Sunflower Bean, el trío de Nueva York autor de ‘Human Ceremony‘, ha hecho un vídeo para su single, ‘Easier Said’. Dirigido por Charlotte Hornsby y Jesse Ruuttila, la pieza es una sucesión de planos intrigantes en los que vemos a los miembros del grupo participando en una rituales paganos. En un punto del vídeo, Julia Cummings, cantante del grupo, es abrazada por un ser encapuchado que bien podría ser la Muerte.
Los rituales paganos de Sunflower Bean en ‘Easier Said’
Cierra la mítica Discos Castelló de Barcelona
Discos Castelló, la mítica tienda de discos de Barcelona, situada en la calle Tallers, 7, anunciará su cierre en las próximas horas, según confirma La Vanguardia. La tienda ya presentó concurso de acreedores en 2009. Ese mismo año el Ayuntamiento de Barcelona concedió a la tienda la Medalla de Honor por su contribución al comercio de la ciudad.
Discos Castelló nació en 1928 y ha sido una referencia absoluta para los amantes de la música en Barcelona durante décadas. El descenso de la venta física y el aumento del streaming habrá tenido mucho que ver en esta decisión, que también influía en el cierre de otros locales icónicos de Barcelona como CD Drome o Gong Discos. Tristemente, la noticia se produce a un mes del Record Store Day, que es el 16 de abril.
La tienda cerrará sus puertas el 31 de marzo. Según declaraciones del propietario del local, Jordi Castelló, recogidas por Time Out Barcelona, el motivo de esta decisión ha sido la piratería. «Nuestra estructura no se aguanta vendiendo cuatro discos y cuatro CDs, además de alguna camiseta y algún libro», ha declarado.
Naomi Campbell llora para ANOHNI en ‘Drone Bomb Me’
ANOHNI ha detallado ‘Hopelessness’, su disco con Oneohtrix Point Never y Hudson Mohawke, del que ya escuchamos un primer adelanto hace unos meses, ‘4 Degrees’, coincidiendo con la Conferencia del Clima celebrada el pasado mes de diciembre en París. El álbum saldrá el 6 de mayo y os recordamos que sus autores lo presentarán en la próxima edición del Sónar en Barcelona el próximo 17 de junio.
La nota de prensa escribe que “Anohni ha llegado a la cumbre de la electrónica actual». «Ella», lee, «ha cambiado la exuberancia de sus paisajísticas y bucólicas composiciones llevando su voz hacia un mundo más inmediato de música electrónica bailable. Sus letras hablan sobre los temas más serios, palabras y frases de alguien que está esforzándose por comprender la violencia y el devastador armamento de la raza humana, afanada en violarse y aniquilarse a sí misma; preguntándose sobre la complicidad y el lugar de uno en este planeta envenenado. ¿Fue el pop alguna vez tan revelador o tan profundo?”
Junto al anuncio del álbum, ANOHNI ha compartido un nuevo sencillo del mismo, ‘Drone Bomb Me’, y su videoclip, dirigido por Nabil con la dirección artística de Riccardo Tusci de Givenchy y protagonizado por Naomi Campbell, a la que veis en la imagen. Campbell llora desde un espacio urbano, oscuro y claustrofóbico intepretando a una niña que pide ser bombardeada con drones para reunirse con su familia, a la que ha perdido por culpa de la guerra.
‘Hopelessness’:
01. Drone Bomb Me
02. 4 Degrees
03. Watch Me
04. Execution
05. I Don’t Love You Anymore
06. Obama
07. Violent Men
08. Why Did You Separate Me From The Earth?
09. Crisis
10. Hopelessness
11. Marrow
Kendrick Lamar / untitled unmastered.
Como su propio nombre indica, el nuevo disco de Kendrick Lamar, ‘untitled unamstered.’, no es la continuación de ‘To Pimp a Butterfly‘, sino una colección de descartes de aquel disco, pero es, a su vez, más que eso. En líneas generales, ‘untitled unmastered.’ es la materialización del típico disco de maquetas que ya nos hubiera gustado oír de muchas y muchos de nuestros artistas favoritos, un pequeño compendio de canciones dignas, varias de ellas brillantes, otras de ellas simplemente decentes, que igual no encajaban del todo en aquel, pero son perfectamente presentables.
En concordancia con que Lamar no se haya molestado en titular estas canciones ni en acreditar a sus colaboradores, la experiencia de ‘unmastered untitled.’ es misteriosa e inquietante desde el primer corte, empezando por que su fusión de hip-hop y free-jazz distópico sigue bien presente. ‘untitled 01’ es especialmente desconcertante, un número dislocado que empieza con una voz masculina sensual, similar a la de Barry White, pero que se revela pronto como una epifanía sobre la verdadera naturaleza del cristianismo a modo de reflexión sobre el juicio final, para terminar entre texturas gelatinosas como sacadas de una alucinación.
No se espera de un disco de descartes un concepto definido, pero ‘untitled unmastered.’ viene de donde viene y conectan en sus canciones temáticas como la pérdida de la fe, la corrupción del capitalismo, la violencia racial o la fama, abordadas todas siempre desde un ángulo musical que, si en ‘To Pimp a Butterfly’ era oscuro, ahora lo es todavía más, incluso tenebroso y pesadillesco, como es el caso de ‘untitled 02’, en cuyos versos Lamar rapea con un flow apático bajo saxofones cacofónicos y paisajes surrealistas, alternando en su texto desesperanza con Dios con el típico engreimiento de un rapero que se sabe rico, famoso y atractivo.
Al contrario de lo que pudiera parecer, ‘untitled 07’ no es, pese a su duración, la mejor canción del disco. Estamos ante un «medley» de tres partes conectadas sin ton ni son, la última de ellas, una grabación en baja fidelidad de Lamar y sus músicos improvisando en el estudio, que no es tan interesante, aunque sí graciosa. Tampoco es especialmente atractivo el interludio de 1 minuto y medio con SZA, a la que hemos oído recientemente en el último disco de Rihanna. Efectivamente, aligera el desarrollo del álbum, es intrigante, pero no aporta nada memorable aparte de algún que otro verso («la educación es el futuro / no te subestimes») y nadie se la va a poner en «repeat» como otras de las pistas aquí incluidas.
Ese sería el caso de ‘untitled 03’, una joya de neo-soul futurista que dura menos de tres minutos, y cuyo verso principal encierra la mayor tensión en menos tiempo. En él, Lamar rapea sobre las diferentes identidades raciales de Estados Unidos para concluir con una reflexión sobre el «empresario blanco de la industria musical» que vende sus discos a 11 dólares. «Me dice que si logro el platino / a la empresa le irá bien / ¿qué pasa si me comprometo? / él dice que eso da igual / si haces un millón o más / y vives mejor que la gente normal». Este verso, emitido casi sin aliento alguno, es implacable y culmina con una hermosa melodía interpretada por Bilal, en la que canta que «si hoy soy liberado / gozaré del fruto de mi trabajo».
