MØ, también en el single de Major Lazer con Justin Bieber

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30 mayo, 2016

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La delegación española de Eurovisión está siendo severamente criticada estos días tras el fracaso de Barei. Los eurofans más críticos creen que el equipo no está adaptado a los nuevos tiempos ni tiene la menor intención de ganar el festival. Como prueba, se aportan los numerosos cambios de la puesta en escena de Barei que se hicieron a última hora, y se recalca que Federico Llano, jefe de delegación, pareció visiblemente nervioso -para mal- cuando Barei pasó a ser tercera en las apuestas tras su actuación en el festival.

Ramón de OT, 10º en Eurovisión 2004, cree que no se hacen las cosas como se deben y le apoya Anabel Conde, que logró la 2ª posición para España en 1995. En Twitter ha recordado que esas «llamadas de preocupación» cuando se vio que Barei podía ganar «también las vivió» y después ha concedido una entrevista a ESCtrevistas en la que se reafirma. Cuando le preguntan si cree que TVE no quiere ganar Eurovisión, tiene claro que no: «No tengo ninguna duda. Se pusieron bastante nerviosos cuando vieron que podía ganar el Festival, es más, la primera fue acusada de plagio. Se dice que llegaron a un acuerdo los ganadores y el grupo belga, del que se supone que era la canción, pero TVE tampoco movió un dedo… cada uno puede pensar lo que quiera. Solo hay que ver las preselecciones que hace TVE para darse cuenta del poco interés que tienen por el festival».

La cantante se muestra muy crítica con la mala calidad de las semifinales nacionales (participó en una de ellas en 2010) y cuenta lo mal que la trataron, negándose a ir a buscarla a Guadalajara o negándole una bebida. «En una de las comidas, que eran dos bocadillos duros, fui a coger un refresco y me dijeron que ya había cogido un agua y no podía coger otra cosa. Es vergonzoso, sí. Me da vergüenza ajena pero ahora quiero contarlo por si esto puede ayudar a que no pase nunca más».

@Gastako esas llamadas telefónicas d preocupación tb las viví cuando subí en las apuestas al comenzar los ensayos… La tensión se palpaba

— Anabel Conde (@Anabel_Conde) May 21, 2016

Lo más fuerte de #Levantate4 es q las actuaciones tienen mejor sonido q las galas de preselección q hace @TVE

— Anabel Conde (@Anabel_Conde) May 28, 2016

Dúo Dinámico, más que bienvenidos a los festivales indies

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30 mayo, 2016

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A veces da la sensación de que los mismos artistas tocan en todos los festivales. Tras haber apostado por Raphael, Sonorama acaba de apuntarse un tanto en originalidad al contratar al Dúo Dinámico. El nombre de Manuel de la Calva Diego y Ramón Arcusa Alcón no creáis que no ha aparecido veces en nuestras páginas en los últimos años: en 2013 Malacabeza versionaba ‘Resistiré’ en un disco de homenaje a la canción ligera, Jesús Ordovás no ha dejado de reivindicarlos, han sido adaptados por Esplendor Geométrico y reivindicados por Francisco Nixon, que elogiaba su producción de ‘Un día tú, un día yo’ para Julio Iglesias. El primer nombre de Chico y Chica fue El Dúo Estático -como aparece en la letra de ‘Todo nos parece una mierda’ de Astrud-. Spotify les escogió para una de sus primeras autopromos… ¿Y quién no recuerda ese día que en Crónicas Marcianas Boris Izaguirre analizó lo gays que eran las portadas de sus discos? Aquí recordamos 10 de las mejores canciones del Dúo Dinámico, junto a un bonus track.

‘Amor de verano’

No hay nada más triste que el final de ‘Verano azul’: el estío llegando a su fin, los chicos y las chicas volviendo a sus casas, la tristeza de haber conocido la existencia de la muerte, la inocencia perdida, los amigos a los que jamás volverás a ver… Pero esta composición del Dúo Dinámico ya llevaba 20 años siendo una obra maestra cuando Antonio Mercero la adoptó. El ritmo trotón de la batería siempre había sonado como una amenaza con la que lidiar, las cuerdas del estribillo aparecen en el diccionario cuando buscas «melancolía» y la conclusión de su letra siempre había estado exquisitamente relacionada con la calidad del tema. ¿Cómo se puede olvidar una canción así?

‘Quince años tiene mi amor’

1961 fue el año más importante de la carrera del Dúo Dinámico. El libro ‘Sólo éxitos (1959-2002)’ de la SGAE les sitúa como el grupo o artista más exitoso de aquel año, y lo fueron gracias sobre todo al triunfo absoluto de esta canción, que permaneció 11 semanas en el número 1 de la lista de singles de la época tras haber alcanzado la cima el 13 de marzo. También fueron número 1 ‘Poesía en movimiento’ en junio, ‘Exodus’ en julio y ‘Quisiera ser’ en septiembre, pero será esta canción para siempre la más identificativa del dúo… que terminaría harto de que se especulara con su temática y el hecho de que la destinataria fuera una menor. Esto nos decía Ramón durante una entrevista en 2011: «Si alguien es malpensado y utiliza la canción para sus truculencias, esa no fue en absoluto la intención con que fue creada. Fue una canción dedicada a nuestras fans: ellas con 15 y nosotros con 20, ¿qué hay de malo? Y la cantamos en cada concierto porque todas nuestras fans de entonces vuelven a tener por un rato esos 15 años de nuevo. ¿Hay algo mejor?».

‘Lolita Twist’

«Pero cuando más me gusta es bailando este rock» es una de las frases más célebres de ‘Quince años tiene mi amor’. Se considera al Dúo Dinámico uno de los precursores de la música pop en castellano desde finales de los 50 y lo cierto es que les encantaba hacer mención de géneros musicales en sus canciones. En su discografía aparecen canciones llamadas ‘Bailando El Twist’, ‘Me gusta el Twist’, ‘Baby Twist’ o la famosísima ‘Lolita Twist’, una de las que mayor energía encierra merced a esa batería que aparece de vez en cuando recalcando la locura «twiestera». Porque sí, la palabra «twiestear» aparece impresa, tal cual, en los vinilos del dúo.

‘Esos ojitos negros’

Alguna vez hemos bromeado con el parecido del Dúo Dinámico con The Last Shadow Puppets, pero no penséis que estos u Owen Pallett no se asomarían por los arreglos de ‘Lo nuestro terminó’ o de esta ‘Esos ojitos negros’ que no puede brillar más desde sus primeros instantes. Publicada en 1965, como ‘La muerte tenía un precio’ con banda sonora de Ennio Morricone, el tema añade un puntito flamenco a su inspiración claramente Western. Hubo versión en catalán, por cierto.

‘La la la’

Hablando de catalán, no podemos pasar por alto la polémica de ‘La, la, la’, que Serrat se negó a interpretar en Eurovisión si no era en este idioma. Aparte de componer sus propias canciones, El Dúo Dinámico ha sido autor de temas para otros artistas, destacando el éxito de ‘Soy un truhán, soy un señor’ de Julio Iglesias y este tema con el que Massiel ganó en Eurovisión. El dúo lo incluyó en su gira de 50 aniversario a pesar de no haber sido su intérprete original, un poco rebautizado como ‘Lai, lai, lai’.

Tampoco os perdáis, vía Jaime Cristóbal, la adaptación de Saint Etienne al inglés para ‘A Song for Eurotrash‘.

‘Como ayer’

Más canciones arregladas como si no hubiera un mañana, con una orquesta más grande que la vida que entra en el momento adecuado. ‘Como ayer’ empieza tranquila, casi en plan minimalista, con una guitarra y una tímida percusión que parece anunciar una canción de pop semi acústica. Pero no, cuando llega el estribillo, lo de «vuelve a quererme otra vez como ayer», hasta una mezzosoprano se ha sumado para llevar la composición más arriba de lo que incluso Guille Milkyway se atrevería cuarenta años después.

‘Perdóname’

¿Crees que no se pueden llevar las cosas todavía más allá? Espera a escuchar (o reescuchar) ‘Perdóname’, una canción más trágica que toda la chanson francesa junta, y que, dado su arrebatador inicio, sólo se puede escuchar con el corazón en un puño, la boca abierta y un kleenex en la mano. Buena nota de ella parecen haber tomado aficionados a la canción melódica de nuestros tiempos como Corazón.

‘Resistiré’

El Dúo Dinámico ha tenido varios comebacks y revivals. Uno de los más sonados fue durante los 80, con este ‘Resistiré’ que no logró conquistar las listas de éxitos en 1987 oficialmente pero sí convertirse en un «sleeper» ensalzado por su inclusión en una inolvidable escena de ‘Átame’ de Pedro Almodóvar. Se trata de una de sus composiciones más electrónicas y bailables, muy parecida al ‘I’m So Excited’ que también terminaría siendo un himno almodovariano, y sobre todo a los himnos de autoafirmación y superación ‘I Will Survive’ y ‘A quién le importa’. No en vano Fangoria terminarían haciendo un medley durante sus conciertos, aparte de un dueto con el propio Dúo Dinámico. El álbum con el que se abría se llamaba, de manera hilarante, ‘En forma’.

‘Quisiera ser’

Los arreglos en las canciones del Dúo Dinámico a veces eran espectaculares, pero sin duda lo mejor son las melodías. Una de las mejores era ‘Quisiera ser’. Un maravilloso swing que presenta lo que parece un estribillo detrás de otro para entregarse a un final en plan «declaración de amor» más lleno de vida que el de ‘Grease’.

