White Hinterland ha denunciado a Justin Bieber y a su equipo por haber tomado el sample vocal femenino de su tema ‘Ring the Bell’, en el que tanto había trabajado, en el macrohit ‘Sorry’ sin permiso. La artista aseguraba haberse intentado poner en contacto con Bieber sin obtener respuesta.
Skrillex ha decidido contestar subiendo a Twitter un vídeo en el que muestra cómo el sample fue producido. Su texto dice: «Sorry, pero no hemos robado esto». Justin Bieber ha incrustado el tuit de Skrillex con el hashtag #wedontsteal, es decir, #norobamos. Curiosamente, su amigo Diplo ha sido más deslenguado, y ha asumido que el sample sí es de White Hinterland.
Aunque el productor no tiene nada que ver con ‘Sorry’ sí colabora en el disco ‘Purpose’ y ha hablado en TMZ del asunto. Ha dicho que cree que «llegarán a un acuerdo con White Hinterland» y que «no quieren ir a los tribunales con esto». «Creía que lo habían sampleado, pero pensé que lo habían aclarado. Se le debe de haber pasado a alguien. Alguien lo añadió y no se lo dijo a nadie», indica antes de contar cómo decidieron acreditar a Outkast en ‘All Night’ de Beyoncé por el parecido que tenía con ‘SpottieOttieDopaliscious’. «Se lo dije al resto y entonces tuvimos que dar a Outkast el 25% de la grabación, lo cual es una mierda para mí, pero bueno, tienes que pagar».
Después, ha retuiteado el post de Skrillex y ha criticado a Pitchfork en Twitter por usar a TMZ como fuente, a pesar de que en el vídeo se ve que concede una entrevista a este medio de sociedad, tan fresquito. Diplo ya había criticado a Pitchfork con anterioridad por haber usado TMZ como fuente.
¿Qué canción quieres que sea top 1 en JNSP?
Ariana Grande / Into You (56%, 129 Votos)
The Strokes / OBLIVIUS (11%, 26 Votos)
Shura / What’s It Gonna Be? (10%, 23 Votos)
León Benavente / Gloria (7%, 17 Votos)
Jarvis Cocker / Theme from Likely Stories (7%, 17 Votos)
Miss Caffeina / Mira cómo vuelo (4%, 10 Votos)
Car Seat Headrest / Fill In The Blank (3%, 6 Votos)
Cass McCombs / Opposite House (2%, 4 Votos)
Votos totales: 232
Esta noche Cuatro ha estrenado ‘Feis tu feis‘, su propio programa de entrevistas, ahora que el éxito de Bertín Osborne en TVE primero y en Telecinco después ha devuelto al primetime este género televisivo tan mítico que parecía desterrado para siempre (todo vuelve, amigas). Pero claro, la cadena enrollada necesitaba un formato fiel al estilo de la cadena: al espectador medio de Cuatro no le pega ni el señorito andaluz campechano y misógino ni la periodista de raza en pijama (la próxima semana regresa ‘Dos días y una noche’, de Susanna Griso). Y han dado con la tecla perfecta: Joaquín Reyes y sus famosísimas caracterizaciones de famosos, los «Celebrities».
Adaptando ‘How To Be’, un formato de éxito en Suecia, Alemania e Israel, la dinámica del programa consiste en que Reyes estudia a su invitado durante una semana (esa es, veladamente, la parte de la entrevista, en la que el protagonista desvela detalles poco conocidos de su vida) para aprender a ser él, caracterizarse e imitarle, muy a su manera, claro. El colofón del programa llega cuando, finalmente, es el invitado el que entrevista al co-autor de ‘Muchachada Nui’, en una especie de meta-«Celebrities».
Lo cierto es que la idea no sólo es original, sino que le va que ni pintada a un actor y humorista como Reyes. Hoy el invitado era Pablo Iglesias y posiblemente este programa, en el que hablaban sobre él tanto amigos (la cúpula de Podemos, Manuel Monereo…) como archienemigos (Miguel Ángel Rodríguez, Francisco Marhuenda…), haya contribuido a que llegue a caer un poquito mejor a los más reticentes hacia la figura del líder político.
Del espacio destaca, primero, el ágil ritmo del programa, que alterna miniencuentros entre imitador e imitado en lugares simbólicos para el invitado con escenas de la preparación del papel por parte del actor (resultó hilarante el encuentro con el actor e imitador Raúl Pérez), especialmente diseñados para el lucimiento de Reyes y sus chanzas. Y después, y sobre todo, funciona un guión bastante laxo y coloquial, con tacos y chascarrillos por doquier.
El colofón, por supuesto, llega con la «auto-entrevista» final. En ella, Joaquín Reyes hace una de sus descacharrantes personificaciones, con el añadido de hacerlo en la puta cara del imitado (Iglesias pareció tomarlo con bastante humor, aunque el montaje lo mostraba algo encorsetado por el guión). Huelga decir que es lo mejor del programa (y la cadena demuestra que lo sabe con una larga pausa publicitaria), si bien, al menos en esta primera emisión, se pierde un poco toda esa espontaneidad que sobresalía en la primera parte del espacio. Quizá ese sea el principal peligro, que Reyes acabe por fagocitar el protagonismo del show por delante, incluso, del invitado. 7.
Nick Cave & The Bad Seeds publicaron su último disco ‘Push the Sky Away‘ en 2013. Después, pudimos ver el documental sobre Cave ‘20.000 días en la tierra‘, y después, trágicamente conocimos la noticia de que el artista había perdido a uno de sus hijos al caer desde un acantilado. Desde entonces el artista guardaba silencio.
