Ariana Grande fue una de las tantas estrellas presentes en la edición LVIII de la Super Bowl. Lo hizo a través de las gradas, pero también a través de la pequeña pantalla. La artista fue, junto a Cynthia Erivo, la protagonista del primer tráiler de ‘Wicked’.
La película, adaptación del famoso musical de Broadway basado en la novela de 1995 de Gregory Maguire, está ambientada en el universo de Oz antes de que Dorothy llegue de Kansas. Glinda, conocida como la Bruja buena del Sur, está interpretada por Ariana Grande. Cynthia Erivo, por su parte, se convertirá en Elphaba, conocida como la Malvada Bruja del Oeste. Se espera que la versión cinematográfica amplíe el argumento de la producción original de Broadway, que se llevó tres premios Tony y un Grammy.
El reparto lo completan la ganadora del Oscar Michelle Yeoh como Madame Morrible, la imponente directora de la Universidad Shiz; Jonathan Bailey (Los Bridgerton, Compañeros de ruta) dando vida a Fiyero, un príncipe despreocupado y canalla; el novio de Ariana Grande y nominado a los Tony Ethan Slater (el musical de Broadway de Bob Esponja) en el papel de Boq, un altruista estudiante munchkin; Marissa Bode en su debut en la gran pantalla encarnando a Nessarose, la querida hermana de Elphaba; y el icono de la cultura pop Jeff Goldblum transformado en el legendario Mago de Oz. j
Dirigida por Jon M. Chu, ‘Wicked’ es una película que se estrenará en dos partes. La primera entrega llegará a los cines el 27 de noviembre de 2024, mientras que la segunda lo hará el 26 de noviembre de 2025.
El concierto que COBRAH en Barcelona coincide con las fiestas de carnaval. Esto significa que buena parte de la asistencia acude a la sala Razzmatazz disfrazada. Llega tanta gente vestida de Mario Bros que por un momento me pregunto si me he equivocado de lugar. Pero no, todo en orden.
COBRAH, que da sus primeros pasos en la música actuando en clubs de BDSM, se da a conocer internacionalmente gracias a la potencia de singles de electro-house rapeado como ‘Good Puss’ o ‘Brand New Bitch’. Su sonido es gélido pero altamente sensual: COBRAH domina los beats electro que se le ponen por delante, y no al revés, en canciones que en pocos minutos capturan todo el autoestima del mundo.
El show “divertido y sudoroso” que COBRAH promete en una entrevista concedida recientemente a este medio es exactamente eso. COBRAH solo se necesita a sí misma (y a su peluca rubia) para provocar los gritos del público cuando pasan las 2 y media de la madrugada. La artista, que presenta nuevo EP, ‘Succubus’, tira de pregrabados, pero a nadie parece ni debe importarle cuando la sueca baila con una seguridad apabullante y se come el escenario.
La audiencia viene con los deberes hechos y grita las letras de ‘FEMININE ENERGY’ o ‘TEQUILA’ mientras COBRAH menea la cadera, sacude los hombros, se acerca al uno y otro extremo del escenario, se abre de piernas o se marca una serie de “hairflips” que le garantizarán un cuello de hierro. El directo flaquea en algunos puntos debido a la homogeneidad de todas las canciones, pero la agresividad de la base mantiene en todo momento el ritmo y los ánimos, como demuestra un grito de «puta jefa» que se oye entre canción y canción.
En momentos puntuales del show de COBRAH se da un curioso contraste entre el animal que es en el escenario, y la muchacha encantadora que también es cuando interactúa con el público. Cuando saluda a la audiencia con un extendido “hiii”, acompañado de una sonrisa de oreja a oreja, en tu cabeza lo traduces como “holiii”. También esa es la “energía femenina” de COBRAH, aunque cuando la base se impone, la fiera vuelve. COBRAH somos todos nosotros, también.
COBRAH sabe perfectamente lo que es tratar con un público diferente. Ella, antes de dedicarse al oficio de pop star, impartía clases de música a niños por el día, y actuaba en clubs de fetish por la noche. Hoy tiene repertorio para armar un entretenido show de una hora, aunque ‘Good Puss’ sigue siendo el single estrella, hasta el punto de que lo toca dos veces para cerrar show. Con el ‘BANG’ de confetti final, el espectáculo de COBRAH y la jornada de carnaval se funden en uno.
