Ya hace cuatro años de ‘The King of Limbs‘ y nos habíamos olvidado por completo de que Thom Yorke había sacado un disco en solitario el año pasado. Sabíamos que Radiohead habían entrado a grabar algo en septiembre (de 2014), ¿pero qué pasó con aquel largo?
De momento no va a salir. Philip Selway, batería también conocido por su carrera en solitario, ha declarado que el proceso de grabación ha tenido idas y venidas, pero que está en su calendario apuntado a tiempo completo para el próximo mes de septiembre. En la entrevista resumida por Pitchfork no adelanta nada sobre el estilo de lo que llevan grabado, más bien habla del pasado.
Diplo, presente en el hit de Youtube ‘Bitch I’m Madonna‘, ha concedido una entrevista a Snatch en la que le preguntan si hay tensión sexual entre él y Madonna, lo cual es bastante lógico si tenemos en cuenta que él, por edad, es totalmente el target de ella, y en el último año, entre grabación de ‘Rebel Heart‘ y promoción en Grammys y televisión, no se han despegado. Aunque supuestamente él sale o ha salido con Katy Perry, Diplo en principio esquiva la pregunta pero termina contestando: «cuando trabajamos juntos, hay una vibración especial, incluso un poco sexual. Ya sabes, una relación de trabajo entre un hombre y una mujer. Fue divertido, guay. Ella es siempre muy sexual. Es Madonna, una mujer que lleva 30 años enseñando al mundo cómo ser sexy. Madonna fue increíble e incluso aunque no trabajemos más, seremos buenos amigos. Mi relación con Madonna es como la que tuve con M.I.A. o la que tendré con Sia. Me cuida, llevó a mi hijo al colegio. Hace cosas reales por mí. Cualquier cosa que me pida que haga, la haré. Creo en su música y quiero ayudarla. Es mi amiga».
En cuanto a la co-producción del disco, indica que Madonna le deja libertad, pero es muy meticulosa en los detalles finales. Sin embargo, a quien dedica gran parte de la entrevista es a Drake, al que critica por haberse limpiado los morros después de besarse con Madonna. «Realmente me sentí mal después de lo de Drake. Madonna a veces es sexy durante sus actuaciones y creo que quería hacer algo sexy con Drake e improvisó. Lo que él dijo después, que odiaba la cantidad de pintalabios que ella llevaba o lo que fuera, me hizo sentir mal por ella. Fue duro para ella. Es una mujer sexy, inteligente y revolucionaria al mismo tiempo. Ha sobrevivido en esta jungla 30 años explorando cada jodido género que hay. Ha tenido un impacto en todo el mundo. Para siempre. Ha vendido 300 millones de discos. No soy su representante. Ella sabe defenderse sola, pero a veces creo que debería tener un poco más de clase, pero al mismo tiempo cuando la tiene, nadie le presta atención».
¿Está hablando de su co-producción ‘Living for Love‘, quizá?
Diplo también recuerda que fue Drake quien la invitó al escenario y que está seguro de que besar a Madonna «no es tan desagradable». «Incluso beso a mi abuela en Año Nuevo. Es como esas fotos horribles de la Super Bowl de Beyoncé. Eso es lo único que la gente recuerda, pero yo todavía creo que la actuación con Drake fue increíble».
No es cuestión de ponerse exquisitos. Al cine de catástrofes siempre se ha ido a lo mismo: a disfrutar de la destrucción total sin el menor remordimiento. Nos encantaba de críos (lo único más divertido que hacer un castillo de arena en la playa era pisotearlo, especialmente si no era el tuyo); nos encanta en la actualidad (sabes que si pinchas cualquier vídeo en Youtube que trate de tsunamis o terremotos es probable que pierdas varias horas viendo vídeos relacionados); y nos encantará cuando nos hagamos viejos y pasemos las horas viendo cómo un grupo de obreros derriban cualquier edificio. Vivimos por y para la destrucción. No es vicio, es entretenimiento.
Sabiendo esto, a nadie le debería extrañar que cada vez que llega a la cartelera un nuevo título del género acudamos todos como moscas a comprar nuestra entrada. ¿En busca de qué? Ese es el verdadero misterio. Porque al menos antes estas películas se preocupaban de presentarte unos personajes por los que preocuparte durante todo el metraje, pero ahora, con los efectos especiales como único reclamo, ya no es necesario ni eso. Que ya puestos, digo yo, ¿por qué no pasar directamente de los actores y montar una catástrofe tras otra para ahorrarnos tiempo? Comienzas con una erupción, sigues con una grieta en una presa, llega la inundación. Cortas a un rascacielos que se cae. Otro más. Y otro. Y cientos. La marabunta de extras grita y corre por las calles. Un huracán sopla y un camión caído del cielo se estrella contra una ambulancia o un autobús escolar que corta el camino. Explosión. Unas olas gigantes arrasan un puente mítico. Cae un meteorito. El núcleo terrestre se enfría. Se apaga el Sol. Fin.
Algo de esto es lo que desearías que pasara cada vez que aparece alguien abriendo la boca en ‘San Andrés’, disaster movie que tiene tan poco que aportar al género que, en comparación, convierte a películas de Roland Emerich como ‘Independence Day’, ‘El día de mañana’ o ‘2012’ en verdaderos clásicos. Que sí, que los efectos especiales son la leche, pero nada que no hayamos visto antes. Y Dwayne ‘The Rock’ Johnson sigue bordando su triple papel de héroe de acción, padre y sufridor esposo todoterreno. Pero ni por esas. Al menos aquellos que odien a Kylie Minogue, que hace un pequeño cameo, saldrán contentos al ver su destino en el filme. Pero claro, ¿acaso alguien odia a Kylie? Pues eso. 2,5.
Seguimos conociendo avances del disco de Lana del Rey, previsto para el próximo mes de septiembre. Ya habíamos conocido la letra del tema titular, ‘Honeymoon’, y un fragmento del mismo. Un nuevo fragmento vuelve a revelar que será una balada bastante clásica.
La parte escogida es aquella en la que pronuncia la frase «We both know-that it’s not fashionable to love me».
Single, disco, vídeo… continúan sin fecha de edición.
‘Retorno a Lilifor’, con imitaciones seguramente súper actuales de Lady Gaga, J.K. Rowling o Spike Lee, y con gags como La Cinta VHS, Los Tertulianos o El Bonico, se emitirá a partir del próximo 29 de junio a las 22.00 en Neox.
Después de tres meses, la tercera edición de ‘La voz’ en nuestro país llegó anoche a su fin. Ganó el concurso el cordobés Antonio José, la apuesta de Antonio Orozco, que interpretó en la gala final ‘Aprendiz’ de Malú y después regresó al escenario para cantar ‘Tanto’ junto a Pablo Alborán. “Esto es lo más grande que ha pasado en la vida», aseguraba emocionado tras conocer que había ganado el concurso. «Los que me conocen saben lo que he luchado y no sería nada si no fuera por mis padres y mis amigos”.
Antonio José no es un extraño a los «talent shows», pues en 2005, con 11 años, representó a España en el festival Eurojunior con ‘Te traigo flores’, quedando segundo. Tampoco es el primer concursante de Eurojunior que logra el éxito años después ya que Dani Fernández de Auryn, hoy la boyband más exitosa de España, concursó en la última edición del festival celebrada en 2006.
Completaron el podio Marcos, el talent de Alejandro Sanz, que quedó segundo; Maverick, el talent de Laura Pausini, que quedó tercero; y Joaquín, la apuesta de Malú, que quedó cuarto.
