Deradoorian, autora el año pasado de ‘The Expanding Flower Planet‘, es noticia por una interesante reflexión subida a sus redes sociales. La ex miembro de Dirty Projectors se ha rapado la cabeza por accidente después de un intento frustrado de cortarse el pelo por sí misma y a continuación ha publicado una reflexión que seguramente sea del gusto de Sinéad O’Connor. Este es su texto:
«Me he rapado hoy. Ha sido un accidente. Intentaba cortarme el pelo yo sola y me quedó mal, por lo que decidí cortarlo todo. Mi primera reacción es que estaba fea. Qué sensación tan horrible. No estoy segura de si soy yo o la sociedad te presiona para estar guapa. A medida que pasan los años, me veo a mí misma de una forma o de otra. A veces es agotador pensar y trabajar en estas cosas. Veo que mi cara se hace más delgada, mis facciones se vuelven más extremas. Ojos enormes, nariz armenia, estructura ósea andrógina, línea de mandíbula cambiante. A veces lo odio y otras veces trato de aceptarlo. Me pregunto cómo sería nuestra sociedad si no tuviéramos estos estándares de «belleza». Qué pasaría si todo el mundo se aceptara a sí mismo en lugar de hacer que cada uno «valga la pena» por su apariencia física. ¿Por qué cuando voy a Instagram mis sugerencias son chicas jóvenes con muestras de maquillaje, cómo estar más guapa, blah, blah, blah? Es una de las razones por las que rompo con las redes sociales. ¿Por qué siento que he sucumbido a esta estandarización de mierda? Quizá inconscientemente quería raparme la cabeza. Borrar mi identidad. Estar en blanco. Quizá quiero saber quién soy de verdad y cómo destruir el modo en que soy. Quiero romper cada espejo de casa».
A continuación, ha pasado a contestar algunos de sus mensajes de amigos y fans, indicando que no ha dejado este mensaje para que le digan que es guapa, sino porque pensaba que había gente que se podía identificar con sus inquietudes.
Os dejamos con su canción más popular, curiosamente titulada ‘A Beautiful Woman’:
El pasado verano, Justin Bieber era noticia día sí y día no, ya fuera por los números 1 obtenidos para otros, por enfrentarse a Selena Gómez, meterse en peleas callejeras o por el mérito de ser pillado desnudo (otra vez). Pero ha llegado la vuelta al cole y con él la cruda realidad de una gira que no está resultando todo lo exitosa que podría. Hace poco hablábamos de los dos conciertos en España de ‘Purpose World Tour’, que no logran agotar sus entradas pese a que Bieber está en su momento de mayor popularidad tras dejar atrás con solvencia su etapa como ídolo infantil. Algo que el joven artista canadiense está dispuesto a evitar por todos los medios, aunque ello suponga tener que salir a la calle en busca de sus propios fans.
Es, más o menos, lo que ha hecho en las calles de Amsterdam, donde este fin de semana desarrollaba esa última etapa de su tour mundial. La «noticia» está en que, para «evitar» ser reconocido, ha decidido enfundarse en un disfraz de auténtico maestro y mantener absoluta discreción: el chaval se ha colocado una peluca absurda, bigote y perilla de evidente pega, y se ha puesto a pasear hecho una mamarracha, con pinta de señora que se disfraza de señor pero de forma extremadamente cutre. De esa guisa, se sentaba en cafeterías o paseaba por las calles, llamando la atención de algún transeunte que pasaba bastante de él. Para dar muestras de su arrojo, su guardaespaldas estaba a más de dos metros de distancia de él, una locura. Un consejillo: igual si te dejaras de patochadas y no cancelaras meets & greets con tus fans, o te mostraras amable en las entrevistas, la gente tendría más ganas de ir a tus conciertos, cuqui.
Justo cuando el rap vive una etapa de total efervescencia en nuestro país, parecía una mera cuestión de tiempo que llegara la reivindicación de un proyecto que, sin duda, contribuyó a elevar el listón del género hasta situarlo, sin rubor, próximo a la excelencia de sus referentes norteamericanos. Se trataba de Mucho Muchacho y su proyecto más popular, 7 Notas 7 Colores, uno de los nombres cruciales, sino el más, en la segunda generación hip hop de nuestro país, la surgida a finales de los 90.
Hoy El Segell del Primavera ha anunciado que, con motivo del 20 aniversario desde la primera edición del icónico debut del grupo, ‘Hecho, Es Simple‘, reeditarán el disco con nuevas portada y masterización. Además, Mucho Muchacho realizará una gira conmemorativa que recorrerá España en 2017 («con paradas en ciudades como Zaragoza, Valencia, Bilbao, San Sebastián, Oviedo, Santiago de Compostela, Granada, Sevilla, El Prat de Llobregat, Vitoria, Gerona, Villarobledo, Tarragona y Cádiz, entre otras», dice la nota de prensa). Sin embargo, no habrá que esperar mucho más para contemplar el regreso de 7 Notas 7 Colores. Porque antes, este mismo año, tendrán lugar las dos primeras fechas de calentamiento para esa gira. Serán el 15 de diciembre, en la Sala Penélope de Madrid, y el 17 de diciembre, en la Sala Apolo de Barcelona. Os dejamos con la bio del grupo y los vídeos más icónicos de aquel álbum:
«Desde El Prat (Barcelona) al mundo, 7 Notas 7 Colores son indiscutiblemente pioneros del hip hop en nuestro país y autores de una de las biblias del género en castellano, “Hecho, Es Simple”. El grupo fundado por Mucho Muchacho junto al productor Dive Dibosso, y por el que ha pasado gente como Dj Neas, Eddy La Sombra o Dj Vadim, reinó en los escenarios de España y América Latina durante los 90.
A su exitoso primer álbum le siguieron otros dos largos, “77” y “La Mami Internacional”, este último nominado a los Premios Grammy Latino como mejor disco en la categoría de rap/hip hop.
Tras su disolución, Mucho Muchacho siguió publicando joyas como “Chulería” o la aclamada mixtape “Cookin´ Bananas” con Cookin’ Soul y colaborando con diferentes artistas así como ejerciendo de dj, su principal ocupación en estos últimos trece años de carrera musical, con residencias en clubs como Pachá Ibiza y ciudades como Nueva York.
A lo largo de dos décadas, casi todos los discos de rap en español han sampleado a Mucho Muchacho y han escracheado con su voz. Y a día de hoy son muchos los que continúan haciendo referencias a las letras de “Hecho, Es Simple”, desde Kase O a Natos y Waor».
Si estás entre los cientos de miles de jóvenes obsesionados con alguno de los últimos singles de Drake, probablemente esto te interese. Aprovechando que, especialmente desde ‘Hotline Bling’, su éxito es global y ya no se ciñe a los países anglosajones, el artista se embarca en una gira europea que, eso sí, no llegará a España.
Entre las 7 fechas de Londres, las 2 de Birmingham, las 2 de Mánchester, etcétera, más de la mitad de la gira tendrá lugar en Reino Unido e Irlanda, pero ha habido suerte para los franceses, los italianos y los alemanes.
