Las elecciones municipales se celebran el mes que viene. Como método para financiar la campaña electoral de IU Madrid, se celebra el 26 de abril un concierto en La Riviera destinado a obtener fondos para la campaña electoral de su candidato por Madrid, Luis García Montero. Vale 20 euros.
Entre los artistas que actuarán están Soleá Morente, que ha trabajado con Los Evangelistas y en breve editará disco con temas de La Bien Querida; Joaquín Sabina, Miguel Ríos, Leiva, Rubén Pozo, Rebeca Jiménez y César Pop. Intervendrán Pedro Almodóvar, Almudena Grandes, Benjamín Prado y Rosana Torres.
Además, recientemente más de 1000 personalidades han firmado un manifiesto de apoyo a IU en Madrid. Entre ellos están Aitana Sánchez Gijón, Asunción Balaguer, Pepe Viyuela, Sergio Peris-Mencheta, Mercedes Sampietro, Ana Belén y Pilar Bardem, como informa El Periódico.
No han sido pocas las veces que hemos preguntado en Siesta cuándo saldría, y finalmente es Discos Walden quien co-edita el debut del proyecto de El Zurdo (el mítico miembro de La Mode, para las nuevas generaciones más despistadas) con Charlie Misterio de Los Caramelos y Clara Collantes, últimamente cantante de El Palacio de Linares.
Sin previo aviso sobre su lanzamiento, el álbum puede escucharse al completo online y los pedidos del disco (300 copias) se enviarán a partir de mañana 8 de abril. Incluye una versión de ‘Septiembre’ de Carlos Berlanga.
Ed Wood Lovers, autores de ‘Albricias‘, vuelven con un nuevo tema llamado ‘La culpa’, una ligera sofisticación de los sonidos ochenteros que siempre les han atraído. La canción suena en algunos puntos tan cerca de los primeros Mecano como de Aviador Dro o MegaAfonía.
El nuevo disco de Ed Wood Lovers sale el 24 de abril y lo presentarán en Albacete (Pussy Wagon) y Madrid (Maravillas) el 22 de mayo. Se llama ‘Nosotros somos los malos’.
Hoy 7 de abril sale a la venta ‘Lo nuestro’, el nuevo disco de Christina Rosenvinge, que esta tarde además firmará en Fnac Callao (Madrid).
A lo largo de las últimas semanas hemos ido estrenando en web diferentes temas del disco, como la rítmica ‘Alguien tendrá la culpa’, la turbadora ‘La muy puta’ o la delicada ‘Pobre Nicolás’.
Pero el verdadero single es ‘La tejedora’, un tema que sus seguidores más avispados ya conocían de los directos, pero que alcanza toda su plenitud en la versión de estudio trabajada junto a Refree. Un tema áspero, de sonoridades muy turbias que no por ello renuncia al contagio pop.
Christina Rosenvinge indica que, para esta canción, se inspiró en la popular obra de Louise Bourgeois ‘Maman‘, una gigantesca escultura en forma de araña de nueve metros de alto y todo un icono del arte de los últimos tiempos.
Las múltiples teorías sobre su significado, del feminismo y la libertad a la sobreprotección, han circulado durante los últimos años, llegando a otras obras de arte. La enorme película ‘Enemy’ es una de las obras en que aparece referenciada en un momento clave.
La ilustración que acompaña este lanzamiento es de Paula Bonet, que en su Facebook expresa lo siguiente: «‘La Tejedora’ (es) uno de los dibujos del arte de ‘Lo Nuestro’, el nuevo trabajo de Christina Rosenvinge, un disco que hemos querido concebir visualmente como un todo muy cuidado saturado de imágenes salpicadas de tinta china, acuarelas e hilos rojos, y que, como ‘La historia de Nastagio degli Onesti’, se permite la licencia de jugar con el espacio-tiempo y narrar una historia de otra noche en danza en un cementerio, en una concatenación de escenas que comparten el mismo escenario. Un cementerio fresco y exuberante como un jardín tropical. Las tumbas son peceras inmensas donde nadan peces de todos los colores imaginables. Hay miles de mariposas y enormes magnolios donde los pájaros conversan cantando entre las ramas. Y ella salta feliz de piedra en piedra sin ropa alguna».
La nueva APP del recién re-estrenado Masterchef presenta una serie de playlists para cocinar o para una cena romántica, etcétera, entre los que ha despertado nuestro morbo la selección musical de sus jueces y presentadora.
Samantha cumple con su rol de señora pija de mediana edad seleccionando canciones de Pablo Alborán, Sergio Dalma, Pastora Soler, Laura Pausini, Melendi, Fito y Fitipaldis o Alejandro Sanz, esto es, podría ser la próxima presentadora del programa ‘El disco del año de RTVE’; mientras que Eva muestra un gusto realmente muy similar, con David Demaría, de nuevo Pastora Soler, de nuevo Pablo Alborán, Estrella Morente o Diana Navarro.
Pepe apuesta por una mezcla de pop-rock (sobre todo rock) clasicote de ayer donde caben The Doors, M-Clan, Calamaro, los Eagles, Los Rodríguez, Duncan Dhu o -¡bien!- Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán.
