LWLGHT, el dúo de productores gallegos de trap y hip-hop afincado en Madrid, nos sorprendía hace un par de temporadas con su EP ‘#CROSSOVA‘, consiguiendo destacar en el panorama urban nacional gracias a sus acertadas producciones y remezclas con un ojo en la actualidad y el otro en la vieja escuela. El EP fue un éxito y llevó al dúo a tocar en festivales como el FIB, BBK Bilbao o Low y a unirse a la banda de JOHN GVRY, autor de ‘Mad On Her’ y con quien hablábamos el año pasado tras ser número 1 en nuestro top semanal.
Ahora, LWLGHT vuelve con un nuevo EP que presentará no solo en España sino también en festivales internacionales como el Fusion Festival de Alemania o el SXSW de Texas. El primer adelanto de este nuevo EP es ‘Ohmai’, que estrenamos en JENESAISPOP y para el que el dúo ha contado con las colaboraciones del mismo JOHN GRVY y del rapero Yung Beef de PXXR GVNG, una de las bandas hip-hop de moda en nuestro país gracias a varias de las canciones incluidas en su álbum debut, ‘Los pobres‘.
‘Ohmai’ es un corte de trap de pegadizas melodías instrumentales y vocales y con un potencial considerable para conquistar las listas de éxito de nuestro país… y las de otros. La nota de prensa la define como «toda una declaración de intenciones y un reflejo de la peculiaridad y riesgo de sus proyectos, en los que siempre se han empeñado en darle la vuelta a los paradigmas establecidos para cada género». Puedes escuchar el tema aquí.
Bajo el epígrafe Estética de videoclip, que para los más despistados hace referencia a ese recurrente latiguillo utilizado hasta hace bien poco por la crítica cinematográfica para desacreditar una película (como sigue ocurriendo con la palabra “telefilme”) analizamos las claves visuales de los vídeos más populares y/o interesantes estrenados en las últimas semanas.
‘Blackstar’ (David Bowie)
Es uno de los vídeos más sugerentes y que más está dando que hablar últimamente. Esquivo y enigmático, pero poroso a interpretaciones, ‘Blackstar’ presenta un escenario inquietante y fantástico, voluntariamente artificioso (casi una reinterpretación del ‘Viaje a la luna’ de Méliès), donde vemos el cadáver de un astronauta -¿el mayor Tom?- cuya calavera enjoyada recuerda a la de Damien Hirst. A partir de ahí, como si todo fuera una visión pesadillesca de ese profeta ciego con ojos a lo ‘Coraline’ que parece encarnar Bowie, se suceden imágenes que van desde lo profundamente siniestro (los espantapájaros crucificados, los bailarines espasmódicos) a lo desconcertantemente naif (los planos con el libro que recuerdan al arte soviético y maoísta). El vídeo está dirigido por Johan Renck (‘Breaking Bad’, ‘The Walking Dead’, ‘Halt and Catch Fire’), quien se dio a conocer realizando clips para Madonna (‘Hung Up’, ‘Nothing really Matters’) o Kylie (‘Love at First Sight’).
‘Hello’ (Adele)
¿Se ha puesto Xavier Dolan la corbata y el boli asomando en el bolsillo de la camisa para realizar el vídeo de Adele de la forma más funcional y servicial posible, o en realidad iba en chándal y lo ha dirigido entre picoteo y picoteo del cátering? Para hacer un vídeo tan convencional y, sobre todo, impersonal (su mayor gesto “autoral” ha sido sacar un móvil de hace diez años), no hacía falta haber llamado al enfant terrible de Québec. Lo podría haber dirigido cualquier otro. Sin embargo, ya puestos a sacar las tripas a las imágenes, hay dos aspectos que sí podríamos considerar “muy Dolan”. El primero es esa forma tan evocadora y cassavetiana que tiene el director de presentar a la cantante: desde muy cerca, con el pelo alborotado, como si fuera Gena Rowlands en, por ejemplo, ‘Opening Night’. Y la segunda ese ramalazo kitsch que le sale aunque no quiera. ¿Se le quedaría grabado de pequeño este anuncio?
‘Amor de Madre‘ (The Suicide of Western Culture)
Desde que hace casi quince años Gus Van Sant estrenara ‘Gerry’ es imposible ver a dos jóvenes andando por el desierto uno detrás del otro y no acordarte de ella. Aunque el director de ‘Amor de madre’, César Pesquera, declare ir en otra dirección totalmente distinta (“un híbrido surrealista y algo psicodélico entre ‘Paris-Texas’ y ‘Encuentros en la tercera fase’”), la memoria colectiva es implacable: si a esas primeras imágenes le ponemos música de Arvo Pärt tenemos un homenaje en toda regla a la imprescindible película de Van Sant. El vídeo del dúo barcelonés narra la travesía del desierto de dos personajes que se encuentran un “tesoro” a través del cual consiguen invocar a un extraterrestre y daliniano útero materno cuyo carnoso orificio haría las delicias de David Cronenberg. Y es que, como dice la canción, “yo la quiero a usted mucho, madre”.
‘Flesh Without Blood/Life in the Vivid Dream’ (Grimes)
La cantante canadiense ha “escrito, dirigido, montado y coloreado [sic]” su nuevo vídeo, un clip dividido en dos partes -Act I: Flesh, Without Blood y Act II: Life in the Vivid Dream- que corresponden a dos canciones de su nuevo álbum, ‘Art Angels’. Aunque tiene mucho de revoltijo colorista y rococó, como si a Tarsem Singh se le hubieran abierto los rotus en el bolsillo, y hay planos muy cutres, como esa pista de baloncesto con los coches pasando por detrás, es indudable el atractivo visual que desprenden los dos personajes que encarna Grimes, sobre todo en la parte final del vídeo: una María Antonieta fosforita y ensangrentada, y un ángel exterminador con lentillas demoníacas. La cantante derrocha magnetismo y actitud (no así sus acompañantes, ¿se han visto?) en esta fiesta de pijamas que se convierte poco a poco en un cuento macabro.
‘Hotline Bling’ (Drake)
El último vídeo de Drake, dirigido nuevamente por el canadiense Director X (quien acaba de debutar en el cine con ‘Undone’), es todo lo contrario al de Grimes: minimalismo lumínico, suavidad cromática y simplificación geométrica al servicio de los muy, ejem, personales movimientos del rapero. Que nada le haga sombra, parece haber pensado el director. A pesar de un prometedor prólogo, que parece anunciar una ficción de tono satírico ambientada en un call center lleno de variaciones anatómicas sobre un mismo tema (Nicki Minaj), el vídeo finalmente se queda en muy poco, en una sucesión de planos de Drake bailoteando en unos escenarios que parecen interpretaciones decorativas de las obras de Dan Flavin. Conclusión: ¡que sigan las parodias!
