni siquiera escuché la canción entera. Tomé un sonido y ya está. Me encantaba el concepto de «operador», que en el pasado tuvieras que pasar por un intermediario para hablar con alguien. Decidí hacer una metáfora con ello y añadir la posibilidad de enamorarte del operador. Es divertido, y fue un tema divertido de hacer. Otto Williams es un gran bajista que ha trabajado con leyendas de la música, como Chaka Khan. Yo quería que esta canción abriera el álbum, pero me dijeron que no, que tenía que reservarla para más adelante en la secuencia. Entonces pedí que fuera la segunda canción del disco y así… (NdE: es el track 5).
¿Alguna canción ha cambiado un montón por lo camino?
No realmente, quizá ‘Hurt Me’ porque la hice con Jimmy Napes para el disco de Tourist y al final no se usó. Me dije: «Voy a volver a producirla», y decidí que la iba a meter en mi disco. Con mi producción lograría que sonara diferente.
¿Cómo conociste a Jimmy Napes (Disclosure, Alicia Keys)?
Le dije al sello que quería escribir para otra gente, así que hice una sesión con él.
He leído que no sabías lo que era un blog de música cuando empezaste a aparecer en ellos, lo que me hace pensar que desconocías un montón de cosas más sobre la industria musical.
¡Oh, sí, no sabía nada de nada! No sabía lo que era un productor ni un ingeniero ni cómo funciona un sello.
«Ingenuamente pensaba que la persona que cantaba era la que hacía todo porque nadie me había dicho lo contrario»
Supongo que te has llevado buenas o malas sorpresas…
Todos tenemos nuestras propias opiniones. Algunos blogs fueron buenos conmigo, otros más mezquinos… Tampoco pasa nada. Ingenuamente pensaba que la persona que cantaba era la que hacía todo porque nadie me había dicho lo contrario. Así que cuando empecé con GarageBand y la gente me preguntaba quién me había producido, empecé a entender qué era un productor.
¿Entiendes un productor como algo ajeno, raro, casi molesto?
Un poco sí, mi inquietud era mejorar por mí misma en un estudio profesional.
En el álbum sí salen como productores Mura Masa, que me gusta mucho…
Sí, en la última canción.
«Quiero ser más independiente todavía en el segundo disco»
… y Rodaidh McDonald, que no me suena.
Cuando me mudé a un estudio profesional, Rodaidh era el dueño. Básicamente llenó los huecos técnicos que a mí se me escapaban. Soy totalmente ajena a cierto tipo de software, por ejemplo, y lo suyo fue un trabajo más técnico, muy poco artístico. A mí sola me hubiera llevado tres años terminar este disco y gracias a él pudimos hacerlo en menos tiempo. Espero que después de este verano, pueda seguir trabajando para llenar esas lagunas técnicas que me quedan. Quiero ser más independiente todavía en el segundo disco. Tengo que hacer deberes para necesitar menos ayuda.
Para este concierto vienes con un teclista, ¿pero cómo será tu directo normalmente? ¿Con banda o más en solitario?
En el disco hay un montón de elementos diferentes. Suelo llevar bajista que quizá lleve un teclado, un baterista con la parte electrónica, Duncan con dos o tres teclados, y yo con un teclado más.
¿Tienes ganas de festivales o prefieres una sala íntima, más acorde al disco, quizá?
No sé, porque no he tocado tanto todavía. Estoy aprendiendo. Lo bueno de los festivales es poder ver a otros artistas, tomarte un día libre para poder ver más conciertos…
Lo digo porque al tener la inquietud de trabajar en el estudio, igual prefieres más el estudio…
Prefiero el estudio, pero tengo que tocar para ir ganando más confianza.
Es una pena que hoy todos los artistas tengan que salir de gira porque no se venden discos. La música de estudio parece un poco devaluada con esto de que todos los grupos tienen que salir de gira sí o sí.
Tampoco pasa nada. Igual al final de este año estoy cansada de girar, pero de momento me gusta. No tengo problema en tocar, pero sí en parte al cantar, porque al cantar te expones totalmente. Y yo no he cantado tanto en mi vida. Pero me imagino perfectamente disfrutando de los conciertos.
Uno de los grandes lanzamientos del pasado viernes fue ‘El poeta Halley‘, el esperado nuevo disco de Love of Lesbian, que llega cuatro años después del exitoso ‘La noche eterna. Los días no vividos‘ e incluye el single ‘Bajo el volcán’, así como otras pistas como ‘Planeador’, ‘Cuando no me ves’ o ‘Los males pasajeros’. Esta semana os informaremos sobre el desempeño del álbum en la lista de éxitos de nuestro país.
Hoy, el grupo presenta playlist para Deezer de sus canciones favoritas, que estrenamos en JENESAISPOP. Es una ecléctica colección que repasa varios iconos históricos de la música popular, desde Supertramp a Plastic Bertrand pasando por Fleetwood Mac, Jorge Drexler, The Flaming Lips, Bobby Womack, Antònia Font, LCD Soundsystem o Jeanne Added.