Ahora se ha sabido que una película sobre Nick Cave & The Bad Seeds se estrenará el 8 de septiembre. Como informa Pitchfork, la cinta aparece listada en una web en la que se indica que el día siguiente saldrá el nuevo álbum de la banda. La película será la primera ocasión en que el público pueda escuchar canciones de ese disco de Nick Cave & The Bad Seeds, pues no habrá singles de presentación ni se facilitarán a la prensa. Se indica que el disco «tiene una intimidad y una austeridad que reflejará el estilo fotográfico de la película. Será rodada en blanco y negro, color y 3D. La idea es crear una experiencia de sumersión pero también elegante, que sea tanto inmediata como digna de archivo». El álbum recibirá el nombre de ‘Skeleton Tree’ y la película ‘One More Time With Feeling’.
The Avalanches están de regreso al fin, más de 15 años después de su obra maestra ‘Since I Left You‘, y la semana que viene no faltarán al Primavera Sound.
Han dado muchos pasos en falso, pero parece que ahora están de regreso de verdad y en Stereogum han localizado una pista para escuchar su nueva música. Unos usuarios de Reddit han notado que en algunos posters promocionales vistos en Londres aparece un número de teléfono británico. Si llamas, suena un tema nuevo llamado ‘Subways’ a través de un sample que se va repitiendo en bucle. El teléfono es +44 800 098 8938.
Si no tienes cash para llamar a The Avalanches ahora mismo te podemos adelantar que el sample de música nueva es muy corto, y el sonido telefónico muy poco nítido, pero sí suficiente para que hayamos identificado un piano (no de cola), percusión mediterránea, un bajo que es puro disco, unas voces infantiles y un cambio de ritmo que parece voluntario y perteneciente a la canción. Sonaría como una mezcla de Justice circa ‘D.A.N.C.E.’, Daft Punk circa ‘Get Lucky’ y lo que identificamos muy claramente como «sonido Avalanches». Más y mejor, en días venideros, esperamos.
Los discos de Radiohead son una cosa muy seria desde el principio. El último, ‘A Moon Shaped Pool‘, también: habla de cosas como el calentamiento global, el divorcio de Thom Yorke, los refugiados, etcétera. Su gira, que llega la semana que viene a Barcelona como parte del Primavera Sound, sólo puede ser una cosa súper solemne, pero quién sabe, puede que te rías un poquito durante su concierto porque en algún lugar el grupo esconde su sentido del humor.
En su regreso de gira a Reino Unido por primera vez en años, dos cosas salieron mal: Jonny Greenwood se equivocó de sonido en el minuto 0.40 de ‘Nude’ y Thom Yorke lo hizo en el minuto 3.55 de ‘Paranoid Android’, saltándose un puente y pasando a la parte «rain down»… sin poder evitar ya que el público se lanzase a cantarla. El momento coral resultante es bonito, pero el verdadero titular que dejan estos vídeos rescatados por el club oficial de fans de Radiohead es más entrañable y humano todavía.
Bloc Party no se han separado. Y siguen sacando discos. Aunque con matices. El grupo ha perdido algo de credibilidad, pues tras la marcha de Matt Tong y Gordon Moakes, sólo quedan Kele Okereke y Russell Lissack de la formación original, y ya nadie sabe muy bien en qué se diferencia la carrera de Bloc Party de la de Kele en solitario. 25 años después de ‘Achtung Baby’ no nos vamos a sorprender de que un álbum alterne electrónica y rock llenaestadios con temas más intimistas. Con un poquito de su pasado como grupo y el CV de Okereke por su cuenta, Bloc Party consiguen un par de temas efectivos, del machacón y bailable ‘The Love Within‘ al melancólico ‘Exes’, cuyos coros logran cómodamente su objetivo. El problema es el resultado de casi todo lo que queda en medio. El single ‘The Good News’ quiere ser el nuevo ‘Loser’ de Beck o el nuevo ‘Personal Jesus’ de Depeche, pero parece una cara B del último de Noel Gallagher. El otro sencillo ‘Virtue’ contiene demasiados ingredientes de los otros dos singles (‘The Love Within’, ‘The Good News’), y además su final está inspirado descaradamente en ‘Mr. Brightside’ de The Killers. Casi tanto como ‘Into the Earth’ en la canción del verano que un día lograron Weezer con ‘Island in the Sun’. Es trágico que la sensación de «intimidad» que tanto les gusta (tienen un disco llamado así) se confunda con tedio. ‘My True Name’ aburre y la ultra sexual ‘Fortress’ es como un mal polvo en el que te quedas dormido. En algún lugar de la cabeza de Okereke hay inquietud e ideas -al menos no hacen el mismo álbum una y otra vez-, pero no le vendría mal asesoramiento para orientarlos artística y también comercialmente: este último álbum ‘HYMNS’ lo sacaron en enero como para que no se enterara nadie… como así ha sido.
Bloc Party actúan en el FIB y en Kutxa Kultur Festibala.
Calificación: 5,5/10 Lo mejor: ‘The Love Within’, ‘Exes’, ‘Only He Can Heal Me’ Te gustará si: eres fiel por naturaleza. Escúchalo:Spotify Cómpralo:Amazon
Estupendas noticias para Melanie Martinez. La cantante ha agotado las entradas para su concierto del 6 de noviembre en el Teatro Barceló de Madrid en solo unas horas de ponerse a la venta oficialmente y a solo tres días del anuncio de este concierto, el primero de la cantante en nuestro país. Martinez presentará su notable álbum debut, ‘Cry Baby‘, que, por si cabía alguna duda, ha gustado mucho, mucho.
