Niki & the Dove / Everybody’s Heart Is Broken Now

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8 junio, 2016

Piyama es el proyecto de Aaron Sáez de Varry Brava, y wini two, investigador y productor musical, uno de los que incluimos hace unos meses en nuestra última lista «13 temas nacionales que deberían estar arrasando«. La canción allí incluida era ‘Carmesí’ y hoy nos damos el gusto de estrenar su videoclip.

Como el correspondiente a ‘Bicicletas‘, ha sido realizado por Rasterice, y su concepto es fresquísimo como la canción: «A Piyama les encanta el verano, las azafatas de vuelo y viajar». Por ello, esta pieza intercala «sus tristes vidas reales con las soñadas vidas como detectives privados de honorarios inflados donde las esperas sorbiendo café, los maletines y las carreras están a la orden del día». El vídeo, a veces literal, alterna escenas de Piyama creando la canción en un ático o sobre una cama en un escenario pop -como lo es su música mucho antes que hip-hop- con símbolos de esa otra vida ansiada: maletas, aeropuertos, avionetas, etcétera.

Piyama! preparan su entrada de nuevo al estudio para cerrar su trilogía de presentación con ‘EP#3’. Hasta entonces, no perdemos la oportunidad de compartir de nuevo la animada mixtape del grupo ‘Mezcla de influencias’.

Doble Pletina: «¿Qué es pop de cámara?»

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8 junio, 2016

Hace unos días, nos citamos con Doble Pletina en el barrio barcelonés del Poble Sec, en un bar de los de toda la vida, para charlar con ellos sobre su nuevo álbum, ‘Así es como escapó‘. Me espera la banda al completo a excepción de Jordi Llobet, batería, días antes de su presentación en la jornada inaugural del Primavera Sound 2016. Charlamos con ellos sobre la gestación del álbum, el cambio de Cati por Jordi a la batería, la mayor presencia del componente electrónico en las nuevas canciones o el humor y la tragedia de sus letras. Doble Pletina actuarán este verano en Vida Festival y el Festival Internacional de Benicàssim. Antes de eso, presentan su nuevo álbum en Madrid este sábado día 11 de junio, en la sala Siroco, junto a Caliza.

Han pasado 3 años entre vuestro debut y ‘Así es como escapó’. En este tiempo, Cati ha dejado el grupo definitivamente. ¿Ha sido particularmente difícil sacarlo adelante?
Jaume: «No, para nada».
Marc: «Ha sido el tiempo que nos ha llevado hacer las canciones».
Laura: «El hecho de que Cati haya dejado el grupo no ha influido».
Francina: «Tampoco es que tuviéramos prisa en terminarlo».
Marc: «Suena a mucho, tres años, pero se nos ha pasado rápido».
Francina: «Hoy día parece que todo caduca súper rápido, pero vamos, en este tiempo nuestra actividad no se ha interrumpido en ningún momento».

¿Entiendo que su salida ha sido la circunstancia que ha implicado un mayor uso de cajas de ritmos en el disco? ¿Y de ahí habéis saltado a un sonido más electrónico?
Marc: «Más que la salida de Cati, ha sido el hecho de trabajar más las canciones en casa que en el local. En el primer disco, como las canciones ya estaban hechas previamente y estábamos muy nerviosos por grabar, hubo mucho trabajo de ensayo en conjunto de las canciones antes de grabar. Y esta vez llegamos a grabar al estudio con las canciones más puras, apenas con algún arreglo, y terminaron de tomar forma ahí. Quizá por eso suene más sintético».
Francina: «En resumen, en el debut teníamos más la necesidad de traducir a analógico ideas que habían nacido en formato digital, mientras que en este no».

Finalmente, Jordi Llobet se ha sumado como batería habitual del grupo…
Marc: «Perdona, pero Jordi lleva ya mucho tiempo con nosotros, porque empezó a tocar la batería en directo hace ya unos dos años…»
Laura: «Pero bueno, sí, ha sido ahora cuando… ha firmado el contrato». (Risas)

Se percibe cierta lucha entre los temas interpretados por todo el grupo y los de mayor presencia de sintetizadores. ¿Ha sido complicado dar con ese equilibrio? ¿En algún momento llegasteis a plantearos prescindir de ese instrumento, a lo Klaus & Kinski, por ejemplo?
Jaume: «Tampoco lo vemos como una lucha…»
Marc: «Hemos hablado de esto, pero no lo hemos meditado, en realidad. Sí nos pareció evidente que canciones como ‘Nada’ ganaban mucho con esa caja de ritmos tan marcial, lo vimos muy claro. Pero en otras no era así y teníamos claro que tendría que estar la batería de Jordi, sencillamente».

O sea que, por lo que decís, entiendo que las canciones, tal y como las escuchamos en el disco, se transforman después cuando iniciáis los ensayos para trasladarlo al directo, ¿no?
Francina: «Sí, y nos apetecía, además, que fuera así. Nos gustaba pensar el disco como tal, y después adaptarlo al directo, al revés que sucedió con ‘De lo concreto a lo general‘, en el que fuimos a grabar las canciones tal y como las tocábamos. Son recursos distintos, y no queríamos limitarnos al formato banda para la grabación».

La influencia de OMD o los primeros Depeche Mode en canciones como ‘Mausoleo’ o ‘Nada’… ¿siempre ha estado ahí?
Laura: «En nuestro bagaje musical, han estado ahí de siempre, no es que hayan surgido de repente».
Jaume: «Quizá también al trabajar más desde casa, la tentación de usar midi y programaciones ha sido mayor».
Francina: «Siempre han estado ahí, pero ahora les hemos dado más rienda suelta».

Reescuchando ahora ‘De lo concreto a lo general’ era muy fácil recurrir a Le Mans o Vainica Doble para referirse a vosotros. En parte, ¿buscabais libraros del sambenito de la etiqueta folk o pop de cámara?
Jaume: «¿Qué es pop de cámara?». (Risas)

La verdad es que no lo tengo claro, pero he leído por ahí que os lo aplicaban…
Laura: «Nunca hemos sido un grupo de folk».
Marc: «Doble Pletina siempre ha sido un grupo muy de trabajo con el ordenador en casa, desde nuestra primera maqueta. El acabado acústico es algo circunstancial, pero no veo que tengamos que ver con el folk».
Francina: «De hecho, este disco suena más como la maqueta».

«He renunciado a ella [N.d.r: la sierra musical]. Embarcar en los aviones un arma blanca es muy complicado»

Curiosamente, volvéis a recurrir al uso de la sierra, como en vuestros inicios. ¿Cómo es que la recuperáis? ¿La usáis en directo también?
Marc: «No pierdo la oportunidad de tocarla. Sufría un poco porque se iba a acabar la grabación y no había ninguna y bueno, al final ahí ha estado en dos canciones. Hay una un poco más gratuita que otra, pero ha quedado bien…»
Laura: «La cosa es que no la podemos llevar nunca en directo, y es una pena, porque es donde Marc demuestra su virtuosismo acústico…» (Risas)
Marc: «Estoy muy triste, que lo sepáis, pero he renunciado a ella. Como embarcar en los aviones un arma blanca es muy complicado… (Risas) Me limitaré a tocar la guitarra».
Francina: «¡Como si embarcar la guitarra fuera fácil!». (Risas)

La afinidad con Elsa de Alfonso es obvia, dado que Laura y Marc formáis parte de Los Prestigio, su banda. ¿Cómo surgió la idea de que se involucrara en la producción del disco? ¿Qué aportación suya al álbum destacaríais?
Laura: «Nos prestaron un estudio de grabación y ella ejerció de soporte técnico con el Pro-Tools, básicamente. También nos daba su impresión sobre algunos temas, algunos consejos. Y algo de apoyo espiritual y espirituoso (Risas). Confiamos mucho en su criterio».
Marc: «Aunque no siempre le hemos hecho caso». (Risas)

Por momentos, especialmente en ‘Electrobolero’ o ‘Tenemos lagos’, parece muy clara la reminiscencia de Hidrogenesse, de las producciones de Genís. ¿Son una influencia en vosotros?
Jaume: «Somos hiperfans, así que para nosotros es un elogio del copón».
Marc: «En realidad no usamos nada analógico, como él, son todo plug-ins digitales. Pero gracias».