Joy Division, New Order, The Cure y Depeche Mode son los grupos que María Bas citaba como principal influencia cuando Nebulossa publicaban su primer disco. Mark Dasousa, que se había comprado su primer teclado por influencia de Nacho Cano, prefería añadir a la lista artistas españoles: Radio Futura, La Mode y por supuesto Mecano. Aprovechando que cada 20 o 30 años vuelven las mismas modas, decidieron formar un grupo llamado Nebulossa, nombre inspirado por una excursión a un Observatorio realizada junto a sus hijos. Antes habían formado parte de otros proyectos: con Solar llegaron a grabar hasta 4 álbumes.
Que el certamen Indie Cool escogiera a Nebulossa mejor banda emergente fue un punto de inflexión para ellos en 2021 y les empezaron a salir conciertos de presentación del que fue entonces su debut, ‘Poliédrica de mí’.
Con este título querían hablar de nuestra versatilidad como seres humanos, de nuestras diferentes caras, de la verdadera libertad, aunque la gracia es que la música parecía tan sacada de una cápsula del tiempo que el disco se abría con un tema llamado ‘1984’. Sí, inspirado en ‘Julia’ de ‘Gran Hermano’. Una canción sobre distopías y «tarados desinformados» que terminarían cantando junto a Rocío Sáiz, aprovechando su enfoque femenino: «quería que me besaras y bailáramos juntas toda esta canción».
Para sonar a aquella época, se hicieron con los sintetizadores adecuados (Roland, Juno) y cuidaron mucho que la batería fuera producida como en aquella época. Mark quería que su música fuera «pop con algunos toques oscuritos» y María buscaba algo más sofisticado. Para ella era importante que el grupo tuviera un punto más underground, en el sentido de The Cure, de los que insiste, es muy fan.
La proliferación de teclados inclina la balanza más bien hacia OMD (sobre todo en ‘La herida’) o hacia el debut de Depeche Mode. Hacia las creaciones de Vince Clarke antes de centrarse en Yazoo y Erasure. ‘Glam’ -un himno sexy sobre la devoción- y ‘Anoche’ -sobre un desenfreno lleno de posibilidades- son canciones que en verdad podrían hablar de cualquier cosa porque son sus líneas de sintetizadores quienes nos capturan y nos dirigen. Auténticos hits de revival que van a vivir una nueva oportunidad tras la victoria de Nebulossa en el Benidorm Fest con ‘Zorra‘.
Sin duda van a remover cosas a quienes vivieron con ilusión la edad del oro del pop español, o a los que se han molestado en descubrir después a gente como Azul y Negro o también Olé Olé. El primer disco de Nebulossa te va a encantar si alguna vez lo has dado todo con ‘Me estoy volviendo loco’, ‘Voy a mil’ o ‘No controles’ -que era un absoluto himno de empoderamiento-.
Algo desatinado en su estructura y en su estrategia -‘La colmena’ fue el despistado single principal porque no querían dar una imagen demasiado comercial-, ‘Poliédrica de mí’ es un álbum muy adictivo en sus estribillos y líneas de sintetizadores inspiradísimas en los años 80. Como ellos solían decir, un recuerdo de los días en que “en la radio ponían música de calidad” (y no estaban haciéndose los esnobs, hablaban de Madonna y Duncan Dhu). Y un álbum en el que ya afloran mensajes de autoafirmación, descaro y hedonismo, lo que les está llevando a diseñar el que puede ser un segundo disco enorme, ya solo por ‘Zorra’, ‘Me pones a mil’ y ‘Me han dado porno’. De hecho, quienes busquen precedentes de sus últimas canciones, encontrarán aquí ‘KTJDN’ («que te jodan») o ‘Poliédrica’. Este tema nos habla de «sonidos que me dicen quién soy, que vuelva a ser la que yo quiera». Su música, vuela igual de libre.