Como pasó con Madonna, a alturas de diciembre seguimos sin tener ni idea de quién actuará en el descanso de la Super Bowl del año que viene, que se celebra el 7 de febrero en California. Es raro porque supimos de la confirmación de Beyoncé en octubre, de la de Bruno Mars en septiembre y de la de Katy Perry también en octubre. Pero hoy es 1 de diciembre y nada. Será el 3 de diciembre, confirma Pepsi, cuando se revele el artista y, teniendo en cuenta que la próxima edición de la Super Bowl será la número 50, es decir, sin duda una de las más importantes de su historia, cabe esperar algo grande. ¿Pero quién actuará en el descanso de la Super Bowl? ¿Quizás más de una persona? La misma Super Bowl indica que el nombre anunciado este jueves será el de «una de las estrellas del pop globales» de la actualidad. Podría ser, sin duda alguna, una de estas personas.
Taylor Swift
2015 ha sido el año de Taylor Swift. Su disco es el único junto a la última mixtape de Drake que ha superado el millón de copias vendidas en Estados Unidos, la cantante se ha llevado todos los premios habidos y por haber gracias al mismo y su gira de presentación, que llega el año que viene a Europa (aunque no a España), está siendo un gran éxito. Swift ha sido la artista omnipresente por excelencia de este año por lo que un hueco en el descanso de la Super Bowl parece bastante claro, aunque, teniendo en cuenta que tiene un contrato con Diet Coke y que la Super Bowl está promocionada por Pepsi, su posible confirmación quedaría descartada al momento.
Drake
Drake no es americano sino canadiense; sin embargo, da un poco lo mismo porque Estados Unidos es su mercado y ‘If You’re Reading This It’s Too Late’ es el disco editado en 2015 más vendido del año en Estados Unidos solo por detrás de ’25’ de Adele a pesar de ser una «mixtape». Además, ‘Hotline Bling’ es uno de los éxitos del año con diferencia, entre otras cosas, gracias a su parodiable videoclip, y el rapero lleva planeando el lanzamiento de su nuevo álbum, ‘View From the 6’, todo el año. ¿Qué mejor plataforma para publicitarlo que la Super Bowl?
Britney Spears
Britney Spears ha sonado fuerte todo el año para el descanso de la Super Bowl, hasta el punto que es su cara la que más aparece cuando buscas «Superbowl Half Time Show 2016» en Google Imágenes, casi como si ya estuviera confirmada. Con lo activa que está últimamente en las redes sociales, sin embargo, y con lo bien que le está yendo últimamente en Las Vegas, no nos extrañaría para nada que la anunciaran. Atención, además, a una de sus últimas publicaciones en Instagram: «algo se acerca». ¿La Super Bowl? ¿Quizás este anuncio totalmente «random» durante el descanso del año pasado nos quería decir algo?
Justin Bieber
El renacer de Justin Bieber es un hecho: tras numerosas polémicas, entre ellas un arresto policial, Bieber ha vuelto a la industria de la música con las mejores canciones de su carrera y un disco que no solo es uno de los más vendidos actualmente en todo el mundo sino que, además, no está nada pero que nada mal. En definitiva, y por mucho que nos cueste decirlo y mucho más asumirlo, Justin Bieber mola y su confirmación en la Super Bowl parece hasta obligada, aunque él, como Drake, también sea canadiense. ¿Qué tal un toque a Shawn Mendes?
Adele
Puesto que las actuaciones durante el descanso de la Super Bowl suelen ser bastante extravagantes, no las tenemos todas con nosotros de que Adele pueda siquiera ser una posibilidad para el cartel de este año. Sin embargo, su nuevo disco es, con más de 3 millones de copias vendidas en una sola semana, el disco más vendido del año de largo y su autora está en boca de todo el mundo, más lo que lo va a estar el año que viene cuando comience su gira mundial. Ojo porque no empieza hasta varias semanas después de la Super Bowl, conque no tendría excusa. ¿Quizás podrían traerla en helicóptero en plan Diana Ross?
Maroon 5
Fuentes de E! News confirmaban hace unos meses que Maroon 5 habían tenido «largas conversaciones» negociando una posible actuación en la Super Bowl del año que viene. Sin embargo, unos días después Adam Levine aseguraba en una entrevista de radio que no sabía de dónde procedían esos rumores y que cualquier información al respecto no tenía «nada que ver con ninguna conversación real». Levine, eso sí, indicaba que el grupo ha estado incluido en una lista de candidatos a actuar en la Super Bowl durante varios años y que al grupo, de hecho, le encantaría hacerlo. Canciones no les faltan.
Rihanna
Aunque nos está dando la brasa de lo lindo con el no lanzamiento de su nuevo disco, ‘ANTI’, que esperábamos en Tidal el pasado viernes pero que al final nada, Rihanna es una posibilidad a tener muy en cuenta en la Super Bowl porque se rumorea que su disco sale el 4 de diciembre, que es el día después de la primera confirmación, y porque es la artista que más canciones digitales ha vendido en la historia de Estados Unidos. Su repertorio, en definitiva, cuenta con más números uno en Billboard que el de cualquiera de los artistas mencionados en este artículo. Su próxima gira mundial, además, empieza el 26 de febrero: tiempo tiene de pasarse por el descanso aunque sea para saludar. Eso sí, si quiere actuar, quizás deba olvidarse de su polémica con la NFL del año pasado.
Bruno Mars
Bruno Mars ya actuó en la edición 48 de la Super Bowl; sin embargo, Billboard informaba a principios de septiembre de que la National Football League le había vuelto a invitar para actuar pero también para comisionar el espectáculo, por lo que de actuar, podrían sumársele en el escenario una lista de invitados previsiblemente espectacular. Aunque si hay una sola razón por la que Mars es uno de los candidatos más obvios para tocar en el «halftime show» a pesar de haberlo hecho ya hace dos años, esa se llama ‘Uptown Funk’. Casi no necesitaría cantar nada más.
Coldplay
Junto a Katy Perry y Rihanna, Coldplay eran uno de los tres candidatos que se barajaban para actuar en la edición 49 de la Super Bowl. Ellos, como Adele, son británicos, pero, también como Adele, venden discos como churros en Estados Unidos y su nuevo trabajo, ‘A Head Full of Dreams’, sale el 4 de diciembre, a tiempo de ser promocionado en el descanso con una bonita actuación llena de colores y, por qué no, chimpancés brincando por aquí y por allá (¿acompañados de «Left Shark»?) como en su nuevo vídeo.
Después de estrenar ‘Everglow‘, su tibia nueva balada en la que hace coros Gwyneth Paltrow, Coldplay han compartido otro de los cortes incluidos en su nuevo disco, ‘A Head Full of Dreams‘, que sale este viernes. Se trata de ‘Hymn for the Weekend’, que suena a éxito por todas partes y en la que canta la mismísima Beyoncé. No esperéis mucho, eso sí, pues solo hace coros. En la entrevista siguiente, Guy Berryman, bajista del grupo, asegura que no compartió el estudio con la cantante cuando grabó su parte pero que «transformó la canción totalmente» y que está encantado con el resultado. Puedes oírla a continuación y ojo porque se pega.
Antony Hegarty ha compartido el primer adelanto de su disco como ANOHNI, ‘Hopelessness’, que han producido Oneohtrix Point Never y Hudson Mohawke. Se trata de una espectacular composición nada introvertida titulada ‘4 Degrees’, en la que Hegarty canta sobre una de los temas que más le han preocupado durante su carrera, el cambio climático. «En solidaridad con la Cumbre del Clima en París», escribe, «me miro a mí mismo con desconfianza, no a mis aspiraciones sino a mí comportamiento, y revelo mi complicidad más insidiosa. Es todo un mundo nuevo. Seamos valientes y digamos la verdad lo más que podamos».
