Kele Okereke sí ha vuelto a Bloc Party tras su interesante aventura en solitario, pero no el bajista Gordon Moakes, quien acaba de confirmar en las redes sociales que no forma parte del quinto disco de la banda que ya se prepara.
Gordon Moakes había tocado el bajo en Bloc Party desde su formación en 2003 y es el segundo miembro del cuarteto en abandonar tras la marcha del batería Matt Tong en 2013. Sólo quedan Kele y Russell Lissack.
Curiosamente Bloc Party ha vivido serios problemas de definición en el pasado. En 2011 los músicos llegaron a anunciar que buscaban nuevo cantante para sustituir a Kele, aunque después entregaron un álbum más juntos, ‘Four‘.
Gordon seguirá con su proyecto Young Legionnaire, con el que os dejamos.
Update for fans: I'm not involved in the latest incarnation of Bloc Party. I'm now focussing on Young Legionnaire. Gordy #rhythmsection4hire
La protagonista de nuestra columna Hits & Flops es Paloma Faith, una superviviente de la lista de éxitos de Reino Unido ahora que su último disco cumple justo un año de vida. ‘A Perfect Contradiction‘ era editado el 10 de marzo de 2014. En aquel momento se quedaba en el top 2 en las islas por detrás de Elbow (sí, Elbow sacaron un disco el año pasado aunque nadie se acuerde), pero la buena noticia es que nada menos que 53 semanas después Paloma ha vuelto al top 10, escalando además en estos días del puesto 9 al puesto 6.
Lo causante de todo esto no ha sido el chorreo de singles, ‘Trouble With My Baby’, ‘Ready for the Good Life’, ‘Leave While I’m Not Looking’ o ‘Beauty Remains’: el único que llegaba al top 10 aparte del principal era el primero, ‘Can’t Rely On You’. Pero la estrella del álbum y lo que lo ha salvado ha sido ‘Only Love Can Hurt Like This’, todo un sleeper que era «sólo» top 6 pero terminaba vendiendo más de 400.000 copias sólo en las islas. La longevidad de la balada escrita por Diane Warren se extendía hasta los premios Brits, donde era interpretada bajo chorros de agua, dejando a Paloma premiada como mejor solista femenina.
Un vistazo a Spotify, donde la composición tiene 16 millones de reproducciones, muy por encima de los 6 millones de ‘Can’t Rely On You’ y del triste millón con que cuentan el resto de las canciones del disco en el mejor de los casos, revela que este baladón ha devorado al resto del álbum, pero por alguna razón el tema sí ha arrastrado al público a las tiendas de discos. Ya iba bien posicionado en 2014 cuando además se reeditaba incluyendo ‘Changing’, el top 1 junto a Sigma. Al final, el disco lograba en UK la certificación de doble platino de los dos discos anteriores de Faith (600.000 unidades), que para los tiempos que corren no está nada mal. Y recordamos que continúa vigente.
La mala noticia es que este éxito no se ha exportado más allá de un par de países, especialmente Australia. En el resto del mundo no nos hemos enterado.
Flops
‘Piece by Piece‘ todavía podría tener su recorrido, pero de momento las cosas no pintan nada bien para el nuevo disco de Kelly Clarkson. El disco podía ser top 1 del Billboard 200 la semana pasada sólo porque la semana era floja (vendía 83.000 unidades y obtenía 97.000 puntos, datos con los que esta semana habría sido top 4), pero en la segunda semana ha caído al número 12. En Reino Unido el patrón es parecido. El disco entraba al puesto 6, la peor entrada de su carrera excluyendo su debut de 2003 y un disco navideño, y además caía al número 15 la semana siguiente. Esta se prevé que ronde el top 30 ya.
Lo peor es que el disco de la intérprete de ‘Stronger’ y ‘My Life Would Suck Without You’ sí tiene mini hit. Se trata de ‘Heartbeat Song’, un tema que fue top 7 en Reino Unido y top 21 en Estados Unidos, donde aún está ganando audiencia en radio y aún se mantiene en el top 30 después de 9 semanas. ¿Por qué no está sirviendo para vender el disco? ¿Es por esa espantosa portada que incita a correr en sentido contrario en las tiendas de álbumes? ¿Cambiará esto con futuros sencillos tipo baladas de Navidad? ¿Aguantará el disco en el Billboard 200 hasta entonces a este ritmo?
Billy Corgan ha vuelto a cubrirse de gloria durante su gira latinoamericana. El líder de Smashing Pumpkins (queremos decir, el único miembro verdadero de Smashing Pumpkins) ha dado un concierto en Lima coincidiendo con el día de su cumpleaños (17 de marzo), en el que, aparte de dedicarse a sí mismo un temita, ha recordado al público qué día era, con el objetivo de ser felicitado y vitoreado.
Cuando desde la audiencia le han llamado Billy, ha contestado de manera muy simpática que su nombre no es Billy, sino William. “Mi madre os lo agradecerá, desde el cielo”. ¿Ha nacido una estrella totalmente renovada, William Corgan?
El tema dedicado a sí mismo es ‘Dorian’, uno de los extraídos de su último disco ‘Monuments to an Elegy‘, y el dedicado al público, después, sería nada menos que ‘Today’.
«Campaña» es una palabra que siempre ha repelido en el mundo independiente, inspirando hace unos años un artículo en este site titulado «Los indies son pobres porque quieren«, en el que hablábamos de lo poco y mal que explotaban su potencial comercial algunas formaciones underground. Siete años después de aquella columna de opinión, probablemente acertada en unas cosas y desacertada en otras, todavía grupos como Toundra hablan del éxito que ya tienen casi como si les fuera ajeno. Preguntados sobre el hecho de ser top 2 en ventas en España nos contestaban: «no es nunca ni un fin ni nada por el estilo. Consideramos que la cultura no se puede medir por estas cosas. Es simplemente una medición de un mercado y de una industria de la que no nos sentimos parte».