AC/DC volverá a Europa después de ocho años con la gira de ‘Power Up‘, su último disco, que pasará por España, y más concretamente, por Sevilla el próximo mes de mayo. La fecha confirmada de AC/DC en el Estadio de la Cartuja, el día 29 de mayo, es la única en España de la gira.
Las entradas de la gira ‘Power Up’ saldrán a la venta el viernes 16 de febrero a las 10 horas en los puntos de venta habituales.
El tramo europeo de la gira de ‘Power Up’ comenzará el 17 de mayo en Gelsenkirchen, Alemania, y pasará por Italia, España, Países Bajos, Austria, Suiza, Inglaterra, Eslovaquia y Francia antes de llegar a Dublín, Irlanda, en su parada final. En total, AC/DC pasará el verano de 2024 actuando en un total de 29 ciudades repartidas entre 11 países.
caracazador es el alias de Pablo Pérez, cantante y compositor de Cádiz que publica sus primeros temas en 2020. De hecho, en plena pandemia se edita oficialmente la primera canción de caracazador, la nana folk de ‘A primavera’. Después, la pianística ‘A dos tiempos’ sigue allanando el terreno hacia el lanzamiento del primer disco de caracazador.
Tradición y electrónica confluyen en ‘Marea y Plata‘ (2020), por ejemplo en la atmosférica pista titular o en la neoflamenca ‘Pies descalzos’. Algunas composiciones, como ‘La chica fluorescente’ o la excitante ‘There are children in the morning’, exhiben una riqueza barroca inusual en cualquier debut, en un disco curiosamente grabado con un iPad en el que Pablo empieza a definir su sonido tirando de distintas evoluciones del folk o la música neoclásica.
En 2021, caracazador sigue publicando temas sueltos, como ‘Aún no lo cuentes’ o ‘Distrito industrial’, y, también, ese año, conoce a Zahara, quien le acaba fichando en su sello G.O.Z.Z. Records. Zahara y Pablo se conocen en aquel verano durante un curso de composición que Zahara imparte en la masía-estudio de grabación La Casamurada. De ahí surge el título del primer single que caracazador estrena en esta etapa actual de su carrera.
El piano clásico sigue guiando el sonido de ‘CASAMURADA’, dibujando una melodía preciosa acompañado de unas sutiles percusiones, hasta que el beat electrónico entra en acción. La contraposición de elementos define también la letra de ‘CASAMURADA’, una canción que habla «de la vorágine del día a día y de la dificultad de compaginar las obligaciones de la vida adulta con el amor».
Zahara comparte las siguientes palabras sobre caracazador: «Cuando escucho a Pablo me lo imagino recogiendo pequeños fragmentos de su vida, con mucho cuidado, ordenándolos, iluminándolos delicadamente para convertirlos en canciones. En ellas estoy como en casa y a la vez siento que me está llevando a un sitio nuevo, desconocido y mágico en el que estoy deseando perderme».
Zara Larsson es una artista comprometida con hacer pop comercial de calidad. Después de publicar, en 2017, su debut internacional, ‘So Good‘, uno de los discos más reproducidos de la historia de Spotify, gracias al éxito de ‘Lush Life’, Larsson ha seguido entregando macrohits como ‘Words’ con Alesso y joyas del pop escritos con todo el gusto que esperas del pop sueco como ‘All the Time’, ‘Don’t Worry About Me’ o los contenidos en su tercer disco, el popero ‘Poster Girl‘, el que traía otro hit del tamaño de ‘Ruin My Life’. Más buen pop ofrece Larsson en su nuevo trabajo, ‘Venus’. Aupado por el éxito en Reino Unido de ‘On My Love’, ‘Venus’ reúne una colección de canciones tan variadas como el propio gusto musical de su autora. Zara nos atendió vía Zoom en los últimos días de enero para hablar de ‘Venus’ y de otros aspectos de su carrera.
¿También te parece que es 82 de enero?
Espera, ¿sigue siendo enero? Siento que este mes he hecho muchas cosas. En la industria musical el único momento en que te puedes relajar un poco es Año Nuevo. Después vuelves y yo por ejemplo he estado ultimando los últimos detalles de mi disco, y haciendo mucha prensa y promoción.
