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Fernando Alfaro / Saint-Malo

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saint-maloPocas carreras hay en la historia reciente del pop nacional tan intachables como la de Fernando Alfaro, en sus múltiples encarnaciones. Un álbum excelente como ‘La vida es extraña y rara‘ sería para otros un hándicap difícil de superar pero, para el albaceteño, parece no existir esa dificultad. Sabio, hábil, él simplemente escoge no luchar contra sí mismo sino moverse hacia otro lado. Por eso ‘Saint-Malo‘ es un ejercicio muy distinto al anterior, en el que el papel de su productor, Raül Fernández «Refree», había sido tan crucial como las circunstancias que lo envolvían (componerlo con un brazo roto y, por tanto, sin poder usar un instrumento). En esta ocasión, como viene ocurriendo en todos sus discos, su nuevo álbum es en buena medida un reflejo del período vital en el que fue creado, entreabriéndonos una ventana a su peripecia vital como algo indivisible de su música.

Como él mismo explica, ‘Saint-Malo’ contiene canciones escritas casi en paralelo con la resurrección de Chucho y, además, han sido paridas y mostradas al público en un formato acústico y primigenio, puestas al lado de las que contenía ‘La luz de tus entrañas’, el primer álbum de Surfin’ Bichos que ha sido objeto de revisión por el artista con motivo de su 25 aniversario. Eso explica, en buena medida, que la fiereza eléctrica desplegada en discos como ’78’ y la sencillez estructural de sus primeras canciones tengan una conexión especial con las de este nuevo álbum, apartándose de la más compleja arquitectura acústica de ‘La vida es extraña y rara’ y tendiendo, en cierto sentido, un puente con un ‘Carnevisión‘ que pasó injustamente desapercibido en su día.

Hoy Fernando tiene una banda consolidada en formato clásico y eléctrico y eso, merced a la producción de Darío Vuelta (también bajista de un grupo que completan Xavi Molero -batería-, Marcel Cavallé -guitarra- y Eduardo Martínez -teclado-), se plasma sobre todo en cortes tan vibrantes como ‘Se aniquila piso’, ‘Arrancando las vías’, ‘El ascensor de Herodes’, ‘La luna aplastada’ o, en menor medida, el single ‘Velero‘. Estas, además de ahondar en su rock genuino e inclasificable, suponen un enérgico regreso a su faceta más punk e inmediata, con melodías ágiles y fáciles de captar. Pero, como un reflejo de esa dualidad tan habitual en el planeta Alfaro de su título (una ciudad francesa, pero también algo tan aparentemente contraditorio como un «santo malo»), encontramos canciones de tempo más templado y arreglos delicados. Me refiero a preciosidades como ‘Saariselkä Stroll’ (guiño a Willie Devil pasado por un tamiz lapón), ‘Tempus Fugit’, ‘La Edad Media’ o ‘La eternidad’ que, salvo excepciones (una ‘Me hiere, no me hiere’ de constantes altibajos de intensidad), confirman esa huida de lo enrevesado. Con esa ausencia de complejidad, Alfaro gana vigor y frescura, a pesar de que la facilidad se vuelva un poco en su contra en los momentos más endebles en cuanto a inspiración melódica, como son el vals ‘Bonita fiesta, ¿verdad?’ y, sobre todo, una ‘Pijama de fantasma’ que cae en lo arquetípico.

Ese retomado gusto por lo sencillo y directo también parece haber contagiado a sus siempre estupendas letras que, aun conservando intacto su talento para emplear dobles sentidos y jugar con los dichos populares (especialmente profusa y atinada en ellos es ‘Velero’, en la que emplea un acento pretendidamente andaluz, a modo de guiño al flamenco), parecen buscar decir mucho con el mínimo número de palabras posibles. En esa parcela vuelve a jugar con una marcada dualidad. Y es que podría parecer que ‘Saint-Malo’ es un disco luminoso, por los cantos al libre albedrío (‘Arrancando las vías’, ‘Velero’) o las referencias a la adolescencia (ya sea ajena -en ‘El ascensor de Herodes’ parece contraponer la pubertad de sus hijas con la suya- o propia -un rebrote en plena madurez, en ‘Se aniquila piso’-). Pero, una vez más, la sombra de la muerte y el paso del tiempo (‘La Edad Media’, ‘La luna devastada’) están presentes en todo el álbum, como un germen contra el que resulta imposible combatir y que rebrota incesantemente. Se percibe, incluso, cierto agotamiento en esa lucha por continuar la fiesta (metáfora de la vida empleada en ‘Bonita fiesta, ¿verdad?’ y ‘Eso fue todo’), si bien cabe abrazar, sobre todo, su visión como fino retratista vital, cuando, por imperfecto que sea (‘Saariselkä Stroll’, ‘La eternidad’), presenta el amor como necesario vehículo en un viaje que cabe disfrutar más allá de su inevitable y cierto fin (‘Tempus Fugit’).

‘Saint-Malo’ no es una obra con halo de cúspide, como sí sucedía con su antecesor, pero sirve, sin duda, para perpetuar nuestra fe y admiración en el rock de este imprescindible artista, un inagotable y personal poeta que felizmente no ceja en su empeño de, como nos contaba sin rubor hace tiempo, trascender la muerte a través de sus canciones.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Arrancando las vías’, ‘Saariselkä Stroll’, ‘Se aniquila piso’, ‘Tempus Fugit’
Te gustará si te gusta: la saga Surfin’ Bichos en cualquiera de sus formas.
Escúchalo en: Spotify.

‘Ghosttown’: Madonna, casi sola en el fin del mundo

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madonna-ghosttownPara alegría de nuestros comentaristas, ‘Ghosttown’ fue votada por los lectores como número 1 de nuestro top hace unas semanas. Es el 5º top 1 para Madonna de nuestra historia (aún tiene que alcanzar los 7 de Röyksopp). Aprovechando la llegada de sus insólitos remixes, repasamos algunas curiosidades sobre la canción.

‘Ghosttown’ es la primera balada que Madonna lanza en serio como single desde hace casi 20 años, quizá desde ‘The Power of Goodbye’ (1998). Los 120 bpm’s de ‘Miles Away’ y ‘Love Profusion’ las convertían claramente en sendos medios tiempos y sólo hubo distribución limitada en radios o tiendas para ‘Masterpiece’ y ‘Nothing Fails’, ninguna de las cuales tuvo vídeo propio. Algún mala baba pronunciará las palabras «Hey You», pero tampoco aquel single benéfico tuvo vídeo, por suerte.

Madonna, en cambio, ha ido a por todas con esta canción que ha interpretado en vivo en varias teles europeas y americanas, situándola en las entrevistas como su canción favorita del disco al que pertenece, ‘Rebel Heart‘, junto a ‘Bitch I’m Madonna’. El tema reúne a dos amantes supervivientes que luchan por salir adelante en medio del fin del mundo, apoyándose el uno en el otro, situación que la cantante ha relacionado con la intolerancia de nuestros días, sobre todo en cuanto a cuestiones racionales y religiosas (Francia, Estados Unidos). La sencilla tesis detrás de la canción es que, cuando «el armagedón» llegue, solo nos tendremos los unos a los otros.

Descrita como «canción de amor apocalíptica», Madonna la escribió junto a Jason Evigan, Evan Bogart y Sean Douglas porque le gustaba el ‘Talk Dirty‘ que Evigan y Douglas habían escrito para Jason Derulo, que como veis no tiene absolutamente nada que ver. Se dijo en principio que la había escrito sola Madonna, al mismo tiempo que era una canción muy poco Madonna, pero ninguna era correcta. Douglas, aparte de escribir para David Guetta ft Nicki Minaj (‘Hey Mama’ y largo etcétera), es hijo del actor Michael Keaton. La cantante cuenta: «nos reunimos en una habitación, tocaron unos acordes y empezamos a hablar. Cuando escribo con gente, siempre intento que salga un tema. ¿De qué queremos escribir? Esta canción va sobre la ciudad ardiendo, los edificios cayendo, el humo que queda después del fuego. Y quedan muy pocas personas».

Testigo que fue tomado en el simple vídeo de Jonas Åkerlund, que refleja literalmente esa idea, sin más guión que el baile que Madonna realiza junto a Terrence Howard, la estrella de la serie de moda, ‘Empire’ (su banda sonora impidió que ‘Rebel Heart’ fuera número 1 en Estados Unidos). Como curiosidad, aparte de la foto de la madre de Madonna, que murió cuando ella tenía 5 años, hay un grave fallo de raccord, detectado en nuestros foros: Madonna pasa de estar a un lado del niño al otro. Minuto 5.12.