Janet Jackson ha pospuesto su gira europea tres semanas antes de su inicio, el 30 de marzo en Birmingham (un día antes actúa en un evento deportivo en Dubai). Según Ticketmaster, las fechas de Jackson en Reino Unido y el resto de Europa quedan pospuestas y «no es posible confirmar nuevas fechas por el momento, por lo que vamos a reembolsar el dinero a todo titular de una entrada». En otras palabras, la gira europea de Janet ha sido cancelada, al menos, de momento.
La cantante reubicaba hace meses su gira en Estados Unidos, primero para descansar sus cuerdas vocales, y después para someterse a una operación, que varios rumores atribuyeron a un cáncer. Janet desmintió el rumor poco después, sin especificar la naturaleza de la operación en cuestión.
La segunda tanda de fechas de Janet en Estados Unidos, que empieza a finales de mayo, continúa intacta. La cantante continuará presentando su último disco, ‘Unbreakable‘, del que se desprende este corte:
Han pasado tres años desde ‘Nepenthe‘, el notable último disco de Julianna Barwick. Hoy, la artista ha anunciado ‘Will’, su nuevo álbum, a la venta el 6 de mayo. Barwick lo ha grabado en varios lugares, «desde una casa aislada en Nueva York hasta la Moog Factory de Asheville (Carolina del Norte), pasando por Lisboa». En él, la artista ha explorado sonidos más siniestros.
El primer adelanto es ‘Nebula’, de nuevo un paisaje celestial, pero tenebroso. Escúchalo a continuación.
‘Will’:
01 St. Apolonia
02 Nebula
03 Bleached
04 Same
05 Wist
06 Big Hollow
07 Heading Home
08 Someway
09 See, Know
Con motivo del Día Internacional de la Mujer, hoy 8 de marzo, Spotify ha publicado varias listas con las mujeres más escuchadas en su plataforma. De manera poco sorprendente, Rihanna es la mujer más escuchada en Spotify en todo el mundo, seguida por Ariana Grande y Beyoncé, aunque Spotify indica que, del top 10, Beyoncé es la artista con mayor porcentaje de mujeres que la escuchan.
En cuanto a España, aunque lidera la lista Malú, sorprende la ausencia de artistas nacionales en el top 10. Solo India Martínez aparece en los 10 primeros puestos de las mujeres más escuchadas en Spotify en nuestro país. Rihanna, de hecho, es top 2 seguida por Ariana Grande y Shakira. Beyoncé aparece en esta lista también, aunque en última posición.
Top 10 global:
1.- Rihanna
2.- Ariana Grande
3.- Beyoncé
4.- Ellie Goulding
5.- Katy Perry
6.- Lana Del Rey
7.- Sia
8.- Adele
9.- Selena Gomez
10.- Meghan Trainor
Top 10 nacional:
1.- Malú
2.- Rihanna
3.- Ariana Grande
4.- Shakira
5.- Sia
6.- Adele
7.- Ellie Goulding
8.- Katy Perry
9.- India Martínez
10.- Beyoncé
Los hermanos Brewis, principales responsables de Field Music, son uno de los referentes del art-pop del siglo XXI, creadores de pequeñas piezas donde sencillez y curiosidad no están reñidas. Han pasado cuatro años desde ‘Plumb’ pero la actividad del grupo ha sido intensa, bien a través de proyectos paralelos (The Week That Was, School of Language) o creando una banda sonora para una de las primeras películas -mudas- documentales de la historia, ‘Drifters’, sobre pescadores en la Inglaterra de los años 20.
Su quinto disco de pop, ‘Commontime’, refuerza el sentido más lúdico de la etiqueta. En una evolución similar a la que vivió Animal Collective (aunque no tan extrema), Field Music ha ido decantando su lado más melódico para acabar con canciones de estrofas y estribillos clásicos, perfectamente escuchables en la radio: simplificando estructuras sin perder una gota de su esencia.
Nadie les reprochará este camino porque la jugada les ha salido bien: ‘The Noisy Days Are Over’ y ‘Disappointed’ son pequeñas gemas que firmarían gustosos Talking Heads o XTC. Estas dos referencias -además de la sombra de Dirty Projectors- están sin duda presentes a lo largo de ‘Commontime’, donde florecen otras igualmente sofisticadas, menos obvias pero que encajan como un guante en el concepto musical: el funky ligero y de aires jazzísticos a lo Steely Dan en ‘It’s a Good Thing’, el pop elegante de Blue Nile en ‘Trouble at the Lights’.
Esta vertiente más estilizada de su música añade a ‘Commontime’ un plus de solidez respecto a sus discos anteriores: todas las canciones funcionan por sí solas, más allá del estilo de los hermanos Brewis, que tienen muy claro desde hace tiempo. Pero aquí se adivina mayor libertad compositiva, mayor intención lúdica y menor atención a las ideas preconcebidas.