¿Qué hay de Venus en ti? ¿Por qué te representa en este disco?
He hablado mucho sobre amor y relaciones durante mi carrera, y Venus es la Diosa del amor. Representa la energía que quiero encarnar este año, el empoderamiento femenino, pero también la vulnerabilidad. Además, mis padres viven en Roma y los visito a menudo. Me inspira la historia de la ciudad. La figura de Venus une todas las historias del disco.
Dices que Venus une las canciones del disco conceptualmente, ¿y musicalmente?
No sé si hay algo que las una realmente. Rick Nowels y yo hemos tenido muchas conversaciones al respecto, pensando la dirección del disco, y yo he llegado a la conclusión de que no me quiero cerrar en un único estilo. Eso no soy yo y nunca lo he sido. Sigue siendo pop. Hay canciones rítmicas como ‘Ammunition’ y baladas como ‘The Healing’. Todas me representan como persona. De hecho, mi debut, ‘1’, acaba de salir internacionalmente en streaming. Se publicó originalmente hace 10 años, lo acabo de escuchar y muchas de las canciones las publicaría a día de hoy. Tienen una esencia que me representa.
¿Qué sería esa esencia? ¿La importancia de la melodía, quizá?
Sí, o simplemente aquello que me gusta. Me gustan muchas cosas. Mi gusto musical es amplio y variado. Cuando estás en el coche conmigo hasta flipas un poco. Tengo muchas playlists diferentes. Lo que me representa es mi propio gusto personal.
¿Consideras ‘Venus’ una evolución?
No es tanto una evolución porque considero que toda mi música es atemporal. Me refiero a que, cuando la escucho, aunque hayan pasado años, no me avergüenzo de ella. Me sigue gustando. Lo que ha cambiado es que ahora me involucro más que antes en la composición de las canciones o en la creación de los vídeos. Ahora me siento más artista que simplemente performer.
Tu disco anterior no tenía muchas baladas pero aquí cantas algunas incluso orquestadas.
Me encantan las baladas, me parecen preciosas. Te conmueven de una manera diferente a la de una canción de pop de gran producción. Una canción de pop puede ser muy buena, pero muchas veces la voz queda camuflada debajo de la producción. Aunque vocalmente tengas que ser ágil en ciertas producciones, la voz luce menos y la historia pasa a un segundo plano. Las baladas te permiten cantar de manera más íntima.
¿Qué diferencia ‘Venus’ de ‘Poster Girl?’
‘Venus’ es un disco más dinámico que ‘Poster Girl’, abarca emociones diferentes. Además, haciendo este disco me he sentido más libre que cuando trabajaba en el anterior. Cuando hacía ‘Poster Girl’ sentía muchísima presión por cumplir las expectativas de las ventas y los streamings de ‘So Good’. Me preguntaba, ¿cómo voy a superar eso? Con ‘Venus’ no he sentido esa presión.
Has trabajado con Danja (Timberlake, Nelly Furtado, medio ‘Blackout‘) en varios cortes del disco. Me sorprende ver su nombre en ‘Can’t Tame Her‘, no tanto en ‘Ammunition’. ¿Cómo es trabajo con él?
Las canciones las escribimos con Rick Nowels y después se las llevamos a Danja para que metiera percusiones. Danja está también en ‘More Than this Was’ y en ‘None of These Guys’. (Rick y yo) queríamos que les diera ese toque a Danja. Él es un maestro de las percusiones. ‘Ammunition’ originalmente era una balada, y él le dio una vuelta. En el estudio, cuando terminábamos las canciones, se las pasábamos a Danja para que las convirtiera en lo que son ahora.
Adquiriste tu catálogo en 2022. ¿Por qué es importante para un artista ser dueño de sus masters?