Aunque no es lo peor del vídeo, sino lo que tarda en arrancar ese baile o lo mal dirigida que está Madonna, capa arriba, capa abajo, especialmente en la escena del teléfono. A fin de cuentas, ‘Gimme All Your Luvin’ y ‘Hung Up’ se antojan como los únicos grandes vídeos hechos por Madonna en los últimos 10 años.

Ejerciendo de metáfora de «Madonna y pocas personas más en el fin del mundo», ‘Ghosttown’ ha sido un estrepitoso fracaso comercial en todos los mercados importantes excepto dos: Italia y Alemania, donde tras una costosa escalada de un par de meses el tema ha llegado a posicionarse en los tops 20 y top 34 respectivamente, además de alimentar las ventas de ‘Rebel Heart’, que sólo son ligeramente consistentes en estos dos territorios. Algo menos de mérito tiene el top 34 en Francia, pues en este caso no ha servido para mantener el álbum, y mucho menos el top 41 de ‘Ghosttown’ en España, pues este se produjo cuando la canción se lanzó en diciembre y no contaba el streaming. Nada de «sleeper» por aquí. España ha pasado de ser un mercado clave para Madonna a la nada: aún estamos por oír una canción de este disco en la radio.

Otra cosa será naturalmente la gira, pues Madonna actúa dos días seguidos en el Palau Sant Jordi en noviembre, con las entradas de la primera fecha ya agotadas (ya quisieran muchos cantantes jóvenes), si bien parece que la puesta en escena de esta canción será austera. Entre las actuaciones en Francia, Italia, Estados Unidos y Reino Unido, la más curiosa es por supuesto aquella en la que Taylor Swift tocó la guitarra. Taylor había citado ‘Like a Prayer’ como una influencia en ‘1989’ y Madonna había contestado que no se podía sacar las canciones de Swift de la cabeza. Lamentablemente, jamás fue subida oficialmente a Youtube, por lo que la pegamos en calidad guarra.

En algunas de estas actuaciones, sobre todo en la francesa, hay un gran artista invitado, el Autotune. Se resolvía así la duda entre los fans cuando la canción se lanzó por sorpresa en diciembre. ¿Son esos cortes en la respiración de Madonna aposta? ¿Y esa extraña entrada de su voz al final? ¿Y ese Autotune en este baladón? En sintonía con el carácter 100% oscuro y electrónico de la canción (de ahí su aceptación en Alemania probablemente, recordad que este país es bastión para Depeche Mode y Hurts por encima de su propio país, UK), todos esos efectos son aposta para alimentar la «modernidad» de la balada frente al clasicismo orgánico de un Sam Smith. La co-producción es de Madonna con Billboard, quien sabe mucho de producir tomas vocales polémicas: ha trabajado varias veces con Robyn y Britney Spears, la una fan de autodoblarse a saco y la otra del Autotune.

Como curiosidad final, esta es la única canción de ‘Rebel Heart’ que no se filtró en formato demo, la única canción de veintitantas pistas lanzadas oficialmente de la que sólo se conoce una versión de estudio. Suponemos que estarán sacando brillo al cajón en el que la metieron para guardar ahí el siguiente disco.

Os dejamos con los remixes, aunque entre tanta morralla sin ton ni son (hay una docena), los más curiosos son los que ya encontramos en el CD single y los dos exclusivos de Tidal: al menos llevan la canción a otros territorios, de la pista a la balada al piano, pasando por la bossa y Broadway.

Joss Stone anuncia disco y estrena single

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¿Alguien se acuerda de Joss Stone, fans aparte? La cantante tiene un nuevo disco titulado ‘Water For Your Soul’ preparado para el próximo 17 de julio.

De ese nuevo trabajo ha presentado dos sencillos. El último lleva por título ‘The Answer’, un número con percusiones que para sí quisiera Shakira y violines de influencia irlandesa.

Os dejamos también con ‘Stuck on You’.

Viernes en Primavera Sound 2015: carreras y renuncias

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Runjewels

Un festival como el Primavera Sound acaba siendo una especie de Iron Man indie; una carrera de obstáculos en la que no sabes muy bien qué va a ocurrir. Sobre el papel te puedes crear unas rutas maravillosas en las que piensas ver a quince grupos por jornada, entrar a las cuatro de la tarde y no salir a las cinco de la mañana y encima ver a todos tus amigos. Pero la realidad es tozuda y te acaba boicoteando los planes a base de cansancio, cambios de idea, pereza y otras lides humanas. Así, mi idea para el viernes era ver a The Pastels en el Hidden Stage, pero por la hora en que empezaban a repartir los tickets de reserva, no pudo ser.

Las renuncias también son inevitables en el PS. Joden la vida, pero es tan simple como que un grupo que te interesa muchísimo coincide con algo que te gusta aún más. Es el caso de The New Pornographers vs Patti Smith interpretando ‘Horses’. Voy a ver la primera canción de los de Vancouver, pero salgo corriendo de allí porque he de conseguir un sitio bueno para un concierto que se augura mítico. El sol y la humedad castigan, pero Patti sale de negro y con chaqueta, luciendo su estampa clásica; alta, flaca, con sus greñas blancas. Mira al público, se palmea el corazón y comienza ‘Gloria’; el concierto va a seguir el orden estricto de ‘Horses’. En el inicio de ‘Gloria’, en ‘Redondo Beach’ y ‘Kimberly’, los teclados y la batería se sincopan, dando cierta sensación de pachanga. Estos son los dos únicos aspectos negativos que se me ocurren de la actuación. Porque ‘Horses’ es un disco legendario en mi familia y le tengo un apego demasiado profundo como para no pasarme todo el concierto al borde de las lágrimas; porque Patti está en un estado de forma tan excepcional, canta tan bien, es tan poderosa, que es imposible no conmoverse. Así, la emoción me sube hasta la boca del estómago cuando Patti grita ‘G-L-O-R-I-A’. Recita un ‘Birland’ tan intenso, con tanta convicción que estremece. ‘Breaking Up’ es tan fuerte que pasa por encima de unos coros justitos. Me enajeno cuando grita «Horses, horses, horses!» en ‘Land’, en la que vuelve a enlazar el final de ‘Gloria’ ante el éxtasis del público. Ella sonríe, feliz, al ver nuestra respuesta. Nos explica que escribió ‘Elegy’ en memoria de Jimi Hendrix pero que, tras cuatro décadas, es para toda la gente a la que hemos amado y hemos perdido. Y recita los nombres de sus amigos desaparecidos: los Ramones, Johnny Thunders, Lou Reed, su marido Fred ‘Sonic’ Smith… Pero la melancolía la aparca rápido, cuando empieza a recitar con fiereza ‘Babelogue’: «I haven’t fucked much with the past but I’ve fucked plenty with the future» y rompe con ‘Rock N Roll Nigger’, arrolladora. Se pelea con la guitarra, rompe una cuerda, nos grita «this is for you», nos exhorta a ser libres y felices y deja al público encendido. Un concierto casi tan grande como la leyenda del disco.

En cuanto acaba Patti, opto por Perfume Genius, aunque eso implique no ver su concierto entero, puesto que he de regresar de nuevo al escenario Heineken para Sleater-Kinney. Pero es que le tengo tantas ganas que doy por bueno sacrificar a Damien Rice aunque solo sea por medio recital. Y esa media hora que paso en el Pitchfork me da la razón. Hasta el público casual y los que no lo conocían de nada caen rendidos a los pies de Mike Hadreas, a sus piruetas vocales, a su estampa juncal y sexy, a sus movimientos sinuosos. Las dos primeras canciones, ‘My Body’ y ‘Longpig’ suenan amenazadoras y oscuras. Y aunque a partir de ‘Fool’ el set se relaja un poco y Mike muestra su lado más pop, la sensación de turbiedad agazapada no desaparece. Con todo el dolor de mi corazón lo abandono para llegar a Sleater-Kinney. Qué ganas tengo de verle en sala.