Antonio José, como prometió si ganaba, se rapó el pelo en directo. Qué buena idea para empezar tu carrera, amigo…
Airbag, uno de los grupos de power pop más representativos del país, han vuelto cuatro años después de ‘Manual de montaña rusa‘, de mano de Sony. A pesar de que en este disco no hay colaboraciones de tanto renombre como aquella con Nena Daconte, hace unas semanas el trío lograba colarse en la lista de ventas española como muestra de la fidelidad de un público que les ha seguido desde hace más de una década. ‘Gotham te necesita’, grabado durante una semana justa, en concreto la que fue del día 16 de enero al 22, pretende captar sensaciones como la frescura y la urgencia esperables de su estilo, después de que les abrumara que el disco anterior les llevara grabarlo -ejem- 14 días en lugar de 7.
Bromas aparte, Adolfo Díaz ha contado en las entrevistas promocionales que ve este álbum «como mezcla de todos los discos anteriores», englobando «todo lo hecho hasta ahora, incluso recuperando algún ritmo frenético de la primera época» que hacía mucho que no hacían. Posiblemente se refiera con esto último a la aceleradísima ‘Rompes de nuevo’, mientras que en lo que respecta a su variedad no faltan por supuesto las reconocidas inspiraciones en Ramones y Weezer, también en Beach Boys en los cuidados coros que abren ‘Todo está bien’ o cierran ‘Gran caimán’ y en guiños a los Shadows en un disco que vuelve a terminar con un número tan surfero y pegajoso como ‘Mystery Spot’.
La temática continúa oscilando entre el pandillismo («a veces escuchaba el rumor de que te juntabas con lo peor»), la nostalgia (‘Un año después’), las múltiples citas iconográficas («la misma camiseta de U2» en esta canción, ‘Kill Bill’ inunda ‘Matar a Bill’, «de nuevo pondrán Grease después de comer y seguro que la volverás a ver» en ‘Gotham’) y los retratos costumbristas (‘La bomba de neutrones’) y no tan costumbristas, pues “cuando me iban a lanzar desde Cabo Cañaveral” no es algo que le pase a cualquiera todos los días. En cualquier caso, la astronomía y las relaciones de pareja también dejan paso a cierta crítica contra el ostracismo y el álbum se abre con ‘Hijos de Hawaii’, que incluye frases como «no vayáis a un festival, no leáis un libro nunca más», «hijos de Hawaii, quién os da el dinero que gastáis» o «todo lo que hacéis, 24 horas con la Play».
No, Airbag no se han pasado a la crítica social, pero entre gracietas líricas, desamores (ese «para comprobar si es verdad que me has dejado de importar» de ‘La vuelta a la manzana’), fidelidad a su estilo y trucos como el de la pegajosa cuenta atrás de ‘Marcas en la hierba’ han vuelto a marcarse con el productor Carlos Hernández (Triángulo de amor bizarro, Los Planetas, Australian Blonde) un disco que sus seguidores, que llevaban cuatro años esperándoles, podrán disfrutar otro verano.
Airbag tocan este viernes 26 de junio en Madrid. Entradas, aquí.
Calificación: 6,5/10 Destacadas: ‘Hijos de Hawaii’, ‘La bomba de neutrones’, ‘Marcas en la hierba’, ‘Todo está bien’, ‘Gran caimán’ Te gustará si te gustan: Los Nikis, Los Acusicas, Los Vegetales, ya tú sabes Escúchalo: Spotify
Courtney Love pudo no haber encontrado el avión perdido en Malasia, pero sí ha estado metida de lleno entre las protestas de los taxistas contra la firma americana Uber, que pretende extender sus servicios de geolocalización de la App UberPOP a Marsella, Estrasburgo y Nantes. Ya sabéis cómo son los franceses cuando se ponen, así que han tomado las calles y en medio han pillado a la líder de Hole.
Courtney ha relatado a través de las redes sociales cómo su taxista fue tomado como rehén. «Están golpeando los coches con bates de metal. ¿Esto es Francia? Estaría más segura en Baghdad». Además, increpaba: «François Hollande, ¿es legal que tu gente ataque a los turistas? Pero ya al jodido aeropuerto». También citaba a Kanye West, que está por allí.
La artista ha acudido también a Facebook para desahogarse: «¿Cómo es posible que se le permita a esta gente hacer esto? El primer coche ha sido destruido, ha sido arrasado y golpeado con bates. ¿Estos tíos están intentando abrir las puertas y la policía no hace nada? ¿Talibanes franceses? ¿Una reforma civil es necesaria en Francia? Quiero irme a casa».
Si estáis preocupados por ella, tranquilos, es una mujer fuerte y puede con cientos de manifestantes armados con bates y más: ha logrado escapar con dos motoristas, a los que ha pagado, posando triunfal con ellos después.
how on earth are these people allowed to do this? the first car was destroyed, all tires slashed and beat with bats, …
Unos días después del estreno del audio, nos llega el vídeo del trallazo discotequero ‘Los vampiros’, adelanto de lo nuevo de Dënver, los autores del fantástico ‘Música. Gramática. Gimnasia‘, que por suerte continúan con su carrera tras un brevísimo amago de separación.
Bernardo Quesney, que acaba de estrenar la película ‘Desastres naturales’, ha ilustrado esta historia de horror, serie B y criaturas mitológicas. Como apunta la nota de prensa, “oscura, como la propia canción”, vemos “una orgía de cuerpos aceitados, sexualidad, sudor y sangre”. Los actores Juan Carlos Robinson, Sebastian Fuentes y Steevens Benjamin nos sitúan en una discoteca deliberadamente noventera, cuya sordidez está en perfecta sintonía con la letra de la canción. El propio Milton y la propia Mariana nos contestan unas breves preguntas sobre el vídeo:
¿Habéis decidido vosotros la temática del vídeo o habéis dejado libertad a Bernardo Quesney?
Milton Mahan: «Es un tributo a la telenovela brasileña ‘El Clon’, que es la mejor novela que se ha hecho en la televisión, eso y la masculinidad eran las únicas indicaciones que había, el resto lo ha hilvanado Bernardo.
¿Qué os parece el resultado? ¿Es uno de vuestros mejores vídeos, en vuestra opinión, o es una obra más bien modesta y sin muchas pretensiones?
Mi: «El resultado me parece escalofriante. Los hombres aceitados en medio del humo rojo me da la sensación de que están en el infierno. El concepto del deseo contenido por el cuerpo, la noche y lo que esta oculta para mí quedaron perfectamente graficados en el trabajo de Bernardo».
Mariana Montenegro: «Me gustó mucho el resultado. En casi todos los videos nuestra aparición, si es que la había, era muy casual y corta. Con ‘Profundidad de campo’ ya empezamos a explorar eso de salir en un video mirando a la cámara, cantando, bailando, etc, a modo de cita a los shows televisivos de los setenta. En el caso de este video, desarrollamos mucho más esto e intentamos hacer algo más pop y más formato tradicional videoclip, vinculado a los noventa. Siento que experimentamos con un formato que no habíamos probado del todo antes y que sí resultó; esto lo hace más valioso para mí».
El tema de Los Vampiros es un tanto serie B, ¿pero queríais reincidir en esa vía en el vídeo o queríais montar algo completamente diferente?
Mi: «Para mí video y canción son sólo uno, de hecho teníamos la duda de si sacar en conjunto el video con la canción. Finalmente no coincidió, pero creo que la fantasía que busca crear la canción termina de cerrarse con el video».