NME ha publicado su lista de los mejores discos del año. Ryan Adams cierra la lista con su versión de ‘1989‘ de Taylor Swift y a este le siguen (hacia arriba) lanzamientos como los de New Order, Viet Cong, Future o Slaves. Sin embargo, si hay una inclusión en la lista que va a enfadar a muchos lectores de la revista esa es la del disco de Miley Cyrus and Her Dead Petz, que NME, de hecho, puntuaba en su reseña con un 8 sobre 10, describiéndolo como una «escucha esencial».
Cyrus no es, por eso, la única estrella del pop incluida en la lista de NME, pues también encontramos en ella el reivindicable último disco de Carly Rae Jepsen, ‘E·MO·TION‘. Por lo demás, NME no se olvida tampoco de Muse, Sleaford Mods, Charli XCX, Florence + the Machine o incluso de Coldplay, cuyo nuevo disco, ‘A Head Full of Dreams’, ni siquiera ha llegado al mercado todavía (sale este viernes) y ocupa aquí el puesto 35. NME lo describe como la «colección de canciones más satisfactoria de Coldplay en años».
El top 10 está coronado por Jamie xx, Kendrick Lamar y Grimes, que además de en el NME también ha sido top 1 para Stereogum:
1.-Grimes / Art Angels
2.-Kendrick Lamar / To Pimp a Butterfly
3.-Jamie xx / In Colour
4.-Wolf Alice / My Love Is Cool
5.-Tame Impala / Currents
6.-Chvrches / Every Open Eye
7.-Lana del Rey / Honeymoon
8.-Foals / What Went Down
9.-The Maccabees / Marks to Prove It
10.-Unknown Mortal Orchestra / Multi-Love
Parte de la redacción evalúa el single de regreso de David Bowie.
«Bowie nunca ha sido de abrir sus discos con canciones larguísimas. En realidad, están ‘Station to Station’, que duraba 10 minutos; ‘The Width of a Circle’, que duraba 8, y, estirando mucho, ‘Loving the Alien’, que alcanzaba los 7 minutos. ‘Blackstar’ es, por tanto, en ese aspecto una rareza en su discografía… pero no solo por eso. Ayudado en la producción por Tony Visconti, Bowie da aquí con una rareza también en lo musical, una composición lúgubre y de progresión libre (que no desatada, pues sus tres partes están bien diferenciadas) que se expande con los pulmones llenos de aire y no decae nunca. Entre vocoders, teclados new wave, ritmos dislocados muy Radiohead, delicadas programaciones electrónicas y esa trompeta ebria que aparece, tímida, esporádicamente a lo largo de su desarrollo, ‘Blackstar’, en definitiva, vuelve a dar sentido a que Bowie siga siendo actualidad en 2015. ¡Y qué vídeo!». JB.
«David Bowie es una leyenda. En su estatus casi que puede permitirse hacer cualquier cosa. Si lo que le apetece es esta cosa de 10 minutos que parece la banda sonora para una película de David Lynch, pues debemos sentirnos bendecidos. Este ‘Blackstar’ es cinematográfico, complejo, cambiante en estructura, casi indescifrable, inabarcable. Unos toques jazz, unos arreglos orquestales, puntazos electrónicos y la voz de Bowie dándole sentido y unidad a todo. Como canción, no va a alzarse a los mismos altares de, pongamos por ejemplo, ‘Space Oddity’ o ‘Life On Mars’, pero que con casi 70 años se atreva a arriesgar de esta manera no hace sino alimentar la leyenda de icono único e irrepetible». ACM.
«‘Blackstar’ es fascinante. Difícilmente puedo imaginar una canción tan perturbadora y subyugante, tan llena de contrastes. La voz susurrante, como entonando una nana, de Bowie, combinada con ese ritmo fragmentado y tóxico, sosegado pero agresivo, marcial, con ese fondo amenazante (aunque, más allá de la tensión, percibo algo muy doloroso). La extrañeza inicial que causa el interludio, tan sensual y burbujeante, acaba convirtiéndose en certeza, de que ha de ser así y no de otra manera. Y el prodigio de que algo tan a priori espeso (casi diez minutos) transcurra con tanta ligereza… Es casi como si Bowie se hubiera propuesto resumirse a lo grande: su época más oscura, la berlinesa, (la de ‘Low’ o ‘Heroes’), pero también la cara glam y pop, en el interludio». Mireia Pería.
El productor barcelonés Gunsal Moreno, más conocido como beGun, prepara nuevo EP, ‘Dora’, para el próximo 18 de diciembre. El tema titular ya puede escucharse y es una deslumbrante confección de electrónica paisajista, muy melódica a su vez, inspirada en la música tradicional africana y con la colaboración a los coros de la vocalista colombiana Ela Minus. Completan el tracklist del EP dos remezclas del tema por Applescal y Blackbird Blackbird. Edita Foehn Records (Emilio José, oso leone, Marina Gallardo).
A New Order no les va nada mal últimamente desde la salida de su último disco, el notable ‘Music Complete‘, que incluye colaboraciones tan atractivas como las de Iggy Pop, Brandon Flowers de The Killers y La Roux, y acaban de ser confirmados en dos grandes festivales de nuestro país como son el Sónar y, más recientemente, el Bilbao BBK Live.
Sin embargo, hay alguien que no está nada contento con el grupo. Se trata de su ex bajista Peter Hook, que acaba de demandar al grupo por «millones de euros» acusándolos de «expoliación». Hook defiende que ha perdido cerca de 3 millones de euros desde que los miembros activos de New Order, Bernard Sumner, Stephen Morris y Gillian Gilbert, crearan una empresa sin él en 2011, New Order Ltd., para manejar los ingresos del grupo, pues este ha seguido utilizando su nombre original y Hook, que abandonó la formación en 2007, es uno de los integrantes fundadores.
El abogado o abogada de Hook asegura que la creación de esta empresa se hizo de manera «clandestina, premeditada y deliberada» y ha indicado que dicha decisión es «como si George Harrison y Ringo Starr se reunieran en la casa de George un viernes y decidieran juntos desposeer a Paul McCartney de su parte en los Beatles y que tampoco informaran a Yoko [Ono] al respecto».
Puedes recordar nuestra entrevista a Hook de 2010 aquí.
Pitchfork estrena hoy el nuevo single de Chairlift, ‘Romeo’, que puede escucharse a través de VEVO. Es un adelanto muy esperado tras la sorpresa de ‘Ch-ching’, pues había mucha curiosidad por saber si el nuevo sonido desacomplejadamente pop del dúo formado por Caroline Polachek y Patrick Wimberly era definitivo o había sido un espejismo. El resultado nos dice que lo primero y ‘Romeo’, en la Caroline interpreta a la diosa griega Atlanta, es un corte igual de «radio-friendly» o más que el anterior.
Polachek estrenó recientemnete un nuevo tema en solitario, ‘The Boy Who I’ll See Again’, para la marca de cosmética MAKE en el que cantaba sobre el mito griego de Selena y Endimión.