El disco va sobrado de músculo: batería en primer plano más algunas percusiones ocasionales, bajos y guitarras entrelazadas formando un resistente armazón, y líneas melódicas plagadas de coros conforman un tejido vistoso y bien cortado para un traje a la medida de una banda de pop contemporánea. Saben relajarse de vez en cuando (‘The Morning is Waiting’, ‘That’s Close Enough for Now’, que tiene un uso de cuerdas clásicas que recuerda mucho a los mencionados XTC) y crear variedad de esa manera: sería más aburrido digerir los catorce cortes si todos tuvieran el mismo patrón.
Pese a venir del norte de Inglaterra (Sunderland, pegando a Newcastle), David y Peter Brewis han sabido asimilar las influencias que les interesan del otro lado del Atlántico -muchas de ellas, eso sí, afroamericanas pasadas por el tamiz de músicos blancos- con la visión británica del pop. Además, han logrado usar el prefijo «art» y sonar desenfadados. Ser sencillos es más difícil de lo que parece, y Field Music lo ha logrado con ‘Commontime’.
Calificación: 7,8/10 Lo mejor: ‘The noisy days are over’, ‘Disappointed’, ‘Trouble at the lights’, ‘Same name’ Te gustará si te gustan: Talking Heads, Dirty Projectors, XTC Escúchalo: Spotify Cómpralo: Amazon.es.
Niño Burbuja edita nuevo disco este año, ‘El futuro no existe’, a través de MENTA, pero antes de que llegue a las tiendas, lo estrenamos en JENESAISPOP. El álbum consolida el giro de la banda madrileña hacia la electrónica de baile, ya notable en su anterior entrega, ‘Calpico’, pero ahora definitivo. «Nuestra música siempre ha partido de sintetizadores en la composición y nunca de otros elementos como guitarras», cuenta el grupo. «En ‘El futuro no existe’ nos predefinimos claramente los objetivos: synth-pop en castellano utilizando recursos del space disco y el italo de los ochenta, esto es, muchos sintetizadores analógicos y de aquella época como SH-101, Juno 60, M1, TR808… y mezclar baterias reales con cajas de ritmos».
¿El concepto del álbum? «Los riesgos y consecuencias del hedonismo», indica la banda, «con una componente generacional clara de los que nos encontramos entre los 30 y 40 (alguno más cerca de la segunda cifra). Cosas que «se supone» que no deberías estar haciendo, como seguir soltero, no parar de salir de fiesta, no tener hijos… y a la vez con esa sensación extraña de que quizás puedas estar perdiendo esas cosas que «se supone» que sí deberían ser».
El grupo ha producido el disco junto a Hans Kruger, cuya experiencia con él describe como «una puta pasada». «Estuvimos más de dos semanas en Subiza en sus estudios probando decenas de sintetizadores, entre los nuestros y los suyos, diversas formas de grabar y mezclar las baterías… y tanto nosotros como él lo disfrutamos como enanos. ¡Hans es muy fan del disco ochentero también!»
No extraña, pues, que la banda haya descubierto cosas nuevas de los ochenta durante la composición del álbum como «hitazos de Daydream, Black Devil Disco, Fancy, Kano, Space Art [o] Sabrina». De estos artistas, más enraizados en el cosmic disco que en el pop, ha extraído Niño Burbuja las influencias para crear esta nueva colección de canciones.
Puedes pedir el vinilo de ‘El futuro no existe’ por anticipado a través de este enlace.
El año pasado, Helena Miquel de Delafé y las Flores Azules anunciaba su marcha del grupo «por tiempo indefinido», al tiempo que su integrante principal, Óscar D’Aniello, confirmaba nuevo disco del proyecto para 2016 aún con su colaboración. Hoy, podemos escuchar ‘La fuerza irresistible’, primer adelanto de este nuevo trabajo que firma Delafé a solas, y que el músico ha producido junto a Dani Acedo en el Puerto de Santa María, con la producción de Paco Loco y la mezcla de Tim Latham (Black Eyed Peas, Erykah Badu, D’Angelo), en Nueva York.
Según la nota de prensa, el disco es «una auténtica licuadora de sonidos que planea por diversos estilos siempre abrazando el espíritu de la música negra. Un arsenal de canciones rompepistas y vitalistas que consolidan una versatilidad muy poco común en la composición musical: pop, hip-hop, soul, funk, electro, disco, y el inconfundible parafraseado de Delafé, su energía incombustible y la autoría de mensajes bala”.
Delafé actúa en CurtCircuit de 2016 el próximo mes de abril. Será el 9 de abril en el Cafè del Teatre de Lleida, el 16 de abril en la sala Zero de Tarragona y el 29 de abril en la sala Clap de Mataró.
Puede que no conozcas a Halsey todavía, pero los miles y miles de adolescentes que acudieron anoche a su concierto en la sala Razzmatazz de Barcelona, agotado, la conocen muy bien, la adoran, adoran su disco, ‘Badlands‘, y se saben la letra de todas sus canciones. Por si fuera poco, las chicas que la idolatran, porque la mayoría son chicas, visten igual que ella, llevan el mismo peinado y, probablemente, sueñan en sus cuartos con ser ella mientras suena ‘New Americana’ de fondo. «Estamos colocadas de marihuana legal», deben cantar, al desconcierto de sus padres. Es el nuevo fenómeno adolescente.