Ma: «Siento que este es el video que más ha representado una canción nuestra y claro, esa fue la intención; se eligieron ciertos conceptos importantes de la letra y se llevaron al video, lo mismo con el sonido más sintético, que se llevó a una visualidad más plástica».
«En el próximo disco abarcamos muchos tipos de canciones, que varían en el estilo, en el sonido, en la intención, etc. Hay más canciones como esta, pero hay muchas otras totalmente distintas»
¿Esta canción es indicativa de lo que encontraremos en el próximo disco? En caso negativo, ¿qué podemos esperar?
Mi: «En lo particular siento que no. Es un álbum con diversas sonoridades, distintas intenciones pop. Yo veo este disco como un collage que se fue armando de a poco y de pronto tomó una forma que tal vez será sugerida sólo por el orden. Queríamos salirnos del disco conceptual redondo donde todo cierra. Finalmente, y aunque sea por asociación, si pones dos ideas enfrentadas se generará una tercera que puede ser, o sugerida, o sencillamente inventada por quien las conecta. Como esos mixtapes que uno se armaba de pequeño en cassettes grabando de la radio, que de tanto oírlos te aprendías hasta los errores de la grabación, y para ti todas las canciones registradas tenían un sentido y formabas tu propio álbum».
Ma: «Como siempre, en este disco abarcamos muchos tipos de canciones, que varían en el estilo, en el sonido, en la intención, etc. Hay más canciones como esta, pero hay muchas otras totalmente distintas, aunque, en general, podríamos enmarcarlas dentro de una estética noventera».
JENESAISPOP estrena este vídeo poco antes de que arranque una pequeña gira que les llevará por Estados Unidos y México. El álbum ‘Sangre cita’ será editado por su propio sello, Precordillera.
7 de julio Rough Trade, Brooklyn, NYC
10 de julio Ruido Fest, Chicago
16 de julio Tijuana, Mexico
19 de julio Pomona, Los Angeles
Santander Music anuncia hoy su cartel por días. El jueves 30 de julio actuarán Supersubmarina, L.A., Black Yaya, Carlos Sadness y Cycle, con el dj set de Javiera Mena.
La segunda noche de Santander Music, el viernes 31 de julio, las estrellas serán La Roux, Satellite Stories, Niños Mutantes, Is Tropical y Dorian, además del dj set de Vinila Von Bismark.
El festival cerrará su séptima edición el sábado 1 de agosto, ofreciendo las actuaciones de bandas como Crystal Fighters, Neuman, Belako, Xoel López y Nasty Mondays. El Dj set de esta jornada será el tándem formado por Bimba Bosé y Charlie Centa.
Los abonos para Santander Music 2015 están a la venta al precio de 50 €. El festival ofrece también su zona de acampada oficial al precio añadido de 15 € más. Santander Music también pone a la venta las entradas individuales para cada jornada al precio de 30 €. Más información en la web oficial.
Nero se están tomando con mucha calma la promoción de su próximo disco. ‘Between II Worlds’ saldrá a la venta el 24 de agosto y como posiblemente ya nadie se acuerde del primer avance del disco y de otros que han ido estrenando, el trío presenta un nuevo tema y lo anuncia como el segundo sencillo oficial de este nuevo trabajo.
‘Two Minds’ es el título de la canción en la que los británicos se entregan una vez más al pop recubierto de electrónica que tan bien les funcionó en su primer trabajo, ‘Welcome Reality‘.
Después de pasárselo pipa con Madonna en el show de Jimmy Fallon, Diplo vuelve al mítico programa para ofrecer un directo de su verdadero pelotazo mundial ahora mismo, obviamente ‘Lean On‘, top 2 hasta en España.
Diplo toca la guitarra mientras animan la actuación músicos y bailarines en directo. No ha faltado por supuesto la cantante Mø y este debería ser el empuje definitivo para la canción en Estados Unidos, donde de momento «solo» es puesto 17.
Os recordamos que Major Lazer y Mø interpretarán ‘Lean On’ (más que probablemente) en Benicàssim, pero por separado. Mø actúa en el FIB en julio y Major Lazer lo harán un mes después en el Rototom.
Sean Nicholas Savage continuará con su ajetreada carrera de discos, discos y más discos, con ‘Other Death’. El disco que sucederá a ‘Bermuda Waterfalls‘ saldrá el 18 de septiembre y viene presentado por otro número de R&B lo-fi marca de la casa llamado ‘Casablanca’. Nite Jewel y TOPS serán los invitados del largo.
Repasamos algunas de las apuestas obvias y no tan obvias destacadas de la próxima edición de Mulafest, a celebrarse del 25 al 29 de junio en Madrid. Ofrecerán actuaciones imperdibles Jon Hopkins, SOPHIE o Hudson Mohawke, entre otros.
Dos «Jons» destacan este año en el cartel de Mulafest. El primero es Jon Hopkins, meticuloso escultor de música electrónica que aúna excelentemente energía rompepistas y ambient sombrío en canciones tan espectaculares como ‘Open Eye Signal’, incluida en el notable ‘Immunity‘, y todo un ejercicio de saber hacer, elegancia y sofisticación sonora a los mandos. Hopkins es además compositor de bandas sonoras (particularmente espectacular es su trabajo para ‘Monsters‘, la película de 2010 de Gareth Edwards) y ha producido, entre otros, a Coldplay, además de remezclado a gente como David Lynch, Moderat o Purity Ring.
El segundo «Jon» es oriundo de Barcelona. Hablamos por supuesto de John Talabot, cuya versátil propuesta capaz de aunar house, funk, disco, tropicalia y demás sonidos como los encontrados en su excelente álbum debut, ‘ƒIN‘, lograba hace varias temporadas gran repercusión internacional. El productor, de nombre Oriol Riverola, ofrecerá un «DJ Set» que imaginamos se parecerá algo a su selección para ‘DJ Kicks’.
Evidentemente otra de las obviedades en la programación de Mulafest de este año es Hudson Mohawke, hoy una estrella de la electrónica tras haber producido a gente como Kanye West, John Legend o Drake. Sus paisajes afilados y rugosos beats hip-hop han atraído también a artistas como Antony Hegarty, Miguel o Jhené Aiko, que aportan voces en el último álbum del productor escocés, ‘Lantern‘, todo una lección de estilo que no nos extrañaría continuara llamando la atención de más estrellas del pop en el futuro.
A quien ya asociamos con las superestrellas es a SOPHIE, genio de PC Music al que contra todo pronóstico finalmente no podemos atribuir labores de co-producción pero sí co-autoría en el último single de Madonna, ‘Bitch I’m Madonna’ y que, con la tontería, se ha hecho casi igual de famoso que su amigo Diplo. De él hemos escuchado pepinazos de electropop de plástico como ‘Lemonade’, ‘Blipp’ o ‘Hard’, y de él, también, esperamos uno de los directos más divertidos de Mulafest.
Ya solo por lo raro que es que nos visiten, el concierto de Rhye en Mulafest 2015 es uno de los que ningún asistente al festival debería perderse. Su elegante propuesta de R&B contemporáneo, materializada el año pasado en su notable álbum debut, ‘Woman‘, ha encandilado a millones, y canciones tan buenas como ‘Open’ o ‘Last Dance’ prometen sofocar al público de lo lindo con su natural sensualidad. Ya que D’Angelo no viene, al menos tenemos a Rhye, que tampoco está nada mal.