Drake es actualmente top 26 en álbumes en España con ‘Views‘ en su 19ª semana en lista, si bien por aquí podría considerarse aún más bien un artista de singles. Mientras ‘Views’ no tiene certificación alguna, ‘One Dance’ aguanta en el top 12 tras haber sido una de las canciones del verano y es nada menos que triple platino. El tema, por cierto, sigue sin tener vídeo.
Os dejamos con las fechas de la gira europea de Drake por si a alguien le queda cerca:
01-21 Amsterdam, the Netherlands – Ziggo Dome
01-22 Amsterdam, the Netherlands – Ziggo Dome
01-26 Glasgow, Scotland – The Hydro
01-28 London, England – The O2
01-30 London, England – The O2
02-01 London, England – The O2
02-02 London, England – The O2
02-04 London, England – The O2
02-05 London, England – The O2
02-08 Leeds, England – First Direct Arena
02-11 Manchester, England – Manchester Arena
02-12 Manchester, England – Manchester Arena
02-17 Sheffield, England – Sheffield Arena
02-19 Dublin, Ireland – 3Arena
02-22 Birmingham, England – Barclaycard Arena
02-23 Birmingham, England – Barclaycard Arena
02-25 Oberhausen, Germany – KoPi Arena
02-28 Antwerp, Belgium – Sportpaleis
03-04 Stockholm, Sweden – Ericsson Globe
03-05 Oslo, Norway – Telenor Arena
03-07 Copenhagen, Denmark – Royal Arena
03-09 Berlin, Germany – Mercedes Benz Arena
03-10 Hamburg, Germany – Barclaycard Arena
03-12 Paris, France – AccorHotels Arena
03-13 Paris, France – AccorHotels Arena
03-16 Cologne, Germany – Lanxess Arena
Solange ha conseguido el primer número 1 importante de su carrera. Su nuevo álbum, el recomendable ‘A Seat at the Table‘, logra un merecido top 1 en el Billboard 200 aunque sea muy alejado de las cifras de venta de su hermana. El disco obtiene 72.000 puntos, de los cuales 46.000 proceden de ventas tradicionales, en este caso sobre todo a través de iTunes.
Se trata de una buena noticia para la música, pero una mala para Bon Iver, cuyo ‘22, A Million‘ ha de conformarse con el puesto 2. Queda tan solo a mil puntos de distancia. Bon Iver ha vendido más unidades, en concreto 58.000, pero pierde claramente la batalla del streaming y la descarga de pistas sueltas, que en este país cuenta. El anterior disco del artista, ‘Bon Iver, Bon Iver’, también fue número 2 en Estados Unidos.
En Reino Unido el proyecto de Justin Vernon ha logrado un destino parecido: ha quedado en el puesto 2 por detrás de otra novedad, en este caso lo nuevo de Craig David. Bon Iver logra lo equivalente a 20.000 copias frente a las 24.000 de Craig David. Al menos en Reino Unido el top 2 es su mejor dato, pues el anterior fue número 4.
En Reino Unido, Solange ha de conformarse con el puesto 17.
Sum 41, la banda de punk-rock canadiense autora de ‘In Too Deep’, entre otros singles icónicos de los dosmiles, ha anunciado gira española. El grupo actuará el 15 de enero en la Paris 15 de Málaga, el 17 en la sala Razzmatazz de Barcelona, el 18 en La Riviera de Madrid y el 21 en el Santana 27 de Bilbao. Las entradas se pondrán a la venta el viernes 14 de octubre a un precio de 28 euros + gastos y habrá preventa el 13 de octubre para los usuarios de la página web de Live Nation.
Durante esta gira, el grupo presentará su nuevo disco, ’13 Voices’, el sexto de su carrera, que ha salido a la venta este mismo viernes. Este contiene singles como ‘War’ y ‘Fake My Own Death’. ¿Aguantan estos singles el peso de hits del grupo como ‘Fat Lip’, ‘Still Waiting’ o la mencionada ‘In Too Deep’? Habrá que esperar al concierto para averiguarlo.
Lo que sí ha aguantado Sum 41 o, mejor dicho, su carrera, es el paso del tiempo, pues la noticia de su gira española les ha hecho inmediatamente «trending topic» en Twitter. Como indica un tuitero, parece que Sum 41 «no es un fenómeno estrictamente unigeneracional: los nuevos también sucumben». No podríamos haberlo dicho mejor.
MURIÉNDOME Y LLORANDO QUE VIENE SUM 41 A ESPAÑA POR FAVOR HABER SI NO ME MUERO HASTA QUE LLEGUEN
Parece que a Ed O’Brien, guitarrista de Radiohead, le ha picado el gusanillo de sacar disco en solitario. Se sumaría a tres miembros del grupo que lo han hecho en el pasado o en los últimos años, notablemente Jonny Greenwood, que es un reconocido compositor de bandas sonoras y lanzaba nuevo disco en 2015, ‘Junun’, junto al cantautor y poeta israelí Shye Ben Tzur y la orquesta india The Rajasthan Express.
En una entrevista con BBC Radio 6 recogida por Stereogum, O’Brien ha explicado que empezará a trabajar en un álbum solo el año que viene y que su motivación de hacerlo deriva de su experiencia en Brasil, donde vivió con su familia el año pasado en una pequeña granja en el campo brasileño. «Le dije al grupo, esto es algo que debemos hacer», ha dicho, «no sintáis que no podéis hacer un disco sin mí, hacedlo e igual puedo sumarme más tarde… Tenía muy claro que he vivido muchas aventuras con esta banda y ahora quería tener una aventura con mi familia».
O’Brien recuerda una experiencia en Brasil en particular que le animó a escribir música solo, su visita al festival Sambadrome en Río de Janeiro. «Son 12 escuelas de samba, como procesiones, y tocan durante una hora y veinte minutos, cada una desfila en el Sambadrome, que es como una pista de un quilómetro y medio -lo usaron en las Olimpiadas- y va de las 10 de la noche hasta las 6 de la mañana. Es lo más increíble que he visto en mi vida en cuanto a música».
Además de Greenwood, Yorke y Philip Selway (batería de Radiohead) editaron discos en solitario en 2014, el primero ‘Tomorrow’s Modern Boxes’ y el segundo ‘Weatherhouse’. Ahora que parece el turno de O’Brien, habrá que esperar a que Colin Greenwood, hermano de Jonny, se anime a hacer lo mismo.
«Púdrete, púdrete, púdrete, púdrete» son las únicas palabras que escuchamos en la única canción que Aloha Bennets tienen subida a Spotify, con irresistible silbido. En Bandcamp tienen más y, escuchando ‘¿Qué es eso?’ («eso es un pene tieso») es imposible no pensar en los catalanes Cristina Robles, Olga García, Mireia Bellido y Álvaro Alouane como en un cruce que nadie había imaginado entre Hinds/The Parrots y Las Bistecs.
Lo que encontramos en su EP debut ‘Varadero’ es básicamente garage popero, pero en principio eran más electropop y participaron en el F.E.A., como cuentan en esta entrevista con Shook Down. Si tomamos como referencia a la «early Alaska» por el desperpajo de sus letras en castellano, esto podría sonar como el paso de Kaka de Luxe a los Pegamoides.