Halsey lo sabe muy bien. Su personalidad encima del escenario es la de alguien que ya se sabía estrella desde antes de convertirse en una, y es consciente ahora de que el revuelo que la rodea solo es alcanzable por muy pocas personas. Sabe que está viviendo el gran sueño. Su actitud es algo altiva desde el principio, su manera de expresarse ante su público, a medias entre Miley Cyrus y Justin Bieber, es mucho #swag y poca chispa real, pero es suficiente para enloquecer a todo el mundo. Al fin y al cabo, ¿no es eso de lo que va la denominada generación Tumblr?
Desde los primeros acordes de ‘Gasoline’ se estableció una atmósfera sólida en la sala que continuó firme a través de otros momentos como ‘Colours’, ‘Drive’, ‘Roman Holiday’ o, por supuesto, ‘New Americana’. Halsey sabe perfectamente lo que quiere: ella es una estrella «teen», pero su propuesta es ligeramente más adulta que la de un ídolo de masas normal a su edad, entre otras razones porque Halsey no ha pasado por la fase adolescente de su carrera antes de su disco como Justin Bieber circa 2010, y eso es algo que se traslada también a su directo, tan apto para sus fans como para oyentes casuales que nunca habían oído hablar de ella hasta anoche.
¿Qué destaca del directo de Halsey? En primer lugar, la música, un compendio de melodías grandes, coreadas a pleno pulmón, y de producciones electrónicas ricas en atmósfera, color, textura y ritmos vigorosos, que encontró en Razz un espacio idóneo para su despliegue; y en segundo lugar, las proyecciones que acompañan a la actuación de Halsey, que proponen un potente componente visual, a través del cual su banda parece fluir con toda naturalidad, mientras crea magia tras las máquinas.
¿Algo que cuestionar del directo Halsey? Quizás que muestra demasiada actitud encima del escenario para las canciones que tiene, que aunque buenas, francamente, tampoco son grandes clásicos. Claramente Halsey se encuentra en un momento de transición esencial: su secreto para el éxito es que cree en lo que hace y se nota, y aunque está claro que su propuesta va más allá del típico fenómeno adolescente, todavía le queda camino para emocionar a su público adulto de la misma manera que lo hace con su público «teen».
En medio de todo esto, Halsey se mostró segura de sí misma no, lo siguiente durante la totalidad de su actuación sin dejar de expresar a sus fans lo mucho que les quiere en más de una ocasión, como al final de ‘Haunting’, cuando les comunicó que «lo sois todo para mí». Tras pedir una ovación para su banda y para su telonero, Børns, Halsey le pidió a su público que se diera una ovación a sí mismo porque sin él ella no estaría donde está hoy. Esta suma de actitud y amor por sus fans es lo que la llevará lejos.
Las actuaciones de Wolf Alice y WAS en el Bilbao BBK Live, que se celebra este mes de julio, cambian de fecha por motivos de agenda. Los británicos Wolf Alice, anunciados inicialmente para el jueves, estarán en Kobetamendi el sábado 9 de julio. Por su parte, WAS, inmersos en la promoción de su nuevo disco, ‘Gau Ama’, cambian su actuación de sábado a viernes.
Las entradas de día del festival bilbaíno se encuentran a la venta desde hoy y la distribución de las bandas en el cartel por días queda de la siguiente manera:
Jueves 7
ARCADE FIRE/ NEW ORDER/ M83/ CHVRCHES/ HOT CHIP/ YEARS & YEARS/ HOLA A TODO EL MUNDO/ HIDROGENESSE/ RURAL ZOMBIES/ BEGIZ BEGI…
Viernes 8
PIXIES/ UNDERWORLD/ GRIMES/ LOVE OF LESBIAN/ JOSÉ GONZÁLEZ/ JUNIOR BOYS/ SLAVES/ BLOSSOMS/ BELAKO/ NUDOZURDO/ WAS/ C. TANGANA/ INHEAVEN/ GREEN CLASS…
Sábado 9
TAME IMPALA/ FOALS/ EDITORS/ FATHER JOHN MISTY/ COURTNEY BARNETT/ WOLF ALICE/ JAGWAR MA/ TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO/ YELLOW BIG MACHINE…
Graham Nash quiere que David Crosby le deje «en puto paz», que diría Tatiana de Gran Hermano. El músico, que ha actuado desde 1968 con Crosby en el supergrupo Crosby Stills & Nash (con la frecuente inclusión de Neil Young), ha concedido una entrevista a una revista neerlandesa de nombre «cool», ‘Lust for Life’, como el disco de Iggy Pop, y Crosby ha salido mal parado no, lo siguiente.
Según Nash, Crosby lleva siendo «horrible» con él durante años y está harto. «Le he salvado el puto culo durante 45 años y me ha tratado como a una mierda», ha dicho. «No me puedes hacer eso a mí. Me lo puedes hacer un día hasta que vea que estás entrando en razón, pero cuando continúa por más tiempo, y sigo recibiendo correos asquerosos por tu parte, entonces ya no paso una más».
