Sting, el cantante con la rima en inglés más desafortunada, prepara nuevo disco para este otoño. Se titulará ’57th & 9th’ en referencia al cruce de Nueva York por el que pasaba cada día el músico de camino al estudio de grabación durante la creación del disco, y sale el 11 de noviembre. El primer adelanto, ‘I Can’t Stop Thinking About You’, se estrena mañana 1 de septiembre.
Según NME, el líder de Police ha asegurado que ’57th and 9th’ está inspirado en sus largos paseos por Nueva York, los cuales considera parte del proceso de grabación, y que hablará del cambio climático. El álbum también hablará de la muerte, concretamente la de las estrellas del rock. Concretamente, ‘50,000’ versa sobre la muerte «lo mucho que nos choca cuando un icono de la música muere» y recuerda las muertes casi seguidas de David Bowie, Lemmy de Mötorhead, Alan Rickan y Prince. «Primero fue David Bowie, después Lemmy, y después mi amigo Alan Rickman murió y después Prince», ha detallado. «Parecía que todas estas muertes iban seguidas una de la otra y era raro porque piensas que esta gente es inmortal pero de repente te das cuenta de que no, de que es como el resto de nosotros».
’57th and 9th’ será el primer álbum de Sting desde 2013, cuando editó ‘The Last Ship’. El primer adelanto, ‘I Can’t Stop Thinking About You’, se estrena mañana. Os dejamos con su gran clásico, ‘Shape of My Heart’:
Chris Brown ha vuelto a meterse en problemas. El cantante, informan varios medios citando a TMZ, ha sido detenido en Los Ángeles acusado de amenazar a una mujer con una pistola durante la mañana del martes. La detención se ha producido horas después de que la policía de Los Ángeles se presentara en casa de Brown tras recibir una llamada por parte de la mujer, que se encontraba en casa del músico durante lo ocurrido.
Según TMZ, Chris se encontraba en casa con varios amigos, entre ellos el rapero Ray J, cuando aparecieron dos mujeres en su casa que no estaban invitadas. Después de invitarlas a irse, aparentemente una de ellas llamó a la policía defendiendo que Brown la había amenazado con el arma de fuego. Sin embargo, una persona que se encontraba en el interior de la casa en ese momento asegura que Brown estaba durmiendo durante lo sucedido.
Horas después de la llegada de la policía a la casa de Brown, este acudía a Instagram para mostrar su enfado por lo ocurrido en una serie de vídeos en los que defiende su inocencia y asegura que la policía no suele acudir a su casa hasta el día siguiente cuando es él quien defiende haber sido amenazado. Esta mañana, Brown ha borrado los vídeos y publicado otro de Ray J en el que le defiende.
El cantante ha salido bajo fianza tras pagar 250.000 dólares. Mientras, la mujer que ha realizado la acusación ha concedido una entrevista en vídeo en la que narra su versión de los hechos, indicando que estaba en la casa interesándose por la venta de unas joyas cuando Chris Brown se le acercó con el arma indicando que ya le había advertido que se fuera de su domicilio.
Selena Gomez ha anunciado la cancelación de su gira ‘Revival’, que pasaba por Madrid el 14 de noviembre, para tratar problemas emocionales derivados de su lupus, enfermedad que le fue diagnosticada el año pasado. La cantante ha enviado un comunicado a People asegurando que sufre «ansiedad, ataques de pánico y depresión» a causa de esta enfermedad y que necesita tomarse un descanso fuera de los escenarios.
Gomez, que recientemente era proclamada la reina de Instagram, ha detallado que quiere concentrarse «en cuidar mi salud y mi felicidad y he decidido que la mejor manera de superarlo es tomarme un descanso. Muchas gracias a todos mis fans por vuestro apoyo. Sabéis lo especiales que sois para mí pero necesito enfrentarme a este problema directamente para asegurarme de que hago todo lo posible para encontrarme lo mejor que pueda. Sé que no estoy sola en esto y espero que otros y otras se sientan fortalecidos para abordar a sus problemas».
Parece, pues, que ha terminado la exitosa etapa de Gomez con ‘Revival’, su último disco, del que se han extraído singles tan exitosos como ‘Good for You’, ‘Same Old Love’ o ‘Hands to Myself’. La cantante era noticia recientemente por enfrentarse a su ex, Justin Bieber, en Instagram después de que este amenazara con borrar su cuenta de Instagram tras las críticas de sus fans a una foto de él con su novia. Bieber finalmente cumplía con su promesa.
Rihanna será recordada por rompepistas de lo evidente -como ‘We Found Love’ u ‘Only Girl’- a lo sutil -‘Work’, ‘Umbrella’- pasando por supuesto por su lado más urban -‘Bitch Better Have My Money’-.
Pero curiosamente también tiene una aceptable colección de buenas baladas encabezada por ‘Stay’, y en la que desde este año hemos de incluir ‘Love on the Brain’, una de las últimas canciones de su último disco ‘ANTI‘, que desde hace unas semanas se encuentra entre mis canciones favoritas de la artista. Lo cual después de una treintena de hits, es mucho decir.
‘Love on the Brain’ sonó este fin de semana entre los varios popurrís que Rihanna hizo en los premios MTV, pero previamente había sonado ya en vivo en los Premios Billboard, donde la cantante hizo una interpretación bastante histriónica que también está ya entre las mejores que ha hecho, autocensura del «fuck» aparte (la autocensura de «motherfucker», en cambio, es digna de meme). Rihanna tiene una voz preciosa, y es una pena que en muchas ocasiones sea una vaga en directo, dejando frases a la mitad o abusando de pregrabados, porque cuando se pone, está muy por encima de muchas otras y otros cantantes de su generación.
