Vaya veranito. ‘Independence Day: Contraataque’, ‘Jason Bourne’, ‘Mi amigo el gigante’, ‘Alicia a través del espejo’ y, para rematar, ‘Escuadrón suicida’. Ni un blockbuster realmente jugoso con el que relamernos este verano. Al final, cumple el de siempre: Pixar. Y eso que ‘Buscando a Dory’ no es, ni de lejos, su película más inspirada. Si lo comparamos con el año pasado, con ‘Del revés’, ‘Misión: Imposible. Nación secreta’, ‘Jurassic World’ o ‘Mad Max: Furia en la carretera’ (que aunque se estrenó unas semanas antes aguantó durante todo el periodo estival), podemos decir sin exagerar que estamos ante uno de los peores veranos cinematográficos de los últimos años, desde que Hollywood decidió estrenar sus superproducciones en los meses de más calor. Todavía faltan algunos: ‘Cazafantasmas’, ‘Ben-Hur’, ‘Star Trek: Más allá’… Pero, salvo quizá esta última, no hay muchas esperanzas de que esto remonte.
‘Escuadrón suicida’ prometía ser la mejor. Y es la peor. La adaptación del cómic creado por John Ostrander para DC en 1986 estaba destinada a convertirse en la alternativa a películas de superhéroes (o superantihéroes) irreverentes como ‘Guardianes de la galaxia’ o, especialmente, ‘Deadpool’. Pero, en vez de eso, les ha salido una parodia involuntaria. Es como si la hubiese dirigido El Joker. Todo es risible. Los conflictos dramáticos de los personajes, una broma. La pretendida irreverencia de la propuesta, un chiste adolescente. El guión, un gag malo repetido durante dos horas. El montaje, una burla a la fluidez narrativa. La selecciónmusical, una gracia demasiado obvia. La estética, una farsa. La acción, humor amarillo. La supervillana, un chascarrillo. Y así todo. Una risa. Pero una risa hastiada enunciada con los ojos en blanco. Ja… Já.
En realidad, los que deben estar riéndose a carcajadas son los de Marvel. Sobre todo después de ese “Fuck Marvel!” que soltó el envalentonado director David Ayer durante la presentación de la película. Y es que DC no da una. No consigue ni acercarse a ese “blockbuster definitivo” que lleva buscando desde ‘El hombre de acero’ (2013). ‘Batman v. Superman: El amanecer de la Justicia’ es muy mala, pero va a estar entre las más taquilleras del año (872.200.000). El problema es que su rival, ‘Capitán América: Civil War’, que es mucho mejor, ha arrasado: 1.132.900.000.
‘Escuadrón suicida’ también promete arrasar, pero con todos los Razzies. Dudo que haya una película este año cuya distancia entre expectativas y resultados sea mayor. Salvo la secuencia de presentación de los personajes y la llamativa estética de Harley Quinn, por decir algo, todo lo demás es como para cortarse las venas en el cine. Pero lo peor no es eso. Lo peor puede estar aún por llegar: ‘Escuadrón suicida II’… 1’5.
¿Insatisfecho con el videoclip que hace un par de días estrenaba Britney Spears para ‘Make Me…’, su nuevo single? Pues no eres la única. Como cuenta Vulture, en Change.org, se ha abierto una petición dirigida a RCA, sello de la artista, para que lancen la versión original del clip, que había dirigido el popular fotógrafo pop David LaChapelle. La petición dice «(…) nosotros, fans de Britney, encontramos que este vídeo musical no es una adecuada representación y requerimos que el vídeo original sea publicado». Por el momento, acumula más de 13.600 firmas, de las 15.000 planteadas como objetivo.
La existencia de este vídeo se conoce porque algunos fragmentos e imágenes de ese vídeo se filtraron hace algunas semanas. LaChapelle ha declarado que el clip fue descartado porque el equipo de Brit lo consideraba «demasiado sexy», mientras que el propio equipo de Britney, según TMZ, lo calificaba de «profundamente inconexo, sin fundamento ni argumento». En el fragmento filtrado, podemos ver a Spears en el interior de una casa en la que, entre hombres fornidos que entrenan y hacen pole-dancing, se pasea un leopardo domesticado. Turbada por la escena, Brit lanza un televisor de plasma a la piscina. Finalmente, ha sido sustituido por un vídeo con un argumento mucho más sólido (¡ja!), dirigido por Randee St. Nicholas.
‘Make Me…’ es el primer single de ‘Glory‘, nuevo álbum de la diva pop que se publica el próximo 26 de agosto y cuya portada también ha sido objeto de otra petición en Change.org para que fuera sustituida por otra «más representativa». La pasada semana mostraba ‘Private Show‘, otro de sus temas. Os dejamos con la versión final de ‘Make Me…’.
Crystal Castles anunciaron hace pocas semanas, el ya inminente 19 de agosto verá la luz el cuarto álbum del proyecto comandado por Ethan Kath y al que se sumó Edith Frances como vocalista tras la ruptura artística con Alice Glass. Se titula ‘Amnesty (I)’ y estará presidido por un portadón. Ya conocíamos de él hasta cuatro canciones: ‘Frail‘, ‘Deicide‘, ‘Char‘ y ‘Concrete‘, la del vídeo en que Edith paseaba eufórica entre el público de un festival.
Ahora, el dúo da a conocer otro de los temas (o, más bien, parte de él) de una forma algo distinta a lo que acostumbramos. En un vídeo de Instagram, podemos ver a Edith en el estudio interpretando ‘Enth’, otro de los temas del álbum. No parece deparar grandes sorpresas esta canción, si bien suena tan explosiva como es habitual en ellos.
Un vídeo publicado por Crystal Castles (@officialcrystalcastles) el
Como decíamos, ‘Amnesty (I)’ es el primer disco de Crystal Castles desde que Kath y Glass partieran peras, en una polémica que aún dura y en la que la vocalista acusaba al productor de no reconocer su labor creativa en el grupo. Alice Glass también prepara su primer disco en solitario. Por su parte, Crysal Castles ya están inmersos en una larga gira veraniega que les ha traído, por ejemplo, este pasado fin de semana a Arenal Sound. Si te los has perdido, no te angusties, porque tendrás ocasión de verles de nuevo el próximo septiembre, esta vez en una gira por salas. El grupo actuará el 5 de diciembre en el Kafe Antzokia de Bilbao, el 9 de diciembre en el Teatro Barceló de Madrid y el 10 de diciembre en la sala Apolo de Barcelona. Entradas ya disponibles en Ticketea.
“No hay necesidad de transformarte”, repite insistentemente Kristin Control en ‘Show Me’, la canción que abre su álbum de debut bajo ese nombre. No deja de ser paradójico, cuando lo que suena es el primer disco de la que fuera líder de la banda Dum Dum Girls, cuando se hacía llamar Dee Dee, con un sonido diametralmente distinto al de aquellas canciones. Pero, si atendemos a sus explicaciones sobre este cambio de rumbo, esas palabras no resultan tan incoherentes como parecen. Kristin Welchez, que es su nombre real, quería aproximarse a la música con la que empezó a conectar: por un lado, los clásicos del R&B de los 80 y 90, Janet y Madonna; por otro, a grandes voces femeninas del rock, como Patti Smith, Joan Jett o Chrissie Hynde. Sin embargo, sentía que el público de su banda no entendía que abandonaran su primer sonido, de melodías vocales 50s y guitarras ruidosas. Así que, pese a los riesgos, decidió cortar por lo sano y comenzar de nuevo con algo en lo que de verdad se sintiera representada y libre. Así nació Kristin Kontrol, que se pone de largo en este álbum de debut muy apropiadamente titulado ‘X-Communicate’, “excomulgar”.
Excomulgada por voluntad propia del papel de fuzz-rockera en el que se encasillaba, Kristin se presenta como una ecléctica artista de pop. Tiene trazos de rock (como en una ‘White Street’ que recuerda a Transvision Vamp o a los Pretenders más sofisticados, también referenciados en ‘(Don’t) Wannabe)’, reggae (‘Going Though the Motions’) y nueva ola (‘Show Me’). Pero, sobre todo, suena a pop de base electrónica y aspiración bailable, como demuestra en el gran single que da título al álbum, o ‘Skin Shed’, dos canciones que no desentonarían lo más mínimo en el repertorio de unos Saint Etienne o una Little Boots. La pátina de producción nostálgica, a cargo de Kristin junto a Kurt Feldman (ex-TPOBPAH, ahora conocido como Ice Choir) y Andrew Miller (que fue guitarrista de sus Dum Dum Girls), ejerce de hilo conductor del álbum y triunfa en el propósito de Kristin: sonar «como Kate Bush haciendo versiones de Mariah (Carey)». Ese halo de nostalgia por el R&B y otras producciones de los últimos 80 y primeros 90 (al que aludíamos en una playlist reciente en la que incluíamos a KK) funciona estupendamente, pero necesita que haya buenas canciones detrás. Todas las anteriormente citadas lo son y con ellas ‘X-Communicate’ funciona, pero se resiente cuando se trata de temas menos sólidos, como las menos inspiradas ‘Drive The Night’, ‘Smoke Rings’ o la power-ballad ‘What Is Love’, que fracasa en su estribillo, al carecer de un gancho realmente potente. Con todo, el de Kristin Kontrol es un debut con puntos álgidos y, sobre todo, un acto de valentía poco común en el pop de hoy que cabe reconocer.