Lo que ha rodeado el lanzamiento de ‘Premeditación, Nocturnidad y Alevosía’ no ha sido una «campaña» de márketing al uso, pero no cabe duda de que ha seguido una estrategia, como abiertamente reconocía Ana Fernández-Villaverde durante una charla el año pasado. «La vida de un disco de un grupo indie mediano como nosotros no es muy larga y menos si ya no eres novedad en el panorama musical, así que se le ocurrió a David (Rodríguez) sacar el 4º disco en forma de 3 maxis. A mí me pareció bien y entonces empecé a idear el concepto de los tres empezando por los títulos, el cuadro, las portadas…». No pudo expresarlo mejor ni podía tener más razón. En este mundo en el que la vida de un disco cualquiera (no sólo indie) es de dos semanas «y después paso a otra cosa», la división de estas 12 canciones en 3 EP’s, asociada además a conceptos artísticos, ha sido un acierto absoluto. Por supuesto habrá quien haya esperado a la reunión de todas las pistas en un solo CD o grupo, habrá quien no haya visto alguno de los tres vídeos de presentación por pereza, y habrá quien llegue a la edición de este disco algo quemado de La Bien Querida. Pero no es nuestro caso. Sin filtraciones -como ha de ser-, cada pista estrenada a través de un vídeo o de un audio ha sido un paso excitante hacia el que parece el mejor álbum de la artista. ¿Lo es realmente o estamos deslumbrados por el atractivo de este tríptico?
En verdad, el formato dividido en tres no permite disco malo, ni siquiera mediocre. ¿Quién va a querer escuchar un álbum presentado por varios singles y EP’s que no molan? La fórmula escogida de ninguna manera funcionaría si el segundo single hubiera sido cuestionable y el tercero «regulero». ‘Poderes extraños’ fue un gran primer sencillo: acorde con su mensaje «tú tienes poderes extraños sobre mí» (pero me gusta) y con ese «no quiero esperar para poder ser feliz» (después de la resistencia), sus pasajes instrumentales suenan calmados y tranquilos, elevando la canción al cielo y dotándola de nuevos significados. Pero si el disco tuviera sus flaquezas, probablemente habríamos conocido inmediatamente después las 11 canciones restantes, y no más pepinazos como ‘Ojalá estuvieras muerto‘ y ‘Muero de amor‘. El primero, más tremebundo todavía que su título, presenta la parte más oscura de la trilogía (llamada de manera muy indicativa ‘Nocturnidad‘) y el segundo ejerce a la postre de cierre épico para el disco, remitiendo a los grandes cantantes folclóricos del país en la onda de Raphael (ojo, tanto Ana como David han compuesto temas para lo próximo de Soleá Morente).
La relevancia de estas tres canciones en el repertorio futuro de La Bien Querida, nada menos que después de tres discos sólidos, es incuestionable. Pero hay incluso más composiciones que aunque se nos hubieran presentado dentro de un disco largo, es difícil que hubieran pasado desapercibidas. Es el caso de ‘Alta tensión‘, que va creciéndose al pasar de ser una canción ambient a una angustiosa balada tipo Visage sobre un desengaño; ‘Música contemporánea‘, que cambia sus estrofas llenas de tensión por un estribillo luminoso inspirado abiertamente por Franco Battiato; o ‘Vueltas‘, en la que el tratamiento de la voz de Ana (no hay efectos de producción, dicen) está en sintonía con la letra, que hace un paralelismo con el mundo infantil («tu punto de vista retorcido me tiene dando vueltas como un niño»).
Como ‘Muero de amor’, ‘Disimulando’ apela a la vertiente más españoleta y rumbera del dúo; ‘Geometría existencial’ recuerda su vena más kraut; ‘Encadenados’ aporta un ligero toque de luz en la parte más siniestra, recordando de nuevo a New Order, antes de esa ‘Carretera secundaria’ que lleva al extremo a la Björk de ‘Homogenic’ y de ‘Crepúsculo’; y quizá ‘El origen del mundo’ sí podría resultar una pista más floja, aunque colocada en el disco en segundo lugar, nadie lo advertirá siquiera.
Con este torrente de temas que deberían ser hits, cabría plantear qué es La Bien Querida a día de hoy, pues después de tantas tonalidades brumosas y soleadas, los días en que la conocíamos vestida con falda flamenca suenan cada vez más lejanos. Sin embargo, su modo de componer, a la guitarra, es el mismo, y se nota en estas producciones que, aunque suenen synth-pop, góticas o melódicas, siguen explotando el doloroso costumbrismo de unos Everything But The Girl que también a ella la identifica (hace rato). Con las ideas aportadas por David y también con los vídeos polisémicos de Juanma Carrillo se ven enriquecidas asimismo esas letras que a veces acusan cierta sencillez, convenciéndonos de que el todo que forma este álbum es mucho más que la suma de sus partes.
Calificación: 9/10 Lo mejor: ‘Poderes extraños’, ‘Muero de amor’, ‘Vueltas’, ‘Alta tensión’, ‘Ojalá estuvieras muerto’, ‘Música contemporánea’ Te gustará si te gusta: el pop en español Escúchalo: Spotify
Esta semana, con su última presentación en vivo en televisión, en el show de Ellen DeGeneres, podemos dar por terminado el curso como single de ‘Living for Love’, el tema de Madonna que los lectores escogíais como top 1 de JENESAISPOP durante tres semanas consecutivas a finales de 2014 y principios de 2015. Se trata del cuarto top 1 de la artista en nuestra lista después de ‘Get Together’, ‘4 Minutes’ y ‘Gimme All Your Luvin».