Especialmente en la versión de estudio de la canción, durante la segunda estrofa se convierte en otra persona. En los maullidos previos y posteriores a la fantástica frase «I’m tired of being played like a violin» se acerca al timbre de otras cantantes como Amy Winehouse (también recuerda un poquito a Róisín), mientras los arpegios de la canción y su ritmo, totalmente doo-wop, están abiertamente inspirados por Al Green, muy especialmente por su versión de ‘For the Good Times’ de Kris Kristofferson.
También el ‘I’d Rather Go Blind’ de Etta James parece una referencia muy evidente.
El autor y principal productor de la canción es el noruego Fred Ball. Kuk Harrell se ocupó de producir más bien la voz de Rihanna y también figura como coautor Joseph Angel. Fred Ball ha trabajado con Ellie Goulding, Cerys Matthews y Brett Anderson en solitario, y fue nada menos que el líder de Pleasure, aquel grupo que nos conquistara circa 2003 con el petardazo electro ‘Don’t Look The Other Way’. Llegaron a tocar en un FIB antes de presentar otro disco y extinguirse, pero como veis, a Ball no le ha ido nada mal cambiando de tercio y vendiéndose como autor. Según su portfolio en Roc Nation ha llegado a grabar con Madonna y Kylie, aunque su material parece haber sido descartado de los últimos discos de ambas o firmado con pseudónimo.
En ‘Love on the Brain’ Fred Ball (firma como Fred B y Fred a secas, entre otros sobrenombres recogidos en Discogs) reconoce haberse inspirado en general en Prince y en Al Green, y en la modernización del soul realizada por Amy Winehouse, pero no escribió este tema específicamente pensando en RiRi. Sin embargo, a Roc Nation le gustó tanto que se lo pasó a Rihanna, quien añadió algo de letra. A día de hoy, los usuarios de Genius han interpretado que ‘Love on the Brain’, que habla de un amor tóxico y tan violento como el de ‘He Hit Me (And It Felt Like A Kiss)’, aquella maravilla que Carole King y Gerry Goffin escribieron y Phil Spector produjo, hace referencia a Chris Brown, quien fue detenido y condenado a dos años de libertad condicional por maltratar a Rihanna hace unos años, y de hecho acaba de volver a ser detenido por amenazar con una pistola a una mujer. Al mencionado hit interpretado por The Crystals y reinventado hasta dos veces por The Cardigans en nuestro siglo recuerdan los «I’m fist-fighting» en contraste con el lema de la canción «Never stop loving me / Don’t quit loving me».
Chris Brown resulta además tener una canción llamada ‘Heart Ain’t A Brain’, la única de todo este artículo que no debéis escuchar pero que ahí queda como curiosidad.
Los guiños en la carrera de Rihanna a Chris Brown se han sucedido desde el disco ‘Rated R’ y la violenta ‘Russian Roulette’ al dueto ‘Nobody’s Business’ que ambos interpretaron juntos en ‘Unapologetic’, el que hasta ahora era el último álbum de Rihanna. Curiosamente, otros protagonistas de una condenable relación turbulenta y violenta, Ike y Tina Turner, también entonaron una canción llamada casi igual, ‘Ain’t Nobody’s Business’, otro «no es asunto vuestro» tradicional que procede de una canción de blues de los años 20, adaptada por Freddie King, Billie Holiday, largo etcétera, y que puede tener una lejanísima conexión con ‘Love on the Brain’ en muchas de sus decenas de interpretaciones, las más sesenteras.
Tal y como está el mercado, nadie sabe qué puede pasar cuando ‘Love on the Brain’ se lance al mercado como single, cosa que se ha confirmado hace solo unos días. Parece que su sello intentará convertirlo en un hit navideño, pero después de los holgazanes vídeos presentados para ‘Needed Me’ y ‘Kiss It Better’, después del absurdo vídeo para un bonus track de ‘ANTI’, esto puede pasar más desapercibido que los pasos «back to basics» de Christina Aguilera. En cualquier caso, una canción con historia que puede ser un «fan favorite» de por vida.
Cold Cave, aquel proyecto de Los Ángeles principalmente compuesto por el músico y poeta Wesley Eisold al que recordarás por canciones de dark wave brutal y medio psicótico como ‘Life Magazine’, ‘Confetti’ o ‘The Great Pan is Dead’ y por sus dos discos editados por Matador, ‘Love Comes Close’ y ‘Cherish the Light Years’, ha anunciado nuevo single de 7″, ‘The Idea of Love’, para el próximo 9 de septiembre. Es el primer lanzamiento de Cold Cave tras la recopilación de canciones antiguas, ‘Cremations’, editado en 2014.
La nota de prensa de Heartworm, que edita el single, detalla que estamos, con él, ante el Cold Cave «más apasionado, molón, punk y puro» y que este «evoca las tempranas grabaciones primitivas de ‘Cremations’, hasta el punto que usa el mismo equipo viejo de tienda de segunda mano que aquellas canciones usaban». «Debería estar claro a estas alturas», indica la nota, «que Cold Cave existe en su propio mundo y que edita música en cualquier formato y momento en que le apetezca. Una evolución a través de sus propias normas y que se ríe alegremente de la agotada norma que constituye la convención de la industria musical».
El single contiene ‘The Idea of Love’ en la cara A y ‘Rue the Day’ en la cara B. El primer adelanto es ‘The Idea of Love’, que abrasa como los mejores temas de Eisold. Puro post-punk electrónico entre Ian Curtis y Xiu Xiu. En definitiva, un temazo.
David Pajo, guitarrista de Slint (y colaborador en otras bandas como Tortoise, Yeah Yeah Yeahs o Interpol) y autor de varios discos en solitario bajo el alias Papa M, ha recuperado este mismo proyecto para un nuevo álbum, ‘Highway Songs’, que editará Drag City el próximo 11 de noviembre y que será el primer largo oficial de Pajo desde 2001, cuando editó ‘Whatever, Mortal’.
