Cuando tienes una base de fans tan espléndida como la de Zahara, hay dos cosas a las que no has de tener miedo. La primera, programar un ambicioso tour llamado «La Santísima Trinidad», con parada en varias ciudades y con tres conciertos en cada una de ellas (acústico, en formato trío y eléctrico). La segunda es permitirte empezar con una canción que no es, de hecho, parte de tu último disco, sino de tu primero (‘Tú me llevas’). Para terminar de rematar la faena, la segunda canción con la que se abrió el directo de este jueves no era ni siquiera de Zahara, sino el célebre mashup entre ‘Te debo un baile’ de The New Raemon y ‘Leñador y la Mujer América’. Un comienzo singular para el cierre de la gira de presentación de ‘Santa’, el trabajo que ha supuesto la confirmación de la ubetense sobre las tablas de medio país.
Es obvio que en el setlist no faltaron temas de ‘Santa’ (desde el precioso ‘Oh, salvaje’, hasta ‘El Frío’, pasando por ‘Hágase Tu Voluntad’ o la ‘La Gracia’ formaron parte del repertorio) pero hay que reconocer que fueron algunos de sus temas anteriores los que más aplausos arrancaron (‘Funeral’, ‘Camino a L.A.’, ‘Photofinish’) junto con la pequeña colaboración de Miguel Rivera de Maga, que saltó frente al respetable para interpretar, junto a Zahara, ‘Intentos de Color’.
Montar un show con tanto empaque después de haber tocado tres noches diferentes en cada una de las ciudades es difícil, eso desde luego. Pero a Zahara parece que no le cuesta ponerse delante de su público, a pesar de ciertos ticks un tanto repetitivos que hemos ido viendo en cada una de las ediciones. Sin embargo, hay que reconocer que -mientras está sobre el escenario- se lo curra a tope: ya sea a base de bailotear sus propias coreografías (en ‘Caída Libre’, contando exactamente la misma historia que la noche anterior), charlando animadamente con el público o, tal y como hiciera en el formato trío, bajando del escenario para pasearse entre la gente. Eso por no hablar del momento final en el que la mismísima Yola Berrocal salió al escenario, primero a bailar ‘Like a Virgin’, y después continuó la fiesta bailando ‘Torturas en los bares’ de Trepàt, canción con la que Zahara ha tenido a bien cerrar, al menos, sus conciertos en Madrid. Y para los incrédulos, tenemos vídeo. Si es que yo no tenía ninguna duda de que Yola mola 1000…
Fidel Castro ha muerto a los 90 años, como ha informado su hermano y presidente de Cuba Raúl Castro durante las primeras horas de esta mañana, hora española. Fidel ha sido objeto de numerosas canciones de apoyo como ‘El necio’ de Silvio Rodríguez o varios himnos de Carlos Puebla, como ‘Y en eso llegó Fidel’. Desde Miami, a menos de 400 kilómetros de La Habana, fueron muchas las canciones y/o declaraciones de Gloria Estefan que versaron sobre Cuba y contra Fidel (su padre era funcionario de Fulgencio Batista y se exilió en Miami cuando Fidel Castro tomó el poder), incluido su superventas ‘Mi tierra’.
Pero ninguna canción fue tan marciana como ‘Matar a Castro’ de Hombres G. El grupo de David Summers publicaba su debut en 1985, incluyendo singles como ‘Venezia’ o ‘Devuélve a mi chica’. Pero aparte de esas dos canciones que todos recordamos, el disco también incluía un par de pistas -además seguidas- que son para oírlas: ‘Lawrence de Arabia’ y ‘Matar a Castro’. Cosas de debutantes. Y cosas de un mundo políticamente incorrecto. Esta última versaba sobre una niña que decide atentar contra Fidel. Esto era parte de la letra: «Ha sido elegida por el Señor, para liberar al pueblo cubano / Para sacarlo del terror sólo con sus pequeñas manos / Y nada podrá detenerla, nada le hará abandonar».
El atentado tiene lugar en un aeropuerto: «Ya se abre la puerta del avión / Ha metido un par de balas en el cargador / Ha venido el presidente de nuestra nación / Prepara sonriente la gran recepción / Ya puede verle, culata en mejilla / Lo tiene justo en su punto de mira / Sólo se oye su corazón / Castro saluda, sonríe, y mira y ¡Bow! / Suena un disparo y empieza a rodar /
Ya lo mató, ya lo logró / La sangre ha manchado el uniforme del terror / Tira el rifle, llora de miedo».
Hombres G han hablado sobre ‘Matar a Castro’ durante la última década. En 2010 David Summers se disculpaba: «Si Fidel me escucha, que sepa que lo siento, que aunque no me cae bien, no tengo ningún interés en que lo maten, ni a él ni a nadie; eso fue una ingeniudad de juventud». Después, en 2011 contestaban en un chat con «fans» en Público hasta 3 cuestiones sobre la canción (atención al «eso dicen» de la segunda respuesta). Casi un 10% de las preguntas eran sobre este tema:
¿Es cierto que os levantasteis de la silla cuando en una entrevista, un crítico musical llamado Carlos Tena os acusó de hacer apología del terrorismo en esa estupenda canción titulada «Matar a Castro»?
¡Qué va! Nos dejaron de poner en esa radio por la canción y punto. Nosotros no actuamos al respecto… nos daba igual.
¿Es cierto que tenéis prohibida la entrada a Cuba porque a los mandamases de la isla no le gustó nada aquella magnífica canción llamada «Matar a Castro»?
Eso dicen… no hemos ido a comprobarlo, la verdad.
La canción Matar a Castro, ¿os la coló alguien o fue idea vuestra? La letra es lamentable: la elegida por el Señor, el uniforme del terror, etc. Una mancha en vuestro brillante historial. ¿Estáis de acuerdo?
No nos la coló nadie, en absoluto, fue algo inocente, contado por chicos de diecinueve años, era la idea de contar un atentado, podría haber sido Castro o Pinochet. Era como una película, inspirada en un artículo de prensa.
Con 129.000 escuchas en Spotify, ‘Matar a Castro’ es, por bastante diferencia, la canción menos escuchada del debut de Hombres G en esta red de streaming. Con ella os dejamos.
Triángulo de amor bizarro editaban en enero ‘Salve Discordia‘, otro de sus grandes discos, probablemente presente en las listas de lo mejor del año de la mayoría de medios españoles. El grupo lo ha presentado durante estos meses por numerosos escenarios del país, pero nunca en una sala de Madrid, la ciudad en la que acumulan mayor cantidad de fans según las nuevas estadísticas visibles de Spotify.
Hubo una presentación en la ciudad cuando faltaba más de un mes para que el largo estuviera en la calle, y el grupo ha vuelto por supuesto para tocar en festivales tipo Dcode y Tomavistas, pero nunca a una sala para tocar solo frente a sus fans. El asunto se solventará el próximo 20 de enero, casi en el aniversario de ‘Salve Discordia’. Será entonces cuando vuelvan al OchoyMedio (Sala But). Las entradas se han puesto a la venta con precio especial Black Friday. Las de 8 euros ya se han acabado pero podéis comprar las de 10 euros por tiempo limitado aquí. El precio normal serán 14 euros, 16 en taquilla. También disponibles entradas para otras ciudades.
Por cosas del mundo de la modernidad y de las playlists de Spotify, curiosamente las canciones más escuchadas de Triángulo de amor bizarro de este disco no son ninguno de los tres singles extraídos. Han ganado finalmente ‘Seguidores’ y ‘Barca quemada’.
Celebrando su exitosa gira, que pasaba por el BIME y agotaba entradas en Madrid en cero coma, Moderat ha estrenado este viernes su primer disco en directo. Recoge una actuación en Berlín -dónde si no- celebrada el pasado 5 de junio y recoge temas de su trilogía ‘I’, ‘II’ y ‘III‘, como sus hits ‘A New Error’, ‘Reminder’ y ‘Bad Kingdom’. Además de escuchar el álbum en Spotify (en versión pista por pista y en versión todo el concierto seguido sin cortes entre pista y pista), podéis ver el vídeo en directo de ‘Bad Kingdom’ en Youtube. Al final incluso podéis disfrutar de un documento totalmente inédito: alemanes cantando durante un concierto. Una manera de disfrutar de su buen sonido y visuales si no tuvisteis ocasión de acudir a su gira.
Este año teníamos la ocasión de hablar con Gernot y esto se contaba sobre el secreto del éxito de Moderat: «Creo que quizá es una combinación de Modeselektor y Apparat. Modeselektor es algo así como fuerte música de bajo y Sascha (NdE: Apparat) es más meloncólico. Realmente no nos interesa lo que está de moda o lo que no, así que tratamos de evitar las tendencias. Nos importa una mierda lo que está pasando. Nos gustan muchos grupos de electrónica con los que tenemos muchas cosas en común, pero cuando nos reunimos, no creas que es fácil hacer lo que hacemos, tenemos opiniones muy sólidas y diferentes entre nosotros. Así que lo que intentamos es simplemente acabar las canciones. Y no buscamos una dirección antes. Es lo que sale cuando vamos al estudio o subimos al escenario».