La incursión de Lamar en el free jazz siempre es agradable, pero, como en ‘untitled 04’, a veces sencillamente no es más que eso. Es cuando el rapero experimenta con otros géneros como el ligero jazz brasileño en ‘untitled 06’, que incluye la colaboración vocal de Cee Lo Green y han producido Ali Shaheed Muhammad y Adrian Younge de A Tribe Called Quest, o el vigoroso funk futurista de la pegadiza (y más o menos bailabe) ‘untitled 08’, cuando Lamar, además de sorprender, convence de verdad.
Aunque Lamar ha asegurado que las canciones de ‘untitled unmastered.’ no acabaron en ‘To Pimp a Butterfly’ por falta de tiempo, a menudo es fácil adivinar que algunas de ellas no habrían sido incluidas de todas formas, pero no es el caso de las pistas destacadas. Aun así, tiene mérito sacar un disco de descartes que funcione como un todo del modo en que funciona este, y que incluso varios de estos descartes sean tan buenos. Evidentemente como continuación de ‘To Pimp a Butterfly’ no convence al 100%, pero como complemento de aquel, es esencial.
Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘untitled 01’, ‘untitled 03’, ‘untitled 06’
Te gustará si te gusta: Notorious B.I.G., Lauryn Hill, Tupac
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Rihanna y Drake amenazan el top 1 de Bieber en España
Repasamos las novedades de la lista de singles de esta semana.
1(1) Justin Bieber / Sorry
2(6) Rihanna, Drake / Work
Una nueva subida de lo nuevo de Rihanna y Drake, ‘Work‘, la tercera consecutiva (hace tres semanas el tema era número 54), amenaza al top 1 de singles en España. ‘Sorry’ de Justin Bieber permanece inamovible en la cima desde hace 15 semanas, casi 4 meses. Quizá ‘Work’ pueda destronar a ‘Sorry’ pronto, ¿o ha alcanzado ya su techo tras el estreno de sus dos vídeos?
En Estados Unidos, lo nuevo de Rihanna continúa en el número 1 de singles.
58(E) Fifth Harmony, Ty Dolla $ing / Work From Home
La entrada más fuerte de la semana es la del grupo de chicas salido del Factor X americano Fifth Harmony. Este es el primer single de su segundo disco, que sale en mayo.
‘Work from Home’ también entra al top 12 en el Billboard Hot 100 y al top 23 en Reino Unido.
74(E) Morat / Cómo te atreves
La banda colombiana llega a la lista ahora con este tema que salía en noviembre. La canción no tiene nada que ver con el icónico ‘No sé cómo te atreves’ de Los Planetas con La Bien Querida, que de momento acumula el doble de escuchas en Spotify (más de 1,6 millones frente al 0,7 de Morat), aunque no sabemos por cuánto tiempo.
86(E) Antonio Orozco / Mi héroe
El álbum de Antonio Orozco vuelve al top 10 de ventas esta semana, mientras este nuevo single llega al número 86 después de que pasaran por el top 100 otros temas del mismo largo como ‘Hoy será‘ o ‘Mírate‘. El tema ha sido interpretado en vivo en ‘Qué tiempo tan feliz’.
87(E) Charlie Puth / One Call Away
Mientras su éxito con Meghan Trainor, llamado ‘Marvin Gaye’, permanece en el top 73 en su 28ª semana (llegó a ser número 14) y ya está certificado como single de platino, el nuevo sencillo de Charlie Puth aparece en el top 87.
El álbum ‘Nine Track Mind‘ es top 81 en su 5ª semana, tras haber sido top 21.
91(E) Chino & Nacho, Daddy Yankee / Andas en mi cabeza
El dúo venezolano, habitual de nuestras listas de éxito, logra una nueva entrada esta vez junto a Daddy Yankee con este tema ‘Andas en mi cabeza’, que estrenaba lyric video la semana pasada.
93(E) DJ Snake, Bipolar Sunshine / Middle
Mientras ‘Lean On’ continúa en el top 24 exactamente un año después de su lanzamiento, un nuevo tema de DJ Snake, ahora con el cantante británico Bipolar Sunshine, aparece en la lista. ‘Middle’ ha sido top 50 en Estados Unidos y número 12 en Francia.
Xiu Xiu anuncian disco de versiones de ‘Twin Peaks’
Xiu Xiu también edita disco especial para Record Store Day, que es el 16 de abril. No será una cosa tan rara como su disco hecho a partir de 999 vibradores de color rosa, sino ‘Xiu Xiu Plays the Music of Twin Peaks’, como su nombre indica, una reinterpretación de la banda sonora de ‘Twin Peaks’ compuesta por Angelo Badalamenti, que ha producido Jherek Bischoff (antiguo integrante del grupo) y mezclado Greg Saunier de Deerhoof. El primer adelanto es ‘Falling’, con el que os dejamos.
‘Plays the Music of Twin Peaks’:
01 Laura Palmer’s Theme
02 Into the Night
03 Audrey’s Dance
04 Packard’s Vibration
05 Nightsea Wind
06 Blue Frank Pink Room
07 Sycamore Tree
08 Harold’s Theme
09 Dance of the Dream Man
10 Falling
11 Love Theme Farewell
12 Josie’s Past
Miles Kane de The Last Shadow Puppets se disculpa con una periodista que «se sintió» acosada por él
The Last Shadow Puppets edita nuevo disco, ‘Everything You’ve Come to Expect’, el próximo 1 de abril. Con motivo de su llegada a las tiendas, el dúo formado por Alex Turner y Miles Kane ha concedido una entrevista a SPIN en un hotel de Manhattan que está dando que hablar por el peor de los motivos posibles. Su autora, Rachel Brodsky, escribe que la banda se mostró cansada, desinteresada y sin mucho que decir sobre su nuevo disco durante la charla, y que, en un punto de la misma en el que trató de animar la conversación, la periodista le preguntó qué haría durante el día, a lo que Miles Kane contestó: «¿quieres ir a la habitación de arriba?». Brodsky, incómoda, escribe que declinó la invitación y recuerda que, al final de la entrevista, Kane se despidió de ella con un beso en la mejilla «no del todo consentido».
Tras enterarse de lo ocurrido, Kane ha enviado una carta a Brodksy pidiendo disculpas, según recoge NME. «Me gustó charlar contigo sobre el disco», dice. «Siento que te molestaran algunos comentarios estúpidos que hice durante la entrevista. Reconozco que mi humor típico de ‘Carry On’ durante la entrevista fue imprudente y me mortifica saber que te hizo sentir incómoda. Por favor, acepta mis más sinceras disculpas».
Brodsky, que, por cierto, esperó hasta ayer, Dia Internacional de la Mujer, para publicar su entrevista con el grupo, no acepta del todo sus disculpas. «Aprecio la carta de Kane pero no me hace sentir mejor», ha escrito en un comunicado. «Ciertamente no borra aquella tarde u otras veces que me he sentido objetificada en el trabajo. Cartas como esta no cambian los hechos ocurridos que lo preceden. En lugar de disculpas, me gustaría ver un poco más de precaución y profesionalidad para con las mujeres en la industria musical».