Uno de los grupos de electrónica más singulares del momento, Mount Kimbie, conforman otra de las apuestas imperdibles del festival. Su moderno sonido post-dubstep les ha llevado a editar dos discos tan interesantes y llenos de matices y paisajes subyugantes como ‘Crooks & Lovers’ y ‘Cold Spring Fault Less Youth’, en el que, por primera vez, aportaban sus voces ellos mismos, además de King Krule.
Tan obvia como efectiva es la propuesta de 2manydjs, el proyecto de los hermanos David y Stephen Dewaele -también tras Soulwax- y una de las apuestas de Mulafest que más público promete generar dada la conocida calidad de sus espectaculares sesiones. La última vez que les vimos, como siempre, no decepcionaron, como tampoco decepcionará el set de Is Tropical, en el que a buen seguro sonarán temazos como ese ‘Dancing Anymore’ incluido en ‘I’m Leaving‘ que ya es todo un clásico contemporáneo.
Después hay apuestas menos evidentes en la programación de Mulafest 2015 que no por ello son menos imperdibles. Es el caso del colectivo hip-hop Pxxr Gvng («poor gang»), los Chichos de la era YouTube. El grupo estrenaba hace unas semanas ‘Tu coño es mi droga’, otro de sus cortes trap de letra irreverente y grosera marca de la casa. Otro éxito para su envidiable repertorio de hits, entre los que encontramos ‘Como el agua’.
Dos músicos de electrónica internacionales al alza son Evian Christ y Fono. Del primero ya os hablamos en nuestro dossier sobre la letra pequeña del Sónar (aquí la reseña de este festival). Se trata del inglés Joshua Leary, cuyas abrasivas producciones de hip-hop industrial han conquistado al mismísimo Kanye West. La base de ‘I’m In It’, uno de los cortes de ‘Yeezus‘, es de Christ. El músico es autor del EP ‘Waterfall’, disponible en Spotify y un documento ideal de lo que es capaz de hacer Christ tras las maquinitas. Promete uno de los directos más contundentes.
Por su parte, Fono es la promesa electrónica más joven de esta lista. Es de Brighton, cuenta 21 años y su pegadizo himno festivalero ‘Real Joy’ coronaba recientemente las listas dance de BBC Radio 1. Mulafest describe su ecléctico directo como «auténticas masterclass de cómo despuntar al margen de patrones rítmicos pegadizos y sintetizadores en bucle». Skream es fan.
A la distribuidora española de la película de animación ‘Los Minions’ se les ha ocurrido la brillante idea de versionar el clásico ‘Mellow Yellow’ de Donovan y para ello han escogido a Abraham Mateo. Antes de poner el grito en el cielo por el atentado, disfrutemos del descuido que han tenido los responsables de promocionar la película poniendo a Mateo a cantar una canción que su autor original ha aclarado en varias ocasiones que habla de la masturbación con vibradores. Y con eso en mente ya podemos tener risas para todo el fin de semana escuchando al chaval poniendo voz a la canción y viendo el videoclip.
The Jon Spencer Blues Explosion sacaron nuevo disco en marzo, ‘Freedom Tower – No Wave Dance Party 2015′, el primero desde su disco de rarezas ‘Jukebox Explosion’, editado en 2007.
Hoy, la banda de rock’n’roll neoyorquina, autora de discos clásicos de los 90 como ‘Extra Width’ o ‘Now I Got Worry’, ha anunciado gira por nuestro país. Son tres fechas en noviembre que les llevarán primero el día 6 a la sala Santana 27 de Bilbao, el 7 a la sala Joy Eslava de Madrid y el 8 de noviembre a la sala Bikini de Barcelona. Las entradas ya están disponibles.
Os dejamos con uno de los singles de su último disco, ‘Betty vs. the NYPD’:
Son Lux, el inclasificable proyecto de Ryan Lott junto a Ian Chang (batería) y Rafiq Bhatia (guitarra), ha anunciado un par de fechas en nuestro país en presentación de su último disco, ‘Bones’.
La banda, que ya estuvo el año pasado en Barcelona presentando su disco ‘Laterns’ cuando era el proyecto en solitario de Lott -y colaboraba posteriormente con Lorde– nos visitará el 18 de noviembre en La [2] de Apolo de Barcelona y el 19 de noviembre en la Sala Cats de Madrid. Las entradas ya están disponibles.
Son Lux es una de las formaciones más interesantes de la actualidad gracias a sus canciones pop envueltas en extraños y complejos paisajes electro-acústicos. Una de ellas es el single ‘Change Is Everything’, con la que os dejamos.
El compositor James Horner fallecía esta misma semana y casi todos los titulares se limitaban a recordarle por haber sido el autor del ‘My Heart Will Go On’ junto al letrista Will Jennings. Cierto es que la película de James Cameron le proporcionaría al compositor sus dos únicos Oscars, pero aparte de eso, Horner fue el autor de algunas bandas sonoras ya míticas de la historia del cine reciente.
Criticado toda su carrera por los “préstamos” que hacía de compositores clásicos, fue autor de estas 10 piezas clave que recordamos a modo de homenaje.
10.-‘Star Trek II: La Ira de Khan’
Empecemos por el principio. El trabajo para la segunda de las películas que adaptaban la famosa serie de televisión fue la primera gran producción para la que trabajaba Horner. Tener que sustituir a Jerry Goldsmith, autor de la música de la primera parte, no era trabajo fácil. Horner optaba por repetir el estilo de John Williams, que por aquella época reinaba en todo el mundo con ‘La Guerra de las Galaxias’.
9.-‘Cocoon’
En 1985 ponía música a esta mítica película dirigida por Ron Howard que fue un éxito ese mismo año y cuyo tema principal se quedaría en la memoria colectiva durante años. Horner volvería a repetir en la secuela 3 años después.
8.-‘Aliens’
La primera colaboración con James Cameron le proporcionaría su primera nominación al Oscar. Debido al modo de trabajo del director y la tensa relación entre ellos, Horner pensó que nunca volverían a trabajar juntos. De hecho, no coincidirían hasta una década después. El Oscar se lo llevaría el mítico Herbie Hancock por ‘Alrededor de la Medianoche’.
7.-‘Willow’
Otro título mítico que se apuntaba el compositor, no sin recibir duras críticas por inspirarse excesivamente en obras de Mozart, Béla Bartók, Robert Schumann o Sergei Prokofiev. Sea como sea, la obra del compositor ha quedado ligada a las fantásticas aventuras de Willow.
6.-‘Campo de Sueños’
Su segunda nominación al Oscar era por componer la partitura de esta historia que protagonizaba un jovencísimo Kevin Costner. La película fue un éxito y su música siempre nos traerá a la mente aquello de “Si lo construyes, vendrá”.
5.-‘Fievel y el Nuevo Mundo’
Su primera nominación en la categoría de Mejor Canción Original era con ‘Somewhere Out There’ para la que posiblemente sea la película de animación más deprimente de la historia. El tema en español, ‘Allá Fuera’, es un todo un clásico que aún pone los pelos de punta a toda una generación.
4.-‘Avatar’
Su última nominación al Oscar fue en 2009 con la banda sonora de ‘Avatar’, una vez más para James Cameron. El premio se lo llevaba ese año Michael Giacchino por ‘Up’, pero con lo que recaudó la película de Cameron poco debió importarle. El director habló en varias ocasiones de la intención de que fuese Horner quien pusiera música a las dos secuelas que planea rodar. Ahora nos queda la incógnita de saber quién le sustituirá. Leona Lewis cantaba la canción de la película, también compuesta por Horner.
