Sin temor a resultar tópica o cursi, esta es la mejor época para disfrutar de esta nueva entrega de Gente Joven. El otoño y su melancolía inherente encajan perfectamente con el sentimiento brumoso que exhala ‘Casa de Socorro’; una nostalgia sin objeto pero tangible, amorosamente cultivada por Fernando de la Flor, con la ayuda de Patricia Magadán y Pablo Alvárez. Tras el precioso recopilatorio en Discos de Kirlian, vuelven, esta vez en Acuarela, con otro pequeño tesoro (27 minutos) de pop sosegado y soñador, de ese que declara su amor incondicional a Family y al dream pop.
Pero a pesar de que la pauta se mantiene, ha habido ligeras modificaciones con respecto a ‘I, II, III y IV’. Han mimado aún más el sonido; han perdido gran parte del aspecto amateur, las canciones están más pulidas, mejor acabadas y, aunque mantienen sus características voces quedas, que murmuran más que cantan, ahora las letras son mucho más inteligibles. Pero lo importante, las canciones, continúan siendo igual de hermosas y evocadoras. En eso no han variado un ápice: guitarras leves, atmósferas oníricas, percusión casi de juguete, ecos a My Bloody Valentine, Sarah Records, Dar Ful Ful… Quizás se les pueda recriminar su pleitesía a una determinada sonoridad, pero eso no es impedimento para cimentar una personalidad marcada y unos temas que calan.
Realmente, son los pequeños detalles, esa pizquita tan mínima (en apariencia) lo que hace que, prácticamente con los mismos ingredientes, el resultado te robe el corazón. Y es en ese pequeño margen donde Gente Joven aciertan con la fórmula y consiguen preciosidades como ‘Garcilaso‘; o las entradas de ‘La joya del Nilo’ y ‘Aspavientos‘, que se clavan en la cabeza y generan una extraña emoción; o la atmósfera boscosa de ‘Libélulas’ o la introducción de ‘Radiografía de una centella’, robada a un momento dulce de My Bloody Valentine. Incluso hay humor, como en ese impagable título que es ‘Enhorabuena por el Nobel’, aunque luego la ironía choque con una mini sinfonía de ruiditos de relojes antiguos y cajas de música. ‘Capicúa’ en comparación, abre las ventanas y deja que entre el aire y el sol, gracias a su ritmo jovial. Y, aunque haya alguno de los diez temas que no logre el mismo nivel de hechizo, todo en ‘Casa de Socorro’ te arrulla con ese ambiente de añoranza que, definitivamente, tan bien va para este otoño.
Calificación: 7,6/10 Lo mejor: ‘Garcilaso’, ‘La joya del Nilo’, Aspavientos’, ‘Libélulas’. Te gustará si te gusta: Family, Dar Ful Ful. Escúchalo: Bandcamp
Aunque no es amigo del streaming, Prince no le hace ascos a las redes sociales y ahora se ha abierto una cuenta de Instagram. Él, muy ingeniosamente, la ha llamado «Princestagram», un nombre tan ocurrente que no nos extrañaría que hubiera sido el único motivo por el que el autor de ‘Art Official One‘ se ha decidido finalmente a unirse a esta conocida plataforma.
De momento, la mayoría de imágenes subidas a «Princestagram» pertenecen a sesiones antiguas o a directos, pero Prince tampoco pierde el sentido del humor y cuelga varios «memes» en los que se ríe de sí mismo como este en el que es parodiado por su carácter aséptico. Además de una foto suya muerto por «sobredosis de chocolate», también comparte imágenes de fans y algún que otro vídeo sin demasiado interés.
Prince ha sido noticia recientemente por la publicación en Tidal de su nuevo disco, ‘HITnRUN – Phase One‘, que llegaba a nuestras vidas tras la salida de un single nuevo en Spotify llamado ‘Stare’ que sampleaba su gran clásico, ‘Kiss’. También lo era por sus declaraciones sobre los contratos discográficos, que él comparaba con la esclavitud en una conferencia reciente. “A cualquier artista joven le diría: no firmes”, decía.
A nadie debería sorprenderle el rechazo de Prince al streaming y su favor a Tidal: como Taylor Swift o, más recientemente, Joanna Newsom, el cantante opina que la conocida plataforma no es justa para los artistas: «cuando tengamos nuestros propios recursos», aseguraba en la misma conferencia, «podremos abastecernos a nosotros mismos con lo que necesitemos. Jay Z se gastó 100 millones de dólares de su propio bolsillo para construir su propio servicio. Tenemos que apoyar a los artistas que intentan ser dueños de sí mismos”.
A David Bowie le gusta más su cumpleaños que a un niño pequeño. Si en 2013, el día 8 de enero nos sorprendía con el anuncio de ‘The Next Day‘ y el lanzamiento del single ‘Where Are We Now?‘ después de 10 años de inactividad, parece que el próximo 8 de enero de 2016 lanzará un nuevo disco llamado ‘Blackstar’.
Según The Times of London será un disco de 7 canciones grabado en Nueva York junto a músicos de jazz. La noticia nos hace recordar la producción jazzie que tenía el tema inédito de su recopilatorio del año pasado, ‘Sue (or In a Season of Crime)‘. Además, el corte titular será el realizado para la serie ‘The Last Panthers’. Hace unas semanas se supo que David Bowie compondría la canción de esta nueva serie, «un atrevido robo de diamantes antes de mostrar el corazón oscuro de Europa, donde manda una sombría alianza de gangsters y “banksters”». Se estrena el próximo 12 de noviembre y serán seis episodios.
The Times describe el disco como «una mezcla de canciones jazzy con los beats de pioneros de los 70 como Can y Kraftwerk». Además, un «insider» asegura que el corte ‘Blackstar’ incluye «cantos gregorianos, una sección soul y beats electrónicos». Sería, pues, un álbum completamente diferente al último, muy asequible y presente en listas de lo mejor del año tanto de medios pop como más underground.
Aunque este nuevo disco no ha sido confirmado, cabe destacar que el 8 de enero cae en viernes, el nuevo día de lanzamiento global para los nuevos álbumes.
Actualización: David Bowie ha acudido a Facebook para confirmar la salida de este nuevo disco, efectivamente titulado ‘Blackstar’, para el 8 de enero. El primer single será el tema titular y podrá oírse a partir del 20 de noviembre. En cuanto a las noticias sobre el sonido del álbum, el comunicado las describe como «inexactas».
Esta noche se han entregado los MTV European Music Awards, con actuaciones de Justin Bieber haciendo de nuevo ‘What Do You Mean?’, Ellie Goulding haciendo de nuevo ‘Love Me Like You Do’, Ed Sheeran con Rudimental y Jesse Glynne.
La gala de los MTV EMAs ha dejado ganadores como Justin Bieber (mejor artista masculino, mejor artista canadiense, mejor colaboración y mejor look) o Taylor Swift, que se hacía con la canción del año.
9:00 PM
¡Están poniendo música en la MTV! ¡Estamos emocionados! ¡Por fin, otra vez!
9:06 PM
Ed Sheeran y Ruby Rose (sí, la de la nueva temporada de ‘Orange Is The New Black) son los encargados de presentar la gala este año. Han empezado con un “curioso” gag: “-¿Vemos un concierto de Ed Sheeran? -No soporto a ese tío. -¿Mejor ‘Orange Is The New Black’? -Pero si solo es una serie con besos de lesbianas -Mejor vamos a ver un “reality show” que también tiene música”.
Es curioso, cuanto menos, teniendo en cuenta que la MTV se ha convertido, a día de hoy, en poco más que un canal de docu-realities, en la que música hay más bien poca…
9:07 PM
Abren las actuaciones musicales Macklemore y Eric Nally, de Foxy Shazam. Un temazo que, claramente, no ha terminado de pegar.
9:17 PM
El premio para el Mejor Artista Masculino va para Justin Bieber, una de las actuaciones que veremos posteriormente. Ha dado el discurso más soso que recordamos en años.
Y eso que los MTV EMAs no son conocidos por sus fenomenales discursos…
9:24 PM
Ruby Rose imitando a Lady Gaga con un vestido de espaguetis.
9:29 PM
Para los que os estéis preguntando qué hace la Goulding cantando ‘Love Me Like You Do’, es porque la canción está nominada a mejor canción del año. Y suponemos que Ellie, ya que canta una canción tan trillada, ha decidido no pasar por maquillaje y peluquería.
9:33 PM
¡Breaking news! ¡Nicki Minaj se hace con el premio a Mejor Artista de Hip Hop! Por lo menos este año se lo lleva una chica, que no suele ser común.
9:36 PM
Nos estamos preguntando si lo del cuello de uno de Twenty One Pilots es un tatuaje o un pintado de monogrillo. Si es un tatuaje, vaya tatuaje más feo…
9:46 PM
Macklemore se hacen con el premio a mejor vídeo. Caen por el camino videazos como el de ‘Elastic Heart’ de Sia.
9:50 PM
¿Qué hace Ed Sheeran con esa chaquetilla en el escenario? ¿Por qué parece un británico de turismo en Italia? ¿Por qué lleva tantos coros sin ser una diva del pop? ¿Por qué la actuación de Rudimental está siendo tan descafeinada, con lo que molan en directo? Lo único que se salva es el escenario…
10:02 PM
Sosísimo el ‘What Do You Mean?’ de Justin Bieber. ¡Casi nos quedamos dormidos! Para lo hitazo que es, el Bieber ni ha bailado ni nada de nada. ¡Le ha quedado aburridísimo! Además, ¿por qué no ha cantado su nuevo single, ’Sorry’?
10:04 PM
Ed Sheeran no suelta el gin tonic ni para recoger el Premio al Mejor Directo.
10:05 PM
Bueno ahora lo va a tener que soltar, porque Mark Ronson le acaba de dar un buen trago.
10:12 PM
¿Ed Sheeran era solo un reclamo, no? Porque la gala la está presentando Ruby Rose prácticamente en solitario, ¿no?
10:17 PM
Duran Duran se alzan con el premio a Video Visionary, que han salido a recoger, la verdad, muy dignamente, justo antes del medley de Jesse Glynne. ¡Ojalá hubieran venido Clean Bandit, la verdad!
10:34 PM
Charli XCX se cambia de vestido para presentar el premio a la Mejor Colaboración, que se lo lleva Justin Bieber (que se perfila ya como ganador de la noche) por el temazo ‘Where Are Ü Now’, su colaboración con Jack Ü, el dúo formado por Skrillex y Diplo.
10:35 PM
Ed Sheeran presentando sentado directamente en una silla y con una copita en la mano. Definitivamente, el ganador de la noche es Ed Sheeran, que se lo va a llevar crudo por no presentar nada.
10:40 PM
Tori Kelly haciendo versiones de cuando el público no había nacido.
10:42 PM
Si en Italia han llevado a Andrea Bocelli a actuar, teníamos que haber llevado a Julio Iglesias a los MTV EMA en Madrid… Y LO SABES.
10:53 PM
Justin Bieber se lleva el premio a Mejor Look. Y no sabemos si es que no estamos puestos en moda o no, pero no entendemos lo que lleva puesto hoy.
10:54 PM
Pharrell Williams tiene 42 años. Va a ser verdad que no envejece.
10:58 PM
Es incomprensible que ‘Freedom’ no haya triunfado más, aunque igual es porque es una canción un poco corta…
11:00 PM
Sin embargo, con lo que estamos flipando es que en la retransmisión española se hayan saltado el premio a Mejor Canción y Mejor Artista Femenina, que no hemos visto entregar desde España. ¿Hola, MTV?
11:00 PM
Por si os lo preguntáis: Mejor Canción ha ido para ‘Bad Blood’ de Taylor Swift. Mejor Artista Femenina, para Rihanna. Nos hemos enterado vía… WIKIPEDIA. ¡Gracias, MTV!