Aloha Bennets, que han pasado por el Primavera Sound y esta semana lo harán por la Monkey Week en su primera edición sevillana, también tienen canciones de amor como ‘A kilómetros de aquí’ (puro escapismo) y acaban de publicar un nuevo EP hace unos días. ‘Mahalo’ incluye temas tan pegadizos como ‘Neptuno’ o ‘De Sol a Tribunal’, su excursión a Madrid que termina en tragedia: «Me quiero largar de esta ciudad / Desde que he llegado todo me ha salido mal».
Detergente Líquido, el grupo gaditano autor de ‘Ponte en lo peor. Llámame el lunes’, edita nuevo disco este año, ‘Mirad lo que me habéis hecho. Por favor’. Sale el próximo mes de enero a través del sello barcelonés Discos de Paseo, que ha lanzado en el pasado discos de Alborotador Gomasio, Trapece o Las Annettes, entre otros. La banda ha producido el álbum junto a Juan Antonio Mateos, Ernesto Rodríguez y Alberto Rodway en el estudio Grabaciones Sumergidas del Puerto de Santa María.
El primer adelanto del nuevo disco de Detergente Líquido es ‘Grimas y meriendas’. Es una canción pop con guitarras y sintetizadores sobre las amarguras de la vida adulta que nos presenta a la nueva voz del grupo, Nuria, y un sonido, según la nota de prensa, más «preciosista e instrumentado», además de «letras en primera persona tan hiperrealistas y costumbristas que llegan a herir vestidas con un manto de pop que invita a bailar».
Nuria y el resto de componentes de Detergente Líquido protagonizan el vídeo de ‘Grimas y meriendas’ dirigido por Daniel Cuenca y que estrenamos en JENESAISPOP. En él, los integrantes del grupo se enfrentan a sus «destinos fatídicos», lee la nota; «una visión nihilista de la vida que forma parte de la imaginería de la banda».
Detergente Líquido actúa el próximo 14 de octubre en Monkey Week y el 22 de octubre en Reload Fest.
Tras ‘Indie Cindy’, Pixies prosiguen su segunda vida, esta vez con un álbum completamente ejecutado como tal. Gil Norton ya no está en las tareas de producción, pero la labor de Tom Dalgety apenas difiere de la de su predecesor. ¿El resultado? Obviamente, no se puede comparar con su período imperial. Pero si se considera como el tomo II de su nueva etapa, el disco resulta grato en su mayor parte. Mejor y más ligero que ‘Indie Cindy’, ‘Head Carrier’ es una obra concisa que sigue el canon Pixies: doce temas de apenas tres minutos (si llegan), en poco más de media hora.
Sin alcanzar ninguno el estatus de himno, la mayoría tiene un regusto claro a su época dorada, aunque bastante domesticado; el «loud» es menos «loud», la calma es menos tensa, Frank Black ya no es Black Francis (aunque aparezca en los créditos como tal) y apenas aúlla, pero ha conseguido, en rasgos generales, unas cuantas canciones pintureras y bien construidas. La cálida ‘Head Carrier’, encargada de abrir el disco, es todo un sleeper; puede parecer anodina de entrada, pero va creciendo escucha a escucha y sus guitarras desprenden un bonito aroma a los R.E.M. de finales de los ochenta, el mismo que emana ‘Tenement Song’. ‘Baal’s Back’ añade el elemento bronco marca-de-la-casa y la acelerada ‘Talent’ es un tiro que casi alcanza cotas propias de 1989 (hay un momento en que a Francis parece que se le vaya a escapar lo de «Rock me, Joey»). Se siente un poco como llegar a casa: escuchar la voz de Francis, encontrarse con las inconfundibles guitarras de Joey Santiago y notar lo bien armada que está la base rítmica (David Lovering es infalible, el bajo de Paz Lenchantin es efectivo y sofisticado).
Sin embargo, en ‘Head Carrier’ hay varios detalles que pueden llegar a arruinar en algún momento la audición. Porque una cosa es no renunciar al sonido de Pixies, pero otra es el autoplagio. Así, el disco deja una incómoda sensación de desazón cuando trata de imitar algunos de sus grandes clásicos… sin conseguir rozarlos siquiera; ‘Might as Well Be Gone’ se parece a ‘Ana’, ‘Um Chagga Lagga’ se arma a base de pedacitos de ‘Vamos’, ‘Nimrod’s Son’ y ‘Subbacultcha’. Pero lo peor es esa manía de fusilar la voz y maneras de Kim Deal. Porque lo de la parte vocal de Paz Lenchantin en ‘Bel Sprit’, a dúo con Black, es un poco descarado, pero ‘All I Think About Now’ ya clama al cielo: ese inicio calcado al de ‘Where Is My Mind?’ (aullido incluido) y Paz cantando como si estuviera entonando ‘Gigantic’ me ponen de muy mala uva (y eso que es la única canción donde Paz ha podido ejercer de compositora junto a Francis).
Por suerte, la cosa mejora al final. ‘Plaster of Paris’ y ‘All the Saints’, piezas de pop casi prístino, suenan frescas, alegres y marcan una posible nueva vía para los Pixies; una en que, sin abjurar de su sonido (a pesar de todo, Black no ha perdido del todo su mojo punk-pop y Joey Santiago es mucho Joey Santiago), dejen de emperrarse en reproducir sus joyas pretéritas y opten por sonidos más adultos y calmos. Porque son estas dos canciones, las que más se alejan del patrón clásico (ruido-calma-ruido), las que acaban resultando las mejores. Aun así, tampoco voy a engañar a nadie: estoy segura de que, en sus directos, no nos sentiremos precisamente ansiosos por que toquen este ‘Head Carrier’.
Calificación: 6/10 Lo mejor: ‘Head Carrier’, ‘Talent’, ‘Tenement Song’, ‘Plaster of Paris’ Te gustará si: eres fan de los Pixies, los R.E.M. de ‘Document’ Escúchalo: Spotify Cómpralo: Amazon
¿Qué hace una estrella del hip-hop como Nicki Minaj un fin de semana? Monta una fiesta, se va de viaje, se toma un café con algún compañero o compañera de profesión o incluso continúa trabajando en material nuevo. Este fin de semana, sin embargo, Minaj ha tenido un día tonto y ha decidido tomarle el pelo a sus seguidores en Twitter bromeando con la existencia de un nuevo disco.
La rapera, que está de actualidad por su colaboración con DJ Khaled en ‘Don’t You Mind’, cuyo vídeo se estrenaba recientemente, se ha hecho un ‘Froot’ y se ha inventado un disco inspirado en frutas. ‘Pick My Fruit Out’ («elige mi fruta») contiene títulos como ‘Mango’, ‘Piña’ o ‘Kiwi’, además de ‘Banana’, un homenaje al gorila Harambe.
La canción favorita del álbum de Minaj, sin embargo, es la 10, dice, porque incluye a su rapero favorito de todos los tiempos (no especifica cual, nosotros apostamos por su pareja, Meek Mill). La ha titulado ‘Nigga toss my fruit salad’. En inglés, «agitar la ensalada» de alguien significa comerle el culo. Ya os lo explicamos en nuestro análisis de ‘Anaconda’. Naturalmente, la nueva ensalada de Minaj es de frutas. La macedonia de Nicki Minaj.