La pregunta es qué escogería Jordi Cruz después de haber sido tildado de «moderno» por el resto de jurados y ridiculizado por su pelo (tipo Julian Casablancas), zapatillas de colores, etcétera, hasta la saciedad. Lo cierto es que ha resultado ser moderno, en comparación con sus compañeros, pero no tan moderno. Su selección es más actual, abierta y variada, pero tampoco escandalosamente alternativa. Es algo así como «las canciones buenas que, a pesar de todo, sí suenan en 40 Principales»: están ‘Boom Clap’ de Charli XCX, ‘A Sky Full of Stars’ de Coldplay, ‘Real Love’ de Clean Bandit (en lugar de su mayor hit), ‘Thinking out Loud’ de Ed Sheeran o ‘Dangerous’ de David Guetta. Aprobado pero… ¿dónde está la gente que ha inspirado su look?
La televisión estadounidense ha creado un programa dedicado a la glorificación del arte de hacer playback. El formato lleva por nombre ‘Lyp Sync Battle’ y enfrenta a dos famosos haciendo el tonto durante unos minutos a ritmo de canciones conocidas bien provistas de vestuario y ambientación.
Uno de los momentos destacables, y de los que habla todo el mundo, ha sido la intervención de la actriz Anne Hathaway marcándose una imitación de Miley Cyrus con ‘Wrecking Ball’. Incluye un momento épico en el que se sube sobre una bola de demolición haciéndolo coincidir con el estallido del estribillo. Aquí tenéis un resumen de 1 minuto.
Otro de los momentos más divertidos que ha dejado la emisión del programa ha sido la intervención del presentador Jimmy Fallon con ‘Like A Prayer’ de Madonna con final con coro góspel incluido.
La banda catalana Grushenka, que recientemente presentaban un tema nuevo llamado ‘Maltratarse y asustarse‘ extraído de su nuevo disco, no pudo tocar la semana pasada en Siroco (Madrid), ya que dos de sus miembros son aún menores de edad. Así lo comunicaban en Facebook hace unos días: «Lamentamos anunciar que no vamos a tocar en la sala Siroco por no permitir la entrada a Neil e Irene por ser menores. Mañana (se referían al 4 de abril) tocamos en el Café Molar a las 11h, junto a Cenetaph y Ameba. Os esperamos».
El Café Molar servía para que se les quitara el mal sabor de boca, pero lógicamente sólo en parte. Las negritas de su siguiente comunicado de ayer son nuestras: «Lo pasamos muy bien en el Café Molar el sábado por la mañana, nos sacamos un poco el mal sabor de boca que se nos quedó del viernes. Un placer tocar con Cenetaph y Ameba. Aún no entendemos cómo puede ser que no haya excepción y que se deje tocar a grupos con algún menor haciendo un permiso especial. (Es que ni con tutor legal). Fue un duro golpe, sobre todo para los debutantes. Sus caras apenadas no removerán el corazón de los de arriba porque lo tienen podrido. Simplemente íbamos a tocar y a pasarlo bien sin hacer ningún daño. Gracias por todos los mensajes de ánimo. Como ya comentamos, vamos a mirar de compensarlo y buscar otra fecha en un lugar donde la ley obsoleta quede fuera de juego. Agradecimiento especial a los grupos que colaboraron en los costes del viaje, a David y a Raúl que hicieron posible que tocáramos el sábado. Volveremos pronto a Madrid».
La noticia ha salido a la luz a través de un artículo del periodista David Saavedra para LaFonoteca. Esto dice: «Independientemente de los posibles fallos de cálculo o excesos de celo de unos y otros, la mirada debería dirigirse a otro lugar: las leyes que, desde que se puso de moda en los medios el uso de la palabra “botellón”, han convertido en algo natural y asumido la prohibición de los menores de 18 años de acceder a conciertos en salas, tanto en virtud de espectadores como de músicos ejecutantes». El artículo recuerda cuestiones como por qué sí se producen conciertos para adolescentes tipo One Direction en grandes estadios, por qué se pide el carnet en las entradas y no en las barras, la influencia de la tragedia de Madrid Arena, el estancamiento de la escena independiente en torno a los grupos de 30 años o la ironía de que se hagan conciertos para niños por todas partes pero no para adolescentes.
La cuestión de dejar tocar a los grupos y por supuesto dejar entrar a menores a conciertos está entre las reivindicaciones del underground desde hace años, afectando a artistas como Papá Topo o June y los Sobrenaturales, sin avance por el momento. Ni pinta de que nadie vaya a hacer nada al respecto.
Zahara tiene nuevo disco, que saldrá a la venta el próximo 21 de abril. De ese ‘Santa’ ya hemos podido escuchar un primer avance titulado ‘Oh! Salvaje’ y ahora podemos disfrutar del segundo.
‘Crash’ llega acompañado de un videoclip realizado por NYSU bien servido de cromas sin cromas según indica la productora en Twitter. El tema es un número rockero sorprendente con tímidos aires de psicodelia, cercano a Queens Of The Stone Age, bastante diferente al sonido del primer sencillo. ¿Triunfará o se la pegará?
@jenesaispop no hay ni un croma! era una pantalla de retroproyección :D
«Hasta ayer, no tenía la intención definitiva de suicidarme. Más de uno debe haber notado que últimamente estoy cansado tanto física como mentalmente. Yo mismo no lo entiendo del todo, pero no es el resultado de un incidente particular, ni una cuestión específica. Simplemente quiero decir que he perdido la confianza en el futuro. Quizás mi suicidio pueda perturbar o ser un duro golpe para ciertas personas. Espero sinceramente que este incidente no ensombrezca la vida de esta persona. En cualquier caso, no puedo negar que esta es una especie de traición. Excusad mi comportamiento. Es el último acto que hago a mi manera, como he venido haciendo mi manera toda mi vida».