‘Somos jóvenes’

En 1962 los autores de ‘Quince años tiene mi amor’ continuaron vendiendo la idea de «juventud» en otro número 1 de la época. El Dúo Dinámico volvió a ser el grupo más exitoso de España aquel año, tras situar en la cima de las listas esta canción durante 5 semanas o la mencionada ‘Perdóname’ durante 7 (‘Balada gitana’ también era número 1 en diciembre). El tema ha pasado de ser un himno generacional a un himno de la nostalgia intercambiando la realidad, la fantasía y el deseo de nosotros, nuestros padres y seguro que la generación yeyé del futuro. ¿Éramos jóvenes y ya no lo somos o somos jóvenes cada vez que suena esta canción?

‘Sólo a ti’

Como bonus track, nuestra compañera Angèle Leciel nos dedica esta maravilla perdida en la película ‘Búsqueme a esa chica’ de Marisol con El Dúo Dinámico (1964), en la que estos se recrean en su labor de grupo vocal de los 50 mientras ella lo hace en la estética pop de la época. Por conflicto entre las discográficas del dúo y la cantante, ‘Sólo a ti’ no pudo ser comercializada y a día de hoy permanece inédita, aunque su letra en plan «he conocido otras carnes» es toda una curiosidad en boca de Pepa Flores.

La verdadera influencia de ‘Blackout’ de Britney Spears

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30 mayo, 2016

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Mínimo una vez al mes surge en nuestros foros un debate tipo «revelación o timo» sobre ‘Blackout’, el quinto disco de Britney Spears. El debate se centra en la supuesta influencia que ha ejercido el álbum en los años posteriores a su lanzamiento a finales de 2007, en si de verdad merece el reconocimiento de álbum de culto que ha adquirido a lo largo de los años y en si su impacto en la industria fue real o solo un espejismo creado por la base de fans de la cantante, tan firme como dada a la fantasía. Dos frentes pelean en este debate por la verdad, en primer lugar, el que considera ‘Blackout’ uno de los discos más influyentes y mejor valorados de los últimos años, y en segundo, el que defiende que ni el disco era tan bueno ni tan innovador ni fue tan bien valorado. ¿Quién tiene razón?

Hace un par de años nos sorprendía la noticia de que ‘Blackout’ aparecía entre los 100 artículos más editados de la historia de Wikipedia. Era, en el puesto 71, el único álbum de la lista (ni siquiera ‘Thriller’ de Michael Jackson, quien también era uno de los personajes más editados, aparecía por allí). Para colmo, la misma biografía de Britney se colaba en el top 10, haciéndole compañía a Hitler, Bush y al mismísimo Jesucristo, mientras el artículo sobre la discografía completa de Spears era top 81. ¿Cuántas horas invirtieron los fans de Britney en maquillar su historia o añadir logros recientes a su currículum? Seguramente más de las que podamos contar.

Vale la pena, sin embargo, a casi 10 años del lanzamiento de ‘Blackout’ detenerse en uno de estos logros. Sucedió en 2012, cuando la biblioteca musical de Rock & Roll Hall of Fame incluyó ‘Blackout’ en su catálogo de discos importantes. Este archivo representa el «depósito más exhaustivo de materiales relacionados con la historia del rock ‘n roll, [cuya] intención es ampliar el conocimiento y la comprensión de [este género musical], sus raíces y su impacto en la cultura». El director del archivo, Andy Leach, aseguró a MTV que la biblioteca «se hizo con este disco hace unos meses como parte de un proyecto sobre la adquisición de los discos mejor valorados por la crítica de las últimas dos décadas».

La inclusión de ‘Blackout’ en esta lista es interesante porque es el único disco de Spears que aparece en los archivos, pero parece que nadie, mucho menos la base de fans de Britney, quiso centrarse en lo cuestionable del catálogo mismo. Sin ir más lejos, una sencilla búsqueda en sus archivos de Madonna (el único gran icono pop femenino que precedió a Britney) descubre las predecibles inclusiones de ‘Ray of Light’ y ‘Music’ pero también las de ‘Hard Candy’ y… ‘Remixed & Revisited’. ¿Exactamente cuál ha sido el impacto cultural de estos discos? ¿Ha olvidado el catálogo que ‘Hard Candy’ es uno de los discos peor valorados de la carrera de Madonna? ¿Qué demonios es ‘Remixed & Revisited’? Por otro lado, de manera inexplicable ni un solo álbum de Beyoncé aparece en los archivos todavía.

Sin embargo, por mucho que los fans de Britney se empeñen en utilizar la inclusión de ‘Blackout’ en Rock & Roll Hall of Fame como instrumento para demostrar su importancia, desde su llegada en octubre de 2007 ‘Blackout’ ha sido objeto de una controversia considerable. Tanta gente lo admira como obra musical que ha terminado convertido en un disco de culto como si de un lanzamiento underground se tratara. En parte, esto se debe a que el álbum, gracias a sus interesantes experimentos musicales, creó un nexo de unión entre fans y oyentes casuales de Britney que antes no existía o que solo existía a través de una sola canción, ‘Toxic’. De repente, gracias a ‘Blackout’ y, en cierta medida, al circo mediático que articuló su contexto, Britney pasó a gustarle no solo a fans del pop y a adolescentes sino también a oyentes maduros y de géneros más alternativos y oscuros que, hasta entonces, no es que repudiaran a Britney, es que ni la habían formulado siquiera en sus pensamientos.

Más allá de la variedad de opiniones que generó ‘Blackout’ entre el público general, el álbum despertó también opiniones encontradas en las revistas especializadas. Para empezar, no es el disco mejor valorado de Britney en el, por otro lado, cuestionable Metacritic, pero lo interesante es que ciertas revistas especializadas en vanguardia lo pusieron muy bien, concretamente Pitchfork, que lo llegó a comparar en un artículo con ‘Twin Peaks’, y Go!, que, antes de su cierre, aprovechó su crítica de ‘Circus‘ para destacar que ‘Blackout’ «fue ejemplar […] y el disco más extremo en la carrera de la Spears: un exceso de producción futurista, sin concesiones a lo que pide la post-adolescente o el oyente medio de FM, sin una puñetera balada, con influencias trituradas que iban del trance al dubstep pasando, cómo no, por el R&B, en el que hasta la respiración está pasada por mil filtros».

El problema de ‘Blackout’ es la mitología que lo envuelve. En un artículo de 2010 sobre la maqueta de ‘Telephone’ de Lady Gaga grabada por Britney, Rolling Stone lo llegó a calificar como el «disco más influyente del último lustro»; sin embargo, olvidó explicar el porqué (ni cabe decir que el autor de ese artículo es Rob Sheffield, conocido por su pasión por Britney). En los artículos tipo «el legado de ‘Blackout’ de Britney» disponibles en la red abundan los elogios hacia el sonido de sus canciones pero faltan pruebas que demuestren la influencia del álbum de la que tantos y tantas hablan. Las palabras de Go!, escritas por Javier Blánquez, de exquisito gusto, como sabréis si le habéis leído alguna vez, son algo esclarecedoras. Dejando de lado los extremos (ni el disco es ‘Revolver’ ni pasó tan desapercibido como algunos quieren creer), lo cierto es que ‘Blackout’ sí fue un disco influyente, concretamente en la completa integración de la electrónica y el interés por la manipulación vocal extrema al pop comercial del momento.

Para corroborar esto no hay que más que atender a las listas de las canciones más vendidas del año en el mundo realizadas por Mediatraffic. Un repaso a la lista de 2006 descubre que dominaron la radiofórmula del momento tanto la cazuela de Timbaland -era el año en que Justin Timberlake y Nelly Furtado triunfaban con sus respectivos discos- como, en general, un R&B y hip-hop bastante conservador e insulso que extendió su espectro hasta la totalidad de 2007 -‘Blackout’ salió a finales-. Este año, cuatro canciones de las canciones más vendidas del top 10 son de Timbaland o lo parecen, empezando por las dos primeras, ‘Umbrella’ de Rihanna, producida por Tricky Stewart y Kuk Harrell, y ‘Say It Right’ de Nelly Furtado, producida por Timbaland. El primer sencillo de ‘Blackout’, ‘Gimme More’, asoma desde el top 30 y es, con bastante diferencia y frente a canciones como ‘The Way I Are’ de Timbaland y Keri Hilson, ‘Smack That’ de Akon y ‘Fergalicious’ de Fergie, la producción más agresiva de la lista.

La tendencia estética del pop de radiofórmula presenta en 2008 un giro sutil a la electrónica en varias de las canciones más vendidas del año, entre ellas ‘When I Grow Up’ de Pussycat Dolls y ‘Disturbia’ de Rihanna, en la que abundan la manipulación vocal vía autotune y vocoder y los ritmos electrónicos de una manera muy parecida a como sucede en ‘Blackout’. De hecho, es la canción más «Britney» que ha hecho Rihanna hasta la fecha. Ya en 2009, la electrónica se establece firmemente en la radio con la llegada de Lady Gaga y la reinvención de Black Eyed Peas. Se podría decir que ‘Blackout’ supuso un punto de inflexión entre estos años y que les precedió a ambos. En 2010, ‘When Love Takes Over’ de David Guetta y Kelly Rowland vuelca por completo la radio y la redirige definitivamente al dance. Aquí, la influencia de ‘Blackout’ ya está diluida casi por completo y solo sus cacareados experimentos con el dubstep sobrevuelan el pop en años posteriores.

El principal éxito de ‘Blackout’ es que redefinió el «sonido Britney» gracias solo a dos productores principales, Danja y Bloodshy & Avant. Ambos esculpieron sus producciones a medida de una Britney cuya voz se prestó excitantemente a mil experimentos de producción, haciendo de ‘Blackout’ una clase magistral de producción pop, por resultados, prácticamente sin precedentes. Dejando a un lado la calidad de las canciones, que no entro a valorar, nadie puede negar que la base rompepistas de ‘Gimme More’ era la más contundente de todas en 2007, mientras ‘Piece of Me’, a su vez una de las canciones más vendidas de 2008, sencillamente fue la canción más moderna de su año. Recuerdo la crítica de El Cliché, tristemente desaparecida, que decía que «‘Blackout’ ha salido en 2007 pero suena a 2010». No pocas fueron las ideas que ‘Body Talk’ de Robyn tomó prestadas de ‘Blackout’ aquel año… y no solo porque ‘Criminal Intent’ fuera prácticamente una copia de ‘Freakshow’.