Concluida la broma, Minaj escribía en Twitter: «os amo a todos, me he estado partiendo de risa todo el rato». Qué bien se lo pasa Nicki. Por cierto, su último disco de verdad, ‘The Pinkprint’, salió hace dos años. ¿Prepará ya Minaj nuevo álbum en serio?
Ok u know what I wasn't gonna say anything but damn ya got it out of me. The album drops at midnight. 🎀💋 it's called #PickMyFruitOut
*kisses u* love u back. All of u. Love you sooooooo fkn much. I been cryin laughin this whole time, btw… Good stuff #PickMyFruitOut 🍎🍒🍌🍏🍓🎀 https://t.co/Q5WEmUfAdi
Vete preparando el paquete de clínex. Después del tsunami de lágrimas que provocó con ‘Lo imposible’, J. A. Bayona vuelve a los cines con idéntica misión: hacerte llorar hasta que acabes hipando y aullando como una fan de One Direction. El director del ‘El orfanato’ (en la que también se lloraba al final) no ha podido elegir mejor material para su nueva película. El libro de Patrick Ness, editado hace dos años por Nube de tinta, parecía escrito para que él lo dirigiera. No en vano, Bayona ya ha dicho que, aunque parta de material ajeno, esta adaptación es su película más personal.
¿Merece la pena ‘Un monstruo viene a verme’? Te damos cuatro razones para el sí y una para el no:
1. La historia. El original literario es una maravilla. Un hermoso cuento, mezcla de fantasía gótica y melodrama juvenil, ideado por Siobhan Dowd (‘El misterio de la noria de Londres’) antes de morir de cáncer con 47 años, y que acabó desarrollando Patrick Ness, quien también ha escrito el guión. Aunque se echa de menos algún personaje, como la amiga del niño protagonista, Bayona conserva intacto el poder de fascinación del relato, su carga emotiva y, en especial, su inteligente uso de la moraleja.
2. Las secuencias animadas. Extraordinarias. Los relatos que le cuenta el monstruo al niño son muy atractivos y evocadores, como si estuvieran narrados en el bosque a la luz de una hoguera. Pero es que además su ilustración es magnífica. Delicadas piezas de animación digital inspiradas en las ilustraciones de Edmund Dulac y en la técnica de la acuarela.
3. La integración entre realidad y fantasía. Las apariciones del monstruo, cuyo diseño está basado en los dibujos que realizó Jim Kay para el libro, son fabulosas. En ningún momento parecen pegotes de CGI incrustados en la imagen real, ni tampoco una exhibición de efectos especiales que aparecen interrumpiendo la fluidez narrativa del relato. Son grandiosos, sí, pero están al servicio de la intimidad de la historia.
4. Las enseñanzas del monstruo. En estos tiempos donde se ganan elecciones y referendos a base de simplificar hasta límites inmorales los discursos, o blanco o negro, o con nosotros o contra nosotros, ver como un tejo le explica a un niño que la realidad es compleja, ambigua y, en muchos casos, contradictoria, y que no se puede llegar a la verdad de un simple vistazo, da tanto gusto como ver a Sigourney Weaver hecha toda una yaya.
5. Su exceso de subrayados melodramáticos. No era necesario dejar la puerta abierta de la habitación del hospital. No hacía falta. La historia es lo suficientemente emotiva como para no tener que restregarnos por las narices la enfermedad de la madre ni recurrir a los típicos vídeos domésticos para que veamos lo felices que eran antes y los sueños que el cáncer se va a llevar consigo. No hacía falta porque la narración incluye varios detalles (la hora en la que aparece el monstruo o el cuaderno del final) que por si solos bastan para que se te caigan dos lagrimones más grandes que la ola de ‘Lo imposible’. ¿Para que hacer leña del árbol caído? 7
Continuamos con la sección ‘Estética de videoclips’ analizando las imágenes de algunos de los vídeos más destacados que hemos visto en las últimas semanas.
‘Ritmo en la sangre’ (Novedades Carminha)
La Olimpiada como afrodisíaco. La retrasmisión del carrerón de Mireia Belmonte en los JJOO de Río parece ser el catalizador que anima sexualmente a la pareja de este vídeo. ¿O son los gritos orgásmicos de los dos comentaristas? Este paralelismo es lo más divertido y estimulante del “primer videoclip porno de la historia de la música en España”. Amarna Miller gatea hacia Sylvan Gavroche como Mireia nada hacia el oro. Calientan y se tiran a la piscina mientras entran los primeros acordes de la canción (que apaga el sonido de una aspiradora, otro detalle divertido). A partir de ahí, comienza, como dicen los propios Novedades Carminha, el “folleteo”: una sucesión de planos “bonitos y sexis” (relamidos diría yo), con los actores “llevando el ritmo en la sangre”. Lo más inquietante de este vídeo es el plano final, con los miembros de la banda autora de ‘Campeones del mundo‘ andando por un pasillo como si acabaran de salir de un peepshow: con el móvil en la mano -¿grabando a los actores?- y las gafas de sol puestas. Raro. Puedes ver el vídeo aquí.
‘Perfect Illusion’ (Lady Gaga)
La que si lleva el “ritmo en la sangre” es Lady Gaga. Desde Nicolas Cage y Laura Dern en ‘Corazón salvaje’ no se veía a una persona metiendo esos patadones en medio del desierto. Qué nadie se acerque. En cuanto al vídeo, en ocasiones la manera más eficaz de ilustrar una canción es separándote de ella, llevando las imágenes a un territorio estético y narrativo diferente al del tema musical. No es este el caso. Ruth Hogben y Andrea Gelardin, habituales colaboradoras de la cantante, deciden tirar por el camino más obvio y redundar en la estridencia de ‘Perfect Illusion’. Con la cámara casi siempre a la altura del fan en un concierto, en contrapicado, vemos cómo una eufórica Gaga aprieta la mandíbula mientras las directoras desencajan y aceleran los planos para arañar nuestras retinas. Sencillo, eficaz, coherente con su nueva imagen, pero tan sutil como poner signos de admiración a una onomatopeya escrita en mayúscula.
‘The Greatest’ (Sia)
‘The Greatest’ comienza con una imagen muy potente y de gran riqueza semántica: un plano medio de Maddie Ziegler, situada delante de una pared llena de salpicaduras (como si le hubieran pegado un tiro en la cabeza), en el que vemos como desliza por sus mejillas lágrimas arcoiris. Más allá de su emotivo simbolismo (del que ya hemos hablado), lo que más destaca de este nuevo trabajo de Sia y Daniel Askill es la combinación de dos recursos expresivos que un principio podrían parecer antagónicos: los ambientes opacos y opresivos habituales en un relato de ciencia ficción distópico y la peculiar forma de bailar de la Ziegler. El resultado de este choque estilístico es una fábula triste y de aliento subversivo que, a través de las coreografías de los 49 bailarines (que corresponden a los 49 asesinados en el club de Orlando), funciona como llamada a la acción, a la insurrección, y como grito de dolor e impotencia ante la terrible realidad.