Bat For Lashes saca nuevo disco el 1 de julio, dando continuación a ‘The Haunted Man‘. Se llama ‘The Bride’ y de él ha presentado los temas ‘I Do‘, ‘In God’s House‘ y este otro, ‘Sunday Love’, para el que hoy estrena vídeo. El corte no solo suena como una versión acelerada de ‘Daniel‘, sino que en su videoclip Natasha vuelve a la carretera como en aquel videoclip, sólo que ahora vestida de novia (ver título del álbum). Un vídeo de componentes lynchianos pasado por Expediente X que también recuerda un poquito a ‘You Look So Fine’ de Garbage. Dirige ella misma junto a John DeMenil (‘Max Ernst Hanging’).
¿Existe la música gay y la música hetero? ¿Hay algo inherentemente gay en la música de Donna Summer, Madonna, Kylie Minogue o George Michael que atrae a los gays y no a los heteros? Es una pregunta para la que una tienda de discos advertida recientemente en Twitter tiene una respuesta clara: sí.
La tienda en cuestión, cuya ubicación se desconoce por el momento, es noticia hoy porque una imagen en Twitter muestra que ha archivado bajo la etiqueta «gay» algunos de los discos de su catálogo, entre ellos los debuts de Troye Sivan y Years & Years. Por si no lo sabíais, tanto Sivan como el líder de Years & Years, Olly Alexander, son gays.
Después de que una fan advirtiera a Alexander sobre la existencia de esta tienda, el músico no esperaba en tuitear su opinión al respecto. «No pasa nada si crees que mi música es gay, me encanta mi música gay, pero ¿puedes de verdad catalogar un sonido o estilo como «gay»?», escribía. «Hola, ¿qué estilo de música haces? Gay». Yo y mi trasero gay amamos la música gay y ser gay es lo mejor». A continuación, Alexander escribía que se encontraba «de camino al estudio».
Francamente, no queda muy clara la postura de Alexander ante esta desfachatez (¿es la música de k.d. lang música lésbica solo porque ella es lesbiana? ¿Por qué la música de Troye Sivan es gay y la de Banks, por mencionar a alguien, no lo es?). Por fortuna, la tontería ha inspirado la broma en Twitter de otro prominente artista gay, Adam Lambert, que ha preguntado a Alexander, en relación a su vuelta al estudio, si su próxima canción será «activa o pasiva». ¡Igual es versátil, Adam!
.@alexander_olly but is your song gonna be a top or a bottom?
Muchos conciertos de este fin de semana se reorganizarán en función de la final de la Champions, que enfrenta al Real Madrid con el Atlético de Madrid después de que cante su nuevo single Alicia Keys. Uno de ellos será el que ofrecen Monte Terror junto a Berlina, que arrancará cuando acabe el partido.
Berlina, con origen en Ávila y Madrid, presentan su larga duración, ‘Desértico’, un disco que hace honor a su nombre por los paisajes a los que nos remite su sonido shoegaze y dream pop, también influido por las densidades propias del post-rock. Citan entre sus referentes a Slowdive, Ride o los más actuales Autolux o Deerhunter y tras la edición de un par de EP’s con temas como ‘Tiempo y transfiguración’, el grupo da un paso al frente en compañía de Manuel Cabezalí, con canciones tan contundentes como ‘Futuro imperfecto’, el corte titular o el single ‘Tu voz sumergida’, válidas para los seguidores de Toundra y un poquito también para los de The Suicide of Western Culture.
Las texturas del post-rock están claras en la evolución (e involución) de ‘Desde donde mira el sol’, y ‘Nada’ termina con las guitarras típicas de la escuela shoegaze, pero lo mejor del álbum de Berlina es la incorporación de elementos electrónicos aportando variedad y color (‘Lo que nos rodea’) e incluso alguna pequeña incursión pop: ‘Perdidos’, que suena como una distorsión de Los Brincos hecha en la España post-indie; o el inicio de ‘Renacer’.
Chance the Rapper ha hecho historia esta semana gracias a su nueva «mixtape», ‘Coloring Book’, el primer disco que entra en lista en Estados Unidos solo gracias al streaming. Además, ha entrado directo al top 10. Ahora, el rapero ha sacado un vídeo para una de sus pistas, ‘No Problem’, en el que se deja ver divirtiéndose con sus coleguis, lo que incluye a Lil’ Wayne y a 2 Chainz, que también sueltan unos versos por aquí.
Chance the rapper ft. Lil Wayne and 2 Chainz – No Problem (Music Video) https://t.co/DeeWPhvMT8
La recaudación de ‘Julieta‘ en España ha sido decepcionante. Se desconoce si a consecuencia del mal sabor de boca que dejó ‘Los amantes pasajeros’ o por influencia de los traídos y llevados papeles de Panamá, la cinta ha recaudado en España unos 2 millones de euros, después de haber logrado 600.000 euros en su semana de salida. Últimamente, las pelis de Almodóvar recaudaban unos 5 millones de euros en nuestro país.
Otra cosa muy distinta es la que ocurre en Francia. Aunque no ha triunfado en Cannes, donde ha recibido buenas críticas pero también alguna regular, ‘Julieta’ ha recaudado 1,2 millones de euros en su primera semana en el país vecino. Es top 2 en taquilla después de ‘X-Men: Apocalipsis‘, cuando en España no pasó del top 5 en su finde de salida. Según la previsión, ‘Julieta’ recaudará en Francia 4 millones de euros, el doble de lo logrado aquí. El Español recuerda que no es la primera vez que pasa esto ni mucho menos, pues si ‘Volver’ recaudó 10 millones en España, en Francia fueron 15. Además, apuntan que Cahiers du Cinéma ha puntuado la cinta con cinco estrellas.