El «sonido Britney» no es un sonido original, por cierto, pues Robyn ya experimentaba con estéticas robóticas bastante antes que ella, mientras las partes más hip-hop del álbum no dejaban de ser una evolución más oscura y retorcida de lo que ya hacía Timbaland entonces. Pero tampoco hace falta recordar el éxito de Daft Punk y del ‘Believe’ de Cher en los noventa o remontarnos al ultra-autotuneado ‘American Life’ de Madonna para minar los logros artísticos de este disco porque ‘Blackout’ nunca fue un álbum innovador; sencillamente, gracias a esa mezcla de «influencias trituradas» y procesadas al extremo, como escribía Javier Blánquez, y a una visión del pop ligeramente avanzada a lo que triunfaba en su tiempo, mucho más extrema y agresiva, ‘Blackout’ actuó como catalizador de una pequeña pero importante (re)volución en la radiofórmula hacia el electro que cuesta creer hubiera sido posible sin él. Casi, casi, como creer que la carrera de Rihanna hubiera sido posible sin que Britney rechazara ‘Umbrella’, pero bueno, eso es otro tema…

#VictoriaLeaks: aparece en la red el disco perdido de hip-hop de Victoria Beckham

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30 mayo, 2016

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La inclusión del nombre de «Victoria Beckham» y el sintagma «carrera musical» en la misma frase hace tiempo que genera risa. La Spice pija era la que menos cantaba, en su mejor momento durante la gira de reunión del grupo se dedicaba simplemente a desfilar y ella es la primera que dice no tener interés en una nueva reunión de Spice Girls. Victoria Beckham publicó su disco ‘Victoria Beckham’ en 2001, le dieron por él un disco de oro en Reino Unido y después nunca más se supo.

Por eso es tan gracioso el revuelo que se ha montado en los últimos días por la aparición en internet de un montón de maquetas procedentes de los dos álbumes que la mujer preparaba circa 2003, uno de hip-hop y otro de pop. El proyecto se denominaba ‘Come Together / Open Your Eyes’ y de él se llegó a sacar el single ‘This Groove‘, que llegó a ser nada menos que top 3 en Reino Unido.

‘Come Together’ se suponía la parte hip-hop del proyecto y si ya TLC era una influencia muy clara en temas editados de su debut como ‘Like That’ o ‘Not Such An Innocent Girl’, estas canciones han sido producidas por Damon Dash, co-fundador de Roc-A-Fella Records (Jay-Z, debut de Kanye West). En aquel momento Damon Dash dijo a la prensa que el sello de Victoria no estaba nada contento con que Beckham fuera a Nueva York a trabajar con él y se llegó a comentar -sin confirmarse- que la Spice Girl había llevado a su sello a la ruina por los adelantos que le habían dado, sin obtener el resultado esperado. Telstar Records, que también había editado a Ladytron, cerraba en 2004 tras 22 años de actividad. Victoria Beckham se quedaba embarazada de su segundo hijo en aquel momento y nunca volvería a saberse nada del álbum.

A pesar del cachondeo que están despertando estas filtraciones en medios como Elle, hay quien empieza a reivindicar las maquetas de canciones como ‘That Dude’ o ‘Me and You This Time’ por contener ganchos melódicos superiores a lo que han sido las carreras de otras Spice. De hecho en el listado de unas 20 canciones que circula sobre este disco perdido no falta ‘Resentment’, a la postre un tema incluido en el segundo álbum de… ¡Beyoncé! El debate está abierto: ¿era Victoria realmente la peor? ¿Era el álbum tan horrible como para ser guardado en un cajón? ¿Saldrá de ese cajón visto este revuelo y alguien lo subirá a Spotify en pleno debate sobre el apropiacionismo? Ardemos en deseos de conocer la opinión de Azealia Banks…

10 nombres imperdibles en Primavera Sound 2016

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Raúl Guillén

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30 mayo, 2016

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Aunque desde hace días ya ha comenzado la actividad paralela de Primavera Sound 2016 con Primavera a la Ciutat, es esta semana cuando llega la pirotecnia con los grandes nombres actuando en el recinto del Parc del Fòrum, que este año contemplará un sold-out absoluto. Ante un cartel tan vasto, del todo inabarcable, resulta toda una aventura ya sólo organizar una tabla de tiempos para tratar de presenciar el mayor número de actuaciones posible, con la ya consabida desazón de las coincidencias. Pero, ¡hey! ¡Centrémonos! Porque entre estos cientos de artistas hay algunos realmente indispensables que atraen al grueso del público, esos que todo el mundo te preguntará si pudiste ver.

Air: El dúo parisino actúa, si no recordamos mal, por primera vez en el festival barcelonés y su show promete ser una celebración perfecta para sus fans. Aprovechando sus dos décadas de existencia y la próxima publicación de un extenso álbum retrospectivo, Nicolas Godin y Jean-Benoît Dunckel ofrecerán el jueves 2 en el Escenario H&M un recital centrado en recuperar sus más reconocibles éxitos de estos 20 años, acompañado de un show visual que, dada la exquisitez que siempre han demostrado en este aspecto, seguro merecerá mucho la pena.

Beach House: No importa que su reciente gira de presentación de los dos (!) notables álbumes lanzados el pasado año pasara por nuestro país, agotando todo el papel. Porque es seguro que su actuación del viernes 3 en el Escenario Heineken, a una hora tardía (2:00h AM), estará hasta las trancas. Algunos recordaréis aquella actuación del grupo en el antiguo Escenario Pitchfork (aquel del anfiteatro descubierto) a la que era imposible acercarse a menos de 500 metros, ¿verdad? En esta ocasión, actuando en el escenario principal del certamen, no parece que la visibilidad y el sonido vayan a ser un problema para el dúo de Baltimore.

Brian Wilson interpreta ‘Pet Sounds’: No es la primera vez que el nombre más mítico de Beach Boys visita un macrofestival de estas características en nuestro país, pero sin duda esta ocasión llega en un momento histórico perfecto. Apenas tres semanas después de que se cumplieran 50 años de la edición del mítico ‘Pet Sounds’, al que nos hemos atrevido a apelar «el Quijote del pop» , Wilson y su banda interpretarán íntegramente este álbum el sábado 4 de junio en el Escenario Heineken, en lo que ya se augura como uno de los momentos más mágicos y emocionantes del festival. Y no nos referimos solo a esta edición.

LCD Soundsystem: Vale que la pantomima de la separación y reunión del proyecto de James Murphy ha sido un poco bochornosa, pero… ¿cómo resistirse al increíble magnetismo que aún siguen desplegando sus tres álbumes de estudio, repletos de canciones hipnóticas y bailables? Pues será difícil. Los más exigentes (y afortunados) podrán disfrutar el martes 31 del directo de los neoyorquinos en las distancias cortas que ofrece el Teatre BARTS, en un show único sólo accesible a través de ticket. El resto, tendrá que esperar al show masivo que tendrá lugar el jueves 2 de junio en el Escenario Heineken.

PJ Harvey: Pese a que el impacto del aún reciente ‘The Hope Six Demolition Project‘ no haya sido el mismo que el de su predecesor, ‘Let England Shake’, el concierto del sábado 4 en el Escenario Heineken que ofrecerá la artista británica es sin duda clave en el festival. Y más si tenemos en cuenta que su show en la edición 2011 de este mismo evento resultó un momento cargado de magia, sin duda de los mejores de aquel año. No vemos por qué no habría de suceder lo mismo en 2016, y hay ganas.

Radiohead: Sin duda, han sido el gran reclamo de esta edición. Por eso, tras los abonos, las primeras de día entradas en agotarse fueron las de su jornada de actuación. La banda de Thom Yorke y compañía llega de dulce, con un ‘A Moon Shaped Pool‘ que está siendo un nuevo éxito en ventas, si bien tendremos que ver cómo trasladan unos temas tan delicados al directo, y cómo encajan en un setlist que promete sorpresas. Su concierto, el viernes 3 en el Escenario Heineken, obviamente se adivina ya como el momento cumbre de la presente edición.

Sigur Rós: Desde el ya lejano ‘Kveikur‘, la banda islandesa ha estado algún tiempo sin ofrecer noticias, apenas con algunas oportunistas reediciones y una versión de ‘The Rains Of Castamere‘, tema de la serie ‘Juego de Tronos’. Poca cosa. Sin embargo, como ya anticiparon hace meses (cuando aún desconocíamos que formarían parte de este cartel), Sigur Rós regresan este verano con una gira europea en la que, además de tocar sus temas más conocidos (no nos atrevemos a decir «los más coreados»), prometen avanzar nuevas canciones. Pedían, en aquel comunicado, que «confiáramos en ellos», y eso hacemos.

Suede: Como ocurrió hace tres años con la actuación de Blur, Primavera Sound parece querer hacer justicia a la relevancia de bandas británicas de los 90 que en su momento de esplendor no visitaron el festival. Este año es turno de la banda de Brett Anderson, que además están de plena vigencia gracias a un notable ‘Night Thoughts‘ que, lamentablemente, no está gozando del éxito que merece. Suede tendrán además la ocasión de actuar por partida doble, con dos propuestas distintas: el miércoles 1 de junio serán el mayor atractivo de la jornada inaugural, con un concierto totalmente gratuito (junto a ellos, Sr. Chinarro, El Último Vecino, Doble Pletina y Goat) en el que posiblemente ofrecerán sus mayores éxitos; mientras que el jueves 2 ofrecerán un codiciado show en el Auditori, centrado en su más reciente obra.