3.-‘Una Mente Maravillosa’
Ron Howard volvía a recurrir al compositor con uno de sus trabajos más personales y que arrasaría en los premios de la Academia de ese año. Horner se tenía con consolar con una nominación en la categoría correspondiente.
2.-‘Braveheart’
Posiblemente, si no existiese ‘Titanic’, todo el mundo se habría acordado de su trabajo para la cinta que dirigía Mel Gibson en 1995 y que arrasaba en taquilla y en los Oscars de ese año. La del compositor era una de las 10 nominaciones que conseguía el filme, aunque sin premio. Aun así, es una de las bandas sonoras más vendidas de la historia.
1.-‘Titanic’
La película de James Cameron le daría sus dos únicos Oscars, tanto por la partitura como por la canción que interpretaba Céline Dion. Convertido en sinónimo de lo cursi, el tema se llevaba también tres Grammy ese mismo año y se convertía en uno de los sencillos más vendidos de la historia. Además, se ha quedado como la canción de más éxito de su intérprete, una Céline Dion que no consiguió levantar cabeza después de esto.
Mogwai no son los únicos que celebran este año su 20 aniversario. También es el cumpleaños de Mercromina, cuyo primera referencia discográfica, el EP ‘Ciencia ficción’, salió en 1995 y propulsó una de las carreras más admiradas del indie español al margen de Surfin’ Bichos.
A modo de celebración, el grupo de Joaquín Pascual y compañía ha regrabado las canciones que conformaban este EP, ‘Ciencia ficción’ y ‘Alicia’, y ha anunciado hoy su salida en edición limitada a 500 copias. El disco ya está disponible en formato digital y físico. Puedes escuchar ambas reinterpretaciones a continuación.
Esta es la agenda de próximos conciertos de Mercromina en nuestro país. Sí, son sorpresa en Contempopránea.
25 de julio – Contempopranea – Alburquerque (Badajoz)
31 de julio – Nocturama – Sevilla
1 de agosto – Vértigo Estival Festival de Música Independiente – Martos (Jaén)
14/15 Agosto – Sonorama Ribera – Aranda de Duero
12 de septiembre – Q Festival – Alzira (Valencia)
3 de octubre – Madrid – Ochoymedio Club
Se acerca el primer disco de Soléa Morente, ‘Tendrá que haber un camino’. Si hace unos días escuchábamos la composición de Jota de Los Planetas para la cantante, la fantástica ‘La ciudad de los gitanos‘, ahora es el turno de oír qué le ha compuesto a la hija del añorado Enrique Morente La Bien Querida. El resultado es ‘Nochecita sanjuanera’ y no tardarás en oír en ella los rasgos distintivos de las canciones de Ana Fernández Villaverde.
El tema, además de con Villaverde, ha contado también con las contribuciones del propio hermano de Morente, que hace palmas, y con Jaime Beltrán de Pájaro Jack. “Nos conocimos en el estudio de J y le enseñé la canción», cuenta Morente. «Allí la grabamos y allí surgió esta alianza artística que tan buen resultado nos está dando”.
Se espera que ‘Tendrá que haber un camino’ salga en septiembre a través del sello El Volcán Música. De momento, el 12» de ‘La ciudad de los gitanos’ y ‘Nochecita sanjuanera’ ya está disponible en formato digital y lo estará también en vinilo el próximo mes de julio.
El pasado mes de mayo Nicolas Jaar estrenaba en internet los audios de ‘Nymphs II‘, su nuevo 12″. A espera de que se produzca la salida de su edición física el próximo 29 de junio, el productor, últimamente también en los ya extintos Darkside, ha decidido regalar un nuevo disco a través de Twitter.
Se trata ‘Pomegranates’, una banda sonora alternativa para la película soviética de 1969 ‘El color de las granadas’, dirigida por Sergei Parajanov. Jaar apunta no obstante en una nota incluida en el archivo de descarga que en realidad compuso la gran parte del disco antes de ver la película pero que, cuando la vio, consideró que «la estética [de la película] casaba totalmente con las ideas extrañas con las que he estado obsesionado en el último par de años».
Se espera que ‘Pomegranates’ salga en algún momento en vinilo a través del propio sello de Jaar, Other People, el mismo que editaba el año pasado la deliciosa ‘Don’t Tell Me’ de Just Friends, el proyecto de Jaar junto a Sasha Spielberg (hija del director Steven Spielberg e integrante de Wardell). Os avisamos que la descarga es automática.
Shia LaBeouf sigue alimentando la leyenda de tío complicado con su última hazaña. Según informan hoy desde Variety, el actor tuvo que ser hospitalizado después de realizar una escena en la que atravesaba un cristal. El título de la película que se encuentra rodando es ‘American Honey’, y después de ofrecerse para realizar la acción él mismo, sin la asistencia de un doble, el actor sufrió cortes en la cabeza y una de sus manos que necesitaron varios puntos de sutura para curar las heridas.
Los productores de la película ya se han encargado de anunciar que el actor se encuentra en perfecto estado y que los daños sufridos han sido «mínimos», así como que retomará el rodaje hoy mismo.
Título: ‘Stolen Voices’
Artista: White Label
Sello: White Label (2011)
El título no deja lugar a dudas: voces robadas. Voces de artistas conocidos, y por tanto con problemas de copyright, aunque provengan casi todas de maquetas, clips en directo u otras rarezas. Y sin embargo han pasado más de diez años desde aquel ‘Grey Album’ de Danger Mouse y su polémica con la EMI y parece que las compañías se toman ya este tipo de experimentos de otra manera. O quizá simplemente este ‘Stolen Voices’ no puso en marcha a los departamentos legales de ninguna multinacional porque no tuvo el impacto global de aquello que el NME describió en 2004 como “el gran disco vanguardista del milenio”. Sea como fuere, precisamente por ese impacto moderado revisitamos hoy aquí este interesante experimento musical, vanguardista también y con un giro más creativo, si cabe.
El músico británico Steve Augley está detrás de la idea, que llegó a tener edición en vinilo, en formato -obviamente- “white label” (“¡meta!”), es decir, en tirada pequeña y con la etiqueta del vinilo en blanco, al estilo de ese tipo de discos que por ser una prueba de máster o simplemente por contener remezclas de material legalmente dudoso se prensan sin información. No es algo nuevo, pero cierto es que en la última década han florecido especialmente este tipo de pequeñas tiradas con remezclas de baile o adaptaciones reggae que incluían “voces robadas”, algunas tan brillantes como el ‘Reggae Rigby’ de Loo & Placido (The Beatles) o el ‘What’s Going On Bumpin’ Remix’ (Marvin Gaye). Pero el disco que hoy nos ocupa es diferente: mientras que el 99% de estas recreaciones son simples remixes, o mashups del fondo instrumental de una canción y la voz original de otra, lo que Augley hizo fue montar una banda para grabar nuevas instrumentaciones que acompañasen a las voces originales. La idea lleva pues el concepto de mashup o de remezcla un paso más adelante, porque pretende enriquecer la voz preexistente con un nuevo background musical, interpretado expresamente para recolocarla en un contexto nuevo. Además, para evitar jugar con voces y melodías ya trilladas, la otra premisa del proyecto era utilizar voces provenientes de demos y grabaciones raras. Y lo que podría haberse quedado en un experimento curioso, una mera ocurrencia, dio sin embargo como resultado uno de los discos más brillantes de 2011.
