Ahora es el multi-instrumentista y miembro Jay Watson quien se lanza con un proyecto paralelo llamado GUM. Su disco sale el 13 de noviembre con el nombre ‘Glamorous Damage’ y de momento podemos escuchar el sencillo ‘Anesthetized Lesson’, un festín de funky que podrían haber firmado unos Chromeo un tanto pervertidillos. Como veis, antes de que suene este single en el tracklist, el disco se presentará con un tema que se llama como el proyecto o casi, ‘GUM’.
Os recordamos que Jay Watson también es miembro de Pond, quienes este mismo 2015 editaban otro disco más, ‘Man, It Feels Like Space Again‘. Sólo nos queda aguardar qué será lo siguiente.
01 G.U.M
02 Anesthetized Lesson
03 Glamorous Damage
04 Notorious Gold
05 Elafonissi Blue
06 Television Sick
07 New Eyes
08 R.Y.K
09 Science Fiction
10 Ancients
11 Greens And Blues
12 She Never Made It To Tell
13 Carnarvon
Algo que podría cambiar el próximo 13 de noviembre cuando se lance como sencillo su nueva canción, un tema junto a Pharrell. De momento se está promocionando en las emisiones de la NBA en Estados Unidos, lo que nos permite escuchar 30 segundillos de cómo sonará. La producción nos recuerda que Pharrell Williams, entonces como The Neptunes, estuvo detrás de sencillos de Kelis como ‘Milkshake’ en 2003. No es la primera vez que Missy y Pharrell colaboran.
La nueva canción recibe el nombre de ‘WTF’ pero no por «what the fuck» sino por «where they from».
Este fin de semana hemos visto a Pharrell cerrando la sosilla ceremonia de los MTV EMAs. De Missy Elliott también hemos sabido porque aparece en el último disco de Janet Jackson, el notable ‘Unbreakable‘. ‘BurnItUp!‘ era uno de los singles promocionales del álbum, si bien Janet aún tiene que presentar un segundo vídeo para este lanzamiento.
Puede que el sencillo sobre infidelidad y sexo de referencia velada a Lorenzo Lamas continúe siendo la mejor canción escrita por el proyecto de la canaria de ascendencia chilena Yanara Camila Espinoza Gutiérrez. Sin embargo, la melancolía tamaño Golpes Bajos y Radio Futura de ‘Joyas en las trompas’ y su retrato costumbrista agridulce (de «siempre te sobra o te falta de algún lado / no hay tallas para quien no las sepa llevar» a «el viento pinta tu pelo en la arena / busco refugio debajo de tu entrepierna») la siguen muy de cerca, y el nuevo single, el similar ‘Cosas fascinantes y sencillas‘, consigue que el debut de Papaya se abra definitivamente con todo un trío de ases.
‘No me quiero enamorar’ es una demostración de lo que se puede hacer con un buen cúmulo de influencias bien entendidas en el camino a la consecución de tu propio sonido. Hay un poso claramente ochentero en estas composiciones, pero también de las bandas sonoras de los 60, lo yeyé, los girl-groups (con Elsa de Alfonso debería montar uno tras el buen resultado de ‘Mira su fuego’), Raffaella Carrá, Jean Michel Jarre y hasta Mari Trini o el retirado Carlo Coupé. Uno de los mayores exponentes de la variedad es la brillante ‘Obsesiones’, en la que el silbido que ejerce de gancho ni siquiera es lo mejor de la canción. Es que las estrofas las podría haber cantado Alaska en ‘La bola de cristal’ y el estribillo Marisol, mientras que su letra llena de manías es un retrato perfecto de los inadaptados (tema preferido en el underground de todos los tiempos).
Este debut de Papaya se vinculará sobre todo a la moda del pop tropical, pero es muy reseñable que incluya desvergonzados guiños al hip-hop (‘Carne de carroña‘), ritmos de vals (‘No se dormirán’), temas tan oscuros como ‘El alimento del alma’ y texturas tan densas como las de ‘Ahumar’ sin que nada suene fuera de lugar. Produce Sebastián Litmanovich y Le Parody aún colabora en varios temas, pero lo que continúa mandando es la peculiar voz de Yanara. Aunque algo forzada en momentos puntuales, a veces casi próxima a los Chico y Chica autoparodiados en ‘Tierras de Egipto’, sirve sin duda como elemento unificador, al igual que esas letras llenas de misterio (‘El secreto’) y sexo («el invierno no nos congelará aunque no tengamos nada que quemar» dice ‘Caballo de sal’), que casi siempre esconden imágenes desconcertantes y surrealistas. Tiene un enorme mérito que incluso cuando una canción resulta claramente menor, cumpla su función. ‘Minutos’ podría ser la composición más modesta del disco y hasta su estribillo («parecen tres minutos y han pasado horas») tiene su razón de ser.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘El rey de las camas’, ‘Joyas en las trompas’, ‘Cosas fascinantes y sencillas’, ‘Obsesiones’, ‘Mira su fuego’ Te gustará si te gustan: Alaska y los Pegamoides, Chico y Chica, el sello Spicnic, Mari Trini, Extraperlo Escúchalo: Spotify
Es la canción del momento. Eso es incontestable, y si no que se lo digan a Justin Bieber. Pero desde que Adele entonó los primeros acordes de ese ‘Hello’ en un spot en televisión, era irremediable acordarnos de Lionel Richie y su clásico de mismo título. Algún avispado tuvo la picardía de crear un vine que ha dado la vuelta al mundo, en el que se mezclan los vídeos de los dos artistas simulando una conversación telefónica y que el propio Richie ha llevado hasta su Instagram en forma de meme.
Una foto publicada por lionelrichie (@lionelrichie) el
… Y como la cosa va de teléfonos, llamadas y coberturas, vamos a hacer un repaso a algunas de las mejores canciones que han tenido como centro argumental las comunicaciones telefónicas.
Papá Levante / Comunicando
Corría el año 2003 y las Papá Levante lanzaban este tema en el que se quejaban de lo difícil que era mantener una conversación telefónica, y con el que pretendían repetir el éxito de ‘Me Pongo Colorada’ y ‘Practicar Sexo’.
Lady Gaga featuring Beyoncé / Telephone
En 2010, Lady Gaga lanzaba junto a Beyoncé el tema ‘Telephone’, después de que Britney Spears pasara de la canción. Junto a un videoclip ya icónico, el tema se convertía en un éxito y en una de las canciones insignia de la artista. Curiosamente, Beyoncé también lanzaba ‘Video Phone’ con Gaga, y la repercusión era casi nula, pero claro, el vídeo no era ni la mitad de molón que el dirigido por Jonas Åkerlund.
Drake / Hotline Bling
Es otra de las canciones del momento, incluso en nuestro país, sobre todo por un videoclip surrealista que se ha convertido en un fenómeno viral, que parece una fuente inagotable de parodias. La temática se reduce a una novia que sólo llama al pobre Drake cuando quiere que la ponga mirando a Cuenca, y para él eso es un trauma.
Maroon 5 / Payphone
Otro desgraciado. Adam Levine llama a su novia desde una cabina intentando volver a casa y recuperar el tiempo perdido. La canción fue uno de los éxitos claros extraídos de su disco de 2012 ‘Overexposed’.
Carly Rae Jepsen / Call Me Maybe
Otro fenómeno viral. Carly Rae Jepsen no se esperaba ni de lejos el impacto que iba a tener este ‘Call Me Maybe’. Todo tipo de versiones y parodias convertían esta canción en una de las más exitosas de 2011. Ella, por mucho que le pese y lo intente, nunca podrá repetir el éxito de este tema que incluso conseguía dos nominaciones en los Grammy de aquel año, como Canción del Año y como Interpretación Pop.
Stevie Wonder / I Just Called To Say I Love You
Obviamente no puede faltar este clásico que Stevie Wonder componía en 1984 para la banda sonora de ‘La Mujer de Rojo’. El tema se ha convertido en todo un icono de lo hortera pero en su momento le dio el Oscar y el Globo de Oro a su autor. El clip con Wonder en concierto y el teléfono en la oreja es épico.
Mecano / 254.13.26
Antes de volverse un ñoño, José María Cano era capaz de componer temazos como este ‘254.13.26’ que venía incluido en el primer trabajo del trío. La producción de 1982 no puede estar más de actualidad hoy en día. No nos extraña que hasta Future Islands los reivindicasen hace poco.
Kelis / Bless The Telephone
Incluida en el último disco de Kelis venía esta joya oculta que en realidad era una versión. El autor original era Labi Siffre, un artista británico abiertamente gay que ha sido sampleado innumerables veces por artistas como Eminem, Jay Z o Miguel. Este ‘Bless The Telephone’ de 1971, ya sea en la voz de su autor o en la de Kelis, es una preciosa balada que deja claras todas las bondades de las conversaciones telefónicas. Nos extraña que a estas alturas ninguna compañía la haya utilizado para algún spot.
Blondie / Call Me
Producido por Giorgio Moroder, el clásico de Blondie era el tema principal de la banda sonora de ‘American Gigolo’. Nadie en la historia de la música nos ha pedido con tanta efusión que le llamemos como lo hizo Debbie Harry en 1980. La canción permaneció 6 semanas en lo más alto del Billboard americano e incluso hubo una desastrosa versión en español.
Adele / Hello
La de Adele es la última en sumarse a una lista inabarcable que incluye títulos clásicos de artistas como Prince, Blur, The Rolling Stones, Kraftwerk, ABBA, Lou Reed, Electric Light Orchestra o Milli Vanilli. Es muy pronto para saber si finalmente ese “hello” que abre la canción se terminará convirtiendo en un clásico del tamaño del de Lionel Richie, pero por ahora no será Adele la que se vaya a quejar, en vista de los incomparables resultados que está obteniendo.
Si te has pasado hoy por nuestro foro de Grimes, habrás vivido intensamente la filtración algo antes de tiempo del vídeo que presenta su nuevo disco, ‘Flesh Without Blood/Life in the Vivid Dream’. La cantante había anunciado la feísta portada de su álbum pero no sabíamos nada más y ahora podemos escuchar estas dos nuevas canciones, la primera de inspiración rockera (casi próxima a Sky Ferreira para nuestra sorpresa), la segunda inesperadamente acústica, al tiempo que atendemos a su vídeo 2×1, como es habitual toda una mina de gif’s. Su hermano Mac Boucher se ha encargado de la fotografía.