Esta semana nos dejaba Gloria van Aerssen, mitad de Vainica Doble, después de que Carmen Santonja lo hiciera en verano del año 2000. Con su muerte se va, tristemente, la última Vainica Doble. Sin embargo, es obvio que si sus grandes ambiciones musicales y sus ocurrentes letras han marcado a generaciones de músicos de nuestro país de diferentes generaciones, más lo harán ahora cuando sus discos, a menudo descatalogados y maltratados por distintos sellos, probablemente serán revisitados. La redacción de JENESAISPOP escoge 10 canciones de sus múltiples discos -como podían haber sido otras 10- para alimentar el debate entre fans, seguidores casuales y despistados, como esos usuarios de Menéame que borraban la noticia de la muerte de Gloria de su portada por «irrelevante» y se quedaban tan frescos. Pero bueno, ya sabéis… dos españoles, tres opiniones.
Réquiem por un amigo (1973)
Como decía magníficamente Ximo Bonet en la reedición del imprescindible ‘Heliotropo’, este disco recoge «un tratado de la condición humana, desde la infancia a la muerte, a partir de las pequeñas cosas». En ese tránsito, ‘Réquiem por un amigo’ es una extraña apertura para el álbum, tratándose de, como indica su título, una canción sobre un desengaño. Con su cadencia pesada, funeraria, y su eco de canción popular, su letra es alta poesía, escupiendo veneno pero con una elegancia pasmosa, ridiculizando al que es capaz de traicionar a un amigo por ego o ambición. ‘Réquiem…’ también supone una inmejorable muestra del gran talento de Pepe Nieto (inició su carrera como batería de Los Pekenikes), que despliega ya de entrada su fantástica mano con una riqueza y precisión de arreglos descomunal. Raúl Guillén.
Habanera del primer amor (1973)
Citar a Vainica Doble reseñando a La Buena Vida, a Pauline en la Playa, a Klaus & Kinski o a Corazón no ha sido un recurso fácil y holgazán de la prensa musical de los últimos 20 años, sino una obligación como un piano si recordamos canciones como esta preciosidad dedicada a un primer amor que por supuesto no llegó a ningún lado. Tiene mucho mérito que la flauta folkie en la onda de The Free Design no sea ni la mitad de bonita que esa letra que presenta a dos niños dejando por primera vez las puertas de su casa «siguiendo una cucaracha» (¡bravo!) para encontrarse con la dureza de una vida en la que «nunca dura cosa buena» («descubrimos de repente con sentimiento y con pena / se deshizo nuestro amor como los flanes de arena»). No es de extrañar que cada vinilo de ‘Heliotropo’ esté valorado en 250 euros. Sebas E. Alonso.
Coplas del iconoclasta enamorado (1973)
Porque todo vale en nombre del amor. La mansión familiar, las reliquias de mis ascentros, un árbol centenario o el cauce de un río. Todo es susceptible de desaparecer si mi amado así lo quiere. Cuentan que Gloria escribió esta letra tras ver cómo derribaban el palacio de los Duques de Medinaceli en Madrid. La insolencia de su mensaje unida a los deliciosos arreglos de cuerda -con los que contaba ‘Heliotropo’ (1973), el segundo álbum del dúo- hacen de esta canción toda una apología a Cupido. Porque ¿quién no ha hecho alguna vez concesiones por amor? Angèle Leciel.
Madre no hay más que una (1975)
Recuperada para esa obra maestra que es ‘El Tigre del Guadarrama’ desde la banda sonora que hicieron para la película ‘Furtivos’ (1975) de Jose Luis Boraú, otro outsider como ellas con el que colaborarían también en la maravillosa serie de TVE ‘Celia’, ‘Madre no hay más que una’ impresiona por su tono tétrico en la descripción de la abnegación materna que, más que un acto de amor, parece que está mostrando la maternidad como un presidio. Si en la película la turbia relación madre-hijo entre una superlativa Lola Gaos y Ovidi Montllor contiene tintes incestuosos, en la canción el foco se centra en la relación de sumisión y abnegación por el hecho de ser madre. No es nuevo en sus letras llenas de proclamas feministas y en las que el hogar aparece muchas veces como cárcel para la mujer. Curioso porque en todas las declaraciones tanto de ellas como de sus allegados, empezando por sus hijos, hablan del hogar, del suyo propio, como un lugar casi mágico lleno de aventuras, imaginación y posibilidades infinitas para ser feliz. Nuclear sí.
Déjame vivir con alegría (1976)
En la carrera de Vainica Doble es crucial su crítica social a la rancia sociedad española, frecuentemente enmascarada por su poesía naif. Pero también, como es este glorioso caso, hay loas al espíritu tranquilo que marca nuestro país, para bien. Con la curiosa ayuda al sitar del seminal Gualberto, en ‘Déjame vivir con alegría’ Gloria y Carmen cantan con tanta retranca como ternura a la vida sencilla y lenta del campo y el mar, alejada del bullicio y la agitación del supuesto progreso. Incluso el ritmo de las estrofas, con esa escueta caja que parece tocada por un niño chico, se muestra como una bonita metáfora en esta incisiva defensa de la vida tranquila, cuyo mensaje acertaron en reivindicar los granadinos Grupo de Expertos Solynieve hace un par de años, convirtiéndolo en un himno de resistencia para las nuevas generaciones. Raúl Guillén.
El duelo (1981)
La influencia inmensa de su música en otros es palpable en muy diversos artistas, desde Sisa a Sabina, pasando por Pegamoides o, en la escena independiente, obvios como Le Mans, La Buena Vida, Family (en los créditos de su recopilatorio ‘Coser y Cantar’ con arte de Aramburu este se declara fan, además de ilustrador) y Nosoträsh, pero también Los Planetas o Sr. Chinarro: su legado no es difícil de rastrear. Su capacidad para no tener miedo a los ripios, para describir sentimientos, sensaciones casi tangibles hacen de sus canciones, a menudo muy densas, auténticos festines para sus seguidores, puesto que no se agotan con las escuchas sino que, como en una pintura de El Bosco, siempre tienen detalles nuevos que descubrir, nuevas lecturas, subtextos que permanecían ocultos. ‘El Duelo’ es quizá su canción más trágica. Una perfecta descripción de ambiente que parece un guión de las primeras películas de Cédric Kaplish o Agnès Jaoui, en la que bajo la superficie costumbrista se esconde una feroz mirada inmisericorde sobre sus personajes. Creo que los que compramos discos nos hemos visto en la situación de pensar alguna vez: «¿querrá alguien esto cuando nos muramos?» y pensamos en nuestra cuidadosa labor de amor de toda una vida tirada a la basura o malvendida al peso. Y nos entran ganas de llorar. Y, cuando termina la canción, quieres entrar en ella como en ‘La Rosa Púrpura del Cairo’ y dar dos hostias a todos los que se reparten con avaricia el botín delante del muerto. Nuclear Sí.
El tigre del Guadarrama (1981)
Normalmente uno puede imaginar el proceso mental que lleva a construir una canción, el porqué de sus elementos, los ecos de otras obras propias o ajenas. Con Vainica Doble, la mayoría de las veces, me ocurre que, por más que lo intente, se me escapan una y otra vez sus razones, siempre dispuestas a la sorpresa, a una frase, a una palabra (¿por qué los montañeros eran federados?), a una onomatopeya inesperada. La canción que cierra y da título al mejor disco del dúo para el que esto escribe, es un ejemplo perfecto. Un torrente de ideas en el que los cuerpos se funden con uno de sus temas centrales, la Naturaleza, en un viaje con un punto lisérgico y en el que cada verso, como en ‘La Historia Interminable’, parece iniciar otra historia digna de ser contada. Una travesía a la muerte en la que se crea un paisaje sensorial y mitológico en la figura de ese imaginario Tigre del Guadarrama como testigo feroz de unas imágenes tan poderosas que deslumbran, como esa de «luego en mí se hizo la noche» o «blancas zarpas de algodón en rama». Musicalmente, el viaje es tan grande como el de la letra, al intertextualizar el ‘Preludio en Mi menor Op28 Nº4’ de Chopin, que aparece hacia el final de manera tan misteriosa como el propio tigre (como en el resto de su trabajo). Y no es tanto una exhibición de sus conocimientos como el saber mantener sus composiciones envueltas en las cosas que las rodeaban. Ahora que parece que intelectualizar la música popular es casi un insulto para algunos, su obra, con clara vocación popular (aunque no siempre llegara al gran público, su música para el cine o la tele no buscaba precisamente lo minoritario), abre un camino quizá irrepetible. La música de Vainica Doble es uno de los acontecimientos culturales más relevantes del último tercio del siglo pasado en España. Nuclear Sí
La funcionaria (1984)
No me considero fan de Vainica Doble, pero Vainica Doble tienen la canción con la que más me he identificado en un momento dado de mi vida: ‘La funcionaria’. ‘Yo no sé por qué hice esta oposición / en vez de estudiar corte y confección’. Lo mismo me pregunté yo a menudo, mientras la nada crecía a mi alrededor. Y también me preguntaba (y me sigo preguntando) si, alguna vez, de la monotonía y el aburrimiento vital sería yo capaz de engendrar una maravilla costumbrista como esta. Mireia Pería.
La vegetariana (2000)
Del último disco de Vainica Doble, ‘En familia’ (2000), publicado por Elefant, llega este blues en el que se ponen a examen los hábitos de una vegetariana. Porque «no todo lo verde es bueno / hay también mucho veneno». Y es que tal vez lo raro no sea dejar de comer carne o hacer un viaje espiritual a Nepal. Lo raro es romper con lo establecido, cambiar el rumbo y abrazar con convicción un nuevo modelo de vida, como en cierto modo hicieron las Vainica con sus letras y su forma de ver el pop. Pequeños regalos como ‘La vegetariana’ amenizaron el final de su carrera artística y fueron prueba de que no habían perdido el sentido del humor ni el arte de musicar poemas. Angèle Leciel
Dices que soy (2000)
Realizado tras el malogrado ‘Carbono 14’ (1997), en el que colaboraban con Alejandro Sanz o Miguel Bosé sobre unos arreglos que no les gustaron ni a ellas mismas, el disco que editaba Elefant a finales del año 2000 unos meses después de la muerte de Carmen Santonja sí estaba a la altura de los mejores trabajos de Vainica Doble. Junto a temas marca de la casa como el arriba descrito, destacaban la cotidianidad (y los tarareos) de ‘El pintor’, la inmediatez de ‘Chiribitas de limón’, el despecho de ‘Quiero tu nombre olvidar’ o esta ‘Dices que soy’. Una canción de independencia y defensa respecto a los demás, como las de Manuel Alejandro para Raphael, que esconde un enorme dolor naíf e irracional, además de una atmósfera asfixiante lograda con unos pocos arreglos que te impide respirar durante la mayor parte de los 3 minutos que dura la canción. Sebas E. Alonso.
«Estaba cantado», «es que tiene muchísimos fans», «es que venir de 30 millones de discos», «la canción no tiene ningún mérito», «es sólo porque es Adele»… son algunos de los comentarios que pueden oírse ahora que ‘Hello‘ está arrasando al mismísimo Justin Bieber, pulverizando récords y que tiene ya garantizado el próximo top 1 en Reino Unido y, de continuar así, el de Estados Unidos dentro de 10 días.
Pero nunca se puede dar nada por hecho. Y menos en 2015 cuando la fidelidad por un artista a duras penas existe. La historia del pop está llena de artistas que también vendieron 20 o 30 millones de unidades de un álbum como lograba Adele con ’21’ y no repetían éxito con su siguiente paso. Es muy difícil que la cantante iguale esa cifra con ’25’, pero desde luego estas 48 horas desde el lanzamiento de ‘Hello’ han sido un escenario inmejorable para acercarse, la mejor vía para conseguir el disco más vendido de 2015 en tan sólo seis semanas. Aquí, 10 ejemplos de regresos que no arrasaron aunque en su momento por supuesto se esperaba.