Nota: 6,9/10 Lo mejor: ‘X-Communicate’, ‘Skin Shed’, ‘White Street’, ‘Going Though the Motions’ Te gustará si te gusta: The 1975, Saint Etienne, Transvision Vamp.
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Si ya es difícil destacar para cualquier chaval que rime en Madrid, Barcelona o Sevilla, podéis imaginaros cómo debe ser para un MC de Canarias. Por eso, quizá, Bejo ha tenido que venirse a Madrid para buscarse la vida mejor. Por suerte para él, poco a poco va obteniendo resultados. En sus inicios, como Bejotaeme, venía desde 2012 presentando temas de rap bastante clásico, con unas instrumentaciones muy próximas al estilo pseudo-hippie de Digable Planets, y letras de corte político bastante normalitas y algo previsibles. Así hasta mediados de 2015, cuando lanza ‘8 Misisipi’, un corte que tanto en el aspecto instrumental (frecuentemente con trasfondo jazzy-funk) como en el lírico muestra un ascenso de nivel, con un Bejo que realza su acento canario (mucho ojo también a su colega Don Patricio y su «trap folclórico», con el que coincide en el colectivo Locoplaya) y su sentido del humor, con letras despreocupadas e inteligentes, que huyen de la confrontación y del beef absurdo.
A partir de ahí, Bejo se ha mostrado más fluido y libre, como si hubiera encontrado su línea propia y no le quedara más remedio que seguir avanzando. Ya en 2016, se aproxima con tino al trap con cortes como ‘Pintando pollas en la pizarra‘, y los contenidos en el EP ‘Pírdula‘, temas más oscuros pero que confirman su nuevo nivel rimando y su peculiar talento para despertar una media sonrisa cuando se le escucha. Sus vidéos (sic), siempre a cargo de su inseparable Cachi Richi, también merecen atención por su capacidad para exprimir al máximo unos recursos muy limitados y una imagen bastante loca.
El ascenso imparable del canario, sin duda, ha llegado a una nueva cota recientemente con el binomio ‘Mucho’ y ‘Poco’, dos caras de la misma moneda que ya están dando sus frutos y confirmando a Bejo como un artista único que marca distancias, alejando a la competencia de manera natural y fresca. Ojalá más de este tipo de personalidades en la escena estatal, en lugar de tanto imitador de OGs.
El último día del Santander Music Festival cerró con una cifra de asistencia de 8.410 personas, una cantidad nada desdeñable para tratarse de un pequeño festival. Nuestros conciertos favoritos de la noche, que comenzaba con La M.O.D.A., fueron los de Fuel Fandango y Miami Horror.
La M.O.D.A., como sabréis, es el acrónimo de La Maravillosa Orquesta del Alcohol y dejaron a muchos boquiabiertos. Esta banda a medio camino de Mumford and Sons españoles y el rock calimochero, por extraño que suene así definido, encantó al público de Santander Music, por su buen sonido, buena presencia sobre el escenario y gran actitud para con el público, que coreó ‘Nubes negras’, ‘Amanecederos’, ‘Suelo gris’, ‘Los hijos de Johnny Cash’, ‘Los lobos’ y ‘Flores del mal’. El sexteto de Burgos, que presentaba su último disco ‘La primavera del invierno’, destacó por su entrega hacia sus seguidores, innegable incluso para quienes se vieran desconcertados por su su mezcla dixiepixie/country/folk musical.
El DJ Hugo Le Loup pecó de contentar a los lololistas, estos chicos que cantan lololo en cada canción: M83, MGMT, Two Door Cinema Club, canciones que hemos escuchado incesantemente no ya cada semana, sino a lo largo de todo este festival. Por suerte, a medida que pasaba la noche, fue aportando toques diferenciadores con momentos para Daft Punk o Cornershop.
Nuestra gran sorpresa de la noche fue el cuarteto de Australia, Miami Horror. La semana pasada en Low Festival nos dejaron bastante indiferentes, al mostrarse sosos sobre el escenario principal, sin energía ni fuerza. En Santander, sin embargo, ofrecieron otro concierto totalmente distinto, incluso aunque el setlist era el mismo. Directamente, parecían otra banda, pese a hacer exactamente el mismo setlist. Lo cierto es que, quizá gracias a un horario más propicio, en Santander se mostraron frescos y motivados y lograron hacer partícipe a un público que, en buena medida, era el primer contacto que tenía con la banda.
Love of Lesbian ofrecieron un directo correcto que destacó por una buena puesta en escena y, sobre todo, una gran actitud por parte de Santi Balmes. La entrega del frontman, que se desvivía por agradar y entretener, contrastaba con el resto de la banda que ofrecía ciertos signos de cansancio. Eso explicaría, en parte, un sonido algo pobre, fallido. No es que no hubiera esfuerzo por su parte, pero oír a algunos fans de la banda tildar el concierto de «aburrido» ya daba que pensar. Quizá se referían a que su directo, centrado insistente y obviamente en el reciente ‘El Poeta Halley‘, no varía un ápice de lo que ya hemos visto repetidas veces en varios festivales este verano. Idéntico repertorio e idénticos visuales, a los que sólo la cámara que Balmes porta en su micrófono ofrecía un ángulo diferente. El vocalista se mostró, una vez más, como uno de los activos fundamentales de la banda catalana, y no dejó de agradecer la respuesta del público, al que calificó como «un puto regalo».
Nuestro concierto favorito de la noche fue el de Fuel Fandango, el dúo de electro-flamenco formado por Nita Manjón y Ale Acosta. Ellos dos nos sorprendieron por su gran puesta en escena, su entrega y, sobre todo, por su actitud. Y también por la voz de Nina, que reaparecía tras una dolencia vocal que les obligó a cancelar algunos shows recientemente. Como su música, su puesta en escena integra elementos clásicos del flamenco (flores, tacones de bailaora con un minitablao sobre el que taconea…) con una imagen más contemporánea, que en esta gira ofrece unas luces de neón que cubren el fondo del escenario. Técnicamente impecable, su show se centra en presentar el reciente y notable ‘Aurora‘, con un lugar preferencial para canciones como ‘El todo y la nada’ (colaboración con Niño de Elche que no se plasmó en vivo) o ‘La primavera’, sin olvidar su dos primeros álbumes con ‘Trece lunas’, ‘Nature’ o ‘Shiny Soul’. Pero el cierre, en el que apostaron por ‘Salvaje’, no dejaba lugar a dudas del valor de este nuevo disco. Pese a que parte del público parecía desdeñar su fusión musical, la teatralidad y frescura de su propuesta, en la que destacaba la entrega y fuerza escénica de una muy recuperada Nita, resultó perfecta para una gran noche de celebración musical.
El trío español de música electrónica YALL fue la gran decepción de la noche. Quizá teníamos muchas expectativas puestas en ellos, pero no en vano su nombre no deja de sonar en todas partes, han estado de gira intensa por nuestro país y, además, lo han petado seriamente en Francia. Sin embargo, quizá por su juventud o quizá por unas ganas de fiesta algo exageradas, estos tres chicos no dieron la talla. Aunque no se había especificado en el cartel, en realidad no era un Live sino un DJ Set y, cuando estaban los tres sobre el escenario pegados a la mesa, parecía que, en realidad, estaban de pedo entre colegas, sin prestar atención a los detalles. O peor aún, que fingían que estaban pinchando pero no lo hacían. Vamos, que se hicieron un David Guetta (o, insisto, lo pareció). Su sesión de house/techno estuvo bien, sin más, para un sábado por la noche, pero deberían haberse esmerado en una mejor puesta en escena, en lugar de ir constantemente a ponerse cubatas. Lo más destacable de show fueron los visuales, muy llamativos y que jugaban con la estética deportiva. Al menos, no olvidaron pinchar su hit ‘Hundred Miles‘.
Foto de Fuel Fandango: Enrique Santiago para Santander Music Festival.
La semana del 1 de agosto de 2016 será recordada como la semana grande (no va con segundas) de los famosos en cola. Primero fue el español Quim Gutiérrez, pero al día siguiente Orlando Bloom le hizo luz de gas con unas instantáneas junto a Katy Perry. Y, hoy, volvemos a encontrarnos con la justina de Justin.
Hace menos de un año, Justin Bieber era noticia por haber sido pillado desnudo en un hotel de Bora Bora por New York Daily News. En aquella ocasión, Bieber fue fotografiado saliendo en pelota picada de una cabaña en la que pernoctaba con su novieta de entonces, Jayde Pierce. Hoy, el cantante canadiense vuelve a ser noticia por exactamente lo mismo y a través del mismo medio de comunicación: durante el rodaje de un spot publicitario en Hawaii, en el que participaba su actual novia, la modelo Sahara Ray, Bieber deambulaba en bañador por lo que parece un río, hasta que decidió que ya no era necesario (quizá porque el resto de modelos estaba en topless). Aunque las fotos del cantante aparecen censuradas en la web de Daily News, las fotos sin censura han corrido como la pólvora en Twitter. Las fotos, en esta ocasión, son de mayor calidad y más explícitas que las de entonces.
