Solo unos meses después de la publicación de ‘Cabello de ángel, tocino de cielo’, el último disco de Remate, su autor tiene nuevo material que presentar al mundo. Se trata de ‘Megafonía’, un nuevo EP de cuatro canciones que edita hoy Relámpago compuestas «a partir de algunos acontecimientos personales que se suceden tras la publicación ‘Cabello de ángel, tocino de cielo'». Remate considera este EP una secuela de aquel largo. Remate ha grabado ‘Megafonía’ en el estudio ZTA con su co-productor Carlos Toronado.
La nota de prensa escribe: «se trata de un EP de cuatro canciones, un disco «a tiempo real» en el que la vida se mezcla con la obra artística y ambas se retroalimentan. Remate se apoya más que nunca en la escritora Alison Bechdel y decide sumergirse en la vertiente supuestamente artística del drama». Atención a la emotiva canción principal, ‘Megaonía’, pero también a la musicalidad atemporal de ‘Trampas japonesas de pulpo’, en el que Remate canta sobre un «pájaro rojo de plumas negras que agoniza en Hawaii, baila como Prince y canta como Boy George».
Remate dedica ‘Megafonía’ a su madre y también al cantautor Luis Eduardo Aute, en coma actualmente en el hospital Gregorio Marañón de Madrid tras sufrir un infarto hace unas semanas.
Fira Fem, el dúo de Madrid compuesto por Óscar de la Fuente (voces, guitarras, sintetizadores) y Manuel Cachero (programaciones, sintetizadores, samples), edita nuevo disco este 23 de septiembre, ‘Vida nueva’, a través de Subterfuge. Es un largo que representa precisamente eso. En ‘Vida nueva’, el grupo ha abandonado las guitarras y baterías presentes en sus anteriores trabajos y se ha entregado definitivamente a la electrónica que solo parecía sugerida en su primer disco, ‘Aedificatoria’. Según la nota de prensa, ‘Vida nueva’ se desarrolla a medio camino entre la electrónica de The Field y el «vaporwave» pero con el «concepto de canción muy presente».
‘Vida nueva’ es también el disco «más personal y sincero que la formación ha publicado hasta la fecha», indica esta nota. «Por diferentes circunstancias era casi imposible que este disco naciera en otro espacio que no fuera la intimidad de una habitación, donde la labor de producción ha sido realizada y cuidada hasta el más mínimo detalle en todo momento por el propio grupo. La voz de Óscar se mantiene a lo largo de las ocho canciones, filtrándose entre una suerte de neblina acústica, se muestra lo suficiente como para hacernos entender que atrás quedaron la abstracción conceptual y las bromas a costa del rock’n’roll way of life de antaño».
El primer adelanto del álbum es ‘Bromas’, una canción de melodía pizpireta y paisajes electrónicos brumosos y ensoñadores que estrenamos en JENESAISPOP. Priman los sintetizadores en esta canción de guitarras prácticamente sugeridas y subacuáticas en el que el dúo comparte un mensaje críptico pero simple: «bromas, que no sabes lo que dije / todo lo que me diste / todo eran bromas».
¿Os acordáis de cuando Scarlett Johansson cantaba? Sacó no uno sino dos discos, el primero de versiones de Tom Waits, ‘Anywhere I Lay My Head’, y el segundo de canciones inéditas inspirado en los duetos Serge Gainsbourg y Brigitte Bardot, ‘Break Up’. Hace tiempo de eso -‘Break Up’ salió en 2009- pero Johansson no ha abandonado la interpretación musical. La actriz es una de las artistas invitadas en ‘The Time is Now’, el nuevo disco de versiones de éxitos de los 80 que la organización amfAR ha recopilado para su lucha contra el sida. Scarlett versiona ‘Bizarre Love Triangle’ de New Order junto a su banda Sugar for Sugar, compuesta también por Julia Haltigan, Holly Miranda y Kendra Morris, y con la que ya interpretó el tema en directo en Brooklyn el año pasado tal y como informa MondoSonoro (¿no se llamaba The Singles e incluía a Este de Haim?). Es la canción que inspiró el nombre de Triángulo de Amor Bizarro.
Además de Johansson, aparecen en el disco Phantogram versionando a Phill Collins, DNCE versionando a Tina Turner, Chaos Chaos y Slow Magic versionando a Tom Tom Club o incluso Sébastien Tellier junto a Dita Von Teese versionando a Culture Club. No suena mal, ¿verdad? amfAR escribe que es un «gran ejemplo de nuestra larga relación con la industria de la música y nos sentimos profundamente agradecidos a los artistas que han donado su tiempo y talento para su creación». «Con apoyo continuo a la investigación del VIH, estamos seguros de que encontraremos una cura finalmente para las millones de personas que viven con VIH/sida actualmente».
‘The Time is Now’ sale el 7 de octubre. Este es su tracklist:
“Take Me Home” (Phil Collins), Performer: Phantogram
“Bizarre Love Triangle” (New Order), Performer: Sugar for Sugar
“Under The Milky Way” (The Church), Performer: Metric
“Whip It” (Devo), Performer: Brazilian Girls
“Rio” (Duran Duran), Performer: Bebel Gilberto
“What’s Love Got to Do With It” (Tina Turner), Performer: DNCE
“Billie Jean”(Michael Jackson), Performer: Aloe Blacc
“Do You Really Want to Hurt Me” (Culture Club), Performer: Dita Von Teese and Sebastien Tellier
“Maneater” (Hall & Oates), Performer: Lower Dens
“Genius of Love” (Tom Tom Club), Performer: Chaos Chaos and Slow Magic
“I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me)” (Whitney Houston), Performer: Marian Hill
“Pride (In the Name of Love)” (U2), Performer: LP
“Lovesong” (The Cure), Performer: Yuna
“Dance Hall Days” (Wang Chung); Performer: Theophilus London
Esta semana, al fin, llega el nuevo disco de AlunaGeorge. ‘I Remember’ sale el 16 de septiembre y del mismo hemos escuchado ya varios adelantos. El primero de ellos era el fresquito dancehall de ‘I’m in Control’ con Popcaan y después llegaban a las plataformas de streaming ‘I Remember’, ‘My Blood’, ‘Mean What I Mean’ y ‘Mediator’, que entre los ritmos tropicales con sabor a helado de limón de moda de unos y el R&B sofisticado y sensual de otros perfilan un disco variado y lleno de buenas canciones.
El grupo sigue desgranando el disco y ha estrenado un tema nuevo en la radio británica. Es la pista 3, ‘Not Above Love’, una composición que fusiona ritmos hip-hop con guitarras reggae y en le que destaca la sección de vientos metal, más prominentes que en ningún tema de AlunaGeorge hasta el momento. La canción, por su parte, sitúa a Aluna «colocada» de un amor tóxico. «Normalmente no tomo una sobredosis / pero tú eres un viaje que tenía que hacer», canta. «Me llevas a un lugar lejos de aquí / a otra atmósfera / estoy tan colocada que no puedo respirar / y me he estado aguantando».