Sleater-Kinney era mi concierto del día. En negrita, resaltado y subrayado. Son el mejor grupo de rock del mundo ahora mismo y yo quiero disfrutarlo. Además, presentan ‘No Cities To Love’, indudablemente, uno de los discos del año, pese a que al final el álbum ganador de la noche es ‘The Woods’; hasta seis temas caen frente a los cinco de ‘No Cities…’. Vestidas como para una merienda formal, con el ocasional acompañamiento de una cuarta chica, Sleater-Kinney patean culos y machacan; con garra pero con elegancia. Como The Replacements la noche anterior, ellas no van de charlatanas ni simpáticas, sino que te arrean con su repertorio sin dejarte ni espacio para tomar aliento, desde que abren con ‘Price Tag’. Corin flemática, Carrie dando el contrapunto saltando y agitándose, Janet aporreando la batería con precisión letal. Y nosotros gozándolo. No las paran ni los problemas que tiene al principio Carrie con la guitarra. Las canciones de ‘The woods’ son las más celebradas, especialmente un ‘The Fox’ indomable, aunque yo lo doy todo con ‘Bury Your Friends’, ‘No Cities To Love’ y mi preferida, ‘One Beat’. La traca final es bestial: ‘Dig Me Out’, ‘Entertain’ y ‘Modern Girl’. Carrie acaba tirada en el suelo, mientras nosotros cantamos «My baby lovees meee, I’m so happyyyy». Yo sí que soy feliz por tenerlas aquí. Son las mejores.

Llego al ATP bastante justa (casi diez minutos tarde, vamos), para comprobar que Run the Jewels la están liando pardísima no, lo siguiente, en el ATP. Acabo rodeada de post adolescentes británicos poseídos; debe de ser el concierto con la media de edad más baja de todos a los que he asistido en el festival, dudo que haya nadie en mis cercanías que supere los veintitrés años. Y todos botando como si les fuera la vida en ello, como sucubos hechizados por los demonios mayores El-P y Killer Mike, que es igual de mortífero incluso llevando el brazo en cabestrillo. En estado de gracia, con un volumen atronador, generan una comunión con el público que no había visto en tiempo; los chavales de mi alrededor rapean hasta la última coma mientras se agitan en un desenfreno casi ritual. Me voy a casa con la espalda destrozada y los brazos llenos de morados, pero contenta como una mala cosa.

Más crónicas del viernes de Primavera Sound, aquí: alt-J, Ride, Belle & Sebastian.

Foto: Dani Canto, Primavera Sound.

Empresa de aguas le pide a Jay Z que se «meta en sus asuntos»

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jayzNo sabemos si Tidal, el servicio de música en streaming de Jay Z, lo ha hecho todo, todo mal; sin embargo, una de las declaraciones que Jay Z realizó en relación a este servicio el pasado mes de marzo no fue desde luego especialmente lúcida: «el agua es gratis. La música cuesta 6 dólares pero nadie quiere pagar por ella. Deberías poder beber agua gratis del grifo: es algo hermoso. Y si quieres escuchar la canción más hermosa, deberías apoyar a los artistas».

Hoy, varios medios informan sobre la publicación en este blog de una «carta abierta» al rapero realizada por un empresario de aguas de Denver en la que, dirigiéndose a estas desafortunadas declaraciones, literalmente le pide al autor de ‘The Blueprint’ que se «meta en sus asuntos». De manera cordial y respetuosa, el autor de esta carta asegura que el agua no es gratis y que los comentarios del rapero «plantean la cuestión de cómo la gente valora el agua, un problema con el que la industria ha de luchar todo el tiempo».

Sin caer en peroratas innecesarias, el empresario, de nombre Steve Snyder, comparte en su carta varios cálculos que podrían hacer cambiar de opinión a Jay Z. Uno de ellos es el curioso dato de que con todos los ingresos generados por su último disco, ‘Magna Carta… Holy Grail‘, se podrían llenar 1.600 piscinas olímpicas. Y recordando que el patrimonio de Jay Z es de 510 millones de dólares, Snyder escribe: «tratando de calcular cuánto agua se podría comprar con ese dinero, mi calculadora explotó. Supongo que con esa cifra nos adentramos en territorios oceánicos».

Snyder concluye: «igual tenemos algo en común. Tú continuarás con tu objetivo de hacer entender a la gente el valor de la música y la gente de mi industria hará lo mismo con el agua. Claro que tengo entendido que, de hecho, dispones de una lista llena de problemas que resolver: ¿99, para ser más exacto?». Esperamos respuesta de Jay Z como «agua» de mayo.

‘I Know There’s Gonna Be (Good Times)’, Jamie xx desde la playa

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jamiex-loud«Es verdad que dentro de la secuencia de su nuevo disco, este ‘I Know There’s Gonna Be (Good Times)’ de Jamie xx no pega ni con cola, pero no podemos negar el encanto que tiene el nuevo sencillo del británico junto a Young Thug y Popcaan. Ese aire jamaicano no es nada nuevo para Jamie y ya había demostrado su buena mano para el pop cuando produjo el inmenso ‘Take Care’ de Drake (aún me sigo preguntando por qué el canadiense no ha vuelto a colaborar con él).

La canción es un intento descarado de conseguir un éxito que espero que tenga, porque lo merece. De hecho debería sacarse un vídeo con bien de chicas en bikini para que a los modernos radicales terminen por desprendérseles las mandíbulas. Lo evidente de las intenciones no debe restar cualidades a un tema que seguro sonará mucho en este verano que nos espera a la vuelta de la esquina». ACM.

«‘I Know There’s Gonna Be (Good Times)’ nunca será mi canción favorita de Jamie xx. Existiendo ‘Gosh’, ni siquiera será mi canción favorita de Jamie xx de este disco. Sin embargo, lo que más he admirado siempre de The xx, por encima de su minimalismo, es su desprejuiciado gusto musical. Por eso no queda otra que entregarse a este divertimento vacacional en el que sí, el juego de voces tipo «grupo coral» del principio es mucho más atractivo que el que predomina en la canción a cargo de Young Thug & Popcaan, pero que en el fondo no es tan lejano a las percusiones que suele manejar el artista». Sebas E. Alonso.

«Construida en base a un sample de los Persuasions, ‘I Know There’s Gonna Be (Good Times)’ muestra a un Jamie xx explorando nuevas dimensiones en su propuesta de beats house pulidos como una patena y graves profundos, en esta ocasión emparentándose con el joven rapero Young Thug y el nuevo mesías del dancehall, Popcaan, para la creación de un sutil himno veraniego que aúna la modernidad de las hipnóticas a la par que melodiosas producciones del británico con la clásica efectividad de los «grooves» jamaicanos. Una joya y van…» JB

Mogwai sacan patinetes por su 20 aniversario

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Imagen 2En celebración de sus 20 años de carrera, Mogwai han anunciado un proyecto de lo más interesante. Se trata de una colaboración con la marca de patinetes británica Focus. La banda lanzará al mercado patinetes en edición limitada cuyo diseño incluye portadas de sus discos. También se han realizado camisetas para la ocasión.

Curiosamente, Mogwai no son los únicos que han anunciado un proyecto similar en los últimos días. Daft Punk lanzaban la semana pasada su propio patinete junto a la marca francesa Hervet Manufacturier, por supuesto, también en edición limitada. Tan limitada, de hecho, que ya se está agotando. ¿Terminará alguno en eBay?

Mágico Antony en Primavera Sound

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A las cuatro de la tarde en el Auditori se celebró uno de los conciertos más curiosos de todo el Primavera Sound, el Arthur Russell’s Instrumentals, en el que una banda de nueve músicos, dirigidos por Peter Gordon y con especial predominación de los metales, desgranaron parte del repertorio del desaparecido compositor. Escuchándolos, entiendes la devoción que le tiene Sufjan Stevens; muchos de sus arreglos beben de las composiciones de Russell. La banda desgranó una suite de casi media hora seguida, alegre y paisajística, como si fueran una orquesta zíngara que se dedicara a ejecutar bandas sonoras de series sofisticadas. Hacia el final abandonaron la parte instrumental, derivando hacia el funky-disco y, de remate, una ‘Tell you (today)’ tan ultra pop e infecciosa que hasta sabía mal quedarse sentado. Si alguien pensó que este concierto era para dormir la siesta, se equivocó. La pega de permanecer en el concierto hasta el final fue quedarse sin ver a Panda Bear. A pesar de tener ticket de reserva, era tal la marabunta de gente esperando a entrar, la cola era tan inhumana que finalmente opté por batirme en retirada. Frustrante.