Drag City, que sacó ese mismo disco en su momento, ha detallado que el disco se comprende de canciones de «blues del siglo 21, folk roto, ur-metal y esbozos de diario hechos a medias entre el manicomio y la unidad de cuidados intensivos». Por su parte, Pajo ha escrito que ‘Highway Songs’ es «música que abandona la mente cuando el cuerpo está hecho trizas» y que «refleja un periodo de tiempo en el que estuve conectado a máquinas».
Naturalmente, tanto Drag City como el propio Pajo se refieren en su texto al intento de suicidio del músico de 2015. Pajo trató de ahorcarse en su casa debido a una depresión (que él atribuyó, en una nota de suicidio publicada en su blog, a una infidelidad de su mujer) pero la policía pudo llegar a tiempo para salvarle.
El primer adelanto del álbum es la cuca ‘Walking in Coronado’, una canción instrumental que mezcla programaciones electrónicas con guitarras. Con ella os dejamos:
Antes de ganar un Oscary un Globo de Oro, antes de vender 8 millones de copias de su álbum debut, ‘In the Lonely Hour’, antes de firmar varios clásicos del pop de la segunda mitad de siglo como ‘Stay with Me’ o ‘Latch’ con Disclosure, el cantante y compositor Sam Smith era un aspirante a estrella de la música que preparaba su gran salto a la fama en los estudios del sello independiente londinense Flipbook Music.
Antes de todo eso, también, Smith grabó en 2008 un disco titulado ‘Diva Boy’ que este mismo sello editará el próximo mes de septiembre junto al documental ‘Sam Smith: The Lost Years’, que recoge el proceso de grabación de este álbum. El primer adelanto es ‘Momentarily Mine’, un número con un puntito brasileño en el que reconocerás inmediatamente una voz que era todo un diamante en bruto.
El disco incluye asimismo títulos tan propios de Smith como ‘A Little Melancholy’, ‘Bad Day Alll Week’ o ‘So Much More to Lose’. Sí, ya en 2008 Smith era el sauce llorón que ha vendido millones de copias de su álbum debut. No extraña que terminara odiando su hit dance, ‘Money On My Mind’.
‘Diva Boy’:
01 A Little Melancholy
02 All This Madness
03 Bad Day All Week
04 Little Tin Buddhas
05 Momentarily Mine
06 Out Of Our Heads
07 Show A Little Mercy
08 So Much More To Lose
09 Time Won’t Wait
10 When It’s Alright
Kirstin Hersh de Throwing Muses ha anunciado nuevo disco, ‘Wyatt at the Coyote Palace’. Es doble y sale el 28 de octubre en Reino Unido y el 11 de noviembre en Estados Unidos (parece que no habrá distribución para España). El disco está inspirado en el hijo autista de Hersh, Wyatt, concretamente en su «fascinación por un edificio abandonado ocupado por coyotes» que este visitaba de vez en cuando durante la grabación del álbum. «De repente», ha indicado Hersh, sin embargo, «su fascinación llegó a su fin».
Hersh ha detallado que adoraba el amor de su hijo por este sitio. «El batería de Throwing Muses, Dave Narcizo, mi mejor amigo desde la escuela», ha señalado, «decidió que Wyatt necesitaba encapsular su memoria sensorial del palacio de los coyotes, hacer que la experiencia fuera finita, como embotellar un recuerdo. Dave cree que lo veré otra vez y que el amor de Wyatt por ese sitio volverá en cuanto Wyatt haya filtrado esas imágenes a través de su fascinante a la par que intensa psicología».
‘Wyatt at the Coyote Palace’ saldrá conjunto a un libro del mismo nombre. No es el primer lanzamiento de este tipo por parte de Hersh. En 2010 editó el disco/libro ‘Crooked’ y en 2013 salió ‘Purgatory’ acompañado de un libro llamado ‘Paradise’. Además, Hersh ha editado otros libros independientemente a su música, ‘Toby Snax’ en 2007, el interesante ‘Rat Girl’ en 2010 y ‘Don’t Suck, Don’t Die: Giving Up Vic Chesnutt’ en 2015.
Throwing Muses, grupo aún en activo, ha sido una de las bandas de rock alternativo más influyentes de los 90 en Estados Unidos. Especialmente recordadas son canciones como ‘Bright Yellow Gun’, ‘Not Too Soon’ o ‘Counting Backwards’ o discos como ‘University’.
Este domingo, PP y Ciudadanos han llegado a un acuerdo: 32 diputados de Ciudadanos apoyarán la investidura de Mariano Rajoy. Este pacto incluye un documento, llamado ‘150 compromisos para mejorar España’, firmado por Rajoy y Rivera, en el que se incluye un artículo, concretamente el 89, que nos interesa especialmente, pues promete la bajada del IVA a los «espectáculos en directo»… pero ya. Al cine nada de nada.
Marta Rivera, portavoz de Cultura en la Ejecutiva Nacional de Ciudadanos, ha explicado que la propuesta cultural de su partido sí incluía una reducción del IVA al cine al 10% y que este seguirá luchando por que se aplique. «Lo lamento profundamente», ha dicho. «Nos sigue pareciendo que el 21% para el cine es desproporcionado. Hay que quedarse también con lo que hemos obtenido: en el documento inicial de propuestas que el PP mandó a los demás partidos no había una sola linea de Cultura, y ahora hay una pagina entera. Y lo que incluye es más que lo que ha hecho la secretaria de Cultura en 5 años. Esa batalla no se ha acabado».
El pacto incluye asimismo una propuesta de «modificación de los tipos impositivos del IVA cultural de forma que no se produzca discriminación entre actividades públicas y privadas» y una promesa de Ley de Mecenazgo y un Estatuto del Artista y el Creador. También se propone la reforma de la Ley de Propiedad Intelectual y de Derechos de Autor con «medidas para defender los derechos de los creadores de contenidos digitales», lo que incluye «la copia privada, su compensación y su ámbito».