Este es el listado de canciones de ‘I Remember’. Con ‘Not Above Love’ os dejamos:
‘I Remember’:
01 Full Swing (feat. Pell)
02 My Blood (feat. ZHU)
03 Not Above Love
04 Hold Your Head High
05 Mean What I Mean
06 Jealous
07 I’m In Control (feat. Popcaan)
08 I Remember
09 In My Head
10 Mediator
11 Heartbreak Horizon
12 Wanderlust
Entre los 10 libros que recomendábamos para leer estas vacaciones estaba ‘Cocaína’, el debut de Daniel Jiménez. Enmarcado dentro de la «autoficción», el libro recoge un año en la vida de un joven de Madrid adicto a la cocaína hasta el patetismo. Dadas las citas musicales del libro -a Wilco, Radiohead y muy especialmente a Rufus Wainwright y un concierto de este en lo que termina siendo una de las cumbres narrativas del libro- hemos pasado a Daniel nuestro «Tipo Test». Foto: Alicia Blanco.
¿Tienes canción favorita de todos los tiempos? En caso negativo, ¿una canción que te haya obsesionado últimamente?
Elegir una sola canción «de todos los tiempos» me parece muy arriesgado. Eso sí, la canción que más me ha marcado en «los últimos tiempos» ha sido sin duda ‘Weird Fishes’ de Radiohead. Durante la escritura de ‘Cocaína’ la escuché cientos de veces, me ayudaba a sentir que al final del camino habría algún tipo de recompensa. La letra, o así la entendía yo, habla de las oportunidades y de la posibilidad de salir a flote después de tocar fondo.
¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
Casi todas las canciones de Los Pekenikes me recuerdan intensamente los mejores tiempos de mi infancia.
¿Qué canción desearías haber escrito?
En alguna canción de Nacho Vegas he reconocido a posteriori un estilo literario similar al que he utilizado yo en algunos relatos. Pero si tengo que elegir, hubiera preferido escribir casi cualquier canción de The Beatles o The Doors.
«Mucha de la música indie española que copa los programas de Radio 3 me aburre soberanamente»
¿Qué canción odias con toda tu alma?
Mi odio no llega tan lejos, pero mucha de la música indie española que copa los programas de Radio 3 me aburre soberanamente.
Actuación vocal que adores.
El concierto de Rufus Wainwright que se menciona en ‘Cocaína’ fue uno de los momentos más catárticos de mi vida como espectador musical, tanto por la sinuosa voz de Rufus como por la orquestación que la acompañaba.
Momento musical exacto de una canción que adores.
Por ejemplo, cuando entra la batería en ‘Stairway to Heaven’ y la canción empieza a crecer hasta alcanzar el éxtasis.
¿Alguna canción que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure»?
He de reconocer que durante una época, corta y extraña, de mi adolescencia, disfruté cantando alguna canción de Maná (sic).
¿Mejor secuencia de canciones en un disco que hayas oído?
Las cinco canciones que abren el primer disco de Arcade Fire, ‘Funeral’, me parecen de una solidez tremenda. De hecho, todo ese disco me vuelve literalmente loco. Me ocurre lo mismo con algunas secuencias de canciones de varios discos de Wilco.
¿Algún disco que te encante pero cuya secuencia te parezca un desastre?
No estoy capacitado para responder a eso. Al fin y al cabo elegir el orden de canciones responde a cuestiones precisas y particulares cuyas motivaciones están en la cabeza del artista o de la banda, y eso hay que respetarlo, aunque a veces no lo compartamos.
¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
Imagino que escribir una canción perfecta es tan difícil como escribir un cuento perfecto, o más bien un poema, sólo que una canción además está acompañada por la melodía, que al final es la que otorga a la letra la capacidad para trascender y convertirla en única e irrepetible. Sin embargo, no soy capaz de saber por qué una canción se convierte en un clásico, más allá de por la consideración general que le otorgamos los oyentes. Los ingredientes de la poción mágica siempre son un secreto para los profanos, y es mejor que sea así.
Un remix que te haya vuelto loco/a
Prefiero hablar de versiones. Por ejemplo, la versión que hace Hot Chip de ‘Dancing in the Dark’ de Springsteen y que termina con el principio de ‘All my Friends’ de LCD Soundsystem (tema que también ha versionado magistralmente Franz Ferdinand), y que me parece insuperable (All my friends) por su intensidad, su mensaje y su progresión casi épica.
Uno de los éxitos pop más improbables de 2016 ha sido ‘Needed Me’ de Rihanna, un hit nada obvio a primera escucha que ha terminado conquistando al público gracias a su siniestra sensualidad obra de un DJ Mustard en estado de gracia. Vuelve a ser el caso con ‘Mood Ring’ de Britney Spears, el «bonus track» japonés de ‘Glory’, que acaba de filtrarse a la red.
Efectivamente encontramos a DJ Mustard tras esta oscura producción en la que Spears canta sobre el vaivén de sus emociones y sobre las diferentes versiones de sí misma que esconde su personalidad. «Me miro en el espejo», canta. «¿A quién veo? / ¿Quién quiero ser hoy? / Si vinieras a un concierto, ¿qué papel cogería?» Por su parte, la composición es de Melanie Fontana y Jon Asher. La primera ha compuesto para artistas surcoreanos como Girl’s Generation o Tiffany Hwang y el segundo para la también surcoreana Kim Tae-yeon o para Bonnie McKee, a su vez compositora de Katy Perry o la misma Britney. Ambos comparten una composición, ‘Fool’s Gold’ de Aaron Carter. Parece que ‘Mood Ring’ es la más importante de su carrera hasta el momento.
En una entrevista a Popcrush, Fontana ha revelado que ‘Mood Ring’ era la canción favorita de Britney para el disco y que Asher y ella se sorprendieron al descubrir que había sido relegada a canción de regalo para su edición japonesa. Tanto sus compositores como DJ Mustard y seguramente Britney, sin embargo, parecen coincidir en que es un éxito en potencia. Si ‘Needed Me’ lo ha petado, ¿por qué no ‘Mood Ring’? ¿O se va a quedar en la larga lista de buenas canciones de Britney que solo han sido «bonus track»?
Uno de los formatos estrella de Cuatro, ‘Granjero Busca Esposa’, acaba de volver a nuestras pantallas. Pero lo ha hecho con una terrible decepción: Mediaset ha prescindido de lo que conformaba el 50% del atractivo del programa, Luján Argüelles. La presentadora asturiana ha sido sustituida por un Carlos Lozano reforzado gracias a la popularidad ganada tras su paso por Gran Hermano VIP.
El problema es que el cambio de liderazgo no ha sentado nada bien a la emisión. Con la despedida de Luján, ‘Granjero Busca Esposa’ también ha perdido parte de su encanto. El humor socarrón del que solía hacer gala Luján, las preguntas perfectas en el momento adecuado y el comentario punzante a los participantes eran una seña de la casa. Todo eso, lo más interesante, ha dejado paso a un tufo ‘Sálvame’ que no termina de encajar. ¡Pero si hasta han llevado un polígrafo!