Aunque se suele hablar de humor en vuestras letras, personalmente veo en ‘Así es como escapó’ un trasfondo mucho más amargo que en vuestros inicios, casi hasta trágico. En todo caso, sería un humor estilo Buster Keaton, capaz de hacer comedia de situaciones dramáticas… ¿Representa un poco vuestra manera de relativizar el drama?
Marc: «¿Qué dices?» (Risas)
Laura: «Bueno, yo creo que el humor aparece porque es todo tan exagerado que acaba siendo cómico. Sí que hay un fondo trágico».
Jaume: «No son precisamente chistes, no es obvio».
Marc: «Pero, ¿a qué te refieres con trágico? Intento repasarlo mentalmente y no…»

«Pero, ¿a qué te refieres con trágico? Intento repasarlo mentalmente y no… (…) Yo veo este disco incluso más alegre que el disco anterior»

‘Nada’ me parece particularmente triste, tratando de negar una realidad que evidentemente es mucho más dolorosa de lo que nos quiere hacer ver la letra. Habéis hablado de escapismo en alguna entrevista, pero ahí es un escapismo un poco engañoso, ¿no? Como en ‘Tiquet’, puedes mirar a otro lado, pero no se va…
Marc: «Bueno, no es una escapada literal. Es buscar un mecanismo para huir de algún horror de la vida diaria».

Del mismo modo, ‘De la casa, del jardín’, que es uno de mis cortes favoritos y del que se extrae el título del disco, no es tan escapista como podría parecer por su narración casi cinematográfica. De hecho, parece empujar a escapar… ¡a través de la rutina!
Marc: «Bueno, eso es gracioso, ¿no?» (Risas)
Francina: «Siempre ha sido así. Del anterior disco, ante una canción como ‘Ya es tarde’ la gente decía qué canción tan dramática. Ya empieza diciendo «es tarde para tocar en un grupo de pop»».

Igual la culpa es mía, que me lo tomo demasiado en serio. Entiendo vuestro sentido del humor, pero es solo que a ‘Así es como escapó’ le veo un punto más trágico en un sentido teatral.
Marc: «Igual el paso del tiempo nos ha hecho más exagerados. Pero de verdad que yo veo este disco incluso más alegre que el disco anterior. Me he quedado de piedra con tu pregunta».
Laura: «Hombre, alegre, alegre… Yo entiendo lo que dice de trágico, y de hecho lo comparto…»

Donde sí veo el humor por todos lados es en ‘Electrobolero‘, cuyo vídeo me ha parecido maravilloso, descacharrante del todo. Dan ganas de ponerlo en bucle para analizar cada fotograma. ¿Cómo surgió la idea de recurrir a la marcha de Cati?
Marc: «Las preguntas del principio vendrían un poco de esto, ¿verdad?». (Risas)

Hombre, lo cierto es que redimensiona por completo el sentido de la canción, y ya no parece de amor. ¿Cuánto hay de psicoanálisis, de terapia, en todo esto?
Marc: «Fue desde el principio una idea de Stanley Sunday, nos lo propuso y nos pareció brutal».
Francina: «Habíamos trabajado con él en el clip de ‘Igual o mayor que‘ y después se mudó a Barcelona, nos hicimos muy amigos y, bueno, nos encanta todo lo que hace, así que teníamos claro que lo haríamos con él».
Marc: «Nos entiende en muchos sentidos, sabe darle un enfoque que nos va a encantar siempre».

«En un festival no tiene que ser todo música llenaestadios. También hay otro modelo de conciertos, más introspectivos pero a la vez más expansivos, que te hagan sentir»

Me llama la atención la fijación por las matemáticas y la geometría en las portadas de ambos discos y algunas letras de este, como ‘La progresión exponencial’. ¿De dónde viene ese ramalazo? ¿Algún tipo de deformación profesional?
Jaume: «Bueno, yo soy arquitecto técnico y Laura, arquitecta».
Marc: «Yo empecé arquitectura, y de hecho, conocí en la facultad a Laura. Pero lo dejé».
Laura: «Hiciste bien». (Risas)
Marc: «No somos muy de letras, en realidad, es una fachada». (Más risas)
Jaume: «La portada es muy literal, simplemente colores cálidos».
Francina: «Era una forma de mantener a Cati involucrada en el proyecto. Y bueno, ella nos conoce muy bien».

Curiosamente, nosotros que decíamos que no habíais hecho hits en este disco, al final vais a hacer más festivales (y más gordos) que Supersubmarina… Primavera Sound, FIB, Vida Festival…
Laura: «Y que Miss Caffeina».

A ver si vais a ser los próximos en dar el salto… Se presenta bien la cosa, ¿no?
Marc: «Todo es muy reciente. De hecho, pensábamos que era tarde. Sacando el disco en mayo, nos decían «es una fecha muy mala para llegar a festivales», y mira».
Laura: «Bueno, en un festival tampoco tiene que ser todo música llenaestadios. También hay otro modelo de conciertos, más introspectivos pero a la vez más expansivos, que te hagan sentir. Y ahí yo creo que encajamos bien».
Marc: «Encajamos bien en la primera hora de la tarde. Es cuando la gente está más atenta».
Jaume: «Más sobria, ¿quieres decir?». (Risas)
Laura: «Bueno, en Sonorama 2014 tocamos a la 1:00h y lo recordamos como nuestro mejor concierto».
Marc: «Parecíamos los Chemical Brothers. Sebas hubiera estado tan orgulloso de nosotros…». (Risas)

Foto de Doble Pletina: Alba Cros.

Metronomy no vuelven por la pasta

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8 junio, 2016

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Dos cosas han molado mucho del esperado regreso de Metronomy, autores de uno de los grandes discos de 2014, ‘Love Letters‘, que no estaba anunciado y una parte de la nota de prensa que enviaba Warner: «Metronomy no tienen planes por lo pronto de salir de gira. «Quiero descansar de las giras, pero no quiero dejar de sacar música» dice Joe Mount, señalando que quiere pasar más tiempo junto a sus hijos».

En un mundo en el que los artistas ya ni se plantean no salir de gira porque donde está el dinero es en los directos -ya sea para enriquecerse más y más o simplemente como única forma de supervivencia-, es una rara avis digna de elogio que alguien grabe música por el placer mismo de grabarla, como en los últimos años Bowie, durante décadas Kate Bush o incluso en un momento de su vida, The Strokes.

Una vez escuchados sus singles principales, ya es muy evidente que Metronomy no han vuelto por el dinero. Si ya el sencillo ‘Old Skool’ te sonaba raruno, el nuevo que se estrena hoy es directamente una canción… ¡de of Montreal! La banda experta en cambios de ritmos e inclusión de géneros semi pop parece una referencia fundamental en su sonido pero esta es la influencia oficial que nos deja caer la banda sobre ese nuevo disco, ‘Summer 08’, que saldrá el 1 de julio:

«Producido y ejecutado enteramente por Mount, ‘Summer 08’ nace de las experiencias vividas por el multi-instrumentista en la época en que Metronomy consiguió su primer gran impacto en el público con su álbum ‘Nights out’ y la culpa de pasar momentos clave en la vida de sus seres queridos de gira en la parte de atrás de un autobús y la confusa manía de ser carne de cañón para la crítica (sic). El enfoque de Mount en ‘Summer 08’ era el de hacer un álbum de pop ecléctico y maduro con influencias de artistas como David Bowie, Outkast y Daft Punk. Grabado en Francia en los estudios Black Box y mezclado por Bob Clearmountain (Bruce Springsteen, David Bowie) y Neal Pogue (Outkast), es el álbum más creativo y atrevido de la Metronomy hasta la fecha y por una buena razón: no tienen planes por lo pronto de salir de gira».

A la espera de escuchar el disco al completo, os dejamos con ese segundo adelanto. Se llama ‘Back Together’.

Cruïlla recibirá quejas y sugerencias e interactuará con su público en directo a través de una app

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8 junio, 2016

Cruïlla, festival del que JENESAISPOP es medio colaborador, ha confirmado en su cartel de 2016 a Alabama Shakes, Damien Rice, Enrique Bunbury, Cat Power, Robert Plant & The Sensational Space Shifters, Skunk Anansie, Bomba Estéreo, Rudimental, Elefantes, Digitalism, Calexico, Xoél López, Esperanza Spalding, Crystal Fighters, Snarky Puppy, Chambao, Xoél López, Ramón Mirabet, Adrià Puntí y Animal. Hace unas semanas se cerró el cartel con la inclusión de James, en su único concierto en España este año, Egon Soda, Seeed, Shantel & Bucovina Club Orkestar y Emicida. Puedes encontrar toda la info sobre distribución por días, horarios y venta de entradas en la web del festival.