Foals comparten la inédita ‘Rain’
El equipo de Record Store Day ha publicado la lista de lanzamientos su edición de este año en Estados Unidos y Reino Unido (para la lista española habrá que esperar hasta el 15 de marzo) y uno de ellos es un 7″ de Foals que incluye un tema inédito que el grupo no llegó a publicar en su último disco, ‘What Went Down‘. Se trata de una balada con sintetizadores titulada ‘Rain’, que llevará en su cara b una versión de ‘Daffodils’ de Mark Ronson y Kevin Parker. De momento, os dejamos con ‘Rain’, que, ojo, no está nada mal.
El Guincho comparte dos temas de su «mixtape» con portada inspirada en Kanye
El Guincho ha editado su nuevo disco, ‘Hiperasia’, de manera poco convencional, a través de una pulsera. No contento con esto, Pablo Díaz-Reixa tiene más material nuevo que compartir con el mundo y ha diseñado una sudadera junto a Wellness para venderlo en su página web. Se llama ‘Michael Dior Mixtape’ y solo puedes escucharlo si compras la sudadera, que cuesta 60 euros.
Se trata de una colección de seis canciones con colaboraciones de King B, Young Nivea, Tomás Peña, Torrent Papi y DJ Quasimatto, cuya portada es una clara referencia a ‘The Life of Pablo’ de Kanye West (al fin y al cabo, el nombre real de El Guincho es Pablo). El músico ha tenido el detalle de compartir dos pistas de su mixtape, ‘De rosca’ y ‘Pegada al white’, con las que os dejamos.
Parade / Demasiado humano
A estas alturas de la película, ya sabes que puedes confiar siempre en Parade y en sus discos. Le das al play y te preparas para disfrutar de su arsenal de pequeños films en forma de canciones encantadoras. Las únicas dudas que te puedes llegar a plantear son cuáles van a ser tus temas favoritos y quiénes serán los nuevos protagonistas.
Pero nada más es previsible en el universo Parade. En ‘Demasiado humano’ vuelve a dar un cambio en su sonido. La banda esta vez se reduce prácticamente a Antonio Galvañ y Eduardo Piqueras en las guitarras, lo que redunda en el abandono de la apariencia más clásica y orgánica de ‘Materia oscura‘ y ‘Amor y ruido‘ para retornar al techno-pop de cierto aire lo-fi, aunque prima la sofisticación. Lo que señalaba la hoja promocional sobre su querencia por las sonoridades italianas no es ninguna boutade. Los guiños al sonido y las melodías de Matia Bazar y similares se extienden a lo largo del disco, aunque también haya alegres desvíos a sonidos algo más cacharreros y referencias (¡cómo no!) a la música surf o al girl pop de los sesenta.
El uso del synth-pop de aspecto amable de principios de los ochenta ya se deja sentir desde el principio. ‘Traedme la cabeza de Philip K. Dick’ y sus sintetizadores mezclados con coros surf, dan paso a los aires sintéticos y el cuerpo disco de ‘Láser‘, redondeada con una fantástica atmósfera y teclados sincopados. O la comedia costumbrista que es ‘Carterista de tanatorio’, saltarina y conscientemente hortera (¡teclados a lo ‘Jump’ de Van Halen!). Aunque estas erupciones bailables son minoría. En ‘Demasiado humano’’lo que prevalecen son los medios tiempos y las baladas. En la divertida ‘Johnny Ramone, agente del KGB’, que imagina la posible doble vida del guitarrista de los Ramones como agente infiltrado de la URSS, tiene un cierto aire agridulce, una finísima melodía y un recuerdo al ‘Goodbye Lucille #1’ de Prefab Sprout. La hermosa ‘Demasiado humano’, una orgullosa reivindicación de la humanidad de los androides, es casi una segunda parte de ‘Exoesqueleto’. O el bolero techno que es ‘Caballero del tuntún’, cuya letra asemeja un romance medieval, pero en clave futurista. Pero también se cuela la crítica social; en ‘Cementerio nuclear’, balada sobre un elegante piano, Galvañ canta sobre las penas de una pequeña ciudad que ha decidido albergar un cementerio atómico: «Y al concejal de urbanismo / el plutonio le da lo mismo / él solo quiere ver / un horizonte creciente de grúas otra vez». Otra de las cumbres del disco es la contagiosa (nunca mejor dicho) ‘El ritmo escarlata’, un chachachá sintético engañosamente alegre.
También hay otra cosa que sí que se espera, se busca y se goza en cualquier disco de Parade: los homenajes. Los que recorren este disco van más allá de los ochenta; en ‘Guerreros’ honra al film ‘Los amos de la noche’ (‘The Warriors’) de Walter Hill, con estrofa de ‘Nowhere to Run’ de Martha and the Vandellas incluida. ‘El motorista fantasma’ rinde pleitesía al ‘Leader of the Pack’ de The Shangri-Las, felizmente mezclado con el aire italiano y coros doo wop. Para finalizar, en la macabra ‘Bizcochos’, con un argumento muy ‘Sweeney Todd’ (adivinen de qué son los bizcochos) se trenza un crescendo a lo Vangelis o The Alan Parsons Project.
Quizás el único pero de ‘Demasiado humano’ sea que el conjunto de canciones puede parecer que esté medio escalón por debajo de sus dos discos precedentes. Pero Parade sigue proporcionando el mismo grado de felicidad habitual. Felicidad real, no ficticia.
Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Láser’, ‘Johnny Ramone, agente del KGB’, ‘Demasiado humano’, ‘El ritmo escarlata’
Te gustará si te gusta: El techno-pop de los ochenta más amable.
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El anuncio turístico de Zaragoza que destroza ‘Jungle Drum’ de Emilíana Torrini
Los informadores turísticos del Ayuntamiento de Zaragoza han hecho un vídeo en promoción de la ciudad para el final de sus prácticas y es pa’ mear y no echar gota. Los motivos son dos, en primer lugar, por el cuestionable gracejo de sus protagonistas, que consiguen que su vídeo parezca una autoparodia por momentos, y en segundo, porque el tema musical escogido es ‘Jungle Drum’ de Emilíana Torrini, aquel hit inesperado que logró la islandesa en nuestro país cuando sonó en un anuncio de El Corte Inglés, cinco años después de su edición original. La versión cambia «my heart is beating like a jungle drum» por «estamos en la plaza del Pilar» y no hace falta que os digamos nada más.
Gracias a pixelado por el aviso en nuestros foros.