Twerps en disco suenan bien. Sin embargo, en el escenario Pitchfork resultaron bastante aburridos con su indie pop de manual. Sí, son muy correctos, son muy monos y le ponen ganas… pero en directo lo que son es una banda del montón. Sarcásticamente, una colega los definió como «grupo de parroquia». Y yo que abandoné a Hiss Golden Messenger por ellos…
Tras la monotonía del indie formulario, la profesionalidad perfectamente engrasada de Giant Sand fue casi un regalo del cielo. Con la banda toda de negro, excepto la teclista que dio el toque dorado, y una corista muy sensual, Howe Gelb primero nos felicitó por las elecciones, y después se arrancó con un bonito y contenido concierto en el que primó la sobriedad fronteriza y la placidez vital, punteada con sus ganas de charlar y contrarrestrada por ocasionales destellos de rock con garra. Cerraron con una primigenia ‘Tumble & Rain’, de su primer disco (de 1985), punk rock para desmelenarse tras tanta templanza.

Lo de The Replacements en el escenario Primavera me recordó un poco al regreso de Pixies en 2004. Como ellos, parecía que el tiempo no había pasado. Para los de Minneapolis no sólo musicalmente, sino además físicamente; siguen igual de flacos, fieros ¡y con pelazo! Salieron a por todas y vencieron gracias a un concierto enérgico y monumental. Tocaron una hora que pasó como un relámpago. Ni apenas «buenas noches», ni agradecimientos ni nada: a piñón. Empezaron con una explosiva ‘Takin’ a ride’ y, sin bajar la velocidad, fueron cayendo clásicos que sonaban tan tersos como cuando se separaron en 1991: ‘Valentine’, una acelerada ‘Waitress in the Sky’, ‘Kiss me on the Bus’, ‘Can’t Hardly Wait’, la celebradísima ‘I Will Dare’, una fantástica ‘Alex Chilton’ que fue recibida con gritos de histeria emocionada… Pero es que encima se permitieron el lujo de hacer lo que les daba la gana, metiendo versiones sin venir a cuento: ‘I want your back’ de Jackson 5, fragmentos de ‘Lollypop’, canturreos de ‘Love Will Tear us Apart’… Sentí una genuina envidia por los que estaban en las primeras filas. Bolazo.

TheReplacements

El de Antony and the Johnsons fue uno de los conciertos más bellos y emocionantes a los que he asistido nunca en el Primavera Sound, aunque eso no es ninguna una novedad para él. En 2005, el primer año en que el festival se celebró en el Fòrum, dio en el Auditori una actuación también memorable. Pero si en ese momento se mostró como un artista frágil, solo ante su piano en una interpretación desnuda y sobria, anoche tuvimos a un maestro de ceremonias seguro y convencido, con una puesta en escena abigarrada: una orquesta con cuarenta músicos todos de blanco, un bailarín que con movimientos de mariposa nos dio la bienvenida, y extrañas proyecciones de teatro kibuki japonés. Quizás pareciera que el escenario Heineken no era el lugar adecuado, que su espacio natural era el Auditori otra vez pero, tras lo visto con Panda Bear esa misma tarde, se reveló como un emplazamiento acertado, por dos motivos; primero, porque si este concierto llega a ir con reserva, hay una batalla campal en el Fòrum. Segundo, porque el público guardó un silencio sepulcral, roto muy pocas veces por conversaciones fugaces, debidamente acalladas. ¿Cuántas veces he llegado a escuchar silencios dramáticos como parte de una canción en un escenario al aire libre? Creo que, hasta anoche, ninguna vez. Antony obró el milagro. Una compenetración perfecta con la orquesta llevó a las canciones a un nivel de profundidad emocional difícil de igualar. Se necesita un intérprete superdotado como Antony para llevar un show hasta las máximas cotas de sentimiento. Hubo momentos de intensidad brutal, como cuando en una épica ‘Cripple and Starfish’ llegó el fragmento «I’m very very happy, so please hit me» o ‘Cut the world’, en que la emoción empujaba al público a romper en aplausos. También hubo lugar para las sorpresas, como una versión extraordinaria de ‘Blind’ de Hercules and Love affair: cuando llegó el momento de la trompeta el público enloqueció, literalmente. Para el recuerdo quedó el instante cuando nos pidió que le acompañáramos en ‘Dust and Water’ («tenéis que sentir como si vuestro espíritu estuviera tres pulgadas por encima de vuestra cabeza») y la gente coreó un estremecedor «uhhh». Parte de la concurrencia empezó a abandonar, supongo que para conseguir un buen sitio para The Black Keys. Se equivocaron al hacerlo. Porque se perdieron un ‘You Are my Sister’ para llorar y el cierre con ‘Hope There’s Someone’, en el que Antony venció al único fallo de un hasta entonces exquisito sonido. Un crescendo, el público mudo. Piel de gallina.

Tras un par de jornadas en que había vivido yo muy feliz sin tener que aguantar la habitual ristra de charlatanes pelmazos que asuelan los conciertos, creo que fue al pobre James Blake al que le tocó ser la actuación «nosotros venimos a hablar de nuestras cosas como si estuviéramos en el bar». Nada que no se pudiera atenuar haciendo zig-zags hasta la ganar la primera fila. El concierto ilustró a la perfección las dos vertientes de James; el exquisito baladista clásico y el chico que se muere por la electrónica más rotunda.

James vestía una camisa curiosísima de animales, que daba la sensación de irle grande y estaba acompañado por un guitarra y un batería-percusionista que dieron corporeidad a los temas. Tras un inicio casi tropical, en la primera parte del concierto James exploró su versión más crooner y sosegada, prácticamente en solitario con el piano, aunque retorciendo las canciones al máximo de su posibilidades expresivas. Así, en ‘I Never Learnt to Share’ o en ‘To the Last’ se sampleaba la voz, cantaba encima, generaba efectos; ‘Limit to your Love’ la refinaba merced al toque onírico que le otorgaba la percusión. ‘Overgrown’ tuvo un breve inicio subido de revoluciones, pero volvió a su cauce. Fue a partir de ‘Part Time Lover’ cuando viró hacia la pista de baile y el sonido más abstracto; sirenas, juegos de luces y enajenación; house suave y envolvente que derivaba en energía sofocante y machacona. Solo ritmo, sin apenas melodía ni voz. Y en estas cayó ‘Retrograde’. James se sampleó, se saboreó y nos empujó hasta la cima, a un ‘The Wilhelm Scream’ casi AOR, atmosférico y bello. La alargó, la sostuvo sobre una sola nota. Y entonces caí. James Blake está feliz. A su manera, sí, pero feliz. Y nosotros fuimos afortunados testigos.

Más crónicas del jueves: Black Keys, Spiritualized, Sun O)))… aquí.

Foto: Eric Pamies, Primavera Sound.

Primavera Sound 2015: de la profesionalidad de Black Keys a la catarsis de Sunn O)))

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La temprana hora de la actuación de Childhood, estrenando el escenario Heineken, no impidió que congregaran a bastante público. Con un disco tan luminoso y ensoñador como el notable ‘Lacuna’ (2014), debut que aún siguen presentando, fueron ideales para calentar motores con el sol aún mostrándose agresivo (aunque frenado por el viento, por suerte). Con una voz tan portentosa como la de Ben Romans-Hopcraft y una sensación de que lo estaban pasando en grande, temas como ‘Blue Velvet’ o ‘As I Am’ sonaron estupendamente. Posiblemente el concierto comenzó con más energía y fue poco a poco a menos, pero recuperaron la atención del público y la adrenalina con una ‘Solemn Skies’ que remató una estupenda actuación.

Para comodidad de los asistentes que tenían planeado ver a Baxter Dury después de Childhood, no había más que moverse hacia el escenario de enfrente, el Primavera, para presenciar el que seguramente fue uno de los conciertos más divertidos del jueves. Dury es todo un showman y entre extraños bailes y una rara manera de dirigirse al público (una suerte de intento de castellano-catalán, mezclado con ruidillos varios) nos sacó una sonrisa a todos los presentes en bastantes ocasiones (mención especial al minibar en forma de piscina infantil con palmerita que tenía en el escenario, del cual podía sacar tanto una botella de brandy como una bolsa de nachos). En cuanto al repertorio, sonaron temas principalmente de ‘Happy Soup’ (2011) y de (por supuesto) ‘It’s A Pleasure‘ (2014), su último álbum hasta la fecha, destacando temas como ‘Picnic On The Edge’, ‘Isabel’ o ‘Palm Trees’.