1. Intro (Live)
2. Ghostmother (Live)
3. A New Error (Live)
4. Intruder (Live)
5. Bad Kingdom (Live)
6. Damage Done (Live)
7. Animal Trails (Live)
8. Reminder (Live)
9. Eating Hooks (Live)
10. Eating Hooks (Siriusmo Remix) [Live]
11. Rusty Nails (Live)
12. The Fool (Live)
13. Last Time (Live)
14. No. 22 (Live)
Como retrata la serie ‘The Get Down‘, a finales de los 70 en Nueva York disc-jockeys como el mítico Grandmaster Flash comenzaron a realizar las primeras mezclas de canciones en sus sesiones de música disco, que registraban en cassettes. Ese soporte magnético se copiaba e incluso se distribuía, al margen de discográficas, entre los adeptos de los clubs nocturnos. Fue lo que se llamó el megamix.
Cuando no existía internet (esto sucedió una vez, sí) la información tardaba mucho más en llegar. Pero no tantos años después, en 1984, un sello independiente llamado Max Music organizó el primer concurso de megamix en nuestro país. Un joven barcelonés llamado Miguel Fabrellas, apodado Mike Platinas, ganó aquel concurso y firmó el primer megamix propiamente dicho (aunque DJs como Raúl Orellana ya había comenzado a avanzar en mezclas similares)
Así nació la serie ‘Max Mix’. Sus mezclas tomaban temas bailables de techno pop, disco e italodisco, a menudo semidesconocidos que hacían camufladas versiones de temas de moda, y los pinchaban sobre bases que, en sus orígenes y hasta la llegada de los primeros samplers, montaban ellos mismos a base de recortar y pegar pedazos de cintas magnetofónicas. Pura artesanía. Desde la independencia casi underground de este sello, Mike Platinas y Javier Ussía firmaban un primer volumen que obtuvo un gran éxito que cogió desprevenidas a las grandes discográficas. El segundo, firmado por el mismo tándem y con una calidad técnica mayor (hay quien lo considera el mejor megamix de la historia), lo fue aún más.
Cuando Platinas y Ussía dejaron Max Music por desavenencias con el sello, Toni Peret, Josep Mª Castells (ambos en la foto promocional de 1985 que acompaña este texto) y Andreu Ugas, ingeniero de sonido que introdujo un primitivo sampler en el proceso de mezclas, tomaron el relevo. ‘Max Mix 3’ y, sobre todo, ‘Max Mix 4’ (1986) tuvieron un éxito brutal: este último llegó a arrebatar el Récord Guinness al mismísimo Julio Iglesias al vender 180.000 copias en 2 semanas. Los megamixes eran las “canciones” más radiadas en todas las emisoras de pop en España y los oyentes conocían (conocíamos) de memoria las inflexiones y los cambios de las mezclas a la perfección. Curiosamente, al no nutrirse de temas populares, un megamix lograba que una canción se convirtiera en un éxito aunque proviniera de un artista independiente. Incluso había músicos de estudio que trabajaban exclusivamente componiendo e interpretando canciones para estos megamixes, un poco al estilo Brill Building.
Para entonces, otros sellos no desaprovecharían el filón y creaban otras series como ‘Bolero Mix’ (con el citado Raúl Orellana como estrella), y más tarde llegarían los ‘Ibiza Mix’ o ‘Caribe Mix’ (imprescindible la etiqueta “Anunciado en TV”) que han sobrevivido varias décadas, aunque el concepto de megamix iría desapareciendo de ellos y acababan convirtiéndose en meros recopilatorios. Aquello fue el origen de la cultura de clubs en nuestro país y logró que se dignificara la figura del DJ, siendo un precedente claro de la Ruta del Bakalao.
Hoy, cuando los años 80 y los primeros 90 nutren buena parte de la música que se escucha en estos momentos, aquellas mezclas siguen sonando realmente entrañables. Los propios Mike Platinas y Toni Peret, grandes nombres del sello, participaron en unas reediciones, editadas hace un año en triple CD y vinilo, que conmemoran los 30 años de aquellos primeros ‘Max Mix’. Este próximo sábado 26 de noviembre, la Sala Razzmatazz de Barcelona acoge una sesión del propio Toni Peret en la que reivindicará su papel y el de sus compañeros de generación como los primeros DJs estrella de nuestro país. Todo aquel que sea fan de la BSO de ‘Drive’, Linda Mirada, Sally Shapiro, Barcelona 82 o Nightcrawler no debería perderse este momentazo.
Hoy sale a la venta ‘Starboy’, el nuevo disco de The Weeknd, uno de los más esperados del año, especialmente después del éxito de ‘Beauty Behind the Madness’ y su sencillo principal, ‘Can’t Feel My Face’. ¿Qué contiene el disco? Aparte de singles conocidos como ‘Starboy’, ‘False Alarm’ o ‘I Feel It Coming’, estamos ante un trabajo largo, de 18 pistas, y son varias las colaboraciones que encontramos en él, como las anunciadas de Daft Punk y Lana Del Rey, aunque también otras que no esperábamos o nos han sorprendido más. Os las listamos.
Daft Punk
La colaboración de Daft Punk y The Weeknd ha sido una de las sorpresas pop del año. El dúo francés ha compuesto, cantado y/o producido dos de las canciones más importantes del álbum, en primer lugar, la que lo titula, un ‘Starboy’ que es hoy un hit global; y ‘I Feel It Coming’, el elegante tema que cierra disco, en la que Daft Punk hace coros prominentemente.
Lana Del Rey
No sabemos si Lana sacará disco este año o esperará al que viene; de momento, la cantante parece crucial en lo nuevo de Abel Tesfaye. Ella es la «chica estrella» que titula el interludio del disco, pero también puede escucharse su voz en la pista 2 del mismo, ‘Party Monters’, donde lejos de limitarse a hacer coros, canta durante su final. No os perdáis el vídeo de Instagram de Lana haciendo el ganso con ‘Stargirl’ de fondo.
Un vídeo publicado por Lana Del Rey (@lanadelrey) el
Justin Timberlake
En mayo, cuando acababa de salir su hit más reciente, ‘Can’t Stop the Feeling!’, Justin Timberlake aseguró en la radio que Abel Tesfaye y él habían hablado para trabajar juntos en una canción. El resultado se ha materializado finalmente en ‘Rockin’, el número house-pop del álbum producido por Max Martin y su «squad», en el que Timberlake hace coros.
Sam Smith
Sam Smith suena fabulosamente bien en sonidos electrónicos: cuando salió ‘Latch’ de Disclosure parecía claro que había de ser una estrella house. Smith terminó convirtiéndose en el enésimo Sinatra, sin embargo, no ha abandonado la modernidad: cantó ‘Omen’ de nuevo con Disclosure y ahora puede oírsele en ‘Sidewalks’ de The Weeknd, en la que, para colmo, rapea Kendrick Lamar.
Kendrick Lamar
El autor de ‘Alright’ ha sacado disco de «descartes» este año, un ‘untitled unmastered’ mucho mejor de lo que sugiere su título. Pero, sobre todo, no ha parado de colaborar: en 2016 le hemos oído en ‘Freedom’ de Beyoncé, ‘No More Parties in L.A.’ de Kanye West, ‘The Greatest’ de Sia, ‘Don’t Wanna Know’ de Maroon 5… Solo por mencionar unos pocos. Ahora también con The Weeknd en la mencionada ‘Sidewalks’.
Future
Como Lamar, Future es otro rapero dado a las colaboraciones: solo hace unos días editaba «mixtape» con Gucci Mane, ‘Free Bricks 2: Zone 6 Edition’, en julio otro con DJ Esco, ‘Project E.T. Esco Terrestrial’, también recientemente una canción con su amigo Drake (‘Used to This’)… ‘Starboy’ le halla hacia el final, en ‘All I Know’, pero también haciendo coros en ‘Six Feet Under’.
Mustafa the Poet
Mustafa Ahmed, más conocido como Mustafa the Poet, es un artista de «spoken word» y rapero de Toronto (como Tesfaye) que todavía no ha cumplido los 20 años. Su activismo le ha convertido en una estrella en su círculo, además, ha abierto para Jhene Aikó o trabajado junto a Nelly Furtado o Broken Social Scene. Su última colaboración es más importante todavía, con The Weeknd en ‘Attention’.
Diplo
El líder de Major Lazer es solo uno de varios artistas involucrados en ‘Nothing without You’, pero es el más mediático de todos. Encontramos su nombre acompañado de otros como DeHeala, Ben Billions o su mano derecha, Cirkut. No es la primera vez que Tesfaye y Diplo colaboran: ya lo hicieron en el remix de ‘Elastic Heart’ de Sia para la banda sonora de ‘Los juegos del hambre: en llamas’.
Labrinth
El cantante que se hizo medio famoso en Reino Unido en 2012 tras fichar por Simon Cowell (sin haber aparecido en X Factor) y lograr un exitazo con Emeli Sandé, ‘Beneath Your Beautiful’, lleva varios años sin publicar disco pero no sin trabajar: ha cantado con Kygo, compuesto para el mismo The Weeknd (‘Losers’) o incluso escrito lo nuevo de Noah Cyrus. Y también aparece en ‘Starboy’ como productor del interludio de Lana Del Rey junto al veterano compositor -y habitual de Tesfaye- Doc McKinney.