Max Martin en 10 canciones… no tan obvias
Este año, Max Martin ha sido galardonado con el Polar Music Prize, el premio sueco a la excelencia musical que, en ediciones anteriores, ha premiado a Paul McCartney, Björk, Miriam Makeba, Elton John, Burt Bacharach o Karlheinz Stockhausen, entre muchos otros. Aunque Martin trabaja frecuentemente con colaboradores, entre ellos Shellback y Savan Kotecha, con quien ha compuesto éxitos tan recientes como ‘Love Me Like You Do’ de Ellie Goulding, ‘Bang Bang’ de Jessie J, Ariana Grande y Nicki Minaj o ‘Can’t Feel My Face’ de The Weeknd, a quien han premiado es a él y, si has estado atento a la actualidad musical de los últimos veinte años, sabrás muy bien por qué.
A Martin atribuimos clásicos de la talla de ‘…Baby One More Time’ de Britney Spears, ‘I Want It that Way’ de Backstreet Boys y ‘Break Free’ de Ariana Grande, entre otros; su oído para la melodía pop, influido tanto por la música clásica que estudió en su infancia y adolescencia como por ABBA, los grandes reyes de la melodía pop, también suecos, ha producido composiciones colosales que ya forman parte de la historia del pop moderno. Pero, a lo largo de su carrera, Martin también hizo otras cosas menos evidentes que merecen ser recordadas y/o reivindicadas.
Those Dancing Days / Can’t Find Entrance
El trío sueco nos contó en 2008 que no quería ser «las Spice Girls del rock», pero cuando grabas en el mismo estudio que Max Martin, una colaboración es inevitable, y aunque el repertorio del grupo está lleno de temazos atemporales, merece la pena destacar esta composición, originalmente titulada ‘The Monster and the Bird’, en la que Martin, Shellback y su productor, Patrik Berger, pusieron su granito de arena.
Def Leppard / Unbelievable
La historia cuenta que los seguidores de Def Leppard se mosquearon de lo lindo con el grupo cuando se enteraron de que se encontraba en el estudio componiendo con Max Martin, el compositor de las estrellas adolescentes del momento. El resultado, incluido en ‘X’, fue una espectacular «power ballad» que trasciende cualquier lamento.
Kelis / I Don’t Think So
Hoy en día nadie imagina a Kelis cantando tontás como este tema compuesto por Martin con la ayuda de Dr. Luke que esta incluyó en su cuarto álbum, ‘Kelis Was Here’. «Crees que tienes una oportunidad / ¡no lo creo! / me dices que sea buena / ¡no lo creo! / te quieres meter en mis pantalones / ¡no lo creo!», insiste Kelis en este número rockero que, bueno, tiene su gracia, pero quizás no le pegue mucho.
Adele / Send My Love (To Your New Lover)
Del mismo modo que nunca asociaríamos a Barbra Streisand con Max Martin, cuando nos enteramos de que Adele se encontraba trabajando con él para su último disco, ’25’, la sorpresa fue mayúscula. El resultado de tan improbable colaboración fue un híbrido entre la madurez y elegancia vocal y estilística de Atkins y la sofisticación y agilidad de los ganchos melódicos de Martin que será single tarde o temprano, pues es la pista 2 del disco solo por detrás de ‘Hello’.
James Blunt / Carry You Home
El autor de ‘You’re Beautiful’ lo tenía claro desde el principio: «ni de coña voy a volver a vender 12 millones de discos», declaró antes de la salida de su segundo álbum, ‘All the Lost Souls’. El cantante se ha reído recientemente del éxito de su canción insignia a rabiar en Twitter, pero entonces no le hubiera venido nada mal un éxito a la altura, por lo que Blunt aceptó trabajar con Martin, con quien compuso la balada ‘Carry You Home’, que le dio un top 20 en Reino Unido.
A-Ha / Analogue (All I Want)
A pesar del distintivo estilo de A-Ha, tuvo que venir Max Martin a colaborar con el grupo en 2005 para darle su primer top 5 en Reino Unido desde 1988. El tema, ‘Analogue (All I Want)’, no es el típico de Max Martin, que entonces ya era famoso no solo por sus ritmos y melodías chicle sino también por sus incursiones pop-rock junto a Dr. Luke gracias a Kelly Clarkson, de la que os hablamos después, pero tampoco el típico de A-Ha, por lo que la fusión de sonidos solo podía ser un éxito.
Taylor Swift / Wildest Dreams
Como he defendido siempre, ‘Wildest Dreams’ de Taylor Swift es el éxito que Lana Del Rey nunca tendrá. Su exuberante, lánguida y hermosa melodía vocal y su interpretación por parte de Swift es totalmente Lana, pues suena a ella por todas partes. Pero ‘Wildest Dreams’ es una colaboración entre Swift y Martin para el último disc de esta, ‘1989’, aunque una de las menos reconocibles. En su lugar, ‘Shake It Off’, ‘Blank Space’, ‘Bad Blood’ y el nuevo single, ‘New Romantics’, sí suenan más a Martin.
Bryan Adams / Cloud Number Nine
El Sergio Dalma canadiense nunca ha gozado de gran popularidad entre el público aficionado a la música, pero su canción junto a Max Martin, ‘Cloud Number Nine’, incluida en el último disco que le dio un éxito mundial, ‘When You’re Gone’ junto a Melanie C, está bastante bien. El álbum recibió buenas críticas por su madurez en contraste con el sonido rockero ñoño de los primeros discos de Adams, y ‘Cloud Number Nine’ fue la mejor de sus pistas.
It’a Alive / Pretend I’m God
Una de las razones por las que las canciones de Max Martin son tan buenas es porque Martin sabe perfectamente cómo quiere sus intérpretes las canten. Y como, a diferencia de muchos productores y productoras, él sí sabe cantar, es capaz de utilizar sus propias dotes vocales para mostrar a sus cantantes exactamente qué quiere que hagan con sus melodías. Por eso, no podemos dejar de incluir en esta lista una de las canciones de It’s Alive, el grupo de rock duro que Max Martin lideró durante los 90, porque el hombre, además de componer grandes canciones, también puede presumir de voz.
Kelly Clarkson / Behind These Hazel Eyes
Antes de ‘Since U Been Gone’, Max Martin llevaba un tiempo sin lograr un éxito de verdad. Después de su lanzamiento, lo que ocurrió es historia. La canción fue la primera colaboración entre Martin y Dr. Luke, un híbrido entre las grandes melodías del primero y los sonidos rockeros filtrados para la radiofórmula del segundo, y supuso el renacimiento de Martin como compositor de éxito y el de Clarkson como estrella del pop post-‘American Idol’, hasta el punto que todavía sigue habiendo gente que piensa que ‘Breakaway’ es su primer disco.
No fue, en todo caso, la única canción que unió entonces a Martin y Gottwald. ‘Behind These Hazel Eyes’ fue otro de sus éxitos, un tema que sí posee la fuerza de las melodías explosivas e instantáneamente memorables de Martin, pero cuyas guitarras y baterías sonaban más altas y prominentes, haciendo de ella una canción pop-rock con mayúsculas. Nada que ver con el trabajo al que asociamos a ambos productores en la actualidad. La mano derecha de Martin ahora es Savan Kotecha, con quien ha compuesto temas como ‘Problem’ de Ariana Grande o ‘Can’t Feel My Face’ de The Weeknd, mientras Dr. Luke, bueno… está liado con otras cosas.