Tame Impala: La banda de Kevin Parker vuelve al festival tres años después, pero sin duda su momento de popularidad no es ni parecido, tras el pelotazo de ‘Currents‘, que no solo les valió los elogios de prácticamente toda la crítica especializada, sino también el favor del público. Tame Impala son un superventas mundial y estamos seguros de que aquella frialdad que se intuía en el público al inicio de su show de 2013, estará en las antípodas del baño de masas que se aventura vivirán el jueves 2 de junio en el Escenario H&M.

The Last Shadow Puppets: No importa lo más mínimo que su ansiado segundo disco no haya estado a la altura de las expectativas generadas por su soberbio debut (¿acaso podía?): la presentación en vivo de ‘Everything You’ve Come To Expect‘ es una cita obligada. A buen seguro que Miles Kane y Alex Turner, en sus papeles de mojabragas retro, ofrecerán el viernes 3 en el Escenario H&M un espectáculo digno de presenciarse. Su ubicación y horario, además, están perfectamente dispuestos para captar al público al término del concierto de Radiohead.

10 joyas no tan obvias de Primavera Sound 2016

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30 mayo, 2016

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Este año, las obviedades imperdibles de Primavera Sound son más obvias que nunca. Entre ellas, las confirmaciones de Radiohead, PJ Harvey, LCD Soundsystem y Brian Wilson, que tocará el gran ‘Pet Sounds’, conforman un cartel lleno de estrellas y, por calidad, casi sin precedentes para el mismo festival. De hecho, hace unos meses, el festival agotaba entradas en tiempo récord. Por eso, quizá valga más la pena detenerse en las joyas perdidas que nos ofrece el cartel, mucho menos obvias pero igual de interesantes y merecedoras de nuestra atención que los nombres naturalmente imperdibles. Entre ellas, grandes bandas de culto como Unsane y Cabaret Voltaire, novedades de enorme prestigio como Kamasi Washington o artistas veteranas que viven hoy el mejor momento de sus carreras como Jenny Hval o Car Seat Headrest.

Kamasi Washington

El saxofonista Kamasi Washington es uno de los músicos clásicos actuales más codiciados. Su instrumento tenor ha acompañado a iconos como Herbie Hancock, Horace Tapscott, Lauryn Hill, Flying Lotus, Thundercat o, más recientemente, Kendrick Lamar, en cuyo último disco, ‘To Pimp a Butterfly’, Washington no solo actúa como saxofonista sino también como director de su orquesta de cuerda. Su álbum debut, ‘The Epic’, una obra triple que abarca cerca de tres horas de duración, puede degustarse desde el año pasado y Kamasi lo presentará en el mejor de los lugares posibles, el Auditori Rockdelux.

Unsane

Entre las bandas de rock duro presentes en el cartel de Primavera Sound, entre ellas Angel Witch y Venom, es muy probable que varias de ellas percibieran, en algún momento de sus vidas, la influencia de la banda neoyorquina UNSANE, cuya arma de noise rock, metal y punk duro fue una de las más agresivas y potentes de los noventa. Una base de culto ha ayudado al grupo a permanecer en la memoria colectiva de los fans del rock duro y discos como ‘Total Destruction’, ‘Occupy Haphazard’ o ‘Unsane’, su álbum debut, cuya portada era el cadáver decapitado real de un suicida tras haber sido arrollado por un tren, siguen siendo recordados con especial intensidad a día de hoy.

Algiers

Tras actuar en Primavera Club, la versión pequeña de Primavera Sound, en 2015, Algiers es una de las confirmaciones más interesantes y con más futuro del programa principal del festival. Su álbum debut sorprendió el año pasado gracias a su original sonido, que aúna ritmos y paisajes lúgubres del post-punk y el hardcore con el desgarro épico del góspel, dando lugar a una colección de canciones cautivadoras en su naturaleza doliente. Canciones como ‘Blood’, ‘Black Eunuch’ o ‘Remains’ dan buena cuenta del fabuloso arte que crea este trío de Atlanta, prácticamente sin rival ahora mismo.

U.S. Girls

Como Algiers, U.S. Girls actuó el año pasado en Primavera Club. Su curioso directo encontró a Meghan Remy, líder del proyecto, cantando sus canciones vía pregrabados en plan karaoke, lo que otorgó al concierto una dimensión decadente que nadie debería perderse. Este incluyó, además de las estupendas canciones incluidas en su último disco, ‘Half Free’, la inquietante grabación telefónica que se puede oír en el disco a modo de interludio, en la que Remy explica a su hermana una pesadilla que ha tenido la noche anterior en relación a un archivo de fotografías «calientes» de ella desnuda de pequeña que le ha enviado su padre. Un proyecto transgresor y, por lo tanto, incómodo el de U.S. Girls que es más importante de lo que parece.

Car Seat Headrest

Nos puede parecer el último capricho de Pitchfork pero Car Seat Headrest (ya no quedan nombres para grupos, ¿verdad?), el proyecto de Will Toledo, es uno de los grupos más mimados del underground norteamericano desde la publicación en Bandcamp de su séptimo disco, ‘Twin Fantasy’, en 2011. El polvoriento rock americano de baja fidelidad de Toledo, que no hace ascos a otros géneros como la psicodelia o el power-pop, ha ido ganando nuevos adeptos tras el fichaje del grupo por Matador en 2015 y, un año más tarde, la llegada de su decimotercer disco, ‘Teens of Denial’, el primero del grupo grabado en un estudio convencional, promete hacer famoso al grupo ya definitivamente.

Jenny Hval

La noruega Jenny Hval (en la foto) es uno de los nombres más atractivos del pop electrónico sumergido internacional desde la edición de su tercer largo, ‘Apocalypse, girl’, en 2015, una obra aquella absolutamente subyugante en la que Hval reflexionaba sobre temas como el sexo, la religión o la identidad de género a través de paisajes de electrónica abstractos, oníricos y de una peculiar belleza, y, a menudo, a través de letras recitadas en un tono de lo más inquietante. Su voz, un instrumento dulce y elástico, casi merecería un comentario aparte. El nuevo disco de Hval, ‘Blood Bitch’, que incluirá la fabulosa ‘Female Vampire’, sale este año.

Nao

Nuevo año, nueva promesa R&B. 2016 parece el año de Nao, que ha despuntado entre las últimas aspirantes al preciado BBC Sound of… gracias a sus R&B exquisito, poco convencional y a su sedosa voz, tan similar como te parece a la de Aluna Francis de AlunaGeorge. De su repertorio destacan, por el momento, la pegadiza ‘Fool to Love’, por sonido casi un clásico perdido de TLC; la suntuosa ‘Bad Blood’ y ‘Girlfriend’, de la que Prince estaría orgulloso. El álbum debut de Nao, ‘For All We Know’, sale en unos meses. ¿Nominación a Mercury Prize a la vista?

Selda Bağcan & Boom Pam

A principios de los años 70, una joven Selda Bağcan se convirtió casi sin esperarlo en una estrella en su país, Turquía, gracias a sus sentidas versiones de canciones pertenecientes al folclore musical de su tierra natal. Su fusión de folk turco con géneros contemporáneos como el rock o la música electrónica, así como la naturaleza política de sus letras, ampliaron la fama de Selda desde finales de los 70 hasta nuestros días. Ya en pleno siglo XXI, no son pocos los artistas, entre ellos St. Vincent, tUnE-yArDs o Suuns, que han reconocido su influencia. Bağcan desgranará su dilatado repertorio junto a su banda, Boom Pam.

Cabaret Voltaire

Una de las bandas imperdibles del cartel de Primavera Sound 2016 que podríamos incluir en este artículo es Fasenuova, autores del recomendable ‘Aullidos metálicos‘. Su tecno industrial encuentra una referencia muy clara en el sonido que los ingleses Cabaret Voltaire idearon entre los 70 y 80, un sonido que, junto con Throbbing Gristle, prácticamente inventó el industrial y presentó al mundo una manera nueva, mucho más sucia, macabra y oscura, de entender la música experimental y de baile del momento. Podría decirse que solo ‘Nag, Nag, Nag’ precedió la discografía entera de Roberto Lobo y Ernesto Avelino. Hay que verlos.

Holly Herndon

Tras actuar en la pasada edición del Sónar, Holly Herndon presentará su álbum debut, ‘Platform‘, en Primavera Sound ante un público más variado, lo que probablemente vaya a darnos una idea aproximada del alcance popular de su original sonido, fundamentado en el «copy paste» de ritmos, samples, voces y mil y un efectos orgánicos y sintéticos que tantas comparaciones ha recibido, con razón, con el sonido de Oneohtrix Point Never. Si las fluidas fantasías virtuales de Herndon impresionan en disco, imaginaos lo que puede ser en directo.

Olga Bell / Tempo

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30 mayo, 2016

Esta semana se lanzan al mercado un disco producido por Caroline Polachek, el de Maria Usbeck, y otro que lo parece, el nuevo de Olga Bell. Y hay una explicación, pues la rusa emigrada a Alaska y asentada en Brooklyn, aparte de haber tocado con Dirty Projectors, lo ha hecho precisamente con Chairlift, a los que suena muy descaradamente el inicio de ‘Power User’ o el tema ‘Zone’.

Después de haber publicado como Bell junto a Gunnar Olsen y Jason Nazary y de habernos hablado de su país Rusia en ‘Край’, Olga nos sorprende con un himno a la «randomness», en España una de las palabras favoritas de la generación Twitter, así, sin traducir, por lo gracioso de su sonoridad. Ajena a este doble sentido, Olga Bell nos ofrece en ella su aproximación a la música bailable, su entrega a los temas de 120 bpm, y es una celebración tan descarada de los momentos de comunión colectiva que su letra incluye un guiño a una canción dance de Arthur Russell, ‘Is it All Over My Face’ de Loose Joints.