Por su naturaleza, Coldplay es uno de los pocos grupos actuales, por no decir el único, capaz de hacer que casi todas las canciones de su repertorio en directo, por su elaborada puesta en escena, parezcan la última. En más de una ocasión durante su espectacular concierto de anoche en el Estadi Olímpic de Barcelona volaron fuegos artificiales, globos y coloridas nubes de confeti alrededor del estadio no solo al final del show, como sería de esperar, sino inmediatamente después de la cumbre de muchas de las canciones presentadas, lo que hizo de su espectáculo una fiesta constante. Sin ir más lejos, varias nubes de confeti de colores sobrevolaban el recinto nada más empezar el concierto, durante ‘A Head Full of Dreams’, el tema que titula el último disco del grupo. Pareció que el grupo había empezado el show por el final, pero no, era solo el principio.
Precedidos por Alessia Cara y una encantadora Lianne La Havas, que desgranó con orgullo parte de su último disco, el notable ‘Blood’, ante un público distraído por la inminente llegada de Coldplay, los de Chris Martin ofrecieron un concierto #alegre y #desuperbuenrollotía en el que sus mejores canciones destacaron muy por encima de las peores y de las canciones de relleno del repertorio, que las hubo, como esa versión de ‘Heroes’ de David Bowie que no vino nada a cuento. Fue un buen momento el de anoche para descubrir exactamente qué canciones del grupo han resistido el paso del tiempo y cuáles no, y si ‘Paradise’ continuó siendo tan bobalicona como siempre, ‘Magic’ representó el gran triunfo de la sutileza frente al capricho llenaestadios de canciones como ‘Every Teardrop Is a Waterfall’ (fuegos ✓ confeti ✓) y esa canción que nadie pidió llamada ‘Amazing Day’.
No pocos ni pocas defenderán que Coldplay llevan haciendo más o menos el mismo concierto desde que se obsesionaran con el color en ‘Viva la Vida or Death and All His Friends’ hace ocho años. La gira de ‘Ghost Stories‘ dio al grupo un pequeño respiro de la fiesta policromática que monta en cada uno de sus espectáculos (aunque el vídeo de ‘A Sky Full of Stars’ es el que es), pero la sensación que dio anoche su concierto, más que la de que el grupo se repite, es que Martin y compañía han sabido explotar una idea de diversas formas. No tanto ha cambiado desde ‘Mylo Xyloto’ después de todo, pero visto lo visto, probablemente no importe demasiado. Quizás el siguiente paso de la banda, después de entregar pulseras luminosas a unas 54.000 personas, las que llenaron el estadio, es montar una gira de «holi festivals» por todo el mundo.
De todas formas, el repertorio del grupo fue lo suficientemente variado para que el espectáculo lo fuera también. No todo fueron referencias a la India o carreras a través de la pasarela en sincronía con la cumbre de una canción tipo «let me shoot across the sky» de ‘Hymn for the Weekend’, que fue uno de las grandes momentos de la noche (la canción entera, no solo este instante en particular). Algunas de las canciones más antiguas del grupo, como ‘Yellow’, ‘The Scientist’ y, sobre todo, ‘Clocks’, fueron igual de celebradas o más y ni el subidón frustrado de ‘Fix You’, la gran decepción de la noche, pareció hacer mella en la emoción del público. Por cierto, parece que tenga un problema con los subidones en directo, pero es que hay cosas de los discos que son muy difíciles de replicar en vivo, y esta es una de ellas.
La escenificación de Coldplay, conformada por el escenario principal y dos escenarios pequeños que atraviesan la totalidad del estadio a través de una pasarela subterránea, dio lugar a un show dinámico pero que se prestó a pocas sorpresas. La única realmente memorable ocurrió durante la sección acústica, que el grupo aprovechó para solicitar una canción a los fans desde Instagram (cayó ‘See You Soon’ de su EP de 1999, ‘The Blue Room’). Un pequeño detalle por parte de un grupo que se lo puede permitir absolutamente todo (incluso a la misma Adele, que actuó en Palau Sant Jordi la noche anterior, dándolo todo con ‘Adventure of a Lifetime’ desde las gradas). La soberbia ‘Up&Up’ cerró el espectáculo desde lo alto pero absolutamente nada de su interpretación me distrajo del maravilloso videoclip que el grupo ha hecho para esta canción y que era proyectado en las pantallas. Una despedida perfecta para un concierto imperfecto que, sin embargo, difícilmente dejó a alguien con mal sabor de boca.
Como marca la tendencia en lanzamientos discográficos de ‘Beyoncé’ a esta parte, de la nada ha llegado un EP con nuevas canciones de The Strokes y, la verdad, mis cejas arqueadas se han convertido en una mueca casi constante, ya desde una portada bastante fea. Precisamente, me he acordado de aquel viral de la cara de Albert Hammond Jr viendo un concierto de Julian Casablancas en solitario. Pues más o menos así estoy. Apenas ‘OBLIVIUS’ (sic), el ¿single? que dieron a conocer ayer, se puede rescatar como lo más decente de ‘Future Present Past’. No diré que sea el regreso ansiado a las maneras de su primer y aclamado álbum, pero se acerca bastante, gracias a unas guitarras bien afiladas y a una melodía vocal muy resultona… al menos hasta que, tras el puente, llega esa descacharrante ida de olla final, con Julian tratando de perpetrar un canto sufí o un fandango, no está claro. Un WTF de altura. Por cierto, esa percusión que suena en el estribillo… ¿no es una pelota de ping pong?