Ésta es la nota con la que Yutaka Taniyama, matemático conocido gracias a la conjetura de Taniyama-Shimura, se despidió de sus familiares y amigos antes de suicidarse. También es la canción con la que Pumuky abren su nuevo trabajo, ‘Justicia Poética’. «Así que dime si es cierto / que quieres venir conmigo / aunque no sepamos dónde / y aunque no haya futuro».
La intensidad de la que la banda ha hecho siempre gala adquiere en este disco unas cotas difícilmente soportables si te pilla con los niveles de serotonina bajos. Y eso es bueno. Pumuky no ha perdido esa capacidad para hacerte sentir Rimbaud cuando escuchas sus canciones. Su facilidad para ponértelos de corbata ha permanecido intacta desde aquel «Matemos esas hormigas de la cocina / quitemos lo podrido del frutero / limpiemos la nevera / llenémosla / hagamos algo para enamorarnos otra vez / gastemos el dinero que nos queda en fuegos de artificio y chucherías / hagamos algo absurdo / amémonos».
Ni las nuevas incorporaciones a la banda, ni el hecho de que haya más presencia de sintetizadores y cajas de ritmo, ni de que el disco se haya grabado de forma un poco «improvisada» consiguen enturbiar el estilo brumoso capaz de conseguir la transverberación del que lo escucha.
Lo mejor de ‘Justicia Poética’ es que todas las canciones logran que algo haga click en el oyente. Y no lo hacen a base de recursos literarios poéticos retorcidos sino gracias a una aparente «sencillez» en las letras y a esos arreglos de dream pop oscuro marca de la casa. Jaír Ramírez, explicaba en Muzikalia el significado de ‘La venganza de Rubik’, una versión extendida del famoso cubo de Rubik que requiere una mente preclara para resolverlo: «Así de complejo es a veces convencer a alguien de que se levante de la cama, que no hay nada que temer, que serás su soldado kamikaze, su venganza ejecutarla». Que alguien venga a verte a casa cuando estás deprimido; que te traiga discos y comida; y que te prometa venganza contra los que te empujaron y se rieron, contra los que te dijeron que no había nada ahí, debe ser a lo que la gente se refiere cuando habla de AMOR con fuegos artificiales y orquesta.
Los autores de ‘Los enamorados‘, ese HIT, no van a conquistar a un nuevo público con esta nueva entrega -tampoco creo que lo pretendan- pero sí que van a afianzar a los fans que ya tenían. Han conseguido su trabajo más sólido, el más compacto y el que mejor suena en su conjunto. Tanto es así que resulta complicado, por no decir imposible, elegir un momento que destaque más que otro. Y sí, siguen recordando a Migala, a Los Planetas, a Radio Dept., a The Cure, a Beach House o a Deerhunter, pero no por ello su propuesta pierde consistencia o personalidad.
Yo también soy más de autoextinción revolucionaria.
Calificación: 7,5/10 Te gustará si te gusta: la intensidad bien entendida. Canciones destacadas: ‘La Venganza de Rubik’, ‘Taniyama-Shimura’, ‘Escritura Automática 9mm’. Escúchalo: en un precioso vinilo azul translucido o en Spotify.
Edurne acudió anoche a ‘Alaska y Segura’ para interpretar por primera vez en directo ‘Amanecer’, la canción que presentará el mes que viene en Eurovisión (y que nos ha gustado más bien poco). Las reacciones, por supuesto, no se han hecho esperar y, por lo general, la negatividad abunda. Dejando de un lado la modestia del escenario y la puesta en escena, que no hizo ningún favor a la canción, muchos de los eurofans critican la carencia de fuerza en la actuación vocal de Edurne, que, como veréis, suena más preocupada por la perfección técnica que por transmitir algo al oyente. Fórmula TV ha recogido algunas de las opiniones decepcionadas de la red, con palabras como «nerviosa y sosa» o «me ha dejado frío».
Por otro lado, Óscar Tarruella, representante de Edurne, ha dicho en Twitter que la ausencia de la cantante en el evento ‘Eurovision in Concert’, que se celebra este mes, no ha sido decisión suya, pero no ha querido dar detalles. «Lo siento, no estoy autorizado para explicar los motivos», ha escrito, «pero no ha dependido de nosotros el que Edurne no asista a Eurovision in concert».
VerTele, sin embargo, escribe que ha sido la discográfica de Edurne, Sonymusic España, la que habría aconsejado a la intérprete de ‘Ven por mí’ no presentarse al evento, argumentando que quien va, no suele ganar, con la excepción de Conchita Wurst.
La séptima edición de esta gala tendrá lugar el próximo 18 de abril. Eurovisión se celebra en mayo.
Lo siento, no estoy autorizado para explicar los motivos, pero no ha dependido de nosotros el que Edurne no asista a Eurovision in concert.
Russian Red no se ha perdido del todo tras mudarse definitivamente a Estados Unidos. De vez en cuando la vemos protagonizar un vídeo divertido en las redes sociales.
Un vídeo publicado por Russian Red (@russianready) el
Ahora aparece en el videoclip de Dawes, ‘Things Happen’, el adelanto de ‘All Your Favorite Bands’, el nuevo álbum que Dawes -habituales en festivales de nuestro país- sacan el 2 de junio. No es la primera vez que Russian Red colabora con otros artistas: de todos es conocida su gran canción junto a Joe Crepúsculo, ‘Leyenda‘, o su participación en el vídeo de Babes sobre sexo teléfonico.