Antes de las filtraciones de decenas de maquetas, cuando ya sabíamos que ‘Living for Love’ sería una de las canciones del nuevo disco de Madonna gracias a los hashtags utilizados hasta la saciedad en su cuenta de Instagram, un rumor empezó a circular por las webs de fans: algunas de sus nuevas letras tratarían su ruptura con el bailarín Brahim Zaibat, fechada por los tabloides en diciembre de 2013, tres años después de haberse iniciado.
Aunque todos hemos visto lloriquear a gente por una ruptura ya no de tres años, sino de tres meses (y de tres días), la noticia fue recibida con horror: letras tristes de Madonna sobre un muchacho de 25 años no era lo que el mundo esperaba de ella, por alguna razón que se nos escapa. De manera sorprendente, ninguna de las críticas publicadas sobre el álbum (ni la nuestra), muchas de ellas centradas en su edad, como las de NME o The Guardian (desde luego no la nuestra), ha querido detenerse en esto, pero lo cierto es que ocupa una buena parte del álbum ‘Rebel Heart‘: ‘Heartbreak City’, ‘Unapologetic Bitch’ y este ‘Living for Love’ nos cuentan sobre Brahim lo que nunca hemos escuchado de la propia boca de Madonna en las entrevistas.
«Al principio me quisiste y me entregué / me hiciste sentir como si acabara de volver a nacer / me diste fuerzas y me animaste / me convenciste de que nada podría irme mal», empieza diciendo, casi a capella la canción. Pero ese ambiguo «I could do no wrong», que también podría hacer referencia a lo «impropio» e «inadecuado» de una pareja a la que separan 30 años, se estropea enseguida, en cuanto ella «baja la guardia». «Caí en tus brazos y olvidé quién soy / No escuché las advertencias y ahora estoy de rodillas, sola en la oscuridad / no quise ver tus juegos y apuntaste directo a mi corazón», lamenta, pero no dando lugar a un drama, sino a todo lo contrario.
‘Living for Love’ es una canción de autoayuda y autoafirmación en la que no se renuncia al amor, sino que se utiliza como esperanza, mientras se deja atrás al amante perdido, al que sí se renuncia por completo: «I found freedom in the ugly truth / I deserve the best and it’s not you», advierte en su parte más sonora. La aparente sencillez de la letra, en sintonía con su sutil producción, muy rebajada tanto en su lado noventero como en su lado góspel con respecto a la maqueta, ha terminado presentando varias lecturas. El tema fue interpretado por primera vez en directo en la ceremonia de los Grammy (la actuación está geobloqueada para España) y poco después en los Brits, donde Madonna sufría una caída escaleras abajo debido a que su capa de Armani estaba atada demasiado fuerte y el nudo no se deshizo cuando sus bailarinas tenían que tirar de ella. Caídas, subidas, metáforas sobre cómo salir adelante cuando tienes todo en contra… la letra de repente parecía escrita para una caída en una ceremonia que veían millones de personas. Incluso la cantante tenía que negar en el programa de Jonathan Ross, grabado sólo un día después, que la aparatosa caída estuviera preparada. «Nunca volveré a hacer una letra así», prometía. Según ella, si salió indemne y pudo seguir con la actuación, para sorpresa de Tracey Thorn (muy divertido su texto «¿alguna vez os habéis caído de espaldas? yo sí (…) y no pasé de la autocompasión»), es porque está acostumbrada a caerse del caballo y sabe cuál es la mejor forma de comer suelo.
Pasando a lo que realmente importa a nuestros comentaristas, la canción ha sido uno de los mayores fracasos comerciales de Madonna. Por primera vez desde 1983 un primer single suyo ha quedado fuera del Billboard Hot 100 (ha sido algo así como puesto 108 en Estados Unidos al ser top 8 en el Bubbling Under) y sólo ha sido número 26 en Reino Unido, sirviendo, eso sí, para constituir su top 40 número 71 en las islas, siendo la artista femenina con más entradas en esta lista. El top 21 de España, el top 40 de Alemania o el top 50 de Francia no han servido de consuelo para una canción que no ha hecho «click» con la audiencia ni en los países en los que se ha radiado (básicamente Italia).
Entre los posibles motivos del flop, un exceso de sutileza para una artista que al fin y al cabo saca discos cada 3 ó 4 años (es difícil decidir exactamente qué es el estribillo), la falta de inmediatez o necesidad de ser escuchada una decena de veces para ser apreciada (en ese sentido recuerda mucho a ‘You Rock My World’ de Michael Jackson) o su improvisado vídeo junto a Julien Choquart y Camille Hirigoyen «J.A.C.K.», que venían de protagonizar un semi viral con Christine & The Queens, pero no han podido sacar provecho a Madonna. No sólo el concepto de la artista toreando minotauros resulta algo peregrino por mucho que guarde relación con la letra, sino que el par de trucos de post-producción y momentos rescatables del vídeo (los guiños a ‘Papa Don’t Preach’ o Michael Jackson, la repetida suspensión en el aire) aparecen demasiado acelerados o ralentizados, cuando no empañados por contraplanos innecesarios y muy molestos efectos sonoros. Como guinda, una cita medio antitaurina de Nietzsche con el apellido del filósofo mal escrito.
Si sirve de consuelo para los hardcore fans, no se conoce crítica mala para esta canción, con varias apuntando a que estamos ante el mejor single de Madonna desde ‘Hung Up’ (New York Times, Entertainment Focus, Bustle) e incluso alguna señalándolo como su «single más disfrutable desde ‘Express Yourself'» (Popmatters). Los medios que más duros han sido con ‘Rebel Heart’ de todo el mundo (Pitchfork y NME, que puntuaban el álbum con un raquítico 5/10), también han hablado bien de ‘Living for Love’: NME decía que el resto del disco debería sonar como esta producción «de cabo a rabo» y Pitchfork indicaba que el primer single del álbum londinense de Mary J Blige debería haber sonado como este.