‘Moth’, el nuevo disco del grupo, sale el 22 de enero.
Muy malas noticias para Julián Ruiz. Animal Collective han anunciado nuevo disco, ‘Painting With’, después de estrenarlo en streaming en un aeropuerto de Baltimore el día previo a Acción de Gracias. Los rumores decían, de hecho, que el disco saldría hoy lunes 30 de noviembre, pero la fecha oficial es finalmente el 19 de febrero. Edita Domino.
La grabación de ‘Painting with Animal Collective’ ha tenido lugar en los estudios EastWest de Hollywood durante 2015 junto al ingeniero Sonny DiPerri. La intención del grupo ha sido crear canciones cortas y algunas de ellas incluyen las colaboraciones de John Cale y el saxofonista Colin Stetson. La nota de prensa lo describe como un disco «cálido, personal, caleidoscópico y en alta definición preocupado por el arte, por la experiencia humana y por la unión de ambos [conceptos]».
El primer single, como indicaba la información proporcionada por Shazam al reconocer lo nuevo de Animal Collective en el aeropuerto de Baltimore, es ‘FloriDada’, un tema todavía más colorido y veraniego y, por lo tanto, todavía más Beach Boys si cabe, que puedes oír a continuación. La portada no es única, por cierto, sino triple e incluye cada una a un miembro diferente del grupo.
El último álbum del grupo, ‘Centipede Hz‘, salió en 2012. Puedes recordar nuestro repaso a su discografía aquí.
Hace un año, cuando se estrenó la primera parte basada en el último libro de la trilogía ‘Los juegos del hambre’, ya nos preguntábamos si ese afán empresarial de hacernos pasar dos veces por caja acabaría resultando perjudicial para la saga. Visto el resultado de lo que se habían esperado a mostrarnos, tenemos la respuesta: sí.
Desde luego, los fans no nos merecíamos un final así. El truco para adaptar un libro a la gran pantalla reside básicamente en ser valientes y atreverse a cortar todo aquello que, por mucho que funcione en negro sobre blanco, pueda lastrar una buena narración cinematográfica. Pero no es el caso. Y es que si en la primera parte de ‘Sinsajo’ salimos con la sensación de que no había pasado nada, en esta ocasión el sentimiento es de que no han sabido aprovechar todo lo que todavía les había quedado en el tintero.
¿De qué sirve guardarte los momentos más emocionantes y épicos si no eres capaz de rodarlos para que nos emocionemos? ¿De verdad eran necesarias casi 5 horas para contar un libro que, en la mitad, habría tenido una progresión lógica hacia un clímax a la altura de todo lo anterior? ¿Tiene justificación alguna dividir en dos una película para que en la primera parte no ocurra nada y en la segunda, en la que pasa todo, lo haga demasiado deprisa a pesar de que se te hace demasiado lento?
Claro que si por alguien hay que sentirlo de veras no es tanto por los fans sino por el equipo artístico y técnico que se ha dejado la piel para dar dignidad a las películas. Especialmente Jennifer Lawrence y Elizabeth Banks. Ellas han sido lo mejor con diferencia. Pero bueno, se acabó lo que se daba. Ahora solo nos queda esperar que alguien tenga la feliz idea de hacer el típico ‘Director’s Cut’ pero al revés –eliminando en lugar de añadir escenas– para olvidarnos de esta innecesaria pausa publicitaria de 365 días. 4.
La artista ha aparecido en una gala televisiva, los Soul Train Awards, protagonizando un gag en el que se inventaba que estaba hablando con Iggy Azalea por teléfono y le soltaba «lo que haces definitivamente no es rapear».
Erykah Badu es noticia también por haber publicado una mixtape con motivo del Black Friday, inspirada precisamente en el teléfono. Ha conseguido que en ella aparezca André 3000 aunque no Drake en contra de lo que se dijo en un primer momento. Es exclusiva de Apple y iTunes hasta el próximo 4 de diciembre.
Este es el punto de partida de ‘Daredevil’, la primera de las adaptaciones que la plataforma VoD por excelencia va a producir del universo Marvel y que ha conseguido lo imposible. En primer lugar, ‘House of Cards’ ha dejado de ser la niña consentida de Netflix; en segundo lugar, y mucho más difícil todavía, el show de Steven S. Knight – que también fue responsable de ‘Smalville’ – ha hecho que nadie se acuerde ya de la infecta película protagonizada por Ben Affleck y Jennifer Garner. Y ojo que esto es todavía mucho más complicado que superar a Frank Underwood. En realidad Matt Murdock es sólo el primero de los 4 personajes Marvel que saltarán a la pequeña pantalla en los próximos años. Jessica Jones -cuyos capítulos están disponibles desde hace unos días-, Luke Cake y Puño de Hierro serán los siguientes. Como colofón final, todos terminarán reunidos en la miniserie especial ‘Los Defensores’.
Volviendo a ‘Daredevil’, Hell’s Kitchen se ha convertido en una especie de infierno en la tierra. Las mafias chinas controlan el tráfico de drogas, los rusos se encargan del de personas y Wilson Fisk, un bombón de personaje bordado por Vincent D’Onofrio, dirige todo el cotarro con el objetivo de hacer fortuna con la construcción de nuevos edificios a pesar de tener que expropiar violentamente a quien le estorbe. Sólo Matt Murdock, abogado ciego que aprendió a dar hostias de mano de Stick, ciego también, es capaz de poner freno a los desvaríos de Fisk.
Si alguien se está imaginando algo colorista y divertido, con un montón de chistes lanzados justo antes de propinar la patada final al malo de turno, está cometiendo un gran error. ‘Daredevil’ es oscura, llena de sangre y violencia y plagada de dilemas morales acerca de la sutil diferencia entre la justicia y la venganza. Bebe del toque noir que añadió Frank Miller a la historia y, por si fuera poco, está rodada de manera impecable. La planificación de esta escena, con la acción entrando y saliendo de plano y el uso de la música justifica por sí sola el visionado de los 13 capítulos que conforman la primera temporada y, además, recuerda a ‘Old Boy‘. Y como ésta hay más de una docena.
Cualquier parecido entre ‘Daredevil’ e ‘Iron Man’ es pura coincidencia. A Matt Murdock le vemos sufrir en las peleas -de hecho, se pasa el día siendo atendido por la enfermera interpretada por Rosario Dawson- y la trama es perfectamente creíble e interesante si le quitas los elementos de superhéroe. Quizá sea este el mayor acierto de la producción. Aunque seas reacio a todo lo que Marvel representa, el guión contiene los elementos necesarios de noir -la trama del boxeo, por ejemplo- para que el espectador no habituado se enganche. Pero si eres de los que no te pierdes una aventura Marvel también disfrutarás con incontables guiños. La trama del Cielo Negro y La Piedra ha desencadenado ríos de tinta en los foros; la referencia que Vanessa hace a Fisk sobre un hombre vestido con un traje blanco y pañuelo; los gánsters que amañan el combate del padre de Matt, etc. Pero también ha habido lugar para la polémica. De hecho, según los seguidores más recalcitrantes, el traje que luce al final Daredevil casi ha estado a punto de cargarse todo el tinglado.