Como contábamos en aquella otra ocasión, Bieber siempre ha usado su sexualidad en su trabajo, ya fuera como cantante o modelo. Hasta el punto de inspirar alguna ¿obra de arte? como la que posee el exitoso rapero Macklemore. Sin embargo, desde entonces, también ha cambiado mucho la opinión general sobre Justin, mucho más respetado por la crítica y el público gracias al notable ‘Purpose‘. También se ha convertido en un pequeño Midas: (casi) todo lo que toca, se convierte en número 1. Diplo lo sabe.
Como el jueves, el viernes comenzó con amenaza de lluvia en Santander Music Festival y parecía que toda la jornada iba a ser así. Sin embargo, ayer brilló el sol hasta el anochecer. Quizá por eso, y por ser viernes, daba la sensación de que había una notablemente mayor afluencia de público.
Belize fueron la gran sorpresa del viernes. El grupo de Pamplona llegó y arrasó. Para ser el primer concierto de la jornada, nos sorprendió y enganchó de una forma apabullante. El sexteto, liderado por los hermanos Ana y Ángel Fuertes, demostró por qué son una de las bandas emergentes más brillantes del momento y por qué, con tan solo un disco, ya se han recorrido casi toda la península. A pesar de ser sólo las nueve de la noche, es decir, bastante pronto, estaba bastante lleno de fans y no de un público que esperaba por esperar, sino que sabían perfectamente a quiénes estaban viendo. Una vez más, lo de menos es más se cumplió y la ausencia de visuales o algún otro atractivo sobre el escenario no empañó el show gracias al carisma de la banda. Cuando comenzó el directo, el dueto de voces de los hermanos Fuertes y el juego de idiomas, unido a un gran sonido y una actitud humilde, sencilla pero efectiva por parte de la banda, encandiló al público. Entre su repertorio sonaron la reciente ‘L´Hiver (Qui Sera)’, además de sus singles más conocidos, ‘Stab My Heart’ y ‘Little Secrets’. Terminaron con ‘Teenage Wasteland’, canción con la que, según explicó Ana Fuertes, “empezamos hace años y nació todo”. Ni una sola pega a esta joven banda que, de haber gozado de un mejor horario, a buen seguro habría captado nuevo público.
En esta jornada, los DJs entre bandas fueron Bitches Deejays que si bien comenzaron la jornada con obviedades tipo MGMT, M83 y Two Door Cinema Club, demostraron pocos remilgos al pinchar a El Canto del Loco, BackStreet Boys, Estopa, Chumbawamba y Gala, que supusieron algunos de los momentos más divertidos de sus sesiones. Una mezcla original y, al menos, distinta a la del día anterior.
Como León Benavente después, Novedades Carminha venían de actuar la pasada semana en Low Festival y, al igual que ellos, ofrecieron una actuación mucho mejor, más potente y más auténtica que en Benidorm. El trío gallego comenzó fuerte con ‘Devórame Otra Vez’, ‘Quiero Verte Bailar’ y ‘Capricho de Santiago’. También sin visuales ni parafernalias y con un muy buen sonido, arrasaron sobre el escenario por su actitud deslenguada, desvergonzada y divertida. Supieron aderezar el show con divertidas anécdotas y mostraron gran cariño por León Benavente que, tal como dijeron los Novedades, “son nuestros hermanos”. Un gran concierto tanto a nivel técnico como a nivel musical, que culminó con ‘Antigua Pero Moderna’ y ‘Dame Veneno’.
León Benavente, una vez más, se coronan como una de las mejores bandas en directo de nuestro país. El cuarteto liderado por Abraham Boba sigue la estela brillante de su gira nacional y, si hace una semana les vimos en el Low y sonaron igual de bien que siempre, anoche nos pareció que ofrecieron un concierto incluso mejor que en el festival de Benidorm. En aquel estaban en un escenario secundario donde tenían alrededor stands de marcas, bebidas con neones y muchas distracciones, mientras que aquí, lo único que tenías delante era a la banda. Por eso, resultó mucho más impactante e intenso que la semana pasada. Sobre el escenario estaba la portada del disco ‘2‘ como fondo para el cuarteto. Boba, de nuevo, rezumó carisma, fuerza y personalidad desde el contundente arranque con ‘Tipo D’, el single que ya es un hit (tal y como su misma letra pide) y los momentos álgidos del directo estuvieron a cargo de canciones de este último disco, como ‘Gloria’ y ‘Habitación 615’, y ‘Ser Brigada’, de su debut, que cerró el set. La simpleza de su puesta en escena, sin visuales, sólo luces y ellos sobre el escenario, contrastó con la fuerza que transmitían allí arriba, con un sonido sin pegas, correcto y potente. Lo más curioso es que, para ser una banda de rock que remueve tanto a nivel letras, el público estaba bastante pasmado y tranquilo, pero fue sólo una falsa impresión porque, en cuanto terminó su show, todo el público, al unísono, comenzó a chillar y a aplaudir. Un directo de 10 para los que nunca han visto a León Benavente y de 10 también para los que ya los hemos podido ver varias veces, porque siguen sin bajar el nivel. ¿La única gran pega? El corte en seco con el que terminó, esperábamos alguna despedida o algo, pero Abraham Boba hizo un mic drop en toda regla. Esta era su segunda vez en el festival como León Benavente y bueno, con ese directo, se lo podían permitir.
Tras la pinchada de Bitches Deejays comenzó Izal, el concierto más esperado de la noche y quizá, para muchos, del festival. Este grupo liderado por Mikel Izal ofreció un buen directo, sí. La puesta en escena fue impecable: un llamativo rótulo en neón de ‘Copacabana‘, nombre de disco y gira, bonito y vistoso. La iluminación, perfectamente sincronizada con los ritmos de las canciones, una buena interacción con el público, con intros de Mikel previas a cada tema… Todo era de una perfección tan calculada que ofrecía una sensación de prefabricado, una representación perfectamente maquinada y superficial, como sus canciones. Especialmente chirriante fue, por ejemplo, cuando Mikel contó la historia de un fan mexicano que en su gira por aquel país les seguía pidiéndoles la misma canción cada noche, y que ellos no la podían interpretar porque no disponían de una guitarra que necesitaban. Era la introducción para ‘Los seres que me llenan’, la canción que les pedía aquel fan y que interpretaron seguidamente. Todo esto te hace pensar en un guión muy pensado y estudiado y eso le resta espontaneidad y frescura a su propuesta, por inmaculada que sea técnicamente. Esto no pareció alterar lo más mínimo a sus numerosos fans que disfrutaron al máximo de ‘Jenna Fischer’, ‘Pequeña gran revolución’, ‘Agujeros de gusano’, ‘Tóxica’, ‘La mujer de verde’ o ‘El baile’, pero algunos no podíamos evitar que esa constante sensación de cálculo frío e impersonal de su show hiciera del de Izal un concierto más.
Hace unas horas, Nacho Vegas se enzarzaba en cierta controversia con Barcelona en Comú, el partido que gobierna el Ayuntamiento de Barcelona encabezado por Ada Colau. Todo comenzó cuando el músico se hizo eco de un vídeo de un tuitero en el que se veía a agentes de la Guardia Urbana de Barcelona decomisando unos instrumentos a unos músicos callejeros en el Barrio Gótico, requiriendo a Ada Colau de una explicación.
Me siento tan ingenuo e idiota por pensar que decomisar instrumentos aquí era ilegal… @AdaColau, porfa, di algo… https://t.co/iX5RQCfKBE
Ante la falta de respuesta, Vegas insistía citando esta vez a la cuenta del partido en Twitter y preguntando por los «más de 1000 (instrumentos) decomisados en 2015», ironizando sobre su interés por un ukelele nuevo.
Hola, @bcnencomu ¿Qué hacéis con los instrumentos decomisados (más de 1000 en 2015)? Me venía bien un ukelele nuevo. https://t.co/iX5RQCxltc
Ante la ausencia de respuesta, dos horas después volvía a aplicar el sarcasmo, indicando a Barcelona en Comú que entendía que tenían «cosas más importantes que hacer que responder sobre los decomisos y la Ley Cívica», prosiguiendo con un contundente «pero cuando me volváis a llamar para apoyo electoral igual yo también tengo cosas más importantes que hacer», en referencia a su presencia en un acto electoral del partido en mayo de 2015, previo a su victoria en las Elecciones Municipales.
Pero cuando me volváis a llamar para apoyo electoral igual yo también tengo cosas más importantes que hacer. @bcnencomu
Poco después, algunos tuiteros, como el periodista Víctor Lenore, le recriminaban que flaqueara en su apoyo al partido y que discuitiera en público antes que en privado, a lo que él respondía que su apoyo puede que no fuera constante, pero que seguro que sí será siempre crítico. En medio de esta discusión y con medios generalistas haciéndose eco de la polémica, Barcelona en Comú ofreció su respuesta en cuatro tuits (1, 2, 3, 4), alegando que estaban «analizando el marco jurídico» de «una ordenanza que regule la música en la calle», trabajando con una asociación de músicos callejeros y que los instrumentos eran devueltos a sus dueños y, los que no eran reclamados, se donaban a escuelas municipales. Finalmente, Nacho Vegas optaba por «desengrasar» con una canción de Violeta Parra.