Cee Lo estrena ‘God Is a Woman’ en el Día Internacional de la Mujer
Cee Lo Green sigue intentando levantar su carrera del pozo en el que la metió hace dos años tras sus desafortunadísimos comentarios sobre la violación. Al músico le pesarán sus palabras probablemente toda su vida, pero Green no se rinde y lo último que ha hecho ha sido estrenar un single durante el Día Internacional de la Mujer, que fue ayer, titulado ‘God Is a Woman’. Puedes escucharlo a continuación. ¿Oportunista o no?
Los rompecabezas… ¿difíciles? de Sr Chinarro
‘El progreso’ de Sr Chinarro, a la venta el próximo 8 de abril, se abre con ‘Los efectos especiales‘, ‘La ciudad provisional‘ y ‘La fiebre del oro‘. La cuarta pista es ‘El castigo’ y puede que no sea el single del disco, pero sí podría ser una de las favoritas de sus seguidores. Hoy la estrenamos.
La composición está marcada por un tristón punteo de guitarra que retrata un lecho conyugal marcado por las diferencias. «Ambos somos difíciles rompecabezas», describe Antonio Luque, que también indica que los sueños de cada uno son distintos: «En tus sueños hay niños malos con flautas / capullos en la etapa de ir de flor en flor», dice de los de ella. «En los míos tú tampoco apareces aún / voy a saltarme la parte de la confesión», reconoce él poco después.
Pero el estribillo, embellecido por sus cuerdas, y como otros temas recientes de Sr Chinarro, llega para aligerar la carga. Viene para recordar que algo tan temido como «un potro de tortura» es «parte de la diversión»: «la vida no es tan dura, déjate de inquisiciones / que no van contigo, levántate el castigo».
‘El progreso’ ha sido producido por Jota y será publicado por El Segell de Primavera Sound. La grabación y la mezcla ha sido obra de Jaime Beltrán en El refugio antiaéreo y en Producciones peligrosas, respectivamente (Granada). Los arreglos de cuerda de este tema son de Antonio Fernández y los coros y guitarras también de Jaime Beltrán. Estas son las fechas de la gira:
07 de abril Universidad – Edificio Constitución 1812 (Cádiz)
14 de abril Zentral Kafe Teatro (Iruñea)
15 de abril Guggenheim Museoa (Bilbo)
16 de abril Daba Daba (Donosti)
17 de abril Lata de Zinc (Oviedo)
21 de abril Auditorio Victor Villegas (Murcia)
22 de abril Sótano Indie Club (Elche)
23 de abril Sala Zero (Tarragona)
24 de abril Nova Jazz Cava (Terrassa)
28 de abril Sala Hangar (Córdoba)
29 de abril Pop & Dance – Joy Eslava (Madrid). entradas.com
12 de mayo Las Armas (Zaragoza)
13 de mayo L’Auditori (Barcelona)
15 de mayo Terraza Espai Rambleta (Valencia)
21 de mayo Teatro Cervantes (Málaga)
11 de junio Contempopranea (Badajoz)
29 de julio Low Festival (Benidorm)
Azealia Banks cierra su cuenta de Twitter
Buenas noticias para Iggy Azalea (entre otros), malas para el resto: Azealia Banks ha cerrado su cuenta de Twitter para siempre. La rapera, que está a punto de editar nueva «mixtape», ‘Slay-Z’, y ha compartido recientemente un par de pistas del mismo, ‘The Big Big Beat’ y ‘Used to Being Alone’, tomaba la decisión ayer, en una serie de tuits naturalmente ya inexistentes, que ha capturado y recopilado Rap-Up.
«La cultura de los medios americana es asquerosa y sucia», ha escrito Banks, «y quejarme de ella no va a solucionar nada. Leer artículos estúpidos y a gente tonta me ha llenado de sentimientos negativos. Ha sido un par de años estupendo compartiendo opiniones y teniendo conversaciones pero creo que seré más feliz sino tengo que ver todo esto otra vez. Solo porque soy americana no significa que deba someterme a este mal gusto. Los americanos tienen el PEOR gusto para todo. Es el momento de decir adiós para siempre a esta cuenta. Es momento de un poco de misterio».
Han sido unos años intensos para Azealia en Twitter. La rapera se ha peleado y/o se ha metido con o insultado a virtualmente todo el mundo, desde Iggy Azalea a Baauer pasando por Lady Gaga, T.I., Angel Haze, Pharrell Williams o, por supuesto, Lily Allen, con quien tuvo un encontronazo de nivel.
Adiós a George Martin, el «quinto Beatle»
George Martin falleció anoche a los 90 años. El productor era conocido como el «quinto Beatle» por su extenso trabajo con el cuarteto, pues produjo casi todos sus discos, y contribuyó notablemente a la composición y arreglos de muchas de sus canciones, incluida ‘Yesterday’, para la que compuso el arreglo de cuerdas. Ha comunicado la noticia Ringo Starr en Twitter.
Nacido en 1926, Martin, que se formó como compositor de música clásica, empezó su carrera escibiendo música para el departamento de música clásica de la BBC y para una variedad de comedias durante los 50. En 1961, tuvo su primera sesión de prueba con los Beatles, que definió como «poco prometedora», y el resto es historia. Los refinados conocimientos musicales de Martin complementaron la frescura inexperta de los Beatles, resultando en el combo más lucrativo de la historia del pop.
Aparte de su trabajo con los Beatles, Martin produjo también a Kate Bush, Céline Dion, Cilla Black, America y Jeff Beck, entre otros. En 1997, produjo ‘Candle In the Wind’ de Elton John, una de las canciones más exitosas de la historia. Durante su trayectoria, Martin produjo 30 números uno en Reino Unido y 23 en Estados Unidos y obtuvo varios premios Grammy y una nominación al Oscar por su trabajo en ‘A Hard Day’s Night’ de los Beatles.
Thank you for all your love and kindness George peace and love xx
pic.twitter.com/um2hRFB7qF
— #RingoStarr (@ringostarrmusic) March 9, 2016
God bless George Martin peace and love to Judy and his family love Ringo and Barbara George will be missed xxx
— #RingoStarr (@ringostarrmusic) March 9, 2016
Lúa Gramer / Lúa Gramer
Los extremeños Lúa Gramer debutan en Clifford Records con un mini LP homónimo de cinco canciones. Es el formato idóneo de momento para sus composiciones que, como ellos mismos indican y es obvio, están influidas por el indie de los 90 de Los Planetas y Nosoträsh. ¿Tenían tanto que ver los unos con las otras? No realmente, pero tiene sentido lo que dicen, pues las voces de Susana Merino y Luis Gragera son suaves y bajitas, más Jabalina y Elefant de lo esperado, en principio más imaginables para unos popemas; mientras las guitarras suelen ser distorsionadas y noise. ‘F11’ abre haciéndonos pensar que el mini LP de Lúa Gramer va a ser más kraut o ahijado del Bowie de ‘Heroes’ (la canción), pero pronto la cosa evoluciona hacia el indie rock de Yo La Tengo (‘Mecánica celeste’), el indie pop de The La’s (‘Acróbata’) o el muro spectoriano de The Jesus & Mary Chain y The Raveonettes (‘Delmar’). La final ‘Vámonos’ podría colar en el repertorio de los últimos Kokoshca o los olvidados Plastic D’Amour. Paco Loco -cómo no, ¿quizá era demasiado previsible?- termina de dar un buen acabado a este simpático mini LP en el que sólo se echa de menos que destaque una clara favorita.