‘Starboy’ (The Weeknd)
Reinventarse a golpes. The Weeknd rompe con su pasado desdoblándose en estiloso asesino y protagonizando una ficción que parece extraída de un neo-noir de Nicolas Winding Refn. Liberado de su ¿asfixiante? antiguo yo, el cantante avanza por un pasillo decorado con objetos que ilustran su éxito pasado. Pero también cuelgan dos elementos extraños: un cuadro en el que aparecen Daft Punk como en una versión kitsch de una pintura de Caspar David Friedrich y un crucifijo de neón rojo que parece arrancado de una famosa secuencia de ‘The Lords of Salem’ y que utilizará el cantante a modo de blasfemo bate de béisbol. Después de dejar atrás su pasado, Abel Tesfaye avanza hacia el futuro montado en un McLaren P1 junto a un gato negro. Un felino que, quizá como espera que le ocurra al propio Tesfaye, se acabará transformando en pantera.
‘Siempre’ (Agorazein)
Y seguimos con Nicolas Winding Refn, uno de los cineastas que, para bien o para mal, más está influyendo estéticamente en el audiovisual contemporáneo. De nuevo su gusto por los neones y los ambientes nocturnos están muy presentes en ‘Siempre’, el nuevo trabajo de Manson para Canada (quien ya ilustró hace unos meses el ‘Antes de morirme’ de C. Tangana y Rosalía) que pone imágenes al nuevo tema de Agorazein. Compuesta por tres segmentos y siguiendo una línea argumental voluntariamente opaca (es más un teaser que un clip musical), el vídeo ofrece una estilizada reformulación en clave hispánica del modo de vida del rapero yanqui: cochazos, pibones, fiestones y casoplones. Una fábula onírica y resacosa, rodada con una cámara flotante, que parece ponerse en marcha con una calada y terminar con una llamada.
Quentin Dupieux, el hombre detrás de Mr. Oizo, no sólo ha vuelto al sello Ed Banger (su anterior trabajo, ‘The Church’, vio la luz a través de Brainfeeder), sino que con la excusa de la publicación de ‘All Wet’ también ha recuperado con fuerza a su mascota, aquel Flat Eric que tantas alegrías dio a Levi’s en 1999. Aunque más allá de eso, el francés, en esta ocasión, lejos de querer acaparar él solo toda la atención de los focos, en su sexto álbum de estudio se ha querido rodear de amigos en un disco que apenas supera los treinta minutos de duración y que deambula entre su faceta más comercial y esa cara más experimental en la que siempre se ha encontrado tan cómodo.
De entre los featurings que por aquí se pasean destacan por encima de todos ese ‘End of the World’ al que le sienta más que bien la presencia de Skrillex, ‘Freezing Out’ con una Peaches de lo más vacilona o ‘No Tony’, un número de hip hop en el que Phra de Crookers rapea en italiano sobre una base que haría las delicias del M83 de ‘Junk’.
También ha vuelto a reunirse con Boyz Noise en ‘Ruhe’ rememorando el espíritu de aquel proyecto llamado Handbraekes que hermanó a ambos en 2012 y 2014, y ha llamado a Siruismo para que le eche un cable en el tema titular. Pero en estos dos casos, al igual que ocurre en gran parte del minutaje de este disco, más que con canciones nos encontramos con retazos, ideas incompletas que podrían haber dado muchísimo más juego y que acaban cayendo en meras curiosidades. Abusando del loop como hace en esos pseudo-interludios titulados ‘Oiseaux’, ‘The One You Buy’ o ‘Ok Then’ (lo más french touch que aquí puede hallarse), Dupieux se muestra más desganado de la cuenta. Por motivos que desconocemos ha preferido poner sobre la mesa una serie de canciones que acaban siendo como un coitus interruptus (sobre todo, por lo abruptamente que terminan).
Aun con esas, lo que no tiene explicación alguna es porque no ha mantenido en el disco la versión primeriza de aquel ‘Hand In the Fire’ junto a Charli XCX que tan buenas críticas cosechó. Vale que la canción ya fue editada en el EP del mismo título a finales del pasado año, pero esta nueva vuelta de tuerca que aparece en ‘All Wet’ no le hace para nada justicia. ¿El hecho de pasar más tiempo detrás de las cámaras dirigiendo que dentro del estudio de grabación le está pasando factura creativa con los años?
Calificación: 5,5/10 Lo mejor: ‘End of the World’, ‘Freezing Out’, ‘No Tony’ Te gustará si te gusta: los álbumes de electrónica eclécticos y con canciones que duran menos que un suspiro Escúchalo:Spotify
Azealia Banks ha intentado cargarse su imagen de diversas formas en los últimos años, por ejemplo, mordiendo el pecho a una guarda de seguridad a la salida de una discoteca en Nueva York, agresión por la que fue detenida; insultando gravemente en Twitter a Zayn Malik y a su familia (por lo que pidió disculpas) o, de manera más notable, apoyando en las redes sociales la candidatura de Donald Trump. No es que Banks fuera fan del candidato republicano (decía que le iba a votar porque «Estados Unidos es una mierda y necesita más mierda para seguir funcionando») pero el público no le ha perdonado estas declaraciones a Banks desde entonces.
Hoy, Trump es noticia por la filtración de un vídeo de su paso por Access Hollywood en 2005 en el que realizaba declaraciones machistas sobre las mujeres como que «cuando eres una estrella puedes hacer lo que quieras» como «coger a las mujeres por el coño». Banks debe haberse enterado de la noticia porque pronto ha acudido a Facebook (no, no lo ha dejado) para expresar su arrepentimiento por haber apoyado a Trump. «Cometí un error enorme apoyando al señor del tupé. Los derechos de las mujeres son importantes y debemos protegerlos. Lo intenté, llegué, incluso lo cargué a mis espaldas… Retiro todo lo dicho».
En otro post, la autora de ‘Broke with Expensive Taste’ habla en líneas más generales sobre su relación con la política defiende arrepentirse de haber mezclado alguna vez música y política en su carrera. «Me siento estúpida por haber dicho alguna vez algo sobre esta mierda de las elecciones. Intenté ser una ciudadana observadora, pensando que sería lo más responsable, pero terminé alienando a un montón de mis fans y seguidores. Me arrepiento profundamente de haber mezclado música y política puesto que ahora me encuentro con que me es prácticamente imposible mantenerme al día con las elecciones y la locura de los medios. Me siento confusa y desinteresada. Espero que mis fans y compañeros puedan perdonarme y prometo no mezclar música y política nunca más».
Esta semana, otro One Direction ha dado el salto en solitario. Niall Horan, el rubio del grupo, ha estrenado su primer single, ‘This Town’, una balada acústica con guitarras y pianos, de bonita melodía vocal, en la que solo al final irrumpe un sutil ritmo de percusión acompañado de unas cuerdas orquestadas. La canción ya se ha colado entre las canciones más vendidas de Reino Unido, donde es top 9, y Estados Unidos, donde es top 63. Es la típica canción mona de cantautor de los 70 que ya ha sacado Ed Sheeran pero no está mal.
Aparte de canciones puramente pop como ‘What Makes You Beautiful’ o de otras más bien pop-rock en el estilo de Bryan Adams como ‘Don’t Forget Where You Belong’ (cuando no le da por homenajear a Fleetwood Mac en temas como ‘Fireproof’ o ‘What a Feeling’), One Direction contiene en su repertorio también una variedad de canciones «folki» que siempre hemos identificado más con Horan, el «singer songwriter» del grupo, pero que son mayoritariamente autoría del grupo y su equipo de compositores. Entre ellas encontramos dos inolvidables, ‘Story of My Life’ y ‘You & I’. El último álbum de One Direction, ‘Made In the A.M.’, contenía un tema notoriamente parecido a ‘This Town’, ‘I Want to Write You a Song’.