Desengrasemos: "Quisiera morir cantando sobre de un barco leñero, y cultivar en sus aguas un libro más justiciero".https://t.co/KZW2FdPaPH
Britney Spears continúa avanzando en la promoción de ‘Glory‘, su noveno álbum de estudio, que verá la luz tan pronto como el próximo 26 de agosto. Un par de días después de presentar al completo ‘Private Show‘, un tema con aires girl-group del que sólo habíamos escuchado un fragmento en el anuncio de su perfume, ahora presenta el vídeo para el primer single de este disco, ‘Make Me…’. Y no, no es el que había dirigido el prestigioso fotógrafo David LaChapelle, que ha sido desechado, sino uno completamente nuevo rodado por Randee St. Nicholas.
Alejado del típico (en ella) pase de outfits y coreografías imposibles (para ella), Brit aparece más o menos comedida (ya sabemos de dónde sale la foto de portada de ‘Glory’, por cierto). Ella y su amiguis organizan un teórico casting para el clip y juntas observan las dotes artísticas de los mozos congregados. Casualmente, con la excepción del «amiguete simpático», resulta ser un desfile de chulazos de manual, con bien de torsos y tabletones musculados. El rapero G-Eazy cumple en su featuring vía plasma, al estilo Rajoy. Al final, Britney escoge y se lleva al agraciado al catre. Fin.
Por el momento, ‘Make Me…’ está obteniendo una respuesta muy discreta en listas. En USA, entró al número 17 del Billboard Hot 100 en su semana de lanzamiento, pero ya ha caído hasta el puesto 52. Y este clip, algo tópico, no tiene pinta de hacerle remontar demasiados puestos. Nuestra redacción valoró de forma dividida este single, en nuestro Veredicto. Aunque dos de nuestros redactores valoraron positivamente su distanciamiento del EDM, otra la calificaba directamente de «muermo».
Mientras Pablo Alborán disfruta de su vida fuera de los focos, Antonio José ocupa su lugar en las listas de ventas española con su segundo disco, ‘Senti2’. El cordobés no es ajeno al éxito comercial, pues su primer largo ya fue doble disco de platino en 2015 tras la victoria del cantante en La Voz, y ‘Senti2’ va a terminar de reafirmarle como el nuevo Alejandro Sanz, el nuevo Antonio Orozco o, sí, el nuevo Pablo Alborán, en definitiva, como el nuevo pseudo cantautor almibarado de nuestro país que su industria tanto necesita, diría incluso que en serio, para seguir subsistiendo. Por voz es como una mezcla de estos tres, de hecho, y musicalmente tampoco anda lejos. Como sugiere el single ‘Contigo’, ‘Senti2’ es el típico disco de pop aflamencado con arranques britpoperos esporádicos y letras y melodías lacrimógenas sin ningún sentido de la sutileza que vende copias como churros en España por una razón muy concreta, porque conoce las fórmulas exactas que atraen al público a la sección de discos de El Corte Inglés las tiendas de discos y las reproduce fielmente, lo que resulta en un producto comercial totalmente predecible y carente de interés musical, además de muy propenso a crear «facepalms» continuos derivados de la vergüenza ajena.
Como suele ser habitual, y si no que se lo digan a nuestro amigo Alejandro Sanz, lo peor de ‘Senti2’ ni siquiera son las canciones en sí (‘Contigo’ y la setentera ‘A ras de suelo’, por ejemplo, están bien) sino sus letras, de una poesía de baratillo totalmente empalagosa que, a menudo, parece extraída de un generador de frases inspiradoras absurdas («aún siento tu brisa peinando mis caricias», canta Antonio José en ‘La noche encendida’; «no puedo olvidar la luz sobre tu piel mojada, desnudos, abrazados, viviéndonos los labios», lamenta en ‘Quédate conmigo’) o sacadas del diario personal de un post-adolescente con ínfulas de cantautor serio como las de ‘Cuéntale al hambre’, que «retrata» la crisis de los refugiados (o eso parece) con frases como «no me gusta lo que veo, se me tiñe de impotencia, cada lágrima que cae al otro lado de la reja / por mucho que lo intento no veo la diferencia, si me fijo en el color, roja es sangre en las venas». ¿Me puede pasar alguien el pañuelo?
Más allá de las letras, ‘Senti2’ ofrece un compendio de canciones sentimentaloides que soba más fórmulas melódicas de las que cualquier oyente pueda soportar, por no hablar de las temáticas. No hay muchas variaciones ni vueltas en la fórmula «tú y yo» que constituye el concepto de la mayoría de estas canciones, lo cual, aparte de empalagoso, resulta muy difícil de digerir pasadas las cinco canciones, y lo mismo puede decirse de sus melodías vocales y arreglos instrumentales. Cuando llega ‘El lado bueno de las cosas’, Antonio José sigue clavado en su habitación, llorando, echando a alguien de menos, evocando momentos, recuerdos, estaciones, una voz, una sonrisa, el aroma de una piel… Lo raro es que este muchacho no se haya aburrido ya de sí mismo. Si suena cursi, imaginaos todo un disco igual.
El empalague es #real, que diría Soy una pringada, en definitiva, e igual de real en ‘Senti2’ es la ausencia de valor creativo, de verdadera curiosidad musical, de dominio de los recursos literarios y del sentido de la sutileza de la que tanto se aprovecha la radiofórmula española más desvergonzadamente capitalista para vender discos fácilmente. Pero Antonio José y su discográfica pueden estar contentos de haber llevado su disco a lo más alto de las listas de ventas. Esta crítica, desde luego, no venderá nada, pero me daré satisfecho si le sirve a alguien para «descubrir» que el aburrido estatus quo que sustenta la industria musical comercial de nuestro país debería ser cuestionado muchas más veces de la que lo es normalmente. Algunos opinarán que no hace falta, pero bueno, si alguien se ha atrevido a titular su disco ‘Senti2’, ¿por qué no me voy a atrever yo a descubrir su contenido?
Calificación: 1,5/10 Lo mejor: ‘Contigo’, ‘A ras de suelo’ Te gustará si te gusta: Alejandro Sanz, Antonio Orozco, Pablo Alborán Escúchalo:Spotify Cómpralo:Amazon
Después de su álbum conjunto con Billie Joe Armstrong (Green Day), y su acertada aproximación a sonidos contemporáneos en ‘Little Broken Hearts‘, álbum producido por Danger Mouse, Norah Jones acaba de anunciar la publicación de un nuevo álbum en solitario, ‘Day Breaks’, el primero en solitario desde 2012. En este nuevo álbum, Jones explica que, tras haber ido abandonando poco a poco el piano por la guitarra, en este disco le apetecía regresar al instrumento con el que empezó a ser reconocida. También a sus raíces jazzy, a los sonidos más tradicionales que la llevaron a fichar por el sello Blue Note. En esta ocasión, en lugar de artistas de pop y rock, han sido compañeros de sello como Wayne Shorter, Dr. Lonnie Smith o Brian Blade los que han colaborado en su grabación. La mejor muestra de este regreso a sus orígenes es el single ‘Carry On’, un delicado medio tiempo que se presenta con un entrañable clip, dirigido por Claire Marie Vogel, en el que una pareja de ancianitos baila dulcemente al son de la canción que interpreta Norah al piano.
El álbum se publica el próximo día 7 de octubre y ya se ha dado a conocer tanto la portada como el trackist completo, que podéis ver aquí debajo:
01 “Burn”
02 “Tragedy”
03 “Flipside”
04 “It’s A Wonderful Time For Love”
05 “And Then There Was You”
06 “Don’t Be Denied”
07 “Day Breaks”
08 “Peace”
09 “Once I Had A Laugh”
10 “Sleeping Wild”
11 “Carry On”
12 “Fleurette Africaine (African Flower)”
Uno de los valores más atractivos de la música pop es el modo en que te puede insuflar energía. Que una canción que habías olvidado de hace muchos años te revuelva las tripas o te levante de la silla es muy bonito, pero lo es más que una nueva te haga sentir como si tuvieras 16 años independientemente de que tengas 25, 35, 50 o más.
En nuestra nueva playlist para Kia Music Box nos hemos centrado en una serie de canciones publicadas durante los últimos meses que nos han devuelto al instituto. Y las hay de varios géneros: está el electropop carpetero de Chvrches, Shura, Ladyhawke y La Femme, pero también la energía rockera de proyectos como Juventud Juché, León Benavente, Triángulo de amor bizarro o Teleman o incluso una serie de bandas a medio camino entre ambas opciones, como Everything Everything o Tremenda Trementina. Para que se termine de entender esta playlist «Sweet Sixteen» que no prescinde de los macrohits de Sia, Nicki Minaj o The Weeknd incluimos también una serie de canciones un pelín más antiguas que en la última década nos hicieron sentir como adolescentes. Son los singles de debut (o casi, casi) de Arctic Monkeys, The Drums, Two Door Cinema Club, Years & Years y The Vaccines. Escúchala aquí.
Esta mañana conocíamos la muerte de David Huddleston a la edad de 85 años en su casa de Santa Fe a causa de una enfermedad cardíaca. Huddleston tuvo una larga carrera como actor, pero sin duda su gran papel, el que le marcaría para siempre fue el de Jeffrey Lebowski. Es decir, el otro Lebowski, el multimillonario, no «El Nota», interpretado por Jeff Bridges. El éxito del film ‘El Gran Lebowski’ de los hermanos Coen, una película icónica para una generación, marcó a Huddleston. Para muchos siempre será ‘El Gran Lebowski’.