La exquisita producción ha corrido a cargo exclusivamente de Diplo junto a Madonna (estamos seguros de que Disclosure llegaron a meter mano en una de las demos, pero no pudieron completar el trabajo por falta de tiempo). La participación de Mozella, el autor de hits Toby Gad y el productor de hits Ariel Rechtshaid (Vampire Weekend, Haim, Sky Ferreira) se limita a la co-autoría junto a los propios Diplo y Madonna. No está nada claro qué ha tenido que ver el emergente MNEK en todo esto, ya que el disco no incluye créditos y Madonna declaró en una entrevista que no era su voz la que aparecía al final de la canción, sino que aparecería en un remix (?); pero sí se sabe que el piano lo ha tocado Alicia Keys. En cuanto a remixes, el rescatado para los Grammy responde al nombre de ‘Living for Drama’, mientras que el últimamente interpretado en televisión, con Madonna como dando la canción original por perdida o vendiendo la gira, responde al nombre de ‘Living for Drums’. Si eres profesor de spinning, el recomendado es el de Mike Rizzo «Funk Generation Club». También medio rescatable es el mash-up con el hit noventero ‘What Is Love’ de Haddaway.
Como propina, unas cuantas versiones de cantantes amateurs que más que nada dejan claro que la canción puede gustar al joven oyente medio de Radio 1 y que sí, tarda en hacer click, pero cuando lo hace, es para siempre.
Tras el fracaso de ‘Kiss Me Once‘, que nos hizo pensar para qué demonios Kylie fichó por un sello americano cuando su público está claramente en Europa, la artista abandona el sello de Jay Z.
Este es su mensaje: “He pasado un tiempo estupendo con Roc Nation y ha sido fantástico formar un equipo con ellos durante los últimos dos años. Nos unimos en un periodo de mi vida en el que quería remover un poco las cosas. Me encantó colaborar con Roc en ‘Kiss Me Once’, la gira y el DVD y he hecho grandes amigos en este tiempo”. No se indica hacia dónde irá ahora la cantante, pero nos conformaríamos con mejores vídeos que ‘Into the Blue’.
Tras su paso por el FIB, entre otros lugares, hace un par de años, Bob Dylan volverá a España, esta vez para actuar en el Palacio de Deportes de Granada. Será de nuevo durante el mes de julio, en concreto el día 8, presentando alguna de las canciones de ‘Shadows in the Night‘, su excelente disco de versiones de Frank Sinatra. Las entradas se pondrán a la venta próximamente en Ticketmaster.
El Columpio Asesino se han alzado esta semana con el Premio UFi al mejor artista español en los Indie-O-Music Awards (IMAS) 2015, la octava edición de los premios a la música independiente mexicana. En 2012 ya ganaron con ‘Diamantes’ y ahora vuelven a ganar con ‘Ballenas muertas en San Sebastián‘. Aprovechamos la ocasión para invitar a Albaro Arizaleta a nuestra nueva sección «Tipo Test», en la que un artista escogerá sus preguntas favoritas de un cuestionario.
El Columpio Asesino actúan hoy viernes 20 de marzo en Let’s Festival (L’Hospitalet de Llobregat) y mañana sábado 21 de marzo en Lleida. Luego vendrán Donosti, Tarragona, Gandía, Zaragoza, Vic, Gijón Sound Festival, Granada, Toledo, Cádiz, Bilbao y un larguísimo etcétera. Detalles, aquí.
¿Tienes canción favorita de todos los tiempos? En caso negativo, ¿una canción que te haya obsesionado últimamente?
Últimamente escucho mucho Gorillaz, concretamente ‘Dirty Harry’.
¿Qué canción ajena ensayaste por primera vez en tu vida?
‘Where is my Mind’ de Pixies.
¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
La sirena de la vieja fábrica del barrio. No es una canción pero todavía me inspira.
¿Qué canción desearías haber escrito?
‘El Rey’ de José Alfredo Jimenez
¿Qué canción odias con toda tu alma?
‘My generation’ de los putos WHO.
Actuación vocal que adores.
Cualquiera de Johnny Rotten.
¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
La escucha de un conformista.
The Wave Pictures estrenan vídeo para ‘The Fire Alarm’, una de las canciones contenidas en su reciente disco ‘Great Big Flamingo Burning Moon‘, que reseñábamos hace unos días con motivo de su paso por España (aún les quedan varias fechas).
‘The Fire Alarm’ esquiva terminar siendo el típico vídeo de concierto gracias a tres gamberros que tratan de colarse en un show de la banda más pedo que Alfredo. Bastante divertida la tontería…
El single de regreso de Chic tras el baño de masas de Nile Rodgers en ‘Get Lucky’, entre otras colaboraciones, se estrenaba hoy. ‘I’ll Be There’ suena tal y como lo hacían los grandes temas de la banda a finales de los 70 y principios de los 80, sirviendo de adelanto al largo que llegará el próximo mes de junio. Será el primero tras la muerte de Bernard Edwards, que falleció en 1996. El single está acreditado a «Chic ft Nile Rodgers», nombre que también usa durante sus últimas giras.
Actualización: el vídeo se ha estrenado en Facebook. Está protagonizado por la supermodelo Karlie Kloss, que «conecta pasado y presente» como fan de Chic, viendo una actuación del grupo en Soul Train o bailando entre vinilos. Dirigen Inez and Vinoodh.
Tras el exitazo de anteriores ediciones, el equipo de Jimmy Kimmel ha vuelto a un macrofestival para preguntar a la gente qué opina de grupos y artistas… inventados.
Esta vez han acudido a South By South West, que se celebra estos días, preguntando por gente como Vlad & The Putins, DJ Fictionale o Mary Kate and Nasty. Entre los pobres asistentes víctimas del postureo elevado hasta el extremo, hay hasta quien se atreve a tararear, a decir que fulanito va a petar o hasta a inventar que la líder es una chica. El premio, para la que se empeña en contar que conoció al artista susodicho en Lion. Le freak, c’est chic!