Fleetwood Mac / Tusk
‘Rumours’ (1977) es uno de los discos más vendidos de la historia gracias a la consistencia de sus cuatro singles principales, ‘Go Your Own Way’, ‘Dreams’, ‘Don’t Stop’ y ‘You Make Loving Fun’. Sin embargo, su sucesor, ‘Tusk’, presentado por el sencillo homónimo, no lo igualaba. El disco ni siquiera era top 1 del Billboard 200 y singles como este o incluso el precioso ‘Sara’ «flopeaban». Si ‘Rumours’ lograba 20 álbumes de platino sólo dentro de Estados Unidos, ‘Tusk’ se tenía que conformar con 2. El grupo había optado por un álbum doble, más experimental, que recientemente han reivindicado en directo y favorito de sus fans, pero precisamente un pelotazo comercial no fue. Sí lograrían otro después en los años 80…
Meat Loaf ft Cher / Dead Ringer For Love
‘Bat Out of Hell’ de Meat Loaf, editado en 1977, ha vendido entre 30 y 43 millones de discos, depende de la fuente. Siete platinos certificados en Reino Unido y catorce en Estados Unidos se convertían prácticamente en nada cuando volvía con el siguiente, ‘Dead Ringer’, en 1981. El álbum, grabado con Meat Loaf recién salido de las drogas tras haberse quedado sin voz, conseguía un humillante top 45 en Estados Unidos y solo recuperaría fuelle cuando se le ocurrió editar en 1993… ¡’Back Out of Hell II”! Allí estaba la mítica ‘I’d Do Anything for Love (But I Won’t Do That)’. Eso sí que fue una buena idea y no el dúo con Cher, uno de los sencillos de ‘Dead Ringer’, que ni se pasó a saludar por el top 100 de sus propios países de origen.
Dire Straits / Calling Elvis
Seis años después de ‘Brothers in Arms’, otro de los discos más vendidos de la historia, Dire Straits publicaban su álbum final, ‘On Every Street’. Pero el público no estaba ya en 1991 ahí para escucharlo y los 9 millones de copias que habían colocado en Estados Unidos se convertían en 1. Los 13 platinos de Reino Unido pasaban a ser 2. ‘On Every Street’ era sólo top 12 en Estados Unidos y el single ‘Calling Elvis’ sonó… pero sonó poco.
Michael Jackson ft Janet Jackson / Scream
Después de lo que vendió ‘Thriller’, después de lo que vendió ‘Bad’, después de lo que vendió ‘Dangerous’… ¿quién habría previsto que el primer single de un disco de Michael Jackson no fuera top 1 por doquier? ¡Pero si hasta le metieron a Janet Jackson! ’Scream’ tuvo que conformarse no con un top 2, sino con un top 5 en Estados Unidos y un top 3 en Reino Unido. ‘You Are Not Alone’ le salvó, pero probablemente Michael Jackson empezó a verle las orejas al lobo a mediados de los 90 cuando editaba aquel raro disco mitad recopilatorio mitad no llamado ‘HIStory’. Sin duda, la primera polémica por supuesto abuso de menores de 1993 le estaba pasando factura.
George Michael / Praying for Time
A colación de Adele, es interesante recordar el caso de George Michael, pues podría haber sido muy parecido. También es británico y vendió una burrada de un disco suyo, el primero en solitario, ‘Faith’. Como ’21’, fue disco de diamante “al otro lado del charco”. Aunque ‘Praying for Time’ sí fue top 1 en Estados Unidos, se desinfló enseguida y su carrera encogió gravemente en América. En Reino Unido y otros lugares sigue siendo una especie de Dios, pero en Estados Unidos perdió tal cantidad de seguidores con ‘Listen Without Prejudice Vol. 1’ (y nunca los recuperaría) que George Michael empezó una disputa contra Sony por no apoyarle… ¿No sería que ‘Praying for Time’ no era su mejor canción?
Metallica / Until it Sleeps
Los jevis, que tienen el público más fiel, también decepcionan a veces. Y Metallica, que venían de vender su álbum negro como rosquillas (¿cuántas semanas ha pasado este disco en el Billboard 200? ¡328! ¡6 años enteros!), se la pegaron de lo lindo al cortarse el pelo en ‘Load’. Sí, vendería 5 millones de copias en Estados Unidos, pero era un tercio del anterior en plenos años 90 con la industria musical completamente «on fire» y el grupo continuaría a la baja con ‘Reload’. Con ‘Until it Sleeps’, Metallica perdieron su mejor oportunidad de lograr un top 1 en singles en Estados Unidos. El tema molaba mil, pero su público quería más caña…
Alanis Morissette / Thank U
‘Jagged Little Pill’ vivió un fenómeno muy similar en cifras al de Adele, pero su continuación es puesta siempre como ejemplo de decepción en lo comercial. Incluso Dido, tras su debut, proclamaba frente a la prensa británica: «no iba a volver con un disco de 17 canciones» en clara referencia a ‘Supposed Former Infatuation Junkie’ de Alanis (no sabía lo que le esperaba, claro). A pesar de la millonada que lo precedía, ‘Thank U’ fue sólo top 17 en Estados Unidos y top 5 en Reino Unido. El álbum se perdió el top 1 en Reino Unido y la carrera de Morissette jamás remontaría.
Whitney Houston / When You Believe
Whitney pasó los 90 entretenida con películas tipo ‘Waiting to Exhale’, pero su verdadero regreso tras los 30 millones de copias vendidos por la banda sonora de ‘El guardaespaldas’ era el disco ‘My Love is Your Love’ en 1998. Se presentaba con un single que salía el 2 de noviembre, a tiempo para Navidad, un dueto con Mariah Carey… «Éxito seguro, obvio», habrían dicho hasta los haters, como ahora los de Adele. Pero no. La hostia fue épica, el tema no pasaba del top 15 en Estados Unidos y tenía que acudir al rescate ‘It’s Not Right but It’s Okay’ ya en enero del año siguiente y ‘My Love is Your Love’ (la canción) en verano. ¿Cuánta pasta perdió Whitney en concepto de dinero no ganado aquella Navidad? ¡El disco jamás pasó del top 13 en Estados Unidos! ¿Qué diríamos de Adele si le pasara esto? ¡Top 13 para ’25’! ¡Inimaginable!
Madonna / American Life
La Madonna post-‘Ray of Light’ y ‘Music’ parecía invencible: más de 10 millones unidades vendidas con cada uno, críticas excelentes, incluso algún Grammy. ¡Qué lista era la Madonna adulta! ¿Cómo iba a dar un paso en falso? Madonna había saboreado el «flop» con ‘Erotica’ y ‘Bedtime Stories’, pero logró salvar los muebles con algún sencillo como ‘Take a Bow’. ‘American Life’ fue el primer gran batacazo de su carrera: el single fue top 37 en Estados Unidos e incluso en Reino Unido, por aquel entonces, fiel a la Ciccone como un perrillo, quedaba en el top 2. Ninguno de los siguientes vídeos o singles logró hacerle levantar el vuelo.
Dido / Don’t Believe in Love
Dido parecía confirmada como una de las cantantes más exitosas de todos los tiempos revalidada con ‘Life for Rent’ tras ‘No Angel’. Ambos discos, millonarios, habían dejado clásicos tan exitosos como ‘Thank You’ o ‘White Flag’. Pero los ojos de su discográfica quedaron abiertos como platos cuando comprobaron que ‘Don’t Believe in Love’, tras cinco años de silencio, ni siquiera era capaz de colarse en el Billboard Hot 100 y quedaba incluso fuera del top 40 británico. Lo peor es que la canción ni representaba un gran cambio ni era experimental ni nada por el estilo. Era algo más minimalista pero para nada tan distante de su discografía anterior. Sin duda, la caída de Dido, la más inexplicable y llamativa de toda esta lista.
Dos días después del lanzamiento de ‘Hello’ de Adele, no se puede decir precisamente que el regreso de la cantante haya decepcionado. El tema ha vapuleado a ‘Sorry’ de Justin Bieber en iTunes a ambos lados del Atlántico y si alguien pensaba que su punto débil era el streaming o los vídeos (nunca han sido su fuerte), se equivocaba.
El videoclip realizado por el prestigioso director Xavier Dolan ha batido el récord de vídeo más visto durante las primeras 24 horas de Vevo. El récord lo marcó hace un par de años ‘Wrecking Ball’ de Miley Cyrus, siendo después superado por ‘Anaconda’ de Nicki Minaj. Es destacable que ambos vídeos tuvieran un componente sexual tan pronunciado, si bien ambos se veían superados este mismo año por ‘Bad Blood’ de Taylor Swift, una superproducción en la que aparecían todo tipo de famosos realizando un cameo y mediante la que se presentaba un remix inédito de la composición de ‘1989‘ con la participación de Kendrick Lamar.
El vídeo de Adele no se sirve de ninguno de estos trucos, haciendo de la canción y de su letra, de nuevo, los únicos protagonistas. Un nuevo triunfo de la música por encima de parafernalia que ya sacó a más de uno los colores en 2011.
En las próximas horas se conocerán más récords batidos por ‘Hello’ de Adele. Y es que si en las primeras 24 horas el vídeo acumulaba 27 millones de visitas, ya se acercan los 100 millones. Además, se rumorea que la canción vendió 400.000 unidades en un solo día y se espera que supere en Estados Unidos las 623.000 copias que vendió ‘We Are Never Ever Getting Back Together’ de Taylor Swift en sus primeros siete días (récord femenino). Según las últimas previsiones, el millón de copias en una semana es posible.
Hits Daily Double comenta que los pre-pedidos de ’25’, a la venta el 20 de noviembre, superan ya las 100.000 unidades y que el streaming en plataformas tipo Spotify de las primeras 24 horas podría ser de 2 millones, superando el récord de One Direction, 1,8 millones con ‘Drag Me Down’.
Vídeos más vistos en Vevo en 24 horas
#1 Adele – «Hello» (27,7 millones)
#2 Taylor Swift — «Bad Blood» (20,1 millones)
#3 Nicki Minaj — «Anaconda» (19,6 millones)
#4 Miley Cyrus — «Wrecking Ball» (19,3 millones)
#5 One Direction — «Best Song Ever» (10,9 millones)
Lorely Rodríguez, alias Empress Of, es una joven estadounidense de 25 años con raíces latinas, para ser más concretos, hondureñas. El pasado mes de septiembre publicó su primer disco ‘Me‘ y ya ha sido alabada y reconocida por la mayoría de los medios especializados a nivel mundial. Además, actualmente está considerada como una de las grandes promesas de la electrónica. En nuestro país se dio a conocer gracias a los remixes que hicieron El Guincho, Pional y Delorean de su single ‘Tristeza’ publicado en el año 2013. Ha tocado con músicos como Dev Hynes, colaborado en la última campaña publicitaria de Solange para Puma y ha estado de gira con músicos como Jamie Lidell y grupos como Jungle o Florence + the Machine. Lleva desde el año 2012 componiendo y produciendo música y este año tocará en directo, por segunda vez, en el festival Pitchfork de París.
Hemos tenido la oportunidad de hablar (largo y tendido) con Lorely sobre su música, su visión del mundo y sobre qué supone ser una chica de 25 años que lleva casi 10 haciendo música, en un mundo, el de la electrónica, dominado por hombres.
Puedes ver su directo mañana domingo en la sala Apolo de Barcelona, dentro de los conciertos de Primavera Club y el próximo 14 de noviembre en la sala Joy Eslava de Madrid como telonera de Purity Ring.
¿De dónde viene el nombre de Empress Of?