La pena es que, pese a los experimentos de visitar clubs ella sola sin amigos para no perder detalle de lo vivido y oído, la pista de baile no la ha seducido lo suficiente como para dedicarle un disco entero. ‘Tempo’ es en realidad un álbum más para los museos de arte contemporáneo que para las carpas de los festivales de verano y, lo que es peor, a menudo cae en su propia «randomness». ‘Ritual’ con Sara Lucas es básicamente una canción suelta de Róisín Murphy entre ‘Overpowered’ y ‘Hairless Toys‘, y no precisamente de las mejores; y, aparte de Chairlift, vienen a menudo a la mente las melodías de St Vincent (‘Regular’), Psapp y tUnE-yArDs en los momentos más jazz (‘Your Life is a Lie’) y los sintetizadores de la Björk de los 90 casi todo el tiempo. No en vano el disco está editado por su sello One Little Indian.

‘Zone’ nunca llega a ser la aventura funky que promete, llegando a aburrir a pesar de su apuesta por la repetición, y a duras penas la segunda mitad de ‘Doppio’ y ‘Stomach It’ sí presentan desarrollos aventureros rescatables. Al final, ‘Randomness’ es la mejor canción por demasiada diferencia.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘Randomness’, ‘Doppio’, ‘Stomach It’
Te gustará si te gusta: siglo 21
Escúchalo: Spotify
Cómpralo: Amazon.

El próximo invitado de ‘Feis tu feis’ te va a gustar

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30 mayo, 2016

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‘Feis tu feis‘, el nuevo programa de Joaquín Reyes, se estrenó el pasado viernes con nada menos que Pablo Iglesias como primer invitado. Nuestro compañero Raúl Guillén reseñaba este nuevo espacio situando la suerte de «autoentrevista» como su cumbre: «Joaquín Reyes hace una de sus descacharrantes personificaciones, con el añadido de hacerlo en la puta cara del imitado (Iglesias pareció tomarlo con bastante humor, aunque el montaje lo mostraba algo encorsetado por el guión)». Al final la audiencia fue de 1.366.000 espectadores y un 8,6% en cuota de pantalla, por lo que estaría 2 puntos por encima de la media de la cadena en que se emite, Cuatro.

Tras este éxito, este viernes habrá nuevo episodio de ‘Feis tu feis’ y el invitado no puede ser más apetecible, Paco León. Tras el progresivo éxito de las «Carminas», sus dos primeras películas, el actor y director ha arrasado con su recomendable comedia ‘Kiki el amor se hace‘, cuyos chistes sobre Lucía Etxebarria, Madrid o Sánchez-Dragó ya forman parte de la imaginería popular. A falta de conocer los datos de este fin de semana, la cinta continúa en el top 10 de las más taquilleras en España, con 6 millones de euros recaudados.

Ahora falta por ver cómo se enfrenta Joaquín Reyes a Paco León disfrazado de Paco León, que a su vez a menudo parece estar disfrazado de Raquel Revuelta. Ya hay un tráiler del programa disponible online. Os dejamos también con una selección de los mejores momentos con Pablo Iglesias, seleccionados por Cuatro.

Trafalgar Festival anuncia su cancelación

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30 mayo, 2016

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Tras la cancelación del festival Territorios Sevilla, se despide un festival que, de hecho, ni siquiera ha tenido tiempo de celebrar su primera edición, Trafalgar Festival, anunciado en febrero. El evento, para el que se había confirmado a artistas como Crystal Fighters, Buzzcocks, Sleaford Mods, Corizonas o El Guincho, iba a celebrarse los días 24 y 25 de junio en Los Caños de Meca de Barbate, Cádiz, pero informa hoy de su cancelación debido a problemas de gestión con el ayuntamiento de Barbate.

Trafalgar Festival ha publicado una nota de prensa en la que acusa al ayuntamiento de Barbate de negarle la licencia para la celebración del festival en el mismo recinto en el que se llevará a cabo el festival Cabo de Plata. «El Ayuntamiento ha bloqueado la licencia de actividad a Trafalgar Festival para su celebración en Los Caños de Meca privilegiando los permisos al festival Cabo de Plata para que se celebre en terrenos del núcleo de Barbate», escribe el festival, que acusa al ayuntamiento de haber actuado desde la «pasividad y el oscurantismo» y poniendo multitud de trabas.

En la nota, el festival indica que los obstáculos puestos por Barbate en un primer momento obliga a su organización a «trasladarnos a un lugar muy diferente y hacer un nuevo proyecto con unas necesidades de producción e infraestructura desconocidas que, en un primer análisis, suponen un montaje complejo y costoso para el poco tiempo de que disponemos, y que además no cumplen con nuestras intenciones de valorización de la zona, al pasar de un espacio natural privilegiado a otro sin más valor añadido que la proximidad al núcleo urbano, y con las consiguientes molestias que se pueden ocasionar a la ciudadanía cercana.

Finalmente, el festival decide anunciar su cancelación. «En consecuencia y con la convicción de que debemos ser fieles a nuestro proyecto inicial del Trafalgar Festival, y siendo conscientes de que no hemos podido convencer al Ayuntamiento de las bondades de una propuesta que iba mucho más allá de unas simples jornadas de conciertos, y que pretendían con la celebración del multievento ampliar en una semana la temporada turística de Barbate, creemos que no debemos acceder a la oportunista imposición planteada, y no prestarnos a que nuestro festival caiga en la confusión de una propuesta inaceptable en lo social y cultural.

En el convencimiento de que esta dura decisión no puede hacer sino beneficiar a la coherencia que debe acompañar a la acción cultural responsable, comunicamos la cancelación de la primera edición del Trafalgar Festival prevista los días 24 y 25 de junio de 2016. Esta semana se informará a través de la web y redes sociales del Festival sobre el proceso a seguir para obtener las devoluciones correspondientes a la compra de abonos de Trafalgar Festival».

Dúo Dinámico, a Sonorama Ribera 2016

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30 mayo, 2016

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Fiel a su reivindicación del pop patrio del siglo pasado, ese que ha influido a más artistas y grupos de nuestro país de los que muchos se atreven a reconocer, Sonorama suma hoy a su cartel a nada menos que al Dúo Dinámico, el dúo de pop formado por Manuel de la Calva y Ramón Arcusa, que redefinió el sonido de la música popular española de los años 60 gracias a su versión del pop vocal melódico de moda entonces en Estados Unidos, materializado para la historia en clásicos como ‘Quince años tiene mi amor’, ‘Quisiera ser’, ‘Perdóname’, ‘Bailando el twist’, ‘Mari Carmen’ o ‘Resistiré’, además, por supuesto, de ‘La la la’ de Massiel, que compuso el grupo y ganó Eurovisión en 1968.

La primera en particular ha sido objeto de controversia en años posteriores debido a su título y contenido temático, pero el grupo, cuando le entrevistamos en 2011, tenía muy claro que la canción no fue censurada por el régimen franquista porque era «blanca» y no tenía «mala intención». «Me parece que estamos creando una sociedad de inquisidores bajo el paraguas de lo políticamente correcto», nos contaba el dúo. «Gente que ve mala intención en todo, y que si resulta que son políticos, pueden empezar a poner puertas al campo como ya ha ocurrido. Si alguien es malpensado y utiliza la canción para sus truculencias, esa no fue en absoluto la intención con que fue creada. Fue una canción dedicada a nuestras fans: ellas con 15 y nosotros con 20, ¿qué hay de malo?»

Sonorama se celebra en Aranda de Duero, Burgos, los días 11, 12, 13 y 14 de agosto y contará con artistas como The Hives, Love of Lesbian, Mando Diao, Quique González, León Benavente, Molotov, Izal, 091 o Kula Shakers, entre otros.

Chenoa se desnuda para el 40 aniversario de Interviú

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30 mayo, 2016

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Chenoa protagoniza hoy la portada del nuevo número de Interviú. La elección de la cantante para esta portada no es casual, pues la revista cumple 40 años en los quioscos, que es la edad de Chenoa. La imagen utilizada para la portada, sin embargo, no muestra a Chenoa en pelota picada como a Najwa hace unos años sino a la autora de ‘Cuando tú vas’ cubriendo su pecho con cristales incrustados.

La portada sirve también a Chenoa para promocionar su nuevo disco, ‘Soy humana’, que salía el 1 de abril y se las está viendo canutas para mantenerse entre los discos más vendidos de nuestro país a siete semanas de su lanzamiento. El disco llegó al top 3 de ventas tras su salida pero, desde el puesto 93, está a punto de abandonar la lista, por lo que podemos considerarlo un fracaso, puesto que tampoco ha producido hit alguno. Sin duda, Chenoa está muy lejos de repetir los éxitos de su primera época.

Por cierto, como sabréis, Chenoa no es la única cantante que ha desnudado Interviú recientemente. Aparte de a Najwa, hace relativamente poco protagonizaban su portada también una Rebeca despampanante, así como Alaska, Yurena, Leticia Sabater o Soraya, otra triunfita que, como Chenoa, optaba por tapar en lugar de enseñar.

Sábado en GetMad! Festival: de la melancolía de Eagulls al desmadre de Black Lips

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Miguel Sánchez

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30 mayo, 2016

La segunda jornada de GetMad! Festival trascurrió con una asistencia bastante concurrida pese a coincidir parcialmente con la final de la Champions y, si este evento es capaz de superar un envite así, tal vez sea una señal de que la aventura puede durar. Por otro lado, es de agradecer que el festival no solo traiga música al centro de la capital, sino que impregne otros ámbitos con su propuesta: en estos últimos días, hemos podido ver cómo dejaba huella a lo largo y ancho de Malasaña, trascendiendo lo musical y haciendo una propuesta gastronómica en colaboración con distintos negocios del barrio. Centrados de nuevo en lo musical, esto es lo que vivimos en la segunda jornada de GetMad!