Y hasta ahí, decía, lo más destacado de un disco que no genera sino recelo ante el probable álbum del grupo que vendrá en los próximos meses. Del resto, poco que rascar: ‘Drag Queen’ pretende ser un encuentro, fallido, entre los bajos de Peter Hook en Joy Division y unas trompetas mariachi (imaginamos que fruto de las sesiones de grabación desarrolladas en Nuevo México hace unos meses), y el resultado es una amalgama extraña, que apenas levanta el vuelo hacia el final, si bien queda desactivada por una letra tontísima que solo puede haber sido escrita con un pedo de peyote, digna de los más recientes despropósitos de Casablancas; ‘Threat Of Joy’ es una canción mona (sobre todo su final) pero predecible, un descarte de manual; y la mezcla alternativa de ‘OBLIVIUS’ a cargo del propio Fab Moretti, apenas una curiosidad prescindible con profusión de teclados cuyo único ¿mérito? es ahogar las logradas guitarras. En conjunto, ‘Future Present Past’, a pesar de ‘OBLIVIUS’, no dibuja una línea artística sólida, ni sorprendente ni interesante, sino lo contrario. Con este antecedente, ese futuro nuevo largo de The Strokes despierta más expectación por el hostión que podrían pegarse que por las satisfacciones que promete.
Clasificación: 4,8/10 Lo mejor: ‘OBLIVIUS’ Te gustará si te gusta: Julian Casablancas + The Voidz Escúchalo:Spotify Cómpralo: Pre-venta en Cult Records.
Red Hot Chili Peppers, que habían estrenado una sorprendente canción de su nuevo disco, el single ‘Dark Necessities‘, ahora suben a plataformas de streaming un tema llamado ‘The Geataway’ que da nombre a ese largo que llegará el 17 de junio. Este tiene un aroma menos soul y viene marcado por un punteo de guitarra y el uso de coros femeninos. Anthony Kiedis, por otro lado, ya se ha recuperado de una gripe intestinal que le obligaba a ser ingresado en el hospital hace unos días.
El miércoles por la noche hubo un tiroteo en el Irving Plaza de Nueva York justo antes de que comenzara un concierto de T.I. Tres personas resultaron heridas y una murió, resultando ser esta Ronald Mcphatter, el guardaespaldas de otro rapero, Troy Ave.
Ahora se conoce la noticia de que Troy Ave ha sido arrestado por intento de asesinato y por posesión de armas, según ABC7 y recoge Pitchfork. A la espera de los resultados de las pruebas, Daily News dice que es posible que se le acuse también de asesinato. Según algunas fuentes Troy Ave tuvo una pelea con Maino, que acababa de dejar el escenario como telonero, antes del tiroteo. Pero Maino ha negado en Instagram que hubiera ninguna disputa entre ambas partes de manera tajante, indicando que siempre se ha llevado bien con él y han colaborado varias veces. Según la policía, Troy Ave también se disparó a sí mismo en una pierna durante el forcejeo.
Troy Ave es autor de varias mixtapes y de un par de discos desde 2009. Su álbum de 2015 logró llegar hasta el puesto 109 del Billboard 200, a pesar de las tibias críticas que había recibido. En ese ‘Major Without a Deal’ colaboraban Snoop Dogg y Pudd Daddy, además del propio T.I.
White Hinterland ha denunciado a Justin Bieber, Skrillex y el resto de co-autores de ‘Sorry’ (Julia Michaels, Justin Tranter y Michael Tucker) por haber copiado un tema suyo.
En los documentos a que ha tenido acceso TMZ se especifica que Sorry imita «las características únicas del riff vocal femenino» de la canción de 2014 de White Hinterland ‘Ring the Bell‘. White Hinterland, cuyo verdadero nombre es Casey Dienel, indica que ha pedido a Bieber que deje de usar el sample desde diciembre, pero que ha sido ignorada. Ahora le exige una compensación económica y que deje de tocar la canción.
Después de conocerse la noticia, ha acudido a Facebook para escribir una larga carta en la que indica que los autores, productores y artistas que tocan en ‘Sorry’ no han obtenido ninguna licencia para «explotar su trabajo». «Crear música original y única es la pasión de mi vida, pero también es un desafío y consume tiempo. Me estrujé el cerebro, sudé y lloré para escribir y producir ‘Ring the Bell’, y estoy orgullosa de este trabajo que Rolling Stone listó como una de sus «canciones favoritas, discos y vídeos». A través de mi carrera, he trabajado muy duro para guardar mi independencia y control creativo, así que ha sido un shock escuchar que mi trabajo ha sido usado y explotado sin mi permiso».
Continúa: «Como tantos otros artistas que samplean música, Bieber podría haber obtenido una licencia para usar mi canción y usarla en ‘Sorry’. Pero escogió no contactarme. Después de sacar ‘Sorry’, mis abogados le enviaron una carta informándole de la infracción, pero el equipo de Bieber escogió ignorarnos. Ofrecí a su equipo la oportunidad de tener una conversación privada, pero rechazaron incluso reconocer mi petición a pesar de la obviedad del sample. Justin Bieber es una de las mayores estrellas de todo el mundo y estoy segura de que él y su equipo lanzarán un ataque contra mí. Pero no me han dejado otra opción. Creo que tengo una obligación para con mi música y arte».
El parecido, como podréis observar, es más que evidente desde el segundo cero. ‘Sorry’ ha sido una de las canciones más exitosas en todo el mundo en 2015 y también en 2016. A día de hoy, seis meses después de su lanzamiento, continúa en el top 40 de Reino Unido, Estados Unidos o España.
Para más inri, White Hinterland tiene una canción llamada ‘Baby’, esta vez posterior a la del muchacho.