El nombre viene porque una noche estaba de fiesta con un amigo y me dio una carta de tarot. La primera que salió fue la de la Emperatriz y esa misma noche escribí una canción sobre eso. La llamé ‘Patrick’, y dice algo así como “Tú dices que estoy loca. Dices que soy una emperatriz”. Quise llamarme a mí misma Emperatriz, pero no pude hacerlo porque era demasiado pretencioso. Así fue como nació porque pensé: “vale, me voy a llamar «Emperatriz de» porque es un final abierto, puedo ser «Emperatriz De» cualquier cosa. No tiene por qué ser algo en concreto”.
¿De dónde viene la idea de los vídeos “Colorminutes”? Estos vídeos anónimos que hiciste en Youtube.
“Colorminutes” son mis demos. Cuando empecé a hacer música, componía una canción al día, o hacía un minuto de música al día y después de un mes, tenía 30 minutos de música. No sabía qué hacer con ello y quería empezar con el proyecto Empress Of, así que subí todo a Youtube sin ninguna imagen o información. Me gustó porque así la gente que encontrara este proyecto no pensaría “es la música de una tía buena, que es una cantante o una productora”. Sólo dirían: “¿qué es esto? Es muy raro”.
¿Cómo empezaste a hacer música? Porque en tu biografía dice que estabas en clase, aburrida y de repente comenzaste con el jazz.
Sí, comencé a componer cuando tenía 14 años, sólo con el piano mientras grababa las canciones en el ordenador de mis padres. Estudié jazz y música clásica durante diez años. Cuando tuve 17 me regalaron mi primer portátil y empecé a jugar con todos esos programas de beats. Ahí es cuando realmente puedo decir que di mis primeros pasos con la música.
Naciste en Los Ángeles pero tu familia es de Honduras. También he leído que has vivido en diferentes ciudades como Boston y Nueva York. ¿Cómo te han transformado todos estos cambios?
Es raro. He vivido en Nueva York durante los últimos cuatro años, y antes de Nueva York, viví durante un tiempo en Boston. Crecí en Los Ángeles y voy a volver a Los Ángeles. No lo sé, la verdad, me siento bastante rara todo el rato. Voy a estar de gira durante los próximos tres meses, todos los días voy a estar en una ciudad distinta, así que esto forma parte de la vida. Quieres tocar tu música en distintos lugares para personas distintas. Si quiero ir a España a tocar, iré.
Sí, vienes ahora.
Sí, sí.
«Antes tenía como cuatro trabajos. He sido niñera, he cuidado niños, he enseñado música en la escuela. Cuando firmé el contrato me dijeron: «vale, no tienes que hacer nada más que grabar un disco». Y contesté: “¿qué? ¿me estáis vacilando?».»
¿Dirías que en este momento, tu carrera es la música?
Sí, totalmente. No tengo otro trabajo ahora mismo. Desde el 2014 he estado con el proyecto Empress Of. Antes tenía como cuatro trabajos. He sido niñera, he cuidado niños, he enseñado música en la escuela. Cuando firmé el contrato me dijeron: “vale, no tienes que hacer nada más que grabar un disco». Y contesté: “¿qué? ¿me estáis vacilando?”. Por eso me lo tomo tan en serio. Me levanto cada mañana a las ocho de la mañana y trabajo diez horas grabando. He estado haciendo esto durante un año. Así que sí, ahora considero esto mi carrera, quiero grabar discos. He puesto todo en mi primer disco pero no va a ser el último. Voy a hacer más álbumes.
¿Cómo surgió la colaboración con Solange y Puma?
Solange diseñó unas zapatillas para Puma y no quería utilizar las típicas modelos. Quería mujeres fuertes e independientes en su propio campo. Cuando surgió el proyecto pensé que iba a haber más músicos, pero para nada, yo era la única. Después escogió a una poetisa, una doctora, una diseñadora de bufandas y una maquilladora, todas ellas distintas pero fuertes e independientes. Fue un día increíble porque estuve rodeada de mujeres maravillosas, seguras de sí mismas.
Tu single ‘Tristeza’ lo cantas en castellano, pero después este primer trabajo, ‘Me’, lo cantas completamente en inglés. ¿Por qué?
Cuando escribo canciones en castellano es distinto. El lenguaje es algo completamente subjetivo y el significado varía mucho. Si digo una frase en castellano o en inglés, nunca va a ser lo mismo. El sentimiento es distinto. Había muchas cosas que quería decir en este disco y quería hacerlo en inglés. Quería crear un espacio en el que fuera yo contándote mi historia, por eso lo hice en inglés.
Publicaste tu primer EP en el 2013 pero llevas haciendo música desde el 2012 y ahora, en el 2015, has publicado tu primer disco. ¿Nunca has parado de trabajar?
En marzo de 2013 publiqué mi primer trabajo, mi primer EP. Sin embargo, en el año 2012 publiqué mi primera canción. En realidad creo que me he tomado mi tiempo, porque hay gente que publica las cosas muy rápido. Publiqué seis canciones antes de este disco y me llevó mi tiempo. No quiero correr. No quise correr cuando estaba haciendo el primer disco, no lo haré más adelante. Es como quiero que sea.
Has tocado en festivales como Pitchfork, SXSW. ¿Cuál ha sido tu festival favorito?
Creo que Pitchfork Paris. Fue un poco asqueroso porque estuve en París tan sólo 18 horas, pero también es algo increíble. Es un festival muy bueno en el que te tratan muy bien. Panda Bear tocó ese año y es uno de mis artistas favoritos. Y era mi primera vez en París. Tenía la sensación de “¡guau! ¡Qué estoy haciendo aquí!”. Fue algo increíble. Y toco otra vez este año. Será en octubre y estoy muy emocionada.
Las canciones de ‘Me’ fueron compuestas en México. ¿Por qué allí?
Me escapé a México sólo para no estar en Nueva York. Comencé a escribir el disco en Nueva York y fue una mierda. No salía como quería. Tenía que escapar de ahí. Adoro vivir en Nueva York, pero es una ciudad muy dura. No es fácil, nada fácil ser artista en Nueva York e incluso es peor porque todo es extremadamente caro y hay mucha energía en el aire, tanto positiva como negativa. No podía ser creativa en Nueva York. Así que me fui a México porque un amigo tenía una casa en la que podía estar. Me dio un poco de miedo al principio porque iba a estar completamente sola, pero era lo que necesitaba.
¿De dónde vino la idea del videoclip ‘Water, Water’?
Este vídeo habla sobre la idea de no estar presente en un momento concreto. Me refiero a no tener agua clara que beber en un momento dado, literalmente. Pero la otra historia habla de un grupo de personas que está en un momento muy intenso porque ha fumado mucha hierba y tengo problemas para conectar con ellos. Por eso quería que este vídeo fuera un poco desvirtuado, con neblina, como si no pudieras ver la imagen. Puedes ver, sabes lo que soy, pero no puedes ver claramente lo que hay. Por eso el vídeo es así.
La idea de la portada de ‘Me’ es, aparentemente, muy sencilla, pero también es muy oscura. ¿Por qué un fondo gris y tú casi en negro?
Para ser sincera, hice de todo hasta llegar a la portada. Lo intenté todo. Mi cabeza con efecto 3D, ilustraciones, hicimos tres sensiones de fotos… y al final tuve el pensamiento de “¿qué soy yo?”. Pensé en cómo vería la portada de este disco dentro de diez años. “¿Seré feliz con esta portada dentro de diez años?”. Por eso es sólo una foto, sólo yo. Pensé en utilizar una foto sencilla. Es un poco ir hacia la madurez, porque este disco habla de sobreponerme a las inseguridades, ser una chica de 24 años que escribe un disco. ‘Me’ habla sobre madurar, porque crees que con 24 ya eres un adulto. No quería ser otra persona que no soy.
«Para mí era una necesidad ser completamente honesta y directa, por eso cuando pensé en el título del disco, no quería algo forzado, cursi u ostentoso. Quería algo que fuera claro y al grano».
¿Y por qué el título ‘Me’? Es muy escueto.
Porque en este disco se puede ver cómo soy mucho más directamente, se nota en mis letras y cuando canto las canciones como si se las estuviera cantando a alguien directamente, como si estuviera hablando con alguien, y es muy honesto. “Don’t take me by the hand and walk me through with pity. If I was a man would you still do the same?”, letras como esta o como ‘Need Myself’. Esta es una de las canciones más directas que he escrito. “I just need myself to love myself”. ¿Cuánta gente dice eso? No lo sé. Para mí era una necesidad ser completamente honesta y directa, por eso cuando pensé en el título del disco, no quería algo forzado, cursi u ostentoso. Quería algo que fuera claro y al grano.
¿Cuál es tu canción favorita del disco?
No lo sé. Cambia de un día para otro. Me gusta mucho ‘How Do You Do It’ ahora mismo porque me encanta el vídeo. Además, es muy divertido tocarla en directo. El beat es muy divertido y las palabras también. No es demasiado seria. Canciones como ‘Need Myself’ y ‘Icon’, la última canción del disco, son muy serias para mí, pero ‘How Do You Do It’ es sobre pasárselo bien.
El álbum es muy bonito, pero creo que también tiene algo bastante oscuro, no sólo en las letras sino también en el estilo musical, en cómo empleas los sintetizadores. Es optimista, pero al mismo tiempo puedes sentir el lado oscuro de las cosas. ¿Por qué? ¿Por qué esta ambivalencia?
El disco es como un viaje. Es como vivir a través de una relación. Empecé el disco estando muy enamorada de alguien y no podía verme a mí misma alejada de esa relación, como si sólo supiera conocerme a través de esa persona. Por eso la primera canción es ‘Everything Is You’.
«Da un poco de miedo cuando quieres tanto que no sabes ni quién eres. Ahí es donde comienza el disco y luego, a través de todo el álbum, estoy tratando de sobrellevar el estar sola, quererme a mí misma y cómo aprender a llevarlo»
La letra de esa canción habla muy claramente de ese tema.
«You are everything; everything is you». Da un poco de miedo cuando quieres tanto que no sabes ni quién eres. Ahí es donde comienza el disco y luego, a través de todo el álbum, estoy tratando de sobrellevar el estar sola, quererme a mí misma y cómo aprender a llevarlo. Quizá ahí es donde se ve lo oscuro que es. Quizá porque aprender a abrazar y entender tus imperfecciones e inseguridades no es nada fácil.
¿Cómo explicarías cuál es la evolución entre ‘Systems’, tu primer EP, y este disco?
Diría que ‘Me’ es más progresivo. He invertido mucho tiempo en aprender cómo producir, cómo hacer los beats, cómo hacer sonidos guays con los sintetizadores, y podría decir que ‘Me’ es una producción mucho más madura. También las letras son muy directas. Con ‘Systems’ estaba como en una especie de ensoñación borrosa, como en una especie de fase de «quiero esconderme bajo la almohada». Y con este álbum, he querido tener sonidos de batería más potentes y letras muy obvias. Es decir, no tienen por qué ser letras agresivas, pero si voy a decir algo, sólo quiero decirlo y punto. Sí, creo que ahí radica la diferencia. Pero soy la misma chica que escribió ‘Systems’ y ‘Me’, así que ahí están las similitudes.
¿Cuál dirías que es tu estilo musical?
No lo sé. No me gusta que me pregunten estas cosas.
Lo siento.
No, no, está bien. Tendría que ser capaz de decir qué estilo musical hago. Sólo que, para mí, es muy difícil. Siempre digo que es pop electrónico porque es un término aburrido y abierto, puede significar cualquier cosa.
Este disco es bastante feminista. Es decir, cuando escucho las letras de tus canciones noto a una mujer independiente, fuerte y decidida que necesita y va a decir su opinión. Como una forma de conocerte mejor a ti misma. En otras respuestas me has explicado que esta era tu intención, además de mostrar tu personalidad y empujar a las chicas a ser ellas mismas. Que deben ser mujeres independientes y fuertes.