Lourdes aparece sólo al final del vídeo, aunque tiene bastante protagonismo. También hay un cameo del bailarín Adam Carpenter, el muchacho que aparece en el vídeo de arriba bailando Wham!
Una de las actuaciones destacadas de la última gala de ‘La Voz’, celebrada anoche, fue la de Rosa María Rodríguez, joven alicantina de 16 años que seleccionó para su actuación ‘Get Lucky’ de Daft Punk. Rodríguez hizo una versión al arpa que solo gustó a Laura Pausini: «eres muy dulce, una persona que toca el arpa y canta así debe ser una persona sumamente tierna», aseguraba la cantante tras la «performance» de Rodríguez.
Lo que no sabía Pausini, pero sí los fans de ‘La Voz’, que acudían raudos a Twitter tras la interpretación de Rodríguez a quejarse, es que la propuesta de ‘Get Lucky’ al arpa ya tuvo lugar en una actuación del año pasado en ‘The Voice UK’ por parte de la joven Anna McLuckie. Desde luego, una copiada en toda regla que por lo menos los seguidores del programa fueron rápidos en captar. ¿A quién pretendías vender la moto, Rosa María?
Cuando Rihanna dijo el pasado mes de noviembre que quería que escuchásemos su octavo disco «poco a poco», no adivinamos que lo íbamos a escuchar tan sumamente «poco a poco» y además en condiciones tan raras.
La recapitulación de lo sucedido en torno a la cantante durante las últimas semanas roza el surrealismo en muchos aspectos. En primer lugar, publicaba un tema junto a Kanye West y Paul McCartney, ‘FourFiveSeconds‘. La canción, nada menos que acústica y grabada -aposta- en muy malas circunstancias, ha sido un éxito considerable al final: top 2 en Francia, top 3 en Alemania y Reino Unido, top 4 en Estados Unidos… superando así los 2 millones de copias en todo el mundo. ¿El problema? Dos: que no ha igualado ni de lejos las cifras ni las posiciones de ‘Diamonds’ y otros muchos hits anteriores de Rihanna, pues ‘Diamonds’ sí era top 1 en medio mundo y vendía 7 millones de unidades; y que acaba de tocar techo: su programación en radios ha comenzado a disminuir tanto en Reino Unido como en Estados Unidos, y también sus ventas.
Ya podemos decir que es claro que Rihanna necesita un hit mayor para que su próximo disco no sea el primer «flop» de su carrera, pero lo cierto es que la situación parece bastante confusa. Días después de aquel ‘FourFiveSeconds’ se liberaban unas cuantas canciones nuevas, pero en forma de trocitos, de fragmentos sueltos. Algunas de ellas pertenecían a la banda sonora de ‘Home’, pero no hacían sino aparecer y desaparecer de la red en un mareo en sintonía con el odio de Rihanna por las «viejas» plataformas de streaming (su disco ‘Unapologetic’ tardaba meses en llegar a plataformas tipo Spotify).
No sólo la ausencia de ‘FourFiveSeconds’ de Spotify entorpeció su ascenso en las listas de todo el mundo. A día de hoy encontramos pistas de la banda sonora de ‘Home’ en Spotify de Charli XCX, Jennifer Lopez… pero no las correspondientes a Rihanna.
Más difícil todavía: Rihanna acaba de darse a conocer como una de las 16 iluminadas accionistas de la nueva plataforma de streaming, Tidal. Bajo la promesa de mayor calidad, si tienes un buen equipo, y al mismo precio o incluso al doble que otras plataformas, sólo en Tidal puede escucharse su nueva apuesta ‘Bitch Better Have My Money‘. Nada de Spotify, nada de Youtube, con la salvedad de la interpretación de la canción en directo. Como si su equipo no hubiera aprendido del ligerísimo resbalón de ‘FourFiveSeconds’.
Pasado el entusiasmo de esta performance y de su estreno, la canción ha perdido bastantes puestos en iTunes y de momento no está gustando demasiado en las radios, donde avanza demasiado despacio para ser un tema nuevo de Rihanna. El hecho de que no pueda escucharse en las plataformas de streaming, de que sea borrada de todas partes hasta enfadar para preservar la exclusiva de Tidal, estaba empezando a generar antipatías entre los fans casuales y desesperación entre sus fans fatales, que en foros tipo UK Mix consideran que está echando esta era a perder.
Y peor. Con el vídeo de ‘Bitch Better Have My Money’ sin estrenar, Rihanna ha estrenado en vivo, luego en Tidal (audio) y luego en Tidal (vídeo) otra de las canciones nuevas, llamada ‘American Oxygen’. En lo artístico, la conexión con las otras dos composiciones destinadas a su octavo álbum es inexistente, y todos los temas son, cuanto menos, cuestionables, mucho menos contundentes que un ‘Umbrella’, un ‘Don’t Stop the Music’, un ‘We Found Love’.