Si ignoramos estos pequeños detalles solo aptos para talifanes, hay que admitir que, a pesar de los nefastos antecedentes de la adaptación cinematográfica y la aparente falta de renombre del showrunner, ‘Daredevil’ ha resultado ser una de las mejores series que se emiten en la actualidad.
Shigeru Mizuki, autor de libros como ‘NonNonba‘ o de ‘Kitaro’, cuyos segundo y tercer volumen reseñábamos este mismo año, ha muerto a los 93 años. Su fallecimiento se ha producido en Tokio a causa de un paro cardíaco.
Shigeru Mizuki se dedicó al mundo del cómic desde finales de los años 50 y ha dejado obras tan destacadas como su biografía de Hitler, una autobiografía en seis volúmenes o la cruda ‘Operación Muerte’, sobre la guerra de Papúa Nueva Guinea. El artista perdió el brazo izquierdo (siendo zurdo) en la Segunda Guerra Mundial. Desde entonces, se apañó para dibujar con la mano derecha.
En España solía editarle Astiberri, quienes ya le han dedicado un obituario.
Bilbao BBK Live continúa confirmando nombres. New Order, que hace unos días se anunciaban en el cartel del Sónar, estarán poco después en el festival de Bilbao presentando su nuevo disco, el excelente ‘Music Complete‘. Os recordamos que Bilbao BBK Live se celebra entre los días 7 y 9 de julio de 2016 y que ya ha confirmado nombres como M83, Father John Misty, Courtney Barnett o Pixies. Los abonos están a la venta en entradas.com.
New Order harán durante esta gira, con toda probabilidad, un repaso de grandes éxitos como ‘Blue Monday’ o ‘Bizarre Love Triangle’, alternado con el material sorprendentemente excelente que encontramos en ‘Music Complete’. De él esperamos todavía que se extraiga como single la canción más chanante del año, ‘Tutti Frutti’, recientemente remezclada por Hot Chip. ¿Habrá vídeo a la altura, como ellos saben hacer?
‘El fin del mundo’ es el regreso de Cola Jet Set, tras un período largo de hibernación. Charlamos con Felipe Spada, alma máter de la banda, sobre el nuevo disco, los vaivenes musicales y vitales, Los Fresones Rebeldes, la madurez y otras eventualidades pop.
Cola Jet Set tocan con The School en Madrid el 19 de febrero y el 25 de febrero en Barcelona. Entradas, en entradas.com. Resto de gira, en Elefant.com.
Respecto al anterior álbum, ‘Guitarras y tambores’, lo que más me ha sorprendido han sido los cambios de formación en Cola Jet Set.
Es por el paso del tiempo. El batería que tocó en este disco se fue porque estaba harto de esperar a que saliera. Además, yo tuve una niña, Alicia tuvo gemelas, se fue Ana del grupo y tuvimos que reestructurarlo.
¿Por eso el disco ha tardado tanto en salir?
Todos trabajamos, tenemos familia, el estudio en que grabábamos ha estado muy poco disponible en el último año, la reunión de Los Fresones… se ha ido dilatando todo. A eso súmale que yo cada vez soy más lento haciendo canciones, cada vez me cuesta más. La última canción, ‘Lo mejor está por llegar’, estuvo un año que tenía la música, tenía las ideas, pero la letra no acababa de llegar. Y en abril, leyendo la biografía de Jorge Martí de La Habitación Roja (‘Espacio Interior’, Ediciones Chelsea, 2014), leí la frase “a la vuelta de la esquina” y fue como “¡chas!”. En diez minutos ya estuvo. En fin, que en parte ha sido por mi culpa, en parte ha sido el destino… El álbum lo empezamos a grabar en 2013 y no lo empezamos a mezclar hasta febrero de este año. Y suerte que hemos llegado a que salga en este 2015.
En vuestro Facebook ahora os anunciáis con la frase «Y ahora ¡con más guitarras y más tambores!». Desarróllame esto.
La última incorporación a la banda es una tercera guitarra eléctrica, Matt, que es un chico de Nebraska que fue a trabajar a Suiza. Allí vio el vídeo de ‘En esta pista ya no se puede bailar’ y se quedó absolutamente enamorado. En cuanto se enteró de nuestra primera actuación, cogió un avión, vino a vernos, nos conocimos y, hablando, hablando, nos dimos cuenta de que teníamos muchísimo en común. Él luego se fue a Malta, pero antes me dijo: “¡Tío! ¡Quiero entrar en el grupo! ¡Como sea!”. Y a mí me gusta tocar con gente con ganas. Además, a todo el mundo le pareció buena idea. Creo que nos ha dado un sonido con un punto más rockero.
En este disco detecto un poso más amargo, como si vuestro lado agridulce fuera esta vez más agrio.
Es cosa de las letras también. En este disco hay composiciones de todos, de Alicia había cuatro previas pero se quedaron tres fuera. Podría haber sido un disco con otro peso, pero al final la mayoría de las canciones son mías otra vez. Hay unas canciones de antes y otras de después de una malísima época que tuve a principio de 2012 y se nota. Hay unos cinco temas que, a ver, no llegarían a un álbum conceptual, pero digamos que tienen la misma idea. Empezaría con ‘Sábado’: darte cuenta de que, en el fondo, tu vida es pura tramoya, que no hay nada detrás. Luego ‘Nada, nada, nada’, cuando te quedas sin nada, realmente. ‘Me levantaré’, que te dices “tengo que volver a empezar y superar esto”. ‘Lo mejor está por llegar’, estar un poco abierto a lo que venga, después de haber estado muy encerrado y, por último, ‘Ahora te quiero más’, cuando la situación va y se resuelve. Las canciones las hago sobre cosas que me suceden o me tocan muy de cerca. Excepto ‘El fin del mundo’, que es una fantasía. Pero bueno, también pasé un poco por una especie de ‘Fin del mundo’ personal. Quizás sea más fácil hacer canciones tristes, por lo menos a mí me lo es. En este disco he tenido de todo, de las optimistas y de pasarlas un poco canutas.
‘Canadá’ es de Alicia y, sin embargo, encaja muy bien en esta dinámica tuya que explicas, tan personal, en que narra lo que parece un abandono sentimental.
‘Canadá’ está enfocada a la muerte de Pedro San Martín. Coincidimos en un Contempopránea hará cuatro o cinco años. Yo ya lo conocía; era megafan de La Buena Vida, los seguía a todas partes… pero en esa edición Alicia conoció a Pedro y Rosa, luego se encontraron en más sitios, continuó esa amistad, se querían mucho y, cuando se enteró de lo de Pedro, le sentó especialmente… bueno, como a todos, pero ella, además, en aquel momento tenía más contacto, y le salió esta canción, que va sobre la pérdida, pero de una manera más [sutil].
Antes ya lo has comentado un poco pero, ¿por qué titular el disco (y la canción inicial) como ‘El fin del mundo’?
Fue un poco la chorrada de que se empezó en 2012, que era el año en que se tenía que acabar el mundo, según el calendario maya. De hecho, la canción se iba a llamar ‘2012’, pero cuando vimos que para el 2012 ya no iba a salir, la cambiamos. Es un poco la fantasía de entonces. Todo el mundo estaba con eso, me fui a ver ‘Melancolía’ de Lars Von Trier que… bueno… Estaba basada en ese ambiente.