Pese a todo, parece que los redactores han estado bastante finos con el casting, que es el otro 50% del atractivo del programa. Si bien muchas situaciones están forzadas a través del guion, o desvirtuadas a base de la edición, es fundamental que los participantes sean naturales frente a la cámara, y en eso estos se llevan la palma. Entre el vasco que es de esos vascos que ya no se hacen (con Rh negativo y todo, seguramente), la granjera con nombre de tonadillera, el terrateniente forrado y el cabrero hipster, los participantes pueden dar mucho juego.
Aun así, por favor, Luján, vuelve y pon orden en este dislate. Necesitamos ese comentario puntilla a cada expulsión.
Calvin Harris ha arrasado en listas este verano con ‘This Is What You Came For’, su reciente colaboración con Rihanna, con quien triunfaba hace unos años con ese gran clásico del pop bailable de nuestros tiempos que es ‘We Found Love’, y anteriormente con ‘How Deep is Your Love?’ junto a Disciples. ¿Pero qué es de su nuevo disco?
Hace ya dos años de ‘Motion’, el último álbum de Harris, y parece que es momento de darle continuación. El productor escocés ha acudido hoy a Twitter para darnos una pista sobre este nuevo largo y parece que podría estar muy cerca. Harris ha subido una portada, que corresponde con el arte de ‘This Is What You Came For’; un título, ‘My Way’, y una fecha, el 16 de septiembre, que es este viernes. ¿Single? ¿Disco? Habrá que esperar unos días para averiguarlo.
Mientras se ha ocupado de su propio disco, Harris no ha dejado de colaborar este año y ha producido el último sencillo de John Newman, ‘Olé’. También ha sido un 2016 movido en lo personal para Harris, pues en junio rompía con Taylor Swift. ¿Habrá referencia a esta relación en su nuevo material?
Vuelve Lower Dens. El grupo liderado por Jana Hunter, posiblemente el mejor que ha producido Baltimore desde Beach House y Animal Collective, ha editado hoy nuevo single y vídeo, ‘Real Thing’. En ninguna parte se indica que esto sea el adelanto de un nuevo álbum, pero parece que la continuación de ‘Escape from Evil’ estaría más cerca de lo que pensábamos. El vídeo ha sido dirigido por SSION, que ya se encargó del vídeo de Lower Dens para ‘To Die in L.A.’ Este retrata a Hunter interpretando la canción con filtros anticuados propios de la televisión de los 80.
En nota de prensa recogida por Paper, Hunter detalla que ha escrito ‘Real Thing’ junto a su amigo, el músico Arthur Bates, con quien asegura haber mantenido una relación «larga, intensa y caótica» a lo largo de los años que ha desembocado en una realidad mutua «llena de melancolía, abandono sin temor y un sentido del humor negro muy travieso». «En todos los años que nos conocemos nunca hemos escrito una canción juntos», ha dicho, «y escribimos ‘Real Thing’ con ese propósito, en Houston, donde nos conocimos».
Hunter indica que Bates y ella terminaron la canción en una hora y que está inspirada en una columnista de la revista Oui que parecía «realmente dividida entre su marido y su deseo de follarse a todo el mundo». «Me siento totalmente identificada con este tipo de egoísmo, con esa cosa que todos sabemos de nosotros mismos y nos es casi imposible reconocer», indica. «Estas luchas que son internas pero al mismo tiempo universales me dan ganas de llorar. ¿Qué pasaría si pudiéramos reconocer todos esos defectos, aceptarlos y resolvernos sin juzgarnos entre nosotros? ¿Quién quiere esa miseria? ¿Esa alienación? ¿La avaricia que atormenta a generaciones de represión? ¿Los celos, la opresión y la injusticia que vienen después? Si eso es la realidad, paso de formar parte de ella. O, como mínimo, así es como me dejo sentir de vez en cuando hasta que me doy cuenta de que amo a la gente y de que formo parte de una comunidad de seres humanos y de que tengo que poner mi grano de arena para que las cosas vayan mejor para todo el mundo. Parece mucho pero, para mí, todo esto está en esta canción».
En los últimos años, Celica XX se ha convertido en una de las bandas con más futuro de Madrid, entre otras razones, gracias a su impresionante directo, uno de los mejores de la ciudad. El grupo, compuesto por Guillermo Vázquez (guitarra y voz), María López-Domínguez (teclados), José Ángel Peregrín (bajo), Hoffa M.M. (guitarra noise) y Miguel Sánchez (batería), practica un rock con influencias noise y shoegaze melodioso y subyugante que se materializó con grandes resultados en su primer álbum, ‘Niños luchando’, que contenía canciones tan buenas como ‘Veneno por Navidad’ o ‘Tundra’.
Tres años después de la edición de aquel disco, Celica XX edita hoy su segundo largo, ‘Ultraviolencia’ (no ha esperado al día de lanzamientos oficial, viernes, para hacerlo) en las plataformas de streaming. La edición física será en formato vinilo y saldrá a finales de septiembre. El grupo ha grabado el álbum con Juan Pedro Miranda en los estudios Input de Madrid, Laro Basterrechea (Holy Science, Sol y Sombra, Sangre) lo ha producido y Diego Castro de Disco! Las Palmeras o Lucía Escudero de My Expansive Awareness han colaborado. El álbum contiene el single ‘Los innombrables’, que estrenamos en JENESAISPOP el pasado mes de abril.
La nota de prensa de Analog Love Records describe ‘Ultraviolencia’ como un disco en el que el grupo «se mueve en sus ya conocidas atmósferas shoegaze y psicodélicas que evolucionan hacia una concreción más contundentemente ruidista y distorsionada». «En ese ambiente», continúa, [en el álbum] se posicionan las melodías fluctuantes inspiradas en la psicodelia de principios de los setenta de canciones como ‘En tu sangre’ -más apacible- o la sensual ‘Autodestructivas’, para romper con la (ultra)violencia noise que enmascara las cadencias más pop de canciones como ‘Rey Hielo’ o ‘Nuevo amanecer'».
Celica XX presentará ‘Ultraviolencia’ el 29 de octubre en la sala Siroco en Madrid en el marco de un concierto llamado University of Noise en el que también actuarán tres bandas referentes del noise nacional actual, estas son, Univers, Noise Nebula y Neu Matter.
El próximo 21 de octubre, ISO/RCA Records editará ‘Lazarus’, un nuevo disco doble que recopila las canciones de David Bowie que suenan en el musical teatral ‘Lazarus’ estrenado el año pasado en Nueva York. El álbum incluye clásicos del fallecido músico como ‘Changes’, ‘Heroes’, ‘The Man Who Sold the World’ y ‘Sound and Vision’ así como ‘Lazarus’, el último single de Bowie, además de ‘Lazarus’ y las tres últimas grabaciones del músico, estas son, ‘No Plan’, ‘Killing A Little Time’ y ‘When I Met You’.