Esta mañana, en la Antigua Fábrica de Estrella Damm de Barcelona, Jordi Herreruela, director del festival, convocaba a la prensa para mostrar las novedades extramusicales que ofrecerá este año el evento que, de nuevo, se celebra en el Parc del Fòrum, los días 8, 9 y 10 de julio. Como novedad destacada, Herreruela ha avanzado que Cruïlla busca adaptarse mejor a las necesidades e intereses de sus usuarios, para ofrecerles la mejor experiencia posible, tratando no al público en masa, sino de la forma más individualizada posible. Para ello, aplicarán Business Intelligence, es decir, tratarán los datos de sus usuarios para que su participación en el evento vaya más allá de la mera asistencia a unos conciertos. Como ejemplos, Herreruela citaba que, en estos momentos, saben que 174 personas que acudirán a Cruïlla 2016 cumplen años en los días del certamen o, también, que acudirán 26 personas de edad superior a 65 años, a los que podría ofrecérseles algún tipo de ventaja. Sobre todo, se trata de utilizar la base de datos que se genera en la compra de la entrada a su evento para usarlos de una manera imaginativa, de forma que el público no sea un ente pasivo, sino que interactúe, incluso, con los propios artistas. Por ejemplo, ha sugerido que el propio festival podría incitar al público a hacer algún tipo de performance o guiño coordinado a algún artista, y que este pueda verse sorprendido por los asistentes a su show.

Para ello, el festival dispondrá de dos herramientas fundamentales: una aplicación para móviles, cuyo lanzamiento se prevé para el próximo 17 de junio, y una red de antenas dispuestas por todo el recinto, cortesía de uno de los patrocinadores del evento, que ofrecerán Wifi para los usuarios. De este modo, la organización y los usuarios pueden tener contacto permanente a través de la aplicación, a través de la cual se podrían coordinar acciones, enviar mensajes individualizados, organizar meet& greets con algunos artistas, pero también comunicar quejas, incidencias y demandas de uso en los servicios del festival, que el festival podría atender en tiempo real, o incluso alertar de una posible situación de emergencia.

En cuanto a los servicios, Cruïlla vuelve a apostar por buscar la mayor satisfacción del público como su mejor activo. Para ello, dada la buena experiencia de la edición 2015, volverá a contar con el sistema de pago con pulsera inteligente para evitar las colas (dispone de un chip recargable a través de Paypal, entre otros, y las devoluciones de efectivo no consumido se realizan de forma inmediata y sin comisiones al acabar el evento), mejorará la formación del personal de seguridad y restauración para orientarles en el tipo de atención que deben ofrecer e incrementará la calidad y la cantidad de aseos, incidiendo en el servicio de mantenimiento de los mismos. Este año, el festival contará con un servicio de parking de bicicletas gratuito, así como bicicletas motorizadas a disposición de los asistentes en el interior del recinto. Toda la oferta extramusical puede consultarse aquí.

El objetivo de Cruïlla es alcanzar el máximo de 25.000 asistentes por jornada, buscando un festival cómodo, con cuatro escenarios (este año se suprime el que había en el Lounge Damm porque la contaminación acústica de la zona de comidas no daba garantías de calidad en las actuaciones para artistas y público) que no disten demasiado entre sí, con el fin de acortar los tránsitos, y con actuaciones más largas, de entre 75 y 90 minutos, que aseguren poder disfrutar de una mayor cantidad de bandas y artistas.

The Kills desnudan ‘Desperado’ de Rihanna

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8 junio, 2016

The Kills tienen un álbum que promocionar esta semana, llamado ‘Ash & Ice’. Se trata de su primer álbum en cinco años, desde que editaran ‘Blood Pressures‘, tiempo en el que Jamie Hince ha tenido que volver a aprender a tocar la guitarra debido a sus operaciones de mano. Como indica la nota de prensa de Domino / Nuevos Medios, «a diferencia de sus primeros discos, que habían sido escritos y grabados en Key Club Studio en Benton Harbor, Michigan, la mayoría de las grabaciones de ‘Ash & Ice’ se hicieron en una casa alquilada de LA y en los famosos estudios Electric Lady Studios de NYC. Este nuevo trabajo ha sido producido por Jamie Hince y John O’Mahony (Metric, The Cribs), y mezclado por Tom Elmhirst (Adele, Arcade Fire, Amy Winehouse) y Tchad Blake (Black Keys, Arctic Monkeys)».

‘Ash & Ice’ se define como un disco «más abierto, menos temperamental» y uno de sus singles, ‘Doing It To Death’ tiene cierto carácter electrónico. Por eso sorprende que, cuando han visitado una emisora de radio para realizar una versión, se hayan decidido por una canción de Rihanna, en concreto de su último trabajo ‘ANTI’, y la hayan desnudado a su mínima expresión, explotando la faceta más oscura del dúo formado por Alison «VV» Mosshart y Jamie Hince.

Fifth Harmony, top 1 en España, top 4 en Estados Unidos

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8 junio, 2016

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Repasamos las novedades de la lista de ventas española esta semana.

1(E) Fifth Harmony / 7/27

El grupo de chicas salido del ‘Factor X’ estadounidense Fifth Harmony logra ser número 1 en España con su segundo disco. Y se repite lo que pasaba la semana pasada con Ariana Grande, que era número 1 en España pero no en su propio país. Aunque por supuesto sus ventas en Estados Unidos son mucho más voluminosas e importantes para ellas, en su propio país han tenido que conformarse con el puesto 4. ¿Igual sus fans americanos se pensaban tontamente que el disco saldría el 27 de julio? Este es el single ‘Work from Home’, que no tiene nada que ver con el ‘Work’ de Rihanna.

2(E) José Mercé / Doy la cara

Javier Limón produce este disco del cantaor jerezano, en el que ha contado con colaboraciones tan sonadas como Joaquín Sabina, Pablo Alborán, Alejandro Sanz, Ainhoa Arteta, Andrés Calamaro o Jorge Drexler. Como veis, ni toda esta artillería pesada ha sido suficiente para lograr el top 1. Aun así, una gran marca para José Mercé, pues su último top 10 databa de 2006, ‘Lo que no se da’, y fue top 6.

5(10) Coldplay / A Head Full of Dreams

Después de su visita a Barcelona, en concreto al gigantesco Estadi Olímpic, durante dos días seguidos, no es una sorpresa que Coldplay protagonicen la subida más fuerte de la semana con su último álbum.

Además, en singles suben al #11 con ‘Hymn for the Weekend’, al #31 con ‘Adventure of a Lifetime’ (ambas platino) y además vuelven al #94 con ‘A Sky Full of Stars’ del disco anterior (doble platino).

38(E) Alba Gallardo / Alba Gallardo

Considerable éxito de la ganadora del programa de Canal Sur ‘Se llama copla‘, que ya va por su novena edición. La portada demuestra que no hemos aprendido nada de los tiempos de ‘Operación Triunfo’.

45(E) La Gossa Sorda / L’Ultima Volta en

El grupo valenciano de rock, punk, reggae y ska llega a la lista con su último trabajo, un directo que incluye 26 canciones.

51(RE) Drake / Views

Drake vuelve a la lista tras haber sido número 17 con su último disco, ‘Views’, uno de los mayores éxitos en todo el mundo ahora mismo. Su subida en España puede tener que ver con la distribición física del álbum, con el exitazo de ‘One Dance’ (sigue top 2 en singles) o con un poquito de ambas.

67(E) David Parejo / Más

David Parejo de ‘La Voz Kids’ logra una modesta entrada con un álbum que se llama como el disco «más» vendido de la historia en España. Este es el single ‘Gimme’.

69(E) Lacuna Coil / Delirium

El grupo de metal italiano, que suele aparecer por la parte baja de la tabla en España y tiene su público internacional repartido entre varios países, entra con ‘Delirium’ al número 11 en Italia y al número 33 en Estados Unidos.

89(RE) Fuel Fandango / Aurora
96(RE) PJ Harvey / The Hope Six Demolition Project

Bastantes discos reaparecen en lista esta semana. Entre ellos destacamos dos por su relevancia informativa: PJ Harvey probablemente en relación a la presentación de ‘The Hope Six Demolition Project‘ en Primavera Sound, y Fuel Fandango, que después de haber sido top 2 con ‘Aurora‘ probablemente tengan un «sleeper» bajo al brazo si atendemos a la contundencia del disco.

97(E) Javier Ruibal / 35 Aniversario

Celebración del 35º aniversario de carrera del artista gaditano con un doble CD y DVD que ha contado con la colaboración de Martirio, Kiko Veneno, Miguel Ríos, Carmen Linares, Jorge Drexler, Pasión Vega, Tomasito, Jorge Pardo, Dorantes, Juan Echanove… y un largo etcétera.

100(E) Sule B / Neo Noir

Sule B es miembro activo del grupo Suite Soprano. Tras dos discos con su banda inicia su carrera en solitario con este ‘Neo Noir’ que ha logrado colarse por los pelos como farolillo rojo en la lista de ventas. Distribuye, cómo no, Boa Music.

‘Into You’, ‘La Bicicleta’ y ‘Send My Love’, en la lista de singles española

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8 junio, 2016

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Repasamos las novedades en la lista de singles española.

1(1) Enrique Iglesias ft Wisin / Duele el corazón

El tema de Enrique Iglesias, aparentemente ya la canción del verano, se mantiene en el número 1 una semana más, mientras sube al top 3 ‘Cómo te atreves’ de Morat. En el número 2 sigue ‘One Dance’ de Drake. También es llamativa la subida al número 5 de ‘Ain’t Your Mama’ de Jennifer Lopez: de momento tampoco ha tocado techo.