Aquí tenéis nuestro nuevo playlist semanal recogiendo algunos de los lanzamientos más importantes que se han producido esta semana. Obviamente, el lanzamiento estrella ha resultado ser inesperado: The Strokes han regresado de improviso a través de un nuevo EP, ‘Future Present Past’, ya disponible. Otros futuros lanzamientos anunciados y destacados en nuestra lista de reproducción son los próximos largos de los inagotables Dinosaur Jr., unos remozados y hasta bailables Wild Beasts, los technoheads de DFA Factory Floor, los exitosos Clean Bandit, con un nuevo tema cantado por Louisa Johnson, Jake Bugg, que adelanta otra canción (ojo con esta ‘Love, Hope And Misery’) de su inminente nuevo álbum, los canadienses Dragonette, que no decepcionan con la tropical ‘Lonely Heart’, y un Cass McCombs que con su fichaje por Anti pasará a jugar las grandes ligas, que se dice.
Otros singles presentados estas últimas horas son los de los muy esperados discos de debut de Shura y NAO, dos artistas destinadas a un lugar destacado en el pop de 2016. Coincide, además, que sus nuevas canciones llegan en una semana de interesantes lanzamientos a cargo de mujeres: se publican los nuevos discos de Kristin Kontrol, que se diera a conocer como líder de Dum Dum Girls; Beth Orton, que regresa con sonidos menos folkies de lo que acostumbraba; Clare Maguire, una portentosa cantante que no ha gozado de la suerte que merece; Olga Bell, ex miembro de Dirty Projectors que lanza un primer largo repleto de un muy personal pop electrónico; y Maria Usbeck, una ecuatoriana afincada en USA y que, bajo el ala de Caroline Polachek de Chairlift, publica ‘Amparo’, un debut cantado enteramente en su lengua madre. También regresan inesperadamente Jessie Ware, que ha prestado el inédito ‘Till The End’ para una banda sonora, y Unknown Mortal Orchestra, que nos obsequian con un nuevo single muy bailable.
Otras novedades destacadas que ven la luz hoy viernes son el regreso a la actividad discográfica de los legendarios The Monkees, con un nuevo largo que cuenta con composiciones de Rivers Cuomo (Weezer), Ben Gibbard (Death Cab For Cutie) y Andy Partridge (XTC); los nuevos largos de tres interesantísimos productores como son el australiano Flume, y los británicos Lone y Gold Panda; el cuarto álbum de los canadienses Holy Fuck, que dejaron atrás sus inicios instrumentales y cada vez parecen más cómodos con el componente vocal; y el primero de los dos EPs que había anunciado Brian Hunt. Esta semana al fin podemos empezar a disfrutar en todas las plataformas de streaming de ‘Coloring Book’, el ¿mixtape? repleto de estrellas que lanzó Chance The Rapper hace 7 días. Y también creemos que merece la pena recuperar un lanzamiento del pasado fin de semana: el nuevo EP de Braids, ‘Companion’, que contiene cortes tan atractivos como este ‘Joni’.
Aunque suene raro, Hyperdub -el sello de Burial, Laurel Halo y la reivindicativa Fatima al Qadiri– editaba hace unos días uno de los mejores discos de pop de lo que llevamos de año. Se trata del segundo largo de la canadiense Jessy Lanza, ‘Oh No’, a quien descubrimos hace tres temporadas con un álbum debut, ‘Pull My Hair Back’, de R&B electrónico nocturno, introspectivo y gélido en su inclinación futurista que parecía mentira tardara tanto tiempo en encontrar continuación. Pero una cosa os digo, con discos como este nadie necesita un segundo disco de Frank Ocean.
Como aquel, ‘Oh No’ vuelve a estar producido por Lanza junto a Jeremy Greenspan de Junior Boys, sin embargo, la evolución en sonido es palpable desde el minuto uno, en una ‘New Ogi’ que solo necesita dos minutos para atrapar al oyente de lleno en el mundo de surrealista sensualidad que evoca todo el álbum. Esta evolución consiste en un sonido más voluminoso y valiente en su acercamiento a otros géneros (la humeante ‘I Talk BB’ es como una slow jam de Prince pasada por el filtro de ‘Drive’), desarrollado con mejor maquinaria e inspirado en parte por la naturaleza peculiar de los discos de pop electrónico japonés de los ochenta, concretamente los de Yellow Magic Orchestra; y en unas actuaciones vocales de Lanza más confiadas y dispuestas a hacerse oír, como sugieren la balada ‘Begins’, que podría haber cantado Aaliyah o, más recientemente, Kelela; o la juguetona ‘Going Somewhere’.
El primer adelanto que conocimos del álbum, ‘It Means I Love You’, es la mejor canción que ha hecho Lanza hasta la fecha. Estamos ante un número caliente, saltarín, hipnótico y absolutamente irresistible que no solo refleja muy bien la variedad del álbum sino que debería sonar en todas las discotecas del mundo desde el momento en que salió, gracias especialmente a la parte en que Lanza abandona el micrófono para otorgar todo el protagonismo a una base que, a través de una suma progresiva de ritmos, sacudidas y samples, teje un momentazo sonoro que es puro hedonismo à la Nueva Orleans. Por cierto, samplea la base de ‘Ndzi teke riendzo’ de Foster Manganyi.
Aunque al disco le faltan más hits claros que este, lo cierto es que su conjunto está muy bien cerrado y el largo se deja escuchar sin problema de principio a fin, algo que ‘Pull My Hair Back’ no lograba del todo. Y es que tanto la bombástica ‘V V Violence’ como el elegante disco ochentero ‘Never Enough’; ‘Vivica’, que es el hit que FKA twigs todavía no ha escrito; o la deslumbrante canción titular, inclasificable, redondean asimismo un largo de una exquisita modernidad que es de los que no salen todos los días. Para bailar, recogerse, hacer el amor o conducir por la costa a las cinco de la mañana, ‘Oh No’ es, en definitiva, un disco para quemar.