El management de Supersubmarina, Pink House Management, ha emitido en las últimas horas un comunicado dando la última hora de la situación de los miembros del grupo tras el accidente de tráfico sufrido hace unas semanas. Por el momento, todas las noticias son alentadoras. Fran, el road manager, ha recibido el alta médica y Pope, bajista, el alta hospitalaria.
Fueron los dos heridos más leves de la colisión con una furgoneta en las proximidades de Úbeda, y por el que han recibido la solidarias y apoyo de miembros de la política y la música, amén de homenajes tan bonitos como el de Carlos Sadness. Jaime, guitarrista, ha sido operado satisfactoriamente de brazo y pierna, mientras que el batería, Juanca, y el cantante, Chino, continúan en la UCI con pronóstico favorable. Este es el comunicado completo:
«Hola,
Los componentes de Supersubmarina afrontan una nueva semana, en sus respectivas fases de recuperación, tras el accidente sufrido el pasado domingo 14.
Al alta médica de Fran (road manager) se sumaba el jueves la hospitalaria de Pope, bajista del grupo, para continuar en casa con la recuperación y rehabilitación de pierna y brazo, proceso que le llevará aún unos meses.
Jaime (guitarra) fue operado de brazo y pierna el jueves y viernes, respectivamente, y el resultado de ambas intervenciones es satisfactorio, aunque tendrá que esperar unas semanas aún para poder abandonar el hospital.
Jose “Chino” (cantante) y Juanca (batería) continúan en la UCI y ya han empezado a reducir la sedación a ambos, respondiendo los dos de forma positiva a diferentes estímulos.
En general, el cuadro médico de los tres es alentador, así como sus fases de recuperación, insistiendo en mantener toda la cautela que todavía requiere la situación.
Esta es una semana importante para controlar y afianzar dichos cuadros.
Seguiremos informando de las novedades que se produzcan.
Y una vez más, queremos agradecer en nombre de Supersubmarina y nuestro todos los mensajes y llamadas de apoyo, así como la alta sensibilidad y respeto por parte de los grupos, seguidores y promotores de los diferentes eventos en los que iba a participar la banda.
La última actuación de Britney Spears en los premios MTV Video Music Awards, donde presentó ‘Make Me…’ con G-Eazy fusionada con ‘Me, Myself & I’ del rapero, no fue especialmente memorable, sobre todo en comparación con sus pasadas actuaciones en la ceremonia, algunas de ellas tan míticas como la de ‘I’m A Slave 4 U’ con la serpiente pitón o la del beso de Madonna. Fue, eso sí, una actuación pintona, especialmente al principio, donde Spears bailó frente a una pantalla con sombras de manos proyectadas que hacían formas en directo.
La idea, sin embargo, no es nueva. Ya la cantante islandesa Greta Salóme utilizó este mismo concepto en su actuación de ‘Hear The Calling’ en la última gala de Eurovisión. Por supuesto, Twitter ha advertido las similitudes entre ambos directos casi al instante y estas comparaciones han llegado a la misma Salóme, que ha publicado un divertido vídeo en Twitter en el que trata este asunto con humor. Mientras suena ‘Gimme More’ de fondo, Salóme se pregunta «¿más? no sé cuántas ideas más te puedo dar».
Salóme ya representó a Islandia en 2012 con ‘Never Forget’ con Jónsi (no de Sigur Rós). Os dejamos con ambos vídeos para que comparéis. El parecido es obvio, ¿pero sabrán Spears o su equipo quién es Salóme?
Glass Animals editaron en 2014 uno de los discos más interesantes del año, ‘ZABA’, una colección de canciones de pop psicodélico notablemente influenciadas por la tradición africana e inspirada en ‘The Zabajaba Jungle’ de William Steig (creador de ‘Shrek’) que no solo contenía una producción rica y ejecutada con astucia y visión sino también un puñado de buenas canciones que todavía hoy recordamos. Exactamente lo mismo puede decirse del segundo disco del grupo, ‘How to Be a Human Being’, con la diferencia de que el cuarteto de Oxford no sitúa ahora sus canciones en una jungla ficticia sino que dota a cada una de ellas de una personalidad propia… literalmente. Dave Hayley, líder de la banda, se pasó dos años estudiando historias de gente (cómo se nota que era neurocientífico) y a partir de este proceso de documentación ha diseñado estas canciones que versan sobre nostalgia parental (‘Youth’), drogas (‘Cane Shuga’) o salud mental (‘Mama’s Gun’). El himno del álbum, ‘Life Itself’, envuelve en ritmos tribales y sintetizadores cósmicos una historia de inadaptabilidad social, mientras la eufórica ‘Agnes’, de hermoso final que aspira a tocar el sol, parece hablar sobre una mujer que ha echado su vida a perder por culpa de las drogas y el alcohol. La mejor canción del disco, ‘Season 2 Episode 3’, también la más extraña, es la «quiet storm» con efectos de videojuego más cuca que oirás en mucho tiempo, aunque su letra se pase de críptica, y otros temas del disco como ‘Mama’s Gun’ ni siquiera necesitan una historia buena para lucirse. Esta en particular, bastante trip-hop, samplea ‘Mr. Guder’ de Carpenters. ¿No es suficiente motivo para quererla? ‘How to Be a Human Being’ no mantiene un buen nivel durante todo su minutaje, sin embargo, los buenos momentos, aparte de muy buenos, son también raros en el pop actual y vale la pena atesorarlos. Glass Animals es uno de esos grupos.
Calificación: 7,1/10 Lo mejor: ‘Life Itself’, ‘Season 2 Episode 3’, ‘Mama’s Gun’, ‘Agnes’ Te gustará si te gusta: Alt-J, Jungle, Wild Beasts Escúchalo:Spotify Cómpralo:Amazon
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La pasada semana conocíamos la inclusión de The Chemical Brothers en el cartel de BIME Live! Festival, un certamen celebrado en la ciudad de Barakaldo en los días 28 y 29 de octubre para el que ya se había anunciado la presencia de PJ Harvey, Suede, Moderat, The Divine Comedy, Toundra o Wild Beasts. Y hoy sabemos que el dúo formado por Tom Rowlands y Ed Simons también realizarán otras fechas en nuestro país, conformando una minigira estatal.