El musical, dirigido por Ivo van Hove (‘Dexter’) con texto de Enda Walsh, es una puesta en escena teatral de ‘The Man Who Fell to Earth’, la película de Bowie de 1976. Podrás verlo en Londres en el Kings Cross Theatre partir del 25 de octubre hasta el 1 de enero.
Bowie falleció el pasado mes de enero a causa de un cáncer. Su último disco, ‘★’, es uno de los más vendidos del año y fue, sin duda, su último golpe maestro.
CD 1:
1. Hello Mary Lou (Goodbye Heart) – Ricky Nelson
2. Lazarus – Michael C. Hall & Original New York Cast of Lazarus
3. It’s No Game – Michael C. Hall, Lynn Craig & Original New York Cast of Lazarus
4. This Is Not America – Sophia Anne Caruso & Original New York Cast of Lazarus
5. The Man Who Sold The World – Charlie Pollack
6. No Plan – Sophia Anne Caruso
7. Love Is Lost – Michael Esper & Original New York Cast of Lazarus
8. Changes – Cristin Milioti & Original New York Cast of Lazarus
9. Where Are We Now – Michael C. Hall & Original New York Cast of Lazarus
10. Absolute Beginners – Michael C. Hall, Cristin Milioti, Michael Esper, Sophia Anne Caruso, Krystina Alabado & Original New York Cast of Lazarus
11. Dirty Boys – Michael Esper
12. Killing A Little Time – Michael C. Hall
13. Life On Mars – Sophia Anne Caruso
14. All The Young Dudes – Nicholas Christopher, Lynn Craig, Michael Esper, Sophia Anne Caruso & Original New York Cast of Lazarus
15. Sound And Vision – David Bowie
16. Always Crashing in the Same Car – Cristin Militia
17. Valentine’s Day – Michael Esper & Original New York Cast of Lazarus
18. When I Met You – Michael C. Hall & Krystina Alabama
19. Heroes – 4:43 – Michael C. Hall, Sophia Anne Caruso & Original New York Cast of Lazarus
CD2:
1. Lazarus – David Bowie
2. No Plan – David Bowie
3. Killing A Little Time – David Bowie
4. When I Met You – David Bowie
A Band of Bitches es una sociedad secreta de México con conexiones en la Rusia de Mijaíl Gorbachov, el antiguo Egipto y el mundo alienígena. «¿Serán humanos?», pregunta la nota de prensa. «¿Tendrán relación con los denominados “antiguos astronautas”? ¿Nos estarán vigilando? De acuerdo a los hallazgos, los expertos opinan que esta sociedad secreta planea hacerse pasar por una banda de rock para tomar control de los humanos y así llegar a todo tipo de culturas mundiales. La última pregunta es: ¿qué planes tienen con nosotros? ¿Será nuestro fin como predijeron los mayas? ¿O será el inicio de una nueva era?»
En realidad, A Band of Bitches no es una sociedad secreta… pero sí un grupo con misterio. Sus integrantes responden a nombres inventados y son Ushka Rappat, Fuk Dude, Soda Popinski, FX, Faceless Bastard, Cliftoris y Antillano. Esta enigmática formación, procedente no de Rusia ni de Egipto ni de Marte sino de México (el mundo ya es suficiente alienígena de todas formas), alcanzaba la fama en Estados Unidos y México en 2012 con la edición de su single, ‘Noreste caliente’, incluida en su álbum debut, ‘The Pre End of the World Soundtrack’, gracias al que ha compartido escenario con grupos como The Smashing Pumpkins, Fall Out Boy o Panic! at the Disco.
Para A Band of Bitches, el «fin del mundo» suena a fiesta, a guateque sesentero de los buenos, como sugiere ‘Noreste caliente’ y otros ‘Mambo en trompeta para ti’ o la más psicodélica ‘Love in Gaza’. A eso mismo suena, de hecho, su nuevo single, ‘Ulalá’, que adelanta el segundo volumen de su EP ‘Chingadazos musicales’, previsto para este año, y cuyo vídeo estrenamos en JENESAISPOP para España. ‘Ulalá’ es más suave que los singles anteriores del grupo, sin embargo, su vídeo retrata un ritual satánico que encaja perfectamente con el concepto de A Band of Bitches. Porque que las apariencias engañan es una de las grandes verdades de la vida.
«Ha sido más fácil juntar a Bisbal y Chenoa que formar gobierno». Esta es la gran verdad que comparte una persona en Twitter hoy en referencia a la última foto que David Bisbal ha publicado en Instagram. Esta retrata el primer encuentro del autor de ‘Tú y yo’ con Chenoa desde su ruptura en 2005. Foto hito donde las haya.
La imagen es a propósito del reencuentro de los participantes de la primera edición de Operación Triunfo para un concierto el próximo 31 de octubre en el Palau Sant Jordi. Bisbal, que edita single pronto, no ha querido dejar de expresar en Instagram su alegría por este encuentro. «Este fin de semana fue uno muy especial», ha escrito. «Un reencuentro único donde hablamos sobre el concierto que se celebrará el 31 de octubre en el Palau San Jordi de Barcelona. Quiero decir que me lo pasé muy bien, que para mí fue un encuentro emotivo y que seguro que así lo va a sentir la gente que vea todo lo que estamos preparando para este 15 aniversario. Gracias Javian, Chenoa, Rosa y David por esta foto para el recuerdo. Ha sido un placer volver a coincidir con vosotros».
Chenoa editaba disco este año, ‘Soy humana’, que no ha funcionado demasiado bien en listas ni siquiera después de la portada de la cantante para Interviú.
Por su parte, Bisbal ha sido noticia esta semana también por su inenarrable encuentro con Diplo en la sala Razzmatazz de Barcelona, donde el DJ pinchó este fin de semana.
Kim Gordon, ex integrante de Sonic Youth y mitad actualmente de Body/Head junto a Bill Nace, con quien editaba álbum en 2015, ‘Coming Apart ’, ha sacado un single en solitario titulado ‘Murdered Out’ que suena tan oscura como parece. El tema es una colaboración con el productor Justin Raisen y la batería Stella Mozgawa, integrante de Warpaint y del nuevo grupo de Lykke Li.
La inspiración de ‘Murdered Out’ ha sido, en palabras de Gordon recogidas por Rolling Stone, el pulverizador de negro mate utilizado en un gran número de automóviles de Los Ángeles. Según Gordon, este acabado representa una «manera subliminal de excluirte de la cultura». «[El «spray» negro mate] contiene una intención restrictiva, reclama algo brillante, fetichista, que una vez fue un motor esencial de la producción americana y parte de la cultura de Los Ángeles como es el coche», ha indicado la artista. [«El negro mate»] comunica que ya no hay nada en la cultura popular para ti».