68(E) Ariana Grande / Into You

Milagrosamente, nuestro número 1 de la semana votado por el público protagoniza la entrada más fuerte de la semana en la lista de singles del país. Se trata de ‘Into You‘, el single de ‘Dangerous Woman‘ de Ariana Grande llamado a ser también una de las canciones del verano. De momento, tímidas subidas en Estados Unidos (al #48) y Reino Unido (al #45).

71(E) Carlos Vives ft Shakira / La bicicleta

Tímida entrada de momento para la que debería ser igualmente otra de las canciones del verano, ‘La bicicleta’ de Carlos Vives con Shakira, que tanto ha dividido a la redacción. ¿Seguirá subiendo?

88(E) Antonio José / Contigo

Antonio José de ‘La Voz’ vuelve tras conseguir el doble disco de platino con su álbum debut ‘El Viaje’. La nota de prensa avanza que será un álbum que le muestra «muy crecido artísticamente y con una clara evolución en su repertorio y composición». De momento, se presenta este ‘Contigo’. ¿Ha crecido tanto? ¿Ha evolucionado tanto? Juzguen ustedes mismos.

92(E) Adele / Send My Love (To Your New Lover)

El tercer single de ’25’ de Adele llega al top 100 poco después de ser añadido a Spotify. El tema está siendo apoyado por las radios.

En otros países lo encontramos ya dentro del top 40, en Reino Unido ha sido número 34 y en Estados Unidos número 26, aunque es difícil que llegue muchísimo más lejos: el disco ha vendido ya unas 19 millones de unidades en todo el mundo.

Primal Scream cancelan en Azkena

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8 junio, 2016

Bobby Gillespie sufrió una caída durante un concierto en un festival suizo el pasado viernes. Su set se tuvo que interrumpir y desde el principio se temió que el grupo tuviera que cancelar su concierto en Azkena Rock: el artista era hospitalizado y su Twitter no se renovaba desde el pasado fin de semana, indicando en un mensaje que pronto se darían más detalles. Nunca llegaron.

Finalmente Primal Scream tienen que cancelar el show de presentación de ‘Chaosmosis‘ en Azkena, como se indica en la nota de prensa de Lastur: «El vocalista y líder de Primal Scream, Bobby Gillespie, sufre una fractura en la zona de la espalda y se verá obligado a permanecer en reposo durante las próximas semanas a consecuencia de su caída del escenario durante su actuación en el festival suizo Caribana el pasado viernes. La banda ha cancelado toda la gira hasta mediados de agosto, incluyendo su actuación en el Azkena Rock Festival, donde Primal Scream iba a ser el cabeza de cartel del viernes 17 de junio».

La nota continúa: «La organización está trabajando en buscar una banda que sustituya a Primal Scream y pide disculpas a los fans por los inconvenientes que esta cancelación, ajena a la organización del festival, pueda ocasionarles. En el caso de querer devolver la entrada, la tramitación se realizará en el mismo punto de venta donde se realizó la compra antes del 13 de junio».

The Parrots anuncian su debut con adelantos antagónicos

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8 junio, 2016

The Parrots, uno de los grupos que más han dado que hablar en el mundo underground madrileño e internacional en los últimos tiempos (el año pasado editaban el EP ‘Weed for the Parrots’), anuncian finalmente su disco debut de cara al próximo 26 de agosto. Se llamará ‘Los niños sin miedo’ y tendrá el privilegio de llegar al mercado de mano del exquisito sello Heavenly Records.

El álbum ha sido grabado en septiembre de 2015 junto a Paco Loco en Cádiz e incluirá un total de 10 canciones. Entre ellas está una de las que ya conocíamos, ‘Let’s Do It Again‘, que debido a su melodía diáfana y playera -a pesar de su registro garajero- ha terminado siendo su canción más escuchada en Spotify. Pero también aparece un tema nuevo llamado ‘Jame Gumb’, que se ha subido hoy a las plataformas de streaming y presenta un sonido mucho más sucio, en la estela de bandas como A Place to Bury Strangers. Ojo porque según la nota de Heavenly, el single principal será otro, ‘No me gustas, te quiero’. En dicha nota, entre otras cosas, indican que les da igual no expresarse adecuadamente en inglés porque se quedaron prendados de las canciones que Jonathan Richman ha cantado con toda naturalidad en castellano, pese a sus errores. Curiosamente, entre las canciones, una que comparte título -no muy habitual- con Russian Red, ‘Casper’, y otra con un nombre tan chanante como ‘Windows 98’.

Os dejamos primero con el tracklist, después con su gira internacional:

The Parrots – Too hight to die
The Parrots – Let’s do it again
The Parrots – No me gustas, te quiero
The Parrots – A thousand ways
The Parrots – Jame Gumb
The Parrots – Casper
The Parrots – E.A. Presley
The Parrots – The road that brings you home
The Parrots – Windows 98
The Parrots – Los niños sin miedo

June 23: UK, Glastonbury Festival, Crows Nest
June 25: Italy, Pesaro @ Sunride Motospeciali
July 02: Switzerland, Biel @ Barbarie Festival
July 09: Portugal, Quintanilha @ Quintanilha Rock Festival
July 16: Portugal, Lisbon @ Super Bock Festival
July 22: Italy, Vasto @ Siren Festival
August 25th: UK, Rough Trade East instore
August 26: UK, Totnes @ Sea Change
August 28: UK, Birmingham, This Is Tomorrow All Dayer @ Hare & Hounds
Sept 04: UK, Glasgow @ Broadcast
Sept 05: UK, Leeds @ Headrow House
Sept 06: UK, Brighton @ Concorde 2
Sept 07: UK, London @ The Victoria
Sept 09: UK, Manchester, Strange Waves @ O2 Ritz
Sept 10: UK, Bristol @ Start the Bus
Sept 11: UK, London @ On Blackheath Festival
Sept 12: France, Paris @ Point FMR
Sept 14: France, Dijon @ Peniche Cancale

Rita Ora trata ya de enderezar su carrera, probablemente en Warner

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8 junio, 2016

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Hace cuatro años que salió a la venta ‘Ora‘, el debut de Rita Ora. Es un tiempo excesivo para una artista medio debutante, y lo es más si sumamos que a su vez el disco decepcionó tras los buenos resultados comerciales que había obtenido con sus singles.

Hasta ahora la cantante se encontraba enfrascada en un pleito contra su sello Roc Nation (el de Jay Z). Rita aseguraba que el contrato que había firmado por cinco discos desde 2008, violaba una ley de California según la cual ningún contrato puede exceder los siete años sin que las dos partes lo renueven. Roc Nation a su vez, aseguraba que Rita no había cumplido con su obligación de publicar una continuación de ‘Ora’. Ahora se ha sabido que ambas partes han llegado a un acuerdo extrajudicial, como queda probado en el documento que ha aparecido en la red. Se desconoce en qué consiste ese acuerdo, pero el rumor que persiste en los últimos días es que ha fichado por Warner. En Snapchat ha confirmado que algo ha firmado de cara a un segundo disco.

Será el momento para Rita Ora de retomar una carrera que le había dado varios números 1 en Reino Unido (‘How We Do (Party)’, ‘R.I.P.’, ‘I Will Never Let You Down’ y ‘Hot Right Now’, además del single colaborativo ‘Do They Know It’s Christmas?’), pero muy tibios resultados fuera de las islas. A las malas críticas recibidas por su debut, hay que sumar también el decepcionante resultado de su dúo con Charli XCX ‘Doing It’ o con Chris Brown en ‘Body On Me’.

Se desconoce si la cantante seguirá la línea artística de su último número 1 junto a su ex Calvin Harris o si ese segundo álbum incluirá o se parecerá siquiera a lo que Roc Nation llegó a editar hace justo un año como «primer single del segundo disco de Rita Ora», ‘Poison’.

La cuenta de Twitter de Sonic Youth, hackeada, anuncia su reunión

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8 junio, 2016

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La lista de hackeos de la semana continúa de mano de Sonic Youth después de haber afectado a Katy Perry, Bon Iver o Tame Impala, en este último caso incluso anunciando la explosión de una bomba en un avión de una compañía aérea «en 30 minutos».