‘FourFiveSeconds’ tiene, por alguna razón, un lugar ya reservado entre las canciones más exitosas de 2015, pero parece claro que su propio equipo sabe que necesita algo más para despuntar este 2015 como lograra en 2012, 2011, 2010, 2009 o 2007. Está claro que por eso ese octavo disco permanece sin anunciar. Las exclusivas de Tidal no suenan como la mejor vía para dar a conocer canciones muy justas, que sólo pueden funcionar con un plan de márketing. Ya nos lo comentaba ayer un usuario: «Está difícil escuchar sus nuevas canciones». No sabemos si se refería a la calidad o a los impedimentos técnicos, pero posiblemente a las dos cosas. ¿Cómo va a gustar algo cuestionable que tienes que perseguir por la red cambiando tus hábitos para poder siquiera valorarlo? De momento ella, desde estas portadas imposibles o esos vídeos tan abandonados, parece dejarnos el mensaje de que, en este momento de su vida, todo le da lo mismo. Veremos cómo acaba esto en los tiempos en que no hay fidelidad para nadie…
‘It’s Album Time‘ de Todd Terje no sólo llegó un poco más tarde de lo que nos hubiera gustado, sino que el artista confía en su atemporalidad estrenando tan tarde como ahora un vídeo que sigue la imaginería del disco para el corte ‘Alfonso Muskedunder’. Lo ha hecho Espen Friberg, que ya dirigió el vídeo de ‘Delorean Dynamite’ y la animación es de nuevo de Bendik Kaltenborn, que hizo el arte del largo.
Además, se han estrenado unos cuantos remixes de la canción.
Andrew Bird participa en un disco de versiones llamado ‘Good People Rock’. Se trata de una recopilación benéfica para Yellow Bird Project que saldrá el 14 de abril, y de la que se anticipa su versión de New Pornographers de ‘The Fake Headlines’. Se ha hecho incluso un vídeo protagonizado por una marioneta.
El listado de temas pone los dientes largos, pues incluye revisiones de artistas como Hot Chip o Beach House y versiones de gente como The Tallest Man on Earth o Elvis Perkins.
01 Andrew Bird: «The Fake Headlines» (The New Pornographers)
02 Hayden: «Family Tree» (TV on the Radio)
03 Elvis Perkins ft. Alec Ounsworth: «Mexican Ritual» (Alec Ounsworth)
04 Whispertown: «Give A Little Love» (Rilo Kiley)
05 Micah P. Hinson: «Not One Bit Ashamed» (King Creosote)
06 King Creosote: «Take It In» (Hot Chip)
07 Alec Ounsworth: «How’s Forever Been Baby» (Elvis Perkins)
08 Keaton Henson: «Take Care» (Beach House)
09 Dry the River: «Satellite Mind» (Metric)
10 T E Morris: «Much More Then That» (Sharon Van Etten)
11 Astral Swans ft. Dan Mangan: «You Are a Runner and I Am My Father’s Son» (Wolf Parade)
12 The Tallest Man on Earth: «A Field of Birds (YBP Theme Song)»
B.B. King ha sido hospitalizado a causa de una deshidratación derivada de la diabetes de tipo II que padece.
El artista, de 89 años, no es la primera vez que nos da un susto, pues el octubre pasado se desvanecía durante un concierto por deshidratación y agotamiento. Ya antes había sido muy cuestionado el hecho de que quisiera seguir en activo actuando en vivo y a este ritmo, realizando unos 100 conciertos al año, más que Taylor Swift.
En todo caso, su hija Claudette ha explicado que se encuentra mejor a Los Angeles Times.
Actualización 8 de abril: B.B. King ha dado las gracias a sus fans por el apoyo recibido y ha indicado a través de Facebook que ya abandona el hospital.
A Message from B.B.»I want to thank everyone for their concern and good wishes. I’m feeling much better & am leaving the hospital today.»
Sky Ferreira lleva tiempo trabajando en su nuevo disco, ahora con gente tan improbable como Bobby Gillespie de Primal Scream, además de los habituales Ariel Rechtshaid y Justin Raisen.
Ahora averiguamos que la autora del espléndido ‘Night Time, My Time‘ debe de tener los conceptos bastante claros, pues ha confirmado durante una breve charla en Twitter que su nuevo disco se llamará ‘Masochism’. Le pega. Primero, había dado alguna que otra pista sobre este nuevo título.
Seguimos sin demasiadas noticias concretas sobre la continuación del excelente ‘channel: Orange‘ de Frank Ocean. Pero ahora el artista ha subido un par de pistas a su Tumblr. En ellas parecía indicar que tiene dos versiones del álbum nuevo y ha subido tres hashtags que dejaban caer que el disco podría llamarse ‘Boys Don’t Cry’ y salir en julio. Los hashtags eran #issue1 #album3 y #july2015. Las imágenes apuntaban a los títulos, como veis.
Un representante ha confirmado a Billboard que con lo de «2 versiones», Ocean se refería a un álbum y a otro tipo de publicación nueva, a la que se referiría #issue1. ¿Quizá Frank Ocean va a hacerse fanzinero 20 años tarde? De momento, sin embargo, no hay confirmación del nombre de ninguna de las dos cosas.
‘channel: Orange’ salió también en julio, pero de 2012, mientras que su sucesor, sin ser anunciado nunca oficialmente, ha ido retrasando su salida estimada durante estos años. En septiembre de 2014 el artista cambió de management.
Los días en que Beck era platino (‘Mellow Gold’) o incluso multiplatino (‘Odelay’) en su país Estados Unidos están ya demasiado lejanos (mediados de los 90), pero no cabe duda de que su regreso después de seis años, ‘Morning Phase‘, le ha servido para reconquistar a parte del público que había ido perdiendo muy poco a poco por aquello de no ser ya la novedad.