En algún momento Grimes dijo que su nuevo álbum, continuación del exitoso en el mundo underground ‘Visions‘, saldría en octubre y sin previo aviso, pero finalmente se retrasará un poquito. Pero muy poco: ‘Art Angels’ estará en el mercado nada menos que la semana que viene, en concreto el 6 de noviembre. En el disco colabora una Janelle Monáe de la que nunca tendremos suficiente.
Como veis en el tracklist, estas dos pistas que Grimes ha dado a conocer no van seguidas.
Art Angels:
01 laughing and not being normal
02 California
03 SCREAM [ft. Aristophanes]
04 Flesh without Blood
05 Belly of the beat
06 Kill V. Maim
07 Artangels
08 Easily
09 Pin
10 Realiti
11 World Princess part II
12 Venus Fly [ft. Janelle Monáe]
13 Life in the Vivid Dream
14 Butterfly
La edición deluxe incluirá hasta 5 CD’s, 2 LP’s y un DVD. Encontraremos música remasterizada y una versión alternativa del álbum al completo incluyendo tomas alternativas de las sesiones, en su mayoría inéditas. También habrá maquetas, remixes y grabaciones en directo realizadas en diversos países.
Una buena manera de volver a recuperar joyas como ‘Sara’. En la penúltima gira mundial de Fleetwood Mac (antes de que volviera Christine McVie), que pudimos presenciar en Ámsterdam, la banda tenía la idea de recuperar especialmente las canciones de ‘Tusk’. En el concierto que nos tocó sonaron varias pistas seguidas de este infravalorado álbum para el público.
La noticia de la reedición la ha dado Ultimate Classic Rock si bien aún se desconoce el tracklist de todo esto.
Lo último editado hasta ahora por Fleetwood Mac es un EP en 2013. Se sabe que han estado grabando nuevo material con y sin Christine McVie, pero de momento se desconoce por completo cuál podría ser su fecha de edición.
Ya sabéis que Christine and the Queens publica este otoño su debut en Estados Unidos (la pasada primavera llegaba a nuestro país). Uno de los extras es ‘Jonathan’, la balada junto a Perfume Genius, con quien tan bien casa su estilo, que se presentaba hace unas semanas. La canción la describía su autora así: «Escribí ‘Jonathan’ porque mi amante ignoraba mi existencia fuera de la habitación cerrada y silenciosa en la que vivía. Entonces cantar se convirtió en algo necesario para mí, sólo para estar segura de que seguía ahí. Desde el principio, la canción tenía dos voces, una en inglés y otra en francés, esperando una respuesta que sabía que nunca llegaría». De ahí, por tanto, el «Je sais que tu ne répondras pas».
Ahora se estrena un vídeo para esa canción dirigido por la propia Christine, que comienza donde terminaba otro de los extras de esta nueva versión del álbum, el vídeo de ‘No Harm Is Done’. Podéis comprobarlo a continuación, con ‘Jonathan’ confirmando esa inspiración tan arty que ya veíamos en la portada de su single.
Nuestra entrevista con Christine and the Queens hace unos meses, aquí. Además de profundizar en el álbum y en el sentido de su personaje, nos decía sobre la edición escalonada de su debut: «Cada país, no importa cuál, siempre es un reto. La promoción es algo que me gusta. Durante estos últimos cinco años lo he estado haciendo y no me resulta estresante, más bien al contrario. Ya me hubiera gustado editar el disco el pasado año en España al mismo tiempo que en Francia..».
Grandes cuentos podrían escribirse sobre los protagonistas de ‘Have You In My Wilderness‘, el nuevo álbum de Julia Holter. Desde esa Sally extraída de las historias berlinesas de Christopher Isherwood hasta esa Betsy «en el balcón» que su propia autora no sabe quién es, pasando por la malograda Lucette, sus personajes parecen tener una identidad tan sólida como las propias canciones en las que habitan. Es una muestra más de la evolución de Julia Holter, que nos encandiló, sobre todo, con ese ‘Loud City Songs‘ basado en el musical ‘Gigi’ de 1958. Hace unas semanas tuvimos la oportunidad de hablar con su autora sobre su nuevo disco recomendado, su compañero de aventuras ganador de un Grammy o su opinión sobre las críticas a su trabajo.
Antes de hablar de tu disco, quería preguntarte sobre tu contribución a ‘Remembering Mountains’, la recopilación de versiones de Karen Dalton. ¿Cómo surgió este proyecto?
Me pidieron ser parte del proyecto. Me propusieron canciones que eran básicamente poemas, sin música, y me dieron la oportunidad de escoger el que yo quisiera, así que escogí ‘My Love, My Love’. Me encantó la letra. No estaba muy familiarizada con el trabajo de Karen Dalton hasta ese momento y gracias a esta colaboración me empecé a interesar más. Fue una experiencia muy buena.
¿Cómo fue escribir la melodía para una letra ajena?
Fue muy divertido. Creo que es muy bueno hacer algo así. En mi caso, fue liberador y lo disfruté mucho.
Otro de tus proyectos paralelos es Terepa, junto a varios artistas como Laurel Halo o Kohei Matsunaga. La idea era hacer música cada artista al mismo tiempo de manera «telepática». Es una idea interesante que viene de lejos, ya en los 60 y 70 había artistas que colaboraban telepáticamente. Además, muchos artistas de jazz describen sus sesiones colaborativas o «jams» como telepáticas. Pero no recuerdo haber oído nunca un disco colaborativo creado telepáticamente. ¿Cómo surgió este proyecto y por qué estuviste interesada en él?
Terepa fue un proyecto de Kohei. Nos conocimos en Berlín, bueno, yo no conocí a todos los artistas involucrados porque me tuve que ir, pero fue idea suya así que lo hicimos sin más y lo hicimos un par de veces.
De nuevo ha co-producido tu disco Cole M.Greif-Neill, que ganó el Grammy este año por su trabajo en ‘Morning Phase‘ de Beck, que además fue Disco del año. ¿Qué es lo que te atrae de él como productor? ¿Cómo suele ser vuestro trabajo juntos?
Conozco a Cole Greif-Neill desde hace años. Se ofreció a ayudarme con la producción hace tiempo, aunque yo no lo veía claro porque era en plan, «yo voy a lo mío», pero después me di cuenta de que sería divertido trabajar con alguien, de modo que le pedí que mezclara mi disco de entonces, ‘Ekstasis’, que ya había grabado entero. Después, Neill terminó produciendo ‘Loud City Song’ y ‘Have You In My Wilderness’.
Una de las cosas que más me gustan de Cole es su increíble oído para los detalles más diminutos. Es capaz de escuchar cosas en mis propias canciones que yo no soy capaz de escuchar porque no tengo esa sensibilidad. Pero él sí y cuando la aplica a mis canciones una ya no puede escucharlas de la misma manera. Tiene mucho talento. Al final, estos dos últimos discos han sido prácticamente colaboraciones porque él graba todo y toma un montón de decisiones conmigo o sin mí… [ríe] Al final siempre conmigo pero Neill proporciona muchas ideas, arregla las canciones de determinada manera y en este último disco su contribución ha sido crucial.
¿Has grabado este disco de nuevo en un estudio profesional, como el anterior, o en tu casa, como el resto de tus discos?.
Grabamos los instrumentos en un estudio profesional y tanto las voces como los teclados en el estudio de Los Ángeles e incluso en mi propia casa.
¿Echas de menos trabajar sola en tu propio estudio?
No lo echo de menos porque el disco suena mucho mejor grabado en un estudio profesional. Me encanta estar en el estudio. Además, puedo grabar en mi casa siempre que quiera, lo cual no sucede cuando grabas en un estudio profesional. Pero depende del proyecto: hay cosas que prefiero hacer en casa. Sin embargo, de este disco quería que tuviera un sonido en alta fidelidad.
Si escuchas ‘Tragedy’ seguido de ‘Have You In My Wilderness’, o al revés, se percibe una evolución impactante. Es más accesible, menos obtuso que tu primer disco. ¿Es tu nuevo disco un reflejo de lo que siempre has querido ser como artista y el resto de tus discos un camino hacia este último, o cada uno de tus discos te representa al cien por cien en el momento de su creación?
[Piensa] No creo. Todos mis discos son diferentes y no diría que este proyecto me representa más que los anteriores.
Aparte de ti, hay varios personajes en tu disco, por ejemplo, Betsy, Lucette, Sally y Vasquez. Tus letras suelen ser bastante literarias, por ejemplo la de ‘How Long’, que crea una historia muy evocadora, o la de ‘Lucette Stranded in the Sea’, que es bastante inquietante. ¿Te consideras más narradora de historias que cantautora?
Sí, me considero más narradora que cantautora.
A veces, crítica y obra son como dos mundos a parte y hay artistas que no entienden en absoluto las reseñas y comparaciones que reciben. Tus discos suelen recibir críticas espléndidas y has sido comparada con Laurie Anderson, Meredith Monk, Robert Ashley o Mary Margeret O’Hara. ¿Estás atenta a lo que se escribe de ti en los medios? ¿Sueles estar de acuerdo con lo que se dice o más bien no?
No presto mucha atención a lo que la gente escribe sobre mi música. Leo a la gente que conozco y cuya opinión admiro. A veces me interesan las críticas constructivas pero no creo que sea trabajo del artista escuchar a los críticos. Ese no es el papel del artista porque el artista tiene que ser el líder.
La única vez que te he visto en concierto fue presentando ‘Loud City Songs’ en el Primavera Sound de 2014. Fue en un recinto cerrado, en una especie de teatro muy oscuro. Este, sin embargo, te permitirá incluso bailar un poco. ¿Crees que te va a resultar difícil conciliar lo más representativo de toda tu discografía en un concierto?
Por alguna razón no es tan difícil. No creo que mis canciones sean extremadamente diferentes entre sí pues la instrumentación es similar. Además, ahora traigo una banda más pequeña. De todas formas, mis directos suelen ser diferentes al disco.
Parte de la redacción evalúa el nuevo single de Justin Bieber. Hay tres opiniones y media a favor y una y media en contra.
«Justin Bieber vuelve a acertar. El paso ideal después de petarlo con ‘What Do You Mean‘ era este medio tiempo tan deudor de ‘Lean On‘ como de ‘Where Are Ü Now’. ‘Sorry’ tiene todo para convertirse en un éxito con el permiso de Adele. Una estructura sencilla, una letra fácil de recordar y un estribillo que se pega fácil. Además, esas trompetas que me recuerdan al primer disco de Linda Mirada son un plus para que me guste aún más. Es una simple canción pop, sin pretensiones, y es justo lo que necesita la carrera de Justin». ACM.