Clasificación: 8,2/10 Lo mejor: ‘It Means I Love You’, ‘Never Enough’, ‘I Talk BB’, ‘Oh No’ Te gustará si te gusta: Grimes, Frank Ocean, Kelela, Zombie Escúchalo:Spotify Cómpralo:Bandcamp, Amazon.
Como pudisteis comprobar, el nuevo single de Britney ‘Make Me (Oooh)’ no sonó finalmente en la gala de los Premios Billboard en contra de lo que se había anunciado. Parece que se retrasa hasta el verano. Así lo ha dicho G-Eazy en una entrevista con la revista alemana Bravo recogida por el NME, en la que ha indicado que aparece como artista invitado. ¿Qué significa eso? Probablemente que el tema esté orientado al hip-hop. El rapero autor de ‘When It’s Dark Out’ es conocido sobre todo por su tema ‘Me Myself and I’, que alcanzara el puesto 7 en las listas de Estados Unidos. Finalmente ha comentado que el vídeo no ha sido grabado aún porque los dos están «muy ocupados».
Jessie Ware, de la que se ha sabido poco desde la edición del excelente ‘Tough Love‘, tiene nuevo tema. La que es una de las voces fundamentales del nuevo R&B participa en la banda sonora de la película ‘Antes de ti’, que cuenta con Emilia Clarke y Sam Claflin. Su tema se titula ‘Till the End’ y podría haber sido un medio tiempo en los 80 de Fleetwood Mac o Carly Simon. Puede escucharse a través de Elle. Allí, Ware indica que leyó el libro durante su luna de miel, así que para ella ha sido muy emocionante hacer este tema.
Hace un año, las hermanas CocoRosie publicaron su sexto álbum, ‘Heartache City’. Esta semana, y cerca de un año después de avanzar algunos de sus temas en el festival Cruïlla de Barcelona, las hermanas Bianca y Sierra Casady vuelven a presentarlo en nuestro país. Hoy mismo actúan en la sala Apolo de Barcelona y mañana lo harán en el teatro Barceló de Madrid, el 28 en la sala Albéniz de Gijón y el 29 en el Circo Bombo y Platillo de Zaragoza. Con motivo de su visita, charlamos por teléfono con Bianca (a la derecha en la foto) sobre este disco, el vídeo de ‘Lost Girls’, su reciente aventura teatral en solitario u otros temas que interesan al grupo como Islandia o feminismo, dos temas, de hecho, para ella estrechamente relacionados.
¿Cómo ha ido la gira?
Muy bien, aunque acabamos de empezar, dimos el primer concierto de la gira justo anoche [10 de mayo].
Hace un año tocasteis en el festival Cruïlla de Barcelona. ¿Ha cambiado algo vuestro directo desde entonces? El disco que tocáis es el mismo…
Nuestros conciertos siempre son diferentes porque cambiamos el estilo de nuestras canciones con frecuencia.
Hace un año que salió ‘Heartache City’. Lo grabasteis en vuestro estudio en Francia con el equipo mínimo y suena muy parecido a vuestro álbum debut, ‘La maison de mon rêve’. Es, como vosotras mismas lo consideráis, una vuelta a las raíces. ¿Crees que ‘Tales of a GrassWidow’ representa la cumbre de vuestro sonido?
No creo que sea la cumbre de nuestro sonido, eso es algo en que no hemos pensado. Siempre que hacemos música buscamos cosas nuevas pero, al mismo tiempo, desde nuestro primer disco hemos mantenido ciertas técnicas. Con este disco en particular queríamos concentrarnos más en la narración de historias, en la poesía de las letras y el ritmo de los versos rapeados y pasar menos tiempo experimentando con tecnología, que es algo que nos ha gustado mucho hacer en los últimos discos, pero de lo que queríamos alejarnos en este. Sin embargo, es difícil adivinar hacia dónde iremos después.
Os mostráis observadoras en vuestras letras. Describen el momento, a menudo usan el tiempo de presente, aunque no tienen por qué ser autobiográficas, también pueden narrar una historia ficticia. Por ejemplo, ‘The Tower of Pisa’, que cuenta la historia de una mujer hechizada por un mago, que solía ser la guapa de seis hijas y ahora luce envejecida y parece loca, y busca a su hija… ¿Qué querías expresar con esta canción?
Esa canción salió de una historia corta que escribí hace tiempo sobre una mujer situada al borde de la carretera que mira a través de las ventanas de los coches y cuenta su historia personal a los conductores. No te puedo decir de dónde viene exactamente porque es solo una imagen que se me ocurrió en algún momento dado.
«Con el vídeo de ‘Lost Girls’ nos interesaba mostrar una experiencia normal y universal, que es la de lo peligrosa que puede llegar a ser la experiencia de algo tan simple a su vez como haber nacido en un cuerpo femenino»
En mi opinión, el vídeo de ‘Lost Girls’ muestra que una idea simple, desarrollada con ingenio, puede resultar poderosa. ¿Cómo surgió este vídeo?
Grabamos ese vídeo en Buenos Aires, donde mezclamos el disco con nuestro ingeniero [Nicolas Kalwill]. Durante nuestra estancia allí conocimos a un par de artistas y juntos se nos ocurrió la idea de hacer un vídeo para esta canción. Fue una cosa muy espontánea. Hicimos un cásting a cientos de chicas. Nos tomó como once horas verlas a todas actuar. Fue una experiencia muy intensa porque muchas de ellas eran seguidoras nuestras. Finalmente seleccionamos a las actrices principales y después invitamos a quien quisiera a salir en la escena de la carrera final. Una gran parte de nuestro trabajo es fantasioso pero, en esta ocasión, nos interesaba mostrar una experiencia normal y universal, que es la de lo peligrosa que puede llegar a ser la experiencia de algo tan simple a su vez como haber nacido en un cuerpo femenino.