Nash va más lejos en la entrevista y acusa a Crobsy de haber «arrancado el corazón» de Crosby Stills & Nash. «Que te jodan. ¿Cómo no voy a estar triste? Piensa en toda la música que hemos perdido. La verdad es que, después de haber estado concentrado totalmente en mí y en la música de David [Crosby], Stephen [Stills] y Neil [Young], ya estoy harto. Lo he sufrido durante 10 años. Déjame en paz».
El grupo ofreció su última actuación en 2014, aunque no saca disco desde 1999, cuando editó ‘Looking Forward’.
Si eres fan de Kanye West y coleccionista, malas noticias para ti. El rapero, que acaba de sacar disco, ‘The Life of Pablo‘, ha asegurado que ya no sacará más discos en CD y que solo editará trabajos en streaming a partir de ahora. «La caja de ‘Yeezus‘ era un ataúd abierto al CD. Descanse en paz», ha tuiteado. De hecho, ‘The Life of Pablo’ solo está disponible en Tidal.
Dado el historial de West, es probable que pronto cambie de opinión al respecto y tengamos el CD de ‘The Life of Pablo’ descansando en nuestras estanterías en algún momento de los próximos meses. Pero, si no es así, ¿qué tal ponerlo a la venta en formato digital? ¿No se merecen sus seguidores más que una cutre copia ilegal? ¿O es esto una estrategia para aumentar las suscripciones a Tidal? No cuela, Kanye…
I was thinking about not making CDs ever again… Only streaming
Björk ha concedido una entrevista a AnOther One en la que ha hablado sobre su infancia y crecimiento en el seno de una familia hippie, sobre su pasado en varios grupos de punk en los 70 o sobre su método de composición. Tampoco ha dejado de hablar de feminismo y de su nuevo disco, en tanto que la sesión de fotos que acompaña al artículo es probablemente una de las mejores que le hemos visto en los últimos tiempos.
Sobre el sucesor de ‘Vulnicura‘, Björk ha confirmado que se encuentra trabajando en él pero que todavía no tiene una «visión clara» del mismo. «De momento, me estoy permitiendo ser submarina al respecto», indica. «Es gracioso porque cada disco es diferente para mí. ¿Qué viene primero? Con este creo que serían las melodías. Esto es muy abstracto pero las melodías tienen una forma muy similar».
A continuación, la islandesa confirma que se encuentra escribiendo de nuevo con Arca, co-productor de ‘Vulnicura’. «Es muy pronto, todavía no sé si debería decirlo, pero he terminado tres canciones con Alejandro [Arca], con quien trabajé en mi disco anterior. Aquel, de alguna manera, lo llamamos «infierno»: ¡fue como el divorcio! Y ahora estamos haciendo el paraíso. Utopía. Hemos hecho el infierno ya, nos lo hemos ganado».
Hace unos días, Robin Carolan de Tri Angle Records, amigo y colaborador de Björk, defendía a la islandesa en Instagram de los «chicos» que todavía creen que no escribe su propia música. «Björk escribe, produce, compone, canta. Puede que se traiga a gente al estudio para facilitar su visión, pero ante todo es SU visión. Los chicos (porque siempre son chicos) tienen que entender esto. Björk no necesita a nadie».
Vistosa la portada del debut de Charlie Puth, de las que se ven a la legua. No es la mejor foto de este joven americano de 24 años, pero sí una de las que mejor muestra su cicatriz en la ceja. Mirándola, uno se imagina accidentes de moto, peleas en un antro, un chico malote a lo Luke Perry en ‘Sensación de vivir’ sólo que de verdad, una vida perra alimentando una colección de canciones atormentadas… pero nada más lejos de la realidad. El único perro aquí es el que mordió y casi se lleva por delante al bueno de Charlie cuando tenía dos años, dejándole la visible marca y una curiosidad para sus fans. Poco más.
Es difícil hablar de ‘Nine Track Mind’ sin mencionar el éxito del falsete de Sam Smith. De hecho, en la carrera por convertirse en el nuevo «Adele con pene», Puth dio un paso hacia la fama al versionar ‘Someone Like You‘, siendo gracias a ello rescatado por Ellen DeGeneres (su tema ‘My Gospel’ tiene además el ritmillo de la parte final de ‘Rolling in the Deep’). Gracias a los vídeos que subió a Youtube desde principios de década, nuestro chico se fue haciendo un nombre hasta pegar dos braguetazos con dos de sus composiciones y producciones, ‘See You Again’ con Wiz Khalifa para la banda sonora de ‘A todo gas 7’, en recuerdo del desaparecido Paul Walker; y ‘Marvin Gaye’ con Meghan Trainor, un tema más en la onda del debut de esta última que convertía al genio del soul en verbo («let’s Marvin Gaye and get it on», arranca alegremente). Ambos temas llegaron -sin merecerlo especialmente- al top 40 de las canciones más exitosas de 2015 en todo el mundo.