Si esta reflexión te parece sesuda (e interesante), atiende a lo que Gordon tiene aún que decir sobre el pulverizador negro mate utilizado en los coches de Los Ángeles. La cantante lo compara con la opción «ninguna de las opciones anteriores» presente en una papeleta de votación. «[El negro mate] es la expresión última de la excavación del alma, de su abandono y purificación», señala. «Como un agujero negro, el negro mate es la mirada introspectiva suprema, una cultura que se derrumba por sí sola».
Róisín Murphy sigue a su bola (por eso la amamos) y ha sacado un vídeo para ‘Whatever’, la inquietante nana incluida en su último disco, ‘Take Her Up to Monto’. ‘Whatever’ es un single extraño principalmente porque su melodía no es tan atractiva. En el contexto del álbum parece más bien un interludio entre dos de sus canciones más potentes, ‘Ten Miles High’ y ‘Romantic Comedy’.
Mientras se decide a hacer un vídeo para la canción favorita de los fans por excelencia de su disco, ‘Thoughts Wasted’, Murphy se ha vuelto a poner tras las cámaras para el vídeo de esta canción, que se sirve de la estética urbana escogida para la promoción del álbum (lo que incluye su curiosa portada) para reflexionar sobre la comunicación virtual en 2016. En Londres, de camino al trabajo (o de vuelta a casa), Murphy no ve caras sino «emojis» y tanto el puntero de Google Maps como las máscaras animales de Snapchat son una realidad física más con la que Murphy (y todos nosotros) lidia rutinariamente.
Aunque la idea está bien no podemos dejar de pensar que el resultado le ha quedado a Murphy un poco «whatever». Poquito vamos a ver este vídeo al contrario de lo que sucedía con los correspondientes a ‘Exploitation’ y ‘Evil Eyes’ del disco anterior. ¿Y de verdad se va a quedar ‘Mastermind’ sin vídeo como sucedió con ‘Gone Fishing’? ¡Róisín, soluciona esto ya!
Autoplacer pasa por ser una de las iniciativas culturales más excitantes del panorama madrileño. Se trata de un concurso de maquetas, del que ya os hablábamos hace unas semanas, que culmina con un festival gratuito celebrado en el Centro de Arte 2 de Mayo de Móstoles. Una propuesta que, felizmente, parece estar ya muy consolidada. Prueba de ello es la estupenda selección de bandas nacionales que acaban de anunciar para su edición 2016. Las bandas que encabezan el cartel son Juventud Juché (autores de ‘Movimientos‘, ya uno de los discos del año en el panorama estatal), Aries (que presenta ‘Adieu or Die‘) y los estupendos Papaya, encabezados por Yanira Espinoza.
A ellos también se suman Esmeraldo, interesantísimo proyecto personal de Santigo Castillo (Templeton) en el que también participa Elisa Pérez (Caliza) y los gallegos Alarido Mongólico, que nos dejaron bastante flipados con su single homónimo del año pasado (y que este han lanzado ‘Canción de amor (para Maider)‘). Se completa el cartel con Salfumán, Döppeltganger, Alberto Acinas y Captains (nuevo proyecto de Fee Reega). Además, se acaba de anunciar la novedad de un nuevo escenario llamado Pista de Baile, que está programado por Valle Eléctrico y Abismal. Todas estas actuaciones tendrán lugar el día 1 de octubre y, como decíamos, serán gratuitas. el video-flyer del evento, en el que participan muchos de los artistas implicados, no tiene pierde.
Ahora que M.I.A. dice que ya no publicará más discos, aunque sí más música -y no ha sido una sorpresa después de lo accidentado del lanzamiento de ‘Matangi’ y de este mismo disco, lo suyo desde luego no es lidiar con discográficas-, es buen momento para recordar cuán importante ha sido su voz en el mundo de la música durante los últimos 11 años. Ha sido sin duda una de las más críticas con la política internacional, cuestionando en todo momento los valores de la cultura occidental, ejerciendo de puente entre las clases y razas más desfavorecidas y el entorno más inquieto del pop internacional. Choca y mucho recordar que Diplo fuera su pareja, por mucho que haya habido reconciliación para un remix de un tema de este álbum, pues sus caminos no han podido terminar siendo más adversos. Puedes ver a M.I.A. en una campaña de H&M o dándose un baño de masas en el Festival de Benicàssim, pero Diplo ni es amigo de Julian Assange ni el enemigo número 1 de Google ni publicará jamás un disco defendiendo la causa de los refugiados, como es este ‘AIM’.
En lo musical, han sido varias las ocasiones en que M.I.A. ha revolucionado el pop desde la salida del excitante ‘Arular’. Pocas veces se ha adaptado con tanto desparpajo la estética Bollywood como ella hizo en ‘Jimmy’, pocas veces se ha sacado tanto significado a un sample como ella lo hizo con cajas registradoras y metralletas en ‘Paper Planes’ y pocas personas pueden unir sonidos étnicos y underground con tanta inteligencia como ella ha hecho toda su vida. De su último disco ‘Bad Girls’, ‘Y.A.L.A.’, ‘Bring the Noize’ y sobre todo ‘Come Walk with Me’ con su inolvidable sample del modificador de volumen de los macs sirven para definir el pop de nuestro siglo tanto o más que el catálogo de hits de Rihanna.
Por eso ‘AIM’ es tan decepcionante. Musicalmente no presenta la revolución ni la imaginación que le hemos visto desarrollar tantas veces. ‘Bird Song’, con su lista de pájaros, sonidos irritantes y sample de una peli tamil de 1983, sí podría estar a la altura de sus mejores singles, pero ‘Borders’ se hace larga, no termina de funcionar sin su excelente vídeo y ‘Freedun’ junto a Zayn de la boyband One Direction es un pelotazo frustrado por diferentes motivos.
El principal es que este no es el disco optimista que pretendía ser. Ella dice que este álbum no contiene «quejas» y que quería entregar una nueva visión de sí misma que contuviera un mensaje más positivo. Indudablemente no lo ha conseguido, pues el fantasma de los refugiados no cesa de salir con metáforas o citas expresas a lo largo de todo el álbum. Su reivindicación, como la que han realizado Radiohead en su último disco, no puede ser más necesaria y válida, resultando vergonzoso que los cantantes de música pop tengan que ser los que elevan sus voces y dan prioridad a este asunto porque los políticos no lo hacen. Sin embargo, conceptualmente el tema es demasiado amargo como para casar con ese disco buenrollero que pretendía sacar M.I.A. ‘Freedun‘ es una canción que M.I.A. tiene desde 2011 pero que no entró en ‘Matangi’ porque era demasiado pop, pero frases como «Some people fuck it up, take vacations / Refugees learn about patience» conforman una paradoja: la música es demasiado blanda como para agitarnos, la letra impide que el tema pueda resultar «radio friendly». Al final nadie sabe si Zayn se ha incorporado a una canción de amor («todas las estrellas brillan / pero tú eres la única que veo»), a una recreación amable de ‘Paper Planes’ (el mash-up debe de estar en camino) o a qué exactamente.