Horan es el primer integrante de One Direction que edita música en solitario después de Zayn, que abandonó la formación en marzo de 2015 y cuyo álbum debut, ‘Mind of Mine’, ha sido un éxito. ¿Habrá disco pronto? Por su parte, Lian Payne ha firmado un contrato con Capitol, Harry Styles está grabando su papel en ‘Dunkirk’ en Christopher Nolan y Louis Tomlinson ha sido padre.
Una de las canciones recientes más recordadas de Beyoncé es ‘Flawless’. Lo es por varios motivos, en primer lugar, su gancho del «I woke up like this», que tantos memes ha inspirado en la red tras el estreno de la canción y, en segundo, por su sample de un discurso feminista de la escritora nigeriana Chimamanda Ngozi Adichie titulado «Todos deberíamos ser feministas». La canción reinventó la imagen de Beyoncé adscribiéndola a un discurso político hasta entonces prácticamente ausente (‘Run the World’) en su trabajo, pero también levantó ampollas por lo cuestionable de que Beyoncé se autoproclamara feminista dada la naturaleza de su repertorio musical previo.
Una de las personas que encuentra cuestionable el feminismo de Beyoncé es, precisamente, Chimamanda Ngozi Adichie. La escritora ha sido entrevistada en un periódico holandés y, por supuesto, cuestionada por el sample de su discurso de ‘Flawless’. Aunque Chimamanda defiende, tal y como recoge The FADER, las buenas intenciones de Beyoncé, no cree que su marca feminista ayude a las mujeres. [«El feminismo de Beyoncé] da mucho espacio a la necesidad del hombre», asegura la escritora. «Me gustan los hombres pero no creo que las mujeres tengan que relacionarlo todo con ellos. ¿Me ha hecho daño? ¿Debería perdonarle? ¿Ha puesto un anillo en mi dedo? Nosotras, las mujeres, estamos muy condicionadas a relacionarlo todo con los hombres. Pon a un grupo de mujeres juntas [en una habitación] y la conversación terminará derivando a los hombres. Pon a un grupo de hombres juntos y no hablarán de mujeres para nada, hablarán de sus cosas. Nosotras, las mujeres, deberíamos pasar tipo un 20% de nuestro tiempo hablando de hombres porque es divertido pero, sobre todo, también deberíamos hablar de nuestras cosas».
Beyoncé dio por concluida anoche la gira de presentación su último disco, ‘Lemonade’, que vimos en su paso por Barcelona el pasado mes de agosto. Para el último concierto de la gira, Beyoncé invitó al escenario a Kendrick Lamar, Serena Williams y a su marido Jay-Z e hizo una actuación de ‘6 Heel Inches’ del revés.
¿Es ‘Glory’ de Britney Spears un éxito o un fracaso? El noveno álbum de Spears ha recibido las mejores críticas de su carrera (al menos, según el siempre cuestionable Metacritic); todo el mundo parece haber decidido que el de este disco sí es el «comeback» que ‘Circus’, ‘Femme Fatale’ y ‘Britney Jean’ no fueron y el álbum está siendo acompañado de una promoción potente, con actuaciones fuera de Las Vegas como en la pasada edición de Apple Music Festival, como no ocupaba a Britney desde hace tiempo. Sin embargo, objetivamente casi nadie se ha comprado el disco ni está acudiendo masivamente a las plataformas de streaming a escucharlo. Algo falla cuando tu disco mejor considerado ha salido fuera del top 100 de tu mercado principal a menos de dos meses de su salida a las tiendas y ‘Glory’ es actualmente top 103 en Estados Unidos. Se busca milagro para salvar esto.
Uno de los motivos de este fracaso ha sido la tibia recepción comercial de su sencillo principal, ‘Make Me…’, una colaboración con G-Eazy que, a pesar de su sonido R&B sensual a la moda actual de Selena Gomez y Justin Bieber, no ha terminado de explotar del todo en las listas de ningún mercado del mundo, ni siquiera el norteamericano, en parte por culpa de su pésimo videoclip. Tras interpretarla Britney en la última edición de los MTV Video Music Awards, ‘Make Me…’ conseguía una segunda cumbre comercial en el top 17 de Estados Unidos… y adiós muy buenas. Después, Britney la ha seguido haciendo en otros sitios pero parece que no hay nada más que hacer. Ojo, un top 20 no está mal pero, para el bombo que se le ha dado al single, que este no aparezca actualmente siquiera en ninguna lista de iTunes importante es preocupante como mínimo.
Es loable que Spears y su equipo hayan decidido seguir apoyando ‘Make Me…’ a tres meses de su lanzamiento oficial cuando no ha pasado nada realmente significativo con ella en listas, en lugar de apresurarse a sacar un segundo single para intentar salvar los muebles del disco. En otras palabras, aunque ‘Make Me…’ no haya terminado siendo el éxito comercial que sus autores esperaban, por lo menos sí se le ha dado un trato digno. Pero es momento de pasar página. Y ‘Glory’ contiene suficientemente buenas canciones como para que escoger un segundo single del mismo sea una tarea complicada. Sin embargo, este está claro si atendemos a las escuchas de Spotify: ‘Slumber Party’.
‘Slumber Party’ es el segundo single obvio de ‘Glory’ por varios motivos. En primer lugar, como composición es uno de sus puntos más fuertes -muchos defenderían que es la mejor canción del disco-, su melodía vocal es pegadiza sin resultar empalagosa y tiene un punto melancólico perfecto para el otoño, su ritmillo reggae no podría recordar más a ‘Hotline Bling’ de Drake y el resto de sus componentes instrumentales (el cálido arreglo electrónico que conforma el esqueleto y fondo de la canción, sus eufóricos vientos metal) conforman la canción de Britney Spears más «cool» y apta para la radiofórmula actual que la cantante ha editado en años. Es cuestión de tiempo de que la confirme.
‘Glory’ es el retorno verdadero de Britney por la soberbia calidad de sus canciones así como la de sus producciones y actuaciones vocales. Por este motivo, ‘Just Luv Me’ se postula también como un potentísimo segundo single. Su melodía es bonita, su interpretación limpia, afectada y bella y su base instrumental, a cargo de Cashmere Cat, es elegante, atmosférica y muy similar, por otro lado y como ya hemos apuntado en alguna ocasión, al trabajo más tropicalete de Jamie xx. Britney siempre ha tenido el problema de no resultarle molona a nadie y ‘Just Luv Me’ podría convertirse en esa otra canción de Spears aparte de ‘Toxic’ que le gusta a todo el mundo, no solo a los fans.
A pesar de la calidad de estas canciones y de la irritación de sus fans por que ninguna de ellas haya sido anunciada todavía como segundo single, la otra canción a parte de ‘Make Me…’ que Britney ha estado haciendo en directo no es ninguna de ellas sino ‘Do You Wanna Come Over?’. Si eres fan de Spears identificarás esta canción como un clásico inmediato de su repertorio y tiene posibilidades de éxito sencillamente porque es bailable, simple, desvergonzada y sexy; es decir, puramente Britney Spears. Sin embargo, tengo mis dudas de que su sonido esté diseñado para conquistar la radio aunque su letra refleje tan bien la generación Tinder/Grindr actual que su hipotético videoclip podría ser muy grande.