No tan desagradable como este tuit, pero muy parecido en estilo, es el que ha aparecido en la cuenta de Sonic Youth, separados desde 2011 y, a juzgar por el libro publicado por Kim Gordon, con muy pocas probabilidades de reunirse. El hacker tomó la cuenta, cambió el nombre a «Max Guerin» y tuvo el mal gusto de anunciar que Sonic Youth se reunían por sorpresa, para actuar en Central Park (Nueva York) «en 25 minutos». «Concierto de reunión sorpresa, ¡acudid antes de que sea demasiado tarde!», indicaba con crueldad. Y no sabemos si algún neoyorquino salió literalmente corriendo de su casa, pero lo seguro es que hay gente que se lo creyó: el primer tuit de respuesta según el pantallazo de Pitchfork es «¡volved a México!». La respuesta del hacker es: «Apuntado, estás de suerte, planeamos ir el 26 de septiembre».

El último trabajo de un miembro de Sonic Youth hasta la fecha es el disco experimental editado por Kim Gordon junto a Alex Knost. Os dejamos con el álbum editado este año por ambos bajo el pseudónimo Glitterbust.

El nuevo disco de Lady Gaga podría salir en 2017, según Elton John

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8 junio, 2016

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Lady Gaga continúa trabajando en su nuevo disco de estudio sin prisa, pero sin pausa. Hace unas semanas emergía la noticia de que la cantante estaba trabajando en él junto a Mark Ronson y también es posible que haya alguna co-autoría de Father John Misty o Tame Impala a juzgar por algunas instantáneas aparecidas en la red.

Lo seguro es que Mark Ronson ha participado en la co-producción. Así lo hizo saber Lily Allen, y así lo confirma ahora Elton John, que no obstante indica que el disco podría editarse a principios de 2017. También baraja que pueda salir a finales de este año. «He oído dos o tres canciones del nuevo disco, que está haciendo con Mark Ronson, y es absolutamente brillante. Así que os va a gustar mucho cuando lo oigáis a finales de este año o principios del que viene», ha indicado Elton durante una entrevista con Beats 1, en la que también ha dicho que ha escrito canciones con Gaga, pero sin indicar si formarán parte de ese nuevo álbum o no. Ambos colaboraron en una banda sonora en el pasado, ‘Hello Hello‘.

Si no contamos ‘Cheek to Cheek’ (2014), su disco de versiones junto a Tony Bennett, este está siendo el mayor lapso entre álbum y álbum de la carrera de Lady Gaga, pues la cantante nunca había estado tres años sin sacar disco. Probablemente se tome con calma su regreso después de los discretos resultados de ‘ARTPOP’ (2013) y los mejorables de ‘Born this Way’ (2011), dos discos víctima de cierta precipitación y cuestionable campaña de márketing, del «no vídeo» de ‘Do What You Want’ al decepcionante vídeo de ‘The Edge of Glory’ pasando por la selección de singles de ‘ARTPOP’ (¿qué pasó con ‘Venus’, ‘Dope’, ‘Gypsy’?) o el excesivo tracklist de ambos.

Ahora Lady Gaga parece estar pensándose bien, por ejemplo, si da más peso a sus colaboraciones grabadas el año pasado con RedOne o al presente trabajo con Ronson. Quizá incluso haya tiempo para editar antes de Navidad un nuevo álbum junto a Tony Bennett, como este indicaba hace unos meses y ahora ha confirmado durante un concierto.

Una concursante de un talent show vomita sobre Paula Abdul tras bailar Beyoncé

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7 junio, 2016

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El vídeo del momento no implica a Pablo Iglesias tocando la guitarra ni a ningún miembro del PP bailando reggaetón al ritmo de su sintonía. La protagonista es una niña de 12 años llamada Chi Tahani que ha acudido a un talent show llamado ‘So You Think You Can Dance: The Next Generation’. La chavala lo da todo bailando el ‘Countdown’ de Beyoncé, tema extraído de su disco ‘4’, hasta el punto de que cuando termina pasan dos cosas: los tres jueces del programa -Paula Abdul, Nigel Lythgoe y Jason Derulo- le dan el sí, y la chica echa la papilla… encima de Paula Abdul, que no duda en exclamar: «¡Nunca me habían vomitado así encima!».

Chi Tahani es lo suficientemente educada y tiene las suficientes tablas como para pedir disculpas, pero el daño ya está hecho: el vídeo reabre el debate sobre lo adecuado de montar realities con menores de edad con cuestiones como el bullying todos los días encima de la mesa. ¿Está preparado un/a menor para soportar este tipo de presiones? ¿Y para volver después a la escuela?

‘So You Think You Can Dance’ es un formato que se ha emitido en Estados Unidos durante 13 temporadas. La última empezó este 30 de mayo y, como veis, ha arrancado a lo grande. Paula Abdul, que ya había sido invitada al formato desde 2013, es fija desde hace dos años. También se ha dejado caer alguna vez como jurado por RuPaul’s Drag Race.

Abdul continúa sin sacar álbum desde 1995, cuando ‘Head Over Heels’ distó mucho de igualar los 7 platinos que había conseguido en Estados Unidos su debut ‘Forever Your Girl’ (1988). Aquel disco incluía hits como ‘Straight Up’, ‘Forever Your Girl’, ‘Cold Hearted’ u ‘Opposites Attract’, todos los cuales fueron número 1 en el Billboard Hot 100.

Cat’s Eyes / Treasure House

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7 junio, 2016

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Cat’s Eyes han hecho tan bien lo poco que han hecho -un disco debut y una banda sonora premiada en el Festival de Cine Europeo- que para muchos son a The Horrors lo que The Last Shadow Puppets a Arctic Monkeys: mucho más que un proyecto paralelo, cuando se ponen en serio incluso algo más interesante y exquisito. Su nuevo álbum ‘Treasure House’ reincide en los patrones estéticos que han seguido hasta ahora: disco corto de una media hora de duración, ambientes fantasmagóricos ahijados del dream pop y canciones de amor y desamor.

Al menos en sus mejores momentos. El single ‘Drag’ es una de sus canciones más pop y redondas hasta ahora, la actuación vocal de Rachel Zeffira en ‘Everything Moves Towards The Sun’, una de las más hermosas que ha grabado; y ‘The Missing Hour’ viene para recordar lo bien que les funcionan los dúos chico/chica a lo Sinatra/Hazlewood.

Después, hay algunas cosas que desconciertan y decepcionan. ‘Chameleon Queen’ es muy Beatles, quizá demasiado, igual que es demasiado ‘Twin Peaks’ el número final ‘Teardrops’ (hasta ‘Falling’ es la palabra fundamental de su letra). El «girl group» pasado por el filtro Stereo Total (estos también citaban artistas de los 60 en su famosa receta de influencias) de ‘Be Careful Where You Park Your Car’ no encaja demasiado bien con el resto del disco. Tiene un punto de humor que igual alguien agradecerá, pero también se ha visto en el vídeo de ‘Drag’ y le hacía flaco favor a la canción: era tan tonto en su homenaje a ‘La guerra de los Rose’ que le quitaba tanto valor al discurso de Cat’s Eyes como se lo quitaría a una canción de Beach House. ¿Habrá que agradecer a Victoria y Alex que no hayan hecho ni un solo videoclip para sus dos últimos discos?

Tampoco parece aportar mucho la desbocada ‘Standoff’, que quizá con otros arreglos Faris podría haberse quedado para su grupo primigenio. Por suerte, estas canciones parecen excepciones en el álbum, aunque ocupen los primeros lugares en la secuencia, y ‘Treasure House’ dedica su segunda mitad a volver al redil, con algunas de las canciones estrella de este álbum, ya mencionadas, o las correctas ‘Girl in the Room’ y ‘We’ll Be Waiting’. En la mayor parte del tiempo, el dúo formado por el líder de los Horrors y la mezzo-soprano Rachel Zeffira nos recuerda que sigue teniendo ese «algo especial». Una pena esos pocos momentos en que han confundido renovarse con perder personalidad.

Calificación: 6,9/10
Lo mejor: ‘Drag’, ‘Everything Moves Towards The Sun’, ‘The Missing Hour’
Te gustará si te gusta: cualquier disco de Broadcast lo mismo que cualquier disco de Stereo Total
Escúchalo: Spotify
Cómpralo: Amazon.

Cat’s Eyes / The Duke of Burgundy

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7 junio, 2016

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Parece mentira pero después de toda la crisis en la industria discográfica, que se ha llevado por delante no sólo el CD sino probablemente el mismo formato de «disco» en sí, la banda sonora no ha muerto. Es habitual encontrar en las listas de ventas alguna que otra, incluso arrasando y vendiendo más que los discos de estudio de artistas internacionales (’50 sombras de Grey’, ‘Fast & Furious’). Es normal: la gente ve una película en el cine, escucha su música y después quiere hacerse con esta. Lo que ocurre con ‘The Duke of Burgundy’ es lo contrario: uno escucha la banda sonora seducido por el magnetismo de la música de Cat’s Eyes, el dúo formado por Faris Badwan de los Horrors y la mezzo-soprano Rachel Zeffira, que nos deslumbrara con su debut en 2011, y lo que necesita es ver la película.