Quienes esperábamos una verdadera apisonadora sonora en el concierto de Viet Cong, nos quedamos a medias y no parece que fuera cosa de la banda, que puso todo de su parte para ofrecer una buena actuación, sino del deficiente sonido del escenario Pitchfork, deficiente al menos en ese momento de la tarde (más adelante, en conciertos como el de Mineral, el sonido sería mucho mejor). Faltaba definición y sobre todo volumen, algo que pide a gritos el post-punk de los ex-Women. Aun así, canciones como ‘Bunker Buster’, ‘Continental Shelf’ o la demoledora ‘Death’ (que si tocan el patrón final otros diez minutos más, a muchos no nos habría importado en absoluto) se dejaron disfrutar bastante.

Con la presencia de American Football, Brand New y, sobre todo, Mineral, el Primavera Sound vuelve a tener tintes emo tras el estupendo concierto de Sunny Day Real Estate en 2011. Del mismo modo que con los de Jeremy Enigk, la actuación de la banda de Texas tuvo un gran componente nostálgico, revisando los temas de ‘The Power Of Failing’ (1997) y ‘EndSerenading’ (1998), sus dos trabajos, con la suerte de Chris Simpson y sus chicos han vuelto con un estupendo estado de forma, no perdiendo ni un ápice de energía tanto en la voz como en los demás instrumentos, haciendo que temas como ‘Slower’, ‘Five, Eight and Ten’ y ‘Gloria’ sonaran, efectivamente, a gloria bendita.

Un concierto como el del proyecto liderado por Jason Pierce, con numerosos matices y cambios de dinámica entre los aires gospel, el kraut y el rock and roll elevado a la quinta potencia espacial, tal vez pedía un Auditori en vez del escenario ATP, por dos razones: la primera, evidentemente, porque los detalles sonoros se habrían podido apreciar mejor y la segunda, porque, dado que hay que ir con antelación y hacer cola para entrar, los presentes en un hipotético concierto de Spiritualized en el Auditori habrían sido los más fans. Era bastante molesto tener de cháchara a gente ajena a lo que estaba sonando, así que había que intentar concentrarse, abstraerse de lo que sucedía alrededor y acercarse al escenario todo lo posible, para empezar a dejarse llevar y flotar. Una vez logrado el estado mental adecuado, solo cabe constatar que el concierto fue de los mejores del jueves, con delicadas e inspiradas interpretaciones de ‘Soul On Fire’, ‘Shine A Light’ y ‘Electric Mainline’ (que podía haberse extendido hasta la infinidad) y la furia de ‘She Kissed Me (It Felt Like A Hit). Como colofón, una versión de ‘Walkin’ With Jesus’ de Spacemen 3 durante la cual una fan le pedía a gritos a Pierce que se reuniera con su antigua banda, algo que sería curioso, pero improbable y además innecesario, a juzgar por la total vigencia de Spiritualized.

Teóricos cabezas de cartel del jueves, Dan Auerbach y Patrick Carney, acompañados por una banda (aunque en algún momento de su actuación se quedaron ellos dos sobre el escenario), lograron que no cupiera un alma en torno al escenario Primavera. Gusten más o menos, den menos pereza o más, es difícil pasarlo mal en un concierto de The Black Keys, pues el set que ofrecieron y con la profesionalidad que lo interpretaron hacía difícil que alguien no menease mínimamente el trasero. Es cierto que, por tanta profesionalidad, carecen de la suciedad y factor sorpresa, pero se dejaron querer con temas como ‘Howlin’ For You’, ‘I Got Mine’, bajando de revoluciones en otros como ‘Too Afraid To Love You’ y echando el resto en sus archiconocidos y celebradísimos hits.

Como sucedería en el mismo escenario anteriormente, el concierto de Sunn O))) en el ATP fue solo para fans. Su propuesta no es para todos los gustos, pero para quienes gustamos de su brutalidad, su paso por esta edición del Primavera fue una auténtica catarsis. Aun siendo al aire libre, llevaban la suficiente cantidad de amplificadores para que el sonido fuese atronador. Stephen O’Malley y Greg Anderson nos sumieron en una hipnosis de una hora en la que las guitarras fueron co-protagonistas junto a la apocalíptica voz de Attila Cshihar, quien colabora con ellos frecuentemente. La teatralidad y capacidad vocal (desde lo más gutural a lo operático) de Cshihar hacía que pocos quitaran la vista del escenario (sobre todo en los minutos finales, en los que el también miembro de Mayhem se quitó la túnica con la que todos iban uniformados para volver con una suerte de capa de cristales y una corona de pinchos en la cabeza). Suena a cliché, pero si de verdad ascendiese el infierno a la tierra, ésta sería la banda sonora.

Más crónicas del jueves: Antony, James Blake, The Replacements… aquí.

Foto: Eric Pamies, Primavera Sound.

Kelly Clarkson te inspira en ‘Invincible’

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Eones después de ‘Heartbeat Song’, Kelly Clarkson se ha acordado de que tiene nuevo disco en el mercado, ‘Piece by Piece‘, y ha estrenado el vídeo de ‘Invincible’, su segundo single. La pieza nos muestra a Clarkson interpretando el tema acompañada de varias figuras cúbicas voladoras que se convierten en personas felices y llenas de radiante esperanza. Todo muy inspirador.

Thee Oh Sees / Mutilator Defeated At Last

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theeohseesLa banda de garaje y psicodelia de San Francisco es una máquina bien engrasada, tanto es así que, bajo la batuta del incansable John Dwyer (quien cambia de compañeros de viaje ocasionalmente), lleva sacando un disco por año desde hace más de diez (incluso dos trabajos en 2011). La formula se repite álbum tras álbum y cada nueva entrega sale más depurada. Tras un gran ‘Floating Coffin’ (2013), continuaron su senda con ‘Drop’ (2014), que, aun siendo un buen disco, palidecía al lado de su explosivo predecesor. En 2015 la trayectoria queda corregida y sigue en ascendente con ‘Mutilator Defeated At Last’.

La pega que tenía el mencionado ‘Drop’ es que iba demasiado a piñón fijo con riff pesado tras riff pesado, llegando a agobiar y resultar un tanto monótono. En «Mutilator» sucede todo lo contrario: el cambio de unas atmósferas más calmadas a otras más áridas hace que se pueda disfrutar de ambos mundos. Aunque es cierto que es un álbum equilibrado en el que se muestra lo que Dwyer y compañía son capaces de hacer, la balanza está un poco más inclinada hacia el lado de la psicodelia y es en los temas más hipnóticos y de desarrollo más complejo donde reside la magia del álbum.

Temas como ‘Web’ o ‘Sticky Hulks’ nos proponen viajes exquisitos que querríamos que no tuviesen fin, con una instrumentación sencilla pero muy efectiva, a destacar batería y órgano. Las abrasivas guitarras siguen teniendo su protagonismo y funcionan bien allá donde aparecen, pero suenan especialmente bien cuando la banda pone toda la carne en el asador en enérgicos temas como ‘Withered Hand’ o ‘Rogue Planet’, demostrando que en su faceta más agresiva también vencen. Con una duración asequible que pide darle al play una y otra vez, ‘Mutilator Defeated At Last’ es otra prueba más del enorme talento de Thee Oh Sees, una banda que realmente tiene algo de valor que ofrecer y que, con la misma capacidad de crear complejidad que de desbarrar y hacer locuras, se sitúa muy por encima del cliché garajero de sonido primitivo y destartalado.

Thee Oh Sees actúan este sábado y este domingo en Primavera Sound.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Sticky Hulks’, ‘Web’, ‘Withered Hand’, ‘Rogue Planet’.
Te gustará si te gustan: Ty Segall, The Black Lips, Mikal Cronin
Escúchalo: The Fader

‘It Follows’: el terror viene por Detroit

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it-followsQuien haya visto ‘The Myth of American Sleepover’ (no se estrenó pero está accesible en plataformas online) seguro que se dio cuenta de que el director David Robert Mitchell no es uno más de los cientos de cineastas indies, muchos de ellos intercambiables, que pasan todos los años por Sundance o el South by Southwest. Su mirada es diferente: sutil, delicada, inteligente, poética. Y su puesta en escena también: muy elaborada, sugerente, medida, refinada.

‘It Follows’, su siguiente película, se puede ver como una continuación de la primera. Sus personajes son los mismos, adolescentes de un barrio residencial de Detroit que parecen salidos de una película de los ochenta (la decoración es deliberadamente anacrónica) y parecen vivir en un mundo sin presencias adultas. Lo que cambia es el género. ‘It Follows’ es una película de terror, un slasher adolescente que parte de películas como ‘La noche de Halloween’ o ‘Pesadilla en Elm Street’ para elaborar un discurso propio. Su estrategia recuerda mucho a las seguidas por títulos recientes como ‘La casa del diablo’, ‘Frío en Julio’ o ‘The Guest’, películas de género que no esconden sus referentes, ni los parodian, ni los citan: los abrazan, se suben a ellos como a un trampolín nostálgico desde donde saltar hacia otros territorios estilísticos.