Uno de los lanzamientos discográficos de hoy, 25 de noviembre, es ‘Sin control’, el nuevo disco no tan nuevo de Olé Olé, el grupo de pop español de los 80 compuesto originalmente por Luis Carlos Esteban (teclados), Emilio Estrecha (bajo), Juan Tarodo (batería), Gustavo Montesano (guitarra) y Vicky Larraz (voz) que dejó éxitos inolvidables como ‘No controles’, ‘Bailando sin salir de casa’ o ‘Sola’ y por el que pasaron cantantes como Marta Sánchez o Sonia Santana. El grupo presentará este trabajo el próximo 16 de marzo de 2017 en la sala Joy Eslava de Madrid. Las entradas ya están disponibles en Ticketea.
Tanto Larraz como Sánchez y Santana cantan en este nuevo disco que recopila los éxitos de Olé Olé con colaboraciones de artistas como Paloma San Basilio, Modestia Aparte, Roko, Daniel Diges, Yurena, Santiago Segura o Falete.
Esta mañana se ha presentado este disco en rueda de prensa en la misma Joy Eslava, donde Olé Olé ha realizado una actuación con algunos de sus artistas invitados, entre ellos, Yurena, que ha hecho su versión de ‘Sola’ con Vicky Larraz (os recordamos que ‘Sola’ era un tema ya con Marta Sánchez). Con su impagable actuación os dejamos:
El año en que Iggy Pop ha logrado las mejores posiciones comerciales de su carrera -con y sin The Stooges- (que no las mejores ventas, ojo) con su último disco en solitario, ‘Post Pop Depression’, parece apropiado recordar la importancia de The Stooges en la historia del rock y ¿quién mejor? para documentarla que Jim Jarmusch, el veterano director de cine independiente autor de ‘Broken Flowers’ y amigo íntimo de Iggy (de nombre real Jim Osterberg), que de hecho apareció en un par de películas del director, entre ellas la colección de cortos de 2004 ‘Coffee & Cigarettes’.
Lo de «quién mejor», habéis adivinado, es cuestionable por varios motivos. En primer lugar, naturalmente Jarmusch posee una visión cinematográfica original, perfectamente asequible para las nuevas generaciones amantes de la música e idónea para retratar con frescura la montaña rusa que ha sido la carrera de The Stooges, pero no parece que la haya explotado del todo en un ‘Gimme Danger’ que, como documental, no es precisamente la obra más personal y subyugante que ha entregado Jarmusch hasta la fecha. Me gustaría saber si un experto en el director hubiera adivinado que esta película es suya de haber ignorado su autoría.
En ‘Gimme Danger’, Jarmusch halla un recurso atractivo en la intercalación de entrevistas, imágenes de archivo, curiosas animaciones y pasajes de películas antiguas relacionadas con las palabras de Osterberg, pero el conjunto de la obra no nos hace entender a The Stooges; de hecho, cuesta hallar en ella ese punto «salvaje, divertido y contundente» del que han hablado algunas críticas del documental. El retrato de The Stooges en ‘Gimme Danger’ sí refleja fiel y eficientemente el caos de las errantes primeras actuaciones en directo del grupo, la innovadora energía de sus mejores discos y la decadencia de la banda por culpa de las drogas, pero el marco del que se sirve Jarmusch no es especialmente caótico, enérgico o decadente; más bien, peca de blandito.
El entrevistado principal de ‘Gimme Danger’, por supuesto, Iggy Pop, irradia carisma desde el segundo cero y es un narrador excelente. Osterberg recuerda su temprana admiración por ‘Howdy Dowdy’, su primera banda, The Iguanas, en la que tocaba la batería; su traslado a Chicago, sus primeros coqueteos con la marihuana y posteriormente con la heroína, que arruinaría al grupo; el nacimiento de The Psychedelic Stooges y después de The Stooges a secas, la despedida del grupo de Elektra, la muerte de Ron Asheton, el primer encuentro de Osterberg con David Bowie o el «comeback» del grupo en Coachella de 2003 de manera que podría recordarlo mil veces y seguiría resultando fascinante.
Lo que más llama la atención de ‘Gimme Danger’ al final, sin embargo, es que, a pesar de que Jarmusch vende su documental desde el principio como un retrato de la «mejor banda de rock n roll de todos los tiempos», la película nunca refleja la dimensión de la popularidad de The Stooges desde la perspectiva de sus seguidores. En su lugar, ‘Gimme Danger’ ofrece una visión introspectiva del grupo que es capaz de comunicar al espectador la humanidad y, en definitiva, la absoluta normalidad de un grupo que nació para pasárselo bien y terminó influyendo a generaciones de artistas posteriores. ‘Gimme Danger’ peca de conservador para su objeto de estudio, pero nos hace conocer a The Stooges desde la objetividad, algo admirable teniendo en cuenta la relación personal de Jarmusch con The Stooges. 7
Antes de que «underground» -nótense las comillas- y radiofórmula se hermanaran este año con la aparición o reaparición de Love of Lesbian y Sidonie en la lista de Los 40 Principales, hubo otra aproximación, esta vez a la inversa, entre estos extremos tan «radicales»: a su salida, La Oreja de Van Gogh era un grupo pinchado en Radio 3 que se consideraba ahijado del Donosti Sound, para muchos la versión edulcorada de La Buena Vida -a los que citaban en ‘Cuídate’, nunca lo olvidaremos- y de Le Mans. Incluso fuera de nuestras fronteras: Xabi San Martín -co-autor principal del grupo junto a Pablo Benegas- recuerda en las entrevistas que «el equivalente al Mondo Sonoro en Los Ángeles les metía en el mismo saco que a Le Mans» y, para horror de Teresa Iturrioz e Ibon Errazkin, casi todo el mundo se lo cree.
A lo largo de su carrera, La Oreja de Van Gogh han construido un arsenal de hits mayores, que, aunque siempre muy lastrados por las letras, destacaban por unos estribillazos que nada tienen que envidiar a los de los hacedores de hits que salen como churros de las escuelas suecas… y luego se hacen ricos en Estados Unidos. Melodías gloriosas capaces, por vergüenza que dé reconocerlo, de erizar hasta el último pelo del cuerpo. Los cambios en la melodía vocal en varios puntos de ‘Puedes contar conmigo’, el crescendo medio contenido medio no de ‘La playa’, el puente de la reggae ‘Cuídate’, la explosión desesperada de ‘París’… forman parte de la historia del pop español, como los singles jangle y los guiños doo-wop de Hombres G y las adaptaciones del pop anglosajón más exquisito de Duncan Dhu. Con la previsible salida de Montero se perdió parte de la magia. Entre otras muchas cosas, Amaia había escrito completamente sola la música y la letra de ‘Puedes contar conmigo’, una de sus composiciones más redondas, pero ella decidió dejar de ser una compositora de música pop para dedicarse a un público más adulto; y Pablo y Xabi salieron adelante como pudieron con una cantante que tenía exactamente el mismo timbre, arreglándoselas para componer un par de hits espectaculares pese a lo -de nuevo- rocambolesco de los detalles: el temazo ‘El último vals’ y ‘La niña que llora en tus fiestas’.
La Oreja visita este «planeta imaginario» con una maleta «llena de vivir sin ti» y repleta de personificaciones pseudo-poéticas que dan vida al sol, a las estrellas, al viento, a la muerte, al corazón y al olvido una y otra vez cuando no evocan aires que traen una voz, vientos que escupen palabras, vidas que se arrugan sin leer, un «alma que muere en los brazos del rencor», «nubes [que] eran versos del vapor de tu voz» (?)… Resumimos: el grupo se muestra sin tapujos en una permanente edad del pavo que le impide crecer artísticamente como sí han conseguido Amaral. En ‘Pálida luna’, el arranque «dime por qué me duele aquí / es en el pecho donde se abrochan todas mis ganas de vivir» nos remite directamente a una película del destape, con unos versos que sonrojarían al mismísimo Antonio José y que nos hacen preguntarnos cómo sería el material desechado que ellos calificaban como «una caca pinchada en un palo».
Al margen de los textos, algunas melodías vuelven a ser espectaculares. El sucesor de ‘Cometas por el cielo’ brilla en el sorprendente dancehall de ‘Camino de tu corazón’, que apunta a éxito futuro con el puntito justo de EDM, con el que demuestran la intuición que tienen para algunas cosas; y no están nada mal ‘Estoy contigo’, la canción tan «early Coldplay» que abre el álbum, pues comienza y termina con unas guitarras muy The Edge circa 1987 y cuenta con un desarrollo bien ejecutado; y ‘Diciembre’ e ‘Intocables’, de autocoros irresistibles, en el primer caso muy Amaral. Cuelan ‘No vales más que yo’, la canción anti-maltrato del álbum; o ‘Mi pequeño gran valiente’, que narra una muerte desde la perspectiva de la persona que parte; así como (más o menos) el arranque de Xabi San Martín como vocalista en el bonus track ‘Tan guapa’… que regalan los autores de ‘Guapa’.