«El fenómeno de la depresión me cuesta mucho entenderlo. He pasado muchos malos ratos pero, por suerte, se me pasan pronto. Entiendo que haya gente que le suceda, pero me costó muchos años comprenderlo»
Con el contrapunto de una melodía muy alegre.
Es lo que decía Peret: “es mejor reír que llorar”. El fenómeno de la depresión me cuesta mucho entenderlo. He pasado muchos malos ratos pero, por suerte, se me pasan pronto. Entiendo que haya gente que le suceda, pero me costó muchos años comprenderlo.
Cuéntame la historia de la batería inicial de ‘Ahora te quiero más’.
Hace un par de años empecé a escuchar a fondo bubblegum de finales de los sesenta y acabó influyéndome, quería hacer una canción así. Este tema, por cómo empieza, puede recordar al inicio de ‘Black Is Black’, pero el primer golpe es de otra canción de los Bravos, ‘Bring a Little Lovin’’, que empieza con un bajo y entonces entra la batería. Pero entra con un golpe de platillo que te tiembla todo. Hace poco me enteré de que había sido John Bonham de Led Zeppelin, que en esa época aún era músico de estudio, quien había tocado esa batería. Era un tío enorme, que usaba baquetas como árboles, otra dimensión de tocar la batería. Y como soy muy fetichista de los sesenta, le dije a Manel: “Manel, quiero que el primer golpe suene como este”.
Hablando de sonido, no sé si es a causa de Matt, pero por un lado os noto más… refinados, adultos (aunque no te guste la palabra), pero por otro incluso más frescos. Siendo el tercer disco y después de tantos años, ¿cómo se obra el milagro?
Pues mira, no lo sé. En la entrevista anterior en JENESAISPOP, el titular fue “si me viene algún pensamiento adulto, espero a que se me pase”… y fue al cabo de una semana o dos se me echó la madurez encima. Y yo pensaba: “¡a buenas horas voy y lo digo!”. De pronto empecé a ver mi vida anterior de otra manera, a pasar un poco de vergüenza póstuma por algunas cosas. Cosas que, cuando las haces, las ves como lo más justo y después, con el tiempo, piensas: “Dios mío pero, ¿por qué hice eso?”. Estuve un año en que mi madre no hacía más que encontrarme fotos antiguas y yo: “¡no, no! ¡No me las enseñes!, que ese día hice tal o dije cuál…”. Pero eso también lo superé. No sé si he madurado o no… puede que haya madurado y «desmadurado» otra vez. Ahora vuelvo a ser optimista ante todo. También pasan los años, claro. En la época de Los Fresones, aunque ya tuviera treinta y pico, estaba todavía viviendo y sintiendo muchas cosas, muchas emociones como si fueran la primera vez. Ahora no. Ahora ya estoy más resabiado.
«Los Fresones ahora en enero o febrero nos vamos a volver a separar, esta vez de buen rollo»
La gira de Cola Jet Set comienza el 12 de diciembre (en El Cau, Tarragona), pero luego no tenéis más fechas hasta febrero.
Otro de los problemas era no juntarse demasiado con lo de Los Fresones -que ahora en enero o febrero nos vamos a volver a separar, esta vez de buen rollo-. Estábamos pendientes de volver a México en diciembre. Al final la fecha se ha caído hará cosa de dos semanas y ya habíamos pasado todas las fechas de Cola Jet Set al año que viene, para que no se solaparan. Entonces pensé «a ver si encuentro una fecha para este año», una de precalentamiento. Empezaremos ahí y así podremos ajustar repertorio, veremos si la gente se aburre…
[En un momento aparte, Felipe me comenta que los conciertos de febrero en Madrid y Barcelona, junto con The School, pueden traer sorpresas; sección de cuerdas y quizás un invitado muy especial: “hemos descubierto que mi hijo de diez años es un crack tocando la viola, así que, quién sabe…”]
La reunión de Los Fresones Rebeldes originalmente fue solo para tocar en la fiesta del 25º aniversario de Subterfuge y se convirtió en un señor retorno.
Es que empezaron a llamar, a llovernos ofertas de todas partes… y ya hubo un primer conflicto. Nos juntamos para ese día, sin saber qué iba a pasar. A raíz de lo que nos ofrecieron, ya no estábamos de acuerdo -una vez más-, sobre si hacerlo o no hacerlo y nos volvimos a separar al cabo de una semana, súper mal. Pero poco a poco, hablando, logramos recomponer otra vez la relación. Nos pusimos de acuerdo (al menos cuatro) en afrontar todo esto. Y el quinto, que era Miguel, quedamos que vendría cuando pudiera, pero no le importaba que los demás siguiéramos. A partir de ahí nos dejamos llevar, salió lo de México, que fue un alucine absoluto. Se ve que en 2005 nos empezó a pinchar un locutor que se llama Carlos Andrade y, en emisoras alternativas, nos convirtió en grupo de culto, se vendían copias piratas de nuestros discos en los mercadillos… A finales del verano del año pasado nos enteramos de que había una demanda real y, en octubre, nos llamaron unos promotores de ahí. Fuimos para una fecha y tuvieron que ampliar al día siguiente porque se agotaron las entradas. A ver, no era el Estadio de Maracaná, sino una sala de 700 personas, pero se agotaron las entradas en seis horas.
Tampoco nos habíamos planteado nada, ni sacar un disco. Las canciones iban a ser siempre las treinta y pico que hicimos en la época. Esas canciones también nacieron en un momento vital de cada uno muy concreto. Lo pensamos, nos ofrecieron grabar algo nuevo, pero no ha sido posible. Sin repetirnos apenas, llevamos año y medio tocando. En enero, aunque no lo vamos a anunciar en plan nostálgico, haremos las últimas actuaciones. En Barcelona, en Madrid… y ya estamos a punto de echar el cierre. Total, que nos juntamos para un día y hemos estado un año y medio, pasándolo muy bien. También hemos aprendido por qué no vale la pena enfadarse.
En ‘Pequeño Circo’, el libro de Nando Cruz sobre la historia del indie en España, apareces en muchos capítulos, pero no solo como parte del fenómeno con Los Fresones Rebeldes, sino como fan. Leyéndolo, daba la sensación de que estabas en todos los eventos.
Me gusta la música. Los Canguros fueron del 86 al 88. Acabamos muy mal, yo acabé muy harto de la música. Estuve cinco años que salía muy poco de casa. Y a partir del 92-93, volví a empezar a salir. Entonces comenzaba el indie… el de los grupos en inglés, pero bueno. Había ya cosas como Penelope Trip, o aquí Las Sosas Caústicas, que a mí me captaron enseguida. Me enganché de público a lo que había. Muchas veces lo digo; aparte del presente, de las mejores épocas de mi vida fueron los cuatro o cinco años antes de Los Fresones, yendo al Serie B, a los primeros FIB, conociendo a mucha gente, que son la mayoría de los amigos que tengo ahora.