Ola Håkansson, fundador de TEN, mi antiguo sello, me lo ofreció. Ola va a cumplir 80 años, fundó TEN cuando ya se había retirado, es una leyenda en la industria musical sueca, y quería dar un paso atrás. Me ofreció la propuesta cuando estaba pasando todo aquello con Taylor Swift. Ola no quería que pasara lo mismo conmigo. Me lo ofreció y acepté sin pensármelo dos veces por dos razones. Primero, es una buena inversión para mí y mis futuros hijos. Es un plan de jubilación. Segundo, me gusta poseer el derecho de mis propias canciones. Cuando empecé en la industria yo no escribía, pero ‘Lush Life’ y otras canciones siguen siendo parte de mí y de mi carrera. Ahora puedo decir qué hacer con ellas y con todas mis canciones. Creé mi propia empresa, Summer House, para darles cobijo. Compré mi contrato así que sigo licenciada por Sony, no soy completamente independiente, pero tengo más poder de decisión en mi carrera.
Sobre ‘Soundtrack’, ¿alguna banda sonora que te haga llorar o te emocione?
Me encantan las bandas sonoras. La de ‘Gladiator’. Todo lo que ha hecho Hans Zimmer. ‘Shutting Down Grace’s Lab’, de ‘Avatar’. ‘La lista de Schindler’. La banda sonora de ‘Das Boot’ es una pasada. ‘Soundtrack’ -mi canción- no tiene tanto que ver con películas, sino con escuchar una canción tantas veces que la asocias a recuerdos concretos, sobre todo en una relación. Cuando la escuchas piensas automáticamente en esa persona.
Usher ha protagonizado la última actuación musical del intermedio de la Super Bowl, el espectáculo pop más visto del mundo cada año. Usher ha presentado grandes éxitos de su carrera como ‘Yeah’ o la mejor canción del R&B del siglo XXI acorde a Rolling Stone, ’Confessions Part II’. Además, Raymond ha patinado… sobre ruedas, y se ha quitado la camiseta, en el que ha sido uno de los Halftime Shows más largos en años.
Usher, que ya se subió al escenario del Halftime Show en el año 2011, invitado por Black Eyed Peas, ha devuelto el favor a will.I.am. sacándole en ‘OMG’. Y en absoluto Will ha sido el único artista invitado.
El show de Usher en Las Vegas ha sido un homenaje a sí mismo y a otros artistas. El recuerdo a Michael Jackson ha estado presente en outfit (ese guante blanco) y coreografía. El moonwalk ha sido prácticamente un invitado más. En otro punto, H.E.R. ha salido al escenario homenajeando al mismo tiempo a Prince en el solo de guitarra; y a TLC, pues su traje ha recordado al del videoclip de ‘No Scrubs’, y su peinado el que solía llevar Lisa Left Eye, la rapera del grupo.
Aunque el verdadero baño de masas lo ha protagonizado Alicia Keys, pues ha contado con su propia actuación durante el intermedio cantando ‘If I Ain’t Got You’ al piano… después de soltar un gallo en la primera nota. A continuación, Usher se ha sumado a Alicia para cantar ‘My Boo’ y él ha abrazado a Alicia por detrás. Ha sido el momento más tierno de la actuación.
La actuación de Usher ha sido generosa en baladas y medios tiempos (‘Bad Girl’), concentrándose especialmente en los primeros discos del artista, sobre todo el cuarto, ‘Confessions’, el más vendido, a punto de cumplir veinte años. El show se ha ido animando con apariciones de Ludacris y Lil Jon y con una versión de ‘Turned Down for What’ y ha acabado con los icónicos teclados raveros de ‘Yeah’.
Usher ha vuelto de esta manera a la industria musical pocos días después del lanzamiento de su nuevo disco, ‘Coming Home’, del cual no ha recuperado una sola canción.
Drake, Travis Scott, Nas y Metro Boomin eran la competencia y aun así Killer Mike hizo un barrido total en los Grammy. Puedes llamarlo contactos o lo que sea, pero lo que es seguro es que el rapero de Atlanta no estaba en la porra de nadie. Mejor Actuación de Rap y Mejor Canción de Rap para ‘SCIENTISTS & ENGINEERS’, y Mejor Disco de Rap para ‘MICHAEL’. Las nominaciones no eran nada del otro mundo (¿dónde quedó JID?), pero da la sensación de que los Grammy se decantaron por el “rap consciente” sin tener en cuenta si realmente se trataba del mejor trabajo. De hecho, muy consciente tampoco es.