En ocasiones, la sensación que deja lo nuevo de La Oreja es que se ha superado. Cuando el grupo evoca «flores que se apartan para vernos caminar» o «golondrinas y aviones que discuten» en el exterior mientras una protagonista yace en el suelo y el sol «acaricia sus mejillas», por no hablar de sus incontables menciones al mismo sol, el corazón, las estrellas, el olvido, el frío, el calor, la vida, la muerte… te das cuenta de que, en ‘El planeta imaginario’, La Oreja no sólo no ha querido corregir tics, sino que ha buscado ser más Oreja que nunca. La pregunta, a estas alturas, cuando estamos en pleno «veinte dieciséis», como dirían ellos, es si tendría algún sentido que la banda donostiarra renunciara a esas cualidades. ¿Tanto les interesa acicalarse, tirando de co-autores, como esas estrellas suecas? ¿Para qué, para tocar en Sonorama? Igual se les caería toda la personalidad y parte de la gracia en el intento…
Calificación: 5,5/10 Lo mejor: ‘Estoy contigo’, ‘Camino de tu corazón’, ‘Diciembre’, ‘Intocables’, ‘Verano’ Te gustará si te gustan: Paolo Coelho, las citas célebres profundas sin fuente, sonrojar a tu novio o novia con publicaciones cursis en Facebook, eres Cristina Pedroche Escúchalo:Spotify
Ayer mismo conocíamos que la revista musical británica NME ya tenía decidida su lista de los mejores álbumes del año 2016 y que, en lo más alto de la misma, situaba el segundo disco de The 1975, ‘I Like It When You Sleep For You Are So Beautiful Yet So Unaware Of It’. En la cola de dicho listado, en cambio, estaba ’22 A Million’, el último disco de Bon Iver. Lo curioso es que, dadas las críticas generalizadas a uno y otro, parecía como si la lista la hubieran elaborado al revés. Pero no.
Más curiosa resulta aún esta elección cuando hoy la web Music Business Worldwide ha recordado en Twitter que el NME otorgó a la misma banda el «galardón» de «la peor banda del mundo» en 2014, superando a One Direction y The Wanted, en sus premios de aquel año. Aparece en sus propias páginas.
Además, encontramos una referencia del propio Matt Healy, frontman del grupo, sobre el tema. En una entrevista con Digital Spy, Healy aseguraba que no entendía por qué NME no les había hecho entrega del galardón. Sus declaraciones, leídas hoy no tienen desperdicio:
«Es gracioso. Nunca tuve ese premio, estaba frustrado de verdad. No me importa, pero supongo que si tomas la firme decisión de dar a alguien un premio negativo, ¡entonces deberías entregarlo! No nos lo dieron y ni siquiera lo presentaron en la cosa [¿la gala?]. Wolf Alice iban a recogerlo en mi lugar. Si no le gustamos al NME, está bien, no me importa nada. Ni creo que le importe al NME, en realidad. Ya se acabó, estamos en mundos diferentes (…). Crecí siendo la antítesis del NME, de todas maneras. Cualquier cosa que les gustara, a mí no. Así que hay cierta ironía en el hecho de que agradezco un poco este premio, porque toda mi discrepancia con NME ha sido validada por él. Es el ciclo natural del rock and roll, como dijo Alex Turner en los Brits».
Y ahora parece que ese «ciclo» ha llegado a un punto inverso, ¿no?
NME 2014: The 1975 = 'Worst Band In The World'. NME 2016: The 1975 = 'Album Of The Year'. Some turnaround. pic.twitter.com/WP6IT1H1FK
La presente semana se presenta bastante pobre en lanzamientos nuevos. Las reediciones deluxe y discos navideños se imponen como la constante de cara a las fechas-tan-señaladas que tenemos ya a la vista. Aún así, obviamente la semana está marcada por el lanzamiento de ‘Starboy’, el ambicioso nuevo disco de The Weeknd que hoy, tras varios adelantos, ve la luz. Esta semana también tenemos nuevos discos de Rumer, su anunciado álbum-homenaje a Burt Bacharach y Hal David, y el debut largo de Young Legionnaire, banda del ex-bajista de Bloc Party, Gordon Moakes. En el plano nacional, también lanzan sus nuevas obras KUVE, banda madrileña comandada por Maryan Frutos (no deberían perdérsela los fans de Mucho o Modelo de respuesta polar), y Lidia Damunt, que lanza un ‘Telepatía’ en el que cuenta con la colaboración de Teresa Iturrioz (Single), entre otros.
Como decíamos, es sobre todo época de reediciones. Destacamos, por ejemplo, la edición 20 aniversario de ‘Omega’, la obra maestra de Enrique Morente y Lagartija Nick, que coincide además con el reciente estreno de su documental. Incluye una buena cantidad de material extra interesante, como la versión de ‘Hey That’s No Way To Say Goodbye’ de Leonard Cohen que no cupo en el álbum original. Mónica Naranjo también publica hoy la llamada ‘Edición Leyenda’ de ‘Lubna’, su última obra, que incluye el disco íntegro en versión sinfónica. También Benjamin Biolay reedita el Disco Recomendado ‘Palermo Hollywood’, con interesante material extra, igual que la diva australiana Kylie Minogue, con una edición ampliada de su disco de villancicos de 2015
Al margen de esos lanzamientos, siempre es llamativa la aparición de algo nuevo de Beyoncé en plataformas de streaming. No, ‘Lemonade’ sigue sin aparecer completo, pero al menos sí podemos escuchar ya la versión especial de ‘Daddy Lessons’ que grabó junto a la banda country-pop Dixie Chicks. Otros singles lanzados hoy son los nuevos de los británicos Circa Waves, un enérgico tema que la actriz Scarlett Johansson ha interpretado para la BSO de ‘Sing!’, otra estupenda muestra del disco de versiones de Flo Morrissey y Matthew E. White (en este caso, ‘Looking For You’ de Nino Ferrer), otro avance del inminente nuevo álbum de John Legend, el estupendo tema de Presumido que presentábamos hace unos meses y un sinuoso single de Alexandra Savior, colaboradora de Alex Turner que promete en solitario. Y tampoco olvidamos temas destacados de esta semana como el de Ångie.
Hoy, además, se han lanzado interesantes EPs, como los de Bright Lights Bright Lights (que reivindica la enorme ‘Maniac’ de la BSO de ‘Flashdance’) o el australiano Flume, que publica un apéndice del álbum ‘Skin’ con varios inéditos de interés.
‘On Hold’ de The xx es, por una diferencia muy holgada (46% frente al 29% de los votos que ha recibido el último single de La Casa Azul), el nuevo número 1 de JENESAISPOP. El trío británico que co-lideran Romy, Oliver y ya podemos decir que también Jamie xx tiene al público emocionado con el disco que van a editar el próximo mes de enero. Las dos nuevas entradas que os habéis animado a votar son los últimos singles de Mø y C.Tangana. Ya podéis votar para la siguiente lista, aquí.
El chico que fue golpeado por Justin Bieber cuando este accedía en un coche al Palau Sant Jordi, momentos antes de ofrecer su concierto de ‘Purpose World Tour’ en Barcelona, ha estado haciendo declaraciones a diestro y siniestro en televisiones y radios de todo el país, algo que ha llegado incluso a medios internacionales. Entre otros, Kevin Ramírez, que así se llama, se ha sentado en el plató de Sálvame (en el que Belén Esteban, como buena belieber que es, le dio mucha caña) o ha hablado con Julia Otero en el programa radiofónico que esta presenta en Onda Cero para hablar del incidente.
En las diferentes entrevistas ha dicho que era un belieber convencido pero que ahora se siente muy decepcionado y que ha dejado de ser fan. De hecho, pese a tener entradas para el concierto, él y un acompañante decidieron no presenciar al concierto, porque «estaba en shock». «El día antes había estado hablando con fans en el aeropuerto, y parecía que le gustaba estar cerca de los fans», dijo. «Cuando el coche llegó, paró un momento y vio que no había protección, así que sabía que nos echaríamos encima».
Por el momento, Ramírez no ha interpuesto una demanda contra el cantante, según han confirmado los Mossos d’Esquadra a The Daily Mail, aunque el joven asegura que está en manos de sus abogados. Aquellos no pueden investigar el incidente sin denuncia puesto que se trata de un delito menor. Cuestionado por Divinity sobre si aceptaría una disculpa de Bieber, asegura que sí, siempre que mostrase su arrepentimiento. Aunque preguntado por la misma redactora sobre qué le diría si pudiera hablar con él, aseguró que sus palabras serían: «Ay, Justin, Justin… Ay, Justin…».
Desde hace casi 5, ha empezado a contar el plazo de 24 horas en el que la tienda online de Frank Ocean estará abierta en su web, con motivo del dichoso Black Friday. Así, en esa tienda se puede adquirir ya mismo las ediciones físicas de su último y sobresaliente álbum, ‘Blonde‘, tanto en CD (15$) como en doble vinilo (35$).
También se puede comprar ‘Boys Don’t Cry’, la revista de arte que el artista californiano vendió en algunos selectos pop-up stores durante un tiempo limitado (su precio es 80$, pero en el mercado de reventa se pedían hasta 500$), además de merchandising variado, que va desde camisetas hasta ambientadores (¿con olor a pino?) para el coche (Ocean es un fanático de los automóviles), pasando por pósters. Entre estos destaca uno de la imagen de la portada del disco fundida en negro, haciéndola prácticamente invisible. El traje nuevo del Emperador, vaya.
Como explicaba Ocean en una entrevista reciente, no le preocupan lo más mínimo ni las ventas de este álbum (pese a que con las 300.000 unidades despachadas en iTunes en su primera semana ya será uno de los discos más vendidos del año) ni los premios. Como sabréis, renunció a inscribirse a él y su obra para los próximos premios Grammy. El verdadero triunfo para el autor de ‘channel:ORANGE’ fue liberarse de su contrato con Universal y poder publicar bajo su propio sello este ‘Blonde’. De ahí que la promoción de este disco haya sido entre escasa y nula.