En primer lugar, el 27 de octubre actuarán en el Poble Espanyol de Barcelona; el día 28 de octubre encabezarán la edición madrileña del festival de Barakaldo, Madrid Live!, en el Barclaycard Center (en breve se conocerán las bandas que les acompañarán); y por último, el día 30 de octubre, se presentarán en Santiago de Compostela, en Multiusos Fontes de Sar. Las entradas para todos estos nuevos eventos se ponen a la venta el próximo viernes 2 de septiembre en Ticketea.
The Chemical Brothers publicaron el pasado año ‘Born In The Echoes‘, un disco fantástico, repleto de colaboradores estelares como Beck, St Vincent o Q-Tip, que mostraba al dúo británico en plena forma. Singles tan certeros como ‘Go‘, ‘Sometimes I Feel So Deserted‘ o ‘Wide Open‘ ya han pasado a ser nuevos clásicos de este proyecto.
Ahora entendemos más a qué venían todas aquellas referencias (unas para bien y otras para no tan bien) en ‘Carreteras infinitas’, el discutido single de los barceloneses Sidonie. Hoy la banda anuncia ‘El peor grupo del mundo’, el octavo álbum de su carrera, al que definen como «un disco de pop que habla del pop». «Es el pop dentro del pop. Es nuestra declaración de amor a todos los grupos que admiramos; un Os Queremos en forma de disco. También es un recordatorio de lo que somos y siempre hemos sido: fans. Antes que músicos somos fans. Antes que artistas somos fans. Sidonie se formó para dar las gracias al pop. No teníamos otra intención. No nos juntamos para hacernos ricos, o para follar, o para lanzar proclamas políticas. El grupo se formó para devolverle el favor a Elvis, a Marvin, a Keith, a Alaska o a Beck». El grupo ha dado a conocer el título del álbum, sobre el que venían dando pistas, a través de un vídeo en sus redes sociales.
En una extensa nota de prensa, la banda justifica el título de este nuevo disco recordando anécdotas en las que bandas como The Beatles, Queen, Ramones o Dorian se cuestionaron a sí mismo, antes del éxito, si eran «el peor grupo del mundo». Mención aparte merece la referencia, cuando el grupo va camino de cumplir 20 años, a un «desastroso concierto» de los propios Sidonie, que no tiene desperdicio (las negritas son nuestras):
«Fue en la sala Apolo de Barcelona, una noche de 1998. Nos programaron en un festival entre los grupos más destacados del mestizaje de nuestra ciudad, el estilo musical de moda en esa época, y todo salió mal, muy mal. (…) Hay que admitirlo, no tuvimos una gran noche, pero tampoco nos ayudó demasiado el público, que desde el primer tema no dejó de abuchearnos y lanzarnos objetos al escenario. (…) Una semana después, nos reunimos en el local de ensayo, totalmente deprimidos. Durante un buen rato no nos dijimos ni una palabra. No podíamos. El fantasma de la separación flotaba sobre los amplificadores, pero en un instante único, que se convirtió en una revelación y en un hito, nos acordamos de lo difícil que lo habían tenido los Beatles, los New York Dolls, Queen o los Ramones. Nos levantamos de golpe y dijimos: – ¡Cuatro tipos con camisetas de Bob Marley no van a conseguir que lo dejemos! ¡Que se jodan! ¡Que se jodan ellos y todos los que nunca han creído en nosotros! Entonces, nos abrazamos y nos pusimos a ensayar«.
Os dejamos con el que suponemos (aún no se ha avanzado tracklist ni fecha de edición) ha sido el primer single de ‘El peor grupo del mundo’, ‘Carreteras infinitas’.
El dúo mixto de Brooklyn Sleigh Bells prepara el lanzamiento de su cuarto largo, ‘Jessica Rabbit‘, que se edita el próximo día 11 de noviembre. Hasta el momento, habíamos conocido los singles ‘Hyper Dark‘ y ‘Rule Number One‘. Hoy podemos ver y escuchar el clip de un nuevo single, titulado ‘It’s Just Us Now’. Como viene siendo costumbre en el grupo, confluyen guitarras metaleras, percusiones explosivas y la voz dulce de Alexis Krauss, que en el clip dirigido por la otra mitad del grupo, el guitarrista Derek Miller, sufre muchísimo. La vemos gritar y llorar desconsolada, en la piscina, y huir angustiada, a la carrera, por el campo. Mientras, su socio musical deambula fríamente por un cementerio, con su clásica bandana cubriéndole la cara.
Además de por la edición de ‘Jessica Rabbit’, Sleigh Bells también han sido noticia en esos días por tramitar una denuncia contra la cantante Demi Lovato y su equipo artístico, acusándoles de plagio en una de las canciones extra de su último álbum ‘Confident’. Concretamente, según la versión del dúo, la canción ‘Stars’ contiene elementos de sus más conocidos singles, ‘Infinity Guitars’ y ‘Riot Rhythm’. Por supuesto, el equipo de la ex-estrella adolescente ha negado el sampleo. En los próximos meses veremos en qué queda todo.
Hoy, a través de redes sociales, nos hemos encontrado con una gema que, a 30 de agosto, parece simbolizar el final oficioso del verano 2016. En una alianza algo impredecible, los ya veteranos músicos de la escena madrileña independiente Remate & Wild Honey nos muestran ‘Un acuario en las afueras’, una canción que compusieron, produjeron y grabaron en los primeros días del estío en los estudios de José María Rosillo en Madrid. El aire melancólico de la canción, de arreglos ensoñadores y comedida psicodelia, resulta perfecta para estos días y rememora las mejores canciones de uno de los tándems más legendarios del pop español, Juan & Junior. Su letra, en la que se alternan costumbrismo y fantasía, le va como anillo al dedo.