‘The Duke of Burgundy’ es el film de Peter Strickland que sucede a ‘Berberian Sound Studio‘, aquella cinta de giallo paranoide muy conocida en el mundo musical por constituir su banda sonora el último trabajo de Broadcast antes de la trágica muerte de Trish Keenan. Peter Strickland no se ha comido la cabeza y, desaparecidos antes de tiempo Broadcast -eran, por cierto, grandes aficionados al cine y a alquilar VHS antiguos en el videoclub de un amigo-, llamó a sus fans Cat’s Eyes para componer la música de esta película de tintes S&M, lésbicos y estética setentera. Si su cine te traslada a otro tiempo, lo lógico es que la música también.

Cat’s Eyes muestran su valía para el cometido de llevarte 40 años atrás, y para el género. Son excelentes sus canciones más tradicionales para la cinta, como ‘The Duke of Burgundy‘, el operístico «requiem» o la dream pop ‘Coat of Arms’ (tan cerca de Badalamenti como de Enya, en esta ocasión), exentas muy adecuadamente de la voz de Faris porque en la película no hay personajes masculinos. También funcionan sin ver la cinta temas ambientales llenos de misterio muy bien orquestados, entre flautas, cuerdas y clarinetes, como ‘Black Madonna’, ‘Hautbois’, ‘Lamplight’ o esas puertas numeradas (‘Door nº1’, ‘Door nº2’) que van abriendo y estimulando la imaginación.

Después de ver la película, bajada, porque no ha habido forma de que se estrenase ni siquiera a través de Filmin o plataforma similar, todo funciona por supuesto mejor. Incluso los temas que recogen el sonido de un río fluyendo o un aleteo en medio del bosque; por no hablar de los significados que aporta la letra del tema titular, una vez visionado el principio y el final de la película: «One day you’ll be back / When you’re done dreaming / At last / Now this road has passed / And you’re done wandering / Will you come back? / How people change / But you were never like the others, baby / Now that’s the same».

Mi compañero Joric decía del film que era «una enigmática y turbadora historia de sadomasoquismo a medio camino entre el surrealismo de Buñuel y el erotismo softcore de Jesús Franco. Un fascinante ejercicio de estilo que te cosquillea con una pluma de ganso y te atrapa con correas de cuero». La banda sonora no solo cautiva de manera independiente sino que, sin ella, la película habría funcionado muchísimo peor: desde luego habría sido menos «enigmática», «turbadora» y «fascinante», e incluso, con una elección alejada de los parámetros estéticos de Cat’s Eyes, hasta podría haber rozado fácilmente la comedia.

Calificación: 8,2/10
Lo mejor: ‘The Duke of Burgundy’, ‘Requiem for The Duke of Burgundy’, ‘Coat of Arms’, ‘Lamplight’
Te gustará si te gustan: Broadcast, United States of America, Goldfrapp
Escúchalo: Spotify
Cómpralo: Amazon.

‘Frankie Sinatra’ no es la canción de Avalanches que «cambiará el mundo»

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7 junio, 2016

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Parte de la redacción evalúa lo nuevo de Avalanches.

«Solo The Avalanches pueden hallar lógica en la combinación de una canción de los años cuarenta, unas cuerdas de ‘Sonrisas y lágrimas’ y unos versos de Danny Brown. Pero solo ellos, también, pueden hacerlo mejor, y aunque ‘Frankie Sinatra’ demuestra que el grupo no ha perdido un ápice de su habilidad para esculpir producciones orgánicas a partir de samples y sonidos originales que no tienen nada que ver entre sí, lo cierto es que la canción pasa bastante desapercibida. Después de tantos años, esperaba más». JB

«Creo que era prácticamente imposible que el regreso de The Avalanches, un suceso mitológico en la historia del pop reciente, satisficiera del todo. Pero cabe recordar que los neozelandeses siempre fueron mucho mas que ‘Since I Left You’, y este ‘Frankie Sinatra», aunque no justifique la demora, sí resulta muy muy divertido y también sorprendente, esta vez amparándose en un calipso de Wilmoth Houdini, ‘Bobby Sox Idol’ y una base que diría que pertenece a un tema de Cypress Hill y un interludio de ‘My Favourite Things’, de ‘Sonrisas y lágrimas’. Raro de cojones, pero funciona, y esa siempre fue su magia». Raúl Guillén

«A mí una canción actual que recupera un tema de 1947 cuya letra viene a ser: «Frank Sinatra, hijo mío, no sabes que tienes la voz perfecta para cantar calipso» me tiene ganado desde el principio. Pero hay más, mucho más, en este single de Avalanches. En lo musical, de nuevo, una fusión de géneros que va desde el easy-listening al hip-hop pasando por el dancehall y casi todo lo que hay en medio. No en vano, dicen haber escogido el tono de Danny Brown porque les parece «punk». En la letra, chascarrillos de todo tipo a cuál más eficiente: el día que Danny Brown recibió sexo oral sobre el escenario, esa manera de listar el alcohol y las drogas que te has tomado al oficial de policía que te detiene y, sobre todo, esa necesaria mención a M.I.A. teniendo en cuenta que la canción se cierra con una caja registradora y la frase «vamos a vender dos millones de discos o más». ¿Alguien dijo ‘Paper Planes’? ‘Frankie Sinatra’ no es histórica, pero tampoco decepcionante. Y ojo porque Danny Brown dijo en 2014 que ‘Frankie Sinatra’, su primera colaboración con Avalanches, molaba… pero luego añadió que otra canción que había grabado para lo nuevo de Avalanches «cambiaría el mundo»». Sebas E. Alonso.

Sleigh Bells consolidan su «regla número 1»

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7 junio, 2016

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Como si Kesha cantara sobre una base de White Stripes pero co-producida por HEALTH y DJ Dahi. Así suena la nueva canción que Sleigh Bells han subido hoy a las redes de streaming, llamada ‘Rule Number One’ como si la «regla número 1» de toda su carrera hubiera sido la mezcla brutal de géneros, del rock al trap pasando por todo lo demás, y con esta canción quisieran consolidar su idea.

El dúo formado por Alexis Krauss y Derek Miller nos deslumbró con ‘Treats‘, uno de los mejores discos de 2010. Desde entonces han editado ‘Reign of Terror‘ (2012) y Bitter Rivals‘ (2013) y a finales del pasado año subían a Soundcloud otra pista nueva de destino desconocido llamada ‘Champions of Unrestricted Beauty‘. Cuando estrenaban esta otra pista, en diciembre, comentaban en su Facebook que estaban «terminando el nuevo álbum». Quizá este nuevo corte signifique que las cosas van en la dirección adecuada. De momento, se sigue desconociendo fecha de edición.

D’Angelo, Janelle, The Roots y Sheila E harán el nuevo homenaje a Prince

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7 junio, 2016

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Los Billboard Music Awards, que se entregaron hace unas semanas, contaron con un tributo a Prince que consistió en Madonna y Stevie Wonder interpretando un par de temas del artista. Primero Madonna lidió con ‘Nothing Compares 2-U’, popularizada por Sinéad O’Connor, y después Stevie Wonder se le unió para una suerte de karaoke colectivo de ‘Purple Rain’.

Los Bet Awards, centrados en premiar la cultura afroamericana, y que este año han nominado sobre todo a Drake y Beyoncé, durante la misma noche de los premios Billboard subían un spot a Twitter que decía: «Sí, lo hemos visto. No os preocupéis. Os entendemos», en referencia a lo poco que les había gustado el homenaje de Madonna. Aunque el anuncio probablemente lo tenían pensado desde antes de ver la actuación de la ambición rubia (no se había comunicado que un artista de color y de tanto renombre como Stevie Wonder formaría parte de él), los BET Awards prometían un homenaje mejor para Prince en su ceremonia del 26 de junio. Ahora Rolling Stone revela quiénes serán los artistas que actuarán.

Se tratará de una actuación de Janelle Monáe, D’Angelo, Sheila E y The Roots. En estos últimos milita Questlove, quien se molestó en defender la actuación de Madonna y Stevie Wonder desde su cuenta de Twitter, y de hecho había colaborado en ella. «No cada rendición a Prince será una experiencia orgásmica que te cambiará la vida. Pero sólo CANTAR su obra es lo suficientemente valiente (…) Y todo el mundo quiere y merece una oportunidad para decir adiós a su manera».

Os dejamos con ‘A Love Bizarre’, una de las colaboraciones de Prince con Sheila E, que llegó a ser número 11 en Estados Unidos. Ambos se habían conocido en 1978 y trabajaron juntos de diversas formas hasta 1989. Sheila E. fue percusionista y colaboradora musical del artista en sus giras y de su banda en el estudio en las eras de ‘Sign «O» the Times’, ‘Black Album’ o ‘Lovesexy’. También fue telonera de la gira ‘Purple Rain’.