Sonorama, que se celebra en Aranda de Duero a mediados de agosto, realizaba una fiesta de presentación de su 20ª edición anoche en el OchoyMedio de Madrid. Su lema es el apoyo de los grupos españoles y esto se lee en su cartel: «un homenaje a la música española. ¿Un año sin guiris?». Aunque seguramente terminarán añadiéndose bandas anglosajonas, más bien debería decirse «un homenaje a la música en español y de españoles», pues el cartel incluye ya a alguna banda latina y a su vez a españoles que cantan en inglés. Los confirmados, en orden alfabético, de momento, son: Amaral, Anni B Sweet, Antes, Cápsula tocando el «Ziggy Stardust», Coque Malla, Cosmic Birds, Delafé, Dinero, Dorian, El Lado Oscuro de la Broca, Él mató un policía motorizado, Iván Ferreiro, Jimmy Barnatán, Julieta 21, Kitai, Kokoshca, Kuve, Las Odio, Leiva, Little Jesus, Lori Meyers, Miguel Campello, Nacho Vegas, Nunatak, Pájaro, Rock Nights, Rusos Blancos, SCR, Shinova, Sidecars y Villanueva. Habrá muchos más, por supuesto.
Algunos de ellos actuaron anoche. Rusos Blancos lo hicieron en formato eléctrico, prescindiendo casi por completo de su sonido más sintético (pese a la presencia de Betacam en los teclados), con un show correcto pero también algo apagado por el bullicio del público, que no dejaba respirar las mejores frases de posibles himnos generacionales como ‘Una excusa diferente’ o la final ‘Insuficiente’. A continuación, Delafé salió acompañado de un músico, al ritmo de ‘Hoy no me puedo levantar’, e incorporando en sus canciones con más o menos acierto samples de Bowie o Beyoncé, esta última reforzando aquello de «Las trompetas de la muerte» (por ‘Crazy In Love’ y los Chi-Lites). Él, sobre una alfombrilla blanca con su nombre inscrito y llena de talco para facilitar el deslizar de sus pies, lo dio absolutamente todo, muy especialmente en ‘Hoy prenderán las brasas’.
El primer grupo realmente coreado por el público fue Shinova, muy claramente a punto de explotar a tenor de cómo la gente se sabe ya ‘Volver’, ‘Doce meses’, ‘Para cambiar el mundo’ o de todo el confetti que llevaban preparado. Para una fiesta de presentación de media hora por grupo, todo un despliegue. A continuación, Sidecars también gustaron al público objetivo de Sonorama con su sonido a lo Los Rodríguez, planteable como una mezcla entre la rugosidad de Fito y Fitipaldis y los Hombres G y Pereza más blandengues.
Amaral arrasaron con todos ellos, desde que salieron con una canción de la Velvet sonando de fondo. Prescindiendo de sus hits de la primera época, abrieron con una potentísima ‘Revolución’ con una Eva completamente enloquecida sobre el escenario, siguieron con ‘Kamikaze’ y ‘Nocturnal’, dejando como highlights el momento armónica al comienzo de ‘Hacia lo salvaje’ o la interpretación de ‘Llévame muy lejos’. El grupo, que donó su caché a la causa Sonorama (aunque serán cabezas el año que vine), llegó a realizar un bis, antes de despedirse como los grandes triunfadores de la noche.
Aunque lo más curioso fueron las presentaciones de los artistas que tocarán en Sonorama y del festival en sí. Se avanzó que Nacho Vegas presentará libro y Javier Ajenjo, fundador del festival, lanzó una pullita a la radiofórmula, después de agradecer el apoyo de Radio 3. Cito de memoria: «Acordaos de esto: vamos a conquistar la radio. No puede ser que la música que se oye en un país no se escuche en una radio», proclamaba en una sala completamente llena. Los abonos de Sonorama están a la venta en Ticketea por 55 euros (50 euros durante el Black Friday).
La próxima semana, en concreto los días 1 y 2 de diciembre, #AbsolutNights reunirá en La Carpa del Poble Espanyol (Barcelona) a algunos de los talentos más interesantes del panorama electrónico internacional, siguiendo con su máxima de «noches inesperadas«. Encabezan el cartel del primer día el show conjunto de Future Brown y Maluca, por primera vez en España, en el que además de a la intérprete de hitazos como ‘Make That Move’ y ‘El Tigeraso’, podremos ver a la productora senegalí Fatima Al Qadiri, Asma Maroof y Daniel Pineda. Seguro que no faltará el deslenguado ‘Vernáculo’, el tema que Maluca interpretó en el álbum que Future Brown publicaban el año pasado y en el que colaboraba gente como Kelela.
El segundo día serán cabeza de cartel dos de los principales representantes del anti-sello PC Music. A.G. Cook, que ha publicado una de las canciones fundamentales del pop de nuestra década, ‘Beautiful’, estará acompañado de Hannah Diamond, con quien ha trabajado en la pista ‘Kery Baby’ y que este año está brillando por cuenta propia con su último sencillo, ‘Fade Away’, tras haber triunfado en la red con ‘Every Night’ y ‘Hi’. Además, habrá más invitados de lujo acompañándolos cada uno de los días en este espectáculo pensado sólo para 2.000 personas.
El día 1 Marc Piñol (Nitsa) y Hugo Capablanca (Discos Capablanca, Bananamania, los reivindicables Los Massieras) realizarán una sesión como C.P.I. mientras que Discos Paradiso reunirá a Bobby García, DJ Bruce Lee y Fede Zerdán, poniendo el toque de house y techno. El 2 de diciembre será el turno de Pedro Vian (Pettre, Aster) y de Olde Gods, el dúo de Barcelona del que os llevamos tiempo hablando tras haber pasado por escenarios tan prestigiosos como el Sónar. Completan el cartel las instalaciones artísticas de Domestic Data Streamers sobre cómo los datos cambian la forma en que percibimos el mundo, Light Notes y Protopixel y los visuales de Eyesberg Studios. Las #AbsolutNights serán de 21.00 a 1.00 el jueves 1 de diciembre, y de 22.00 a 2.00 el viernes 2 de diciembre.
Se abre el telón. Sobre un fondo de vidrio de color violeta aparecen unas iniciales: NWR. Sí, las iniciales de Nicolas Winding Refn. El autor de ‘Drive‘ hace un guiño irónico al logo de Dolce & Gabbana a la vez que pone de manifiesto su irrefrenable narcisismo. Winding Refn es el CR7 del cine, un cineasta con un talento tan grande como su arrogancia. Desde que le dieron la «Bota de oro» en Cannes mira a todos por encima del hombro. Sobre todo a su compatriota Lars von Trier, su Messi particular (le ha acusado de drogadicto y de querer ligarse, sin éxito, a su mujer).
NWR, a quien le gusta dirigir vestido con impoluta camisa blanca y posar en los festivales en actitud pugilística (el equivalente a las poses machacas de Cristiano), marcó un hat-trick con ‘Drive’. Pero a partir de ahí, su juego es más vistoso que efectivo. En ‘Sólo Dios perdona‘ y ‘The Neon Demon’ hay más rabonas que goles, más malabarismos con el balón que trallazos a la escuadra.
‘The Neon Demon’ quizá sea su película más trivial hasta la fecha. Por un lado, es un vistazo (reflexión es decir demasiado) a la superficialidad, la vanidad y la competitividad del mundo de la moda. Una metáfora bastante gruesa que incluye canibalismo y necrofilia. Por otro, una mirada algo bizca al poder de atracción de la belleza. El problema es que todo ello está sustentado por una gran paradoja: la película es igual de superficial que el mundo que retrata. El director maquilla su endeble discurso como Ruby, el personaje de la maquilladora, hace con los muertos. No hay mucha vida en ‘The Neon Demon’ pero, sin embargo, su cadáver deslumbra más que una cámara con flash de 3000w.
Y es que, al igual que pasaba con ‘Sólo Dios perdona’, el talento visual que exhibe NWR en ‘The Neon Demon’ es como para hacerle la ola. Su capacidad para digerir referentes (Bava, Argento, Lynch, ‘Cisne negro‘, ‘Showgirls’…) y construir atmósferas cautivadoras es admirable. Aunque sus manieristas imágenes estén más vacías que la cabeza de las modelos protagonistas, estéticamente son de una potencia arrolladora. También musicalmente, con Cliff Martinez de nuevo componiendo la banda sonora (que incluye la canción ‘Waving Goodbye’, de Sia). Ya lo dice el diseñador interpretado por Alessandro Nivelo: «La belleza no lo es todo. Es lo único». ¿Suficiente para disfrutar del vacío? 7.
El lanzamiento de la música pop más importante de la semana pasada fue el de Bruno Mars. El lanzamiento de la música pop más importante esta semana es el de The Weeknd. Ambos tienen en común presentar, entre otras cosas, una mímesis bastante descarada del sonido de Michael Jackson, tanto en cuanto a timbre como en cuanto a producción, en varias de sus canciones. Para redondear la jugada, sólo faltaría que mañana saliera un disco sorpresa de Justin Timberlake (que tampoco sería una sorpresa total tras el pelotazo comercial de ‘Can’t Stop the Feeling’) y así ya podríamos celebrar oficialmente la Semana de Homenaje / Apropiación del catálogo de Michael Jackson.