En el resto del álbum, Charlie Puth usa el doo wop y el R&B de, por ejemplo, Alicia Keys para expresar su mal de amores, ayudándose de vez en cuando de un pelín de modernidad, con mejores y peores resultados: ‘Losing My Mind’ sale reforzada del reto de dejarse manipular muy tímidamente por el neo-soul de James Blake o los primeros AlunaGeorge, pero cuando aparece el rap de Shy Carter en ‘As You Are’, el «eye rolling» es inevitable. ¿Era necesario? ¿Qué aporta a la canción aparte de un puntito de comercialidad?
Son estas 13 composiciones amables y agradables moviéndose entre la euforia (‘Then There’s You’) y la desolación, si bien esta última a menudo suena algo impostada y vaga. Es el caso del previsible número de celos junto a Selena Gomez (‘We Don’t Talk Anymore’ se pega sólo de lo bobísima que es) o esa recreación de ‘Let It Be’ que parece ‘Up All Night’. Pese a ese gritillo a lo Delorean que se repite cíclicamente, los Streets lo hicieron mucho mejor en ‘Never Went to Church’. ‘Nine Track Mind’ no merece ni de coña ser uno de los 10 discos peor valorados de la historia de Metacritic. Se deja escuchar. Cosas peores salen en la radio. Pero es cierto que resulta oportunista y que es fácil decidir si ese ‘Suffer’ se parece más a ‘Falling’… o a ‘Soy mujer’ de Chenoa.
Calificación: 5,5/10 Lo mejor: ‘My Gospel’, ‘Marvin Gaye’, ‘Losing My Mind’ Te gustará si te gustan: Sam Smith, Alicia Keys, Lighthouse Family Escúchalo:Spotify Cómpralo: Amazon.es.
Tras dirigir a Miley Cyrus con Pharrell, a Fangoria y a Liars, entre otros, Luis Cerveró regresa al underground para grabar el nuevo vídeo de Aliment, el grupo de rock de Girona autor de ‘Silverback’. Cerveró y su equipo se han encargado de poner imágenes a ‘Razor’, el tema que abre el disco y cuyo videoclip han grabado con 11 cámaras diferentes de 16mm.
Cerveró ha explicado que ‘Razors’ «parte de una experiencia algo traumática en la que Edu rompió una cuerda de la guitarra en un ensayo y, al partirse, esta saltó como un látigo y le cortó el ojo». «La canción va sobre la impresión fisiológica de un corte», continúa, «[y] para mí era evidente que lo que teníamos que hacer era rodar con muchas cámaras una acción continua y trocearla exageradamente en el montaje».
Kelly Clarkson vive un extraño renacer comercial tras el inesperado éxito de su último single, ‘Piece by Piece’, que interpretó en acústico y entre sollozos en una de las últimas galas de American Idol, consiguiendo aupar el single al primer puesto de iTunes USA. Esta semana, gracias a este éxito, el último álbum de Clarkson ha vuelto al top 10 de los álbumes más vendidos en Estados Unidos tras aumentar sus ventas en un 682%. En concreto, ha pasado del top 120 al top 6. Para mear y no echar gota.
Con motivo de este nuevo éxito y de la salida de ‘Piece by Piece Remixed’, Clarkson está concediendo varias entrevistas y en la última, en una radio australiana, ha hablado de Dr. Luke, productor con quien trabajó en la canción que la convirtió en una estrella mundial, ‘Since U Been Gone’ (co-producida por Max Martin), y que actualmente está en el punto de mira tras ganar su batalla judicial contra Kesha, que le acusaba de abusos sexuales.
En la entrevista, Clarkson asegura que no puede opinar sobre la experiencia de Kesha porque no la ha vivido pero que Gottwald «no es buena persona», añadiendo que ambos han tenido algún encontronazo en el pasado. De manera interesante, Clarkson confiesa que la única razón por la que trabajó con Dr. Luke es porque su sello «literalmente me chantajeó con no sacar mi disco si no trabajaba con él». El disco al que se refiere Clarkson es su segundo álbum, ‘Breakaway’, que incluye los hits ‘Since U Been Gone’, ‘Behind These Hazel Eyes’ y ‘Walk Away’, entre otros.
Linda Perhacs no ha vuelto a tardar 44 años en lanzar nuevo material (sí, ese es el tiempo que pasó desde su álbum debut hasta su continuación, ‘The Soul of All Natural Things‘).
La cantautora, que inspiró nuestro artículo sobre los discos que más tardaron en salir de todos los tiempos, está de regreso con ‘The Dancer’, su nuevo single, producido por Pat Sansone de Wilco y Fernando Perdomo, y en la línea folki ambiental de Marissa Nadler.
La artista prepara su disco para este año, y ha iniciado una campaña de «crowdfunding» para financiar su producción y promoción. La campaña termina en 59 días.