‘Stolen Voices’ se abre con ‘Jean 1’, y mantendrá esa modalidad de títulos durante el resto del LP, en misteriosa alusión al nombre de pila del artista “robado” y sin especificar el título de la canción original. Jean no es otra que Jean Terrell de las Supremes, cuya voz fue extraída para este tema de un “album track” de su disco de 1972 producido por Jimmy Webb, la canción ‘5:30 Plane’, que White Label recrean transportándola de su arreglo midtempo original a un estilo más Northern Soul, con instrumentación más contundente y un precioso vibráfono. Un comienzo correcto, pero lo mejor está por venir… la magia empieza a partir de ‘Todd’, que eleva ‘The Ballad (Denny And Jenny)’ de Todd Rundgren a un plano onírico que la original quizá dejaba entrever pero que no llegaba a realizar completamente. Pianos hipnóticamente arpegiados, guitarra acústica, interludios de batería y arpegiadores de sintetizador, además de una preciosa guitarra eléctrica, acompañan a la voz de Todd, extraída de una versión en directo de la canción, grabada en el Fox Theatre de California en 1971:
La voz, a pesar de estar sacada de un viejo clip de Youtube, funciona perfectamente. Anthony, uno de los miembros de White Label, nos comentaba por e-mail lo siguiente: “sí, sacamos casi todas las voces de canciones de Youtube y después pasamos muchísimo tiempo filtrándolas para aislarlas, y cambiando la velocidad para que encajasen en el tiempo”.
‘John 1’ se inicia con similares pianos arpegiados. La melodía no deja lugar a dudas desde el mismo comienzo: se trata de ‘Child of Nature’ de John Lennon, la versión primigenia de ‘Jealous Guy’, una maqueta grabada en 1968 durante el viaje de los Beatles a la India. Podría decirse que el arreglo (piano, guitarra con trémolo y detalles de batería) no es especialmente inventivo (aparte de un puente completamente nuevo), pero precisamente uno de los aciertos de este disco es la sutileza de sus revisiones. A veces no es necesario dar a una canción un giro de 180º grados para mirarla bajo otra luz, en este caso de nuevo con un cierto prisma onírico y ambiental. ‘John 1’ es también una canción que muestra lo lejos que ha llegado la tecnología en cuestión de manipulación del sonido: al oírla se acuerda uno de los dos polémicos singles de los Beatles de 1995/96 (‘Free As A Bird’, ‘Real Love’), en los que la voz de John Lennon, resucitada de viejas demos y remusicada, sonaba como una borrosa psicofonía aplastada por las características baterías de Jeff Lynne. Quince años más tarde White Label, armados de un editor de sonido al alcance de cualquiera, lograban aislar y filtrar la voz de una demo similar con mucha más claridad.
El momento cumbre de la cara A es posiblemente ‘Jimmy’, una recreación del ya legendario ‘Sycamore Trees’ de Jimmy Scott, de la BSO de Twin Peaks. Pretender inyectar un aire más inquietante a tan ominosa pieza habría sido imposible, y sin embargo el resultado se queda muy cerca. La voz de Scott suena inmejorable con ese acompañamiento casi digno de unos Broadcast, con sonoros timbales, sintes y línea de bajo amenazantes, y unos fastuosos glissandos de piano que le van como anillo al dedo.
De ‘Billy’, tema que concluye la cara A, comenta el propio grupo en las notas del disco lo siguiente: “Billy es una maqueta perdida de Billy MacKenzie, el cantante de los Associates. Está reconstruida inspirándonos en las sesiones de Memphis de Dusty Springfield y Elvis Presley”. La voz en este caso está recuperada directamente de las cintas digitales originales, ya que Steve Augley había colaborado con MacKenzie antes de su fallecimiento en 1997. El resultado es una encantadora pieza de blue-eyed soul a base de pianos eléctricos y orquestas sintetizadas que encierra una deliciosa melancolía.
Una nueva Jean (‘Jean 2’) vuelve a abrir cara, la B, aunque no es Jean Terrell, sino Jean King, una vocalista norteamericana de breve carrera pero que grabó esta canción de Harry Nilsson en 1966 para el sello Hanna-Barbera (sí, los mismos). Se titula ‘Don’t Say Goodbye’, y si la original es un oscuro clásico de soul-pop la reconstrucción de White Label es una irresistible actualización con burbujeante órgano y guitarras de pop:
‘Billie’, una adaptación de la voz de Billie Holiday cantando ‘Prelude To A Kiss’ de Duke Ellington, queda traspasada de la melancolía cromática del original a algo muy alejado de una balada. El ritmo incorpora escobillas, pero no es jazzy, predominan los sintetizadores otorgándole un ambiente funesto e inquietante, abundando en la combinación voz de jazz más frialdad sintetizada aplicada a Jimmy Scott en la cara A.
‘David’ no es otro que Bowie, en otro de los momentos más brillantes de este ‘Stolen Voices’: la pretensión original era coger la canción (‘Tired Of My Life’) y a partir de su demo acústica original -según las notas del disco- “restaurarla a como podría haber sonado si finalmente hubiese aparecido en ‘Hunky Dory’”. Como ocurre tantas veces, la ruta elegida originalmente se desvía y el resultado acaba siendo más original de lo esperado, un collage de las ideas ya de por sí multiformes de ‘Hunky Dory’ y el sonido (ya a estas alturas propio) del grupo. Los glissandos de piano con delay suenan más oníricos que los de, por ejemplo, un ‘Life On Mars’. Las orquestas, sampleadas o sintetizadas, se combinan con las voces recicladas de Bowie en un mejunje más borroso que la nítida producción del disco original… y un interludio con pulsantes bajos y sintetizadores tipo Moog le dan un pátina sci-fi más cercana a ‘Space Oddity’.
Oyendo la parca maqueta de la que sale ‘David’ se aprecia realmente el valor de esta reconstrucción, una pieza que habita en un espacio de fabulación musical fascinante, pero que a la vez tiene un gran valor -más allá de la ocurrencia postmoderna- cuando las canciones resultantes son tan brillantes como ésta. O como ‘John 2’, quizá mi favorita del disco. En parte porque al revelar su origen descubre la existencia de este fenomenal clip de John Martyn en 1978 interpretando ‘Small Hours’ con una pequeña caja de ritmos y la guitarra acústica conectada a su delay de cinta WEM Copycat, creando maravillosas oleadas de sonido (¿por qué nunca nadie recuerda lo fenomenal y adelantado a su tiempo que era el estilo guitarrístico de Martyn?). Ese mismo clip de Youtube es del que White Label sacaron voz y guitarra para crear su propia pieza, en la que la voz de John Martyn pasa por diversos filtros, incluido un acertadísimo vocoder, en un caleidoscopio de beats, ecos, y un precioso arreglo de orquesta. El resultado es como un relanzamiento musical de la idea original de Martyn incorporando elementos nuevos, sin traicionar el espíritu original pero a la vez incorporando nuevo brillo, y con una fragmentación cercana al collage sonoro pero llena de armonía y belleza.
El disco culmina con ‘Dennis’, basado en la mítica demo de ‘Carry Me Home’ de Dennis Wilson de los Beach Boys, una canción que no llegó a incluirse en el disco ‘Holland’, y que aquí es reconstruida de forma especialmente respetuosa, añadiendo piano, órgano y batería más nítida, casi en un ejercicio de restauración, de recreación de un pasado que no llegó a realizarse.