Parece claro que Britney y su equipo están esperando el momento idóneo para anunciar este single porque es importante. Es el single que ha de reavivar las ventas de un álbum que no va a salvar Instagram. El single tiene que ser bueno, adaptarse a los tiempos pero sonar diferente, conseguir un buen apoyo de radios y streaming y, sobre todo en el caso de Spears, tener un buen vídeo, un vídeo a la altura de sus mejores. ‘Glory’ no merece las ventas mediocres que está teniendo y hace falta un buena estrategia. Podría dar la sorpresa la mini viral ‘If I’m Dancing’, la canción más delirante del disco, o ‘Change Your Mind (No seas cortés)’, su momento latino, que, ojo, se ha colado entre las 10 canciones de Britney más escuchadas en Spotify. ¿O está el asunto entre el infeccioso reggae de ‘Love Me Down’ y el intento de ‘Lean On’ que es ‘Better’? ¿Tendrá la siniestra ‘Mood Ring’ su momento? La suerte está echada. ¿Habrá milagro?
Mary J. Blige no saca disco desde 2014, cuando editó el sorprendente ‘The London Sessions’, que contenía un tema house titulado ‘My Loving’ y colaboraciones con Disclosure (con quienes colaboró en ‘F for You’), Naughty Boy y Emeli Sandé, entre otros. La cantante, que venía de un fracaso considerable con la banda sonora de ‘Think Like a Man Too’ y de varios discos que pasaron desapercibidos para casi todo el mundo como ‘My Life… the Journey Continues (Part I)’, se rodeaba en ‘The London Sessions’ de algunos de los nombres más relevantes del pop actual para un trabajo interesante en su acercamiento al pop británico que, sin embargo, tampoco terminó de convencernos del todo.
Ahora, Blige ha anunciado el sucesor de aquel disco y parece que tendrá más que ver con el trabajo R&B al que nos tiene acostumbrados. Su nuevo álbum, ‘Strength of a Woman’ saldrá este año a través de Capitol y el primer adelanto es ‘Thick of It’, un medio tiempo otoñal co-escrito junto a Jazmine Sullivan que fusiona Motown y hip-hop y que podría darle a Blige alguna que otra alegría en las listas de R&B de Estados Unidos.
La cantante, autora del clásico ‘Family Affair’ en 2001, ha descrito ‘Thick of It’ como una de esas canciones que necesitaba sacar por muy doloroso que fuera. «Pero yo no me freno, eso no es lo que soy y no voy a cambiar ahora de ninguna manera», ha indicado. «Todos nos enfrentamos al amor y a las emociones en las que nos enredamos y tenemos que sobrevivir, crecer y permanecer honestos con nosotros mismos. Siento esto con esta canción. Es la primera de un disco en el que he estado trabajando dos años. La música me salva sin importar lo que esté ocurriendo en mi vida».
Dawn Richard, la cantante de R&B experimental autora de ‘Goldheart’, editaba hace unos meses una «slow jam» hermosa titulada ‘Honest’ en la línea de la mejor Janet Jackson como adelanto de su último EP, ‘Infrared’, editado el pasado mes de mayo. El EP era un trabajo junto al productor Kingdom, se editaba a través del sello Fade to Mind y parece que se quedará en un proyecto aparte porque ninguna de sus pistas aparecerá en el nuevo álbum de Richard, ‘Redemption’, que se acaba de anunciar.
‘Redemption’, que sale el 18 de noviembre y ya puede pedirse en iTunes, será el tercer largo de Richard y esta lo define como una obra especial. «Quería hablar de autodescubrimiento», ha explicado en Instagram, «de lo que significa ser negra, de lo que significa ser mujer; quería hablar sobre derechos de los gays, quería hablar sobre crímenes contra la comunidad negra, quería hablar de descubrimiento sexual y quería encontrar la redención en poseer una voz con la que hacerlo».
El nuevo álbum de Richard saldrá en varios formatos, entre ellos vinilo, digital y un collar USB «con el disco, contenido en realidad virtual, fotografías y más». «Podrás VESTIR el disco y llevarlo allá donde vayas», indica la cantante. No pinta mal la oferta.
El primer adelanto del álbum es la bailable ‘Renegades’, que contiene una melodía entre repetitiva e hipnótica, ritmos corpulentos y vientos metálicos. Sería refrescante como mínimo que alguna discoteca de nuestro país pinchara esto. ¿Quién se anima?
Una de las peores cosas que le puede ocurrir a un artista que se encuentra trabajando en su nueva obra es que tenga que abortar la misma. Los motivos pueden ser personales, como que el artista se de cuenta de repente que la obra no vale la pena, o ajenos a su control, como que un sello discográfico decida no editar un disco por diferencias artísticas, ideológicas o de otro tipo. Hemos conocido casos a tutiplén, desde ‘Lifehouse’ de The Who (algunas de las pistas del cual terminarían en ‘Who’s Next’) hasta ‘Eros’ de Deftones pasando por ‘Smile’ de The Beach Boys, ‘Cigarettes and Valentines’ de Green Day, ‘Techno Pop’ de Kraftwerk, ‘James River’ de D’Angelo, los discos perdidos de Beyoncé (contemporáneo a ‘4’ e inspirado en Fela Kuti), Britney (‘Original Doll’) o Grimes (el que había de incluir ‘Go’) o, cómo olvidarlo, el famosísimo ‘Detox’ de Dr. Dre.
Hoy, un nuevo artista se suma a esta lista de músicos que han cancelado el lanzamiento de su disco. Hablamos de French Montana, el rapero estadounidense de origen marroquí autor de ‘Excuse My French’ y de varias colaboraciones destacadas en el hip-hop de los últimos años como ‘Figure it Out’ con Kanye West y Nas y ‘No Shopping’ con Drake. Montana planeaba la salida de su nuevo álbum, ‘MC4’, para este año, sin embargo, el rapero ha tenido que cancelar su salida a causa de varios samples que no se han podido aclarar legalmente, concretamente para canciones como ‘I’m Heated’ y ‘Two Times’. Además, Montana señala que las mezclas alternativas del disco con las que supuestamente debía trabajar no le han convencido y que todo el lío en torno al mismo le ha quitado las ganas de terminarlo.
Montana asegura que ‘MC4’ sí saldrá pero ya no como él quería (no será, por tanto, el disco original) pero sí con un «envoltorio diferente». Suponemos que se reservará el disco para el año que viene. Este incluía, por cierto, colaboraciones con Miguel y A$AP Rocky, entre otros.
‘The Greatest’ de Sia es el nuevo número 1 de nuestro top semanal después de haber pasado tres semanas en la 2ª posición. Ha sido una semana muy reñida en la que por momentos ganaba Gaga y por momentos ganaba The Weeknd, que protagoniza la subida más destacada de la semana, del puesto 12 al puesto 3. También suben Espanto o Röyksopp, mientras las nuevas entradas corren a cargo de Nick Cave, New Order, Robbie Williams y Flume con Tove Lo, quien con la tontería tiene tres temas distintos en el top 40. Podéis votar durante toda la semana por vuestras 20 canciones favoritas a través de este enlace.