Es incomprensible que M.I.A. haya querido hacer un disco amable con la conciencia -con motivo- tan intranquila, sobre todo porque no es su vertiente más pop la más interesante ni la que ha llamado más la atención del público. Recordemos que la combativa ‘Paper Planes’ ha sido su canción más exitosa y ‘Finally’, su antítesis en tanto que se aproxima al sonido ‘Lean On’, no puede ser más sosa y prescindible. Es, además, difícil adivinar dónde va el disco, cuando ‘Foreign Friend’ con Dexta Daps suena a Moby. Tenemos su sonido, tenemos a Blaqstarr, a Skrillex en ‘A.M.P (All My People)’ y a un imperceptible Richard X en la oriental ‘Ali R U OK?’. ¿De verdad aquí hay una línea artística que haya impedido a los sencillos ‘The New International Sounds Pt 2’ y ‘Swords’ formar parte de la edición normal del álbum?
Pese a lo deslavazado, ‘AIM’ es un buen disco de vez en cuando, más cuantas más conciencias agita. Frente a naderías como ‘Fly Pirate’ (clara referencia a su polémica con el Paris St Germain por el uso de su camiseta con mensaje adulterado) o ‘Jump In’, alguna vez sí se vale de ganchos melódicos para soltar bilis. Sucede en ‘Visa’, antes conocida como ‘MIA Ola‘ («At the border I see the patroller cruising past in their car / Hiding in my Toyota Corolla, everybody say «Y.A.L.A.!»» o «Most of the things I do, they banned it / But I’m a still do it, I’m a bandit»). Pero en un momento de ‘Finally’ llega a decir «Cause I’m free and I’m a freak» y en este disco se ha echado bastante de menos ese lado «freak». No, M.I.A., este disco amable que nadie pidió y además no consigue serlo no puede ser tu último disco…
Calificación: 6/10 Lo mejor: ‘Bird Song’, ‘Visa’, ‘Borders’, ‘Foreign Friend’ Te gustará si: ya eras fan Escúchalo:Spotify Cómpralo:Amazon
El sello Elefant Records posee un especial radar para detectar artistas de sensibilidad fuera de tiempo. Es el caso de The Yearning, un dúo británico compuesto por Maddie Doobie y Joe Moore que manejan un abanico de influencias que pasa por la Motown, el doo-wop, el soul y el sonido 60s más clásico. Llevan publicando sus referencias con el sello madrileño desde el año 2012, la última de ellas el largo ‘Dreamboats and Lemonades‘ (2014), y ahora anuncian la próxima publicación de un nuevo álbum, titulado ‘Evening Souvenirs’, que verá la luz el próximo mes de octubre.
Para abrir boca, The Yearning presentan ‘When I Lost You’, cuyo videoclip tenemos la suerte de estrenar hoy en JENESAISPOP. Se trata de una canción llena de melancolía, cuya composición remite a los grandes clásicos de Burt Bacharach y Hal David, con fantásticos arreglos. Su letra, cantada por Maddie con su delicadeza característica, está llena de pesadumbre y dolor: «¿Por qué siguen cantando los pájaros al amanecer, como si no supieran nada? ¿Por qué estás cosas se empeñan en seguir adelante si mi vida acabó cuando te perdí?». El clip, dirigido por Chris Croft, ofrece imágenes de profunda melancolía y estética nouvelle vague, en las que Maddie pasea por el precioso Jardín Botánico de Oxford.
Hace semanas conocíamos la fascinante ‘Friends‘, el tema que podría (y debería) sacar a Francis and the Lights del tercer plano del pop mundial. En él colaboraba Justin Vernon (Bon Iver) y Rostam (ex-Vampire Weekend), con producción de los famosos Ariel Rechtshaid, Benny Blanco y Cashmere Cat. Además, contaba con la presencia de Kanye West en su extraño pero poderoso clip.
Ahora, Francis Farewell Starlite presenta otra nueva canción en la que, de nuevo, colabora Bon Iver, que produce el tema junto a Francis y BJ Burton (Low, Bon Iver). Se titula ‘See Her Out’ y muestra un lado más reposado que aquel single, con percusiones más sutiles. La canción es toda una demostración de Prismizer, un códec de audio creado por él mismo que supone una evolución del uso del vocoder y el AutoTune. Kanye West, Frank Ocean y el propio Bon Iver han usado Prismizer en sus nuevos álbumes, de ahí que el sonido de Francis and the Lights se considere una influencia en ellos.
Pese a estar en activo desde hace una década, Francis solo había publicado 4 EPs hasta la fecha. Tanto ‘See her Out’ como ‘Friends’ forman parte del álbum de debut de Francis and the Lights, que parece que se titulará ‘Farewell, Starlite!’ y que aún no cuenta con fecha de edición. Sus canciones fueron presentadas en directo en la última edición del festival Eaux Claires, organizado por Justin vernon y los hermanos Dessner, de The National. Justo donde el propio Bon Iver presentó también ’22, A Million’.
En JENESAISPOP siempre hemos defendido que la comedia tiene el mismo valor que la tragedia. Por eso, ‘Status’ de Chico y Chica fue uno de los mejores discos de la década pasada para nuestra redacción, y hemos introducido en nuestro lenguaje diario tantas frases de Feria (que cantaron sobre las peluquerías de su pueblo antes de ‘Pelo’), Hidrogenesse (que cantaron por Góngora antes que Las Bistecs por Machado) y de nuevo sobre todo Chico y Chica (‘Lady Olé’ y ‘Bomba latina’ son sendos antecedentes de ‘DJ Bicha’). Las Bistecs son, junto a Joe Crepúsculo, de las pocas personas que han querido tomar ese testigo, tan cuestionado por algunos como celebrado por otros, mostrándolo en todo su esplendor en un ‘Oferta‘ que en tan solo unos días ya acumula miles de escuchas en las plataformas de streaming. Este finde lo presentan en el OchoyMedio de Madrid y las entradas están a punto de agotarse.
Pero si a alguien de todo el catálogo de Austrohúngaro recuerda ‘Oferta’ es a ‘Impacto’ de Alma-X (2003), el grupo de «Pinkglove y Also Starring» que trágicamente ya estaba separado cuando su debut vio la luz, y obviamente no llegó a ningún lado. Es uno de los discos más bailables, más tecnazo, del sello de Carlos Ballesteros y Genís Segarra (‘Caminante’ podría haber formado parte de su tracklist perfectamente), es el más electro-disgusting, el que lleva más lejos el humor negro y el más atrevido. Sin que nadie se diera cuenta, los autores de la frase «te quiero sólo rima con dinero, dame más» se adelantaron a su tiempo de varias formas.