«¡Quién me iba a decir a mí que acabaría hablando con admiración de Justin Bieber! Menudos dos temazos lleva encadenados. ¿Que ‘Sorry’ recuerda a ‘Lean on’? Pues sí. El de Major Lazer es el hit al que hay que imitar esta temporada y por mí perfecto si todas las copias son tan estupendas como esta. Es agradable, entra bien, es pegadiza y tiene el toque justo de arrebatamiento. Y si Justin la cantara más y la susurrara menos, ya sería perfecta». Mireia Pería.
«Tranquilo, Justin, puede que Adele te haya vapuleado en iTunes en todos y cada uno de los países del mundo con iTunes, pero está claro que este va a ser el año más importante de tu vida. ‘Sorry’ es esa canción discotequera perfecta que también necesitamos en invierno, y la continuación ideal de los dos singles anteriores: mismo estilo pero canción diferenciable. La pregunta no es si Justin Bieber estará en nuestra lista de mejores canciones de 2015. La pregunta ya es cuál escogeremos. ¿Estará todo ‘Purpose’ a la altura? ¿Será este el disco de pop perfecto que llevo esperando todo 2015? ¿EN SERIO?». Sebas E. Alonso.
«Está siendo interesantísimo seguir la carrera de Justin Bieber, que ha pasado de auténtico ñoño a saber perfectamente con quién quiere relacionarse y qué es lo que quiere hacer. Si ya su colaboración con Jack Ü (el dúo formado con Skrillex y Diplo) era un temazo como la copa de un pino, ahora parece querer repetirlo colaborando solo con Skrillex. ¿Lo consigue? Realmente no. ‘Sorry’ es una canción un tanto ramplona, y quizá le falta algo de pegada, se desinfla hacia el final en un clímax que nunca llega. Pero hay una cosa que está clara: este es el camino, Justin». Lolo Rodríguez.
«Después de sus escarceos con el hip-hop y el R&B en ‘Believe’ y en su mixtape posterior, ‘Journals’, Justin Bieber se ha entregado definitivamente al house tropical para anocheceres de verano con sus últimos singles, ‘Where Are Ü Now’ y ‘What Do You Mean’. Lo nuevo, ‘Sorry’, sigue en la misma línea: buena producción, ritmos imposibles de negar en la pista pero, en general, nada especialmente sofisticado ni en sonido ni mucho menos melodías en este corte que tampoco vuelve a contarnos mucho sobre su intérprete, que parece más bien invitado, por muy «cool» que se haya vuelto ahora». JB.
Lower Dens, que este año han editado el notable ‘Escape from Evil‘, que contenía el temazo ‘To Die in L.A.’ (una de las mejores canciones de marzo 2015), nos visitan el próximo mes de noviembre. Exactamente estarán actuando el 19 de noviembre en Barcelona (La 2 de Apolo) y el 20 de noviembre en Madrid en El Cielo.
Coincidiendo con esta inminente gira europea, se estrena un vídeo de una actuación en directo de ‘Company’ y ‘Société Anonyme’, dos temas de su último álbum. Grabada en Los Ángeles en pehrspace y dirigida por Erik Barnes, la actuación es el colofón de un verano de gira por Norteamérica y diferentes festivales. El audio del directo ha sido mezclado y editado por Jana Hunter, la carismática líder de Lower Dens, con los ingenieros Paul Oldham (Palace Music, Royal Trux), Chris Coady (Beach House, Cass McCombs) y Chuck Radue. El audio del directo está disponible en descarga gratuita a través de Ribbon Music, como indica la nota de prensa de su sello en España, Music As Usual.
Lower Dens es uno de los grupos que gustarían a Marty en su regreso al futuro de octubre de 2015, como os contábamos la semana pasada. Entre el resto de artistas de 2015 que parecían de 1985 destacábamos también los casos de Brandon Flowers, Carly Rae Jepsen o Chromatics.
Después del éxito de ‘Thrift Shop’ y del álbum en el que venía incluido, Macklemore & Ryan Lewis prosiguen con su carrera y han anunciado gira europea en presentación de su material, lo que incluye la controvertida ‘Downtown‘. La gira pasará por España, como acaba de anunciarse: será el 1 de abril en el Barclaycard Center de Madrid. Las entradas se pondrán a la venta el 30 de octubre.
Sam Smith se pasó anoche por el programa de Graham Norton para promocionar su nuevo single, ‘The Writing’s On the Wall’, la canción para la nueva película de la saga James Bond, ‘Spectre’, a estrenarse el 6 de noviembre. En su directo, el primero de esta canción, le acompaña una orquesta y el resultado es estupendo, aunque él tenía sus reservas porque las notas son «muy altas». «Solo he cantado esta canción una vez, en verdad», ha dicho. «Hice la maqueta en el estudio y la usaron. La canción es horrible de cantar, horrible. Casi me arrepiento… No, no me arrepiento. Pero es que es tan aguda [que] me tengo que agarrar las pelotas. Es lo peor».
AlunaGeorge, autores del excelente ‘Body Music‘, presentan vídeo para ‘To Ü’, su colaboración con Diplo y Skrillex incluida en el reciente álbum de estos como Jack Ü y que nos ha dado uno de los grandes éxitos del año, ‘Where Are Ü Now?’ con Justin Bieber. Se trata de un retrato de la juventud en el que varias parejas pasan el rato, se morrean o hacen ambas cosas a la vez.
El videoclip ha sido dirigido por el español A.G. Rojas. Nacido en Barcelona pero con estudios en Los Ángeles, Rojas es autor de vídeos para Jack White, Emeli Sandé o Run the Jewels y de cortos como ‘Sowle’, así como de varios anuncios. Además, ha trabajado en el último videoclip de Florence + the Machine, ‘Delilah’, estrenado recientemente.
El grupo se encuentra preparando su segundo álbum de estudio. Mientras, ha saciado la sed de nueva música de sus seguidores con una nueva colaboración junto al productor australiano Zhu, ‘Automatic’, y el single suelto ‘Supernatural‘. En todos estos meses nos hemos preguntado qué pasaba con AlunaGeorge, por qué su segundo disco se demoraba tanto y si sería debido al éxito de la remezcla de ‘You Know You Like It’ de DJ Snake, más exitosa que cualquier single original del grupo.
Samantha Fox, el icono pop y llamada «bomba sexual» de los 80 que nos dejó clásicos como ‘Touch Me (I Want Your Body)’ o ‘Naughty Girls (Need Love Too)’ y varias imágenes sin sujetador míticas es noticia en las últimas horas por un motivo que hará a Melendi, Azealia Banks y a Kate Moss sentirse un poco más comprendidos. Ella también la ha liado parda en un vuelo.
Según informa 20 Minutos, que cita al famoso tabloide británico The Sun, Fox habría sido expulsada de un vuelo a punto de despegar de Luton a Vilna por insultar a la tripulación yendo ebria. El motivo de su furia habría sido el haber tenido que pagar un sobrecoste por exceso de equipaje de mano que sumaría una cifra de 30 libras esterlinas (unos 40 euros).
El portavoz de Fox ha negado que la cantante fuera ebria y confirmado no obstante que fue reubicada posteriormente en otro vuelo para poder ofrecer su concierto en la capital lituana. La cantante no ha hecho declaraciones sobre lo ocurrido pero sí ha subido varias imágenes de este concierto en Vilna en Facebook, que asegura agotó entradas.
Fox era noticia recientemente por el fallecimiento de su pareja, Myra Stratton, de cáncer. Stratton había sido mánager de la cantante en los últimos 16 años de su vida y fuentes cercanas aseguraban que «está completamente destrozada» por lo ocurrido. «Ella adoraba y amaba a Mayra, y su pérdida ha creado un gran vacío en su vida», indicaban.
«¿Por qué os indignáis con lo que se elige en este tipo de premios? Es que sois masocas», nos comentaba anoche el usuario Carrabouxo mientras redactábamos nuestro «minuto a minuto» de los MTV EMAs 2015. Seguir este tipo de ceremonias ha sido un clásico de nuestra web, pero cada vez va teniendo menos sentido, cuando ni la propia gala se toma a sí misma demasiado en serio.
Y no hablo precisamente de que los MTV EMAs adquieran la solemnidad de los Oscar. Ahora mismo tiene menos sentido que nunca. Tampoco estoy criticando que Ed Sheeran se dedicara durante toda la gala -que presentaba- a tomar cubatas (o peor, a hacer como que se los bebía). El bueno de Ed tuvo poca gracia, pero el peor peso no estaba bajo sus hombros, sino bajo los de la organización. Esa que decidió abrir y cerrar con canciones que ya habíamos visto presentadas en directo en la versión americana de los premios. ‘Downtown’ de Macklemore & Ryan Lewis y ‘Freedom’ de Pharrell son dos de las mejores canciones que escuchamos anoche, ¿pero no había otros artistas o al menos no tenían ellos mismos otra cosa que presentarnos dos meses después?
Ellie Goulding interpretando una canción tan sobada hasta la saciedad como ‘Love Me Like You Do’ cuando tiene no uno sino dos singles nuevos en el mercado, aburrió. Y encima no ganó. La ganadora del premio a la canción del año, Taylor Swift, ni se pasó. Tampoco Rihanna, artista femenina del año por razones desconocidas, puesto que su disco ni ha salido y no ha logrado ni un triste top 1 con los numerosos singles que ha lanzado este año. Y qué decir de Justin Bieber, más o menos el gran ganador de la noche: en lugar de currarse una presentación para el nuevo macrohit que se acerca, ‘Sorry‘, él también decidió repetir con ‘What Do You Mean?’, ya interpretada, y de manera más espectacular, en los VMAs.