El comienzo de ‘It Follows’ es un ejemplo de este diálogo entre tradición y modernidad, un muy sugerente plano-secuencia –una panorámica circular que se repetirá varias veces a lo largo del filme- donde observamos cómo varios clichés del género –noche, barrio residencial, chica semidesnuda corriendo asustada, música de sintetizadores- saltan en pedazos. ¿Qué ha pasado? ¿Dónde está el asesino enmascarado? Mitchell manosea los lugares comunes del terror –el sexo pecaminoso, la amenaza sobrenatural-, los descoloca y los lleva casi hasta a la abstracción.

Pero, como es habitual en este tipo de propuestas (ocurría también en las tres arriba mencionadas), no es el argumento lo que sobresale en esta película. De hecho, poner del revés la premisa de “quién folla muere” en el cine de terror está más visto que disparar una pistola con la mano ladeada en una de acción. Lo que realmente le interesa al director es la puesta en escena, la creación de atmósferas, los mecanismos del suspense y la inquietud (algo que acabará pagando un poco al final con un decepcionante desenlace a nivel argumental). Desde el mismo título, ‘It Follows’ está impregnada por una sutil sensación de paranoia, de amenaza constante, pesadillesca, ante lo que se esconde en las profundidades del encuadre, a la espalda de los personajes. Ese es quizás el rasgo más distintivo y admirable de esta película: ser capaz de generar miedo por medio de la profundidad de campo. Mitchell, te seguimos de cerca. 8.

Tame Impala, teleñecos en penumbra

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Tame Impala cambian los hombres en 3d por los teleñecos en el otro vídeo que han rodado para este sencillo de ‘Currents’, su próximo disco. La excelente ‘Cause I’m A Man’ tiene ahora otro videoclip, etiquetado en YouTube como “Official Live Video”, en el que un grupo de marionetas sustituye a los cinco miembros de la banda, simulando una actuación en directo del tema. Aun así, no se dejan el toque característico psicodélico con proyecciones abstractas. La gracia ha sido dirigida por Dan Dipaola y Megan McShane.

El «LeónComeGamba» de Joe Crepúsculo termina bien

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crepusJoe Crepúsculo se suma a la moda de los programas de cocina tipo Masterchef. Su nuevo vídeo para el single muy apropiadamente llamado ‘A fuego’ plantea un concurso de espectadores para presentar un programa de cocina. La receta de la protagonista es un tanto LeónComeGamba, pero la cosa no acaba tan mal. Y el momento en que Joe Crepúsculo aparece por primera vez es totalmente impagable. No es precisamente mi canción favorita de ‘Nuevos misterios‘, pero sí la que se interpretó en Alaska y Segura esta semana, en compañía de Tomasito y Las Negris.

Joe Crepúsculo presenta este disco el 19 de junio en Ochoymedio junto a Tremenda Trementina y en julio en el FIB, entre otros lugares. Aquí, nuestra reciente entrevista con el artista.

Muaaka conecta a usuarios por gustos musicales en su «Pista de Baile»

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+Muaaka es el nombre de una nueva red social para aficionados a la música lanzada por un grupo de emprendedores de Barcelona este año, tras haber trabajado durante 2014 en su versión beta, recibiendo el feedback de usuarios, los llamados «muaakeros». En la actualidad, cuentan con 3.000 usuarios registrados y una gran intención expansiva (hoy son noticia en Finanzas.com)

Entre las funcionalidades de Muaaka está la búsqueda de usuarios por sexo, edad, localización, artistas y estilos musicales coincidentes e intereses personales. La idea es que la gente interactúe con otros usuarios con los mismos gustos: encontrar otros seguidores de los artistas favoritos de cada uno o asistir a un concierto acompañado (su calendario también funciona a modo de agenda donde sumarse como asistente).

Se pueden intercambiar mensajes o incluso crear un grupo de chat. Entre los artistas más seguidos de la red social, de momento están Coldplay, Arctic Monkeys, Nirvana y los Beatles. El registro es gratuito y funciona también por «Facebook Connect».

De momento, su lugar estrella parece lo que se denomina «La pista de baile», un muro en el que los usuarios comparten canciones favoritas (hoy por ejemplo hay quien sugiere temas de Major Lazer y China Crisis) o fotos de algún evento, en el caso de hoy, Black Keys en su concierto de anoche en el Primavera Sound.

Por otro lado, también sirve para ayudar a los artistas/grupos/Dj’s emergentes, dándoles la posibilidad de averiguar dónde está su público, así como compartir sus creaciones musicales con los soportes más estándar (Youtube, SoundCloud, MixCloud, Bandcamp), resultando algo parecido a esto (web de Years & Years).

Bilbao BBK Live 2015 agota entradas de sábado

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muse2015Bilbao BBK Live había anunciado recientemente que sus abonos y entradas de sábado estaban a punto de agotarse, mucho antes de la celebración del evento, del 9 al 11 de julio. Hoy se comunica a través de Facebook que efectivamente ya no hay entradas para el sábado (el día de Muse, Delorean, of Monsters and Men) y que quedan pocos bonos para los 3 días. Quien avisa no es traidor. Entradas, aquí.

Muse han publicado ya varios sencillos de su próximo trabajo, previsto para el 9 de junio, día en que cumple años Matt Bellamy.

The New Pornographers, en ‘París, Texas, Cuba’

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redwine‘Champions of Red Wine’ es una de las canciones más electrónicas contenidas en ‘Brill Bruisers‘, el disco que New Pornographers editaron el año pasado. Ahora se publica el correspondiente videoclip, dirigido por Cudmore + Leblanc, rodado en Cuba abiertamente como un homenaje a ‘Paris, Texas’ a través de este personaje que vemos destruido, acabado, borracho (en sintonía con el título de la canción).

El merchandising de Taylor Swift salva tres vidas

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taylor-1989Es una historia real de la que Taylor Swift se ha hecho eco en Twitter y recogida por The Guardian. La semana pasada, después de un concierto de la cantante en Louisiana, tres de sus fans sufrieron un accidente de coche. Conducía Elizabeth Dazzio un automóvil en el que viajaba con su hermana y una tercera persona, cuando se quedó dormida y estrelló su vehículo. Elizabeth quedó inconsciente y las otras dos chicas quedaron atrapadas, entre «olor a gasolina y humo».

Ningún coche que pasó después se paraba junto a “un poco de chatarra en el arcén” en la oscuridad, por lo que Caroline y su acompañante decidieron usar las pulseras reflectantes de Taylor Swift que habían comprado en la sección de merchandising del concierto para llamar la atención de los coches que pasaban. Así, terminaron siendo rescatadas por una mujer, que reconoció que le llamaron la atención las luces. Aquí, la historia original.

Una gran semana para Taylor Swift, que celebra su cuarto top 1 en Estados Unidos con su nuevo single junto a Kendrick Lamar, ‘Bad Blood’.

Primavera Sound 2015: 5 nombres que podrías haber ignorado (y no deberías)

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ghostofawhatEntre la vorágine de nombres imponentes como The Strokes, Ride, Sleater-Kinney o Tobias Jesso Jr que este fin de semana se concentran en el Parc del Fòrum y aledaños, en una nueva edición de Primavera Sound, suele haber algunos que pasan desapercibidos. Sin embargo, entre esos artistas encontramos algunos que ofrecen algo diferente a la tónica habitual, sorprendiendo y ayudando a abrir la mente, algo que subyace en el espíritu del festival desde sus inicios. Ahí van nuestras apuestas:

Rocío Márquez: En esa línea aperturista del Primavera Sound se enmarca claramente el nombre de Rocío Márquez, una cantaora flamenca que emergió en 2008 como ganadora de la Lámpara Minera en el mítico Festival de Las Minas. Desde entonces, ha publicado dos álbumes, el último de ellos, ‘El niño’, un disco rompedor que la ha elevado como mejor representante de unos jóvenes flamencos que cada vez apuestan más por la innovación. En su caso, en este álbum que rinde homenaje a Pepe Marchena, derriba con valentía las fronteras entre cante jondo, rock experimental y electrónica, de la mano de Niño de Elche (otro talento a tener en cuenta) y Raül Fernández Refree, que ha producido parte del álbum. Su actuación en el Auditori, el viernes 29 a las 16:00h, puede ser una feliz sorpresa para los más «madrugadores».