Pero Huddleston tuvo una carrera profusa que comenzó en los años 60, tras dejar el ejército de los EEUU para estudiar arte dramático en Nueva York. Habitualmente como secundario, en la gran pantalla alternó western, drama y comedia, en películas tan populares en su momento como el western ‘Río Lobo’ (1970) de Howard Hawks, ‘Sillas de montar calientes’, (1974) de Mel Brooks, ‘Santa Claus: la película’ (1985), con Dudley Moore, o ‘Dos superpolicías’ (1977), protagonizada por Bud Spencer, que fallecía hace pocas semanas. Sin embargo, en el medio en el que más trabajó Huddleston y por el que seguramente es más reconocido es por intervenir en algunas de las series de televisión más populares de las últimas cuatro décadas, como ‘Bonanza’, ‘Kung Fu’, ‘Hawaii 5-0’, ‘Colombo’, ‘Los Ángeles de Charlie’, ‘Ironside’, ‘Walker: Texas ranger’, ‘Se ha escrito un crimen’, ‘Aquellos maravillosos años’, ‘Las chicas Gilmore’ o ‘El ala oeste de la Casa Blanca’.
Hace algunas semanas que hablábamos de ‘Olé‘, el single de regreso de un John Newman que en 2014 pegara muy fuerte en listas de todo el mundo con ‘Love Me Again’, de su debut ‘Tribute‘. Hoy podemos ver el clip que refuerza el lanzamiento de la canción y, la verdad, no hay gran cosa que decir salvo que, como muchos otros británicos, caen en el topicazo de confundir México y España e ignoran que el uso de «olé» tiene que ver con la cultura de nuestro país y no con el país americano. En línea de los que consideran que el chorizo es una posibilidad como ingrediente de la paella, vaya. El vídeo, rodado en Los Cabos, México por Emil Nava, es un hartón de planos de John y Calvin en unas playas paradisíacas, rodeados de chicas guapas de estereotipo latino y bajo una jartá de filtros retro de Instagram, para que parezca ‘Que vienen las suecas’. Se echa de menos un torero con una flamenca y una jarrita de sangría.
Newman lanza este single de forma inesperada, sin saber si es simplemente un entretenimiento entre álbumes. Lo cierto es que su regreso no era sencillo tras el bajón de repercusión que obtuvo el cantante británico con su álbum del pasado año, ‘Revolve‘ (posiblemente inmerecido) y, para ello, ha buscado la alianza con el DJ y productor Calvin Harris, con el que le fue bastante bien en ‘Blame‘. El caso es que en ‘Olé’ ambos han tomado un relativo riesgo, rehusando a las bases bombásticas y cañeras que tanto éxito les dieron antes y apostando por una producción más sutil y tropical, muy al hilo de los estilos dominantes en las listas de hoy en día. De momento, su impacto en las listas parece discreto.
El Santander Music Festival comenzaba en la noche del jueves con mucha intensidad y no en el lado de lo musical. La cancelación de Bunbury sorprendía a todo el mundo y, además, a eso de las siete de la tarde, caía un chaparrón de lluvia que hacía pensar que el festival estaría casi vacío, pero finalmente, con sus abonos casi agotados, no fue así. Lo mejor de este festival es el tamaño: pequeño y tan sólo con dos escenarios, el principal, donde tocan todas las bandas, y el secundario, donde pinchan los distintos DJ’s entre conciertos, lo cual resulta muy cómodo. Cuando termina una banda, caminas unos metros y te pones a bailar, y así una y otra vez. Todo está muy a mano.
La tarde en la Península de la Magdalena comenzó con el directo del trío Papaya, una banda no muy conocida por el público en general pero con un gran sonido, mucha fuerza y, sobre todo, mucha actitud y mucho desparpajo. Yanara Espinoza lidera esta banda de una forma sencilla, humilde y, por lo tanto, efectiva. A pesar de ser el primer grupo y de que la lluvia acababa de parar, había un número considerable de personas delante de su escenario. Interpretaron íntegramente su primer largo, ‘No Me Quiero Enamorar‘, realizando interesantes acotaciones a algunas canciones como ‘Obsesiones’ (“todos deberíamos evitar las obsesiones”, dijo Yanara en su presentación) o ‘Minutos’, que compuso en Gran Canaria y que habla de «cuando eres feliz y pasan las horas y crees que tan sólo han pasado tres minutos”. Haciendo referencia a la cancelación de Bunbury, como “había tiempo”, pudieron interpretar dos temas más, si no me equivoco inéditos. ¿Lo mejor de esta banda emergente? La humildad y la gratitud, Yanara no dejaba de agradecer al público y al festival que hayan contado con ella para estar ahí. Un concierto optimista en el que interactuaba con el público. ¿Lo peor? Que quizá hubiese estado más lleno de no ser por la lluvia.
En el escenario secundario pinchaba Paula Quintana DJ, que durante toda la noche puso una selección de temas pop que fueron de la esfera estatal, con ‘Feature Film’ de Cineplexx, ‘Neoliberal’ de Franco o ‘Cumpleaños Total’ de Los Planetas, a la internacional, con ‘Connection’ de Elastica, ‘Disco/Very’ de Warpaint o ‘Take My Side’ de Will Butler. A medida que pasaban las horas, se marcó temas más bailables y fáciles como ‘Electric Feel’ de MGMT o ‘Go’ de The Chemical Brothers.
Zahara, que reemplazaba a Bunbury como cabeza del escenario principal (matizamos que no es que le pusieran a ella en su lugar sino que, simplemente, la organización adelantó los conciertos) dio un buen concierto, lo que no quiere decir que fuese entretenido. Su actuación fue muy intensa, y su naïve pop encandiló a sus fans (había bastantes grupos que llevaban la peluca rubia como en el reciente clip de ‘Caída Libre’). Aunque arrancara haciendo un guiño a sus inicios con ‘Tú Me Llevas’ y ‘Funeral’, el show reservaba su cierre y momentos álgidos para los singles de ‘Santa‘, con una ‘Caída libre’ que, de forma divertida, dedicó a Yola Berrocal porque, “aunque no ganó Supervivientes, es la mejor”. Culminaba el concierto con ‘Crash’ y ‘El deshielo’, que cantó casi a capella junto con un público que conocía su letra íntegramente. El concierto resultó algo monótono, algo aburrido en su pulcritud, si bien el horario, no muy tardío, jugó a su favor. Sin embargo, las tablas de Zahara y el detallazo de agradecer el esfuerzo tanto a todo su equipo de dentro y fuera del escenario como a sus fans y a la propia organización del festival, que asistía al show cantando desde el lateral, logró rebajar la falta de sal de algunos momentos.
Second siguió la misma línea de Zahara, es decir, un concierto correcto, buen sonido, buena puesta en escena, pero cero interacción con el público, cero diversión y cero espontaneidad. El grupo murciano recordó que era la segunda vez que tocaba en Santander, y que la primera vez lo hizo en una sala muy pequeña, por lo que estaban encantados de poder estar en el festival. Centraron su directo en su álbum del pasado año, ‘Viaje iniciático‘, con sus fans rendidos a canciones como ‘Esto es el principio’, ‘Primera vez’, ‘Pueblo submarino’ o ‘Nivel inexperto’, si bien lo más celebrado fue la recta final con sus hits de siempre ‘N.A.D.A.’, ‘Rodamos’ y ‘Rincón exquisito’. Lógicamente, para sus fans fue un gran concierto, pero para quien observa a la banda española desde un punto de visto más distante, no hicieron nada sorprendente sobre el escenario que le sacara de la indiferencia.
El siguiente concierto, y último de la noche, fue el de la banda madrileña Hinds que, como Papaya, alcanzaron el mérito de ser las mejores de la noche gracias a su desparpajo y sus ganas de animar al público, ya desde la misma apertura con su divertida version de ‘You Sexy Thing’ de Hot Chocolate. Centrado en su debut ‘Leave Me Alone‘, realizaron el mismo show que ya hemos visto tantas veces, y nos divirtieron muchísimo, como todas esas otras veces, siempre bromeando entre canciones, con bobadas como que se meaban mucho “como las Weers” (haciendo referencia al concierto secreto que dieron en el FIB de hace semanas bajo ese nombre «Las Meonas») o que su horario de jueves por la noche era «la hora golfa”. Agradecieron a la organización su contratación porque, como Second, la primera vez vinieron a una sala muy pequeña, y a Bunbury (con un “¡Viva Bunbury!”) que su cancelación les hubiera otorgado un mejor horario. Fue una pena que, al terminar el concierto, mucha gente empezara a chillar “¡Joooorge, Jooorge!” en referencia a Jorge Cremades, novio de Carlota Cosials, vocalista de la banda. Un comentario innecesario que empañó la simpatía de las chicas.
En resumen, Hinds y Papaya demostraron que querían dar un concierto para animar y divertir al público, no para impresionar. Por contra, la perfección y monotonía de Zahara y Second, que si bien llenaron hasta arriba el escenario principal, permitía ir un momento al baño sin prisa, sabiendo que no te ibas a perder ninguna sorpresa.
El de Ariana Grande no será el único ‘Let Me Love You’ que escucharás este 2016. Este es el título del nuevo single de DJ Snake con Justin Bieber, que viene en el nuevo disco del primero y ya puede escucharse. El tema es un número de tropical house con distorsiones vocales que repite la fórmula de ‘Lean On’, el clásico de Major Lazer con MØ y el mismo DJ Snake, de manera bastante evidente, pero no está mal.