Protegido de Outkast (con los que ganó su primer Grammy en 2003), actor, activista y rapero desde siempre. ‘MICHAEL’ se trata del primer disco en solitario de Killer Mike en 11 años, pero ha estado muy presente gracias a los cuatro maravillosos discos de Run The Jewels, junto al productor El-P. En este disco, Mike rinde homenaje a su Atlanta natal con beats inspirados en el góspel, el soul y el funk, como es típico en el rap sureño de grupos como UGK o Goodie Mob.
Precisamente, es Cee Lo Green el que abre el disco con su vozarrón por delante. ‘DOWN BY LAW’ es uno de los momentos más altos y definitorios del LP, con una base de órgano entre el soul y el blues adornada con una percusión que es puro trap atlantés. Killer Mike se come el tema por completo. Resume todos los temas del disco, desde las consecuencias del abuso de sustancias, su pasado criminal y su familia, hasta el racismo, el «black power» y su fe.
Aunque ‘MICHAEL’ pretenda ser una historia de superación y “sumisión a Dios”, en palabras de su autor, también acaba siendo una ventana a un Killer Mike que, a sus 48 años, se la suda todo un poco. Si en un verso habla sobre la esclavitud de la gente negra y sobre luchar contra la opresión de los poderosos, en el siguiente es capaz de decir esto: “A la mierda el rap y el trap, soy casero: paga el alquiler, puta”. Mucho movimiento abolicionista, pero por la vivienda digna nada. Debe de estar orgulloso, porque repite la idea en varias canciones. La música no llega a compensar estos momentos. No hay canciones malas, pero sí mediocres. ‘TALK’N THAT SHIT’, ‘TWO DAYS’, ‘SPACESHIP VIEWS’ o ‘EXIT 9’ son como agujeros en el tracklist. En el resto de temas, Mike sigue siendo tan activista como siempre: «Misma fecha de nacimiento que Hitler, pero que le jodan, soy un negro».
Por otro lado, lo de que Killer Mike rapea maravillosamente no es nada nuevo, y eso sigue presente en ‘MICHAEL’. Este está lleno de poder y pasión en canciones como ‘DON’T LET THE DEVIL’, una deliciosa reunión de Run The Jewels y probablemente la canción más eléctrica del disco, o ‘SLUMMER’, un precioso tema narrativo sobre el amor en los suburbios. A la vez, el de Atlanta es muy capaz de emocionar. ‘MOTHERLESS’ es una canción devastadora sobre los sacrificios de una madre que casi recuerda al ‘Plastic Ono Band’ en la dureza de las letras. “Mi madre está muerta, mi abuela está muerta, siendo sincero estoy deprimido y tengo miedo”, entona el rapero en los primeros momentos. La versión de Robert Glasper es la definitiva, con un Killer Mike que se derrumba durante la grabación y que no se puede escuchar en el disco final.
‘SCIENTISTS AND ENGINEERS’ es la mejor canción del disco. Con esta los Grammy no se equivocaron. ¿Cómo podemos creer a André 3000 cuando jura que no tiene nada sobre lo que rapear soltando un verso como este? El beat también es único en el proyecto, siendo una mezcla perfecta entre un coro de góspel y sonidos electrónicos de los que te acarician el cerebro. De lo mejor que ha dado el rap este año. Qué pena que no tenga nada que ver con el resto del álbum.
Desde sus primeros trabajos con su expareja Fiona Apple a finales de los 90 (‘Across the Universe’, ‘Fast as You Can’, ‘Paper Bag’), Paul Thomas Anderson siempre ha encontrado un hueco para dirigir los videoclips de sus amigos y colaboradores: Thom Yorke, Jonny Greenwood, las hermanas Haim.
Antes de enfrascarse en el rodaje de su siguiente y misteriosa película (hay mucho secretismo a su alrededor, apenas se sabe algo más allá de su reparto: Leonardo DiCaprio, Regina Hall, Sean Penn, Alana Haim), PTA rodó este clip para The Smile, cuyo ‘Wall of Eyes’ acaba de ser publicado.