The Ghost Of A Saber Tooth Tiger: Este nombre complicadillo no es otra cosa que el parapeto del hijísimo Sean Lennon y su pareja, Charlotte Kemp Muhl. Juntos, y bajo la apariencia de glamurosos neohippies, el dúo y su banda debutaron en 2010 con un single producido por Mark Ronson y un álbum acústico, aunque en su primer miniálbum, ‘La Carotte Bleue’, daban paso a texturas electrónicas. Su puesta de largo discográfica tuvo lugar el pasado año con ‘Midnight Sun’, donde volvieron a trabajar con Ronson además de con Dave Fridmann. Canciones como ‘Animals’ o ‘Xanadu’ mostraban que el hijo de John y Yoko han alcanzado un espacio propio.

Fumaça Preta: Si entendemos que Primavera Sound 2015 es la edición dedicada a los Strokes, Little Joy serían la gran ausencia. Pero mucho más purista en su aproximación a los ritmos brasileños y tropicales, pasados en este caso por el funk y el garage, es la propuesta de este combo formado por integrantes de Portugal, Venezuela y Reino Unido. Alex Figueira, junto a Stuart Carter y James Porch, se estrenó con una versión de ‘The Witch’ de los Sonics, pero después triunfó con disco propio gracias a su sensualidad en constante danza con la locura (‘Pupilas dilatadas’, ‘Eu Era Um Cão’). Se les define como cruce entre los Fuzztones y Os Mutantes y también son válidos para fans de Guadalupe Plata y Pony Bravo. Tocan este viernes 29 a las 18:00h.

Miquel Serra: Miquel es una de las joyas perdidas que saludan desde Foehn Records, rescatado tras su colección de canciones autoeditadas entre 2009 y 2010. Tras un segundo álbum, en Primavera Sound presenta su disco del año pasado, ‘La felicitat dels animals’, en el que el folk volvía a encontrarse con la psicodelia a lo Animal Collective, con temas que dejan volar tanto la imaginación como ‘Secret’ y otros tan intimistas y llenos de pesadumbre slowcore como ‘Murada Mora’. Miquel Serra toca este viernes 29 a las 19.20h.

Pharmakon: Si alguien tenía la imagen del Primavera Sound como un lugar en el que se programaba música experimental y se ha decepcionado al ver a Interpol, que se pase este viernes por el Escenario Adidas para presenciar el show del proyecto de Margaret Chardiet, que ha titulado muy bien Pharmakon. Alaridos, gritos y vísceras (en la portada de su disco ‘Bestial Burdon’, editado por Sacred Bones) se encuentran en la propuesta de la neoyorquina, que lleva a los extremos el noise más estridente. No, no la han programado de día. Será a las 23.00.

El falso pene en la cara de Adam Levine, el meme de moda

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penededo

El mundo meme es imprevisible e inabarcable y puede surgir de cualquier sitio. Poco sospechaba Adam Levine de Maroon 5 que un anuncio suyo para una crema antiacné («proactiv», ojo) iba a traer tanta cola, literalmente.

El caso es que la foto con el dedo del artista señalando su cara ha sido utilizada como blanco de muchos usuarios que han tomado la iniciativa de convertir ese dedo en su propio pene. Con un simple movimiento y una foto, el dedo del cantante se transforma en el miembro del transeúnte de a pie apuntando directamente a la cara de Levine.

Gracias a que Joe Jonas se sumó a la causa, colgando una foto haciendo lo mismo en su cuenta de Instagram, la broma ha pasado a ser uno de los virales de moda. En esta web podéis ver una recopilación de usuarios y sus penededos.

Os recordamos que Maroon 5 actúan en junio en Madrid y Barcelona, ya con todo agotado.

Fun time last night at The Voice thanks Adam.

Una foto publicada por Jøe Jønas (@joejonas) el

Hilary Duff saca vídeo libre de Tinder para ‘Sparks’

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‘Sparks’ de Hilary Duff, que parecía que iba a ser una de las canciones del verano -silbidito mediante- pero que de momento nada, presentaba hace unos días un vídeo que era más bien un anuncio de Tinder, la aplicación de ligoteo. Estamos a favor del product placement si ayuda a realizar buenos vídeos, pero es que era muy malo y realmente aburrido.

Finalmente, casi dos semanas después, la mujer ha tenido la luz de sacar al mercado el vídeo «normal», en el que de hecho hasta incluso se oye la canción.

Disco Las Palmeras! / Asfixia

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AsfixiaNo resulta fácil, dadas las dificultades que vive hoy día la escena independiente de nuestro país, que un grupo sostenga un gran nivel creativo y artístico a lo largo de los años. Es el caso de Disco Las Palmeras!, la banda de los alrededores de Santiago de Compostela que ha publicado hace algunas semanas su tercer largo. Con ‘Asfixia’, álbum grabado con el productor Carlos Hernández (productor de TAB y Los Planetas, dos frecuentes referencias al hablar de esta banda) y publicado por su nuevo sello discográfico Sonido Muchacho, el trío logra la nada despreciable hazaña de que el impacto de su debut, ‘Nihil Obstat‘, y la solvencia de su continuación, ‘Ultra‘, no decaiga un ápice.

Más bien al contrario, su apuesta ruidista alcanza una consistencia inusitada, con unas baterías rocosas que sostienen unas feroces guitarras, que cada vez se encuentran más orientadas al drone. Es inevitable citar de nuevo a My Bloody Valentine como germen de su sonido, pero en realidad Disco Las Palmeras! dan aquí un paso adelante como revisionistas del shoegaze, situándose al nivel de bandas foráneas de similar ascendencia como HEALTH (‘Élites’) o A Place To Bury Strangers (‘En el agujero’). Lo que hacen los gallegos no es tremendamente novedoso, no, pero es que lo hacen muy bien.

A lomos de un sonido realmente abrasivo, en el que ganan peso los teclados y se aclara la voz, Disco Las Palmeras! han afinado además su olfato para las melodías pop, con Diego Castro desgranando en contraposición letras tan directas como pesimistas sobre el paupérrimo marco político-social que padecemos. Si en algún momento les habíamos demandado canciones más certeras, que les permitieran conformar un sólido repertorio de hits underground, temas como el aguerrido ‘Tarde y mal’ (con coros de Javier Molina, de Juventud Juché), el punk ‘Disparo’, el poliédrico ‘El final del círculo’ y el memorable crescendo de ‘Morir o matar’ son la respuesta adecuada. Y, al frente de todas ellas, se sitúa ‘Cállate la boca‘, para mí ya una de las canciones del año, destinada a convertirse en el punto álgido de sus directos, también gracias a una letra que podría estar dedicada a Mariano Rajoy, el Presidente oculto tras una pantalla de plasma.

Disco Las Palmeras! presentan ‘Asfixia’ este viernes día 29 de mayo, en la Sala El Sol de Madrid. Puedes consultar aquí el resto de conciertos previstos en su amplia gira nacional, que incluye una fecha como teloneros de The Horrors.

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘Cállate la boca’, ‘Morir o matar’, ‘Tarde y mal’, ‘Disparo’
Te gustará si te gusta: TAB, A Place To Bury Strangers, MBV
Escúchalo: Bandcamp, Spotify

Alessia Cara: mitad Lorde, mitad Portishead

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alessia-caraProbablemente vayamos bien servidos de revelaciones adolescentes cada año, pero nunca está de más analizar alguna nueva de la que todo el mundo habla. Es el caso de Alessia Cara, una joven de 18 años, natural de Canadá, que ha despertado el interés de medio mundo musical con su primer sencillo ‘Here’.

¿Y qué tiene ese tema para que incluso Pitchfork se haya rendido a su encanto y le haya dado un Best New Track? Para empezar la historia de una chavala que está en una fiesta en la que no quiere estar y relata todo lo que pasa desde una esquina mientras se pregunta qué hace allí. Un desencanto postadolescente que la enlaza directamente con Lorde.

Pero sobre todo, el gancho principal de ese ‘Here’ es el sample del famoso ‘Ike’s Rap’ de Isaac Hayes, que utilizaron Portishead y Tricky en mitad de los 90 y que casi fue la piedra angular sobre la que se construyeron y deformaron el trip hop y su subgénero, el chill out.