Mientras, Major Lazer, Bieber y MØ han unido fuerzas en ‘Cold Water’, su nuevo hit, que ya es top 1 en Reino Unido y top 2 en Estados Unidos. El tema se ha estrenado en España en el top 24 y no parece que esa vaya a ser su cima. Por su parte, MØ ha logrado un inesperado éxito en solitario con su último sencillo, ‘Final Song’. Parece que no va a ser una «one-hit-wonder» a ojos del público que todavía no conoce la existencia de su notable álbum debut.
El disco de DJ Snake se llama ‘Encore’ e incluye varias colaboraciones aparte de la de Bieber. Skrillex, otro amigo de Bieber y Major Lazer, aparece en ‘Sahara’, mientras Young Thugh lo hace en ‘The Half’ junto a Jeremih y Swizz Beats. ‘Encore’ es una de las novedades destacadas de este viernes.
Aunque las últimas semanas de julio y primeras de agosto son tradicionalmente escasas en novedades, los lanzamientos de la semana aún dan para sostener una playlist más que interesante como la que presentamos hoy. Para empezar, a lo largo de los últimos 7 días ya hemos presentado los nuevos singles de Britney Spears, Tove Lo, Hamilton Leithauser + Rostam o Warpaint. A ellos se suman otros como el adelanto del próximo álbum de Norah Jones, del que ya muestra el single ‘Carry On’; también encontramos una bonita nueva canción de Cass McCombs, titulada ‘Medusa’s Outhouse’, que hace ‘Mangy Love‘ más apetecible, si cabe; y nos reencontramos con una LOLO que allá por 2013 nos sedujera con ‘Weapon for Saturday‘ y que ya tiene listo su debut, ingeniosamente titulado ‘In Loving Memory of When I Gave a Sh*t’. Esta misma semana presenta otro adelanto del mismo, ‘The Courtyard’.
En cuanto a álbumes, la semana es realmente flojita, pero hay novedades importantes. Para empezar, tenemos el nuevo álbum de las leyendas del indie rock 90s Dinosaur Jr., ‘Give a Glimpse of What Yer Not‘, y un ‘Boy King‘ que apunta a que Wild Beasts subirán en el escalafón del pop global. Pero también merece la pena atender a los nuevos álbumes de DJ Snake, que reúne a estrellas del calibre de Justin Bieber y Skrillex en ‘Encore‘, y, en sus antípodas, al primer disco que Nels Cline publica para el sello Blue Note. ‘Lovers‘ reúne reinterpretaciones muy personales de clásicos del jazz y el swing a cargo del genial guitarrista de Wilco.
Clint Eastwood ha sido «trending topic» en las últimas horas en Twitter y no para bien. El actor, que ha reconocido públicamente su apoyo al Partido Republicano de Estados Unidos en varias ocasiones e incluso participó en la Convención Republicana Nacional de Tampa hace cuatro años, ha concedido una entrevista a Esquire en la que ha defendido a Donald Trump y criticado a la generación actual de «lameculos» que le critican.
Eastwood opina que Trump «va por buen camino» porque todo el mundo «se está empezando a cansar ya de ser políticamente correcto». «Esta es la generación de lameculos en la que estamos actualmente», ha expresado. «Vivimos en una generación de nenazas. Todo el mundo va por ahí andando con pies de plomo. Ves a gente acusando a otra de ser racista y todo tipo de cosas. Cuando yo era niño esas cosas no eran racistas». Teniendo en cuenta que hace más de 70 años que eras niño, Clint Eastwood, igual esta no se cuenta entre tus reflexiones más lúcidas.
El actor, de 86 años, ha querido indicar que Trump ha dicho muchos «disparates» en su carrera, como cuando acusó a un juez de origen mexicano que le acusó de fraude de actuar tendenciosamente tras anunciar su plan de levantar un muro entre Estados Unidos y México, pero cree que la generación actual no dirige sus críticas al candidato presidencial con sensatez. «Trump ha dicho muchas tonterías pero todo el mundo, la prensa y todo el mundo, sale con cosas tipo «eso es racista» y montan un gran revuelo a su alrededor», ha declarado. «Superadlo de una puta vez. Son tiempos tristes para la historia».
Wild Beasts, el grupo británico al que recordarás por canciones como ‘All the King’s Men’, ‘A Simple Beautiful Truth’ y ‘Albatross’, además de por el gran disco que fue y sigue siendo ‘Two Dancers‘, que fue nominado a un Mercury en 2010, edita hoy su nuevo álbum, ‘Boy King’, un trabajo vigoroso, oscuro y sucio que encuentra al cuarteto explorando nuevas vías musicales sin abandonar su sello de identidad. Con motivo de su paso por Mad Cool, hace ya su tiempo, charlamos por teléfono con el líder de la banda, Hayden Thorpe, sobre su disco, su concepto de la masculinidad o la relación del grupo con su productor, John Congleton, mucho más influyente de lo que parece.
Hace un par de días [NdE: la entrevista se produjo el 20 de junio] empezasteis vuestra nueva gira en MadCool, un nuevo festival de Madrid. Deduzco que fue la primera vez que tocáis vuestras nuevas canciones en directo. ¿Es así? ¿Qué tal fue?
Ha sido increíble tocar las canciones nuevas por primera vez en directo porque son un intento de ser algo que no somos, una versión más grande de nosotros mismos, más extravagante, musculosa y atrevida de lo que somos en la vida real. Cuando tocamos estas canciones en directo sentimos que nos convertimos en el Increíble Hulk. Es toda una experiencia. En este sentido las canciones nuevas se distinguen notablemente de las nuevas.
¿Habéis hecho arreglos nuevos para las canciones viejas de modo que encajen con las nuevas en vuestro repertorio actual?
Estamos trabajando en ello, es un trabajo en progreso.
Kings of Convenience se quejaban en el festival de la gente que hablaba durante su concierto. ¿Tuvisteis algún problema similar?
No hemos tenido ese problema, supongo que porque nosotros somos una banda menos tranquila, somos más ruidosos, más incluso que la gente que esté hablando en un determinado momento.
Hay artistas que opinan muy distinto sobre este asunto. Unos lo ven natural, otros una falta de respeto. ¿Cuál es tu posición?
[Piensa] Me molesta que la gente hable… Evidentemente, cuando estoy encima del escenario quiero que la gente calle y atienda el concierto, pero me molesta más cuando soy parte del público. Es frustrante. La gente ve ir a festivales más como una experiencia social en su vida que para ver música. Sin embargo, al mismo tiempo pienso que somos criaturas comunales y si quieres hablar con tu amigo, habla… Para mí es complicado juzgar algo así.
No irías tan lejos de decir que no disfrutas tocar en festivales como Julian Casablancas de The Strokes, asumo…
Me gusta tocar en festivales, son toda una aventura porque nunca sabes quién va a venir a verte tocar. Además, he tenido experiencias muy profundas en festivales…
«Ir a festivales está muy bien para que uno se dé cuenta de lo maravillosas que son las personas»
¿Recuerdas alguna anécdota de cuando ibas a festivales de joven a ver a grupos?
Fui a un festival por primera vez a los 16 años. Me traje mis cervezas y mi marihuana y mi tienda de campaña y recuerdo el festival como una de las experiencias más brillantes de mi juventud. Fue la primera vez que me separaba de mis padres. Me encantaba atender a los grupos y averiguar qué instrumentos usaban y atender a cada detalle de cómo tocaban.
También he tenido grandes experiencias en Glastonbury. Ir a festivales está muy bien para que uno se dé cuenta de lo maravillosas que son las personas. Glastonbury es una ciudad construida en una semana. Se necesita mucha buena voluntad humana para montar algo así. Luego, perderte en la noche de estos festivales puede ser una experiencia espiritual.
Por otra parte, encuentro interesante la experiencia de levantarse con gente por la mañana durante el amanecer, pasar el día todos juntos, ver el desarrollo del día y cómo entra la noche… Esta experiencia tiene un efecto psicológico, compartes un mismo lugar y un mismo viaje con un montón de gente.
«‘Boy King’ es mucho más instintivo y vulgar que el disco anterior; es su resultado opuesto»
Antes de hablar sobre vuestro nuevo disco, me gustaría preguntaros sobre el anterior, ‘Present Tense‘. ¿Cómo veis este disco pasados los años? ¿Hay algo que cambiaríais, algo de lo que estéis especialmente orgullosos?
Estoy muy orgulloso de aquel disco. Lo he escuchado hace poco y me ha sorprendido lo meticuloso que es su diseño. Es prácticamente arquitectónico. Compusimos el disco de manera precisa y matemática y con un ojo microscópico en el detalle. Por eso, nos parecía deprimente volver a hacer algo parecido en nuestro nuevo disco. ‘Boy King’ es mucho más instintivo y vulgar. Es absolutamente el resultado opuesto del disco anterior.
John Congleton ha producido el disco. ¿Qué destacáis de haber trabajado con él?
Lo bueno de John es que te quita cualquier tontería que tengas en la mente. Con él, no valen inseguridades ni indecisiones. Un gran peligro de hacer arte es pensar demasiado y ser muy consciente de uno mismo y John destroza eso totalmente. Con él nunca se habla de algo musical durante más de cinco minutos, siempre es en plan, «¿por qué estamos hablando? ¡hagámoslo!». Recuerdo contarle que estaba indeciso sobre una línea de bajo que había compuesto y su respuesta fue «¿¿¿estás inseguro???» y yo «Jesús… ¿Lo estoy? ¡Pues sí!» Para mí, eso es muy importante en un productor, no solo que sea un genio musical, sino también una persona preparada psicológicamente que sea capaz de empujar a una banda a dar lo mejor de sí misma.