Discos de Kirlian editó el pasado 1 de marzo ‘Necesito dos cabezas’, el primer libro en español sobre The Go-Betweens, escrito por Marcos Gendre. La nota de prensa lo describe como el «relato de los sueños, desdichas y logros de los Go-Betweens, el paradigma de lo que significa pertenecer a la otra cara del triunfo». «Desde que en 1977 Robert Forster embaucó a Grant McLennan para montar un grupo sólo por un año», continúa, «quedó clara una cosa: las grandes historias no son exclusivas de los vencedores. De Brisbane a Londres en busca de éxito, se dieron de bruces con la realidad: el reconocimiento no da de comer. En su duro peregrinaje de discográfica en discográfica, el reparto principal se fue enriqueciendo de una nómina de secundarios de lujo. Entre ellos, Lindy Morrison y Amanda Brown, con las que compartieron amores, discordias y guiones sin acto final».
La nota sigue: «Mientras vagabundeaban en las orillas de los charts, constituyeron otra certeza: los 80 fueron tiempos perennes para el pop. De los Smiths a Prefab Sprout, pero también gracias a Felt, McCarthy, Chills, Triffids y, cómo no, los Go-Betweens, que preñaron aquellos años de una cordillera monumental de clásicos atrapa-corazones, cepos para la emoción como ‘Cattle And Cane’, ‘Part Company’, ‘Head Full Of Steam’ o ‘Streets Of Your Town’. Ésta ha sido la banda sonora de una pequeña comunidad de feligreses que no ha parado de crecer desde el retorno de la alianza McLennan/Forster en pleno siglo XXI. Cerrada su andadura desde hace una década, ahora es el momento de hacer justicia, abrir el álbum de los recuerdos, embarcarse entre las páginas de The Go-Betweens: Necesito Dos Cabezas, y volver a ese gran imaginario de pop en tecnicolor y latido mercurial, para el que el periodista Marcos Gendre ha modelado un gran documental escrito».
Kero Kero Bonito no forma parte de PC Music aunque lo parezca. El grupo británico, que debutó en 2014 con ‘Intro Bonito’, también le da al pop japonés, pero desde una perspectiva menos futurista e irónica, y con cierto gusto por el dancehall y el hip-hop complicando un poco más el asunto. En cualquier caso, el trío tiene nuevo single, ‘Lipslap’, bastante bueno, por cierto, y acaba de estrenar un vídeo para el mismo que es toda una chuchería pop inspirada en las sitcoms de los 90. El trío no sale de casa, pero pasar, se lo pasa muy bien.
Bob Dylan ha anunciado nuevo disco, ‘Fallen Angels’, para este verano. Será otra colección de canciones popularizadas por Frank Sinatra, como su álbum anterior, ‘Shadows In the Night‘, editado el año pasado. Antes, Dylan lanzará un EP para Record Store Day que incluirá cuatro pistas, ‘Melancholy Mood’, ‘All Or Nothing At All’, ‘Come Rain or Come Shine’ y ‘That Old Black Magic’. El músico ha anunciado también gira por Japón y Estados Unidos. ¿Se animará a visitarnos?
Curiosa la elección de Børns como telonero del concierto que Halsey ofrece hoy en Razzmatazz, Barcelona, con todas las localidades agotadas. Si la autora de ‘Badlands‘ suena como una artista ni indie ni mainstream que ni termina de arrasar en radios ni de sumergirse del todo en los sonidos underground, el proyecto de Garrett Borns es como meter en una batidora la voz de Mika y parte de su imaginería pop junto a las texturas psicodélicas de Tame Impala.
El artista ha debutado con un álbum llamado ‘Dopamine’ en el que aparece contenido el que es su mayor hit de momento, ‘Electric Love’, que con más de 50 millones de reproducciones en Spotify es uno de los grandes éxitos en las plataformas de streaming de los últimos tiempos. A las aparentes influencias ya mencionadas, hay que sumar una letra que parece recién salida de los 60, apta perfectamente para una producción de, por ejemplo, Phil Spector: «Candy, she’s sweet like candy in my veins / Baby, I’m dying for another taste».
Así explica el propio artista el título de su álbum: «La dopamina se libera cuando anhelas algo, el deseo de una recompensa. Como indica la expresión «lo que más deseas es lo que no puedes tener». Muchas de las canciones del álbum tratan sobre querer a una chica y no poder tenerla: canciones tipo «vuelve a mí» o «deseo tenerte». Todos los temas están inspirados por una conexión química con el amante, por lo que la dopamina es el elemento omnipresente del álbum». Hijo del dueño de una firma publicitaria, también dice haberse inspirado en la estética de la revista Playboy: «Me inspira que las asociaciones de palabras y frases sean claras y concisas, sencillas. En estos Playboys de los 60 y 70, el modo en que se presentan las imágenes, los artículos… te sitúa perfectamente. Todo es sensual e inteligente, hojearlos me sirvió de inspiración en un par de temas del disco», siendo uno de ellos ‘Holy Ghost’.
El cantante de 24 años de Michigan publicaba este álbum en Interscope el pasado otoño, alcanzando el top 24 del Billboard 200. ‘10,000 Emerald Pools’ y ‘The Emotion’ son los sencillos escogidos hasta ahora junto con ‘Electric Love’. ¿Logrará dar el salto a Europa?