El proyecto White Label sacó una pequeña tirada (“white label”, por supuesto) de ‘Stolen Voices’ e incluso dio algunos conciertos en Inglaterra con el acompañamiento fantasmagórico de las voces, por supuesto sin los medios audiovisuales de aquel maravilloso frankenstein sonoro tan 90s que fue ‘Elvis: The Concert’, en el que Presley cantaba enlatado en la pantalla (su voz aislada con la tecnología existente en 1997) y su legendaria TCB Band le seguía con sincronización digital, tocando en directo. Un experimento que para los fieles de Elvis, fue sin duda casi como el milagro de la transubstanciación digital, años antes de que discos como el que nos ocupa hoy empezaran a remover los conceptos de la cultura de la apropiación y el remix.
Ya en 2012 White Label lanzaron un EP que sirve de alguna forma como epílogo sonoro de ‘Stolen Voices’. Se titulaba ‘1972 EP’, y en él repetían la fórmula con cuatro nuevas canciones de Neil Young, Marc Bolan, Roberta Flack y Fred Neil. Por desgracia el proyecto no tuvo demasiado continuidad, aparte de una estupenda remezcla-regrabación para Emma Pollock. De hecho desde hace dos meses su página web oficial ni siquiera existe. En ella estuvieron desde el principio disponibles las diez canciones para ser escuchadas, ya que nunca contemplaron el resultado final como “su obra”. Parece pues claro que el proyecto tiene pocos visos de futuro, aunque por suerte ‘Stolen Voices’ sigue disponible para ser disfrutado en Soundcloud.
Trajano! están entre los nombres clave del verano, pues un año después de la edición de ‘Antropología‘ el disco sigue vigente y lo presentarán en macrofestivales de la envergadura de un Bilbao BBK Live, de un FIB y de un Dcode. También estarán en Festival do Norte, Ebrovisión y Kutxakultur. Hablamos con el grupo sobre su gran año, sobre su experiencia grabando en Nueva York con Aaron Bastinelli gracias a la convocatoria cazatalentos Rubber Tracks (el plazo para presentarse a la edición 2015 termina hoy) o sobre las nuevas canciones que editan en septiembre.
«Nos queda, como dice la nueva alcaldesa de Madrid, seducir a los que todavía no nos han dado la oportunidad»
Tengo la sensación de que vuestro disco ha sido un pequeño sleeper, gustando poco a poco a cada vez más gente, ¿cómo habéis vivido este último año vosotros?
Pues tienes la misma sensación que nosotros. Está claro que cuando sacas un primer disco el primer impulso es querer que todo sea instantáneo, rápido, que pases de 0 a 100 en el menor tiempo posible. La realidad después es otra muy distinta, las cosas llevan su tiempo y en esto de la música, y en España, todavía más. Estamos muy contentos con el resultado del disco desde el primer día, y sabemos que ha gustado a ciertas personas y público, pero es verdad que en estos 12 meses hemos ido viendo cómo cada vez más gente decía que conocía a Trajano!, que cómo les gustaba lo que hacíamos, que qué estilo más personal tenemos. Todo eso se agradece mucho, nos anima a seguir trabajando. Ahora nos queda, como dice la nueva alcaldesa de Madrid, seducir a los que todavía no nos han dado la oportunidad porque, o tienen prejuicios contra nosotros, o simplemente no han querido pararse a escucharnos.
Hace poco nos decían The Parrots que una de las cosas que menos les gustaban de la industria era lo despacio que iba todo, ¿es vuestro caso también? ¿Tenéis la sensación de que va todo bastante despacio?
Totalmente, como acabamos de comentarte, es complicado ir rápido en este país. Si nos comparas con Reino Unido, por ejemplo, la cosa es de risa. Cualquier grupito que empieza allí, con un solo disco ya está girando por todo el mundo, tiene un equipo considerable de gente en gira viajando con ellos, genera volumen de negocio. Para nosotros y para otros mil grupos como los Parrots, esto por el momento es sólo un hobby que tenemos que compaginar con otros trabajos. Es triste porque la realidad es que el mercado potencial que tenemos, cantando en castellano, es realmente enorme. América Latina es realmente gigante, hay cientos de millones de personas que podrían llegar a conectar con nosotros, pero a excepción de casos puntuales como Vetusta, Love of Lesbian, El Columpio y cuatro más (obviando a Raphaeles, Bosés y compañía), esa vía de conexión no está todo lo explotada que podría estar.
«Hay millones de personas que podrían llegar a conectar con nosotros, pero a excepción de casos puntuales como Vetusta, Love of Lesbian, El Columpio y cuatro más (obviando a Raphaeles, Bosés y compañía), esa vía de conexión no está todo lo explotada que podría estar»
Me llama mucho la atención el modo en que aparecen las letras en el vinilo. Está bastante lejos de lo que suelen ser los diseños de álbumes hoy en día. No sé si es un homenaje a los 80, a los discos siniestros, intencionado o no.
¿Te llama la atención? Estaría bien decir que sí es un homenaje, pero en realidad tiene que ver más con el universo raro de Lois, nuestro cantante, que es diseñador y el autor de la gráfica del disco.
En principio ‘El último hombre del mundo’ parecía vuestra canción estrella, pero no parecéis estar de acuerdo porque habéis preferido hacer vídeos de otros temas. ¿Es así? ¿No es particularmente vuestra favorita o habéis evitado centraros en una canción para que no os pese de por vida como a los Planetas ‘David y Claudia’ o algo así?
Sí que es verdad que desde el principio pensamos que era una de las canciones que tenía más gancho, por eso mismo la lanzamos la primera, antes de sacar el álbum. No hicimos un videoclip al uso pero sí un lyric video, que durante mucho tiempo ha sido el vídeo de Trajano! que tenía más visualizaciones en Youtube (ahora ya superado por ‘Las Nieves del Kilimanjaro’). Después descartamos hacer un videoclip precisamente por eso, porque preferíamos ir avanzando con otras de las canciones, no le vimos el sentido a dar marcha atrás. Sobre lo que comentas de Los Planetas, ¡ojalá un tema nuestro tuviera la relevancia que ha tenido ‘David y Claudia’!
Aunque la temática de la canción parecía clara, ¿había algo de humor, autoparodia o crítica social en aquella línea de «no me saquéis de la cama”?
Las letras de Trajano! casi siempre tienen una nota de humor. No son para tomárselas 100% en serio. Lo de «no me saquéis de la cama» tiene bastante que ver con el hastío de vivir en una gran ciudad, la rutina y las sendas que te van dirigiendo a lugares donde no quieres estar. Lo que sí que es cierto es que son letras muy abiertas, que cada persona interpreta de una forma.
¿Cómo recordáis la experiencia Rubber Tracks? ¿Qué recomendaríais a los grupos que se presentan en la convocatoria de este año?
Pues es un hito en la corta historia de Trajano! A partir de esa experiencia todo empezó a crecer y a funcionar de otra forma para el grupo. Imagínanos hace menos de dos años, yendo a la otra punta del mundo a grabar, en un estudio gigante, apoyado por grandes profesionales, pues es un sueño. No somos muy de dar consejos, pero está claro que lo primero es no esperar nada, y si al final te toca el gordo, disfrutarlo y vivirlo como si fuera la última vez.
¿Cómo fue la grabación en Nueva York y la producción con Aaron Bastinelli? ¿Dónde podemos percibir en el álbum el toque extranjero?