El videoclip comienza con una larga secuencia introductora, fotografiada en blanco y negro, de composición geométrica y lentos movimientos de cámara, que contrasta con el montaje acelerado del resto del filme. Anderson echa mano de uno de los símbolos más reconocibles de la iconografía surrealista: el ojo. De hecho, hay un plano, el de los ojos asomando por diversos orificios, que podría haber filmado Buñuel o Dalí (la escena recuerda a los famosos decorados del pintor catalán en ‘Recuerda’, de Hitchcock).
Esa calma inicial, interior, se ve interrumpida por el ajetreo exterior. Un viento huracanado empuja a Thom Yorke hacia afuera, a las abarrotadas calles de Londres. A partir de ese momento, en ‘Wall Of Eyes’ conviven dos realidades con distintos ritmos: la del protagonista y la del mundo que le rodea. Para su traducción visual, el director combina dos velocidades de filmación y la inclusión de destellos de color como fogonazos de ruido. En esta ocasión el referente podría ser la famosa secuencia de ‘Wonderland’ (1999) de Michael Winterbottom, con la inolvidable música de Michael Nyman.
El clip termina con una secuencia tan brillante como inquietante: un trávelin por una barra de pub que muestra distintas versiones de Yorke en actitudes diferentes. Una imagen final que se podría leer como la plasmación visual de una ruptura mental, una desconexión esquizofrénica con la realidad.
Desde su lanzamiento el mes pasado como parte del nuevo disco de Savage 21, ‘american dream‘, ‘redrum’ es uno de los mayores éxitos en todo el mundo. Puedes encontrarla en el top 10 del Global de Spotify, donde en su mejor momento ha sido incluso número 6. Es nuestra Canción del Día.
El tema, que toma su nombre de la famosa escena de ‘El Resplandor’, es «MURDER» al revés, por lo que aquí encontramos a Savage 21 entre beats «asesinos», suavizados eso sí por la voz de la vocalista brasileña Elza Laranjeira. Como ‘MONACO’ de Bad Bunny recientemente, ‘redrum’ se inspira en una grabación de los años 60. En este caso ‘Serenata do Adeus’, que apareció en el álbum de 1962, ‘A Música De Jobim E Vinicius’. Estamos hablando de dos de los grandes de la música brasileña, y el tema que nos ocupa lo firmó Vinicius de Moraes.
En ‘redrum’ funciona el contraste entre la dulzura de Elja diciendo que «lo único que queda es todo amor» (y el agudo de su voz), con la crudeza del ritmo trap de 21 Savage y su rap.
Disparos aparecen marcando el ritmo de la canción porque «todo lo que conocemos es «redrum»», mientras el tema redunda en los lugares comunes del género. Muerte, cocaína, éxito y «pussy», con un estribillo ostentoso: “lo quiero todo, no dejaré ni una miga de pan”.
El vídeo del tema ha sido grabado en Londres y Brixton, lo que le ha beneficiado para su carácter internacional. El tema del artista medio británico medio estadounidense ha sido número 5 en el Billboard Hot 100 y número 11 en Reino Unido. Aunque por supuesto por España no ha asomado la cabecita, sí lo ha hecho por Alemania (top 51), Italia (top 66) y Francia (top 88).
Este fin de semana se ha conocido la noticia de la muerte de Damo Suzuki, que ejerciera de vocalista de los influyentes Can a principios de los años 70. El japonés Kenji Suzuki -este era su verdadero nombre- fue cantante de Can solo desde 1970 -cuando sustituyó a Malcolm Mooney tras conocer a la banda a las puertas de un café- y hasta 1973, pero se da la circunstancia de que en esos años editaron sus discos más influyentes.
Entre ellos estaba ‘Ege Bamyasi’ (1972), lo que significa que Damo Suzuki era quien entonaba ‘Vitamin C’, la canción más popular de toda la carrera de Can, la vívida ‘I’m So Green’ y también por ejemplo ‘Spoon’. El sello de Can, precisamente llamado Spoon Records, ha comunicado que «echarán de menos el alma amable de Damo y su atrevida sonrisa».