Es curioso que John Congleton sea tan bueno en sacar lo mejor de cada grupo con el que trabaja porque su mano se percibe en todos los discos que produce, como el último de St. Vincent. Su sonido es muy personal.
Es totalmente cierto.
¿Cómo es su estudio?
Su estudio se encuentra en un gueto mexicano de Dallas. Es brillante. Solía ser una casa funeraria. Cuando estás ahí, tocas en el cuarto donde solían guarecer los cadáveres. Es un sitio provocador pero también muy modesto. Cuando volamos a Dallas lo hicimos pensando que sería un estudio grande y para nada, es normal.
«Una de las cosas más divertidas de hacer discos es que puedes reinventarte a ti mismo. En esta ocasión fue en plan «a la mierda, ¿por qué no me reinvento en Texas?»»
¿Esperabas un estudio más exuberante?
Supongo que sí. Por sonido, el disco es muy competente y de alta definición, nunca dirías que lo hemos grabado en un estudio tan humilde. Esperaba una suite también de alta definición y no lo es en absoluto. El lugar tiene una atmósfera rock n’ roll, lo cual me gusta. Sospecho de los estudios súper limpios y recogidos porque me da la impresión de que, quien sea que los haya preparado, tiene mucho tiempo libre.
Fue una aventura grabar en este estudio y su espíritu ha impregnado el disco. Una de las cosas más divertidas de hacer discos es que puedes reinventarte a ti mismo. En esta ocasión fue en plan «a la mierda, ¿por qué no me reinvento en Texas?». Canciones como ‘Get My Bang’ las compusimos con John en el estudio en 10 minutos porque son prácticamente una revigorización del espíritu de este estudio.
Hablando de ‘Get My Bang’, sales bailando en su videoclip. De hecho, curiosamente describís la coreografía como un cruce entre Trent Reznor y Justin Timberlake. ¿Qué tal fue la grabación de este vídeo?
La grabación de este vídeo fue una de las experiencias más brutales y emocionantes que he tenido. Soy un chico del norte de Inglaterra, mi expresión física no suele ir más allá de quedarme quieto en un sitio, por lo que usar mi cuerpo de esta manera era aterrador, pero al final fue una experiencia muy bonita. Grabamos el vídeo en Belgrado con coreógrafos y bailarines serbios. Una cosa que caracteriza a los serbios es que son brutalmente honestos. Los consejos que recibía de ellos eran del estilo «no bailes así, pareces un pervertido» o «no bailes así, pareces Mr. Bean». Entonces empecé a hacerlo mejor y me preguntaron «¿qué has cambiado en tu actuación?» y mi respuesta era que había dejado de pensar.
Es decir, lo que te enseñó John Congleton…
Exactamente. El vídeo es como la interpretación visual del disco, una reflexión sobre dejarse llevar y actuar por instinto.
¿Bailarás en más vídeos?
No estoy seguro de que el mundo necesite más bailes por mi parte… Dudo que sea lo que la gente está deseando ver, pero ya veremos.
En el vídeo de ‘A Simple Beautiful Truth’ también bailabais…
Pero era un baile más mecánico y asexual. La coreografía de este vídeo es más agresiva y atrevida, es un baile más tipo «que te jodan».
«Si tus suegros y tus abuelos se avergüenzan del arte que has hecho, eso que el arte es bueno»
‘Boy King’ reflexiona sobre el «lado más oscuro de la masculinidad». Es un tema del que ya habéis cantado en el pasado, por ejemplo en ‘All the King’s Men’ o ‘Nature Boy’, pero desde una perspectiva irónica. De hecho, os llamáis «bestias salvajes»…
Somos los chicos del grupo, la broma es a nuestra costa.
La diferencia de ‘Boy King’ con vuestros discos anteriores es que este se centra más en el sexo. ¿Qué os ha motivado a hacer un disco enteramente dedicado a esto?
No hay canciones de amor en este disco, va sobre dar rienda suelta a tus impulsos más instintivos. En el disco es el mecanismo primario el que habla. A menudo solo mostramos nuestro lado más oscuro a la gente que amamos o a la que más cercana nos sentimos y el disco es una celebración de lo que supone revelar esta parte oscura de la psique humana ante el mundo. Socialmente se nos enseña que mostrar este lado está mal, por eso, el disco celebra este aspecto de la naturaleza humana que supuestamente hemos de dejar a la sombra. Por ejemplo, si tuviera una esposa, si es que algún día llego a tener una, si mis suegros me dicen que el disco es bonito y encantador mi reacción será de disgusto porque su interpretación del arte es la más aburrida que podían haber hecho. Si tus suegros y tus abuelos se avergüenzan del arte que has hecho, eso que el arte es bueno.
¿Confunde la gente vuestras letras irónicas con misoginia?
A veces, pero no pasa nada, no me ofende. Me recuerda a cuando la gente escucha a Bruce Springsteen y hay quien le critica porque es un machote y a quien le gusta porque percibe su lado frágil. Una canción del disco, ‘Alpha Male’, es algo así como un cock-rock feminista, una reflexión sobre ese lado agresivo del ser humano que siempre esconde cierta vulnerabilidad.
¿Consideras ‘Boy King’ un disco feminista?
Esa canción sí, el disco no. La canción celebra a la mujer poderosa y asertiva. Generalmente se supone que solo la mujer doméstica es sexual y creo que la mujer ambiciosa puede ser igual de femenina y sexual. Aparte de eso, no diría que ‘Boy King’ es un disco feminista, nosotros somos el grupo de hombres riéndose de sí mismos.
‘Get My Bang’ no refleja una violencia explícita, simplemente reconoce que existen fuerzas oscuras y primitivas que nos caracterizan como especie. Al fin y al cabo, nuestro propósito como especie es reproducirnos»
Hace tiempo leí una obra de Sarah Kane, ‘Blasted’, una obra maestra, que relacionaba directamente la violencia machista con las guerras. Atendiendo a los sucesos de violencia con armas acontecidos recientemente en Estados Unidos y en otras partes del mundo, está clara la relación, que ambos actos suelen cometerlos hombres. ¿Cómo ves esto?
‘Get My Bang’ es una canción sobre aprender a controlar los impulsos, sobre ser vulnerable. Va sobre lo humillado que me siento por las cosas que tengo que hacer para lograr satisfacción. No refleja una violencia explícita, simplemente reconoce que existen fuerzas oscuras y primitivas que nos caracterizan como especie y que la libido gobierna nuestros cuerpos. Al fin y al cabo, nuestro propósito como especie es reproducirnos. Establecer una conexión entre eso y un loco que hace guerras es absurdo.
La guitarra eléctrica está muy presente en el disco y la consideráis el «personaje fálico», en palabras vuestras, que representa ese «boy king» que lo protagoniza. ¿Desde el principio supisteis que este instrumento tendría tanto peso en el álbum?
Al principio no me gustaba la idea de usar guitarras en el disco. Entonces Tom apareció con una guitarra de heavy metal y pensé «¿qué coño vamos a hacer con eso?» Pero luego empezó a componer canciones delicadas con la guitarra y la dirección quedó clara al momento. Pronto pensamos, si estas canciones van sobre masculinidad, ¿cuál es el símbolo masculino más ridículo que existe? Nos dimos cuenta de que podíamos usar la guitarra de manera artística si lo hacíamos a nuestra manera, que, en este caso, era abordarla de una manera adolescente, usarla como un arma contra la edad adulta, que es lo que hemos hecho.
¿Ha tenido Congleton mucha influencia en cuanto al sonido de las guitarras en el álbum?
Oh, sin duda alguna… Su guitarra suena tan, pero tan asquerosa y sucia en el mejor de los sentidos… Cuando empezamos a grabar las canciones del disco, tocábamos cualquier cosa en la guitarra y John se acercaba y nos preguntaba que qué acabamos de tocar y que lo hiciéramos otra vez y yo pensaba «mmm… ¿no?». Sin embargo, su reacción era del tipo «Jesús, ¡por ahí vamos a ir!».
Rostam Batmanglij no forma parte de Vampire Weekend desde enero. Tras su marcha, le hemos escuchado tras los mandos del nuevo disco de Santigold o en solitario con ‘Gravity Don’t Pull Me’ y otros temas sueltos.
El nuevo proyecto de Rostam es una colaboración con Hamilton Leithauser de The Walkmen de la que os hablamos hace un par de semanas con motivo del estreno de su primera canción oficial, ‘A 1000 Times’. El tema es el sencillo principal del álbum conjunto de Leithauser y Batmanglij, ‘I Had a Dream that You Were Mine’, que se acaba de anunciar y sale el 23 de septiembre. Edita Glassnote.
En nota de prensa, Rostam ha asegurado que su intención con este disco ha sido escribir canciones que sean pequeñas historias. El músico destaca algunas de sus canciones favoritas de The Walkmen que le han inspirado en ese sentido como ‘In the New Year’ o ‘Red River’. Por su parte, Leithauser indica que ha sido fácil trabajar con Rostam y conectar con él emocional y profesionalmente. «He encontrado a un compañero de composición y a un amigo en quien confío», ha dicho.