Calificación: 6,7/10
Lo mejor: ‘Acróbata’, ‘F11’, ‘Vámonos’
Te gustará si te gustan: Alborotador Gomasio, Joaquín Pascual, Sundae
Escúchalo: Bandcamp
Cómpralo: Amazon.es.
¿Por qué ‘Cien años de perdón’ es número 1 en taquilla?
Vaca Films va camino de convertirse en un referente del thriller español, y Luis Tosar en su icono más reconocible. Después del éxito de ‘Celda 211‘ (2009), la productora gallega sigue apostando, con más o menos fortuna pero con gran determinación, por películas de género que miran de frente y sin complejos tanto al cine de acción de Hollywood como a la realidad social española. Después de ‘Invasor’ (2012), ‘El Niño‘ (2014) o ‘El desconocido’ (2015), es el turno de ‘Cien años de perdón’.
Hace unos meses, en un artículo sobre directores españoles «caídos en desgracia«, pronosticábamos la «resurrección» de Daniel Calparsoro. ¿El motivo? La presencia de Jorge Guerricaechevarría como guionista de su nueva película. Pues bien, no íbamos mal encaminados. ‘Cien años de perdón’ no solo se va a convertir en el título más taquillero de la filmografía del realizador vasco (ya está en el número de 1 taquilla) sino en su mejor película desde… ¿’Salto al vacío’ (1995)?
Y eso que ‘Cien años de perdón’ arranca de la peor manera posible. Unos planos aéreos de Valencia, con una fotografía gris verdoso que ya empieza a parecer un cliché del género (y que parece prestada de ‘El desconocido’), dan paso a unos brochazos mal dados de realismo social (las conversaciones con los clientes del banco) y a una secuencia de atraco muy poco creíble por culpa de un exceso de sobreactuaciones: de la cámara, de los atracadores (¿cuántas veces dicen «la concha de tu madre»?) y, sobre todo, de una Patricia Vico que me ha hecho recordar por qué Carolina Bang sale tanto en las últimas películas de Alex de la Iglesia.
Sin embargo, cuando todo parecía que se iba a convertir en una versión aguada de filmes de atracos tipo ‘Tarde de perros’ (1975) o ‘Plan oculto’ (2006), el “uruguayo” comienza a hablar (Rodrigo de la Serna), el “gallego” a replicar (Luis Tosar) y la película a crecer como la corrupción política en la tierra del caloret. Por medio de una astuta dosificación de la información, un habilidoso montaje, la eficaz música de Julio de la Rosa y un diestro manejo de los mecanismos del suspense, Calparsoro consigue un equilibrio perfecto entre la acción, el humor y la denuncia social. Se podrán elaborar retratos de la España actual más profundos, incisivos y estimulantes que ‘Cien años de perdón’, pero pocos más entretenidos. 7,5.
Låpsley: «No sabía lo que era un productor ni un ingeniero ni cómo funciona un sello»
Låpsley, autora de al menos una de las mejores canciones de 2015, ‘Hurt Me‘, publica su debut ‘Long Way Home’ esta semana. Recientemente visitaba Madrid para promocionar el disco, ofreciendo un mini set en el Fotomatón, al que acudían unos cuantos oyentes afortunados de Radio 3. Antes de comenzar esta entrevista, la joven artista me contaba que es la tercera vez que visita nuestro país, pues primero realizaba un intercambio en Valdepeñas (bromeó sobre sus vinos baratos) y después visitaba a una amiga en la capital.
No sé si hiciste en Nochevieja lo de pedir un deseo para 2016, ¿pero qué esperas de este año como artista debutante?
El disco es lo mejor que he sabido hacer en este momento, tengo la certeza de que voy en la dirección adecuada. No soy una de esas personas que sueñan con el estadio de Wembley, quiero pasar más tiempo en el estudio con los ingenieros, aprender… sobre todo tengo metas personales.
Hay algo que si no consigues, ¿te decepcionaría? Si tuvieses malas críticas o vendieses muy poquito…
Quiero que la gente me entienda como artista. No creo que nada de lo que he editado hasta ahora me represente tan bien como este disco. Necesito desplegar estas canciones y me gustaría que la gente las escuchara para saber si les intereso o no. No tengo grandes problemas con las malas críticas, siempre que no se basen en una sola canción y se tome en base a ella una decisión sobre quién soy. No me importa tanto lo que digan, esto es lo mejor que he sabido hacer.
Entiendo lo que dices, pero para la prensa es excitante tratar de adivinar dónde vas a llegar…
Bueno, obviamente quiero pagar el alquiler (se ríe).
¿Ha cambiado el tipo de música que oyes desde pequeña?
De pequeña escuchaba lo que tenían mis padres. Mi madre escuchaba Kate Bush, Fleetwood Mac, también Genesis y Phil Collins (se ríe), y mi padre era más de Joy Division, además del mayor fan de la historia de los Smiths y Morrissey. También New Order, Depeche Mode, Kraftwerk, cosas así.
Pero tú no naciste en los 80…
No. En 1996.
¿Y cómo es que era todo tan ochentero?
Mamá ponía la radio, pero no tanto música pop. Tirábamos de la colección de CD’s. Luego, en el instituto oía otro tipo de cosas, más Joni Mitchell, más canción de autor, cosas más acústicas… Cuando tenía 14 años empecé a salir y me interesé más por la electrónica. Entonces, oía por un lado electrónica pero por otro canciones bastante acústicas. Me encanta The Tallest Man on Earth.
El disco es sólido, pero hay muchas influencias dispares: soul, jazz, Laura Mvula, James Blake, CocoRosie, que no sé si las conocerás… ¿Querías un disco coherente o no te importaba que hubiera diferentes elementos?
Es la escritura de las canciones lo que da sentido a todo. Casi todo el disco va de lo mismo. No sentía ninguna presión para que la producción aunara las cosas, sino que tuve total libertad con los estilos. El disco es lo que yo quería. Me encanta el R&B, pero también el soul y la música disco. En la canción ‘Operator’ es bastante evidente que escucho mucho música soul, cosas como George McCrae.