Ante el revival del género que protagonizó FKA twigs el año pasado con un trabajo que tomaba los sonidos de bandas de hace 20 años, no nos extraña que Alessia esté despertando tantas pasiones. Además, tiene detrás al sello Def Jam. Ya veremos cómo sobrevive al «hype», pero tiene todos los números para convertirse en la Lorde de este año.

Placebo: «Este veinte aniversario no es tan importante para nosotros»

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placeboPlacebo nos visitan este fin de semana con lo que creíamos que era su (temprana) manera de celebrar los 20 años de la salida de su álbum de debut, que vio la luz en 1996. Sí, «creíamos», porque por mucho que reeditaran dicho LP en la última edición del Record Store Day, dando más motivos para una gira de este calibre, nos contaba Stefan Olsdal, bajista/guitarrista de la banda que co-lidera junto a Brian Molko, que su visita a nuestro país sigue formando parte de la gira de ‘Loud Like Love’, su último álbum de estudio. Durante el resto de la conversación, parece que Stefan jugaba al despiste, dando importancia al aniversario y también quitándosela. De momento este 29 de mayo actuarán en Madrid y el sábado 30 en Málaga. Entradas, aquí.

Vais a estar de gira próximamente con motivo de los 20 años de vuestro debut. ¿Cómo surgió la idea? ¿Por qué, por ejemplo, no sucedió esto para celebrar veinte años del nacimiento de la banda?
Efectivamente, estamos de gira ahora mismo con nuestro último álbum, ‘Loud Like Love’, que salió en 2013 y Placebo hacemos una gira de dos años para cada disco. La gira terminará en diciembre y pasamos por España ahora, pero esto no es la gira del veinte aniversario, esto sigue siendo la gira de ‘Loud Like Love’.

¿Cuándo tendrá lugar esa gira, entonces? ¿Acaso va a tener lugar una gira así?
Sí, hay planes, pero no tenemos nada cerrado por el momento. El año que viene tendrá lugar el veinte aniversario de nuestro primer álbum y queremos hacer algo, pero no sabemos exactamente lo que vamos a hacer. En veinte años hay mucho más para celebrar que simplemente la música. Están los vídeos, las portadas, las fotos… queremos hacer algo especial, pero aún no sabemos qué será. Hay muchas cosas interesantes que podríamos hacer, David Bowie hizo aquí en Londres una exposición muy interesante, por ejemplo, en la que cubría todos los aspectos de su carrera. Con la tecnología de la que disponemos hoy en día, hay infinidad de maneras de enfocar lo que podríamos hacer, pero hoy por hoy no te lo puedo contar.

De todos modos, no parecía descabellado pensar que nos visitáis con un motivo así al haber reeditado vuestro debut en vinilo para el Record Store Day… Si los fastos no llegan hasta el año que viene, ¿por qué no habéis retrasado el lanzamiento?
Vamos a reeditar todos los álbumes en vinilo, saldrán cada cierto tiempo desde ahora hasta finales del año que viene. No queríamos sacarlos todos de golpe el mismo día. Queríamos sacar ‘Placebo’ ahora, porque el concepto del veinte aniversario no lo estamos llevando a rajatabla en general, si lo miras bien. Podíamos haber celebrado un veinte aniversario el año pasado, cuando se cumplieron veinte años del nacimiento de la banda o también este año, cuando se cumplen veinte años de la salida del primer single. Con esto quiero decir que no contemplamos este aniversario como cosa de un año, sino como algo que durará algo más.

Entonces de cara a hacer una gira, el repertorio abarcaría toda vuestra carrera, no solo el primer álbum…
Tendría que ser algo así, porque es muy complicado basar toda la gira en un álbum, sería una retrospectiva que cubriera todas nuestras canciones de éxito, una forma de evaluar todo lo que hemos hecho, también canciones que han podido caer en el olvido.

En caso de hacer algo como la exposición de David Bowie, ¿qué haríais?
Estamos recopilando un montón de material que ha quedado guardado después de tantos años, como entrevistas, grabaciones de conciertos y demás memorabilia, pero tal y como te he dicho, seguimos con la gira de ‘Loud Like Love’ y todo está por concretar aún.

Ahora que David está más o menos activo de nuevo, ¿habéis vuelto a hablar con él para volver a colaborar como hicisteis en ‘Without You I’m Nothing’?
Lo que hicimos con David fue algo muy especial y hemos seguido en contacto, pero no sé si sería tan especial si lo intentásemos de nuevo. No creo que volvamos a hacer nada, en realidad él no concede entrevistas ni da conciertos ahora mismo. Nos gustaría hacer algo con Kate Bush, pero su situación es más o menos la misma. Tal vez podamos colaborar con otros artistas.

Dado que estáis dedicando dos años a presentar ‘Loud Like Love’, ¿está cambiando el setlist en comparación con los comienzos de la gira?
Sí, ha habido cambios. En 2015 estamos recuperando una serie de canciones que hace cinco o diez años que no tocábamos.

¿Qué canciones echas más de menos y habéis recuperado o querrías recuperar?
Al haber remasterizado el primer álbum para su lanzamiento en vinilo, he tenido la oportunidad de volver a escucharlo con detenimiento. Hay canciones maravillosas que estamos volviendo a tocar, como ‘I Know’ o ‘Teenage Angst’, de la cual estamos tocando una nueva versión. Por ahora no sé si tocaremos más de aquella época.

«El chico de la foto del primer disco no me da ninguna pena, al final no se trata de que le arruináramos la vida por haber salido en la portada, todo se trataba de obtener algo a nuestra costa, ya fuera popularidad o dinero. Nos quiso chantajear. Acabó saliendo en un concurso de la tele»

¿Le has llegado a coger manía a aquel debut por los problemas legales que habéis tenido con la portada?
No, no le tengo manía. Es un tema un poco complicado, es algo en lo que también está envuelto el fotógrafo y en todo caso nosotros no teníamos ninguna responsabilidad legal por entonces. Fue la discográfica quien se encargó de la foto. El chico de la foto no me da ninguna pena, al final no se trata de que le arruináramos la vida por haber salido en la portada, todo se trataba de obtener algo a nuestra costa, ya fuera popularidad o dinero. Nos quiso chantajear. Acabó saliendo en un concurso de la tele en el que, entre otras personas, los concursantes tenían que adivinar quién era el chico de la portada. En todo caso, no estoy enfadado, no me lo he tomado como algo personal. No es la primera vez que acabamos en un juzgado, ya tuvimos problemas legales con uno de nuestros baterías. Cuando estás en una banda como Placebo, con el estatus que tenemos, estas cosas pasan.

Terminando como terminasteis con Steve Hewitt, no parece muy posible que pudiera volver a Placebo, ahora que estáis próximos a una celebración, ¿no?
En un mundo ideal, sería genial si Steve volviera, pero casi acabamos en juicio con él y fue una verdadera pena, porque al final quien saca mayor beneficio son los abogados. Aun así, no quiero hacer mala sangre, no quiero recordar estas cosas con resentimiento. Ojalá que en un futuro podamos llevarnos bien de nuevo, no es algo imposible, porque, por ejemplo, he vuelto a tener relación con Robert Schultzberg, nuestro primer batería, así que tal vez suceda algo similar con Steve. Estas cosas pasan en los grupos y hay que seguir adelante, Brian y yo seguimos aquí y tenemos muchas ganas de continuar con la banda, de mirar hacia el futuro. No nos interesa tanto mirar hacia atrás, por eso este veinte aniversario no es tan importante para nosotros. Lo que de verdad queremos hacer es ponernos a escribir nuevos temas, eso es lo que nos mantiene con ganas y con interés.

Con esto que me cuentas, no tengo muy claro qué os depara el futuro… ¿a qué vais a dedicar el año que viene? ¿veinte aniversario? ¿un nuevo álbum?
Seguramente habrá conciertos y alguna cosa más, ya te digo que no hay nada fijo por ahora, pero sea lo que sea, será algo breve que nos permita ponernos enseguida con un nuevo álbum.

Para terminar, ¿qué tal va tu proyecto con Digital 21?
Tenía muchas ganas de trabajar con él, lo que estamos haciendo es muy electrónico, muy diferente a lo que hago con Placebo. Pensaba que Placebo éramos oscuros, pero él nos gana. Dimos un concierto en Madrid y hemos sacado un single. También vamos a ser teloneros en los conciertos de Placebo en Málaga y Madrid, con un cuarteto de cuerda. Es algo muy emocionante, llevaba años queriendo hacer esto, me encantó su trabajo con Ana Curra.