La ausencia de sorpresas dejó una ceremonia no aburrida, pero sí carente de noticias. Hoy no tenemos nada que contaros sobre ella. Adele no se pasó en el fin de semana de lanzamiento de su nuevo single. Tampoco se logró ninguna exclusiva: ni Kanye, ni Frank Ocean, ni Bruno Mars, ni Ariana Grande… nadie quiso mover ficha como sí se logró en los VMAs cuando Miley Cyrus and her Petz decidieron lanzar su disco de manera gratuita al término de la gala. Cabe pensar que nadie decidiera pringarse las manos en la semana mundial del huracán Adele, pero también que los artistas no consideren los MTV EMAs relevantes y que los premios estén en vías de extinción. Ya nuestros usuarios ni se molestan…
Sin temor a resultar tópica o cursi, esta es la mejor época para disfrutar de esta nueva entrega de Gente Joven. El otoño y su melancolía inherente encajan perfectamente con el sentimiento brumoso que exhala ‘Casa de Socorro’; una nostalgia sin objeto pero tangible, amorosamente cultivada por Fernando de la Flor, con la ayuda de Patricia Magadán y Pablo Alvárez. Tras el precioso recopilatorio en Discos de Kirlian, vuelven, esta vez en Acuarela, con otro pequeño tesoro (27 minutos) de pop sosegado y soñador, de ese que declara su amor incondicional a Family y al dream pop.
Pero a pesar de que la pauta se mantiene, ha habido ligeras modificaciones con respecto a ‘I, II, III y IV’. Han mimado aún más el sonido; han perdido gran parte del aspecto amateur, las canciones están más pulidas, mejor acabadas y, aunque mantienen sus características voces quedas, que murmuran más que cantan, ahora las letras son mucho más inteligibles. Pero lo importante, las canciones, continúan siendo igual de hermosas y evocadoras. En eso no han variado un ápice: guitarras leves, atmósferas oníricas, percusión casi de juguete, ecos a My Bloody Valentine, Sarah Records, Dar Ful Ful… Quizás se les pueda recriminar su pleitesía a una determinada sonoridad, pero eso no es impedimento para cimentar una personalidad marcada y unos temas que calan.
Realmente, son los pequeños detalles, esa pizquita tan mínima (en apariencia) lo que hace que, prácticamente con los mismos ingredientes, el resultado te robe el corazón. Y es en ese pequeño margen donde Gente Joven aciertan con la fórmula y consiguen preciosidades como ‘Garcilaso‘; o las entradas de ‘La joya del Nilo’ y ‘Aspavientos‘, que se clavan en la cabeza y generan una extraña emoción; o la atmósfera boscosa de ‘Libélulas’ o la introducción de ‘Radiografía de una centella’, robada a un momento dulce de My Bloody Valentine. Incluso hay humor, como en ese impagable título que es ‘Enhorabuena por el Nobel’, aunque luego la ironía choque con una mini sinfonía de ruiditos de relojes antiguos y cajas de música. ‘Capicúa’ en comparación, abre las ventanas y deja que entre el aire y el sol, gracias a su ritmo jovial. Y, aunque haya alguno de los diez temas que no logre el mismo nivel de hechizo, todo en ‘Casa de Socorro’ te arrulla con ese ambiente de añoranza que, definitivamente, tan bien va para este otoño.
Calificación: 7,6/10 Lo mejor: ‘Garcilaso’, ‘La joya del Nilo’, Aspavientos’, ‘Libélulas’. Te gustará si te gusta: Family, Dar Ful Ful. Escúchalo: Bandcamp
Aunque no es amigo del streaming, Prince no le hace ascos a las redes sociales y ahora se ha abierto una cuenta de Instagram. Él, muy ingeniosamente, la ha llamado «Princestagram», un nombre tan ocurrente que no nos extrañaría que hubiera sido el único motivo por el que el autor de ‘Art Official One‘ se ha decidido finalmente a unirse a esta conocida plataforma.
De momento, la mayoría de imágenes subidas a «Princestagram» pertenecen a sesiones antiguas o a directos, pero Prince tampoco pierde el sentido del humor y cuelga varios «memes» en los que se ríe de sí mismo como este en el que es parodiado por su carácter aséptico. Además de una foto suya muerto por «sobredosis de chocolate», también comparte imágenes de fans y algún que otro vídeo sin demasiado interés.
Prince ha sido noticia recientemente por la publicación en Tidal de su nuevo disco, ‘HITnRUN – Phase One‘, que llegaba a nuestras vidas tras la salida de un single nuevo en Spotify llamado ‘Stare’ que sampleaba su gran clásico, ‘Kiss’. También lo era por sus declaraciones sobre los contratos discográficos, que él comparaba con la esclavitud en una conferencia reciente. “A cualquier artista joven le diría: no firmes”, decía.
A nadie debería sorprenderle el rechazo de Prince al streaming y su favor a Tidal: como Taylor Swift o, más recientemente, Joanna Newsom, el cantante opina que la conocida plataforma no es justa para los artistas: «cuando tengamos nuestros propios recursos», aseguraba en la misma conferencia, «podremos abastecernos a nosotros mismos con lo que necesitemos. Jay Z se gastó 100 millones de dólares de su propio bolsillo para construir su propio servicio. Tenemos que apoyar a los artistas que intentan ser dueños de sí mismos”.
A David Bowie le gusta más su cumpleaños que a un niño pequeño. Si en 2013, el día 8 de enero nos sorprendía con el anuncio de ‘The Next Day‘ y el lanzamiento del single ‘Where Are We Now?‘ después de 10 años de inactividad, parece que el próximo 8 de enero de 2016 lanzará un nuevo disco llamado ‘Blackstar’.
Según The Times of London será un disco de 7 canciones grabado en Nueva York junto a músicos de jazz. La noticia nos hace recordar la producción jazzie que tenía el tema inédito de su recopilatorio del año pasado, ‘Sue (or In a Season of Crime)‘. Además, el corte titular será el realizado para la serie ‘The Last Panthers’. Hace unas semanas se supo que David Bowie compondría la canción de esta nueva serie, «un atrevido robo de diamantes antes de mostrar el corazón oscuro de Europa, donde manda una sombría alianza de gangsters y “banksters”». Se estrena el próximo 12 de noviembre y serán seis episodios.
The Times describe el disco como «una mezcla de canciones jazzy con los beats de pioneros de los 70 como Can y Kraftwerk». Además, un «insider» asegura que el corte ‘Blackstar’ incluye «cantos gregorianos, una sección soul y beats electrónicos». Sería, pues, un álbum completamente diferente al último, muy asequible y presente en listas de lo mejor del año tanto de medios pop como más underground.
Aunque este nuevo disco no ha sido confirmado, cabe destacar que el 8 de enero cae en viernes, el nuevo día de lanzamiento global para los nuevos álbumes.
Actualización: David Bowie ha acudido a Facebook para confirmar la salida de este nuevo disco, efectivamente titulado ‘Blackstar’, para el 8 de enero. El primer single será el tema titular y podrá oírse a partir del 20 de noviembre. En cuanto a las noticias sobre el sonido del álbum, el comunicado las describe como «inexactas».
Esta noche se han entregado los MTV European Music Awards, con actuaciones de Justin Bieber haciendo de nuevo ‘What Do You Mean?’, Ellie Goulding haciendo de nuevo ‘Love Me Like You Do’, Ed Sheeran con Rudimental y Jesse Glynne.
La gala de los MTV EMAs ha dejado ganadores como Justin Bieber (mejor artista masculino, mejor artista canadiense, mejor colaboración y mejor look) o Taylor Swift, que se hacía con la canción del año.
9:00 PM
¡Están poniendo música en la MTV! ¡Estamos emocionados! ¡Por fin, otra vez!
9:06 PM
Ed Sheeran y Ruby Rose (sí, la de la nueva temporada de ‘Orange Is The New Black) son los encargados de presentar la gala este año. Han empezado con un “curioso” gag: “-¿Vemos un concierto de Ed Sheeran? -No soporto a ese tío. -¿Mejor ‘Orange Is The New Black’? -Pero si solo es una serie con besos de lesbianas -Mejor vamos a ver un “reality show” que también tiene música”.
Es curioso, cuanto menos, teniendo en cuenta que la MTV se ha convertido, a día de hoy, en poco más que un canal de docu-realities, en la que música hay más bien poca…
9:07 PM
Abren las actuaciones musicales Macklemore y Eric Nally, de Foxy Shazam. Un temazo que, claramente, no ha terminado de pegar.
9:17 PM
El premio para el Mejor Artista Masculino va para Justin Bieber, una de las actuaciones que veremos posteriormente. Ha dado el discurso más soso que recordamos en años.
Y eso que los MTV EMAs no son conocidos por sus fenomenales discursos…
9:24 PM
Ruby Rose imitando a Lady Gaga con un vestido de espaguetis.
9:29 PM
Para los que os estéis preguntando qué hace la Goulding cantando ‘Love Me Like You Do’, es porque la canción está nominada a mejor canción del año. Y suponemos que Ellie, ya que canta una canción tan trillada, ha decidido no pasar por maquillaje y peluquería.
9:33 PM
¡Breaking news! ¡Nicki Minaj se hace con el premio a Mejor Artista de Hip Hop! Por lo menos este año se lo lleva una chica, que no suele ser común.
9:36 PM
Nos estamos preguntando si lo del cuello de uno de Twenty One Pilots es un tatuaje o un pintado de monogrillo. Si es un tatuaje, vaya tatuaje más feo…
9:46 PM
Macklemore se hacen con el premio a mejor vídeo. Caen por el camino videazos como el de ‘Elastic Heart’ de Sia.
9:50 PM
¿Qué hace Ed Sheeran con esa chaquetilla en el escenario? ¿Por qué parece un británico de turismo en Italia? ¿Por qué lleva tantos coros sin ser una diva del pop? ¿Por qué la actuación de Rudimental está siendo tan descafeinada, con lo que molan en directo? Lo único que se salva es el escenario…
10:02 PM
Sosísimo el ‘What Do You Mean?’ de Justin Bieber. ¡Casi nos quedamos dormidos! Para lo hitazo que es, el Bieber ni ha bailado ni nada de nada. ¡Le ha quedado aburridísimo! Además, ¿por qué no ha cantado su nuevo single, ’Sorry’?
10:04 PM
Ed Sheeran no suelta el gin tonic ni para recoger el Premio al Mejor Directo.
10:05 PM
Bueno ahora lo va a tener que soltar, porque Mark Ronson le acaba de dar un buen trago.
10:12 PM
¿Ed Sheeran era solo un reclamo, no? Porque la gala la está presentando Ruby Rose prácticamente en solitario, ¿no?
10:17 PM
Duran Duran se alzan con el premio a Video Visionary, que han salido a recoger, la verdad, muy dignamente, justo antes del medley de Jesse Glynne. ¡Ojalá hubieran venido Clean Bandit, la verdad!