1.-Llegaron antes del post-humor
Antes de que concejales de cultura fueran destituidos por tuits de años pasados en los que hacían uso de un humor negro prohibido en los autocensurados medios de comunicación, siempre tan políticamente correctos; antes de ‘Muchachada nuí’, antes de que se escribieran artículos sobre lo que es el post-humor; antes de que Youtube montara un festival con un tipo llamado Delfín hasta el fin que tenía un alegre himno sobre los muertos que «cayeron en Torres Gemelas», ¡antes de que existiera Youtube!… Alma-X lanzaron un single llamado ‘Twin Power’ sobre el mismo 11-S. Aunque su canción más popular, a la postre, según el número de reproducciones de Spotify, es ‘Crimen en Levante’, una ¿parodia? ¿relato? de los crímenes de Alcasser contado como si nada. Desde luego, no se puede decir que buscaran la carcajada abiertamente con rimas que en el fondo no son más que puro realismo: «aparecieron en la cuneta / son más malos que la ETA».
Por cierto, con ese puente «hay que ver, hay que ver, esto parece Whitechapel», también se adelantaron a la recomendable serie así llamada sobre el barrio londinense en el que operaba Jack El Destripador. No se estrenaría hasta 2009.
2.-Pronosticaron el regreso de los 90 una década antes de tiempo
‘Impacto’ se editó en 2003. Los discos más vendidos de aquel año fueron los de 50 Cent, Norah Jones, Christina Aguilera, Beyoncé, Coldplay… nada que ver con lo que suele identificarse con los 90. Alma-X, en cambio, cerraron su único disco proclamando a los cuatro vientos que los 90 volverían. Tenía que pasar una década casi entera para que alguien reivindicara los sonidos noventeros: Disclosure la música dance, Girls a Nirvana, The Weeknd a Portishead… Pudo haber algunas excepciones, pero ojo, cuidao: nadie tan pronto como en 2013 se atrevió a proclamar que volvían los ’00. La primera pista nos la ha dado en 2016 Meghan Trainor… y no le ha ido tan bien. ¿Demasiado pronto?
3.-Hicieron un disco-sesión antes que Madonna
El último disco de Madonna bien valorado con unanimidad por crítica y público fue «Confessions» (2005), una sesión de club de una hora en la que sus 12 canciones aparecían unidas. Alma-X lo hicieron antes. Aunque no conformen una sesión perfecta, la intención estaba ahí y el paso de ‘Crimen en Levante’ a la canción de amor ‘Nunca, nunca, nunca, nunca’, el de esta a ‘Sónar’ y el de esta a ‘Vuelven los 90’ es brutal: es imposible desconectar en la última parte del álbum, lo que nos lleva al siguiente punto.
4.-Dejaron lo mejor para el final y descubrieron los buzz singles
Este año varios discos han presentado su single clave como pista final. ¿Pero los singles no tendían a ser la pista 2, la pista 3, la pista 1 de un disco? Nadie sabe a qué viene esto, pero lo cierto es que ‘Formation’ cierra ‘Lemonade‘ y ‘Hotline Bling’ cierra ‘Views‘, dos de los discos más importantes para entender 2016.
También en ‘Impacto’ lo mejor viene al final, en este caso sacrificando el todo por los numerosos adelantos que se habían dado a conocer del disco. En ‘Impacto’, las canciones aparecen en orden cronológico inverso casi perfecto, recordando que ‘Sónar’ y ‘Vuelven los 90’ no fueron más que «buzz singles» hasta la llegada de ‘Twin Power’ un par de años después.
‘Crimen en Levante’ fue el «sleeper» sorpresa.
5.-Parodiaron el Sónar antes que Las Bistecs
Desconozco si Las Bistecs habrán sido grandes seguidoras de Alma-X (no parecen grandes seguidoras de nada), pero cuando mencionan el Sónar en ‘Problemas’ el asunto roza el homenaje voluntario. Si uno de los grandes himnos de Alma-X decía «no vayas al Sónar, que ya no mola» o «hippies con perros y antorchas bailando en el Sónar», Las Bistecs ahora cantan tras referirse al festival de música avanzada barcelonés: «Laurent Garnier, el protagonista, pincha 7 horas, uf, la misma pista». De hecho, en 2015 hicieron un vídeo «queremos ir al Sónar gratis». ¡Justicia para Alma-X!
Según ha informado esta noche su hermano Richmond en Facebook, la actriz Alexis Arquette fallecía ayer, día 11 de septiembre. Tenía apenas 47 años. Su nombre quizá sea menos reconocido que el de sus populares hermanos Rosanna, Patricia y David, pero su rostro es seguro recordado por sus papeles en películas tan populares como ‘Última salida, Brooklyn’ (en la que interpretaba a la inolvidable Georgette), ‘Pulp Fiction’ o ‘Cosas que nunca te dije’, de Isabel Coixet. Alexis también es conocido por ser una persona transgénero, una transformación que quedó plasmada en el documental ‘Alexis Arquette: She’s My Brother’, en 2007.
Según cuenta Richmond en este emotivo comunicado firmado por el rest de sus hermanos, Alexis diversificó su actividad a la pintura y la música, pero sobre todo dejó de actuar pronto porque, siendo una mujer transgénero, rechazaba papeles que supusieran una visión degradante o estereotipada de las trasnsexuales. También explica que padecía una enfermedad (no especifica cuál) y que murió entre sus hermanos, que cantaron para ella ‘Starman’ de David Bowie, según ella deseaba. Los Arquette dicen «ella vivió ferozmente su realidad, en un mundo donde es peligroso ser una persona trans, un mundo en absoluto dispuesto a aceptar diferencias entre seres humanos, y donde aún permanece el horror de la violencia y la hostilidad hacia quein no comprendemos». «Nos complace que Alexis formara parte de nuestra familia y fue nuestro hermano, luego nuestra hermana, y nos dio muchísimo amor. Siempre te querremos, Alexis. Nosotros fuimos los afortunados». También pide que cualquiera que pensara enviar flores a su funeral, en su lugar haga donaciones a asociaciones que luchen por los derechos LGTB.
Uno de los primeros famosos en mostrar su dolor por la pérdida de Alexis, además de su familia, ha sido el cantante Boy George, que llama a Alexis «su hermana», y lamenta que «otra estrella nos deje demasiado pronto». Cabe recordar que una de las escenas cinematográficas más memorables de Alexis fue una interpretación de ‘Do You Really Want To Heart Me’ de Culture Club en la película ‘El chicho ideal’ (‘The Wedding Singer’ -1997-), con Adam Sandler y Drew Barrymore. En ella, Alexis canta en una boda como mujer, ante el desprecio de parte de los asistentes a la celebración.
Este pasado sábado, 10 de septiembre, se celebraba el Diplo Day en Barcelona, una visita muy especial del DJ y productor norteamericano Diplo. Por la tarde, ofrecía una sesión en Aire Pool Club (finalmente, contó con la presencia de Jillionaire y se convirtió oficialmente en un Major Lazer Sound System), y por la noche, haría lo propio (ya en solitario) en la sala Razzmatazz.