En los años inmediatamente anteriores a la muerte del Rey del Pop, no era tan habitual que sus hits fueran pinchados o que lloviesen las reivindicaciones de su discografía. Al margen de lo que lógicamente afectaron a su imagen los juicios por abuso de menores, en los 2000 únicamente publicaba un álbum, ‘Invincible’ (2001), que no presentaba con ninguna gira. Sí realizaba alguna brevísima actuación suelta durante nuestro siglo, pero su última gira propiamente dicha frente a millones de seguidores tenía lugar en 1997, doce años antes de su muerte. Los titulares que ocupó en los últimos tiempos eran más bien del tipo «Michael Jackson, pillado vestido de mujer árabe en un baño de Dubai». Pero algo cambió a su muerte. El público fue más consciente de su condición de juguete roto, de cómo le había podido afectar el hecho de no haber tenido infancia, y especialmente de lo importante que habían sido sus producciones para el mundo del pop. Siete años después, las listas de éxito parecen una competición por averiguar quién le copia más y mejor.
Da curiosidad pensar cómo habría podido sonar un nuevo disco de Michael Jackson en 2016. Baladas y números acaramelados siempre hubo en sus discos, así que no es tan difícil pensar que se hubiera sentido confortable en un single tan repipi como ‘Can’t Stop the Feeling’. De hecho fue Justin Timberlake el elegido para cantar en el single póstumo de Michael que mayor éxito ha alcanzado, ‘Love Never Felt So Good’, que de hecho hasta gustó más con Justin que sin Justin, a diferencia de lo que había pasado con el disco póstumo anterior, ‘Michael’, aquel que se dice que contó con las voces de imitadores. Seguro que Jackson no se habría atrevido a radicalizarse con un ‘Yeezus‘, pero no es difícil imaginarle trabajando con Daft Punk: ‘I Feel It Coming’, la canción que cierra el nuevo álbum de The Weeknd, viene a ser básicamente «Michael Jackson producido por Daft Punk».
The Weeknd nunca ha ocultado su admiración por Michael Jackson. Una de sus primeras mixtapes se abría adaptando ‘Dirty Diana’ y, cuando decidió dejar de renovar el R&B para hacerse comercial, Abel Tesfaye se hacía de oro con un tema llamado ‘Can’t Feel My Face’, básicamente el llenapistas que habríamos querido para Michael en nuestra década. Las declaraciones de The Weeknd sobre Michael Jackson son claras: «Michael era la estrella. Inventó ser una estrella. Nunca habrá otro Michael. Quiero dejar claro que no estoy intentando ser el nuevo Michael. Lo es todo para mí, así que es lo que oís en mi música. ‘Off the Wall’ fue el disco que me llevó a cantar».
Exactamente lo mismo dice Bruno Mars cuando le preguntan si es el nuevo Michael Jackson. «No es cierto, es un honor, pero solo hay un Michael Jackson. Soy el primero que lo dice. Nadie puede ocupar su lugar. Es obvio que ha sido una gran influencia para mí y es una de las razones por las que estoy aquí». Y que lo diga. Si su último single ‘Versace on the Floor’ parece una de las melosas baladas de Michael, ‘Finesse’ imita descaradamente el sonido new jack swing que el Rey del Pop adaptó en ‘Dangerous’ y, como decía mi compañero JB en la crítica de ’24K Magic’, «‘Straight Up & Down’ es tan Michael Jackson circa 1982 que pide a gritos un verso de Paul McCartney».
Todo esto es muy bonito y solo medio saludable (a veces la mímesis sobre todo en voz suena algo enfermiza), pero se va echando de menos entre Brunos, Abeles y Justinos que alguno dé un paso adelante y ofrezca algo realmente innovador que no se quede en la mera copia, como sobre todo a finales de los 70 y a principios de los 80 lograba Michael Jackson tanto dentro como fuera del escenario. Hemos escuchado buenos discos de todos, de ‘Trilogy’ a ‘Futuresex/Love Sounds’ pasando por ‘Unorthodox Jukebox’, pero ninguno de ellos ha sido la mitad de revolucionario de lo que fue ‘Off the Wall’, ni tampoco en cuanto a escenografía y videoclips alguno de los tres ha terminado de dar ese salto.
Mientras en el pop femenino, parece fuera de toda cuestión que Beyoncé sí ha dado ese paso más allá con sus dos últimos discos (‘Lemonade’ es el 2º mejor disco del año para el site de críticas Metacritic, sus vídeos y giras también cuentan con críticas excelentes), en el pop masculino no hay quien termine de despuntar por encima de los demás. En el enlazado vídeo de entrevista con la televisión polaca, Bruno Mars se muestra modesto cuando le preguntan si es el nuevo Michael Jackson, pero lo primero que hace cuando oye la pregunta es reírse, dando la imagen de que, aunque tiene que decir lo que tiene que decir porque otra respuesta no es posible, en su fuero interno sí se sabe el nuevo Michael Jackson. Desde luego, la rapidez con que llena estadios de 20.000 personas (Justin Timberlake y The Weeknd han de atreverse aún con una macrogira realmente mundial) puede ser un paso, pero en cuanto a discos de estudio, menos risas, Bruno, y más dedicación.
Novedades Carminha actúan este sábado 26 de noviembre en Joy Eslava, Madrid, con todas las entradas agotadas. En días pasados se han encontrado el mismo escenario en salas de Barcelona u Oviedo. Es una forma inmejorable de culminar el año de edición de su gran disco ‘Campeones del mundo‘, y en el que han dado bien la nota con el estreno del «primer videoclip porno» del pop español. Hablamos con Carlangas (guitarra y voz principal) sobre todo esto. Foto: Julián Fallas.
Esta semana actuáis en Joy Eslava con todo agotado. ¿Esperabais la noticia? ¿Os veis actuando 2 o más días seguidos en breve, a lo Lori Meyers?
La incertidumbre siempre esta ahí. Es verdad que en anteriores ocasiones hemos hecho cifras similares en Madrid y desde la salida de ‘Campeones del mundo’ se ha incrementado el interés por la banda, y por suerte se han llenado todas las salas en los últimos meses. Esa presión la tienen los managers y la gente que se juega la pasta; nosotros estamos preocupados por tener el traje planchado y las canciones a punto. Hace dos semanas hicimos dos sesiones el mismo día en Oviedo porque se acabaron enseguida las entradas y fue una experiencia muy positiva. En Joy Eslava se han acabado las entradas 10 días antes del concierto y nos jode por la gente que se va a perder el sarao, entre ellos muchos amigos, pero esperamos hacer más en breve y sobre todo acertar mejor con los aforos para que no se quede nadie descolgado.
¿Siguen siendo ‘Antigua pero moderna’, ‘Fiesta tropical’… los highlights de vuestros conciertos o ya se nota que la gente prefiere las canciones nuevas?
Hay canciones que son importantes por lo que significan, y ‘Antigua pero moderna’, ‘Fiesta tropical’ o ‘Jódete y baila’ lo son, pero la acogida de lo nuevo está superando nuestras expectativas, quizás porque está más fresco y nunca lo han oído en directo. En todo caso nosotros tocamos canciones de los cuatro discos y tenemos un público del que no nos podemos quejar ni un poco, porque vienen siempre a tope con todo.
«A nuestros conciertos viene un montón de gente joven, pero no solo, igual que vienen modernas, pijas y gente de barrio. No tenemos ni puta idea de qué es lo que les une, pero quizás deberíamos de enseñarle algo a Errejón sobre transversalidad»
¿Alguna canción antigua que soliera tener buena acogida pero ya no os apetezca nada tocar o empecéis a tocar por obligación?
Nosotros tocamos para que la gente se divierta y bailen y para eso primero tenemos que divertirnos nosotros. No nos duele desprendernos de canciones con las que ya no estamos cómodos o no nos apetece tocar. Intentamos ser honestos y tocar las canciones que a nosotros nos gustaría escuchar en un concierto de Novedades Carminha, aunque sea un ejercicio complicado de hacer. A nuestros conciertos viene un montón de gente joven, pero no solo, igual que vienen modernas, pijas y gente de barrio. No tenemos ni puta idea de qué es lo que les une, pero quizás deberíamos de enseñarle algo a Errejón sobre transversalidad. (risas)
¿Lo de ‘Chispas Relax’ es un homenaje a ‘Un sorbito de champagne’ de Los Brincos o ha sido casualidad? En caso afirmativo, ¿cuándo les conocisteis? ¿Tenéis disco, etapa, favoritos?
Si, ese tipo de guiños es algo recurrente en nuestras letras desde el primer disco. El espacio entre el costumbrismo y la modernidad es en donde estamos cómodos. Los Brincos y su «Sorbito de champagne» o su ‘Flamenco’, entre otras muchas canciones, forman parte de la cultura popular y es casi deber conocerla. Nosotros intentamos hacer retratos sociales de las cosas que nos rodean, y hay muchos que esto lo hicieron antes y además muy bien, más allá de si conectamos con ellos o es lo que nos apetece escuchar ahora. Nuestra obligación es estar documentados aunque prefiramos perder el tiempo con una canción de Devendra Banhart a escuchar un disco de Concha Velasco.
«Se ha multiplicado la paleta de colores y opciones y por tanto creemos que lo mejor está por llegar»
En este disco hay guiños a nuevos estilos sin perder la esencia de Novedades Carminha. ¿De qué canción, por composición y producción, estáis más orgullosos respecto a ese nuevo equilibrio?