Toundra han publicado este año ‘IV‘, un nuevo disco que ha conquistado a la crítica y al público. Tanto que alcanzaba nada menos que el top 2 en la lista de ventas española, algo no precisamente al alcance de cualquiera. Tras realizar algunos conciertos por aquí, el grupo se marchaba a otros países europeos para tocar en decenas de ciudades de Reino Unido, Noruega, Luxemburgo, Dinamarca o Francia. Hablamos con Esteban Girón, uno de los guitarristas (primero por la izquierda), sobre el desarrollo de esta gira.
Acabáis de terminar una gira europea que ha recorrido varios países, ¿cómo ha ido? ¿Cuál ha sido vuestro concierto favorito?
El balance ha sido muy positivo y cada día disfrutamos más de salir a tocar a Europa. Nos tratan bien, con cariño, hay respuesta de público y la experiencia es inigualable. Es duro y te sientes un poco un vikingo saltando al mar en una cáscara de nuez, pero no hay nada igual. El concierto más emotivo quizás fue el de Londres… una de las cunas de la cultura musical occidental de la que todos hemos bebido… y la sala se llenó.
¿Qué no ha salido, en cambio, como esperabais? ¿Alguna decepción, contratiempo, chasco o concierto para el olvido? Por el diario de Mondo Sonoro parece que habéis pasado un poco de frío, por ejemplo.
Esperábamos más público en Ginebra, por ejemplo… Pero no puedes pedir que haya conciertos con tanta gente cuando te cruzas Europa de lunes a viernes… hay lunes en febrero en los que no le interesas a nadie. Tampoco hemos pasado tanto, tanto frío, podría haber sido mejor. Quizás nos deberíamos haber alimentado mejor. No más, que siempre cumplimos, sino de una manera más sana. Por otro lado, algunos acabaron en comisaría en Noruega y en Copenhague nos reventaron un cristal de la furgoneta y nos robaron unos sintetizadores de Alberto.
Suponemos que habéis estado en ciudades que ya habíais visitado y otras que no conoceríais. ¿Alguna sorpresa tanto turística como musical?
Sorpresa no, pero sí fue muy grato visitar Gouda y comprar queso en un mercado municipal. La gente ahí fue muy maja porque veían (era muy evidente) que no éramos de por ahí. En muchos sitios sabían directamente que éramos españoles al cruzarse con nosotros por la calle… aunque en Burdeos nos gritaban «Ándele, Ándele!» desde el público.
La música de Toundra es muy internacional, en tanto que instrumental, por lo que suponemos que tenéis menos cuota de público español yendo a veros que otra gente, que sólo tiene fans españoles fuera de España. ¿O no es así? ¿Quizá sí había más españoles por ejemplo en Londres?
La verdad es que se nota mucho la «movilidad exterior» (como dice el gobierno) por motivos de empleo de nuestros jóvenes y que mucha gente estudia en el extranjero hoy en día. Con esto quiero decir: sí, hay mucho español que se ha visto obligado a emigrar y que viene a vernos, lo cual es una vergüenza y una pena. Respondiendo a tu pregunta: la mayoría de nuestro público fuera de nuestras fronteras no son españoles.
¿Cómo han cambiado las canciones de ‘IV’ en este mes desde que las presentasteis en España?
Ahora las sabemos tocar mejor y suenan mejor y más compactas. Creo que las hemos «hecho al directo». Siempre que comenzamos a tocar nuevos temas en directo comenzamos reproduciendo más o menos de manera más fiel la versión grabada en el disco. Poco a poco sabemos llevarlas a un sitio en el que funcionan mejor en directo.
‘Viesca’ es una de las canciones con más arreglos del álbum, ¿habéis podido llevarla al directo con instrumentos de cuerda como en Joy Eslava, la hacéis de manera más austera o no la tocáis cuando no se puede?
En el grupo desde hace un tiempo hemos querido hacer diferencias entre lo que es el grupo en disco y lo que es el grupo en directo. ‘Viesca’ es un ejemplo de lo primero y no queremos que la primera faceta invada a la otra. Está bien de vez en cuando revivir en directo ese tipo de canciones porque a mucha gente le gustan y porque es emotivo. Pero creemos que la esencia del grupo en directo es otra. Además, logísticamente es costoso y logísticamente complicado, por lo que de momento las cosas están bien así.
¿Alguna canción ha evolucionado estas semanas, ha aparecido o desaparecido del setlist? ¿O simplemente alguna os ha sorprendido el modo en que ha sido acogida para bien o para mal?
A mí me gusta mucho cómo se lleva ‘Qarqom’ al directo… pero no siempre -por razones de duración del concierto- podemos tocarla porque se quedarían otras dos canciones fuera.
(Ser top 2 en ventas) «no es nunca ni un fin ni nada por el estilo. Consideramos que la cultura no se puede medir por estas cosas. Es simplemente una medición de un mercado y de una industria de la que no nos sentimos parte»
Habéis sido top 2 de ventas en España, ¿cómo y cuándo os enterasteis? ¿Os hizo ilusión o es algo que os da igual porque para un grupo a día de hoy lo más importante es la gira?
Nos enteramos un día a la hora de comer. Paco (Holy Cuervo) nos llamó. Evidentemente es algo que como nunca había pasado, pues te hace relativa ilusión. Pero no es nunca ni un fin ni nada por el estilo. Consideramos que la cultura no se puede medir por estas cosas. Es simplemente una medición de un mercado y de una industria de la que no nos sentimos parte. Ese día salí con un amigo a celebrar… que había terminado sus exámenes.
¿Creéis que estáis, a tenor del dato, en la cumbre de popularidad de vuestra carrera o notáis que más gente todavía está descubriendo a Toundra?