Wild Honey es el proyecto de Guillermo Farré, altamente influenciado por el pop de los 60, la psicodelia y las armonías vocales perfectas (no en vano se bautizaba como una canción de Beach Boys). Tras editar el pasado año el soberbio EP en castellano ‘Montaña de plata‘, en estos días se dispone a mezclar el que será su tercer largo. Por su parte, Remate es un curtido cantautor al margen de convenciones y modas que, pese a comenzar muy influido por el auge de la Americana en los primeros 00s, poco a poco ha ido abriendo su abanico estilístico. Este año han visto la luz dos singulares obras suyas: por un lado, el álbum ‘Cabello de Ángel, Tocino de Cielo‘, un «musical hieperrealista»; y por otro, la banda sonora para ‘Un corazón roto no es como un jarrón roto o un florero’, un corto en clave de humor dirigido por Isabel Coixet. Por el momento, se desconoce si esta colaboración irá más allá de este tema, pero ojalá.
Votada por casi el 40% de nuestro público, ‘Fiesta en el infierno’ de Fangoria ha sido esta semana número 1 en JENESAISPOP tras el estreno de su videoclip. Es el cuarto número 1 del grupo en nuestra lista tras ‘La pequeña edad de hielo’, ‘Dramas y comedias’ y ‘Desfachatez’. El tema no ha alcanzado la lista de singles española, como tampoco lo conseguía ‘Geometría polisentimental’ pese al apoyo que esta recibía de Los 40 Principales. Eso sí, el disco que contiene ambas ‘Canciones para robots románticos‘ sube esta semana al top 20 de la lista de ventas en su 27ª semana de permanencia, tras haber sido número 1 y aproximándose al disco de oro. Pese a que sean artista de álbumes, parece que Fangoria continúan conquistando a nuevo público, especialmente desde la emisión de ‘Alaska y Mario’ en MTV hace unos años, que contribuyó a que ‘Cuatricromía’, su álbum anterior, fuera uno de los mayores éxitos comerciales de toda su carrera.
‘Fiesta en el infierno’ es una de las composiciones que Guille Milkyway de La Casa Azul ha hecho con Olvido y Nacho para uno de los dos últimos discos de Fangoria. Si en ‘Cuatricromía’ producía el EP azul y co-escribía parte del magenta, en este caso compone y produce lo que es la cara A del vinilo, su primera mitad, sus primeras seis canciones. Esta es una composición bastante EDM (‘Iluminados’, otra de las suyas, parece inspirada nada menos que en Calvin Harris) y algo electro, cuyo subidón contiene un speech sin acreditar pero asociado a Guille Milkyway, en el que se recita que «el amor es una construcción burguesa», en clara referencia a ‘Love Is A Bourgeois Construct’, uno de los singles de ‘Electric’, el penúltimo y brillante disco de Pet Shop Boys.
Las referencias a Pet Shop Boys se han sucedido numerosas veces en la discografía de Dinarama y Fangoria, pues siempre han sido uno de sus grupos favoritos. Así, ‘Left to My Own Devices’ era recreada en ‘No es el final’ de Alaska y Dinarama; si bien es justo recordar que, por increíble que aparezca, el himno gay de Alaska ‘A quién le importa’ (1986) es un año anterior al himno gay de Pet Shop Boys ‘It’s a Sin’ (1987) y por tanto también lo es el disco ‘No es pecado’, que puede parecer hoy una respuesta al grupo británico, pero no lo fue. Pet Shop Boys y Fangoria coincidían en el FIB de 2004, y además llegaban a actuar juntos en Madrid en 2007.
Fangoria no concede entrevistas a JENESAISPOP. Su mánager Mario Vaquerizo canceló una entrevista telefónica con nuestro medio en enero de 2009 cinco minutos antes de tener que empezar, unas semanas después de la publicación de este artículo que simplemente reproducía el texto de una imitación de ‘Muchachada nuí’. Y hasta hoy. Su sello Warner no ha acertado a darnos razones pese a diversos intentos por nuestra parte. Sin embargo, el dúo sí ha hablado por ejemplo con Mondo sonoro sobre esta canción. Nacho reconocía el homenaje a Pet Shop Boys: «La frase es un homenaje a Pet Shop Boys, que también lo dicen en un tema. El amor es una invención que proviene del medievo». Alaska añade: «Ya existía. Lo que pasa es que no se define como tal hasta esa época», y luego Nacho continúa: «Antes de la Edad Media el amor romántico no existe. La gente se casaba por interés o por conveniencia. De hecho, lo más normal eran los matrimonios concertados. A día de hoy todavía se estila en muchos países».
Alaska añade que «la gente sigue fugándose porque se enamora» mientras Nacho recalca que «antes sólo existía el amor a Dios, no existía algo tan egoísta como el amor de pareja». Alaska concluye: «A nosotros lo que nos gustaría es que el amor fuese algo matemático, que se pudiera planificar (…) Pero claro, luego cuando en las aplicaciones y webs de parejas establecen compatibilidades en base gustos y supuestas afinidades nunca funciona. Al final, no deja de ser un ideal irrealizable».
En la polémica entrevista con El Confidencial en la que Fangoria cuestionaron a los hipotecados, también hablaban sobre esta canción, respondiendo una pregunta sobre el desamor y la incredulidad en el amor que hay en todo el disco. Alaska: «Es un poco la línea editorial, sobre todo, de Nacho. Siempre discutimos porque yo creo que no quiere llamar amor a algo que considera el conjunto de una serie de cosas, pero bueno. Es verdad, como concepto, lo que dice ‘Fiesta en el infierno’, que el amor es una invención de la novela medieval y de los juglares. Antes no existía».