Local Natives presentan ‘Villainy’, de su próximo álbum ‘Sunlit Youth’

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7 junio, 2016

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Se confirma que los californianos Local Natives regresan a la actividad discográfica en 2016. Como informa Pitchfork, los propios miembros del grupo Taylor Rice y Ryan Hahn charlaron con el locutor Zane Lowe en su programa de Beats 1 de Apple Music sobre su próximo álbum, que desde hoy sabemos que saldrá el 9 de septiembre bajo el nombre de ‘Sunlit Youth’.

Contaron que para este trabajo habían compuesto unas 50 canciones, lejos de las 16 o 18 habituales, y que han tratado de experimentar más. Como muestra, dejaron escuchar una de ellas, ‘Villainy’, que suena incluso más electrónica de lo que acostumbraban y que ya está disponible en plataformas de streaming. Hace dos meses dieron a conocer ‘Past Lives’, otro tema nuevo, mucho más rockero.

Local Natives consiguieron, con dos álbumes como ‘Hummingbird‘ y ‘Gorilla Manor‘, convertirse en una banda no solo elogiada por parte de la prensa especializada, sino que también generó un interés por parte del público que fue creciendo año tras año, boca-oreja. Posiblemente gracias a las comparaciones con bandas en principio tan diferentes como Fleet Foxes, Arcade Fire o Vampire Weekend, las canciones de la banda norteamericana lograron conectar con un espectro de oyentes muy amplio que llenaba, por ejemplo, su último concierto en la sala Joy Eslava de Madrid. Este año ya han confirmado su actuación en Kutxa Kultur Festibala de Donostia, junto a !!!, Bloc Party, Young Fathers o Belako.

Tracklist de ‘Sunlit Yuth’:
01 Villainy
02 Past Lives
03 Dark Days
04 Fountain of Youth
05 Masters
06 Jellyfish
07 Coins
08 Mother Emanuel
09 Ellie Alice
10 Psycho Lovers
11 Everything All at Once
12 Sea of Years

5 razones para ver el documental de Podemos aunque seas Leticia Sabater

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Joric

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7 junio, 2016

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Coleta con coleta. Fernando León de Aranoa, autor de otros documentales como ‘Caminantes’ (2001) o ‘Invisibles’ (2007), decidió hace año y medio contar el proceso de construcción de un partido político emergente: Podemos. ‘Política, manual de instrucciones’ narra el «viaje» de la formación de Pablo Iglesias desde el congreso de Vistalegre, donde se decidió su estructura, hasta las elecciones del 20 de diciembre, cuando consiguió más de cinco millones de votos. ¿Un documental para militantes? No, no solo. Te damos 5 razones para ver esta película incluso si piensas como Leticia Sabater.

1. No es un panfleto. Aunque la repetición de las elecciones ha hecho que se estrene en plena campaña electoral, esto no es un documental de propaganda. De hecho, la idea de su realización surgió desde fuera, no desde dentro. No fue un encargo. Obviamente, la mirada de Aranoa no es neutral -y me apuesto mis vacaciones a que es votante de Podemos- pero esto no es ‘El triunfo de la voluntad’ (1935). Hay simpatía y admiración, se nota, pero también distancia crítica. La suficiente como para exponer las contradicciones y las crisis internas que vivió (y vive) la formación, y poner en cuestión algunas de sus decisiones y renuncias.

2. Funciona como «manual de instrucciones». El título está muy bien puesto. La película se puede ver como un curso acelerado sobre política contemporánea, un CCC que podría llamarse «Cómo montar un partido en un año y ganar millones de votos». La película refleja de forma casi didáctica los debates internos y externos del partido, la configuración de su estructura, los tropiezos y los cambios de estrategia que de ellos se derivaron o el diseño a todo correr de la campaña electoral.

3. No aburre. Aranoa sabe cómo contar una historia, y eso, en un documental de este estilo (y de dos horas de duración), se agradece. Y es que la historia de Podemos no deja de ser un relato clásico, un argumento universal. David contra Goliat. O cómo pasar de una tienda de campaña en Sol a un asiento en el hemiciclo. Pura épica. Como dice Iglesias citando a «un ruso calvo»: «Hay décadas en las que no pasa nada y semanas en las que pasan décadas». Y Aranoa estaba ahí para filmarlas.

4. La elocuencia de sus protagonistas. Acostumbrados a escuchar brillantes argumentaciones tipo «Un vaso es un vaso y un plato es un plato» o «España es una gran nación y los españoles muy españoles y mucho españoles», por no hablar de frases en «inglés» como «It’s very difficult todo esto», la labia de Iglesias, Errejón o Monedero parece de otro planeta, de uno donde los políticos saben inglés y son capaces de articular un discurso con un mínimo de coherencia y riqueza semántica. Escuchar a Rajoy y luego a Errejón es como escuchar las variaciones Goldberg en una catedral después de oír a Pitbull en un centro comercial.

5. Iñigo Errejón. Ha nacido una estrella. El portavoz de Podemos es más robaplanos que Greta Gerwig y Kristen Wiig juntas. La cámara le quiere y Aranoa lo sabe: está completamente seducido por él. Por su extraordinaria facilidad de palabra, su brillante capacidad de análisis, su entusiasmo contagioso, su aspecto de empollón y hasta por su conmovedor cansancio. ¿Estará celoso el «macho alfa», como le llaman los detractores de su partido? 8.

Ornamento y delito, en el disco de campaña de Podemos

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7 junio, 2016

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Ayer, poco después de descubrir el himno merengue del Partido Popular para la próxima campaña electoral, nos encontramos con que hace pocos días también se estrenó el recopilatorio ‘La Banda Sonora del Cambio Vol. 1‘, «una iniciativa de Podemos Música y del Círculo de Cultura de la Comunidad de Madrid y pretende ser la primera de una serie de colecciones que visibilicen la ilusión y el talento de los artistas que quieren contribuir con su música al cambio». Entre la selección descubrimos nombres desconocidos para nosotros como Los hermanitos (con el chistosillo boogie ‘Que vienen los bolivarianos’), Sepiurca Zukin (electro-cumbia), The Fake (entre el post-hardcore y Muse), Sonora (metal entre RATM y Medina Azahara) o Alpargata («Pablo Iglesias me la pone tiesa, Íñigo Errejón me mola mogollón», cantan con escaso ingenio). Es en ese momento cuando pensamos en la de votos que podría perder Pablo Iglesias por su gusto musical.

También descubrimos a un ilustre como Gran Wyoming con su banda Los Insolventes, que canta el rock ‘No estamos solos’, y a bandas habituales de nuestro site como Alborotador Gomasio, que ceden su ‘Los residuos de la sociedad‘, incluido en el gran ‘Los excesos de los niños‘. No, Joe Crepúsculo parece que definitivamente no es del gusto de la formación morada.

<a href="http://musicapodemos.bandcamp.com/album/toca-el-cambio-late-el-cambio-la-banda-sonora-del-cambio-vol-1">Toca el cambio / Late el cambio. La banda Sonora del Cambio. Vol. 1 by Podemos Música</a>

Pero, sobre todo, nos llama la atención el tema que incluyen en esta recopilación Ornamento y delito, grupo afincado en Madrid que siempre ha destacado por su mordaz visión de lo social y lo político en álbumes como ‘El espíritu objetivo‘, ‘Adorno‘, ‘Rompecabezas de moda y perfección moral‘ o ‘Putas y cocheros‘. Este inédito se titula ‘Experiencia y pobreza’ y en él Garikoitz Gamarra, con su característico tono pausado, desgrana una letra sobre la ilusión recuperada a raíz del 15M. El tema cuenta con un featuring de PIT, es decir, Pablo Iglesias Turrión, con su ya famoso discurso de la Marcha del Cambio en la Puerta del Sol.

<a href="http://musicapodemos.bandcamp.com/album/toca-el-cambio-late-el-cambio-la-banda-sonora-del-cambio-vol-1">Toca el cambio / Late el cambio. La banda Sonora del Cambio. Vol. 1 by Podemos Música</a>

Primavera Sound sigue mejorando pero se polariza

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7 junio, 2016

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Finalizada esta edición de Primavera Sound, la llamada «Edición de las Estrellas» (y lo cierto es que su cartel estaba lleno de ellas), el festival ha vuelto a batir sus propios récords, a consolidarse un poco más como referente internacional del sector y a dejarnos exhaustos y razonablemente satisfechos. La táctica del festival de ofrecer cantidades ingentes de opciones musicales de una calidad que rara vez baja del notable es prácticamente infalible si conoces los trucos para adaptar los hándicaps y ventajas del festival a tus gustos y filosofía de disfrute. En cualquier caso, creemos sano y necesario hacer un pequeño balance de lo bueno y lo malo vivido en esta edición, así como de cosas que, de cara a una próxima edición (que ya se ha confirmado se celebrará entre los días 31 de mayo y 4 de junio de 2017), podrían mejorar.