Ha sido precisamente gracias a su proyecto Major Lazer que Thomas W. Pentz se ha convertido ya en toda un celebridad, y prueba de ese peso específico es que alguien como David Bisbal presencie esa sesión e incluso pase a visitarle por el camerino de la sala. No es un mero rumor: el propio Diplo colgaba en el Snapchat de IG Instagram Stories un vídeo en el que se puede ver a ambos juntos, acompañados de Rosanna Zanetti, la nueva pareja del cantante almeriense. Diplo, muy contento por la visita de Bisbi (no olvidemos que es bastante popular en Norteamérica), subía el vídeo más tarde a Twitter
¿Se fragua una posible colaboración entre ambos? Pues por loco que parezca, podría ser, porque David respondió a este tuit que el show del DJ había sido una «gran experiencia» y que «le encantan sus sonidos».
Mientras que Diplo triunfa en todo el mundo con ‘Cold Water‘, último single de Major Lazer junto a Mø y Justin Bieber, David Bisbal está a punto de lanzar su próximo single, adelanto de su nuevo álbum. ¿Será posible que este encuentro ofrezca alguna pista sobre la nueva dirección artística del cantante? Pronto saldremos de dudas.
Decíamos ayer (bueno, el año pasado), que con ‘Aureate Gloom’ of Montreal continuaban en la senda de la accesibilidad, senda que parecen haber ensanchado con este ‘Innocence Reaches’. El prolífico Kevin Barnes nos vuelve a regalar otro disco fácil de escuchar y otro compendio de bricolaje pop, porque sigue montando y desmontando las canciones, como suele ser habitual: si tiene una gran melodía, la retuerce, si consigue un riff pegadizo lo ase y lo suelta, saltándose lo que dicta la lógica de las canciones, divaga y acaba haciendo lo que le viene en gana. Esta vez la diferencia la marcan los géneros copiados (o parodiados, más bien).
Porque si en ‘Aureate Gloom’ of Montreal se dedicaron al funk y al hard rock, aquí les ha dado por la new wave, la música disco y el synth-pop, con escapadas hacia el rock alternativo. Y el resultado es mejor. Para cerciorarse basta con escuchar el trallazo inicial, ‘Let’s Relate’, perfecto hit de voz robotizada y estribillo enloquecedor, entre Devo y el techno chatarrero y, para servidora, desde ya un clásico de la banda. Y si ‘Let’s Relate’ es un hit, ‘It’s Different for Girls’ apunta directamente a himno. Una línea de bajo sustraída a Blondie capaz de despojarte de toda voluntad, luces de discoteca y unos coros divertidísimos enmarcan una letra directa y didáctica; una alabanza a las mujeres y su forma de ser, que denuncia el machismo, cómo éste nos convierte en meros objetos (“It’s different for girls / From when they are children / They’re depersonalized/ Aggressively objectified”), celebra las diferencias con el género masculino (“They don’t have to size up / Every person they meet / Or create an elite / Or poison the game”) y, ehem, parece querer justificarnos: “Sometimes they act crazy / But that doesn’t define them”. No sé muy bien si definirla como reivindicativa, agradecerles el gesto o considerarla algo condescendiente y abonada al tópico… pero es que es tan, pero tan temazo que nada puede empañarla (la letra entera, aquí).
Definitivamente, las dos canciones con las que abren el disco son las mejores y más redondas, ya que se olvidan de los desbarres para construir dos piezas de disco-pop concisas y demoledoras. Y esto estimula y a la vez lastra la escucha del disco. Porque el resto no alcanza su perfección, a pesar de contener muy buenos temas, repletos de mala baba, humor socarrón, tonadas pegadizas y la personalidad de Barnes. Los ochenta siguen presentes en ‘My Fair Lady’, donde Kevin recita lánguidamente sobre una base a lo ‘Billie Jean’, para luego clavarte un estribillo propio de ABBA. En ‘A Sport and a Pastime‘, otra de las destacadas, juegan con la idea del amor perro y la despersonalización que éste comporta, mientras le birlan los sintetizadores al Sufjan Stevens de ‘The Age of ADZ’…
Pero como no solo de los 80 viven los de Athens, también se dedican a saquear otras fuentes. Si nada más arrancar ‘Gratuitous Abysses’ te dicen que es lo nuevo de Wilco, te lo crees. A los de Jeff Tweedy (y a los Beatles, y a Pavement) también remite ‘Chaos Arpeggiating’, cuyo riff es de lo más atractivo y suena perfecta como canción de cierre. Pero no lo es, porque quedan todavía tres canciones más… que pierden fuelle, ya que pecan de dispersas, a pesar de su irreprochable factura. Llegados a este punto, pienso en que me chifla tantísimo los dos primeros temas del disco que desearía que todo él fuera igual: un álbum de hits demenciales e himnos redondos pasados por su particular filtro, hits con los que darlo todo, ya sea en la pista o barriendo en casa. Pero… ¡qué puñetas! Seguimos teniendo en la mano otro disco de of Montreal. Corrijo: otro gran disco de of Montreal. Casi nada.
Calificación: 7,3/10 Lo mejor: ‘Let’s Relate’, ‘It’s Different for Girls’, ‘Gratuitous Abysses’, ‘A Sport and a Pastime’ Te gustará si te gusta: «ver» a Kevin Barnes jugando a ser el rey de la disco, la dance-music con cerebro. Escúchalo:Spotify Cómpralo:Amazon
Igual que el protagonista de ‘Tarde para la ira’, Raúl Arévalo no va de farol. Su debut en la dirección es tan sólido como el cabezón del Goya que se va a llevar como mejor director novel. El actor de ‘La isla mínima’, de cuyo rodaje seguro que sacó muchas lecciones, ha realizado un thriller enérgico y contundente que nada tiene que envidiar a los de Alberto Rodríguez o Enrique Urbizu, los dos grandes del género en España.
‘Tarde para la ira’, título de resonancias bíblicas al que se le pueden aplicar varias y jugosas lecturas, es una historia de violencia tan seca y áspera como el paisaje castellano y de extrarradio donde se desarrolla. Una mezcla mostoleña entre Peckinpah y el “cine mesetario” de Saura y Mario Camus (la banda sonora remite a la de ‘Los santos inocentes’) rodada como quien pide hoy un gin tonic de Larios: en 16 mm. Con un par.
Arévalo demuestra tener oído para la conversación de bar y vista para elegir escenarios con poder de sugerencia y peso dramático. Los gimnasios de barrio, los bares de la esquina, las verbenas de pueblo… Aunque a veces se le vaya la mano con el costumbrismo, y tanto los actores como la dirección artística sobreactúen un poco (por exceso de locuacidad o de laconismo), la potencia narrativa que exhibe el director consigue disimular esos defectos. O, por lo menos, que el espectador no se los tenga en cuenta.
La película tiene una progresión dramática sensacional. Al principio te pega un tiro en la pierna, luego te pisa la herida durante una hora y, para acabar, te remata en el suelo. Los personajes son tipos duros, pero no esquemáticos. Su psicología es compleja, y su moral ambigua. Entiendes sus motivos porque son vulnerables. Quizá sea pronto para la loa, pero ‘Tarde para la ira’ será casi seguro una de las películas españolas del año. 8.