10:34 PM
Charli XCX se cambia de vestido para presentar el premio a la Mejor Colaboración, que se lo lleva Justin Bieber (que se perfila ya como ganador de la noche) por el temazo ‘Where Are Ü Now’, su colaboración con Jack Ü, el dúo formado por Skrillex y Diplo.
10:35 PM
Ed Sheeran presentando sentado directamente en una silla y con una copita en la mano. Definitivamente, el ganador de la noche es Ed Sheeran, que se lo va a llevar crudo por no presentar nada.
10:40 PM
Tori Kelly haciendo versiones de cuando el público no había nacido.
10:42 PM
Si en Italia han llevado a Andrea Bocelli a actuar, teníamos que haber llevado a Julio Iglesias a los MTV EMA en Madrid… Y LO SABES.
10:53 PM
Justin Bieber se lleva el premio a Mejor Look. Y no sabemos si es que no estamos puestos en moda o no, pero no entendemos lo que lleva puesto hoy.
10:54 PM
Pharrell Williams tiene 42 años. Va a ser verdad que no envejece.
10:58 PM
Es incomprensible que ‘Freedom’ no haya triunfado más, aunque igual es porque es una canción un poco corta…
11:00 PM
Sin embargo, con lo que estamos flipando es que en la retransmisión española se hayan saltado el premio a Mejor Canción y Mejor Artista Femenina, que no hemos visto entregar desde España. ¿Hola, MTV?
11:00 PM
Por si os lo preguntáis: Mejor Canción ha ido para ‘Bad Blood’ de Taylor Swift. Mejor Artista Femenina, para Rihanna. Nos hemos enterado vía… WIKIPEDIA. ¡Gracias, MTV!
Esta semana nos dejaba Gloria van Aerssen, mitad de Vainica Doble, después de que Carmen Santonja lo hiciera en verano del año 2000. Con su muerte se va, tristemente, la última Vainica Doble. Sin embargo, es obvio que si sus grandes ambiciones musicales y sus ocurrentes letras han marcado a generaciones de músicos de nuestro país de diferentes generaciones, más lo harán ahora cuando sus discos, a menudo descatalogados y maltratados por distintos sellos, probablemente serán revisitados. La redacción de JENESAISPOP escoge 10 canciones de sus múltiples discos -como podían haber sido otras 10- para alimentar el debate entre fans, seguidores casuales y despistados, como esos usuarios de Menéame que borraban la noticia de la muerte de Gloria de su portada por «irrelevante» y se quedaban tan frescos. Pero bueno, ya sabéis… dos españoles, tres opiniones.
Réquiem por un amigo (1973)
Como decía magníficamente Ximo Bonet en la reedición del imprescindible ‘Heliotropo’, este disco recoge «un tratado de la condición humana, desde la infancia a la muerte, a partir de las pequeñas cosas». En ese tránsito, ‘Réquiem por un amigo’ es una extraña apertura para el álbum, tratándose de, como indica su título, una canción sobre un desengaño. Con su cadencia pesada, funeraria, y su eco de canción popular, su letra es alta poesía, escupiendo veneno pero con una elegancia pasmosa, ridiculizando al que es capaz de traicionar a un amigo por ego o ambición. ‘Réquiem…’ también supone una inmejorable muestra del gran talento de Pepe Nieto (inició su carrera como batería de Los Pekenikes), que despliega ya de entrada su fantástica mano con una riqueza y precisión de arreglos descomunal. Raúl Guillén.
Habanera del primer amor (1973)
Citar a Vainica Doble reseñando a La Buena Vida, a Pauline en la Playa, a Klaus & Kinski o a Corazón no ha sido un recurso fácil y holgazán de la prensa musical de los últimos 20 años, sino una obligación como un piano si recordamos canciones como esta preciosidad dedicada a un primer amor que por supuesto no llegó a ningún lado. Tiene mucho mérito que la flauta folkie en la onda de The Free Design no sea ni la mitad de bonita que esa letra que presenta a dos niños dejando por primera vez las puertas de su casa «siguiendo una cucaracha» (¡bravo!) para encontrarse con la dureza de una vida en la que «nunca dura cosa buena» («descubrimos de repente con sentimiento y con pena / se deshizo nuestro amor como los flanes de arena»). No es de extrañar que cada vinilo de ‘Heliotropo’ esté valorado en 250 euros. Sebas E. Alonso.
Coplas del iconoclasta enamorado (1973)
Porque todo vale en nombre del amor. La mansión familiar, las reliquias de mis ascentros, un árbol centenario o el cauce de un río. Todo es susceptible de desaparecer si mi amado así lo quiere. Cuentan que Gloria escribió esta letra tras ver cómo derribaban el palacio de los Duques de Medinaceli en Madrid. La insolencia de su mensaje unida a los deliciosos arreglos de cuerda -con los que contaba ‘Heliotropo’ (1973), el segundo álbum del dúo- hacen de esta canción toda una apología a Cupido. Porque ¿quién no ha hecho alguna vez concesiones por amor? Angèle Leciel.
Madre no hay más que una (1975)
Recuperada para esa obra maestra que es ‘El Tigre del Guadarrama’ desde la banda sonora que hicieron para la película ‘Furtivos’ (1975) de Jose Luis Boraú, otro outsider como ellas con el que colaborarían también en la maravillosa serie de TVE ‘Celia’, ‘Madre no hay más que una’ impresiona por su tono tétrico en la descripción de la abnegación materna que, más que un acto de amor, parece que está mostrando la maternidad como un presidio. Si en la película la turbia relación madre-hijo entre una superlativa Lola Gaos y Ovidi Montllor contiene tintes incestuosos, en la canción el foco se centra en la relación de sumisión y abnegación por el hecho de ser madre. No es nuevo en sus letras llenas de proclamas feministas y en las que el hogar aparece muchas veces como cárcel para la mujer. Curioso porque en todas las declaraciones tanto de ellas como de sus allegados, empezando por sus hijos, hablan del hogar, del suyo propio, como un lugar casi mágico lleno de aventuras, imaginación y posibilidades infinitas para ser feliz. Nuclear sí.
Déjame vivir con alegría (1976)
En la carrera de Vainica Doble es crucial su crítica social a la rancia sociedad española, frecuentemente enmascarada por su poesía naif. Pero también, como es este glorioso caso, hay loas al espíritu tranquilo que marca nuestro país, para bien. Con la curiosa ayuda al sitar del seminal Gualberto, en ‘Déjame vivir con alegría’ Gloria y Carmen cantan con tanta retranca como ternura a la vida sencilla y lenta del campo y el mar, alejada del bullicio y la agitación del supuesto progreso. Incluso el ritmo de las estrofas, con esa escueta caja que parece tocada por un niño chico, se muestra como una bonita metáfora en esta incisiva defensa de la vida tranquila, cuyo mensaje acertaron en reivindicar los granadinos Grupo de Expertos Solynieve hace un par de años, convirtiéndolo en un himno de resistencia para las nuevas generaciones. Raúl Guillén.
El duelo (1981)
La influencia inmensa de su música en otros es palpable en muy diversos artistas, desde Sisa a Sabina, pasando por Pegamoides o, en la escena independiente, obvios como Le Mans, La Buena Vida, Family (en los créditos de su recopilatorio ‘Coser y Cantar’ con arte de Aramburu este se declara fan, además de ilustrador) y Nosoträsh, pero también Los Planetas o Sr. Chinarro: su legado no es difícil de rastrear. Su capacidad para no tener miedo a los ripios, para describir sentimientos, sensaciones casi tangibles hacen de sus canciones, a menudo muy densas, auténticos festines para sus seguidores, puesto que no se agotan con las escuchas sino que, como en una pintura de El Bosco, siempre tienen detalles nuevos que descubrir, nuevas lecturas, subtextos que permanecían ocultos. ‘El Duelo’ es quizá su canción más trágica. Una perfecta descripción de ambiente que parece un guión de las primeras películas de Cédric Kaplish o Agnès Jaoui, en la que bajo la superficie costumbrista se esconde una feroz mirada inmisericorde sobre sus personajes. Creo que los que compramos discos nos hemos visto en la situación de pensar alguna vez: «¿querrá alguien esto cuando nos muramos?» y pensamos en nuestra cuidadosa labor de amor de toda una vida tirada a la basura o malvendida al peso. Y nos entran ganas de llorar. Y, cuando termina la canción, quieres entrar en ella como en ‘La Rosa Púrpura del Cairo’ y dar dos hostias a todos los que se reparten con avaricia el botín delante del muerto. Nuclear Sí.
El tigre del Guadarrama (1981)
Normalmente uno puede imaginar el proceso mental que lleva a construir una canción, el porqué de sus elementos, los ecos de otras obras propias o ajenas. Con Vainica Doble, la mayoría de las veces, me ocurre que, por más que lo intente, se me escapan una y otra vez sus razones, siempre dispuestas a la sorpresa, a una frase, a una palabra (¿por qué los montañeros eran federados?), a una onomatopeya inesperada. La canción que cierra y da título al mejor disco del dúo para el que esto escribe, es un ejemplo perfecto. Un torrente de ideas en el que los cuerpos se funden con uno de sus temas centrales, la Naturaleza, en un viaje con un punto lisérgico y en el que cada verso, como en ‘La Historia Interminable’, parece iniciar otra historia digna de ser contada. Una travesía a la muerte en la que se crea un paisaje sensorial y mitológico en la figura de ese imaginario Tigre del Guadarrama como testigo feroz de unas imágenes tan poderosas que deslumbran, como esa de «luego en mí se hizo la noche» o «blancas zarpas de algodón en rama». Musicalmente, el viaje es tan grande como el de la letra, al intertextualizar el ‘Preludio en Mi menor Op28 Nº4’ de Chopin, que aparece hacia el final de manera tan misteriosa como el propio tigre (como en el resto de su trabajo). Y no es tanto una exhibición de sus conocimientos como el saber mantener sus composiciones envueltas en las cosas que las rodeaban. Ahora que parece que intelectualizar la música popular es casi un insulto para algunos, su obra, con clara vocación popular (aunque no siempre llegara al gran público, su música para el cine o la tele no buscaba precisamente lo minoritario), abre un camino quizá irrepetible. La música de Vainica Doble es uno de los acontecimientos culturales más relevantes del último tercio del siglo pasado en España. Nuclear Sí
La funcionaria (1984)
No me considero fan de Vainica Doble, pero Vainica Doble tienen la canción con la que más me he identificado en un momento dado de mi vida: ‘La funcionaria’. ‘Yo no sé por qué hice esta oposición / en vez de estudiar corte y confección’. Lo mismo me pregunté yo a menudo, mientras la nada crecía a mi alrededor. Y también me preguntaba (y me sigo preguntando) si, alguna vez, de la monotonía y el aburrimiento vital sería yo capaz de engendrar una maravilla costumbrista como esta. Mireia Pería.