Estamos cómodos con cada canción de este disco, con cómo funcionan las bases rítmicas, las texturas, las melodías, etc. Queríamos hacer un disco sexy, de escuchar follando con tu novia o bailando con la que te mola mirándole a los ojos y no perder la actitud o el concepto macarra de hacer las cosas desde el minimalismo, evitando la solemnidad, el barroco y las capas. Se trataba de esperar al toro de rodillas. Es evidente que hay un cambio, por otra parte necesario para conservar las ganas de hacer canciones y poder llevar a cabo el desarrollo artístico que queremos. Sabemos que hay un hilo conductor que nos lleva desde nuestro primer disco hasta el cuarto, pero tenemos la sensación de que acaba de empezar todo, de que se ha multiplicado la paleta de colores y opciones y por tanto creemos que lo mejor está por llegar.
Escucháis mucho hip-hop, por lo que decís. ¿Os veis integrando algo de hip-hop o con algún featuring, como han hecho Rusos Blancos o Single?
No lo tenemos previsto, aunque si nos apetece lo haremos. Aparte de que nos gustan algunos discos de hip-hop, lo que más nos interesa es la manera en la que mezclan estilos a la hora de samplear y la falta de prejuicios nos da cierta envidia. El rock and roll, en general, es menos permeable a influencias externas -Beck y algunos otros mediante- y nos apetecía ser un poco putas a nivel creativo y probar desde la cumbia a bases rítmicas más funk sabiendo que queríamos hacer un disco de rock and roll. Nosotros no somos militantes de nada, nos tragamos igual de bien una canción de Kanye o de A Tribe called Quest que una de los Roots of Chicha, y nos tocaba las pelotas tener que ceñirnos a algo, cuando las cosas interesantes salen precisamente mandando a la mierda la mentalidad del pureta de quien quiere mantener lo que tiene a toda costa. Los Beatles y Bowie lo mejor que nos dejaron es precisamente esa actitud inconformista durante su carrera. A veces es mejor el polvo después de recibir un bofetón, y con ‘Campeones del Mundo’ tenemos precisamente la sensación de que ha podido suponer un bofetón en la cara de algunos fans, pero está claro que ahora estamos follando con ellos mejor y más guai que nunca.
«La dictadura del click es algo que nos quieren imponer para tenernos todo el día donde ellos quieren, pero la música para nosotros no es eso»
No llevo vuestro recuento de streamings en Spotify de memoria, ¿pero no ha subido especialmente en las últimas semanas, y no particularmente desde la edición del vídeo porno, sino desde hace un mes o así? ¿Qué ha pasado? ¿Estáis en alguna playlist de hits o algo así?
No tenemos ni idea, ya lo miraremos. Nosotros la bisutería no la trabajamos y no vamos a entrar en el juego de ver quién tiene más visionados, porque es una mentira. Para ellos todos los likes, cliks y retuits y para nosotros las salas llenas y todos felices. Nosotros estamos tranquilos, contentos y agradecidos por cómo se están desarrollando los acontecimientos, porque cada vez que vamos a una sala está llena y los discos se venden moderadamente bien, algunos djs nos pinchan en radios y clubs y la gente que viene se sabe todas las canciones. Ese es el feedback que nosotros recibimos. Si las rr.ss. mandaran en la música nadie podría competir con El Rubius si se le diese por cantar en su habitación. La dictadura del click es algo que nos quieren imponer para tenernos todo el día donde ellos quieren, pero la música para nosotros no es eso.
¿Qué os ha supuesto la edición de ese vídeo de ‘Ritmo en la sangre’ en vuestra carrera? ¿Ha sido simplemente un divertimento en lo artístico o habéis ganado seguidores?
Vivimos del mundo del espectáculo y nuestra obligación es dar espectáculo. Todas estas acciones de márketing no son determinantes, pero tenemos la impresión de que suman. Lo hacemos porque nos gusta el jugueteo y la salsa, igual que hay bandas que repiten siempre el mismo disco o el mismo clip y otras que chupan pollas en gasolineras. Nosotros podríamos ser otro grupo que imita a Los Planetas pero Los Planetas podrían ser nuestros padres y quizás deberíamos de sentir la responsabilidad de hacer un disco o un vídeo de nuestro tiempo, aunque tengamos referencias del pasado. En definitiva cada uno enfoca su carrera como quiere o por donde le pide el corazón y a nosotros nos gusta el cine de Clark, de Winterbottom o de Vincent Gallo en donde el sexo se trata desde otra perspectiva, respetuosa con la figura de la mujer y de manera estética. Este es nuestro granito de arena.
«Nosotros podríamos ser otro grupo que imita a Los Planetas pero Los Planetas podrían ser nuestros padres y quizás deberíamos de sentir la responsabilidad de hacer un disco o un vídeo de nuestro tiempo, aunque tengamos referencias del pasado»
Por letra, la canción encaja totalmente con un vídeo así, ¿en algún momento barajasteis otra canción para un vídeo de este tipo o lo teníais claro?
Siempre tuvimos claro que para esta idea tenía que ser ‘Ritmo en la sangre’, por contenido, por cadencia y por estética.
El actor, Sylvan Gavroche, tuvo que disculparse en un periódico después de decirle a Andrea Levy en Twitter que quería repetir el vídeo con ella, ¿qué opináis de este incidente?
Andrea Levy ha dicho que es fan de Novedades Carminha y colgó el single del clip en sus redes. Sylvan es un tío respetuoso y educado, que entró en el juego haciendo una broma inocente que se magnificó en un momento de esquizofrenia colectiva. Lo importante es que los implicados eran conscientes de que estaba hecho desde el humor y con cariño. No entramos en si es un acierto o un desacierto, pero sí sabemos que no hay maldad en los hechos y eso nos basta.
¿Alguno de los dos actores conocía a Novedades Carminha? ¿Les conocisteis? ¿Llegasteis a enteraros de lo que opinaban del grupo?
Sí, claro, teníamos amigos en común y contactamos a través de ellos a los actores. Estuvimos presentes en el rodaje todo el día y la relación con los actores y el resto del equipo es genial a día de hoy. Fue una experiencia muy positiva porque era el primer clip porno que se rodaba en España, el equipo de rodaje no tenía experiencia haciendo porno, ni los actores demasiada experiencia trabajando con un equipo de cine convencional, y por supuesto nosotros ni puta idea de nada, más que de darles vasos de agua a los actores entre escenas.
¿Os importan las críticas o habéis contestado las que ha tenido este vídeo en Facebook porque el tema porno era un poco delicado y espinoso? Lo digo porque contestasteis a aquella usuaria que decía «Una actriz porno… ¿no tenéis mejores recursos para hacer un buen videoclip? Vergüenza ajena».
Este comentario lo hizo alguien antes de que saliese el vídeo, y nosotros somos más de juzgar después de conocer el contenido. Llámanos raros. Entendemos y aceptamos las críticas negativas igual que las positivas, y ambas las consideramos necesarias, pero lo único que revela este comentario es la pobreza intelectual de quien lo hace y que es un prejuicioso/a. Nosotros queremos cerca a gente guai y para ellos hicimos un videoclip que creemos que es bonito a rabiar.
«Tenemos sorpresas preparadas durante todo el 2017, alguna muy jugosa»
¿Qué vendrá después de esto? ¿2017 será un año de hacer todos los festivales que podáis o barajáis más bien nuevo EP o incluso nuevo disco para finales?
Tenemos sorpresas preparadas durante todo el 2017, alguna muy jugosa, pero si las contamos dejan de ser sorpresas. A partir de febrero continuaremos la gira de salas por España, nos iremos a tocar al festival Vive Latino en México y aprovecharemos para hacer una gira por el país y subir al SXSW de Austin, Texas. En verano vamos a hacer un buen puñado de festivales y paralelamente iremos haciendo canciones como podamos.
Este disco ha supuesto un cambio en vuestro sonido, más abierto a otros estilos, clásicos y modernos, que supongo definitivo. ¿A qué creéis que os abriréis en el futuro y a qué creéis que no os abriríais nunca?
Este disco marca un punto y aparte, a veces tenemos la sensación de que Novedades Carminha acaba de nacer de nuevo, de que acabamos de abrir un mundo de posibilidades que nos emocionan, y mucho más después de ver la respuesta con ‘Campeones del mundo’. Creo que no descartamos nada, lo que hacemos puede gustarle a mucha gente y en ello estamos.
Este viernes es el Black Friday. Por suerte, no solo de ropa de calle, pijamas y electrodomésticos se vive, en Navidad también se regala mucha música, lo que incluye entradas de conciertos.
Desde hoy a las 00:00 hasta el lunes a las 23.59, nuestro socio Ticketea ofrece descuentos para una gran variedad de conciertos desde su página web, de entre el 20% y el 50%. Entre los conciertos de precio descontado encontramos varios importantes, que os listamos a continuación (* = descuento solo en algunas ciudades).
Festivales
BIME Live, Azkena Rock, Bilbao BBK Live, Sonorama, Ebrovisión, Actual Festival, PolifoniK Sound, Vida Festival, Super Bock Super Rock de Lisboa con Red Hot Chili Peppers… y así hasta una docena de festivales se suman a los descuentos de Ticketea. Los descuentos van del 5% al 55%. Todos, aquí.
Crystal Fighters
El grupo de pop buenrollista de moda está de gira por nuestro país en diciembre para presentar su nuevo disco, ‘Everything is My Family’, gira en la que le acompañarán, como teloneros, El Guincho y Kid Simius. Entradas*.