No lo hice de una forma consciente. Cuando comencé a escribir el disco lo hice más bien sobre mi propia vida, por lo que estaba pasando y lo que estaba aprendiendo para llegar a ser una mujer fuerte, independiente y que se quiere a sí misma. Cuando escribes una historia sobre ti misma es como “¿quién soy?”. Soy una chica de 24 años que está pasando por lo mismo que está pasando cualquier otra chica de 24 años, como ser piropeada por la calle, o que está aprendiendo a quererse a sí misma, a tener autoestima. Creo que es por esto que otras mujeres pueden sentirse identificadas.
¿Cuánto tiempo has tardado en grabar este disco?
Diez meses, después de ese tiempo pensé: “Vale, ya lo he terminado”. Y después vino el mezclarlo, masterizarlo y todo eso.
¿Cómo ves el panorama musical en el campo de la electrónica? Es decir, no hay muchas chicas en Estados Unidos en este terreno.
Es interesante porque cuando comencé a hacer música, hará tres años, no había casi mujeres que produjeran música, y ahora hay unas cuantas más, pero no al nivel que haría falta para llenar festivales con mujeres que tocan solas. ¿Sabes? Es interesante porque acabo de comenzar a hacer colaboraciones, ahora es cuando empiezo a hacer colaboraciones con otros artistas.
«Cada vez veo más y más productoras que trabajan en solitario pero me gustaría saber si trabajan para más personas. Es algo que me gustaría saber de verdad. Es que es algo que no oigo muy a menudo. Sólo sé sobre tíos que producen»
¿Podrías decirme el nombre de alguno?
No, lo siento, no puedo. Pero cuando me llamaron me dijeron: “Este y este necesitan producción en un track” y yo respondí: “¡guau! ¡Dios, claro que sí, sí, sí al cien por cien!”. Y me imagino cuántas mujeres productoras están produciendo para otra gente. Cada vez veo más y más productoras que trabajan en solitario pero me gustaría saber si trabajan para más personas. Es algo que me gustaría saber de verdad. Es que es algo que no oigo muy a menudo. Sólo sé sobre tíos que producen.
Has estado de gira con gente como Jamie Lidell, Jungle y Florence And The Machine. ¿Cuál ha sido tu gira favorita?
Diría que en los shows de Florence es donde más he aprendido. Ese fue muy loco porque toqué para más gente de la que he tocado en mi vida, casi 10.000 personas. Es diferente porque he pasado de tocar en una sala pequeña para 100 personas a tocar en un escenario así. Tienes que dar la misma energía que pondrías para 100 personas pero para miles. Además, ver a Florence sobre el escenario es algo increíble, está loca. Saca una especie de bestia que lleva dentro. Corre, salta sobre el público, no sé… Cuando la vi por primera vez en directo pensé: “Oh dios mío. Esto es lo que supone ser un artista que actúa sobre el escenario”. Es su escenario cuando camina sobre él. Fue muy inspirador.
Vas a tocar en España y estarás de gira por Europa en países como, por ejemplo, Polonia. ¿Tienes en mente algo especial?
Voy a telonear a Purity Ring, así que no lo sé. Estoy muy emocionada. Es decir, voy a hacer el mismo show que hago siempre, sólo que esta vez lo haré en distintos países. No sé qué va a ser tocar en directo para gente en España. El único plan que tengo es hacer planes para mi show, lo cual es bueno.
«Björk es una de mis mayores influencias desde siempre, pero tengo un problema: estoy obsesionada con Caribou»
¿Cuáles son tus mayores influencias musicales?
Bjórk es una de mis mayores influencias, pero desde siempre. Es única. Es decir, es mujer, es productora, compone, escribe, es madre. Me inspira un montón. Ella fue una de las primeras referencias que encontré cuando empecé con lo de “¡oh! ¡quiero hacer música!”. La conocí cuanto tenía 13 años, empecé a escuchar su música. Sí, es una gran, gran influencia. También te puedo decir una de mis grandes influencias, de lo que más me gusta en el mundo: es Caribou. Tengo un problema, estoy obsesionada con él.
No te preocupes, eso también me ha pasado a mí.
Él es una gran, gran, pero gran influencia en mí, sobre todo en el lado de la electrónica y cómo hago producción, los beats… hace producciones maravillosas. Otras grandes influencias son Kate Bush y Cocteau Twins. Kate Bush es impresionante. Me gustan e impactan las cantantes que tienen una gran presencia. También podría decir Trish Keenan de Broadcast.
¿Cuáles son tus planes a corto/largo plazo?
Voy a estar mucho tiempo de gira. Va a ser una locura. Quiero hacer otro disco, así que tendré que empezar pronto.
Repasamos algunos de los movimientos destacados de la semana en la lista de ventas.
1(1) Estopa / Rumba a lo desconocido
Por segunda semana consecutiva, Estopa ocupan el top 1 con su último disco, que hace siete días era certificado como oro y esta semana ya es platino. ‘Pastillas para dormir’ abandona el top 100 de singles, si bien continúa en torno al top 10 de lo más radiado. El vídeo es tipo ‘Cuarto milenio’, con Iker Jiménez y todo.
4(E) Bebe / Cambio de piel
Además de aparecer por la parte baja de la tabla de singles con ‘Respirar’, Bebe es top 4 en álbumes con su nuevo disco, ‘Cambio de piel‘. La mejora con respecto al número 16 que lograba ‘Un pokito de rocanrol’ es muy clara, si bien los días de la Bebe multiplatino (u oro) siguen bastante lejanos. Veremos qué pasa con el recorrido de este disco.
5(E) Selena Gomez / Revival
Selena Gomez no iguala el top 4 que lograra en España con ‘Stars Dance’. Su nuevo álbum ‘Revival’ sí es top 1 en Estados Unidos aunque no con cifras demasiado espectaculares, mientras que en Reino Unido queda fuera del top 10 por los pelos. También curiosidad por comprobar el recorrido de este álbum. El sencillo ‘Good for You’ no ha funcionado mal, pero el disco acaba de bajar del 11 al 54 en su segunda semana en UK. Mala pinta…
6(12) Pablo López / El mundo y los amantes inocentes
La subida más importante de la semana en número de copias es la de Pablo López, que también avanza en singles con su dúo junto a Juanes. Pablo López, que pasara por OT en 2008, participa en ‘La Voz Kids’. Parece que Alborán no es el único Pablo que se convertirá en favorito de la Navidad.
11(E) Siempre así / Corazón
El grupo sevillano llega a su disco número 14, el primero desde 2009. Como todo el mundo recordará, disfrutaron de gran éxito durante los 90 y cantaron en la boda de la Infanta Cristina e Iñaki Urdangarín. ‘Cantando que es gerundio’ fue top 15 en 1997 (funcionó como «sleeper») y ‘Diez y cuarto’ el año siguiente ya fue top 4.
12(E) Second / Viaje iniciático
Second mantienen a su público por completo. ‘Montaña rusa’ era top 11 hace un par de años y ahora se quedan a punto de igualarlo. El grupo ha agotado las entradas para el show del viernes que viene en Murcia añadiendo una segunda fecha el sábado en el mismo lugar, la sala REM.
27(E) Pignoise / Lo que queda por andar
El octavo disco de estudio de Pignoise, bajo la producción en su mayoría del propio grupo con el bajista Pablo Alonso a los mandos, se cuela en el número 27. Muy lejos de los días en que ‘Anunciado en televisión’ arrasaba.
36(E) Kase.O / Previo
Medio millón de visitas lleva en Youtube ‘Repartiendo arte’, el single de ‘Previo’, por lo que casi sorprende lo bajita que es la entrada del MC zaragozano, miembro de Violadores del Verso. Quizá se explique porque estamos más bien ante un EP con instrumentales y remixes.
43(E) Roger Mas / Irredempt
Buena entrada del cantautor catalán, que ha incluido en su disco un poema de Goethe musicado y traducido, ‘El rei dels verns’. Antes había sido top 78 con ‘Roger Mas i La Cobla de Sant Jordi’. Este es el single ‘Ella té un cel als ulls’.
53(E) Hurts / Surrender
Mal dato para Hurts, que llegaron a ser top 47 en España con ‘Happiness’ y, debido a lo que gustó este, top 25 con ‘Exile’. Hurts han sido top 12 en Reino Unido con este ‘Surrender‘, pero de su segunda semana mejor no os hablamos.
Más hip-hop. Natos y Waor llegan a la lista después de haber triunfado en la red con ‘Por la jeta’ y ‘Catarsis’ durante los últimos cuatro años. Su primer disco, ‘Caja Negra’, data de 2014 y esta es su primera vez en Promusicae.
79(E) Diego Torres / Buena Vida
Entrada muy modesta para el octavo disco del cantante, compositor y actor, con este disco producido por Rafael Arcaute (Argentina) y Julio Reyes Copello (Colombia). Según Sony, presenta «un sonido moderno que, para el compositor, “rinde homenaje a la simplicidad y a la complejidad de nuestra existencia. Es un disco especial, que tiene que ver con los diferentes aspectos que la vida tiene. El disco refleja las complejidades de la vida, lo que uno viene viviendo«». El single es ‘Hoy es domingo’, no confundir con la canción de Toreros Muertos.
88(E) Mariza / Mundo
También hay fados en la lista española de esta semana. Warner publica la nueva obra de la portuguesa Mariza, producida por Javier Limón. En el disco hay versiones de la legendaria Amália Rodrigues y Carlos Gardel.
Aunque a Jessica Pratt sí le gustan los plátanos (o, al menos, no asegura querer salir corriendo cada vez que huele unos en un supermercado), la cantautora de San Francisco tiene alguna que otra cosa en común con Joanna Newsom. Para empezar, les publica el mismo sello, Drag City, lo cual nos da una idea más o menos clara de su estilo, ambas tienen una voz peculiar, han escuchado en bucle ‘Song Cycle’ de Van Dyke Parks durante la creación de sus discos y graban sus canciones en aparatos analógicos.
El siseo de la Tascam puede escucharse a lo largo de todo ‘On Your Own Love Again’ pero lo importante son las canciones, definitivamente mejor compuestas que las del primer disco de Pratt, homónimo y que su autora escribió a los 19 años aunque no publicó hasta los 22. ‘On Your Own Love Again’, por tanto, es más maduro en composición como también en temática. Un mes después del lanzamiento de ‘Jessica Pratt’, su madre, con la que mantenía una estrecha relación, fallecía, llevando a la cantante a abandonar San Francisco para establecerse en Los Ángeles, donde también había de lamentar el fin de una larga relación sentimental, que es la que da vida a muchas de las canciones de este disco.
Grabado antes de su mudanza, no obstante, ‘On Your Own Love Again’ es una colección de canciones acústicas de fondo onírico, tan atemporal como un disco de Sibylle Baier, Nick Drake o Vashti Bunyan, e igual de hermosa. ‘Wrong Hand’ empieza hablando sobre sueños, mientras ‘Moon Dude’ se va al espacio exterior y cortes destacados como ‘Greycedes’ o ‘Jacqueline In the Background’ aportan a la producción un elemento de surrealismo lúgubre que conecta con sus textos nostálgicos y anhelantes. ‘Back, Baby‘, sin ir más lejos, es una pequeña obra maestra de la melancolía hecha canción. Probablemente así vayamos a recordar este disco en el futuro. ¿Sería la intención?
Jessica Pratt actúa hoy sábado en el Teatro Latino de Barcelona dentro de la programación de Primavera Club.
Calificación: 7,9/10 Lo mejor: ‘Wrong Hand’, ‘Greycedes’, ‘Back, Baby’ Te gustará si te gusta: Sibylle Baier, Vashti Bunyan, Nick Drake Cómpralo en: Drag City, iTunes, tu tienda de discos favorita
Grandes noticias para los que no habláis inglés o para los que no sois del todo bilingües: ‘Yeah Yeah Yeah: The Story Of Modern Pop‘, uno de los mejores libros sobre música que nos pueden venir a la mente, se editará en castellano. Será el próximo 9 de diciembre, a tiempo para que lo regaléis a diestro y siniestro durante la próxima Navidad.