La vegetariana (2000)
Del último disco de Vainica Doble, ‘En familia’ (2000), publicado por Elefant, llega este blues en el que se ponen a examen los hábitos de una vegetariana. Porque «no todo lo verde es bueno / hay también mucho veneno». Y es que tal vez lo raro no sea dejar de comer carne o hacer un viaje espiritual a Nepal. Lo raro es romper con lo establecido, cambiar el rumbo y abrazar con convicción un nuevo modelo de vida, como en cierto modo hicieron las Vainica con sus letras y su forma de ver el pop. Pequeños regalos como ‘La vegetariana’ amenizaron el final de su carrera artística y fueron prueba de que no habían perdido el sentido del humor ni el arte de musicar poemas. Angèle Leciel
Dices que soy (2000)
Realizado tras el malogrado ‘Carbono 14’ (1997), en el que colaboraban con Alejandro Sanz o Miguel Bosé sobre unos arreglos que no les gustaron ni a ellas mismas, el disco que editaba Elefant a finales del año 2000 unos meses después de la muerte de Carmen Santonja sí estaba a la altura de los mejores trabajos de Vainica Doble. Junto a temas marca de la casa como el arriba descrito, destacaban la cotidianidad (y los tarareos) de ‘El pintor’, la inmediatez de ‘Chiribitas de limón’, el despecho de ‘Quiero tu nombre olvidar’ o esta ‘Dices que soy’. Una canción de independencia y defensa respecto a los demás, como las de Manuel Alejandro para Raphael, que esconde un enorme dolor naíf e irracional, además de una atmósfera asfixiante lograda con unos pocos arreglos que te impide respirar durante la mayor parte de los 3 minutos que dura la canción. Sebas E. Alonso.
«Estaba cantado», «es que tiene muchísimos fans», «es que venir de 30 millones de discos», «la canción no tiene ningún mérito», «es sólo porque es Adele»… son algunos de los comentarios que pueden oírse ahora que ‘Hello‘ está arrasando al mismísimo Justin Bieber, pulverizando récords y que tiene ya garantizado el próximo top 1 en Reino Unido y, de continuar así, el de Estados Unidos dentro de 10 días.
Pero nunca se puede dar nada por hecho. Y menos en 2015 cuando la fidelidad por un artista a duras penas existe. La historia del pop está llena de artistas que también vendieron 20 o 30 millones de unidades de un álbum como lograba Adele con ’21’ y no repetían éxito con su siguiente paso. Es muy difícil que la cantante iguale esa cifra con ’25’, pero desde luego estas 48 horas desde el lanzamiento de ‘Hello’ han sido un escenario inmejorable para acercarse, la mejor vía para conseguir el disco más vendido de 2015 en tan sólo seis semanas. Aquí, 10 ejemplos de regresos que no arrasaron aunque en su momento por supuesto se esperaba.
Fleetwood Mac / Tusk
‘Rumours’ (1977) es uno de los discos más vendidos de la historia gracias a la consistencia de sus cuatro singles principales, ‘Go Your Own Way’, ‘Dreams’, ‘Don’t Stop’ y ‘You Make Loving Fun’. Sin embargo, su sucesor, ‘Tusk’, presentado por el sencillo homónimo, no lo igualaba. El disco ni siquiera era top 1 del Billboard 200 y singles como este o incluso el precioso ‘Sara’ «flopeaban». Si ‘Rumours’ lograba 20 álbumes de platino sólo dentro de Estados Unidos, ‘Tusk’ se tenía que conformar con 2. El grupo había optado por un álbum doble, más experimental, que recientemente han reivindicado en directo y favorito de sus fans, pero precisamente un pelotazo comercial no fue. Sí lograrían otro después en los años 80…
Meat Loaf ft Cher / Dead Ringer For Love
‘Bat Out of Hell’ de Meat Loaf, editado en 1977, ha vendido entre 30 y 43 millones de discos, depende de la fuente. Siete platinos certificados en Reino Unido y catorce en Estados Unidos se convertían prácticamente en nada cuando volvía con el siguiente, ‘Dead Ringer’, en 1981. El álbum, grabado con Meat Loaf recién salido de las drogas tras haberse quedado sin voz, conseguía un humillante top 45 en Estados Unidos y solo recuperaría fuelle cuando se le ocurrió editar en 1993… ¡’Back Out of Hell II”! Allí estaba la mítica ‘I’d Do Anything for Love (But I Won’t Do That)’. Eso sí que fue una buena idea y no el dúo con Cher, uno de los sencillos de ‘Dead Ringer’, que ni se pasó a saludar por el top 100 de sus propios países de origen.
Dire Straits / Calling Elvis
Seis años después de ‘Brothers in Arms’, otro de los discos más vendidos de la historia, Dire Straits publicaban su álbum final, ‘On Every Street’. Pero el público no estaba ya en 1991 ahí para escucharlo y los 9 millones de copias que habían colocado en Estados Unidos se convertían en 1. Los 13 platinos de Reino Unido pasaban a ser 2. ‘On Every Street’ era sólo top 12 en Estados Unidos y el single ‘Calling Elvis’ sonó… pero sonó poco.
Michael Jackson ft Janet Jackson / Scream
Después de lo que vendió ‘Thriller’, después de lo que vendió ‘Bad’, después de lo que vendió ‘Dangerous’… ¿quién habría previsto que el primer single de un disco de Michael Jackson no fuera top 1 por doquier? ¡Pero si hasta le metieron a Janet Jackson! ’Scream’ tuvo que conformarse no con un top 2, sino con un top 5 en Estados Unidos y un top 3 en Reino Unido. ‘You Are Not Alone’ le salvó, pero probablemente Michael Jackson empezó a verle las orejas al lobo a mediados de los 90 cuando editaba aquel raro disco mitad recopilatorio mitad no llamado ‘HIStory’. Sin duda, la primera polémica por supuesto abuso de menores de 1993 le estaba pasando factura.
George Michael / Praying for Time
A colación de Adele, es interesante recordar el caso de George Michael, pues podría haber sido muy parecido. También es británico y vendió una burrada de un disco suyo, el primero en solitario, ‘Faith’. Como ’21’, fue disco de diamante “al otro lado del charco”. Aunque ‘Praying for Time’ sí fue top 1 en Estados Unidos, se desinfló enseguida y su carrera encogió gravemente en América. En Reino Unido y otros lugares sigue siendo una especie de Dios, pero en Estados Unidos perdió tal cantidad de seguidores con ‘Listen Without Prejudice Vol. 1’ (y nunca los recuperaría) que George Michael empezó una disputa contra Sony por no apoyarle… ¿No sería que ‘Praying for Time’ no era su mejor canción?
Metallica / Until it Sleeps
Los jevis, que tienen el público más fiel, también decepcionan a veces. Y Metallica, que venían de vender su álbum negro como rosquillas (¿cuántas semanas ha pasado este disco en el Billboard 200? ¡328! ¡6 años enteros!), se la pegaron de lo lindo al cortarse el pelo en ‘Load’. Sí, vendería 5 millones de copias en Estados Unidos, pero era un tercio del anterior en plenos años 90 con la industria musical completamente «on fire» y el grupo continuaría a la baja con ‘Reload’. Con ‘Until it Sleeps’, Metallica perdieron su mejor oportunidad de lograr un top 1 en singles en Estados Unidos. El tema molaba mil, pero su público quería más caña…
Alanis Morissette / Thank U
‘Jagged Little Pill’ vivió un fenómeno muy similar en cifras al de Adele, pero su continuación es puesta siempre como ejemplo de decepción en lo comercial. Incluso Dido, tras su debut, proclamaba frente a la prensa británica: «no iba a volver con un disco de 17 canciones» en clara referencia a ‘Supposed Former Infatuation Junkie’ de Alanis (no sabía lo que le esperaba, claro). A pesar de la millonada que lo precedía, ‘Thank U’ fue sólo top 17 en Estados Unidos y top 5 en Reino Unido. El álbum se perdió el top 1 en Reino Unido y la carrera de Morissette jamás remontaría.
Whitney Houston / When You Believe
Whitney pasó los 90 entretenida con películas tipo ‘Waiting to Exhale’, pero su verdadero regreso tras los 30 millones de copias vendidos por la banda sonora de ‘El guardaespaldas’ era el disco ‘My Love is Your Love’ en 1998. Se presentaba con un single que salía el 2 de noviembre, a tiempo para Navidad, un dueto con Mariah Carey… «Éxito seguro, obvio», habrían dicho hasta los haters, como ahora los de Adele. Pero no. La hostia fue épica, el tema no pasaba del top 15 en Estados Unidos y tenía que acudir al rescate ‘It’s Not Right but It’s Okay’ ya en enero del año siguiente y ‘My Love is Your Love’ (la canción) en verano. ¿Cuánta pasta perdió Whitney en concepto de dinero no ganado aquella Navidad? ¡El disco jamás pasó del top 13 en Estados Unidos! ¿Qué diríamos de Adele si le pasara esto? ¡Top 13 para ’25’! ¡Inimaginable!
Madonna / American Life
La Madonna post-‘Ray of Light’ y ‘Music’ parecía invencible: más de 10 millones unidades vendidas con cada uno, críticas excelentes, incluso algún Grammy. ¡Qué lista era la Madonna adulta! ¿Cómo iba a dar un paso en falso? Madonna había saboreado el «flop» con ‘Erotica’ y ‘Bedtime Stories’, pero logró salvar los muebles con algún sencillo como ‘Take a Bow’. ‘American Life’ fue el primer gran batacazo de su carrera: el single fue top 37 en Estados Unidos e incluso en Reino Unido, por aquel entonces, fiel a la Ciccone como un perrillo, quedaba en el top 2. Ninguno de los siguientes vídeos o singles logró hacerle levantar el vuelo.