«Este disco soy yo intentando averiguar quién soy como artista. No tuve ninguna restricción»
Hablando de R&B, hace poco entrevisté a Junior Boys y me dijeron que les encanta este estilo, pero que les gustaba adulterar el modo en que se articulaban las voces en este género, porque para ellos se había hecho siempre igual. ¿Opinas algo parecido?
No lo he pensado con demasiada profundidad. Este disco soy yo intentando averiguar quién soy como artista. No tuve ninguna restricción. Adultero mi voz más bien para simular otros puntos de vista, como el chico al que va destinada la canción.
Háblame de la canción ‘Cliff’, en la letra aparece un chico, al borde de un acantilado, pero parece que él no quiere ser rescatado. Es algo extraña, cuéntame.
Todas las canciones son metáforas visuales de algo para mí bastante difícil de describir. Hay una persona con un problema mental, hay una tercera cosa que controla la relación, y la pareja intenta apartar ese algo. Lo quise representar con un acantilado, pero eso no es que la persona no quiera ser rescatada por mí, sino que físicamente me es imposible llegar a él.
Has dicho que el disco va sobre todo de una relación sacudida por la distancia, aunque antes de leerlo mi percepción es que iba más que nada sobre la carencia de amor.
Más que de la carencia de amor va de carecer de una persona.
Entonces es algo muy concreto.
Es difícil de explicar. El disco está muy influido por el momento en que me fui a vivir a Londres y eso implicaba la distancia. ¿Sabes cuando estás en el cole y vuelves a casa con tu mejor amiga por el camino más largo para estar más tiempo con esa persona? De eso va el disco: de extender el tiempo lo máximo posible cuando sabes que algo no va a durar. La relación ya sabes que va a acabar, pero intentas extender la bonita parte del medio lo máximo posible.
Adele dijo después del primer disco que quería que le rompieran el corazón para escribir un buen segundo disco. Aunque debía de estar de broma, al final lo consiguió y le fue bien. ¿Piensas tú también algo así o crees que no escribirás tantas canciones de amor la próxima vez?
He escrito sobre esto porque es lo que me ha pasado este año, pero me parece bastante casual. No sé sobre qué escribiré en el futuro porque no sé qué me espera. Espero que no sea sólo desamor, nadie quiere eso en su vida (se ríe).
‘Operator’ es una canción triste, pero a la vez es divertida y va muy bien a mitad de la secuencia. ¿La colocaste tú ahí?
Era la primera vez que sampleaba algo. Estaba escuchando cosas en Youtube, algo aburrida en el estudio, y ni siquiera escuché la canción entera. Tomé un sonido y ya está. Me encantaba el concepto de «operador», que en el pasado tuvieras que pasar por un intermediario para hablar con alguien. Decidí hacer una metáfora con ello y añadir la posibilidad de enamorarte del operador. Es divertido, y fue un tema divertido de hacer. Otto Williams es un gran bajista que ha trabajado con leyendas de la música, como Chaka Khan. Yo quería que esta canción abriera el álbum, pero me dijeron que no, que tenía que reservarla para más adelante en la secuencia. Entonces pedí que fuera la segunda canción del disco y así… (NdE: es el track 5).
¿Alguna canción ha cambiado un montón por lo camino?
No realmente, quizá ‘Hurt Me’ porque la hice con Jimmy Napes para el disco de Tourist y al final no se usó. Me dije: «Voy a volver a producirla», y decidí que la iba a meter en mi disco. Con mi producción lograría que sonara diferente.
¿Cómo conociste a Jimmy Napes (Disclosure, Alicia Keys)?
Le dije al sello que quería escribir para otra gente, así que hice una sesión con él.
He leído que no sabías lo que era un blog de música cuando empezaste a aparecer en ellos, lo que me hace pensar que desconocías un montón de cosas más sobre la industria musical.
¡Oh, sí, no sabía nada de nada! No sabía lo que era un productor ni un ingeniero ni cómo funciona un sello.
«Ingenuamente pensaba que la persona que cantaba era la que hacía todo porque nadie me había dicho lo contrario»
Supongo que te has llevado buenas o malas sorpresas…
Todos tenemos nuestras propias opiniones. Algunos blogs fueron buenos conmigo, otros más mezquinos… Tampoco pasa nada. Ingenuamente pensaba que la persona que cantaba era la que hacía todo porque nadie me había dicho lo contrario. Así que cuando empecé con GarageBand y la gente me preguntaba quién me había producido, empecé a entender qué era un productor.
¿Entiendes un productor como algo ajeno, raro, casi molesto?
Un poco sí, mi inquietud era mejorar por mí misma en un estudio profesional.
En el álbum sí salen como productores Mura Masa, que me gusta mucho…
Sí, en la última canción.
«Quiero ser más independiente todavía en el segundo disco»
… y Rodaidh McDonald, que no me suena.
Cuando me mudé a un estudio profesional, Rodaidh era el dueño. Básicamente llenó los huecos técnicos que a mí se me escapaban. Soy totalmente ajena a cierto tipo de software, por ejemplo, y lo suyo fue un trabajo más técnico, muy poco artístico. A mí sola me hubiera llevado tres años terminar este disco y gracias a él pudimos hacerlo en menos tiempo. Espero que después de este verano, pueda seguir trabajando para llenar esas lagunas técnicas que me quedan. Quiero ser más independiente todavía en el segundo disco. Tengo que hacer deberes para necesitar menos ayuda.
Para este concierto vienes con un teclista, ¿pero cómo será tu directo normalmente? ¿Con banda o más en solitario?
En el disco hay un montón de elementos diferentes. Suelo llevar bajista que quizá lleve un teclado, un baterista con la parte electrónica, Duncan con dos o tres teclados, y yo con un teclado más.
¿Tienes ganas de festivales o prefieres una sala íntima, más acorde al disco, quizá?
No sé, porque no he tocado tanto todavía. Estoy aprendiendo. Lo bueno de los festivales es poder ver a otros artistas, tomarte un día libre para poder ver más conciertos…
Lo digo porque al tener la inquietud de trabajar en el estudio, igual prefieres más el estudio…
Prefiero el estudio, pero tengo que tocar para ir ganando más confianza.
Es una pena que hoy todos los artistas tengan que salir de gira porque no se venden discos. La música de estudio parece un poco devaluada con esto de que todos los grupos tienen que salir de gira sí o sí.
Tampoco pasa nada. Igual al final de este año estoy cansada de girar, pero de momento me gusta. No tengo problema en tocar, pero sí en parte al cantar, porque al cantar te expones totalmente. Y yo no he cantado tanto en mi vida. Pero me imagino perfectamente disfrutando de los conciertos.
Las canciones favoritas de Love of Lesbian
Uno de los grandes lanzamientos del pasado viernes fue ‘El poeta Halley‘, el esperado nuevo disco de Love of Lesbian, que llega cuatro años después del exitoso ‘La noche eterna. Los días no vividos‘ e incluye el single ‘Bajo el volcán’, así como otras pistas como ‘Planeador’, ‘Cuando no me ves’ o ‘Los males pasajeros’. Esta semana os informaremos sobre el desempeño del álbum en la lista de éxitos de nuestro país.