Ser el número dos de ventas no significa ser hoy en día más populares que ayer. Nunca lo he visto así, por lo menos. Nuesta carrera, más que como una colina, la veo como un camino que seguimos paso a paso sin miedo. Lo peligroso de ascender muy rápido es que puedes despistarte y caer al vacío. Nosotros vamos paso a paso disfrutando del camino.
¿Es un hándicap para vosotros lidiar con las comparaciones con otras bandas instrumentales a las que se suele recurrir para hablar de vosotros? ¿Os esforzáis por marcar diferencias, ya sea en sonido, estética…?
La prensa y la crítica cataloga. Es una de sus funciones. No voy a entrar en lo que me parece el catalogar, etiquetar… muchas veces lo sustancial se pierde en esas etiquetas y lo verdaderamente importante queda escondido tras ellas. Nosotros hacemos algo con mucha pasión, algo que nos sale desde dentro y no podemos vivir sin ello. No hacemos esto porque nos metan en X rollo o en Y estilo… si algo de lo que hacemos nos gusta, lo dejamos estar, si no nos gusta, se va fuera. Y así ha sido siempre. El speech que el protagonista de ‘Birdman‘ le suelta a la crítica de teatro justo antes del estreno de su obra de teatro es muy inspirador. Cuando vi la película hace poco me emocionó.
¿Algún proyecto para 2015 al margen de presentar el disco en vivo? ¿Algún EP, vídeo apañado, etc?
Estamos trabajando en un nuevo videoclip y en llevar un paso más allá el aspecto visual de nuestros directos. Volveremos al extranjero y ya están saliendo riffs y partes para el siguiente disco… hemos dicho en todas las entrevistas que no se llamará ‘V’… Molaría ahora llamarlo así.
En la pasada década, la variante hispana y cargada de humor del electroclash, el electroperro, era habitual en clubs de todo el país, hasta que el género perdió toda su vigencia. Ahora, dos chicas de Barcelona, Carla Moreno y Alba Rihe, retoman ese espíritu bailable, chochi y, sobre todo, divertido, bajo el nombre Las Bistecs y con la irreverencia y el humor como principal arma. Formado aparentemente a finales de 2013, el dúo ha ido presentando temas de hilarante «electro-disgusting» como ‘Sexy o no’, ‘Entrecots!’, ‘Cosas negras’ o ‘Humo’, sobre todo en el popular club «¡Que trabaje Rita!».
Pero es, sin duda, ‘Historia del arte’ la canción que las ha sacado del semi-anonimato. Lanzada el pasado verano, no ha sido hasta hace unas semanas que, gracias a su descacharrante videoclip, han logrado una mayor difusión y convertido el irresistible «dórica, jónica, corintia» en un hit «enterground», como ellas dicen.
Esta semana Las Bistecs han vivido su primer momento de gloria televisiva al ser invitadas (es muy digno de elogio que una propuesta como la suya aún pueda caber en la triste deriva de la cadena pública) al programa ‘Alaska y Segura‘ de RTVE, en el que realizaron un divertido playback en vivo, ataviadas con vestuario original del mítico concurso «Un, dos, tres». En un panorama en el que el cachondeo y las ganas de divertir son tan necesarios, aguardaremos novedades de Las Bistecs.
Zayn Malik de One Direction (arriba a la derecha en la imagen) ha abandonado la gira internacional que mantiene ocupada actualmente a la banda por estrés, según su publicista. La boyband tocará ahora en las Filipinas como cuarteto mientras Malik se recupera en su casa de Reino Unido.
Las cosas no pintan bien para One Direction. Malik ya se ausentó en alguna entrevista durante la etapa promocional de ‘Four‘, el último álbum del grupo, por motivos se especula que un tanto turbios, y esta noticia recuerda peligrosamente a la marcha de Geri de las Spice Girls en 1998, anunciada después de que esta se ausentara de tres conciertos de la banda de manera inesperada.
1D statement: Zayn has been signed off with stress and is flying back to the UK to recuperate. The band wish (cont) http://t.co/sqvOnQodYy
Guillermo Farré -cuerpo y alma de Wild Honey- realiza un avance significativo a cada nuevo disco. El último más notable fue en su segundo elepé (‘Big Flash‘, 2013), donde la producción de Tim Gane (Stereolab) dotaba a sus soleadas melodías de nuevos puntos de vista sonoros. ‘Medalla de Plata’ se puede considerar una continuación de aquel sonido, en este caso ya bajo la batuta de Guille, que aprendió mucho de la experiencia con Gane. Pero es en el apartado compositivo, puramente melódico, donde este diez pulgadas de cuatro canciones sorprende más, donde se comprueba que Wild Honey ha dado un verdadero paso de gigante. Quizá haya tenido algo que ver el hecho de que están cantadas en castellano, un reto planteado a sí mismo por Farré como forma de buscar nuevas fuentes de inspiración.
Por esas dos razones ‘Medalla de Plata’ tiene las hechuras de un disco importante, significativo, de cambio. Veremos si el tema del idioma tiene continuidad. Lo que sí esperamos es que las canciones sigan esa ascensión hacia las cumbres del pop que plantea tan elocuentemente desde el mismo inicio esa maravillosa ‘Tu propia montaña Sainte-Victoire’. Pocas melodías se han oído en lo que va de año que igualen la de esta canción, o la de ‘Brillan más que el mar’, y menos tan elegantemente vestidas: sintetizadores de neosicodelia pop 90s, secuencias de acordes que nada tienen que envidiar a los mejores High Llamas y armonías exquisitas (maravillosa Ana Steinberg). Una atractiva mezcla de guitarras, sintes y buenas melodías que en ocasiones recuerda a Lightships, el proyecto en solitario de Gerard Love de Teenage Fanclub, pero las canciones de Wild Honey son composiciones mucho mejores. Además el castellano les da un matiz único: una melodía en castellano siempre será un poco diferente, y aquí se pueden apreciar ecos, si acaso lejanos, de grupos admirados por Guille como Almendra o Nuevos Horizontes.