El libro está escrito por el gran Bob Stanley de Saint Etienne, también periodista, crítico musical y bloguero, conocido por su extensísima colección de música y por su amor por la música pop. En él repasa la historia del pop desde los 50 hasta los 2000 basándose en la música que ha llegado al top 40.
Esta es la nota de prensa que aparece en varias webs de venta de libros: «Tan divertido de criticar como de citar, Yeah! explora las raíces de la música pop a través del nacimiento del rock, soul, R&B, punk, hip hop, indie, house y techno, englobando canciones, grupos, escenarios y estilos desde “Rock around the Clock” de Bill Haley y The Comets, hasta el primer megahit de Beyoncé. Trabajando con una definición amplia de pop (que incluye country, metal, disco, Dylan, skyffle y glam), separa las conexiones y las tensiones que dan vida a los rankings y defiende que son una parte vital de nuestra historia. Yeah! es la mayor y más ecléctica de las gramolas hecha libro, una guía para la banda sonora de nuestras vidas, y un regalo para cualquiera que haya alucinado con las primeras notas de una canción pop».
Kelela, uno de los talentos emergentes más llamativos de los últimos años, desde la edición de su mixtape ‘CUT 4 Me‘ hasta su último EP ‘Hallucinogen‘, es la estrella invitada de ‘Final Hour’, un nada decepcionante corte del próximo disco de AraabMuzik, aún sin fecha de edición a pesar de haberse anunciado para el pasado mes de junio, como recuerda Pitchfork. De hecho, la canción se presenta más bien en Youtube como parte de una recopilación de Distrolord Digital que sale el próximo mes de diciembre.
Sabemos, eso sí, que el largo de AraabMuzik se llama ‘Dream World’, o al menos así se anunciaba el pasado mes de abril.
En cualquier caso, una manera de ver unidos a dos pequeños gigantes de la electrónica internacional. AraabMuzik es autor de ‘Electronic Dream‘ y además ha colaborado en ‘Broke with Expensive Taste‘, el esperado debut oficial de Azealia Banks, que finalmente salía el año pasado. De hecho su canción terminó siendo single, ‘Ice Princess‘.
01 Dream World
02 New Teckk
03 Breathe
04 Miss You
05 My Life
06 Day Dreams
07 Interpreting
08 People
09 Heavy Hitter
10 Final Hour [ft. Kelela]
11 Time After Time
12 Lucid
Parte de la redacción de JENESAISPOP evalúa el esperado no, lo siguiente, nuevo single de Adele.
«¿Tiene ‘Hello’ alguna posibilidad de ser la canción del año en nuestra web como lo fue en su momento ‘Rolling in the Deep’? No, la verdad es que no. Pero si siempre he tenido claro que ‘Rolling in the Deep’ era mucho mejor canción que ‘Someone Like You’ -más vibrante, más interesante en estructura y producción y más medida al milímetro en todos los sentidos- a la larga era ‘Someone Like You’ la canción que te marcaba y tocaba la patata. Sólo tenías que esperar a que te pillara la tarde tonta para darte cuenta… Eso busca ‘Hello’ más que el Grammy, llegarte. Incluso hacerte sonreír un poquito con esos guiños a Lionel Richie y The Mamas and the Papas. A quienes hemos empatizado a la primera con esta nueva triste mirada al pasado de Adele, que Dios nos pille confesados… ¿cómo nos afectará esta canción cuando llegue otra vez esa tarde floja? Adele ha escrito otro clásico y todo el mérito, por cierto, parece sólo suyo. Greg Kurstin es el único co-autor de ‘Hello’ y bueno… no nos ha dado precisamente una canción de este tamaño cada día». Sebas E. Alonso.
«La primera vez que escuché ‘Rolling in the deep’ o ‘Someone like you’ pensé ‘¡Guau!’ (de admiración). Clásicos inmediatos, fuste imperial. Tras dar el primer tiento a ‘Hello’, lo que me ha venido a la cabeza ha sido… ‘Uaaaau’ (de bostezo). Me ha parecido una balada algo aburrida y un tanto tópica. Vale, su voz es magnífica y el tema contiene su buena dosis de épica, pero sigue sin convencerme tras varias escuchas. De hecho, y aquí me voy a poner pejiguera, incluso me da la sensación de que ella no canta ni con la pasión ni con el convencimiento que sí derrochaba en sus dos mayores éxitos. Sin embargo, no dudo que Adele lo petará hasta el infinito y más allá». Mireia Pería.
«Adele vuelve con una gran balada para cantar (y llorar) a pleno pulmón, quizá no tan natural como esa ‘Someone Like You’ que todavía no se sabía clásico, pero perfectamente confeccionada en el estilo de su autora y con un estribillo imposible de olvidar desde la primera escucha. Destacaría, por otro lado, su hermosa actuación vocal en el puente, donde Adele se sirve de una simple palabra para emocionar sin estridencias, demostrando que aparte de acumular premios dorados, también sigue creciendo como vocalista». JB.
«Adele no está dispuesta a salir de su zona de confort. ¿Para qué? Sabe perfectamente qué le funciona y qué no, y necesita de todo menos salir «allí donde ocurre la magia«. Lo que es mágico es que medio mundo esté pendiente de tu lanzamiento, que salgas en los telediarios y que un hola te haga trending topic en Twitter. Eso a pesar de que vuelve con el típico «baladón Adele» (camino de convertirse en un género en sí mismo); artificialmente épico a base de repetir un estribillo martilleante y muy, muy flojito comparado con otros de sus singles. Huele a exitazo, eso está claro, pero más por inercia que por méritos propios». Lolo Rodríguez.
Hace milenios que adoramos ‘Moments’ de Tove Lo (de hecho lo señalamos como uno de los mejores «NO-singles» de 2014) pero ha sido esta semana cuando al fin se ha estrenado su videoclip. En él vemos a la artista mostrando mucho más poderío del que le hemos visto sobre el escenario. Y eso que no todo lo que vemos es precisamente alegría y bailoteo.
La historia detrás del videoclip de ‘Moments’ incluye también un atracón de pastillas, un clarísimo camino hacia la destrucción y una boda truncada por la violencia. Quizá parte de la clave de todo esto nos la dé esta frase de la letra: “I can get a little drunk (but I have my moments)”. De hecho, la propia Tove Lo dice que el vídeo ha llevado la letra de ‘Moments’ hasta el extremo. Dirige Tim Erem, que se ha encargado de algunas piezas de Major Lazer (nada menos que el sencillo pero muy adictivo vídeo de ‘Lean On’) y Elliphant (‘Down on Life‘, ‘One More‘ también con Mø).
‘Queen of the Clouds‘ ha dejado dos hits globales clarísimos por el momento, ‘Habits’ y ‘Talking Body’. Ambos son multiplatino en Estados Unidos a pesar de que la artista es sueca. Esperemos que ‘Moments’ corra la suerte que finalmente no tenía ‘Timebomb’.
The Kooks editan disco de remezclas el próximo 4 de diciembre a través de Lonely Cat / Virgin. No en honor a Adele aunque por «timing» lo parezca, lo han llamado ‘Hello, What’s Your Name?’. El tema nuevo que han publicado esta misma semana, ‘Creatures of Habit’, abrirá el álbum pero remezclado.
El original que se ha presentado ha sido producido por Isom Innis, que ha trabajado con Foster The People, y lleva a The Kooks hacia las pistas de baile.
The Kooks, que arrasaran en 2006 logrando un cuádruple disco de platino en Reino Unido por su debut ‘Inside In/Inside Out’, publicaron en 2014 un cuarto álbum que sonaba más interesante de lo que parecía, ‘Listen‘. De momento, como veis, han optado por revisitar algunas de sus últimas canciones, como ‘Bad Habit‘, ‘Around Town‘ o ‘Down‘.
1. Creatures of Habit (Jack Beats Remix)
2. Bad Habit (Apexape Remix)
3. Sweet Emotion (Montmartre Remix)
4. Are We Electric (Kideko Remix)
5. Westside (Frank De Wulf Remix)
6. Sunrise (Midnitemen Remix)
7. Around Town (Max Pask & ‘Spiky’ Phil Meynell Remix)
8. Backstabber (XKH Remix)
9. Murdered & Downer (A Monstrous Psychedelic Bubble Remix by the Amorphous Androgynous)
10. Forgive & Forget (Isabella ‘Machine’ Summers Remix)
Bonus Tracks:
11. Westside (The Nextmen Remix)
12. Are We Electric (Kove)
13. Down (The Reflex Remix)
14. Dreams (DJ Pierre Remix)
*15 Forgive & Forget (Atlas Genius Remix) – Digital only
El aluvión de lanzamientos discográficos internacionales es abrumador, lo sabemos todos. Y, gracias al nuevo orden musical instaurado por los nuevos canales de creación y difusión, ocurre algo parecido en el panorama estatal. Por eso, conscientes de que hay muchos y muy interesantes lanzamientos nacionales que no alcanzábamos a abarcar, lanzamos esta nueva sección. Sesión de Control (el nombre es un guiño a nuestro anual Debate del Estado de la Nación Pop, que tiene un hilo fijo en nuestros foros) pretende ser un repaso periódico y somero a singles, álbumes, giras y otros eventos relativos a grupos españoles (aunque en el futuro seguro que también atendemos a propuestas latinoamericanas, que tantas alegrías nos dan). Se abre la sesión.
Los murcianos Perro, aclamadísimos tras ‘Tiene bacalao, tiene melodía’, están de regreso con un nuevo álbum. Se titula ‘Estudias, navajas’, y lo publica Miel de Moscas el día 3 de noviembre. De momento, han dado a conocer su loca portada y ‘OLRAIT’, un breve pero intenso tema de bajos gordos y sintes histéricos. Perro presentarán ‘Estudias, navajas’ en varias ciudades a lo largo de noviembre y diciembre. Todas las fechas, en su Facebook.
Tras concluir la celebrada gira de reunión de Mercromina, Joaquín Pascual prosigue con su carrera en solitario, aparcada tras el lanzamiento de ‘La frontera‘ y su secuela ‘La frontera scores‘. El día 30 de octubre publica, a través del sello Subterfuge, su tercer disco solo, bajo el título ‘La nueva psicodelia’, que de nuevo cuenta con una portada ilustrada por Joaquín Reyes, hombre del Renacimiento. Por el momento, ya conocemos un primer avance, un ‘Alguien tiene que hacer algo’ en el que la electrónica gana peso, aunque las guitarras persisten furiosas.
Hace apenas un par de semanas, la revelación Caliza lanzó al fin su álbum de debut ‘Medianoche / Mediodía’, vía Discos Walden. El disco supone una sublimación de su personal estilo, basado en la electrónica old-school y melodías simples pero incisivas, tanto como sus letras desencantadas. Caliza, que por si alguien no lo sabe ya es Elisa Pérez (batería de Rusos Blancos y Cosmen Adelaida) presenta hoy, sábado 24 de octubre, esta obra en un curioso lugar, íntimamente relacionado con su nombre: el Museo Geominero de Madrid. La actuación es totalmente gratuita y tiene lugar a la hora del vermú, las 13:00h.
Como ya hiciera con ‘Puerto Príncipe’, el sello B-Core vuelve a publicar un disco de Alberto Montero, músico valenciano que ha demostrado una fantástica sensibilidad para el «folk psicodélico», etiqueta que le define a la perfección. El 27 de octubre estará disponible ‘Arco mediterráneo’, del que ya ha presentado dos singles (con sendas caras Bs no incluidas en el álbum) fantásticos, ‘Madera muerta’ y un ‘Cuando el aire resuena’, de una exquisitez digna de Fleet Foxes, Real Estate o Vetiver.