La letra, dominada por esos sustantivos abstactos que tanto gustan a Fangoria (degradación, desilusión, resignación, decepción, invención, construcción, debilidad, dolor, etcétera) es efectivamente un lamento por haber sucumbido de nuevo al amor cuando lo que se plantea es que este no existe. En el infierno celebran ese fracaso humano y de ahí título de la canción y parte de su vídeo, en el que aparece el diablo, aunque la inspiración estética ha sido, según el Instagram de Alaska, el trabajo de los fotógrafos Bob Mizer y James Bidgood.
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El trabajo en la dirección de Stanley Sunday (Doble Pletina, Las Bistecs, Hidrogenesse, los propios Fangoria) ha sido duramente criticado en nuestras páginas y en otras por su falta de acabado, si bien está claramente en la onda estética post-Benidorm y post-Canada del grupo.
De los realizados por Stanley Sunday, uno de los que guarda más similitudes estéticas es el de ‘Igual o mayor que’ de Doble Pletina, mientras que los «boyscouts» no son otros que Sonia y Óscar de Papá Topo como ha confirmado el propio grupo. Y se cierra todo un círculo porque Papá Topo se reconocen muy influidos por Fangoria y Dinarama. De hecho, Stanley Sunday dirigió el vídeo de Papá Topo de ‘Lágrimas de cocodrilo’, casi una recreación de ‘La línea se cortó’ de Pegamoides.
Aunque no se ha comercializado, existe un «radio edit» de la canción sin la voz de Guille Milkyway, es decir, sin pre-estribillo cantado/gritado. Con ella os dejamos, junto a algún directo.
Hace pocas horas que se ha conocido la triste noticia de la desaparición del actor Gene Wilder. Tenía 83 años y fallecía por complicaciones en la enfermedad de Alzheimer, que padecía desde hacía 3 años. Posiblemente su rostro no sea tan reconocido por los más jóvenes, puesto que su último film como protagonista data de 1991, y su último trabajo fue un breve papel en un episodio de la sitcom ‘Will & Grace’, en 2003. Sin embargo, nadie con conciencia a finales de los 70 y los 80 habrá sido capaz de olvidar su singular semblante, que tan bien funcionaba en la comedia. Así lo vio Mel Brooks, que le llevó a protagonizar la película musical ‘Los Productores’ (1968), que ganó un Oscar al mejor guión original y que le valió a Wilder su primera nominación al Oscar, como mejor actor de reparto.
Repetiría con Brooks en otros dos éxitos estrenados en el año 1974, ‘Sillas de montar calientes’ (en este caso, de taquilla), y ‘El jovencito Frankenstein’, una genial adaptación cómica del clásico de Mary W. Shelley. Su guión, que Wilder coescribió con Brooks, fue nominado al Oscar al mejor guión adaptado (que ganó ‘El Padrino II’). También actuaría para Woody Allen (‘Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo’, 1972), Stanley Donen (en su adaptación de ‘El Principito’, 1974). Otro de sus papeles más legendarios, sobre todo gracias al estatus de culto que la película ha ido adquiriendo, fue el de Willy Wonka en la adaptación del célebre cuento de Roald Dahl que dirigió Mel Stuart en 1971.
También resultó crucial en el éxito de su carrera su química con el cómico, también desaparecido, Richard Pryor. Junto a él protagonizó cuatro filmes que fueron un gran éxito en todo el mundo, especialmente los dos últimos: ‘El expreso de Chicago’ (1976), ‘Locos de remate’ (1981), ‘No me chilles que no te veo’ (1989) y ‘No me mientas que te creo’ (1991). Wilder siguió desarrollando su faceta de guionista y, también, realizó cuatro películas como director, logrando dos considerables éxitos con ‘Los seductores’ (1980) y ‘La mujer de rojo’ (1984), que convirtió a Kelly LeBrock en un icono sexual de los 80 y logró con su canción principal, ‘I Just Called To Say I Love You’ de Stevie Wonder, un hitazo que aún hoy perdura.
Tras la muerte de su tercera esposa, la también actriz de comedia Gilda Radner, a causa de un cáncer de ovarios, le llevó a participar activamente en campañas de prevención contra el cáncer, haciendo de la filantropía su principal actividad en la última etapa de su vida. Abandonada la actuación por su desencanto con el star-system, Wilder dedicó los últimos años a escribir varias novelas y pintar. Las tres décadas que dedicó al cine, en cualquier caso, le valdrán ser recordado como uno de los cómicos más dotados de su generación y sus papeles de Dr. Frederick Frankenstein, Willy Wonka y Leo Bloom son gran historia del Cine.
Tame Impala sigue presentando por el mundo su notable último disco, ‘Currents’. Su última parada fue anoche en el festival FYF de Los Ángeles. Allí, Kevin Parker y su banda interpretaron su setlist habitual, lo que incluye grandes canciones ya históricas como ‘Let It Happen’ o ‘Feels Like We Only Go Backwards’, además de ‘New Person, Same Old Mistakes’, ese clásico de Tame Impala que nadie esperaba hasta que Rihanna lo versionó en su último disco, ‘ANTI’.
Fue durante la interpretación de esta canción, con la que Tame Impala suele cerrar sus conciertos, lo que incluye su controvertida actuación en la última edición de Primavera Sound, cuando apareció al escenario, por sorpresa, Lady Gaga. La cantante se dejó ver al final del tema, se paseó por el escenario para que los fans de Tame Impala la vieran bien, abrazó a Parker y se marchó. Sería que pasaba por allí.
La aparición, casi fantasmal, fue sorpresa pero no en vano, pues Gaga ha colaborado con Parker, además de con Mark Ronson y BloodPop, productor de Justin Bieber, en el próximo single de ella, ‘Perfect Illusion’, que sale el mes que viene. Será el primer adelanto de su nuevo disco, que Ronson ha definido como «orgánico».