¿Pensáis hacer otro videoclip?
No hacemos muchos planes, si te digo la verdad. Depende de quién conozcamos y de lo que pase y de que el momento sea adecuado. Somos muy espontáneas en este sentido y no muy buenas haciendo planes.
¿Hay alguna canción del disco en particular para la que te gustaría hacer un vídeo?
Me gustaría hacer un vídeo para ‘Forget Me Not’. De hecho, llevo un tiempo trabajando en un vídeo para esta canción, pero siempre me termina saliendo muy oscuro, así que no sé cómo va a acabar el asunto.
Por eso has hecho un disco sola, ¿verdad?
[ríe] Exacto, para poder hacer lo que me dé la gana.
«La gente en Islandia tiene una conexión muy fuerte con la naturaleza. Una gran parte del mundo piensa que esto es una tontería o una cosa de niños pero forma parte de su cultura. Por eso no me extraña el modo en que este país aborda el feminismo. Islandia fue cristianizada hace miles de años pero su veneración espiritual a la naturaleza permanece intacta»
Volveré al tema de tu disco en solitario después, pero antes quería preguntarte sobre, según vosotras, la estrecha relación que existe entre feminismo y ecología, particularmente la que une el primero con los valores paganos previos al cristianismo. No sé si te has enterado pero Islandia ha oficializado recientemente de nuevo la fe en los dioses nórdicos. Pronto se edificará en el país el primer templo neopagano, el primero de esta naturaleza en 1000 años. ¿Qué opinas de esto?
La gente en Islandia tiene una conexión muy fuerte con la naturaleza y respeta a los otros seres, por ejemplo, a seres sobrenaturales como lo que llamamos hadas y duendes. Una gran parte del mundo piensa que esto es una tontería o una cosa de niños pero, en Islandia, por ejemplo las hadas representan la espiritualidad de la naturaleza. Es una cosa que forma parte de su cultura y que ha llegado al nivel de ser reconocida por el Gobierno. Por eso no me extraña el modo en que este país aborda el feminismo. Islandia fue cristianizada hace miles de años pero su veneración espiritual a la naturaleza permanece intacta. Nos encanta Islandia, nos sentimos muy conectadas con ella y hemos hecho algunos de nuestros discos allí. De hecho, ahora mismo estamos trabajando en una obra de teatro en Noruega que combina las mitologías noruega e islandesa. De alguna manera, este aspecto de la cultura islandesa siempre nos acompaña.
«El feminismo debería ser un movimiento de hombres porque, para las mujeres, es algo completamente automático. Como artista femenina, no hay nada que haga que pueda no ser feminista. El feminismo es la expresión femenina misma»
No escucháis mucha música y seguramente no controláis a Beyoncé, pero ha sacado un disco feminista, ‘Lemonade’. ¿Qué opinas de la corporativización del feminismo por parte de la industria de la música popular? ¿Creéis que el feminismo, cuanto más presente en nuestra cultura, mejor, o que, en este sentido, hay unos límites que mejor no sobrepasar?
Al principio, era de las que pensaba que, cuanto más presente, mejor, pero eso también puede ser algo peligroso. No soy una experta en este tipo de conversaciones políticas, pero, ahora mismo, no me emociona demasiado el concepto de feminismo o incluso la misma palabra que lo articula. Para mí, el feminismo debería ser un movimiento de hombres porque, para las mujeres, es algo completamente automático. Tal es así que la misma idea de que una mujer pueda escoger ser feminista o no para mí es un problema. No tiene ningún sentido. Es como si una persona o nación estuviera en contra de sí misma. No es una opción. Como artista femenina, no hay nada que haga que pueda no ser feminista. El feminismo es la expresión femenina misma.
Aún así, hay ciertas artistas que se han desentendido totalmente del concepto de feminismo, como Lana Del Rey.
He estado muy fuera de onda últimamente, intentando reintegrarme más profundamente en esta conversación… Ahora mismo no tengo mucha idea de lo que está ocurriendo en lo que a feminismo se refiere. Me considero más bien una persona que hace preguntas.
Cambiando de tema, estáis en el disco de ANOHNI, concretamente, hacéis coros en la pista 7, ‘Violent Men’…
Mmm… ¡no que yo sepa!
¿Ah, no? Lo pone en Discogs [NdE: así lo indicaba este enlace hace unas semanas]. Debe de haber sido sido un error…
[ríe] Internet se lía a veces.
En cualquier caso, ¿qué opinas del disco?
Justo he empezado a escucharlo. No he tenido mucho tiempo de ponerme con él más seriamente. No sé dónde me he metido, creo que he estado viviendo en una cueva.
«El teatro tiene el poder de transformar al artista, al público, es como un ritual porque, a través de tu actuación, encarnas la historia misma»
Gracias a tu proyecto junto a C.I.A. has descubierto el teatro como medio artístico, entre otros motivos, porque ya no te exige ser la estrella de tu propio espectáculo como sí requiere CocoRosie. ¿En qué otros sentidos encuentras que el teatro es más apropiado para ti que formar parte de un grupo exclusivamente musical?
Lo más importante del teatro para mí como artista es que me da la oportunidad de comprometerme completamente con el arte. Puedo escribir, trabajar en proyecciones, en poesía, pensar en términos de movimiento… Es una síntesis absoluta de todo lo que quiero expresar. Para mí, la música es solo una de estas cosas. En el teatro no tengo que separar los diferentes medios con los que me expreso como artista. Por otro lado, el teatro tiene el poder de transformar al artista, al público, es como un ritual porque, a través de tu actuación, encarnas la historia misma. Este poder transformativo es lo que más me interesa del teatro.
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