Bueno, la verdad es que hicimos un muy buen tándem con Aaron. Creo que la manera de trabajar con las guitarras cambió bastante el sonido que Lois suele emplear, así como las baterías. En la canción donde quizás se nota más el toque americano sería ‘Jaguar’, puede tener aires de jangle pop en la producción. Aaron es un ingeniero muy profesional, tiene algún Grammy y MTVs, así que todo eso influye de uno u otro modo cuando trabajas con él.
¿Qué os comentó Aaron sobre vuestras canciones, estructuras, sonidos…?
Nos gusta creer que le gustaron a la primera escucha, entendió exactamente por dónde queríamos ir desde el momento que empezamos a grabar. Nos decía continuamente lo «europeo» que sonaba todo. Y el ayudante de Aaron se pasó toda la grabación haciendo air guitar y canturreando los riffs. Nos dio absoluta libertad creativa, pero tampoco se cortaba a la hora de hacer críticas y de decirnos qué iba a funcionar y qué no funcionaba, que nos olvidáramos de ello.
«Podemos decir que en el álbum hay una parte NY (‘El último hombre’, ‘Las nieves del Kilimanjaro’, ‘Elegía’, ‘Jaguar’…), y otra Madrid (‘155’, ‘Sánscrito’)»
¿Qué aportó David Kano?
A Kano le tocó bailar con la más fea. Además de trabajar con nosotros en canciones que estaban mucho menos rodadas, lo cual siempre es mucho más pesado, le tocó la gran tarea de redondear el disco y hacer que las piezas encajasen. Le dimos mucho la brasa pero estamos más que contentos con el resultado. Podemos decir que en el álbum hay una parte NY (‘El último hombre’, ‘Las nieves del Kilimanjaro’, ‘Elegía’, ‘Jaguar’…), y otra Madrid (‘155’, ‘Sánscrito’).
El disco es brevísimo. ¿Os ha afectado a la hora de labrar vuestro repertorio o sois de disco corto y creéis que seguiréis haciendo discos cortos en el futuro?
Nos gusta trabajar con pocos temas para así poder actualizarte más rápido. En cuanto a si nos ha costado, todo lo contrario. Los temas siempre nos salen de un día para otro. Cuando fuimos a NY a grabar el disco se compuso 2 semanas antes de ir.
Preferimos hacer 8 temas buenos a 12 temas en los que 3 o 4 sean de relleno; además así te quedas con ganas de más. Nos hemos propuesto a partir de septiembre intentar trabajar con singles.
‘Elejía’, la última, era una canción diferente al resto, más atmosférica, ¿creéis que seguiréis esa senda en el futuro?
Creemos que todo lo contrario, nos gusta que los temas sean dinámicos. Siempre tiene que haber un tema más tranquilo sobre todo a la hora de dar conciertos, para darte un respiro, pero tampoco es algo muy premeditado. Es una canción con un tempo mucho más bajo que el resto pero creemos que encaja muy bien en el álbum, ¿no te parece? ¡Los heavys siempre meten uno o dos baladones en sus discos!
«Queremos hacer temas con los que la gente mueva la cabeza y, si es posible, los pies también. Si hemos huido o no del post punk ya lo decidirán la prensa y el público, no es algo que nos preocupe»
¿Qué podemos esperar de esas nuevas canciones que estrenáis pronto o de un futuro disco? ¿Creéis que huiréis del sonido post-punk de finales de los 70 o es lo que identifica a Trajano!?
De momento no tenemos en mente un disco largo, no lo hemos ni hablado siquiera. Hemos grabado dos temas nuevos que verán la luz en septiembre, los sacaremos sueltos, en plan single. Estos temas ya suenan bastante distintos a lo anterior, hay más presencia de sintetizadores y no son tan oscuros. Queremos hacer temas con los que la gente mueva la cabeza y, si es posible, los pies también. Si hemos huido o no del post punk ya lo decidirán la prensa y el público, no es algo que nos preocupe.
¿Hay más influencia en Trajano! de la música española de lo que parece? Cosas como Décima Víctima, los Pegamoides más siniestros, Parálisis Permanente, Golpes Bajos o ¿para nada?
Desde luego. Y nos gusta que dichos grupos sean una influencia. Creemos que sonamos más a estos que a los ya manidos Joy Division, a los que siempre nos han asociado y, sinceramente, quitando el tono grave de la voz de Lois, no vemos tanta relación. Cada componente tenemos un gusto diferente pero los sonidos de la Movida son un referente común para los cuatro, aunque a la hora de componer intentamos despegarnos de cualquier tipo de influencia.
«Cada componente tenemos un gusto diferente pero los sonidos de la Movida son un referente común para los cuatro, aunque a la hora de componer intentamos despegarnos de cualquier tipo de influencia (…) No sólo escuchamos a Killing Joke, Television, Suicide o Gang of Four»
¿Qué grupos actuales os gustan?
De todo y de todos los colores, tenemos gustos muy dispares cada uno. Carlos está escuchando mucho a Panda Bear, Foals o Kendrick Lamar últimamente; Álvaro Naive a The Horrors o Metronomy; Álvaro G también le da mucho a la música negra, electrónica rollo Jamie XX o Björk, Bomba Estéreo o FFS y Lois está con The Maccabees, Tv on the Radio, Hinds, Full Frontal Nudity o Noise Nebula. Como puedes ver no sólo escuchamos a Killing Joke, Television, Suicide o Gang of Four.
En cuanto a letras, ¿qué cosas os han afectado en los últimos tiempos que puedan tener repercusión en vuestras canciones venideras?
No solemos tratar estados anímicos ni vivencias personales para componer las letras. Nos gusta contar historias ficticias de situaciones y momentos concretos aunque inevitablemente se cuelen hechos reales como en las películas de Antena 3. Por ejemplo, el próximo single trata de un atentado terrorista en un aeropuerto, o eso parece, porque Lois tiene un discurso bastante surrealista en las letras y nunca estamos seguros de si él también estaba pensando en eso cuando escribía.
Nuestro batería Carlos acaba de ser padre, y como todos los músicos indies componen una nana cuando se estrenan con la paternidad, es posible que nos toque una nana para el siguiente disco. ¡Una nana post punk!
Ahora el cantante del grupo tiene otro proyecto, Lois, que ha tenido cierta repercusión internacional, ¿habéis hablado de si puede interferir de alguna manera en la agenda de Trajano! si el asunto se le desmadra, a lo Hinds?
Obviamente los respectivos managers están en contacto permanente para que no se solape nada. No nos preocupa que interfiera en la agenda de Trajano! y nos alegramos mucho de que le vaya bien porque se lo merece. Y si llega al nivel de Hinds y se tira medio año por el extranjero, le exigiremos un % por tenernos en casa parados sin poder tocar, eso es así. Jajaja.
Este verano tocáis en grandes festivales, ¿alguno que os haga especial ilusión porque hayáis ido como público o que admiréis particularmente?
Siempre hace ilusión ir a cualquier festival. La gente, los escenarios, el buen tiempo… Todos hemos estado en el FIB muchas veces y nos encanta, así que imagínate el subidón que es el poder ir ahora pero a tocar. El BBK nos apetece mucho también, aunque rezamos para no tener que tocar a la misma hora de Muse, porque podríamos tocar para 3 personas. EL DCode es en casa y nos apetece mucho también. Y bueno, los que más nos apetecen son los que no nos han llamado todavía, Primavera, Vida, Low… esos son los que tenemos en mente ahora, a ver el próximo verano…
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