Este último disco le devolvía al top 3 en Estados Unidos por primera vez en una década, desde ‘Guero’. Pero lo mejor de ‘Morning Phase’ sin duda ha sido su resistencia a lo largo de los meses. A las críticas excelentes recibidas desde el principio hay que sumar el Grammy a Álbum del Año, que ha servido lógicamente para que sus ventas reciban un nuevo empujón y se extiendan en el tiempo. La semana pasada el disco abandonaba finalmente el Billboard 200 después de 34 semanas de permanencia con unas ventas estimadas en 400.000 unidades -sólo en Estados Unidos- que le acercan al disco de oro, situado aún en medio millón de ejemplares.
A este lado del Atlántico, el disco era top 4 en Reino Unido, la mejor marca de su historia, nada menos, ya que sus logros (especialmente el de ‘Odelay’) fueron del tipo “sleeper” en los años dorados de la industria. Un año después de su edición ha sido certificado finalmente como disco de plata en Reino Unido por la venta de más de 60.000 copias, algo que, de nuevo, no conseguía desde ‘Guero’. Haber superado las ventas de ‘The Information’ (2006) y ‘Modern Guilt’ (2008), con los tiempos que corren, no es moco de pavo.
Su equipo se ha permitido, además, apostar por un single nuevo, ‘Country Down’, en los días recientes.
Flops
Quien lo va a tener difícil para llegar a las 60.000 copias necesarias para un disco de plata en su propio país es Marina & The Diamonds. ‘FROOT‘ llegaba sólo al top 10 en su primera semana, un retroceso respecto al top 1 de ‘Electra Heart’. Pero lo peor es que el disco parece muerto 15 días después: en su segunda semana bajaba al top 44 y en la tercera es ya top 77. En Reino Unido, su primer álbum vendía 195.000 unidades; el segundo, 90.000. A este ritmo, este tercero parece difícil que llegue más allá de las 30.000, por lo que el retroceso es alarmante.
La esperanza la producía Estados Unidos, donde Marina llegaba al top 10 por primera vez con este ‘FROOT’, en concreto al top 8. Sin embargo, la segunda semana caía casi 100 puestos, al número 96. El disco desaparecía de listas españolas y alemanas tras sólo una semana, y cuesta creer que pueda remontar si no ha pasado gran cosa con ‘FROOT’, ‘I’m a Ruin’, ‘Forget’ y otros adelantos del disco ya exprimidos. Sus ventas globales se estiman en algo menos de 100.000 copias y no parece que pueda llegar mucho más allá.
El último enfado por parte de un fotógrafo por no ser compensado por su trabajo de la manera que considera adecuada es Pat Pope. El equipo de Garbage le contactó recientemente para incluir una de sus instantáneas en un libro que planean publicar sobre su 20º aniversario y a él no le hizo nada de gracia que no fueran a pagarle por el nuevo uso de esta foto. Lo que le ofrecieron fue, sin más, acreditarle.
En una carta subida a su Facebook Pope dice lo siguiente: “Creo firmemente que los músicos y los artistas tienen que ser pagados por su trabajo. Firmaré cada petición para apoyar este concepto e incluso si escojo el streaming en vez de comprar, soy de esos fans de una banda que pagará por el servicio premium. Ese es mi punto de vista. ¿Es el vuestro? Cuando pensáis que los artistas deben ser pagados, ¿incluye eso a los fotógrafos? Si quiero sacar un disco, ¿puedo usar vuestra música simplemente dándoos el “crédito apropiado”?”, se preguntaba refiriéndose sin duda al sampleo. Además, les recriminaba que en el presupuesto de su libro, en la parte de los fotógrafos hayan marcado alegremente la casilla «no pagar».
Garbage han querido aclarar que ya pagaron a Pat Pope por esa fotografía durante los años 90. «Lamentamos que hayas interpretado nuestra petición de manera tan negativa. HABIENDO PAGADO YA por la sesión completa de esta foto en 1995, de la que se seleccionaron algunas fotos, no esperábamos una recepción tan hostil. Adoramos las fotos que tomaste de nosotros en un momento tan especial de nuestra carrera, pero nunca fue nuestra intención usar esas fotos sin permiso expreso».
Garbage añaden que publicar el libro les sale tan caro que prácticamente desecharon la idea, y que su idea de sacar el libro con las imágenes simplemente acreditadas la han tomado del libro de Amanda Palmer ‘The Power of Asking’, preguntando a los fotógrafos quiénes estaban de acuerdo y quiénes no en ser incluidos como fotógrafos sin esperar más que aparecer en los créditos. «Todo rechazo del permiso sería aceptado con todos los respetos», indican.
Como informa Stereogum, Pope ya estaba molesto, pues se enteró de que una foto suya aparecía en el álbum ‘Absolute Garbage’… cuando fue a la tienda y se compró el disco.
Publicamos el playlist del mes, como siempre fiel a lo que los propios lectores habéis votado como top 1 de cada semana, en este caso ‘Can’t Deny My Love’ de Brandon Flowers y ‘El rey de las camas’ de Papaya (‘Vulnicura’ de Björk sigue sin aparecer en Spotify y Florence ya apareció en nuestro playlist con las mejores canciones de marzo); y también fiel a nuestra sección de Discos Recomendados, que en las últimas semanas ha sido generosa. Así, recuperamos canciones de los últimos discos de Sufjan Stevens, La Bien Querida, Reina Republicana, Thiago Pethit, Purity Ring y Octave Minds.