Los dos acordes de hermosa melancolía de ‘Medalla de Plata’ son la plataforma de bellísimos versos: «estructuras mágicas / extremidades fantasmas / los escalones descendían hasta una plaza / las constelaciones / un monumento en llamas / finges que escribes una carta sobre la almohada». Ese es el otro gran triunfo de este EP: más allá de la propia sonoridad del castellano, que -quizá inesperadamente- encaja como un guante en las melodías de Farré, el cambio de idioma revela además a un letrista capaz de evocaciones visuales formidables, que demuestra que se puede hacer pop en castellano sin caer en costumbrismos facilones. Que liberado del complejo de inferioridad nuestro idioma puede aspirar a un lirismo que nada tiene que envidiar a los textos del pop en inglés. ‘Medalla de Plata’ se resume, en definitiva, en dos palabras: elegancia e inspiración.
Calificación: 8,2/10 Lo mejor: ‘Medalla de Plata’, ‘Brillan más que el mar’ Te gustará si te gustan: Stereolab, Almendra, The Free Design, Lightships Escúchalo: Spotify
Justin Bieber sigue protagonizando noticias que nada tienen que ver con su carrera musical. Esta vez el asunto viene de antes, de cuando Bieber lanzó huevos a la casa de un vecino sin ningún motivo aparente. Esta persona, de nombre real Jeff Schwartz, finalmente ha denunciado a Bieber y a su guardaespaldas por este incidente así como por supuestamente haber hecho carreras de coche por el barrio en el que ambos residen, carreras que, según Schwarts, llegaron a poner la vida de los vecinos en peligro.
Pero, tal y como informa The Guardian, hay más. Schwartz no solo ha denunciado a Bieber sino también a su guardaespaldas por insultos anti-semitas. Al parecer, al quejarse de las carreras al guardaespaldas del cantante, este primero se le acercó un día y le contestó «qué vas a hacer al respeto, pequeño niño judío». Schwartz acusa a Bieber además de producirle angustia emocional y de haberle escupido. «Otro día, otro drama», en definitiva, en la vida de Justin Bieber, que no sabemos si remontará profesionalmente algún día con tanta tontería a su alrededor.
Tras ‘Towards the Sun‘ ha llegado a la red un par de canciones nuevas de Rihanna para la banda sonora de ‘Home’. La primera, ‘Dance In the Dark’, posee un interés escaso y puedes escucharla aquí. La segunda, sin embargo, es una soberbia balada a piano titulada ‘As Real As You and Me’ que bien pudiera ser una de las mejores baladas presentadas por Rihanna hasta el momento. Escúchala a continuación:
Iggy Azalea continúa confirmándose como el último hazmerreír de la música en la red gracias a un nuevo vídeo viral que la muestra rapeando frenéticamente su tema ‘D.R.U.G.S.’ durante un concierto en 2013 y fracasando a lo bestia en el intento. Según esta persona, las ininteligibles palabras de Iggy son estas: «PIS PA POINT BU PASS ME A JOINT GOTTA TWO SIS BE IMMA SPRING MY JOINT STREET CRED RAP ONE TO THE PA PA PU NO JOOTARANG SID YA NO». Por supuesto tiene mucho sentido, ¿verdad?
La autora de ‘The New Classic‘, por cierto, es la artista invitada en el próximo single de Britney Spears, ‘Pretty Girls’, cuya publicación se prevé inminente y será sorpresa.
Tras la decepcionante ‘Go Out’, Blur comparten un nuevo adelanto de su nuevo disco, ‘The Magic Whip’, a la venta el 27 de abril. Se trata de una distópica marcha en la que, a través de cuerdas orquestales y extraños paisajes electrónicos, Damon Albarn y compañía cantan al asunto de la superpoblación en la Tierra. Escúchala a continuación.
Os recordamos que Blur encabezan el próximo Festival de Benicàssim.
Con motivo del Día Internacional de la Felicidad, que se celebra hoy 20 de marzo, la ONU ha invitado a internautas de todo el mundo a buscar las cinco canciones más felices de la historia. «¡Terror!», pensarán algunos y algunas. Con David Guetta, el cachondo de James Blunt y Ed Sheeran en el ajo, ¿qué bueno puede salir de todo esto? A espera de que por supuesto la ya rancia ‘Happy’ de Pharrell Williams aparezca en la lista, os ofrecemos una selección de cinco canciones alternativas que podrían ser incluidas en ella sin ningún problema. Grandes canciones no tan famosas como ‘Shiny Happy People’ y el resto de pistas mil veces vistas en este tipo de listas pero que, como los cortes que formarán el top 5 final, celebran la juventud, el amor y, en definitiva, la vida.
Animal Collective / My Girls Compuesta por Noah Lennox «Panda Bear», ‘My Girls’ es la canción insignia de Animal Collective, un alienígena rompepistas electropop que, en su combinación de densos tejidos abstractos y melodías pop californianas (¿estarán Beach Boys en la lista oficial?), reflexiona en su letra sobre lo que resulta en la edad adulta «verdaderamente importante». «No siento que necesite demasiado», entona Lennox; «quizás un alma fuerte y la sangre que sangro / pero con una niña pequeña y mi esposa / lo único que quiero es una casa en condiciones». Las palabras bastan.
Sigur Rós / Hoppípolla «Sonriente / girando en círculos / nos cogemos de la mano / el mundo luce borroso / pero tú estás aquí», canta Jónsi al principio de ‘Hoppípolla’, la canción más popular de la carrera de Sigur Rós por varios motivos. El más importante, naturalmente, es que se trata de una composición magistral y hermosísima donde melodías vocales y arreglos orquestales, especialmente los de la sección de cuerdas, confluyen apoteósicamente. Cuatro minutos y treinta y siete segundos de pura nostalgia que capturan con tremendo enfoque la inocencia de ser niño.