King Creosote
Posiblemente recordarás al cantautor escocés King Creosote por su álbum colaborativo junto a Jon Hopkins, ‘Diamond Mine’, que aspiró al Mercury en 2011. Pero Creosote ha sido increíblemente prolífico en su carrera, ha editado 40 discos, el último de ellos, ‘Astronaut Meets Appleman’, este mismo año. Un artista especial. Entradas.
Dorian
El metaconcepto de presentar en directo un directo, como está haciendo Dorian, merecía las rebajas del Black Friday. Pero es que ‘Diez años en un día’, su disco de autoversiones, también estaba muy bien. Entradas*.
Viva Suecia
Entre febrero y marzo de 2017, Viva Suecia actúa en varias salas de nuestro país para presentar su álbum debut, ‘La fuerza mayor’, un disco que ha confirmado al cuarteto murciano como una de las bandas de pop-rock con más proyección de nuestro país. Entradas*.
Nick Waterhouse
El revivalista soul ha editado nuevo disco este año, un ‘Never Twice’ en el que se incluyen canciones destacadas como ‘Katchi’ con Leon Bridges, ‘It’s Time’ o ‘Straight Love Affair’. El autor de ‘Holly’ lo desgranará en vivo el 6 de febrero en sala Bikini de Barcelona. Entradas.
Bebe
La gira de ‘Cambio de piel’ de Bebe termina en diciembre con sendos conciertos en Barcelona y Madrid. Ha sido una etapa exitosa para la cantante extremeña, que se ha recuperado de las decepcionantes ventas de su disco anterior con este trabajo producido por Carlos Jean. Entradas*.
Neuman
Neuman ya ha anunciado nuevo disco para 2017; mientras, el grupo de Paco Román, que ha vuelto este año a los escenarios después del retiro de su líder por agotamiento, seguirá presentando ‘If’, su disco de 2014, por varias salas de nuestro país durante los meses de noviembre y diciembre. Entradas*.
Cycle
Tras 10 años de carrera y solo tres discos, el grupo de David Kano, La China Patino, Juanjo Reig y Luke Donovan sigue en buena forma y ha publicado nuevo disco para “hacer el amor de after” este año, un ‘Dance All Over’ con varios temazos como ‘Be the One’, ‘Saturday Girl’ o ‘Dance All Over’, que termina de presentar en diciembre. Entradas.
Festival Madrid Es Ruido
Una buena oportunidad este Black Friday para asistir al festival Madrid es Ruido, que se celebra en la sala Moby Dick de Madrid y es bien fresquito, pues cuenta con las actuaciones de Telescopes UK, Celica XX, Ghost Transmission y Motel 3 el 2 de diciembre y Automatics, Chicharrón, Berlina y Somos la Herencia el 3. Entradas.
Bravo Fisher!
El nuevo álbum de Guillermo Galguera aka Bravo Fisher!, ‘Solos‘, ha sorprendido este año por su giro noventero, suficientemente notable como para suponer una evolución en su carrera, pero sin opacar la personalidad de sus producciones más 80s. Entradas.
Suecia es una fábrica de amor constante. Bueno, sí, también de muebles baratos, pero ya me entendéis. Rara es la temporada, el mes casi, que al menos un artista o canción originaria del país nórdico no llega para alegrarnos la vida, excitarnos, hacernos bailar… o todo a la vez. Es el caso de una nueva artista nacida en aquel país, llamada Ångie, a la que descubrimos semanas atrás con su primer single, titulado nada menos que ‘Smoke Weed Eat Pussy’.
Efectivamente, la joven artista sueca nos cuenta en este single su secreto para ser feliz: “fumo porros y como coño cada día, y cada día es lo mismo. Me lo paso bien y no me avergüenza. Enciendo canutos como si fuera Slim Shady; sí, soy una puta dama”. Todo un himno lésbico y cannábico que contrapone a una estética aparentemente dulce, una doble faz perversa que encaja bien con su contundente base hip hop y su fraseo autotuneado, a medio camino de Iggy Azalea y Die Antwoord, que se queda grabado a base de un viejo truco: la repetición obsesiva.
Sinceramente, no nos atrevimos a dedicar un artículo a Ångie hasta estar seguros de que esto no era un truco publicitario. Pero, efectivamente, ya parece una certeza que va en serio. Esta semana lanza ‘Housewife Spliffin´’ (“Ama de casa liando porros”: seguimos en la misma onda), un corte con producción del danés Birk Stenbæk, de sonido más R&B que también remite a la Lana del Rey de ‘Born To Die’. En su clip, de nuevo codirigido por la cantante y Christopher Nilsson, la vemos ejercer de un “ama de casa” muy sui generis, “sin marido y sin labores que hacer”. Con su peculiar estética, no hay más que verlo para comprobar que, efectivamente, domina mucho mejor el spliff que las labores del hogar. Aunque sólo sea por sus divertidos vídeos y su sensualidad, desde luego que merece la pena mantenerse atentos a su futuro.
OK Go ha estrenado otro de sus vídeos espectaculares para ‘The One Moment’, una de las canciones incluidas en su último disco, ‘Hungry Ghosts’. El vídeo es literalmente eso, un momento o, para ser más exactos con la traducción del inglés, el momento o instante, pues se compone de una secuencia de cuatro segundos en la que ocurren multitud de acontecimientos que solo pueden apreciarse en su totalidad después, cuando son reproducidos en «slow motion». Esos cuatro segundos a tiempo decelerado constituyen este videoclip.
Dirigido por el propio líder del grupo, Damian Kulash, Jr., el vídeo secuencia explosiones de pintura, globos, cristales… y fascinantemente logra coordinarse con el ritmo de la canción o incluso con la actuación vocal de Damian en las secuencias en las que le vemos desde las páginas de un libro. Si el grupo ya nos había sorprendido recientemente con su vídeo grabado en gravedad cero o montado en «scooters», este vídeo supone un paso más en su videografía.
El grupo explica que ‘The One Moment’ es una «celebración de esos momentos de la vida en los que nos sentimos más vivos». Continúa: «los humanos no estamos equipados para entender nuestra propia temporalidad; nunca dejará de ser profundamente hermoso y triste que nuestras vidas y nuestro mundo sean tan efímeros. Tenemos solo esos momentos. Por suerte, entre ellos están los que importan y nuestro trabajo es encontrarlos. Para el vídeo intentamos representar esta idea literalmente».
Alaska, Pedro Almodóvar, Ágatha Ruiz de la Prada y Francisco Ibáñez son los protagonistas de la campaña solidaria de Play-Doh, uniendo el mundo de la creatividad con el mundo de la cultura pop. La marca de plastilina de Hasbro (Monopoly, etcétera) celebra su 60º aniversario con esta campaña en la que representan a cada uno de los artistas con algo que los identifica.
Las figuras no tienen pierde, como podéis ver en la web oficial: Alaska aparece representada con un zapato de tacón con estampado de leopardo y labios rojos; Pedro Almodóvar con una cinta de celuloide y un molino símbolo de Castilla La-Mancha; Ágatha con un corazón y su paleta de tonos habitual y Francisco Ibáñez con una de sus creaciones más ilustres, Mortadelo. El proceso de realización de las cuatro figuras, de modo completamente artesanal se puede visualizar en este vídeo. De hecho, te puedes hacer con una de ellas.
Play-Doh organiza un sorteo de las cuatro réplicas de las figuras de plastilina entre todos los que utilicen el hashtag #FigurasByPlayDoh en Twitter. Además, hay fin solidario: de la mano de la ONG Aldeas Infantiles, Play-Doh pone en marcha un concurso en esta red social con el que pretende donar 5.000 botes de plastilina a los niños con menos recursos. Por cada tuit, subirá el número de botes donados. Todos los que utilicen el hashtag #FigurasByPlayDoh estarán poniendo un granito de arena en esta acción. El desarrollo de la acción benéfica se podrá seguir a través de la mencionada página web oficial. En ella los visitantes podrán ver en tiempo real los tweets que se irán generando y la cantidad de botes alcanzados para la donación.
Meridian Response, como flamantes ganadores del concurso Sona la Dipu 2016, que organiza desde hace años la Comunidad Valenciana, han podido telonear a La Bien Querida en su concierto “fin de gira” de Madrid, y hoy 24 de noviembre harán lo propio con Miss Caffeína en Barcelona (Sala Bikini), mañana día 25 en Zaragoza (Sala López) y el sábado 26 en Castellón (Santos Club). En diciembre estarán en Málaga (día 16) y en Murcia el día 17, en todos estos casos, insisto, acompañados de Miss Caffeína, que presentan el inesperadamente notable y divertido ‘Detroit‘ (entradas para la gira de presentación de estos, aquí).
El grupo gestado en 2014 por Marta Domingo Muñoz en la voz y Luís Martín Díaz en guitarras y bajos, ya ha terminado un notable disco de debut del que avanzan tres canciones en Spotify. En ellas muestran su querencia por el folk en esa estupenda ‘Summer House’ que han enriquecido con el sonido de pajarillos o esa ‘Oblivion’ que cuenta con bonitos arreglos de cuerda. Mientras la voz de Marta puede acercarse a la de otras cantautoras como Russian Red o recientemente Iseo, la crudeza de sus producciones pone un punto oscuro a estas canciones que suenan pantanosas y polvorientas, más en la línea de Maika Makovski, Núria Graham o Joana Serrat. Atentos también al fantástico juego de voces y guitarras rhythm & blues de ‘Fox Track’. ¿Se cuece algo gordo?