No serán número 1 en ningún lado -pero no importa- los grandiosos nuevos temas de My Morning Jacket, Chromatics, Major Lazer con Mø, Tame Impala, Joe Crepúsculo ft La Prohibida y Jamie xx (con su compañera en el grupo, Romy -en la imagen que ilustra este artículo-).
Seguimos apostando por Shamir y Gepe (ahora tirando nada menos que de Wendy Sulca), y no nos olvidamos de Manos de topo y su enorme vídeo estrenado para ‘Un último esfuerzo’, sobre el que hablábamos con ellos.
Han dividido a la redacción pero están aquí porque tienen sus defensores ‘I Really Like You‘ de Carly Rae Jepsen y ‘FourFiveSeconds‘. Esta última sobre todo la incluimos porque uno nunca sabe cuánto puede durar en Spotify un tema en el que aparecen Rihanna, Kanye West y un Beatle.
Comenzamos el playlist con el adelanto sorprendente -el que sí lo era- del próximo disco de Best Coast, una petición que recibíamos en un comentario en el playlist del mes pasado que merece la pena recordar.
Os dejamos también con el playlist para Deezer, donde falta la canción de Chromatics.
La crítica estadounidense se ha hecho pis encima con ‘Cenicienta’. Según datos de Rottentomatoes, el 84 por ciento de las reseñas de la película son positivas, incluyendo las de firmas poco sospechosas de mal gusto (o servilismo) como las de The New Yorker, Village Voice, Indiewire o Chicago Reader (Ann Hornaday, del Washington Post, es una de las pocas voces discordantes). El entusiasmo crítico está solo un punto por debajo del de los espectadores que han llenado las salas esta última semana (la película es número 1 allí donde se ha estrenado). Según estos datos, ‘Cenicienta’ es el blockbuster más aclamado por crítica y público de lo que va de año.
Por el contrario, la crítica española (y la francesa) la han masacrado. Cursi, hortera, aburrida, simple, fea… Salvo a Oti Rodríguez Marchante (ABC) a todos los demás (Jordi Costa, Nando Salvá, Luis Martínez…) les ha parecido un horror. Hasta en Fotogramas, donde es difícil leer una crítica mala (por su política de encargar la reseña al crítico que más le haya gustado la película), la han puesto a caldo («es kitsch en el sentido peyorativo del término», Sergi Sánchez).
¿Por qué esta acusada disparidad de opiniones? O, mejor, ¿por qué la crítica estadounidense se está relamiendo de gusto con esta híper azucarada tarta de veinte pisos cortada con un sable por este nuevo funcionario del blockbuster llamado Kenneth Branagh? Desde aquí propongo tres hipótesis:
1. Reyes sin corona. Como dice Ian Svenonius en ‘Estrategias sobrenaturales para montar un grupo de rock‘, «no hay nada que los estadounidenses amen más que a los ingleses». Es la figura paterna que una vez, siendo adolescentes, repudiaron (hacia 1775) y que hoy, ya adultos (o casi), desearían recuperar. Una nostalgia por lo británico y monárquico (¿cómo se explica si no el éxito en EEUU de las seis temporadas de una serie como ‘Downton Abbey’ que se agotó al tercer capítulo de la primera?) materializada en la cultura popular en forma de hiperbólica y kitsch imaginería aristocrática: castillos imposibles, príncipes azulísimos y princesas rubísimas. ‘Cenicienta’ es el último ejemplo de ello, y con director shakesperiano al frente.
2. La princesa del pueblo. Una maltratada y desarrapada rubia de bote, con las cejas más negras que las patillas de la Pantoja, convertida en una princesita de cuento de hadas. ¿No es el personaje de la Cenicienta el sueño proletario americano hecho realidad? Si el cupcake es la reformulación yanqui de la alta repostería francesa, ‘Cenicienta’ es la versión en bisutería de las joyas de la corona inglesa. Por cierto, ¿de dónde ha salido esta actriz, Lily James? Ah, ya, ¡de ‘Downton Abbey’!
3. En Europa somos muy cínicos. Uno de los aspectos que más sorprende de esta nueva versión del cuento es que no es una puesta al día del clásico animado de Disney, una reformulación más o menos irónica o más o menos crítica de la película original, a la manera de ‘Maléfica’ o ‘Into the Woods‘. No, es su remake al pie de la letra. Más de medio siglo después, ‘Cenicienta’ sigue siendo igual de cursi, remilgada y bobalicona que aquella. ¿Es esta candorosa inocencia la que ha deslumbrado a la crítica estadounidense o es que el brillo de las 4.000 luces de leds que lleva el vestido del hada madrina les ha cegado por completo?
El joven William Doyle no puede parar quieto. Poco más de un año después de debutar con ‘Total Strife Forever‘, el cual hasta le valió una nominación al Mercury Prize, el británico no ha querido tomarse unas vacaciones y contraataca con un segundo álbum en el que vuelve a hacer gala de su heterogénea curiosidad musical. Aunque eso sí, desde una perspectiva más pop y sin abusar de tantos parajes instrumentales y ambientales como hiciera con su puesta de largo.