Como ya habíamos anunciado, Betacam ha editado al fin ‘Betacam saca pecho’, vía Discos FUP. Se trata de un peculiar recopilatorio de canciones, puesto que no incluye las más pegadizas ni las más conocidas de su repertorio, sino una selección estrictamente personal de su repertorio entre 2007 y 2015 realizada por el propio Javier Cobo. Tan personal como su magnífico encarte, creado por su amigo y compañero de Templeton Álvaro Martínez (que no por nada es ilustrador profesional en Marvel Comics), y que es un precioso homenaje a sus amigos, familia y grupos. Una pequeña joya, imprescindible para cualquier seguidor del pop electrónico.
C. Tangana (o Puchito, como prefiráis) sigue desgranando nuevas y atractivas canciones, sin que por el momento esté muy claro si su destino es un nuevo disco/mixtape. Lo que parece seguro es que es parte de una fijación/homenaje del rapero madrileño por Drake, porque ‘Bolsas’, su más reciente tema, es otra adaptación del canadiense. Esta vez se trata de ‘Plastic Bag’, recogido en el exitoso mixtape editado hace semanas junto a Future. «Chito AKA crema Joven Poeta» vuelve a mostrarse certero en este emotivo corte.
El rock más salvaje y primitivo no solo no muere sino que vive un gran momento, y la prueba es que el potente trío canario Los Vinagres ha logrado que una multi como Sony publique su primer EP, ‘El canto de la morena‘. Como The Parrots o Los Nastys, practican un rock desbocado, de espíritu punk pero con base blues (telonearon a Guadalupe Plata), con la diversión y el descontrol como gran motivación y fin.
Daniel Magallón, más conocido como Daniel Flamaradas (socio de Joe Crepúsculo y Daniel Granados al frente de Producciones Doradas), ha vuelto a publicar un disco de su proyecto personal tras ‘Cancionero saturnino’. En colaboración con El Genio Equivocado, hace un par de semanas vio la luz ‘Pasaje entre las cañas‘, un disco en el que da rienda suelta a su personal estilo, a medio camino de Sun Kil Moon y el Sr. Chinarro circa Acuarela. En este nuevo álbum colaboran el también singular Germán Carrascosa y Lorena Álvarez, que junto a Eli Lloveras (Tu Madre) conforma un coro femenino de lujo bajo el apelativo de Las Llamitas.
El sello Acuarela sigue con su política de lanzamientos discretos pero siempre interesantes (pronto hablaremos de Musel). Tras adelantarnos ‘Garcilaso‘ y ‘Aspavientos‘, ‘Casa de socorro’, el esperado nuevo disco de Gente Joven, vio la luz hace pocas semanas y ya se está ganando un lugar especial entre los fans del dream pop. Delicados y cautivadores, el trío de León da pasos decididos para convertirse en imprescindible.
Habíamos venido informando de la larga y ardua carrera que ha sostenido La Familia del Árbol hasta llegar a publicar ‘Odisea’, un álbum que al fin ha encontrado cobijo en Cydonia, el sello de Ramón Rodríguez, tras la salida del grupo de Elche de Mushroom Pillow. El resultado, desde luego, es todo lo que cabía esperar del grupo de Nacho Casado y Pilar Guillén y más aún, conservando el espíritu folkie de sus inicios pero con infinidad de nuevos matices y sonoridades. Hoy, 24 de octubre, lo presentan en Deleste Festival, en Valencia.
En el reciente festival MBC descubrimos el sorprendente tándem formado por Jorge Pérez (Tórtel), Remi Carreres (Comité Cisne, Glamour) y Víctor Ramírez (Ramírez, OH! Libia) bajo el nombre de Coleccionistas. A finales de septiembre, el trío publicó un debut homónimo con el que demuestran que el rock de los 90, con base electrónica y groove funk, puede ser muy reivindicable. ‘Así salga bien’, ‘Pronto habrá más’ o ‘Amor zombi’ no andan demasiado lejos de los primeros Chucho. Mucho ojo con ellos.
Si hay algo peor para un artista que tener que lidiar con un segundo trabajo es enfrentarse a él sabiendo que, haga lo que haga, la losa de one hit wonder va a pesar más que la suma de todos los aciertos que pueda tener el disco en cuestión. Lo hemos visto de sobra con el notable ‘E·MO·TION’ de Carly Rae Jepsen. El caso de John Newman es todavía más sangrante porque después del éxito de ‘Love me Again’, el resto de singles de ‘Tribute’ no consiguieron ni de lejos el impacto de éste. Por muy bien que estuvieran, aquello fue una crónica de una muerte anunciada en la lista de ventas. Y no deja de ser injusto porque, con la perspectiva que da el tiempo, resulta casi imposible negar que ‘Tribute’ tenía otro hit mayúsculo: ‘Cheating’.
Centrándonos un poco más en el presente -¿quién se acuerda de un trabajo de hace dos años?- ‘Revolve’ supone, ya desde la primera escucha, una hostia en toda la cara a todos esos que ponen cara de oler mierda cada vez que escuchan el nombre de John Newman, a todos esos que no le han visto en alguno de sus divertidísimos directos. En serio, abrir un disco con la voz de Stringer Bell es algo muy serio. Continuar con ‘All my Heart’, ‘Something Special’ y ‘Lights Down’, también.
Me voy a detener un poco en ‘Something Special’ aunque sólo sea para dejar constancia de que cualquier cosa que diga no va a hacer justicia a este trallazo que mezcla a Calvin Harris con Earth Wind & Fire. Como en ‘Diana Ross & The Supremes join The Temptations’, lo que sale de ahí es un monstruo de 8 cabezas a cada cual más bailable. Si La Casa Azul se quedó a medio gas con ‘La Fiesta Universal’, ‘Something Special’ recoge el testigo y explota todas y cada una de las opciones que Milkyway planteaba. Como la discográfica no sea capaz de colocar esto en todas las listas de éxitos a nivel mundial perderé toda la fe en el mainstream.
El único problema que se puede achacar a ‘Revolve’ es que Newman es plenamente consciente de por qué logró más de 120 millones de streamings con ‘Love me Again’ y no consiguió acercarse ni de lejos a esta cantidad con los singles posteriores. A piñón fijo, el de Settle aplica su fórmula de estribillos rebosantes de coros y metales hasta unos niveles tan exagerados que cuando terminas de escuchar el disco es complicado no confundir las canciones entre sí. De hecho, yo he estado día y medio cantando un medley involuntario de ‘Something Special’ y ‘Tiring Game’. En realidad, tampoco es que sea un problema si las canciones son buenas y en este caso lo son. ‘Called it Off’, por ejemplo, es una locura groovy con un bajo funk y unos coros absolutamente irresistibles.
Atrás ha quedado ya el regusto barato de northern soul con el que nos intentaron colar a un Newman que ahora parece obsesionado con dar al público lo que éste quiere a pesar de repetirse. De lo que se trata es de luchar desesperadamente por salvar el escollo de ser un artista de un sólo éxito y abrazar el pop y los himnos bailables cueste lo que cueste. Ahora, si lo va hacer con pepinos como los que incluye ‘Revolve’, que cuente conmigo; no todo va a ser credibilidad y autenticidad. Con un disco así bajo el brazo, un concierto de este hombre puede ser un jolgorio en toda regla.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Something Special’, ‘Called it Off’, ‘Lights Down’, ‘All my heart’ y ‘Tiring Game’. Te gustará si te gusta: bailar sin sentimiento de culpa. Escúchalo en: Spotify
Abel Tesfaye de The Weeknd fue arrestado el pasado mes de enero por agredir a un agente de policía durante una pelea en un hotel de Las Vegas. Al llegar al hotel, el agente y su compañero encontraron a Tesfaye involucrado en una pelea, uno de estos lo arrastró hasta un ascensor para calmarle y Tesfaye le golpeó en la cabeza, por lo que fue detenido inmediatamente.
Tras presentarse ante el juzgado con una solicitud para evitar la cárcel, finalmente Tesfaye no entrará en prisión, pero sí habrá de pagar unos 900 euros por daños y perjuicios, hacer un test de alcoholemia y someterse a clases de control de la ira y a 50 horas de servicio a la comunidad.
The Weeknd, pues, se ha salvado de ir a la cárcel «por los pelos»… aunque no literalmente, que es lo que hubiera gustado a Taylor Swift. Según ha contado Tesfaye en su última entrevista con Rolling Stone, la noche que la autora de ‘1989’ y él se conocieron, ella estaba como una cuba y no dejaba de acariciarle el pelo. «Fue cuando me di cuenta de que era momento de emborracharme», ha indicado el cantante.
El nuevo álbum de The Weeknd, ‘Beauty Behind the Madness‘, ha sido naturalmente un éxito de ventas tras el pelotazo de ‘Can’t Feel My Face’. Ahora, el cantante ha publicado un videoclip en 360º de ‘The Hills’ con Eminem. Se espera que el nuevo single extraído del álbum sea ‘In the Night’.
Death Grips, autores de discos como ‘The Money Store‘, han anunciado nuevo álbum, ‘Botomless Pit’, a través de un vídeo casero de la actriz Karen Black, a la que el líder del grupo, Zach Hill, conocía en 2013 y que fallecía ese mismo año debido a un cáncer de vejiga. El vídeo, de casi 15 minutos de duración, muestra a Black leyendo un guion de Hill para un proyecto en desarrollo.
Aunque Death Grips ya no existe, ya veis, el grupo sigue editando discos, como el titulado ‘Jenny Death‘ que podíamos escuchar este mismo año. ¿Tendrán algún álbum más guardado?
One Direction han estrenado el vídeo de su nuevo single, ‘Perfect’, el mismo que no suena para nada parecido a ‘Style’ de Taylor Swift. No estamos ante más que un retrato en blanco y negro del grupo pasando el rato en un hotel de Nueva York, lo cual nos hace preguntarnos exactamente por qué suelen ser tan malos los vídeos de One Direction. Con la excepción, quizás, del divertido vídeo de ‘Best Song Ever’ o el emocionante vídeo de ‘Story of My Life’, no recordamos ningún vídeo del grupo que tuviera algún atractivo. ¿Será porque no bailan?
Aunque quizá no debiéramos sorprendernos tanto: para lo que suelen ser las portadas de sus discos, desde luego advertidos estamos de que One Direction no se caracteriza por cuidar su producto precisamente… Cuesta creerlo con la millonada de fans y dinero que mueven, pero así están las cosas.
El vídeo sale solo un día después de la repentina cancelación de un concierto del grupo en Belfast, anunciada tan solo minutos antes de su actuación. Se anunció que Liam Payne había caído «enfermo de repente», aunque se indicó que no era grave. En un comunicado posterior, se insistió en que Payne no se encontraba en condiciones de salir al escenario y que el grupo sentía mucho lo ocurrido.
‘Made In the A.M.’, el nuevo trabajo de One Direction, sale a la venta el 13 de noviembre.
Por si habías olvidado que Natalie Prass, aparte de una entrevistada muy carismática, es una de las revelaciones del año gracias a su excelente álbum debut, la cantante norteamericana ha anunciado la edición de un EP de versiones para el próximo 20 de noviembre. Prass, a la que en el pasado hemos oído reinterpretar uno de los grandes clásicos de Janet Jackson, versiona aquí a Anita Baker, a Simon & Garfunkel e incluso a Grimes, de quien selecciona ‘REALiTi’. «Cuatro acordes», explica Prass. «Melodías y letra simples. Creo que funciona aunque seguro que ella dirá «qué es esta mierda jazz, la odio».
Aparte de estas tres versiones, el EP incluye nuevos directos de ‘My Baby Don’t Understand Me’ y ‘Christy’, dos de las pistas incluidas en el primer álbum de Natalie Prass.