Hace dos semanas salía a la calle ‘Ullages’, el segundo álbum de Eagulls, así que la banda de Leeds estaba de absoluto estreno y, como era de esperar, fue este segundo trabajo el protagonista de su concierto en la sala But, uno de los primeros de la segunda jornada. Comandados por el lánguido George Mitchell, seguramente sorprendieron a aquellos que aún no han escuchado el nuevo álbum y esperaban una fiereza digna de los temas de su debut, pero las nuevas canciones caminan por un terreno melancólico, con esa calidad ensoñadora que tenían The Chameleons en álbumes como ‘What Does Anything Mean? Basically’. Destacaron temas como ‘Blume’ o ‘Euphoria’ y también hubo espacio para alguno del primer álbum, como ‘Nerve Endings’, pero el ambiente estaba dominado por la citada melancolía, algo que los asistentes asimilaron bastante bien, a juzgar por las caras de disfrute entre las primeras filas.

Su último trabajo data de 2014 y sin novedades discográficas a la vista, lo mejor que podían hacer Black Lips era montar el fiestón y hacer un greatest hits en la sala But. El inminente comienzo de la final daba igual: la sala estaba a reventar de gente con ganas de pasarlo en grande y, como suele ser el caso, la intención de la banda de Atlanta era darlo todo. Volaron globos, rollos de papel higiénico, vasos de cerveza y escupitajos (los que el guitarrista Cole Alexander se lanzaba a sí mismo, esperando capturarlos en el aire). No faltaron temazos como ‘O Katrina!’, ‘Family Tree’, ‘Modern Art’ o la tremenda ‘Bad Kids’ con la que cerraron su set, provocando el pogo supremo entre el foso. Ojalá no tarden en volver, catarsis así son necesarias.

Su último concierto en la capital no queda muy distante, pero cualquier oportunidad de ver en directo a una leyenda de la música experimental como es Genesis P-Orridge y sus Psychic TV hay que aprovecharla. Esta encarnación del proyecto, en marcha desde 2006, se centra más en crear mantras psicodélicos con un enfoque mucho más mundano y por tanto más asequible para el oído medio (indudable protagonista la guitarra de Jeff Berner y sus virtuosos solos, más propios de otros géneros), en dilatados temas como ‘Burning The Old Home’ o ‘Greyhounds Of The Future’. Hablábamos de Wire en la crónica del viernes como ejemplo de artista que evoluciona sin apenas mirar al pasado, que no vive de la nostalgia. La misma situación ocurre con Genesis y los que asistieron el sábado al concierto supieron aceptar esta encarnación de PTV, dejándose llevar por el embriago de la música y la profundidad de las letras de P-Orridge.

Coincidiendo con el final del concierto de Psychic TV, Tim Presley, o sea White Fence, se subía con su banda al escenario de la sala Taboo para repasar su cada vez más extensa discografía que, curiosamente, no se ha visto aumentada desde aquel LP de 2014 titulado ‘For The Recently Found Innocent’, que apenas visitó, dando protagonismo a álbumes como ‘Cyclops Reap’ (2013) y anteriores, ante una sala repleta de público. El set fue corto, pero enérgico. Tras el artista californiano, seguíamos en la Taboo y no nos movíamos de estado, puesto que el encargado en dar por terminados los fastos fue Mikey Maramag, quien vino desde San Francisco con Blackbird Blackbird. Cercano a la electrónica ensoñadora de proyectos como M83, pero con un enfoque más tecno, temas como ‘Tangerine Sky’, con unas guitarras cercanas al dream pop, pusieron un buen punto final (punto y seguido, esperamos) al GetMad!, que, con lo bien recibido que ha sido, esperamos tenga más ediciones.

Fotos: Íñigo Amescua.

Beth Orton pide perdón y retira su vídeo por vandalismo ambiental no intencionado

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30 mayo, 2016

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Beth Orton editaba el pasado viernes su nuevo disco, ‘Kidsticks’, que la inglesa ha producido junto a Andrew Hung de Fuck Buttons. Se trata del sexto trabajo de estudio de Orton tras ‘Sugaring Season‘, editado en 2012. Muchas de nuestras lectoras y lectores recordarán a Orton por sus trabajos de principios de siglo, especialmente por su segundo disco, ‘Central Reservation’, que llamó la atención de público y crítica gracias a su astuta combinación de melodías de autor y pausados ritmos electrónicos al estilo del trip-hop que triunfaba en la época.

El lanzamiento de ‘Kidsticks’ se producía sin ningún tipo de incidente hasta la salida ayer de su primer videoclip, correspondiente al tema ‘1973’. En el vídeo, dirigido por el fotógrafo Tierney Gearon en el desierto de Mojave, Orton aparecía pintando con spray de colores un árbol de Josué y un cacto. Por esto, varios usuarios de Twitter han acusado a Orton de vandalismo ambiental. «La pintura matará ese árbol», escribía una persona. El gobierno de California ha ido tan lejos de iniciar una campaña en change.org para pedir a Orton que realice una donación a modo de compensación por lo ocurrido a Mojave Desert Land Trust, que protege la zona.

Profundamente afectada por la polémica, Orton decidía ayer retirar el vídeo. Además, publicaba una disculpa en Facebook en la que apuntaba que había sido informada de que el árbol estaba muerto. «Lo siento de veras. Me siento enferma del asco. Me dijeron que el árbol estaba muerto. Retiraré el vídeo ahora mismo. Por favor, decidme qué puedo hacer para corregir esta situación. Yo no he dirigido el vídeo, solo he seguido instrucciones pero ahora veo lo que he hecho y me siento absolutamente devastada. Por supuesto, asumo total responsabilidad. Lo siento profundamente».

Curiosamente, Orton es conocida por su preocupación por el medio ambiente y todos sus discos de un tiempo a esta parte son ecológicos. «Por cada cierto número de unidades producidas [de discos de Beth Orton]», lee Wikipedia, «se planta un árbol en una zona pobre de México con el objetivo de compensar las emisiones de dióxido de carbono generadas por el prensado de CDs y la producción de otros productos comerciales». Nadie puede dudar, pues, de que las intenciones de Orton con este vídeo eran buenas y de que su arrepentimiento es honesto.

this BO video is fucked up, reminds me of when those dudes trashed Recapture Canyon with their ATVs @jaywbabcock pic.twitter.com/IrB0hWsUbL

— team love records (@teamloverecords) May 28, 2016

Ben Watt / Fever Dream

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Mireia Pería

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30 mayo, 2016

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Olvidadas (o aparcadas) sus aventuras con la música electrónica, Ben Watt regresó en 2014 al pop rock de fuste clásico en ‘Hendra‘. Dos años después continúa por la misma senda, acompañado otra vez por Bernard Butler (e invitados de lujo, como M.C. Taylor de Hiss Golden Messenger o Marissa Nadler). ‘Fever Dream’ es un LP cadencioso, sensible. Y completamente orgánico. Su estructura es recia y sobria, fabricada a base de guitarras, pianos, batería, percusión y escasa fanfarria. La mitad de Everything but the Girl sigue demostrando su maestría, como Tracey Thorn, en los terrenos del pop adulto y sentimental. El primer single y tema que abre el disco, ‘Gradually’, ya te arrastra a un terreno de contenido drama romántico. Si encima lo escuchas acompañado de su videoclip, el resultado puede ser demoledor.

Algo menos dramático en líneas generales, pero igualmente sentido, es el resto del álbum, donde destacan las baladas y medios tiempos -con leve aire de bossa nova- en su primera mitad. La excepción en este tramo es la muy Wilco ‘Between Two Fires’. También hay alguna coincidencia graciosa: el puente de ‘Winter’s Eve’ recuerda mucho a… ‘Carrie’ de Europe. El punto culminante del disco, estratégicamente situado a la mitad, es el baladón rasgado, intenso, de épico estribillo, ‘Women’s Company’. Un alegato feminista y, a la vez, una conmovedora declaración de amor («You’re the one that I want»), adornado con vibrantes guitarras en el punto justo de distorsión. A partir de aquí, el disco parece relajarse y las canciones se despojan de pesar (que no de melancolía). ‘Faces of my Friends’ es moderadamente alegre, gracias a su percusión y a una sencilla pero efectiva melodía y ‘Running with the Front Runners’ es la más deudora del sonido de EBTG en los ochenta. Ben no recupera la vena afligida hasta la final ‘New Year of Grace’, donde los coros de Marissa Nadler le acompañan en medio de una atmósfera fantasmagórica, un poco Sufjan Stevens, mientras ruega: «All my love is easy to forget / all of the love we have known / All my love now please do not forget».

Como ‘Hendra’, este es uno de esos discos que va creciendo con las escuchas y escapa a esa primera (y errónea) impresión de ser simplemente un disco «agradable» a paladear tranquilamente. Ben ha conseguido construir una obra robusta, con la estela de autor de pop clásico a lo Carole King y el afán de ofrecernos un buen puñado de temas honestos y emotivos.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Gradually’, ‘Fever Dream’, ‘Women’s Company’, ‘Faces of my Friends’, ‘New Year of Grace’
Te gustará si te gusta: Everything But the Girl, Tracey Thorn, los Wilco más sosegados.
Escúchalo: Spotify
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Feist vuelve para homenajear al líder de Tragically Hip, enfermo terminal

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30 mayo, 2016

The Tragically Hip son uno de los grupos más exitosos de la historia de Canadá. Su debut ‘Up to Here’ (1989) y su tercer álbum ‘Fully Completely’ (1992) recibieron en este país sendos discos de diamante (10 veces platino) mientras el segundo ‘Road Apples’ no se quedaba muy atrás con ocho certificaciones de platino. El grupo continúa en activo y de hecho el 17 de junio lanza un nuevo disco llamado ‘Man Machine Poem’ presentado por el notable single ‘Tired as Fuck’, pero lamentablemente es noticia ahora porque su líder Gord Downie ha sido diagnosticado con un cáncer cerebral que no tiene cura.