El nuevo sencillo del álbum es ‘In a Black Out’, con la que os dejamos.
‘I Had a Dream that You Were Mine’:
01 A 1000 Times
02 Sick As A Dog
03 Rough Going (I Don’t Let Up)
04 In a Black Out
05 Peaceful Morning
06 When The Truth Is…
07 You Ain’t that Young Kid
08 The Bride’s Dad
09 The Morning Stars
10 1959 (feat. Angel Deradoorian)
A un día del inicio de los Juegos Olímpicos en Río de Janeiro, Katy Perry ha estrenado el videoclip de su himno olímpico, ‘Rise’. La pieza sitúa a Perry en varios escenarios como un cobertizo, el parque Snow Canyon de Utah o directamente metida en el agua mientras un enorme paracaídas frena sus pasos a través de la «locura y el caos» hacia la victoria, la transformación y todas esas cosas #inspiradoras de las que habla la canción.
Tras la cámara de ‘Rise’ encontramos nada menos a que a Paul Gore, experimentado director de videoclips al que atribuimos piezas como las correspondientes a ‘Forever More’ de Moloko, ‘In My Bed’ de Amy Winehouse, ‘False Flags’ de Massive Attack y ‘Only Love Can Hurt Like This’ de Paloma Faith. Seguramente el de ‘Rise’ no sea su vídeo más memorable, pero sirve su función. Es, por cierto, el primer videoclip de Perry desde su delirante anuncio navideño para H&M.
Tras su debut en Billboard Hot 100 en el puesto 11, ‘Rise’ bajaba la semana siguiente al top 43, si bien se espera que el estreno de su videoclip, así como el inicio de los Juegos, la impulse a recuperar posiciones y a superarlas. Al fin y al cabo, nos vamos a hartar de escuchar esta canción por todas partes en los próximos meses. Por cierto, ¿a que no se nota nada que es una composición de Max Martin? Es, sin duda, una de sus producciones menos obvias…
Después del fracasado intento de continuar la saga con otro protagonista, Jeremy Renner, en ‘El legado de Bourne’ (2012), Matt Damon y Paul Greengrass vuelven a unir fuerzas para revitalizarla y colocar al desmemoriado espía en lo más alto de la taquilla. Bourne ha recuperado la memoria. El problema es que los espectadores nunca la han perdido.
Lo mejor de ‘Jason Bourne’
1. Las escenas de acción. Nadie como Greengrass para rodar “manis» (‘Bloody Sunday’ sigue siendo su mejor película) y persecuciones de coches. La secuencia que se desarrolla en Atenas durante las manifestaciones frente al parlamento es fantástica, un ejemplo de cómo insertar trama y personajes en contextos relevantes y significativos, no solo pintorescos. Y la alocada persecución entre un coche y un camión de SWAT en Las Vegas también es fabulosa.
2. El personaje interpretado por la oscarizada Alicia Vikander (‘La chica danesa‘). La agente de la CIA Heather Lee no es una simple “chica Bourne”. Le sobra talento y le faltan curvas. Es un personaje casi con más entidad que el robótico Jason Bourne, un símbolo, junto al CEO de Deep Dream, de las nuevas generaciones salidas de Stanford dispuestas a, como dice la propia actriz, “manejar el cotarro”.
3. El contexto sociopolítico. Si algo ha caracterizado a la saga Bourne es la rapidez de reflejos de sus guionistas a la hora de insertar en sus tramas elementos de la actualidad social y política. Como hijo del 11-S, Bourne se mueve por un mundo de orden frágil y dirigentes paranoicos. En el caso de esta secuela, el paisaje geopolítico es el que han dejado Anonymous y Edward Snowden, un mundo en plena guerra cibernética y con una creciente economía basada en el (ab)uso del big data.
Lo peor de ‘Jason Bourne’
1. La falta de memoria. No de Bourne, que la recupera, sino de Greengrass y el montador Christopher Rouse, que debuta aquí como guionista. Esta secuela apenas se diferencia de las anteriores. El mismo esquema argumental, la misma planificación de las persecuciones y las peleas, y parecidos conflictos dramáticos. Ninguna novedad, ninguna sorpresa. Nada impactante. Es como un ruidoso resumen con los mejores momentos de la saga. ¿Una saga agotada?
2. Su anorexia argumental. El guión de ‘Jason Bourne’ está reducido al mínimo. Este esquematismo dramático no tiene por qué ser un defecto si sirve como esqueleto narrativo al que meterle músculo cinético (ver si no ‘Mad Max’). El problema es que aquí las cuatro secuencias de acción no son lo suficientemente sorprendentes e impactantes como para atrapar por sí solas toda la atención del espectador. Falta chicha. Por un lado y por el otro.
3. El laconismo de Bourne. Las diez palabras que dice en toda la película, ¿no empiezan a resultar más forzadas que las presentaciones de Sara Carbonero en ‘Quiero ser…’? 6’5.
Según informa Stereogum, el ya mítico vocalista de rock Ozzy Osbourne se ha visto obligado a reconocer públicamente, a través de un representante, que es adicto al sexo y que está acudiendo a terapia para ponerle remedio. Esta sorprendente declaración es consecuencia de una entrevista en la revista People a Michelle Pugh, que trabajó como colorista de pelo (sí, esta profesión existe) del músico, y que asegura que mantuvieron una relación sentimental estable durante cuatro años. La aparición de esa noticia en el mes de mayo, de hecho, provocó la separación de Ozzy y su ya popular manager y esposa durante 33 años, Sharon. Recientemente han declarado que estaban tratando de solucionar sus problemas conyugales y retomar su relación.
Tras la publicación de la entrevista, en la que Pugh declara que su relación fue «muy real» y que fue un «romance a la antigua usanza», un portavoz de Osbourne ha asegurado que el vocalista de Black Sabbath ha estado padeciendo adicción al sexo durante los últimos seis años. También ha declarado que Ozzy «lamenta que la Señorita Pugh sacara de contexto su relación sexual». «Le gustaría disculparse con el resto de mujeres con las que estuvo teniendo relaciones sexuales», añade. «De lo malo sale lo bueno. Desde que emergiera su relación con la Señorita Pugh, Ozzy ha acudido a una terapia intensiva. Ozzy está mortificado con lo que su comportamiento ha hecho a su familia. Da las gracias a Dios de que su increíble mujer Sharon esté a su lado apoyándole».
Ozzy Osbourne está inmerso en estos momentos en una extensa gira por Estados Unidos junto a Black Sabbath, que regresaron a la actividad discográfica en 2013 con el álbum ‘13‘.
Vaya veranito. ‘Independence Day: Contraataque’, ‘Jason Bourne’, ‘Mi amigo el gigante’, ‘Alicia a través del espejo’ y, para rematar, ‘Escuadrón suicida’. Ni un blockbuster realmente jugoso con el que relamernos este verano. Al final, cumple el de siempre: Pixar. Y eso que ‘Buscando a Dory’ no es, ni de lejos, su película más inspirada. Si lo comparamos con el año pasado, con ‘Del revés’, ‘Misión: Imposible. Nación secreta’, ‘Jurassic World’ o ‘Mad Max: Furia en la carretera’ (que aunque se estrenó unas semanas antes aguantó durante todo el periodo estival), podemos decir sin exagerar que estamos ante uno de los peores veranos cinematográficos de los últimos años, desde que Hollywood decidió estrenar sus superproducciones en los meses de más calor. Todavía faltan algunos: ‘Cazafantasmas’, ‘Ben-Hur’, ‘Star Trek: Más allá’… Pero, salvo quizá esta última, no hay muchas esperanzas de que esto remonte.
Mientras Pablo Alborán 
El de Ariana Grande no será el único ‘Let Me Love You’ que escucharás este 2016. Este es el título del nuevo single de DJ Snake con Justin Bieber, que viene en el nuevo disco del primero y ya puede escucharse. El tema es un número de tropical house con distorsiones vocales que repite la fórmula de ‘Lean On’, el clásico de Major Lazer con MØ y el mismo DJ Snake, de manera bastante evidente, pero no está mal. 
Clint Eastwood ha sido «trending topic» en las últimas horas en Twitter y no para bien. El actor, que ha reconocido públicamente su apoyo al Partido Republicano de Estados Unidos en varias ocasiones e incluso participó en la Convención Republicana Nacional de Tampa hace cuatro años, 
Wild Beasts, el grupo británico al que recordarás por canciones como ‘All the King’s Men’, ‘A Simple Beautiful Truth’ y ‘Albatross’, además de por el gran disco que fue y sigue siendo ‘
Rostam Batmanglij 
A un día del inicio de los Juegos Olímpicos en Río de Janeiro, Katy Perry ha estrenado el videoclip de su himno olímpico, ‘Rise’. La pieza sitúa a Perry en varios escenarios como un cobertizo, el parque Snow Canyon de Utah o directamente metida en el agua mientras un enorme paracaídas frena sus pasos a través de la «locura y el caos» hacia la victoria, la transformación y todas esas cosas #inspiradoras de las que habla la canción.
Después del fracasado intento de continuar la saga con otro protagonista, Jeremy Renner, en ‘El legado de Bourne’ (2012), Matt Damon y Paul Greengrass vuelven a unir fuerzas para revitalizarla y colocar al desmemoriado espía en lo más alto de la taquilla. Bourne ha recuperado la memoria. El problema es que los espectadores nunca la han perdido.