Hoy, el grupo presenta playlist para Deezer de sus canciones favoritas, que estrenamos en JENESAISPOP. Es una ecléctica colección que repasa varios iconos históricos de la música popular, desde Supertramp a Plastic Bertrand pasando por Fleetwood Mac, Jorge Drexler, The Flaming Lips, Bobby Womack, Antònia Font, LCD Soundsystem o Jeanne Added.
Janet Jackson pospone indefinidamente su gira europea
Janet Jackson ha pospuesto su gira europea tres semanas antes de su inicio, el 30 de marzo en Birmingham (un día antes actúa en un evento deportivo en Dubai). Según Ticketmaster, las fechas de Jackson en Reino Unido y el resto de Europa quedan pospuestas y «no es posible confirmar nuevas fechas por el momento, por lo que vamos a reembolsar el dinero a todo titular de una entrada». En otras palabras, la gira europea de Janet ha sido cancelada, al menos, de momento.
La cantante reubicaba hace meses su gira en Estados Unidos, primero para descansar sus cuerdas vocales, y después para someterse a una operación, que varios rumores atribuyeron a un cáncer. Janet desmintió el rumor poco después, sin especificar la naturaleza de la operación en cuestión.
La segunda tanda de fechas de Janet en Estados Unidos, que empieza a finales de mayo, continúa intacta. La cantante continuará presentando su último disco, ‘Unbreakable‘, del que se desprende este corte:
Julianna Barwick anuncia nuevo disco, ‘Will’
Han pasado tres años desde ‘Nepenthe‘, el notable último disco de Julianna Barwick. Hoy, la artista ha anunciado ‘Will’, su nuevo álbum, a la venta el 6 de mayo. Barwick lo ha grabado en varios lugares, «desde una casa aislada en Nueva York hasta la Moog Factory de Asheville (Carolina del Norte), pasando por Lisboa». En él, la artista ha explorado sonidos más siniestros.
El primer adelanto es ‘Nebula’, de nuevo un paisaje celestial, pero tenebroso. Escúchalo a continuación.
‘Will’:
01 St. Apolonia
02 Nebula
03 Bleached
04 Same
05 Wist
06 Big Hollow
07 Heading Home
08 Someway
09 See, Know
Rihanna, la mujer más escuchada en Spotify en el mundo
Con motivo del Día Internacional de la Mujer, hoy 8 de marzo, Spotify ha publicado varias listas con las mujeres más escuchadas en su plataforma. De manera poco sorprendente, Rihanna es la mujer más escuchada en Spotify en todo el mundo, seguida por Ariana Grande y Beyoncé, aunque Spotify indica que, del top 10, Beyoncé es la artista con mayor porcentaje de mujeres que la escuchan.
En cuanto a España, aunque lidera la lista Malú, sorprende la ausencia de artistas nacionales en el top 10. Solo India Martínez aparece en los 10 primeros puestos de las mujeres más escuchadas en Spotify en nuestro país. Rihanna, de hecho, es top 2 seguida por Ariana Grande y Shakira. Beyoncé aparece en esta lista también, aunque en última posición.
Top 10 global:
1.- Rihanna
2.- Ariana Grande
3.- Beyoncé
4.- Ellie Goulding
5.- Katy Perry
6.- Lana Del Rey
7.- Sia
8.- Adele
9.- Selena Gomez
10.- Meghan Trainor
Top 10 nacional:
1.- Malú
2.- Rihanna
3.- Ariana Grande
4.- Shakira
5.- Sia
6.- Adele
7.- Ellie Goulding
8.- Katy Perry
9.- India Martínez
10.- Beyoncé
Field Music / Commontime
Los hermanos Brewis, principales responsables de Field Music, son uno de los referentes del art-pop del siglo XXI, creadores de pequeñas piezas donde sencillez y curiosidad no están reñidas. Han pasado cuatro años desde ‘Plumb’ pero la actividad del grupo ha sido intensa, bien a través de proyectos paralelos (The Week That Was, School of Language) o creando una banda sonora para una de las primeras películas -mudas- documentales de la historia, ‘Drifters’, sobre pescadores en la Inglaterra de los años 20.
Su quinto disco de pop, ‘Commontime’, refuerza el sentido más lúdico de la etiqueta. En una evolución similar a la que vivió Animal Collective (aunque no tan extrema), Field Music ha ido decantando su lado más melódico para acabar con canciones de estrofas y estribillos clásicos, perfectamente escuchables en la radio: simplificando estructuras sin perder una gota de su esencia.
Nadie les reprochará este camino porque la jugada les ha salido bien: ‘The Noisy Days Are Over’ y ‘Disappointed’ son pequeñas gemas que firmarían gustosos Talking Heads o XTC. Estas dos referencias -además de la sombra de Dirty Projectors- están sin duda presentes a lo largo de ‘Commontime’, donde florecen otras igualmente sofisticadas, menos obvias pero que encajan como un guante en el concepto musical: el funky ligero y de aires jazzísticos a lo Steely Dan en ‘It’s a Good Thing’, el pop elegante de Blue Nile en ‘Trouble at the Lights’.
Esta vertiente más estilizada de su música añade a ‘Commontime’ un plus de solidez respecto a sus discos anteriores: todas las canciones funcionan por sí solas, más allá del estilo de los hermanos Brewis, que tienen muy claro desde hace tiempo. Pero aquí se adivina mayor libertad compositiva, mayor intención lúdica y menor atención a las ideas preconcebidas.
El disco va sobrado de músculo: batería en primer plano más algunas percusiones ocasionales, bajos y guitarras entrelazadas formando un resistente armazón, y líneas melódicas plagadas de coros conforman un tejido vistoso y bien cortado para un traje a la medida de una banda de pop contemporánea. Saben relajarse de vez en cuando (‘The Morning is Waiting’, ‘That’s Close Enough for Now’, que tiene un uso de cuerdas clásicas que recuerda mucho a los mencionados XTC) y crear variedad de esa manera: sería más aburrido digerir los catorce cortes si todos tuvieran el mismo patrón.
Pese a venir del norte de Inglaterra (Sunderland, pegando a Newcastle), David y Peter Brewis han sabido asimilar las influencias que les interesan del otro lado del Atlántico -muchas de ellas, eso sí, afroamericanas pasadas por el tamiz de músicos blancos- con la visión británica del pop. Además, han logrado usar el prefijo «art» y sonar desenfadados. Ser sencillos es más difícil de lo que parece, y Field Music lo ha logrado con ‘Commontime’.
Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘The noisy days are over’, ‘Disappointed’, ‘Trouble at the lights’, ‘Same name’
Te gustará si te gustan: Talking Heads, Dirty Projectors, XTC
Escúchalo: Spotify
Cómpralo: Amazon.es.