Moloko / The Time Is Now Horacio acuñó «carpe diem» y Moloko se apropiaron del concepto para escribir una de las grandes obras maestras de su repertorio, ‘The Time Is Now», que entre guitarras, cuerdas aterciopeladas y elegantes ritmos house edifica y eleva al oyente y lo invita a aprovechar el momento y, en definitiva, a exprimir la vida al máximo en una composición de reconfortante musicalidad y deliciosas melodías vocales. «Entrégate al momento / ahora es el momento / entrégate al momento / aprovechemos este instante». La (preciosa) voz de la razón.
Weezer / Island in the Sun El gran clásico de Weezer -con permiso de ‘Buddy Holly’- cuenta con uno de los riffs de guitarra más memorables ever y con una melodía irresistiblemente alegre y reconfortante. Acompañado además por un (segundo) videoclip con animalitos dirigido por Spike Jonze tan tierno que llega a emocionar, el tema celebra en su letra la tranquilidad de una vida sencilla y la felicidad de unas vacaciones calurosas donde lo único que importa es la preciada compañía de la gente que uno ama.
Marina and the Diamonds / Happy Como ‘Happy’ de Pharrell Williams es la elección segura de la lista de canciones felices oficial de la ONU, nosotros proponemos otro ‘Happy’ mucho mejor, el de Marina and the Diamonds. Ambos temas presentan diferencias substanciales en comparación; principalmente, que la de Pharrell se puede bailar alegremente y la de Marina es una balada a piano conmovedora que incita a la llorera. Temáticamente, sin embargo, ‘Happy’ es la esperanza hecha canción y un himno sublime sobre el hallazgo de la anhelada felicidad con uno mismo que acompaña a la madurez. «Finalmente he encontrado la manera de ser feliz», concluye Marina, emocionada. El mejor ‘Happy’ en años.
Cuando Pharrell Williams se aleja de sus cacharros habituales suele ofrecer cosas bastante interesantes. Ahora que le ha caído encima el peso de la ley por hacer lo mismo que lleva haciendo desde hace décadas, es un buen momento para alejarse un poco de su estilo.
Los afortunados en recibir los chorros de inspiración del productor son Lion Babe, el dúo de Nueva York que forman Jillian Hervey (hija de Vanessa L. Williams) y Lucas Goodman. El tema en el que se reúnen los tres es este ‘Wonder Woman’ que presentaba la influyente Annie Mac en su programa de radio con la etiqueta “the hottest record in the world”.
Lion Babe tienen en el mercado un EP homónimo desde el año pasado, un lanzamiento que abrían con un ‘Jump Hi’ en el que colaboraba Childish Gambino. Su sonido lo mismo nos recuerda a Erykah Badu -su estética también- que a las En Vogue más radicales, con puntos de electrónica que no deja de lado el R&B más clásico.
La relevancia que no han conseguido hasta ahora puede que la obtengan añadiendo el nombre del autor de ‘Happy’ a su ecuación. Por ahora, podríamos estar hablando de la respuesta americana a AlunaGeorge, así que tendremos que seguir los pasos de estos dos con bastante atención.
Ahora que su disco acaba de salir al mercado, es un momento perfecto para recordar que Madonna lleva siendo un “corazón rebelde” desde hace décadas. En 1992 se publicaba su libro más famoso, aquel que acompañaba a su disco ‘Erotica’, y que bautizaba con el austero y certero título ‘SEX’, una serie de fotografías obra del gran Steven Meisel.
Y ahora, 23 años después, salen a la luz 51 fotografías descartadas de aquellas sesiones. Una fantástica colección de instantáneas imprescindibles para entender una de las eras clave en la historia de la artista. La serie de imágenes, por supuesto altamente NSFW, se puede ver aquí.
Alborotador Gomasio estrenan un vídeo callejero para ‘Los excesos de los niños’, uno de los temas de su nuevo disco, el que le da nombre. Quique Santamaría es el realizador de esta suerte de actualización de ‘Historias del Kronen’ que incluye rollos variados, pedradas y diferentes escenarios urbanos propios de una película de Gus Van Sant (o el primer Almodóvar)
El grupo actúa este sábado 21 de marzo en Barcelona (La 2 de Nitsa), en la presentación del Festival BIS. Es gratis con la entrada del BIS de septiembre 2014, con la entrada anticipada del BIS de marzo 2015, con la tarjeta Plastic Club y con la tarjeta-abono del Primavera Sound 2014 hasta las 02:30h.
Sagrado Corazón de Jesús publicó uno de los mejores discos de 2014, ‘Ópera Omnia‘. Ahora el proyecto de Jesús Fernández edita un nuevo mini LP en nueva compañía, nada menos que Elefant. Aunque el lanzamiento forma parte de la colección New Adventures In Pop, ‘Locus Amœnus’ recogerá hasta 7 canciones.
La nota de prensa indica que ‘Etapa Imperial’ estará influida por los Pet Shop Boys entre ‘Introspective’ y ‘Behaviour’, mientras ‘Las Revistas Científicas Mienten’ incluirá “toques melancólicos de clavicordio y vientos sintetizados que dan alas a una canción redonda que habla de Lamarck y Darwin”.
La ya conocida ‘El Fin De La Era’ aparece en nueva versión, mientras que completan el lanzamiento ‘Manifiesto’ (se habla de Pachelbel, Wendy Carlos y MOMUS), ‘La Balada Del Último Neandertal’, ‘Novelty Rock’ (“con ecos de Denim y Gnarls Barkley”), y ‘Lugares Comunes’.
Genís Segarra se ha encargado de los mandos técnicos. El disco saldrá el 6 de abril con motivo del aniversario de las victorias de Massiel y Abba en Eurovisión y el fallecimiento de Stravinsky y «San Isaac Asimov».