‘Side by Side’:
01 «My Baby Don’t Understand Me» (live)
02 «Caught Up in the Rapture» (Anita Baker cover)
03 «Christy» (live)
04 «The Sound of Silence» (Simon & Garfunkel cover)
05 «REALiTi» (Grimes cover)
Desde que se conociera ayer la muerte de Gloria van Aerssen, la última Vainica Doble, han sido varios los artistas que han aprovechado para recordarla. Entre ellos, por supuesto, Pauline en la Playa, que comentaban desde su Facebook: «Hoy, más Vainica que nunca. No hay suficientes agradecimientos para tantos hermosos versos llenos de clarividencia y sentido del humor. Desde aquí no dejaremos de buscar osos polares, metros cuadrados y serruchos para los cipreses de tía abuela Inés. Un abrazo inmenso para la familia de Gloria».
Antonio Luque (Sr Chinarro) aprovechaba para recordar a Vainica como «la cima del pop español», mientras Javier de La Buena Vida y Ama concluía: «nadie como ellas, ni antes ni hoy día». Nacho Vegas enlazaba ‘Coplas del iconoclasta enamorado’ y aseguraba que hace años cuando conoció al grupo en su vida «entró algo precioso». Christina Rosenvinge hacía una «profunda reverencia». Maronda o Copiloto se sumaban a las condolencias, si bien especialmente significativo era el mensaje de Luz Casal, después de que Vainica Doble le donaran una canción clave en su carrera, ‘Lo eres todo’. Luz llamaba a Gloria «genuina y bella» en su mensaje de despedida.
Mis condolencias a la familia d la genuina y bella Gloria Van Aerssen. #VainicaDoble . d.e.p.
Aunque no se ha pronunciado, aprovechamos para recuperar este remix de John Talabot de la canción ‘Eso no lo manda nadie’.
Finalmente, os dejamos con la emocionante carta escrita por los hijos de Gloria, Ignacio, Laura, Álvaro y Diego de Cárdenas Van Aerssen-Beyeren:
«Estos últimos días de espera, como todos los hermanos hacen cuando el final de su madre está cerca, hemos estado recordando.
De repente te ves de pequeño, llegando a casa del colegio, entrar corriendo en el salón, mamá y la tía Mari Carmen con sus guitarras o al piano, el maravilloso Stainway de cola herencia de la tía Albertina, las dos componiendo los temas del primer LP y contándonos la historia de una ballena azul, de una niña llamada Mari Luz… Y paraban para merendar con nosotros en la cocina, pan y mantequilla, leche o té.
Y luego las fiestas en casa con su pandilla de amigos tan divertidos, para nosotros como si fueran de la familia. Con el tiempo supimos que esa familia de amigos hacía cosas maravillosas en el cine, la pintura, la música, el baile.
Todo empezó cuando conoció a la tía Mari Carmen en una parada de autobús. Estaba silbando Tanhauser y nuestra madre se acercó y se unió a ella silbando una segunda voz, y a partir de ese momento se hicieron inseparables, y más adelante formarían Vainica Doble.
Por aquel entonces nuestra madre estudiaba Bellas Artes, entró muy joven en la escuela de San Fernando con trece o catorce años. También bailaba y salía de gira internacional con la compañía de Pilar López, de la que su hermano era primer bailarín. Dejó de bailar cuando conoció a nuestro padre, un hombre con un sentido del humor maravilloso, muy divertido y pintor de gran talento.
A nuestra madre le gustaban muchas cosas que siempre compartía con nosotros. Veíamos películas de los hermanos Marx, de Lubitch, o de Billy Wilder; hacíamos tartas y galletas, nos enseñaba a Fra Angélico, Mantegna o Vermeer. Nos contagió su amor por los libros y siempre había cerca alguno de Conrad, Tolstoi o Galdós. Por supuesto la música fue su gran pasión, Bach, Schumann, Brahms, Falla, Stravinsky, los Rolling, Beatles, Traffic, Who…
Todo este batiburrillo, toda esta mezcla parecía y era natural. Nos enseñó a mirar y a escuchar con atención, a descubrir lo maravilloso en lo cotidiano, a rodearnos de belleza.
No le importaba que anduviésemos pisando charcos y llegáramos a casa llenos de barro. Todo este amor por las artes y las cosas bonitas de la vida nos las transmitió, y nosotros a nuestros hijos, sus queridos nietos, Clara, María, Juan, Paloma, Lola, Gonzalo e Ignacio.
Hemos aprendido que la música, la pintura, el cine, etc. te ayudan a disfrutar los buenos momentos y superar los malos. Nos ayudarán ahora a decir adiós a las meriendas, a los paseos, a las partidas de gin rummy, a los gin tónics, a las conversaciones disparatadas.
Siempre nos dijo que quería morir comida por un oso polar, tal y como hacían los esquimales en Los dientes del diablo. No hemos conseguido encontrar un oso, pero sí un hospital en medio de un bosque en Cercedilla, donde ha sido tratada con mucho cariño, y la han ayudado a morir sin sufrimiento.
¿A quién le queda cuerpo de estrenar hoy algo después del huracán Adele? Amaia Montero se atreve con el vídeo para ‘Los abrazos rotos’, tema que no tiene nada que ver con la película de Pedro Almodóvar del mismo nombre. La canción original estaba incluida en el tercer disco de la ex Oreja, aquel que tenía un título tan feo como ‘Si Dios quiere yo también‘ y la nueva versión cuenta con Álex Ubago.
Si tienes menos de 18 años te libraste de una buena paliza en el año 2002, cuando un dúo entre Amaia Montero y Álex Ubago llamado ‘Sin miedo a nada’ arrasaba en las radiofórmulas, y esta nueva colaboración es un intento de lograr una centésima parte de la popularidad de aquella composición, más conocida como «Me muero por conocerte». Ojo porque si bien empalagosa al cubo, no era mala canción en absoluto.
El vídeo para ‘Los abrazos rotos’ ha sido rodado en un lugar tan poco trillado como Biarritz bajo la dirección de Gema Lozano y, como el de Adele, es en blanco y negro, mostrando a nuestros protagonistas «abrazándose» en un derroche de imaginación sin precedentes. Declaraciones de Amaia Montero en la nota de prensa: «Se creó una situación mágica, una conexión muy fuerte; es que tenía que ser Álex, no la podía cantar otro».
No hace falta entrar en un supermercado cualquiera y ver las estanterías plagadas de turrones y polvorones a dos meses vista para certificar lo que ya sabíamos: la Navidad da mucho miedo. Sobre todo si eres fan del cine de Álex de la Iglesia. Desde que estrenara ‘El día de la bestia’ hace ya dos décadas, cada vez que pasamos por una calle comercial atestada de gente es normal soñar con la aparición de un Santiago Segura cualquiera que, escopeta en mano, pegue unos tiros al aire para despejar el camino de lemmings capitalistas. Porque más allá de la calidad de sus películas –en su larga filmografía ha habido de todo–, si algo hay que reconocer al director vasco es esa capacidad innata para rodar secuencias que se quedan grabadas en la memoria y comparamos con nuestro día a día. Que ya quisieran muchos.
Por eso, cuando esta Nochevieja veamos las primeras actuaciones de las típicas galas casposas con las que nos torturan tras las campanadas, estaremos más atentos a los extras que aplauden en modo automático que a los artistas que pisan el escenario. Porque allí es donde está el verdadero espectáculo. Lo intuíamos, claro, pero ha sido Álex con ‘Mi gran noche’ el que nos abre los ojos a ese microcosmos costumbrista que haría las delicias del maestro Berlanga, cuya larga sombra planea durante todo el metraje sin hacer nunca acto de presencia.
Y es que por muy buena que sea una idea hay que saber desarrollarla. Y es aquí donde De la Iglesia vuelve a fallar entregándonos un producto que se antoja precipitado y poco cocinado. Que sí, que los personajes, los gags y los homenajes inspirados en el cutrerío televisivo patrio funcionan de manera individual. Pero es imposible salir de la sala sin la sensación de que aquello podría haber dado mucho más de sí.
Igual la culpa es nuestra porque siempre tenemos las expectativas muy altas cuando se trata de este director. O suya, por plantear argumentos capaces de excitar nuestra creatividad hasta el punto de que sus filmes siempre quedan mejor en nuestra cabeza que en pantalla (‘Muertos de risa’ o ‘Balada triste de trompeta‘ son un buen ejemplo). Lo que nadie esperaba desde luego es que Raphael iba a funcionar tan bien en su autoparodia de tintes «darthverianos». Con que seas un poco Raphaelista ya habrás amortizado la entrada. Aunque Carmen Machi y Carlos Areces le pisan los talones, digan lo que digan, él es la gran y brutal sorpresa de la película.
Más allá de esto, ‘Mi gran noche’ es como esas vacaciones que llevas planificando durante meses: pase lo que pase, la realidad siempre se queda corta respecto a lo que habías imaginado que vivirías. ¿Las disfrutaste? Sí. ¿Te reíste? Bastante. ¿Repetirías? Por supuesto. ¿Podrían haber estado mejor? Desde luego. 5,5.
Sin temor a resultar tópica o cursi, esta es la mejor época para disfrutar de esta nueva entrega de Gente Joven. El otoño y su melancolía inherente encajan perfectamente con el sentimiento brumoso que exhala ‘Casa de Socorro’; una nostalgia sin objeto pero tangible, amorosamente cultivada por Fernando de la Flor, con la ayuda de Patricia Magadán y Pablo Alvárez. Tras el precioso recopilatorio en Discos de Kirlian, vuelven, esta vez en Acuarela, con otro pequeño tesoro (27 minutos) de pop sosegado y soñador, de ese que declara su amor incondicional a Family y al dream pop. 
Aunque no es amigo del streaming, Prince no le hace ascos a las redes sociales y ahora se 
A David Bowie le gusta más su cumpleaños que a un niño pequeño. Si en 2013, el día 8 de enero nos sorprendía con el anuncio de ‘
Esta noche se han entregado los MTV European Music Awards, con actuaciones de Justin Bieber haciendo de nuevo ‘What Do You Mean?’, Ellie Goulding haciendo de nuevo ‘Love Me Like You Do’, Ed Sheeran con Rudimental y Jesse Glynne. 
Esta semana 
«Estaba cantado», «es que tiene muchísimos fans», «es que venir de 30 millones de discos», «la canción no tiene ningún mérito», «es sólo porque es Adele»… son algunos de los comentarios que pueden oírse ahora que ‘
Dos días después del lanzamiento de 
Lorely Rodríguez, alias Empress Of, es una joven estadounidense de 25 años con raíces latinas, para ser más concretos, hondureñas. El pasado mes de septiembre publicó su primer disco ‘
Aunque a Jessica Pratt 
Grandes noticias para los que no habláis inglés o para los que no sois del todo bilingües: ‘
Kelela, uno de los talentos emergentes más llamativos de los últimos años, desde la edición de su mixtape ‘
Hace milenios que adoramos ‘Moments’ de Tove Lo (de hecho lo señalamos como uno de los 
The Kooks editan disco de remezclas el próximo 4 de diciembre a través de Lonely Cat / Virgin. No en honor a Adele aunque por «timing» 
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Abel Tesfaye de The Weeknd 
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No hace falta entrar en un supermercado cualquiera y ver las estanterías plagadas de turrones y polvorones a dos meses vista para certificar lo que ya sabíamos: la Navidad da mucho miedo. Sobre todo si eres fan del cine de Álex de la Iglesia. Desde que estrenara ‘El día de la bestia’ hace ya dos décadas, cada vez que pasamos por una calle comercial atestada de gente es normal soñar con la aparición de un Santiago Segura cualquiera que, escopeta en mano, pegue unos tiros al aire para despejar el camino de lemmings capitalistas. Porque más allá de la calidad de sus películas –en su larga filmografía ha habido de todo–, si algo hay que reconocer al director vasco es esa capacidad innata para rodar secuencias que se quedan grabadas en la memoria y comparamos con nuestro día a día. Que ya quisieran muchos. 