Animal Welfare Party, el partido en defensa de los derechos de los animales del Reino Unido, se ha comunicado con Morrissey para sugerirle que se presente a la alcaldía de Londres, que está de elecciones y tendrá nuevo alcalde el 5 de mayo. Quizás de manera esperada, al ex The Smiths le ha gustado la idea y se está «planteando muy seriamente» lo de ser alcalde de Londres, según The Guardian. Morrissey ha enviado un comunicado a True to You, su club de fans no oficial, en el que defiende que Londres necesita una voz que defienda a los animales, apuntando los mataderos son la «continuación moderna de los campos de concentración nazi» y que las consecuencias que el consumo de carne en el mundo tendrán a largo en el mundo son «infernales». Este es el comunicado, casi al completo:
«Las asociaciones en favor de los animales no pueden continuar solo por el hecho de seguir existiendo. Debe haber una voz gubernamental que hable en contra de la injusticia social, tan infernal como arcaica, que les es asignada a los animales en Reino Unido, por la simple razón de que estos no pueden hablar inglés, mientras millones de ciudadanos están preocupados por estos problemas, que nadie en este momento puede resolver […] No podemos seguir sentados esperando a que el sistema encuentre la iluminación. El desastre de la agricultura animal no puede existir para siempre porque su impacto a gran escala es infernal. Los animales en granjas y mataderos están ansiosos por seguir viviendo; sin embargo, sus cuerpos son despedazados sin piedad con un cuchillo. El matadero es la continuación moderna de los campos de concentración nazi y si tú formas parte de la población que bebe leche, estás consintiendo sistemas de tortura. […] ¿Qué hace que la gente tenga tan poca compasión por los animales? ¿Qué tipo de odio les mueve? La industria cárnica, al fin y al cabo, no muestra ninguna compasión por el planeta, por el cambio climático, por los animales, por la salud humana. Es ignorado diabólicamente y es el problema más grave en el mundo, además del más comentado en los debates políticos, lo cual solo destaca su importancia. Los mataderos significan, esencialmente, que ninguno de nosotros está a salvo. Simplemente investigad los horrorosos efectos que la producción cárnica produce en nuestro clima, ecosistema, campos, bosques, lagos, ríos, mares, aire y espacio. Se os saldrán los ojos de las órbitas. Nadie puede imaginar un desastre global mayor».
El trío Rüfüs, en Estados Unidos conocido como Rüfüs du Sol por razones evidentes, es uno de esos grupos de Australia que ha contribuido a que la música pop electrónica sea más cálida. Casi, casi celebridades en su país, donde han conseguido ser número 1 en ventas tanto con su debut ‘Atlas’ como con este segundo álbum llamado ‘Bloom’, Rüfüs toman los ritmos del house de los 90 para añadir palmas, punteos tropicales, melodías que son pura evocación y la sofisticación en la producción de un Caribou, una clara referencia en canciones como ‘You Were Right’.
Estos ingredientes dan lugar a singles tan evidentes como ‘Like an Animal’ o ‘Say a Prayer For Me’, que ya compiten en las plataformas de streaming por acumular más escuchas que los hits que les lanzaron en su debut (‘Sundream’, ‘Desert Night’, también ‘Take Me’). Nombres como Saint Etienne pueden venir a la mente para bien en canciones como ‘Be With You’ -sobre todo por ese principio que tanto recuerda a ‘Action’-, si bien a quien recuerda el tono de Tyrone Lindqvist es al de Chris Martin el día en que este se acercó a Jon Hopkins, sobre todo en los «If you want me, if you need me, I’m yours» de la final ‘Innerbloom’.
También es inevitable el nombre de Jamie xx featuring Romy cuando escuchamos el dúo ‘Hypnotised’, en el que interviene la bonita voz de la actriz, cantante y bailarina Dena Kaplan. Curiosamente, como el último disco de Junior Boys, con quienes Rüfüs tienen en común cierto gusto por la melancolía, el álbum parece contener una referencia velada a la identificativa voz de Jimmy Sommerville (‘Say a Prayer for Me’, ‘Tell Me’). Entre lo bailable de su propuesta, los sintes de los canadienses, el regusto balear de Delorean y la sensibilidad de Dan Snaith, Rüfüs entregan un disco perfecto para viajes y vacaciones en el que sólo se echa en falta que el trío avance algo más en la búsqueda de su propia personalidad. E igual el toque soul, como aportado por Danger Mouse en ‘Brighter’, el tema que abre, es el camino.
Rüfüs actúan este sábado 12 de marzo en Razzmatazz, Barcelona, dentro de la programación de Razz Clubs. Anticipadas, aquí.
Calificación: 7,4/10 Lo mejor: ‘Brighter’, ‘Say a Prayer for Me’, ‘Like an Animal’ Te gustará si te gustan: Caribou, Delorean, Jamie xx Escúchalo:Spotify Cómpralo: Amazon.es.