Es una unión la de Mark Ronson, Tame Impala y Lady Gaga que parece lo más parecido a la sublimación del pop del siglo XXI. Lo mismo debe pensar Grimes, que ha compartido una foto de estos tres artistas junto a su amigo BloodPop, con quien hizo ‘Go’, junto a un mensaje en el que pone a parir a la revista SPIN por su «clickbait malicioso» y a la gente que la criticó por escribir una canción para Rihanna. «Ahora mirad donde está BloodPop», escribe. «Estoy muy orgullosa deti, Mike».
Bon Iver saca disco, ‘22, A Million’, el 30 de septiembre. Lo estrenó entero en directo hace unas semanas en el festival Eaux Claires Music & Arts de Wisconsin (festival que el mismo dirige) y adelantó en Spotify con dos canciones tan buenas como imposibles de recordar por su título como son ’22 (OVER S∞∞N)’ y ’10 d E A T h b R E a s T ⚄ ⚄’.
Hoy, un nuevo adelanto de este disco ha llegado a las plataformas de streaming y es interesante por dos motivos. El primero, por supuesto, es su composición, que incluye pianos, órganos sintetizados, voces alienígenas y la bonita actuación vocal de Justin Vernon, como siempre acompañada de autotune, además de una fusión de electrónica y baterías que parece inspirado en el grupo favorito de Vernon, Poliça. El segundo motivo es que la canción samplea dos canciones que nunca hubieras imaginado escuchar en una canción de Bon Iver.
La primera canción es ‘Iron Sky’, una de las canciones destacadas del último álbum de Paolo Nutini, ‘Caustic Love’, que destacamos en su momento en nuestra crítica del disco como una de sus actuaciones vocales más desgarradoras. La otra canción es ‘All Rendered Truth’ del músico y educador Lonnie Holley. Curiosa la fusión.
Queda cerca de un mes para la llegada a las tiendas de ‘Ape in Marble Pink’, el nuevo disco de Devendra Banhart, que sale el 23 de septiembre a través de Nonesuch Records. Del mismo hemos escuchado ‘Middle Names’, un tema acústico y un poco bossa, y su autor ha estrenado hoy otro tema del álbum que es mucho más interesante. ‘Saturday Night’ es una miniatura electrónica nocturna, acuática y sutil que podría haber escrito Ariel Pink sin ningún problema y en la que Banhart canta sobre un amor complicado.
El tema, además de estar interpretado con mucha sensualidad, incluye lo que suena como una pipa china. ‘Ape in Marble Pink’ será el noveno álbum de Banhart y el primero desde 2013, cuando editó ‘Mala’, un disco que gustó tibiamente a nuestra redacción, pero que no estuvo exento de buenas críticas.
En los últimos tiempos, Banhart ha trabajado con la actriz Rose McGowan (que también ha llegado a cantar), sacado un libro titulado ‘I Left My Noodle on Ramen Street’ o participado en la última película de Adam Green junto a Macauley Culkin, Regina Spektor y Zoe Kravitz (cantante de Lolawolf, entre otros).
Kanye West visitó anoche la gala de los premios MTV Video Music Awards en Nueva York no para actuar sino para hablar sobre el vídeo de ‘Famous’ o adularse a sí mismo durante cuatro aburridos minutos. Como es costumbre, West entretiene más rapeando que hablando y esta ocasión no fue excepcional. Sin embargo, el rapero se guardaba una sorpresa para el final: tras su discurso estrenó su nuevo vídeo en TIDAL. Este corresponde a ‘Fade’, el tema house que cierra su último álbum, ‘The Life of Pablo’ .
Si no quieres suscribirte a Tidal, lo cual entendemos porque qué pereza, te alegrará saber que un fan muy generoso ha subido el vídeo a Twitter para disfrute de todo el mundo. El vídeo está protagonizado por Teyana Taylor, que interpreta a una bailarina tipo ‘Flashdance’ que entrena en un gimnasio antes de meterse en la ducha y del planazo del final, uno de los mejores del año, en el que una Taylor aceitosa aparece convertida en una gata junto al jugador de baloncesto Iman Shumpert, un bebé y… una oveja.
Esta semana, West ha empezado su gira de presentación de ‘The Life of Pablo’ en Indianapolis, donde ha actuado encima de una plataforma flotante. Entre las canciones del setlist se encuentran ‘Power’, ‘Flashing Lights’, ‘Runaway’, ‘Famous’ o la misma ‘Fade’. Esta, por cierto, samplea ‘Mystery of Love’, el clásico de Mr. Fingers de 1985.
Gracias a Alex A por el aviso en nuestros foros.
Actualización: tras hacer pasar un calvario a sus fans para localizarlo, el vídeo ya está en Youtube.
Kanye West, Christine and the Queens, Frank Ocean, The Temper Trap, Glass Animals, Supersubmarina, Two Door Cinema Club, Carmen Boza, James Vincent McMorrow, Phantogram o La Habitación Roja son algunos de los nombres que sonarán en LOS40 Trending, el nuevo programa de música «alternativa» (entiéndase como no perteneciente a la radiofórmula) de Los 40 Principales presentado por Arturo Paniagua. El programa empieza hoy 29 de agosto y se emitirá de lunes a viernes a las 23 horas (una hora menos en Canarias).
LOS40 Trending pretende descubrir al público de Los 40 Principales las «nuevas tendencias musicales impulsadas desde Internet, artistas emergentes y las novedades más virales de la música alternativa». Además, no será únicamente un programa de radio, pues su servicio se extenderá a la web de Los 40, las redes sociales y las plataformas de streaming, donde habrá contenido «exclusivo y extendido». Si alguna vez soñaste con que Kanye West, Christine and the Queens y Frank Ocean merecían ser la nueva radiofórmula, posiblemente estés ante tu nuevo programa favorito. Estaremos atentos.