Según el propio Doyle ha revelado, estando de gira el pasado año se cansó gradualmente de ser un mero busto detrás de una mesa repleta de gadgets y, para esta ocasión, quería que todos los focos le apuntasen única y exclusivamente a él. Su ambición de divo pop es del todo plausible, y ciertamente en ‘Culture of Volume’ alcanza su objetivo viniéndose arriba como protagonista absoluto de un disco fascinante que cuenta con un buen puñado de temas tan bien rematados que parece mentira que se hayan gestado desde una simple habitación.
Al igual que ocurría con su primer trabajo, se le puede achacar una cierta esquizofrenia musical al casar una pieza techno como ‘Entirety’ con esa imprescindible ‘Carousel’ en la que se mete en la piel de Rufus Wainwright, Perfume Genius y Scott Walker mediante una preciosa balada que le sirve para demostrar, mejor que nunca, el poderío de sus cuerdas vocales. No obstante, más allá de esa incongruencia estilística que no es ninguna novedad en nuestro protagonista, el disco resulta ser un caramelo de lo más disfrutable sobrado de momentos que reivindicar.
Ya sea emulando a Pet Shop Boys en la inmediata ‘Beaming White’, dejándose querer por las guirnaldas sintéticas en ‘End Result’ (lo que saldría de una hipotética colaboración entre Totally Enormous Extinct Dinosaurs y los M83 más atmosféricos), propulsando la vertiente kraut del Bowie de ‘Station To Station’ en ‘The Juddering’ o abrazándose a los beats tranceros en ‘Hearts That Never’, el chico tiene talento para dar y regalar. Él sigue disparando a discreción, pero nadie puede poner en tela de juicio que, en conjunto, ‘Culture of Volume’ es un disco que se podría reivindicar cuando lleguen las listas de lo mejorcito del año.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Carousel’, ‘Beaming White’, ‘End Result’ Te gustará si te gusta: el pop melodramático de Perfume Genius o Rufus Wainwright y el synth-pop atmosférico a lo Depeche Mode, por igual. Escúchalo: Spotify
La última jornada en un festival de tres días no suele ser fácil. El cansancio comienza a ser evidente y las ganas de saltar se resienten. Si a esto sumamos una temperatura que especialmente ayer no acompañó (el recinto está junto al mar y la brisa era fría), podemos concluir que las bandas llamadas a finiquitar la primera edición de MBC no las tenían precisamente todas consigo para hacer vibrar a un público escaso hasta última hora.
Senior i el cor brutal es una de esas propuestas autóctonas que podrían tener cierto tirón estatal, si bien no a los niveles masivos de Manel, quizás sí como grupos tipo Mishima. El sonido folk de la banda liderada por Miguel Ángel Landete encuentra en la bandera estadounidense/valenciana que preside su set la perfecta metáfora visual de su música: guitarras y más guitarras sobre baterías trotonas que culminaron con una ‘València Califòrnia’ memorable.
Tórtel (cuyo frontman Jorge Pérez ya se había paseado por el escenario el primer día junto a Coleccionistas) sorprendió en formato sexteto -normalmente son cuatro-, incluyendo músicos de otras bandas como Ramírez, La habitación roja o Polock. Aires tropicales inundaron la presentación de los temas de su último trabajo, ‘La gran prueba‘, con un especial protagonismo de los teclados y un resultado general mucho más potente que en los discos.
Mientras la noche se echaba encima con Yuck o Sr. Chinarro de fondo -nada nuevo bajo el sol agonizante- el frío iba siendo cada hora más intenso. Lo cual, sumado a los 35 minutos de retraso de su horario, ya extraño de por sí, puso las cosas muy cuesta arriba a Joana Serrat. Seguramente su concierto hubiera lucido mucho más horas antes, por lo que cabe quitarse el sombrero ante la elegancia y la sensibilidad que hizo brotar del escenario Barceló. El hype queda más que justificado: recuerda por momentos a la Sharon van Etten más luminosa o a las First Aid Kit más melancólicas. Su concierto fue ganando en intensidad, aunque nunca como para espantar el frío bailando (tampoco era su cometido).
Ese era el objetivo de La Roux, plato fuerte de la jornada. Arrastrando el retraso anterior, su show comenzó media hora después de lo programado, aunque eso no fue óbice para que la artista inglesa (más sus músicos de acompañamiento) pusiera a todo el mundo a saltar desde la primera canción, ‘Let Me Down Gently’. La andrógina figura de Elly Jackson -elegantísima con pantalón bombacho blanco y americana negra- recuerda cada vez más al Bowie de los noventa, y su actitud calculadamente fría (solo se dirigió al público para despedir el show) añade un punto de sofisticación al conjunto.
El bombazo que es ‘Bulletproof’ en directo -tema con el que cerró La Roux- nos dejó con ganas de más, y a pesar de la fina lluvia que comenzó a caer sobre el Puerto de Sagunto, casi todos los presentes aguantaron hasta el set de DJ Coco (de hecho daba la impresión de que había más gente que durante los conciertos). Esto puso un dulce punto final a un festival que, pese a lo desangelado de algunos momentos, ha acabado por ofrecer ratos muy divertidos.
Con la continuidad asegurada -el sábado se confirmaba la segunda edición para Semana Santa del año que viene, mediante comunicado oficial-, y una asistencia total de 12.000 personas según la organización, cabe esperar que el MBC crezca en su siguiente edición. Realmente solo ha faltado algo de público: había cartel, buena organización y una oferta tanto dentro del recinto como en la ciudad asequible y de calidad. Ahora solo queda que el boca oreja funcione.