«Muchos grupos de ahora no sé si van a durar o no, me da la impresión de que no se lo toman demasiado en serio –que se lo pueden tomar como quieran, ¿eh?-. Por ejemplo, Las Aias: en el momento en que te enganchas, ya se han separado. Les sale una actuación en Japón ¡y ya solo van dos! ¿¿Qué tenían mejor que hacer que ir a Japón?? No veo muchas cosas que puedan durar»
Y de la nueva hornada indie, ¿tienes alguna banda favorita?
(Silencio, se queda pensativo) Tengo muy mala memoria… Gustarme, últimamente me han gustado mucho Doble Pletina, todos los de Chin-Chin! de Pamplona, los Ginkas sobre todo. Papá Topo también me gustan muchísimo, siempre que puedo voy a verles. No tengo el tiempo que tenía antes para estar al día de todo y, seguramente, hay cosas que suceden y no me entero. Y de algunas que me entero… Muchos grupos de ahora no sé si van a durar o no, me da la impresión de que no se lo toman demasiado en serio –que se lo pueden tomar como quieran, ¿eh?-. Por ejemplo, Las Aias: en el momento en que te enganchas, ya se han separado. Les sale una actuación en Japón ¡y ya solo van dos! ¿¿Qué tenían mejor que hacer que ir a Japón?? No veo muchas cosas que puedan durar. Pero ya te digo, ya no abarco todo como antes. La época del primer indie sí. Estaba soltero y, si no venía nadie a Barcelona, me cogía el coche y me iba a Madrid o a donde fuera, siempre detrás de la fiesta. Ahora ya no. Me tengo que guardar las noches de salir para cuando toco yo.
Para acabar, quería hablar sobre los atentados en París, llevo unos días afectada…
Estas cosas afectan. Yo me cogí una gastroenteritis el 11-M que me dejó postrado. Tocaban Belle and Sebastian el sábado y no fui, porque estaba pegado a la taza… Además, es lo que le decía a mi mujer, pasando esto que ha pasado, ya no te digo en París, lo de Túnez, lo siguiente, si van a por el turismo, los siguientes somos nosotros.
Bueno, yo lo comentaba porque, en otra entrevista tuya, te leí una frase que me gustó: “es posible que no merezca la pena apasionarse por algo que no sea la música”, y creo que viene a colación, aunque lo sacabas a relucir en relación a lo reacio que uno acaba siendo a discutir de política con la gente…
Lo volvería a decir ahora mismo, porque con el paso del tiempo, hay tantas cosas en las que has creído y luego resulta que eran un timo, que ya hoy en día puedes tener una opción política favorita, pero ya no te implicas tanto como antes, porque sabes que en cualquier momento puede salir que tampoco. Y piensas si realmente no hay cosas que están podridas, pero la música está siempre ahí. Como la botella no engaña, la música para mí siempre está ahí. En los peores momentos, la música me ayuda, me cura y me hace salir del agujero.
Odio París, que tanto nos engancharon allá por 2011 con singles como ‘Cuando nadie pone un disco’, ‘Uno de noviembre’ y ‘Ahora sabes’ (su debut homónimo terminó entre nuestros discos favoritos de aquel año), vuelven al fin con su segundo largo.
Hoy lo avanzamos en JENESAISPOP con el tema que abrirá el álbum, ‘Camposanto’, un single con el mismo potencial y la frescura de sus inicios y un estribillo pegajoso “haré que valga la pena” que emerge entre las ambientaciones a lo My Bloody Valentine habituales. Mención especial merece el despliegue de teclados, que siempre han interesado tanto al grupo.
Odio París han cambiado de formación y ya no cuentan con Àlex Marull al bajo. Eso sí, ahora han cambiado El Genio Equivocado por Mushroom Pillow, sello de Triángulo de amor bizarro y antes de Delorean, que publicará este nuevo ‘Cenizas y flores’ tan pronto como el 15 de enero. Entonces podremos comprobar si han encontrado «nuevas atmósferas pero sin perder fuzz» como nos prometieron hace un par de años. Mezcla Hans Kruger y ha masterizado Joe Lambert (Wild Nothing, The War on Drugs, Deerhunter). Os dejamos con el tracklist de lo nuevo de Odio París y el tema en cuestión.
1.-Camposanto
2.-El último deshielo
3.-En junio
4.-Geometría coaxial
5.-Destellos de ingravidez
6.-Cuando despierte tu cabeza
7.-Rendición
8.-Pura culpabilidad
9.-Arder y adiós
10.-Voy a salir
Dice Arca que su nuevo disco, ‘Mutant’, es el resultado de sí mismo enfrentándose a sus inseguridades y convirtiéndolas en «energía explosiva y fértil». En varias entrevistas, de hecho, Alejandro Ghersi indica que, mientras su álbum debut, ‘Xen‘, era un disco que exploraba su yo interior, ‘Mutant’ es más bien un trabajo «extrovertido» que conecta su música con el mundo real, algo perceptible en el álbum en el dinamismo con el que Arca ha abordado esta vez sus piezas, dotándolas de una propulsión y una fluidez absolutamente impredecibles.
Y no es para menos, pues el álbum cuenta hasta 20 pistas que, aunque breves en duración, han sido esculpidas al máximo detalle. Imposible de ignorar es, en este sentido, el tema que titula el álbum, un corte, como su misma cubierta, de hecho, lleno de protuberancias pero también de paisajes que explotan, desaparecen, se evaporan, y de capas que fluyen y se entrelazan con total gracilidad, formando estructuras ingrávidas por un lado y volcánicas por otro, que desembocan en una coda de coros hermosos y melodías celestiales, tan increíble de oír como suena. No extraña que sea el tema que da título al disco, como tampoco que sea la de Arca la cara de la criatura que aparece en la portada.
A rasgos generales, las 20 pistas de ‘Mutant’ ofrecen ideas similares pero los resultados no podrían ser más variados. ‘Vanity’, por ejemplo, es una espectacular confección donde una melodía percutida navega entre paisajes gelatinosos, mientras ‘Umbilical’ es directamente esquizofrénica. Por su parte, ‘Sever’ sumerge una melodía de harpiscordio en ambientaciones ásperas y ‘Anger’ hace lo mismo con melodías latinas. ‘Sinner’, en su lugar, incluye un arreglo de piano y varios cortes suman cacofonías vocales en las que Maja Ratkje podría ser una referencia, y los beats dislocados de ‘Enveloped’ ofrecen un refrescante guiño a la pista de baile.
Naturalmente, y como cabría esperar, Björk ha sido una gran inspiración en ‘Mutant’, algo evidente en la naturaleza eruptiva de las bases rítmicas, y a ella, cuyo último disco, ‘Vulnicura‘, Arca co-produjo, le dedica el músico ‘Snakes’, porque ambos son serpientes en el zodiaco chino. Por su exploración de las texturas digitales granuladas, cualquiera diría también, escuchando temas como ‘Hymns’, que Arca es bastante fan de Fennesz, en tanto que algunos números, por ejemplo el voluptuoso ‘Soichiro’, evocan (para bien) el surrealismo retrofuturista de Oneohtrix Point Never. Sin embargo, el mundo que crea Arca a través de todas estas influencias es personal y único.