Dido / Don’t Believe in Love
Dido parecía confirmada como una de las cantantes más exitosas de todos los tiempos revalidada con ‘Life for Rent’ tras ‘No Angel’. Ambos discos, millonarios, habían dejado clásicos tan exitosos como ‘Thank You’ o ‘White Flag’. Pero los ojos de su discográfica quedaron abiertos como platos cuando comprobaron que ‘Don’t Believe in Love’, tras cinco años de silencio, ni siquiera era capaz de colarse en el Billboard Hot 100 y quedaba incluso fuera del top 40 británico. Lo peor es que la canción ni representaba un gran cambio ni era experimental ni nada por el estilo. Era algo más minimalista pero para nada tan distante de su discografía anterior. Sin duda, la caída de Dido, la más inexplicable y llamativa de toda esta lista.
Dos días después del lanzamiento de ‘Hello’ de Adele, no se puede decir precisamente que el regreso de la cantante haya decepcionado. El tema ha vapuleado a ‘Sorry’ de Justin Bieber en iTunes a ambos lados del Atlántico y si alguien pensaba que su punto débil era el streaming o los vídeos (nunca han sido su fuerte), se equivocaba.
El videoclip realizado por el prestigioso director Xavier Dolan ha batido el récord de vídeo más visto durante las primeras 24 horas de Vevo. El récord lo marcó hace un par de años ‘Wrecking Ball’ de Miley Cyrus, siendo después superado por ‘Anaconda’ de Nicki Minaj. Es destacable que ambos vídeos tuvieran un componente sexual tan pronunciado, si bien ambos se veían superados este mismo año por ‘Bad Blood’ de Taylor Swift, una superproducción en la que aparecían todo tipo de famosos realizando un cameo y mediante la que se presentaba un remix inédito de la composición de ‘1989‘ con la participación de Kendrick Lamar.
El vídeo de Adele no se sirve de ninguno de estos trucos, haciendo de la canción y de su letra, de nuevo, los únicos protagonistas. Un nuevo triunfo de la música por encima de parafernalia que ya sacó a más de uno los colores en 2011.
En las próximas horas se conocerán más récords batidos por ‘Hello’ de Adele. Y es que si en las primeras 24 horas el vídeo acumulaba 27 millones de visitas, ya se acercan los 100 millones. Además, se rumorea que la canción vendió 400.000 unidades en un solo día y se espera que supere en Estados Unidos las 623.000 copias que vendió ‘We Are Never Ever Getting Back Together’ de Taylor Swift en sus primeros siete días (récord femenino). Según las últimas previsiones, el millón de copias en una semana es posible.
Hits Daily Double comenta que los pre-pedidos de ’25’, a la venta el 20 de noviembre, superan ya las 100.000 unidades y que el streaming en plataformas tipo Spotify de las primeras 24 horas podría ser de 2 millones, superando el récord de One Direction, 1,8 millones con ‘Drag Me Down’.
Vídeos más vistos en Vevo en 24 horas
#1 Adele – «Hello» (27,7 millones)
#2 Taylor Swift — «Bad Blood» (20,1 millones)
#3 Nicki Minaj — «Anaconda» (19,6 millones)
#4 Miley Cyrus — «Wrecking Ball» (19,3 millones)
#5 One Direction — «Best Song Ever» (10,9 millones)
Lorely Rodríguez, alias Empress Of, es una joven estadounidense de 25 años con raíces latinas, para ser más concretos, hondureñas. El pasado mes de septiembre publicó su primer disco ‘Me‘ y ya ha sido alabada y reconocida por la mayoría de los medios especializados a nivel mundial. Además, actualmente está considerada como una de las grandes promesas de la electrónica. En nuestro país se dio a conocer gracias a los remixes que hicieron El Guincho, Pional y Delorean de su single ‘Tristeza’ publicado en el año 2013. Ha tocado con músicos como Dev Hynes, colaborado en la última campaña publicitaria de Solange para Puma y ha estado de gira con músicos como Jamie Lidell y grupos como Jungle o Florence + the Machine. Lleva desde el año 2012 componiendo y produciendo música y este año tocará en directo, por segunda vez, en el festival Pitchfork de París.
Hemos tenido la oportunidad de hablar (largo y tendido) con Lorely sobre su música, su visión del mundo y sobre qué supone ser una chica de 25 años que lleva casi 10 haciendo música, en un mundo, el de la electrónica, dominado por hombres.
Puedes ver su directo mañana domingo en la sala Apolo de Barcelona, dentro de los conciertos de Primavera Club y el próximo 14 de noviembre en la sala Joy Eslava de Madrid como telonera de Purity Ring.
¿De dónde viene el nombre de Empress Of?
El nombre viene porque una noche estaba de fiesta con un amigo y me dio una carta de tarot. La primera que salió fue la de la Emperatriz y esa misma noche escribí una canción sobre eso. La llamé ‘Patrick’, y dice algo así como “Tú dices que estoy loca. Dices que soy una emperatriz”. Quise llamarme a mí misma Emperatriz, pero no pude hacerlo porque era demasiado pretencioso. Así fue como nació porque pensé: “vale, me voy a llamar «Emperatriz de» porque es un final abierto, puedo ser «Emperatriz De» cualquier cosa. No tiene por qué ser algo en concreto”.
¿De dónde viene la idea de los vídeos “Colorminutes”? Estos vídeos anónimos que hiciste en Youtube.
“Colorminutes” son mis demos. Cuando empecé a hacer música, componía una canción al día, o hacía un minuto de música al día y después de un mes, tenía 30 minutos de música. No sabía qué hacer con ello y quería empezar con el proyecto Empress Of, así que subí todo a Youtube sin ninguna imagen o información. Me gustó porque así la gente que encontrara este proyecto no pensaría “es la música de una tía buena, que es una cantante o una productora”. Sólo dirían: “¿qué es esto? Es muy raro”.
¿Cómo empezaste a hacer música? Porque en tu biografía dice que estabas en clase, aburrida y de repente comenzaste con el jazz.
Sí, comencé a componer cuando tenía 14 años, sólo con el piano mientras grababa las canciones en el ordenador de mis padres. Estudié jazz y música clásica durante diez años. Cuando tuve 17 me regalaron mi primer portátil y empecé a jugar con todos esos programas de beats. Ahí es cuando realmente puedo decir que di mis primeros pasos con la música.
Naciste en Los Ángeles pero tu familia es de Honduras. También he leído que has vivido en diferentes ciudades como Boston y Nueva York. ¿Cómo te han transformado todos estos cambios?
Es raro. He vivido en Nueva York durante los últimos cuatro años, y antes de Nueva York, viví durante un tiempo en Boston. Crecí en Los Ángeles y voy a volver a Los Ángeles. No lo sé, la verdad, me siento bastante rara todo el rato. Voy a estar de gira durante los próximos tres meses, todos los días voy a estar en una ciudad distinta, así que esto forma parte de la vida. Quieres tocar tu música en distintos lugares para personas distintas. Si quiero ir a España a tocar, iré.
Sí, vienes ahora.
Sí, sí.
«Antes tenía como cuatro trabajos. He sido niñera, he cuidado niños, he enseñado música en la escuela. Cuando firmé el contrato me dijeron: «vale, no tienes que hacer nada más que grabar un disco». Y contesté: “¿qué? ¿me estáis vacilando?».»
¿Dirías que en este momento, tu carrera es la música?
Sí, totalmente. No tengo otro trabajo ahora mismo. Desde el 2014 he estado con el proyecto Empress Of. Antes tenía como cuatro trabajos. He sido niñera, he cuidado niños, he enseñado música en la escuela. Cuando firmé el contrato me dijeron: “vale, no tienes que hacer nada más que grabar un disco». Y contesté: “¿qué? ¿me estáis vacilando?”. Por eso me lo tomo tan en serio. Me levanto cada mañana a las ocho de la mañana y trabajo diez horas grabando. He estado haciendo esto durante un año. Así que sí, ahora considero esto mi carrera, quiero grabar discos. He puesto todo en mi primer disco pero no va a ser el último. Voy a hacer más álbumes.
¿Cómo surgió la colaboración con Solange y Puma?
Solange diseñó unas zapatillas para Puma y no quería utilizar las típicas modelos. Quería mujeres fuertes e independientes en su propio campo. Cuando surgió el proyecto pensé que iba a haber más músicos, pero para nada, yo era la única. Después escogió a una poetisa, una doctora, una diseñadora de bufandas y una maquilladora, todas ellas distintas pero fuertes e independientes. Fue un día increíble porque estuve rodeada de mujeres maravillosas, seguras de sí mismas.
Tu single ‘Tristeza’ lo cantas en castellano, pero después este primer trabajo, ‘Me’, lo cantas completamente en inglés. ¿Por qué?
Cuando escribo canciones en castellano es distinto. El lenguaje es algo completamente subjetivo y el significado varía mucho. Si digo una frase en castellano o en inglés, nunca va a ser lo mismo. El sentimiento es distinto. Había muchas cosas que quería decir en este disco y quería hacerlo en inglés. Quería crear un espacio en el que fuera yo contándote mi historia, por eso lo hice en inglés.
Publicaste tu primer EP en el 2013 pero llevas haciendo música desde el 2012 y ahora, en el 2015, has publicado tu primer disco. ¿Nunca has parado de trabajar?
En marzo de 2013 publiqué mi primer trabajo, mi primer EP. Sin embargo, en el año 2012 publiqué mi primera canción. En realidad creo que me he tomado mi tiempo, porque hay gente que publica las cosas muy rápido. Publiqué seis canciones antes de este disco y me llevó mi tiempo. No quiero correr. No quise correr cuando estaba haciendo el primer disco, no lo haré más adelante. Es como quiero que sea.
Has tocado en festivales como Pitchfork, SXSW. ¿Cuál ha sido tu festival favorito?
Creo que Pitchfork Paris. Fue un poco asqueroso porque estuve en París tan sólo 18 horas, pero también es algo increíble. Es un festival muy bueno en el que te tratan muy bien. Panda Bear tocó ese año y es uno de mis artistas favoritos. Y era mi primera vez en París. Tenía la sensación de “¡guau! ¡Qué estoy haciendo aquí!”. Fue algo increíble. Y toco otra vez este año. Será en octubre y estoy muy emocionada.
Las canciones de ‘Me’ fueron compuestas en México. ¿Por qué allí?
Me escapé a México sólo para no estar en Nueva York. Comencé a escribir el disco en Nueva York y fue una mierda. No salía como quería. Tenía que escapar de ahí. Adoro vivir en Nueva York, pero es una ciudad muy dura. No es fácil, nada fácil ser artista en Nueva York e incluso es peor porque todo es extremadamente caro y hay mucha energía en el aire, tanto positiva como negativa. No podía ser creativa en Nueva York. Así que me fui a México porque un amigo tenía una casa en la que podía estar. Me dio un poco de miedo al principio porque iba a estar completamente sola, pero era lo que necesitaba.