Nuestra playlist de novedades de cada viernes viene encabezada por Bruno Mars, la gran estrella del día con su single de regreso. También tenemos tema nuevo de MNEK, conocido por sus colaboraciones con Beyoncé y Madonna, que publica una adaptación de Queen.
Hay nuevos singles de John Legend, Alicia Keys, Bon Jovi, Kings of Leon, Mø, The Radio Dept, Sleigh Bells, El lado oscuro de la broca, Becky G, Juanes, Iván Ferreiro, The Rolling Stones y Lady Gaga. Estos dos seguidos no suenan nada mal por cosas de la vida. Entre las curiosidades, un acústico de ‘Stand By Me’ de Oasis para la reedición de ‘Be Here Now’, que se está promocionando como si fuera un disco nuevo. En la imagen, Soft Hair (Connan Mockasin y Sam Dust de LA Priest), que estrenan tema.
Entre las canciones que más nos han gustado esta semana, destaca la de Amber Coffman, ex Dirty Projectors; y también ‘Walking Away’ de Lia Pamina, cuyo vídeo estrenábamos nosotros mismos.
Entre los nuevos discos, un Luke Haines más loco que nunca, Tórtel, Diego Vasallo, Daya (hasta ahora conocida por el tema con The Chainsmokers), Phantogram, Goat, Kate Tempest, Kaiser Chiefs, White Lies y OneRepublic, y de este rescatamos dos pistas porque parecen de dos álbumes distintos, una con Peter Gabriel podría ser de Daft Punk en DFA y la otra está co-escrita por Romy de The xx y se nota. Igualmente, se reedita el segundo disco de los Killers con tema inédito.
Hoy arrancan los conciertos de Villamanuela en Madrid y, entre las actuaciones internacionales de Death In Vegas, Andy Stott o Faust, una de los grandes apuestas nacionales será una de las que presenta Jägermusic: Nightcrawler en Siroco (viernes a las 22.00), el proyecto de synthwave y horror synth inspirado en John Carpenter y las bandas sonoras de películas de terror, que ha destacado con temazos italo como ‘Genesis’ o con un nuevo single excelente llamado ‘Phantom Planet’ que se ha presentado junto a varias remezclas. Gracias al equipo de Jägermusic podemos ver cómo de bien funciona en vivo en este vídeo grabado entre el SOS 4.8 y el Low Festival, cuyo principio y desarrollo son dignos del recién inaugurado Festival de Sitges. Pelos de punta. Gente en éxtasis entre el público. Hablamos con el hombre detrás de este proyecto.
‘Phantom Planet’ se parece a parte del material que ya conocía el público, pero es bastante abstracto, hay puntos más cosmic, más Kraftwerk, algo Moroder… pueden ser
cosas que ya habías manejado pero parece que has dado un paso más, ¿cómo has
llegado a este trabajo y qué has querido expresar en él?
Me gusta tratar una temática diferente en cada trabajo que publico. Venía de sacar mis
dos últimas referencias con un estilo más de terror y me apetecía hacer algo relacionado
con las pelis de ciencia ficción, que me gustan mucho. Sobre todo, las bandas sonoras de
los films del espacio, los sonidos cósmicos y los vocoders, así que decidí mezclar todo
este cocktail en una canción.
¿Hay algún artista, canción, película o situación de la vida real que te haya inspirado particularmente para este tema?
Sin duda, ‘2001: Una odisea del espacio’. Durante el proceso de composición también
visioné varios documentales de la Nasa y sus misiones espaciales.
¿Cuál de las 4 versiones has escuchado más tú mismo? Sin ser un desmelene, las hay un poco bastante bailables… ¿era la idea o estabas abierto a que surgiera una versión más tipo witch-house, trap, etc.?
Me siento identificado con todas las versiones porque mantienen la esencia, de una
manera u otra, de la versión original. Conociendo a los artistas ya sabía el estilo y por dónde irían los tiros en sus remezclas, así que quedaron como esperaba y han aportado una gran variedad musical al EP, me cuesta tener que escoger una, todas me gustan mucho, porque aportan algo diferente, las de WLDV & Antoni Maiovvi son más bailables y la de Mynationshit tiene un groove muy electro, tal vez es la que me impactó más.
¿Es una pista de lo que pueden ser tus próximas ediciones o no tiene por qué? En otras palabras, ¿por qué este single aquí y ahora?
Seguro que en mi álbum hay algún guiño más al sonido cósmico pero no será la temática
principal.
¿Te sientes próximo a otros artistas nacionales como Lasers o quizá The Suicide of Western Culture, a otros, o tus referentes son sobre todo internacionales?
Mis referentes son sobre todo internacionales (John Carpenter, Goblin, Moroder) pero
también me siento próximo a los grupos nacionales que comentas, porque pienso que
tienen mucha personalidad y que apuestan por un estilo diferente y arriesgado.
Muchos artistas nuevos están marcados evidentemente por la banda sonora de ‘Drive’. Algunos incluso dicen que cambió sus vidas. Adivino que no es tu caso, ¿pero qué te pareció el fenómeno ‘Drive’? ¿Te gustó, te parece sobreexplotado?
La peli en sí me gustó mucho. Sin duda, su banda sonora ha dejado huella y ha influido
en muchos artistas que ahora hacen synthwave. En mi caso, el synthwave es solo una de
las referencias, ya que lo mezclo con más estilos como el horror synth. Siempre me ha
interesado desmarcarme un poco del hype que generan estos fenómenos tan mediáticos.
Ahora, por ejemplo, lo es la serie ‘Stranger Things’, que personalmente junto con su banda sonora también me ha gustado mucho.
‘Genesis’ iba por ahí y ha terminado ser tu tema más escuchado en redes, por ser tan popero, suponemos, ¿habrá más con letra o no estás particularmente orgulloso de esa canción?
Es un tema que me encanta y sin duda es el más comercial que tengo. El synthpop me
gusta mucho y en mi próximo álbum habrá alguna canción con letra. Lo que no te sé decir
es si irá en esa línea o alrededor de un concepto más oscuro. Aunque insisto en que estoy orgulloso de ‘Genesis’, en este momento disfruto más trabajando en atmósferas más
oscuras. Tengo debilidad por las melodías melancólicas y tenebrosas.
Citas el giallo entre tus influencias, soy bastante fan de Dario Argento, ¿alguna peli favorita de él o de algún otro director del movimiento o más bien te inspira su música?
Me encantan las pelis Giallo, una de mis favoritas de Argento es ‘Suspiria’ porque fue un efecto sorpresa que no fuera un Slasher. La película ‘Profondo Rosso’ me cautivó por su hipnótica y espectacular banda sonora compuesta por Goblin.
¿Cuáles serán los próximos pasos de Nightcrawler? ¿Vídeos, remezclas, directos, trabajo para otra gente?
Seguir presentando mi Live en diferentes ciudades; trabajar en mi próximo disco y, a
principios de 2017, el sello de Austria (Electronic Purification Records) va a re-editar mi primer álbum, ‘Metropolis’, en vinilo. Cuando me lo propusieron me encantó la idea de
reeditar mi primer trabajo. Todavía no lo había dicho públicamente ;)