El gran triunfo de ‘Mutant’, sin embargo, quizá sea el hecho de que, en su hora exacta de duración, apenas dé tregua u ofrezca momentos olvidables. Solo unos pocos cortes aquí, como ‘Beacon’ o ‘Extent’, contarían como relleno por desplegarse sin dejar marca, pero incluso momentos menores como ‘Gratitud’, poco más que una melodía de harpiscordio, merecen la pena o tienen algo interesante que decir, algo que solo puede explicarse con que ‘Mutant’ es el trabajo de un artista que se encuentra claramente en su momento de mayor efervescencia creativa. Si ‘Xen’ ya nos convenció, ‘Mutant’ es el golpe sobre la mesa que lo confirma como uno de los más elocuentes vanguardistas de la electrónica experimental actual.
Calificación: 8,2/10 Lo mejor: ‘Mutant’, ‘Vanity’, ‘Sever’, ‘Anger’, ‘Enveloped’, ‘Soichiro’ Te gustará si te gusta: Fennesz, Actress, Laurel Halo, Oneohtrix Point Never Escúchalo:Spotify
Alessia Cara, que ya tiene disco en el mercado y de hecho es top 9 ahora mismo en el Billboard 200, es una de las apuestas del ya casi mítico BBC Sound Of, que acaba de presentar sus nominados a artista revelación para 2016.
Entre los ganadores de otros años han destacado nombres como Adele, Mika, Keane, Haim, Sam Smith o Years & Years, por lo que la expectación por averiguar quién de todos estos nombres nuevos gana es tamaño Grammy. ¿Cómo es posible que acierten tanto? Muy fácil: la BBC pincha a los ganadores a saco durante todo el año a través de radios tan escuchadas e influyentes en Reino Unido como Radio 1 o Radio 2. ¿Cómo no van a convertirse así en hit el ganador de BBC Sound of 2016?
En la BBC podéis encontrar una descripción de cada artista, mientras que Disco Naiveté ha organizado ya una playlist de Spotify con todos ellos. El top 5 se revelará en enero.
Izzy Bizu
Blossoms
Alessia Cara
Loyle Carner
Frances
Jack Garratt
J Hus
Dua Lipa
Mabel
Billie Marten
Mura Masa
NAO
Rat Boy
Section Boyz
WSTRN
Carly Rae Jepsen está en el elenco de ‘Grease: Live’, que la FOX estrenará el próximo 31 de enero. ¿Tan mal le va a la cantante a pesar de la calidad de su segundo disco, ‘EMOTION‘? Pues sí, sí le va mal, pero no parece que la artista vaya a concentrarse en su carrera como actriz. Más bien parece un divertimento aislado. Curiosamente ya había participado en montajes de estudiantes tanto de ‘Grease’ como de ‘Annie’.
La versión televisiva de ‘Grease’, tras su paso por el cine y el teatro, se concibe como un «musical en directo» al que se dará salida con una versión nueva de ‘Grease (Is The Word)’ de Barry Gibb a cargo de Jessie J (!).
Recientemente se ha estrenado la primera promo, en la que podéis ver a Carly Rae Jepsen muy metida en su papel de Frenchy (que en la película original interpretaba Didi Conn, en parte con el pelo rosa), junto a otros actores como Vanessa Hudgens, Keke Palmer o Aaron Tveit.
Este próximo viernes 4 de diciembre se publica en España en vinilo y CD el disco de debut en solitario de Kristoffer Bolander, hasta ahora conocido por su trabajo al frente de la banda de folk alternativo Holmes. Su álbum en realidad ya podéis encontrarlo en las plataformas de streaming. El artista de origen sueco ha trabajado durante dos años en este disco llamado ‘I Forgive Nothing’, que ha titulado así como paráfrasis de la novela de Samuel Bequett ‘Malone Dies’, que tanto le ha inspirado.
Mientras la voz remite según la propia nota de prensa de Tapete Records al “clásico Neil Young”, otras referencias al analizar su música podrían ser Jónsi de Sigur Rós o James Vincent McMorrow, aquel muchacho que casi se nos hace rico el año pasado con motivo del anuncio de la Lotería de Navidad. Incluso los Pulp de ‘This Is Hardcore’ podrían asomarse en el final distorsionado de ‘Rooter’, mientras que Henry Mancini podría hacerlo en la bonita y cálida ‘Home’. El álbum ha sido grabado junto al productor Anders Lagerfors durante solo seis días y casi en directo.
Os dejamos con el corte titular, que tiene un vídeo en el que Kristoffer Bolander ha querido mostrar su pasión por la animación y las películas de terror, algo que quizá no habrías adivinado al escuchar su música.
Maccabees este año han publicado el notable ‘Marks to Prove It‘, del que destacábamos sobre todo el potencial de «dos grandes singles, como son el adrenalínico ‘Marks To Prove It‘, con guitarrazos, teclados y cambios de ritmo que parecen mirarse en The Who, y ‘Something Like Happiness‘, con esos coros brutales que la hacen perfecta para enardecer estadios». Ahora el grupo es la penúltima portada del NME con una entrevista con sus miembros por separado que finalmente puede leerse online. Se trata de un test en el que hablan de sus influencias, de los mejores conciertos que han visto, el primero al que fueron, etcétera.
Encontramos las esperables citas a los Strokes, a Arctic Monkeys, a Patti Smith… y finalmente Sam Doyle, baterista, nos sorprende con un mal recuerdo. ¿Cuál es el momento más terrorífico de su vida? Pasó en España: «Estuvimos a punto de morir en un accidente de autobús en España hace algunos años. Creo que nuestro conductor se quedó dormido al volante y chocó contra la mediana, tirando a todo el mundo de las literas y convirtiendo el autobús en chatarra. No nos pasó nada, pero podría haber sido mucho peor».
En cualquier caso, el grupo no le ha cogido miedo a actuar en nuestro país y nos visitarán el próximo mes de febrero: el 5 de febrero estarán en la Apolo de Barcelona y el 6 de febrero en La Riviera de Madrid. Los tickets están disponibles en entradas.com.
Os dejamos con los mencionados pelotazos y también con su último single, ‘Spit it Out’.
Sonorama ha dado este fin de semana una fiesta en el madrileño Teatro Barceló para presentar su programación 2016, que se desarrollará entre los días 11 y 14 de agosto.
Estas son las bandas confirmadas en esta tanda inicial. Como veis, se alterna de nuevo el pop independiente nacional (Tigres Leones, Ricardo Vicente) con grupos populares (Izal, Mucho, Love of Lesbian), algún nombre internacional (The Hives) y leyendas españolas. Donde antes vimos a Amaral o Raphael, ahora veremos a 091 y La Frontera. El punto de versatilidad definitiva lo pondrá Niño de Elche.
091
Barbott
Belize
Carlos Sadness
Clara Plath
Delorentos
Ellos
Igloo
Izal
KITAI
La Frontera (30 aniversario)
Love of Lesbian
Luis Brea y el Miedo
Miss Caffeina
Mucho
Niño de Elche
Ricardo Vicente
Second
SEÑORES
Shinova
The Bohicas
The Great Barrier
The Hives
The Purple Elephants
Tigres Leones