Los servicios mejoran cada año y la selección artística, también
En cuanto a logística y servicios, el festival mejora cada año. El escenario Beach Club es, según los que han podido disfrutarlo, una maravilla para vivir el festival a un horario diferente y en una actitud mucho más relajada de lo habitual. También cabe destacar la creciente oferta de Primavera a la Ciutat, con muchos más conciertos gratuitos y de bandas cada vez más conocidas (Robert Forster, Cass McCombs, Julien Baker o Andy Shauf figuraban en su oferta), que permiten abrir el festival a la ciudad y a gente que, por razones presupuestarias, no puede permitirse acceder al Parc del Fòrum. Dentro de este recinto, también mejoran notablemente la cantidad y calidad de aseos (cada vez hay más aseos VIP, que se agradecen mucho) y más zonas de comida diseminadas por el festival. También se agradece que, al fin, se hayan dejado de zarandajas e inventos varios para cobrar en las barras. Definitivamente, el pago efectivo o con tarjeta hace todo más fluido, y se nota una buena dotación de personal al que, eso sí, le lleva al menos un día entrar en harina (la diferencia de atención del jueves al viernes fue palpable). Será perfecto cuando la cobertura móvil alcance también los escenarios más alejados, este año llamados Heineken y H&M, conocidos jocosa y popularmente por los asistentes como Mordor.

En el plano artístico, lo vivido por el equipo de JENESAISPOP en los tres días principales de festival en el Parc del Fòrum vuelve a ser muy positivo. Con el espectacular (más en lo musical que en lo escenográfico) concierto de PJ Harvey en lo más alto de un podio que podrían completar The Last Shadow Puppets y LCD Soundsystem, nos hemos deleitado con fantásticos conciertos de Tame Impala (pese a su raro/memorable parón en ‘Eventually’), Kamasi Washington, Deerhunter, Vince Staples, Robert Forster o Animal Collective, sobre todo, y Beach House, Brian Wilson, Savages, Air, Sigur Rós, Ben Watt o Beirut, en menor medida. Y, por supuesto, el festival volvió a brindarnos una oferta tan amplia y variada como para permitirnos presenciar grandes shows de bandas menos habituales y/o populares como los de Boredoms, Julia Holter, Ty Segall & The Muggers, Chairlift, Selda Bağcan, Savages o Los Chichos, cada uno de su padre y de su madre pero capaces de emocionarnos y sorprendernos. Esta es la esencia de este festival y por esto no queremos perdérnoslo nunca.

La polémica del sonido en Radiohead
Sabemos que mucha gente no estará de acuerdo en ver en esta lista personal un concierto como el de Radiohead, pero, sinceramente y para nuestra -enorme- tristeza, nos defraudó. Y pienso que merece una explicación profunda. Personalmente, he tenido la suerte de ver en directo a Radiohead muchas veces y en muy diversos escenarios, y jamás me había encontrado con un concierto de la banda británica así. Es tan sencillo como esto: el sonido era prístino y la banda ejecutó a la perfección, pero el volumen era tan escaso que no era perceptible si no estabas alineado de la torre de sonido hacia adelante. Como ejemplo, decir que en mi zona, poco más atrás de esa torre, tuvimos que mandar callar a unos italianos que gritaban como hienas durante ‘Daydreaming’ e, incluso en un silencio casi sepulcral, resultaba apenas audible la música. Hasta ese punto llegaba la cosa. Atendiendo a las explicaciones ofrecidas en el Foro de Primavera Sound por su director, Gabi Ruiz, «Radiohead es una banda a la que le gusta tocar a ese volumen. Ellos llegan y toman el control de absolutamente todo por lo que para bien o para mal el mérito del show les pertenece a ellos. Nosotros en este caso también somos meros espectadores».

No pongo en duda lo que asevera Ruiz pero me pregunto, dejando claro que mi punto de vista es el de un mero espectador sin fundamentos técnicos: ¿nadie de la organización puede verificar que la segunda línea del sistema de refuerzo de sonido está funcionando y que el volumen llega a todo el recinto? Sé que estoy en un festival masivo, y precisamente por eso, sé que no siempre me pitarán los oídos o me retumbarán los bajos en las tripas como si estuviera en una sala de 2.000 personas. Pero, precisamente por eso, ¿acaso no era este el concierto que debía oírse prácticamente en todo el Parc y no solo en la zona reservada para entradas VIP, invitados y los fans madrugadores. Máxime cuando, en días anteriores y posteriores presenciamos conciertos como el de LCD Soundsystem y PJ Harvey en ese mismo escenario que gozaron de un volumen no espectacular pero sí adecuado. El mismo escenario H&M, situado enfrente, gozó de más y mejor sonido (la calidad sonora de Tame Impala hasta el parón fue inmaculada, de hecho). Me marché del concierto de Radiohead al de Tortoise triste, no para hacerme el guay y contarlo en la barra del bar o en un foro (barra de bar virtual).

Un recinto, dos festivales
Análogamente a esto, antes citaba lo de los fans acérrimos de los grandes nombres del festival. La concentración de los artistas que mayor número de fans atrae en la gran explanada, con los dos mayores escenarios enfrentados, prácticamente polariza el festival en dos eventos diferentes: uno, congregado en lo que fue el núcleo original del festival en el Parc, vendría a ser el Primavera Sound de toda la vida; otro, concentrado en esa explanada, con artistas de campanillas que, no nos engañemos, atraen al grueso del público. La sucesión de esos grandes nombres alternados entre ambos escenarios constituyen ya un certamen en sí mismo, del que uno puede perfectamente no moverse desde las 18:00h hasta las 3:00h. Es estupendo que exista es posibilidad, cierto, pero, ¿qué pasa con la parte del público que es capaz, y quiere, disfrutar tanto de un pequeño set de DJ en el Beach Club o de un grupo de folclore africano en el Ray Ban para, después, ver a un grupo masivo? Creo que ese era el espíritu original del Poble Espanyol, que logró captar tantos adeptos y que, en aras de un legítimo crecimiento, podría estar llegando a perderse, si no se logra que la experiencia sólo sea buena para la mitad (o menos) de las 40.000 personas que se acercaron a ver a Radiohead.

¿Por qué no contribuir a una nueva clase alta del pop estatal?
Por último, una reflexión sobre el estado del pop rock estatal y su influencia en este certamen: es muy cierto que, pese a la polémica generada hace cuatro ediciones a raíz de un artículo del periodista Jordi Bianciotto que afeaba la escasa presencia de artistas catalanes, la organización parece haber tomado nota de ello, incluyendo hasta 50 bandas radicadas u originarias de Cataluña. Y es muy cierto que, a través de los eventos de Primavera a la Ciutat y Primavera als Barris, se ha dado la oportunidad de actuar a muchas bandas locales que, de otro modo, no habrían tenido cabida.

Sin embargo, si nos ceñimos al Parc del Fórum, salvo la excepción de Manel, que abrieron el escenario H&M el sábado, el resto de grupos y artistas catalanes y españoles se han visto relegados a un papel poco menos que secundario. Los nombre más populares, como Sr. Chinarro y El Último Vecino, se concentraron en la jornada inaugural y gratuita del miércoles, mientras que Joana Serrat, Autumn Comets, Aliment o Alberto Montero se conformaban con abrir escenarios de medio o pequeño tamaños. Quizá sea pronto para que C.Tangana o PXXR GVNG se suban a un escenario Ray Ban o Primavera en horario estrella, pero ¿qué hay de bandas del calado de Extraperlo, Triángulo de Amor Bizarro, La Bien Querida, El Guincho, Fernando Alfaro y/o Chucho, Joaquín Pascual, Zahara (¿por qué no?), The New Raemon, Suicide Of Western Culture (actuaron en Les Bases el jueves, pero esto es otra cosa), Nueva Vulcano o Francisco Nixon, que han presentado fabulosos discos en los últimos meses? Es evidente, lícito y hasta necesario para su sostenibilidad que Primavera Sound se nutra cada vez más de un público foráneo que busca una doble oferta turístico-cultural al visitar el festival y la ciudad. Un festival es, sobre todo, un negocio. Pero, precisamente por eso, Primavera Sound no solo podría ser un gran altavoz para la difusión de bandas estatales entre un potencial público extranjero, sino que, siendo el festival musical más importante a nivel nacional, sería fundamental que contribuyera a ofrecer alternativas a la escena, a evitar que únicamente grupos como Los Planetas, Love Of Lesbian, Lori Meyers o Supersubmarina copen los cabezas de cartel. Porque, de otro modo, el actual modelo de festival podría llevar al límite la burbuja de la que tanto tiempo se lleva hablando.

Fotografía de Dani Cantó para Primavera Sound.

Javiera Mena, en Madrid y Barcelona

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