La noticia ha sacudido naturalmente Norteamérica, especialmente Canadá, y son muchos los artistas que han mostrado su pesar. Feist, más o menos retirada desde la edición hace 5 años de ‘Metals‘, ha salido de su escondite para hacer una versión de ‘Flamenco’ del disco de Tragically Hip de 1996 al tiempo que desde Facebook ha mostrado todo su «respeto, admiración y amor» por Gordon Downie. Seguramente Leslie, que por aquel entonces tenía 20 años, también disfrutó de su gran hit editado en el mismo 96 como parte del largo ‘Trouble at the Henhouse’, ‘Ahead By a Century’. Os dejamos también con ‘Bobcaygeon’, el tema que en el año 2000 ganaba el premio Juno (algo así como los Grammys canadienses) a mejor canción del año, sólo uno de los 14 premios Juno que han ganado The Tragically Hip entre 1990 y 2006; y con el single principal de su debut y tema insignia, ‘New Orleans Is Sinking’.

‘La bicicleta’, el «vallenato desesperado» de Shakira y Carlos Vives que cita a Piqué

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29 mayo, 2016

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Sony anunciaba esta semana el regreso de Shakira con una canción junto a Carlos Vives (el tema aparece en el canal de Youtube de él, no en el de ella). Se llama ‘La bicicleta’ y es una vuelta a las raíces latinas tras los discretos resultados obtenidos por el primer single del último álbum de Shakira, el ya olvidadísimo ‘Can’t Remember To Forget You‘ junto a Rihanna.

‘La bicicleta’ es una desprejuiciada canción de amor («Yo te quiero así y me gustas porque eres diferente / A mí manera, despelucado, en una bici que me lleva a todos lados») con un punto divertidillo que, tras mencionar las ciudades clave en la vida de Shakira, Barranquilla y Barcelona, incorpora definitivamente el humor con una cita a su propio marido, Piqué, que tras haber ganado la liga con el Barça seguro que no está viviendo su mejor fin de semana tras la victoria del Real Madrid en la Champions. Quizá le anime ese «que sí a Pique algún día le muestras el Tayrona / después no querrá irse pa’ Barcelona».

El tema se plantea abiertamente como un «vallenato desesperado» en una parte de la letra, y la pregunta es si esa «desesperación» no es la de conquistar el título de «canción del verano» en España. No hay más que ver cómo está agarrado al top 1 en nuestro país ahora mismo Enrique Iglesias con otra canción reggaetón, ‘Duele el corazón’, para atar cabos.

Os dejamos con unas declaraciones sobre la canción y con una foto que no hemos sacado de la basura sino del mailing de Sony. «Siempre quise escribir, producir y grabar una canción con Shakira para que juntos pudiéramos mostrar nuestra Colombia para el mundo», afirma Vives. «Ella ha llevado la música de nuestro país a alturas inimaginables y finalmente poder colaborar con ella es una realización muy importante», concluía.

Shakira ha dicho: «Esta es una canción que nos representa muy bien a los dos, es un vallenato, reggaetón. Y él es el rey del vallenato… para mí es uno de los artistas más impresionantes que ha dado Colombia. Siempre lo he admirado, su estilo de composición, su carisma, su compromiso con el país, su talento artístico. Me siento muy honrada que me haya invitado a participar en este proyecto. La verdad que he sido muy feliz, esta canción es un homenaje a nuestra tierra en muchos sentidos, la van a disfrutar».

El video de ‘La Bicicleta’ fue grabado en Santa Marta y Barranquilla bajo la dirección del aclamado cineasta y fotógrafo Jaume De Laiguana y se estrenará próximamente.

Alicia Keys no deslumbra en la final de la Champions

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29 mayo, 2016

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Anoche se celebraba frente a millones de espectadores de todo el mundo la final de la Champions League, que terminaba con la victoria del Real Madrid sobre el Atlético de Madrid en los penaltis. Antes del partido, Alicia Keys actuaba como artista invitada realizando un popurrí de 6 minutos que la UEFA ha tenido el detalle de subir a su canal oficial de Youtube, aunque no se puede incrustar en páginas webs.

Alicia Keys interpretó acompañada de bailarines y coristas su forzado éxito ‘Girl On Fire’ (para él presentó hasta tres vídeos diferentes hace cuatro años); un fragmento de su macrohit ‘Empire State of Mind’, a la postre convertida en un mastodóntico clásico; y finalmente su impecable nuevo sencillo ‘In Common’, que no obstante, en un espectáculo de este tipo y con tantísima luz, quedó precisamente deslucido. ¿Habrían funcionado mejor ‘No One’ o ‘Falling’?

Alicia apostó por un espectáculo muy discreto, coreografiado pero mucho menos espectacular que lo visto en la Super Bowl y, de manera significativa, apareció sin maquillar, decantándose claramente por la sencillez. ¿Ha funcionado a la cantante aparecer en este espectáculo? De momento no en exceso. ‘In Common’ no aparece en el top 100 de iTunes de Reino Unido ni Estados Unidos, y ronda sólo el top 30 de iTunes en España e Italia, donde se celebraba el partido.

Garbage, «desesperados por la revolución» del amor en su nuevo anti-single

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29 mayo, 2016

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Si hace unos días, el nuevo vídeo de Bat for Lashes nos recordaba tímidamente al de ‘You Look so Fine’, uno de los hitos estéticos de Garbage, el nuevo single de estos parece la versión tímidamente rockera de aquella canción.

Hasta ahora sólo conocíamos ‘Empty’ del disco que Garbage sacan casi ya, el 10 de junio, ‘Strange Little Birds’. Pero esta semana el grupo de Shirley Manson estrena este ‘Even Though Our Love is Doomed’, que presenta con un «lyric video» protagonizado por animales salvajes que parece un episodio de «El hombre y la tierra». No en vano, una parte de su letra habla de la «extinción». La canción, a pesar de la llamada a la revolución de sus primeras líneas, evoluciona hacia la temática amorosa («¿Por qué matamos las cosas que amamos más?», se pregunta en un momento; «¿Puedes amarme por aquello en lo que me he convertido?», añade en otro), con un poso optimista en el estribillo («esperamos al mañana, aunque nuestro amor esté condenado, aunque seamos un desastre»).

A pesar de no ser uno de sus singles más comerciales precisamente, el grupo ha hablado muy positivamente sobre esta canción en la entrevista con EW, señalando este corte como uno de sus favoritos del disco. Shirley cuenta que le encantaría acreditárselo, pero que lo escribió Butch Vig y decidieron dejarlo tal cual. Sólo se hizo una toma vocal, la que oís.

Robado el estudio de Kanye West

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29 mayo, 2016

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Kanye West ha sufrido un robo. Según informa TMZ, alguien entró durante la noche del lunes al martes en su oficina de Calabasas (Los Ángeles, California) tras forzar una puerta haciendo palanca y se llevó portátiles y ordenadores por valor de 20.000 dólares. El material ya ha sido repuesto y se sabe que la información que había en esos ordenadores (canciones y esbozos de canciones, suponemos) no ha sido comprometida debido a la tecnología de alta gama con la que trabaja Kanye, con seguridad máxima. No hay sospechosos pero se piensa que el autor del robo es alguien que conocía muy bien este espacio y lo que había en él.

Kanye ha sido noticia este año por publicar ‘The Life of Pablo‘, después de haber mareado la perdiz durante meses, y por haber cambiado un par de detalles del álbum hasta en un par de ocasiones, a posteriori. El álbum continúa en el puesto 20 del Billboard 200 un par de meses después de su lanzamiento (sobre todo gracias al streaming, que le aporta el 99,93% de sus puntos según Billboard) y en el puesto 37 en Reino Unido. Recientemente West también ha colaborado con Desiigner o French Montana. Incluso aparece en uno de los mayores éxitos en todo el mundo en este momento, ‘Views’ de Drake.

Robyn consuela a sus fans con una serie de remixes

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29 mayo, 2016

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Robyn se ha convertido en los últimos años en una de las cantantes de pop favoritas del público especializado. Especialmente el álbum ‘Robyn‘ y también la colección de EP’s ‘Body Talk‘ supusieron una consolidación que pocos adivinaron en los tiempos de ‘Show Me Love’. Temas como ‘Dancing On My Own’ o ‘With Every Heartbeat’ pertenecen ya a la historia del pop de nuestro siglo. Sin embargo, no se prodiga tanto como quisieran sus fans. Al menos en cuanto a discos: hace nada menos que 6 años desde ‘Body Talk’. En cuanto a colaboraciones, al menos sí hemos podido disfrutar de un EP conjunto con Röyksopp o de su proyecto La Bagatelle Magique.

La nueva idea de la cantante no es ni mucho menos un nuevo álbum. La artista va a dar una serie de tres conciertos en Boston, el Governors Ball de Nueva York y Toronto y para celebrarlo va a lanzar unos cuantos remixes (lista debajo) de mano de Cassius o The Black Madonna. Además, tiene un mensaje para sus seguidores: «Los remixes me hacen escuchar una canción de manera diferente, pues dejan espacio para más cosas que las que normalmente tiene una canción de pop. Espero poder compartir esta experiencia en mis próximos directos durante la semana que viene y así poder bailar juntos».

Axel Boman: “Hang With Me”
Cassius: “Dancing On My Own”
Harry “Choo Choo” Romero: «Love Kills”
Joakim: “With Every Heartbeat”
Mr. Tophat: “Main Thing”
The Black Madonna: “Indestructible”
The Mekanism: “Don’t Fucking Tell Me What To Do”
Wolfgang Voigt: “Who Do You Love?” [ft. Robyn]
Zhala & Heal the World: “Stars 4 Ever”

Viernes en GetMad Festival: de la energía de Imperial State Electric a la rabia de The Soft Moon

Por

Miguel Sánchez

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29 mayo, 2016

Como si de flores de temporada se trataran, la primavera ha traído numerosos eventos a la capital, suponiendo un reverdecer de los festivales madrileños. Tras el Tomavistas, celebrado el pasado fin de semana, comenzaba este viernes la primera edición del GetMad, un festival de espíritu ecléctico que se celebra en cuatro salas cercanas entre sí en el centro de Madrid (Maravillas, Taboo, But y Changó Live). Debido a las solapaciones, pudimos asistir sólo a parte de los conciertos, pero la selección de shows relatados a continuación representa bastante bien la oferta del evento.