¿De dónde vino la idea del videoclip ‘Water, Water’?
Este vídeo habla sobre la idea de no estar presente en un momento concreto. Me refiero a no tener agua clara que beber en un momento dado, literalmente. Pero la otra historia habla de un grupo de personas que está en un momento muy intenso porque ha fumado mucha hierba y tengo problemas para conectar con ellos. Por eso quería que este vídeo fuera un poco desvirtuado, con neblina, como si no pudieras ver la imagen. Puedes ver, sabes lo que soy, pero no puedes ver claramente lo que hay. Por eso el vídeo es así.
La idea de la portada de ‘Me’ es, aparentemente, muy sencilla, pero también es muy oscura. ¿Por qué un fondo gris y tú casi en negro?
Para ser sincera, hice de todo hasta llegar a la portada. Lo intenté todo. Mi cabeza con efecto 3D, ilustraciones, hicimos tres sensiones de fotos… y al final tuve el pensamiento de “¿qué soy yo?”. Pensé en cómo vería la portada de este disco dentro de diez años. “¿Seré feliz con esta portada dentro de diez años?”. Por eso es sólo una foto, sólo yo. Pensé en utilizar una foto sencilla. Es un poco ir hacia la madurez, porque este disco habla de sobreponerme a las inseguridades, ser una chica de 24 años que escribe un disco. ‘Me’ habla sobre madurar, porque crees que con 24 ya eres un adulto. No quería ser otra persona que no soy.
«Para mí era una necesidad ser completamente honesta y directa, por eso cuando pensé en el título del disco, no quería algo forzado, cursi u ostentoso. Quería algo que fuera claro y al grano».
¿Y por qué el título ‘Me’? Es muy escueto.
Porque en este disco se puede ver cómo soy mucho más directamente, se nota en mis letras y cuando canto las canciones como si se las estuviera cantando a alguien directamente, como si estuviera hablando con alguien, y es muy honesto. “Don’t take me by the hand and walk me through with pity. If I was a man would you still do the same?”, letras como esta o como ‘Need Myself’. Esta es una de las canciones más directas que he escrito. “I just need myself to love myself”. ¿Cuánta gente dice eso? No lo sé. Para mí era una necesidad ser completamente honesta y directa, por eso cuando pensé en el título del disco, no quería algo forzado, cursi u ostentoso. Quería algo que fuera claro y al grano.
¿Cuál es tu canción favorita del disco?
No lo sé. Cambia de un día para otro. Me gusta mucho ‘How Do You Do It’ ahora mismo porque me encanta el vídeo. Además, es muy divertido tocarla en directo. El beat es muy divertido y las palabras también. No es demasiado seria. Canciones como ‘Need Myself’ y ‘Icon’, la última canción del disco, son muy serias para mí, pero ‘How Do You Do It’ es sobre pasárselo bien.
El álbum es muy bonito, pero creo que también tiene algo bastante oscuro, no sólo en las letras sino también en el estilo musical, en cómo empleas los sintetizadores. Es optimista, pero al mismo tiempo puedes sentir el lado oscuro de las cosas. ¿Por qué? ¿Por qué esta ambivalencia?
El disco es como un viaje. Es como vivir a través de una relación. Empecé el disco estando muy enamorada de alguien y no podía verme a mí misma alejada de esa relación, como si sólo supiera conocerme a través de esa persona. Por eso la primera canción es ‘Everything Is You’.
«Da un poco de miedo cuando quieres tanto que no sabes ni quién eres. Ahí es donde comienza el disco y luego, a través de todo el álbum, estoy tratando de sobrellevar el estar sola, quererme a mí misma y cómo aprender a llevarlo»
La letra de esa canción habla muy claramente de ese tema.
«You are everything; everything is you». Da un poco de miedo cuando quieres tanto que no sabes ni quién eres. Ahí es donde comienza el disco y luego, a través de todo el álbum, estoy tratando de sobrellevar el estar sola, quererme a mí misma y cómo aprender a llevarlo. Quizá ahí es donde se ve lo oscuro que es. Quizá porque aprender a abrazar y entender tus imperfecciones e inseguridades no es nada fácil.
¿Cómo explicarías cuál es la evolución entre ‘Systems’, tu primer EP, y este disco?
Diría que ‘Me’ es más progresivo. He invertido mucho tiempo en aprender cómo producir, cómo hacer los beats, cómo hacer sonidos guays con los sintetizadores, y podría decir que ‘Me’ es una producción mucho más madura. También las letras son muy directas. Con ‘Systems’ estaba como en una especie de ensoñación borrosa, como en una especie de fase de «quiero esconderme bajo la almohada». Y con este álbum, he querido tener sonidos de batería más potentes y letras muy obvias. Es decir, no tienen por qué ser letras agresivas, pero si voy a decir algo, sólo quiero decirlo y punto. Sí, creo que ahí radica la diferencia. Pero soy la misma chica que escribió ‘Systems’ y ‘Me’, así que ahí están las similitudes.
¿Cuál dirías que es tu estilo musical?
No lo sé. No me gusta que me pregunten estas cosas.
Lo siento.
No, no, está bien. Tendría que ser capaz de decir qué estilo musical hago. Sólo que, para mí, es muy difícil. Siempre digo que es pop electrónico porque es un término aburrido y abierto, puede significar cualquier cosa.
Este disco es bastante feminista. Es decir, cuando escucho las letras de tus canciones noto a una mujer independiente, fuerte y decidida que necesita y va a decir su opinión. Como una forma de conocerte mejor a ti misma. En otras respuestas me has explicado que esta era tu intención, además de mostrar tu personalidad y empujar a las chicas a ser ellas mismas. Que deben ser mujeres independientes y fuertes.
No lo hice de una forma consciente. Cuando comencé a escribir el disco lo hice más bien sobre mi propia vida, por lo que estaba pasando y lo que estaba aprendiendo para llegar a ser una mujer fuerte, independiente y que se quiere a sí misma. Cuando escribes una historia sobre ti misma es como “¿quién soy?”. Soy una chica de 24 años que está pasando por lo mismo que está pasando cualquier otra chica de 24 años, como ser piropeada por la calle, o que está aprendiendo a quererse a sí misma, a tener autoestima. Creo que es por esto que otras mujeres pueden sentirse identificadas.
¿Cuánto tiempo has tardado en grabar este disco?
Diez meses, después de ese tiempo pensé: “Vale, ya lo he terminado”. Y después vino el mezclarlo, masterizarlo y todo eso.
¿Cómo ves el panorama musical en el campo de la electrónica? Es decir, no hay muchas chicas en Estados Unidos en este terreno.
Es interesante porque cuando comencé a hacer música, hará tres años, no había casi mujeres que produjeran música, y ahora hay unas cuantas más, pero no al nivel que haría falta para llenar festivales con mujeres que tocan solas. ¿Sabes? Es interesante porque acabo de comenzar a hacer colaboraciones, ahora es cuando empiezo a hacer colaboraciones con otros artistas.
«Cada vez veo más y más productoras que trabajan en solitario pero me gustaría saber si trabajan para más personas. Es algo que me gustaría saber de verdad. Es que es algo que no oigo muy a menudo. Sólo sé sobre tíos que producen»
¿Podrías decirme el nombre de alguno?
No, lo siento, no puedo. Pero cuando me llamaron me dijeron: “Este y este necesitan producción en un track” y yo respondí: “¡guau! ¡Dios, claro que sí, sí, sí al cien por cien!”. Y me imagino cuántas mujeres productoras están produciendo para otra gente. Cada vez veo más y más productoras que trabajan en solitario pero me gustaría saber si trabajan para más personas. Es algo que me gustaría saber de verdad. Es que es algo que no oigo muy a menudo. Sólo sé sobre tíos que producen.
Has estado de gira con gente como Jamie Lidell, Jungle y Florence And The Machine. ¿Cuál ha sido tu gira favorita?
Diría que en los shows de Florence es donde más he aprendido. Ese fue muy loco porque toqué para más gente de la que he tocado en mi vida, casi 10.000 personas. Es diferente porque he pasado de tocar en una sala pequeña para 100 personas a tocar en un escenario así. Tienes que dar la misma energía que pondrías para 100 personas pero para miles. Además, ver a Florence sobre el escenario es algo increíble, está loca. Saca una especie de bestia que lleva dentro. Corre, salta sobre el público, no sé… Cuando la vi por primera vez en directo pensé: “Oh dios mío. Esto es lo que supone ser un artista que actúa sobre el escenario”. Es su escenario cuando camina sobre él. Fue muy inspirador.
Vas a tocar en España y estarás de gira por Europa en países como, por ejemplo, Polonia. ¿Tienes en mente algo especial?
Voy a telonear a Purity Ring, así que no lo sé. Estoy muy emocionada. Es decir, voy a hacer el mismo show que hago siempre, sólo que esta vez lo haré en distintos países. No sé qué va a ser tocar en directo para gente en España. El único plan que tengo es hacer planes para mi show, lo cual es bueno.
«Björk es una de mis mayores influencias desde siempre, pero tengo un problema: estoy obsesionada con Caribou»
¿Cuáles son tus mayores influencias musicales?
Bjórk es una de mis mayores influencias, pero desde siempre. Es única. Es decir, es mujer, es productora, compone, escribe, es madre. Me inspira un montón. Ella fue una de las primeras referencias que encontré cuando empecé con lo de “¡oh! ¡quiero hacer música!”. La conocí cuanto tenía 13 años, empecé a escuchar su música. Sí, es una gran, gran influencia. También te puedo decir una de mis grandes influencias, de lo que más me gusta en el mundo: es Caribou. Tengo un problema, estoy obsesionada con él.
No te preocupes, eso también me ha pasado a mí.
Él es una gran, gran, pero gran influencia en mí, sobre todo en el lado de la electrónica y cómo hago producción, los beats… hace producciones maravillosas. Otras grandes influencias son Kate Bush y Cocteau Twins. Kate Bush es impresionante. Me gustan e impactan las cantantes que tienen una gran presencia. También podría decir Trish Keenan de Broadcast.
¿Cuáles son tus planes a corto/largo plazo?
Voy a estar mucho tiempo de gira. Va a ser una locura. Quiero hacer otro disco, así que tendré que empezar pronto.
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