Los canadienses No Joy abrieron a media tarde los festejos en la sala But y aunque la temprana hora no congregó a tanto público como hubiesen deseado, nada evitó que desplegaran toda la furia y el ensueño shoegaze que, si en sus discos es una delicia, en directo deja boquiabierto. La banda liderada por Jasamine White-Gluz apenas nos dirigió la palabra, pero no hacía falta: dejaron bien claro su mensaje con sus potentes melodías. Falta poco para que salga un nuevo EP (‘Drool Sucker’, que verá la luz en julio) y presentaron ‘A Thorn In Garlands Side’, un tema nuevo, pero no por ello quisieron dejar a un lado composiciones de sus anteriores trabajos, destacando temas como ‘Chalk Snake’, que justifican sobradamente la segunda juventud que vive este género musical.

El fin de Hellacopters no supuso que Nicke Andersson siguera adelante con su carrera musical y junto a sus Imperial State Electric lleva a cabo un ritmo de trabajo frenético. Cuando aún podría decirse que siguen presentando ‘Honk Machine’, su álbum de 2015, nos enteramos recientemente de que después del verano llegará un nuevo trabajo. Parece increíble que esto pueda suceder, ya que una sordera parcial casi retiró el pasado año a Andersson de los escenarios. En la sala Changó Live, lugar seleccionado por el festival para los grupos de rock and roll/heavy metal, la banda ofreció un set conciso y enérgico en el que repasaron su cada vez más amplia discografía, desde temas más recientes (‘Let Me Throw My Life Away’) hasta cortes que ya van siendo añejos, como ese ‘Throwing Stones’ de su primer álbum. Queda claro que les gusta el rock and roll setentero, desde su música hasta sus poses y gestos y eso puede tener su gracia, pero con decisiones como la de versionar ‘Born To Be Wild’ de Steppenwolf caen en el riesgo de convertirse en una parodia, en un cliché andante digno de salir en ‘Wayne’s World’. Por respeto al legado que Andersson creó con los citados Hellacopters o Entombed, no deberían caer en tantas obviedades.

De vuelta en la sala But, tocaba recibir a los míticos Wire, quienes llevan visitando nuestro país con cada nuevo álbum (la de anoche fue la cuarta vez que venían en seis años, si no me fallan las cuentas). Con su homónimo álbum de 2015 y un nuevo y reciente EP, ‘Nocturnal Koreans’, tenían material de sobra que presentar. Desde sus comienzos hasta la actualidad, bien es sabido que la banda liderada por Colin Newman y Graham Lewis es de todo menos nostálgica: en sus conciertos sonarán principalmente los temas de sus últimos trabajos, con alguna pequeña concesión. Para bien o para mal, es una banda que vive permanentemente en el presente y anoche no fue una excepción. Sí que rescataron algún clásico, como ‘Blessed State’ (de su célebre ‘154’ (1979)), pero fundamentalmente sonaron temas nuevos como ‘In Manchester’, ‘Blogging’ o ‘Nocturnal Koreans’. Llevan cuarenta años en esto, pero no se detienen en su empeño por crear una confrontación sonora con el público. Complejos, ruidosos, nunca eligen el camino fácil y en vez de haberse despedido con una ‘Three Girl Rhumba’ que muchos desearían oír y nunca llegará, nos dejaron los oídos pitando con la densidad de ‘Harpooned’, corte que cierra su citado homónimo álbum. Por gestos así, Wire son más que necesarios en la escena musical actual.

Con ese guiño a Nine Inch Nails que es ‘Black’ (corte de ‘Deeper’, su último trabajo), comenzaban The Soft Moon su concierto en la sala But. No hace mucho que Luis Vasquez nos visitó, pero, con la energía y rabia del enorme concierto que ofreció, puede repetir todas las veces que quiera. Tuvo al público enloquecido desde que salió a escena y ese trance en el que nos metió duró la hora entera de su set, en el que no hubo un segundo de descanso, repasando grandes temas de sus comienzos, como ‘Dead Love’ o ‘Circles’, hasta otros más recientes e igual de emocionantes, como ‘Far’. Todo lo que sucedía, desde los frenéticos juegos de luces hasta los violentos gestos de Vasquez y sus compañeros (batería a un lado, bajo al otro), invitaba a bailar hasta la extenuación, como así hicimos los allí presentes. Terminaron por todo lo alto con la oscura y rítmica ‘Want’, centrada en la percusión, cerrando a modo de mantra un concierto para recordar.

El encargado de dar por finalizados los conciertos de la primera jornada fue el australiano Joshua Head con su proyecto de electrónica Anklepants. Lo que Head ofreció en la sala Taboo no debería considerarse un concierto, sino más bien una performance: los oscuros ritmos de su música cedían el protagonismo a la estética, ya que todo el mundo estaba centrado en el marciano aspecto del artista, con una especie de máscara mutante que terminaba en un pene a modo de nariz; un falo que no dejaba de moverse y, ocasionalmente, soltar un líquido con el que regaba a los allí presentes. Viendo que no estaba calando demasiado su propuesta, Head se iba de cuando en cuando a la barra a pedir una cerveza. A destacar también un bailarín que salía a escena de vez en cuando con una máscara que, en vez de ojos, nariz o boca, tenía una vagina. Más allá de lo buena o mala idea que pueda ser esta propuesta, cuando lo musical queda en segundo plano, parece que algo falla: apuesto a que pocos se quedarían con la música y muchos con lo meramente anecdótico.

Pros y contras de ‘Alicia a través del espejo’: nada que ver con Lewis Carroll

Por

Joric

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29 mayo, 2016

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Aunque le hayan puesto ese título, ‘Alicia a través del espejo’ no es una adaptación de ‘A través del espejo y lo que Alicia encontró allí’, la segunda novela sobre las aventuras de Alicia que escribió Lewis Carroll. Salvo la incorporación de algunos detalles del original literario (el espejo, el tablero de ajedrez, Humpty Dumpty), todo lo demás es una pura invención que funciona como estricta continuación de la película anterior, ‘Alicia en el país de las maravillas‘ (2010). James Bobin, conocido por resucitar a los teleñecos (‘Los Muppets’, ‘El tour de los Muppets’) y crear la fabulosa serie ‘Flight of the Conchords’, es el encargado de sustituir a Tim Burton en la dirección. Aunque eso sí, su sombra como productor es más grande que la cabeza de la Reina Roja.
¿Qué es lo mejor y lo peor de esta secuela? Veamos.

Lo mejor:
1. Su potencia visual. ‘Alicia a través del espejo’ te entra por los ojos. Al igual que su premiada predecesora, tanto el vestuario (a cargo nuevamente de la gran Colleen Atwood) como el diseño de producción (obra de Dan Hennah, el director de arte de ‘El señor de los anillos’) siguen siendo de Oscar. La elaboración de los diferentes escenarios (más variados que en la primera) y personajes (con la feliz incorporación de Tiempo) es magnífica. Gracias a ello la película se transforma en una arrolladora fantasía psicodélica con pinceladas de steampunk, que te cosquillea las retinas y te deja babeando en colores.

2. Es más divertida que la primera. ‘Alicia en el país de las maravillas’ era un rollo. Visualmente atractiva, sí, pero muy, muy aburrida. Su secuela no te va a dejar clavado en la butaca como si estuvieras leyendo la novela, eso está claro, pero tampoco dormido como si te la leyera Bon Iver. A pesar de que su estructura dramática sigue siendo muy convencional, la inclusión de una enloquecida trama de viajes en el tiempo pellizca el relato lo suficientemente fuerte como para que no desconectes a la media hora de película.

3. Su discurso feminista. Que tu hija o sobrina salga de ver una película de Disney queriendo ser capitana de barco y no princesita con corona y corsé es de agradecer. Y que quiera salvar el mundo y no ser ella la salvada, también. Aunque en el fondo todo huela un poco a filosofía neoliberal, a elogio de la mujer emprendedora a costa del escarnio de la funcionaria, mejor ver una historia que ensalza una aventura empresarial que un romance cortesano.

Lo peor:
1. Su hipocresía ¿involuntaria? Resulta paradójico que una película que celebra los valores de la iniciativa individual y el espíritu emprendedor sea tan impersonal, prudente y formularia. ¿Quién es James Bobin sino una Alicia resignada a trabajar como administrativa bajo la estricta vigilancia de Lord Ascott/Tim Burton? En esta repetitiva secuela hay menos riesgo artístico y comercial que poner un puesto de chuches a la salida de un colegio. La película es tan encorsetada como la moral victoriana que Alicia pretende transgredir.

2. Explicar la maldad de Iracebeth, la Reina Roja. No, por favor. Justificar la mala leche del mejor personaje de la película por medio de un trauma infantil tan banal, cursi y poco ingenioso es la peor decisión que ha tomado la guionista disneyana Linda Woolverton en toda su carrera.

3. Johnny Depp. El muso de Tim Burton vuelve a interpretar al sombrerero, pero esta vez con más afectación y desgana que Jennifer Lawrence en la última de ‘X-Men’. La actuación de Depp se resume en tres sílabas: car-gan-te. El actor se limita a poner voces tontas, caras tontas y a embadurnarse con mucho maquillaje (tonto). Que la trama gire alrededor de un personaje así es un gran inconveniente. No quieres que Alicia le ayude. Quieres… ¡que le corten la cabeza! 6.

Yoko Ono no se perderá la final de la Champions

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