Otros discos de Can en que Damo Suzuki participó fueron el segundo álbum de la formación alemana ‘Soundtracks’ (1970), el también seminal ‘Tago Mago’ (1971) y ‘Future Days’ (1973). Can continuaron sin él con más y menos suerte, y él operó como Damo Suzuki’s Network, con los que realizaba giras de improvisaciones.
También fue noticia por sus opiniones políticas. Se mostró muy crítico con Estados Unidos y la Unión Europea, y favorable al Brexit. Primero fue testigo de Jehová, luego renunció.
No se ha revelado la causa de la muerte de Damo Suzuki, aunque Pitchfork recuerda que en 2014 fue diagnosticado con cáncer de colon.
12 Goyas, incluidos muchos de los principales, se ha llevado este sábado en Valladolid ‘La sociedad de la nieve‘. A la película de Juan Antonio Bayona, que generó cierta polémica en las salas por su temprana subida a Netflix, que había ejercido de co-productora y distribuidora, se le han escapado los premios de Mejor Guión y el de los actores principales. Pero se ha llevado todos los técnicos y también los de Mejor Dirección y Película. Este último se le había resistido siempre al principal responsable de ‘Lo imposible’ y ‘El orfanato’.
No hubo una sorpresa en forma de homenaje a Víctor Erice ni tampoco una enorme por parte de ‘20.000 especies de abejas’, que sí había triunfado en los Feroz, siempre más alternativos, aunque la película que habla de infancias trans arañó 3 premios, que su directora y guionista Estibaliz Urresola aprovechó para subrayar que lo que está sucediendo en Gaza es un «genocidio». No fue la única reivindicación de la noche. La misma Rigoberta Bandini había apelado a «maricas y bolleras» al recoger el premio a Mejor Canción.
En una ceremonia marcada por la asistencia del presidente y la vicepresidenta del gobierno, así como por la de los ministros de Cultura, Transportes e Igualdad y el presidente de Castilla y León, fueron habituales -aunque no constantes- las reivindicaciones sobre el #MeToo. Almodóvar repartió contra VOX al entregar el Goya a la Mejor Película y recordó que los cineastas -a quienes el partido de ultraderecha llamó «señoritos»- devuelven las subvenciones pagando impuestos y generando miles de empleos.
Pero la mejor de las reivindicaciones fue la que hicieron a través de la música Niña Pastori, India Martínez y María José Llergo. Interpretaron una estupenda versión de ‘Se acabó’, que no se vino abajo a la mitad, como ese ‘Mi gran noche’ que tan bien empezó con Amaia sola al piano y tan predecible terminó en boca de David Bisbal. Los Goya habían decidido empezar así, y fue un aviso de lo que veríamos después.
La ceremonia decidió no arriesgar ni en lo editorial ni en el desarrollo de la gala en sí, con contadísimas apariciones de los presentadores -Los Javis y Ana Belén-, quienes lucían mucho más encorsetados que en otros formatos televisivos. Apenas fue entrañable el momento en que Calvo, Ambrossi y María del Pilar Cuesta Acosta recordaron que no tienen galardón alguno y rebuscaron entre el público a otros famosos damnificados.
El highlight de la noche fue la foto realizada junto a Almodóvar y el elenco de ‘Todo sobre mi madre’ recreando una de sus escenas. Por el contrario, que leyéramos los subtítulos del discurso de Sigourney Weaver antes de que esta pronunciase siquiera las palabras le quitó toda la emoción a este Goya de Honor. Desde el punto de vista de la realización, fue atroz.
Los Goya no quisieron quitarse el esmoquin para ponerse el corsé. Tras 3 horas y media de gags, montajes, homenajes a Concha Velasco, actuaciones de Estopa o un In Memoriam de 7 minutos y medio a cargo de Salvador Sobral y Sílvia Pérez Cruz, casi que lo mejor de la madrugada fue ese anuncio de RTVE emitido en un descanso que se reapropiaba de una frase de ‘Zorra’, flamante ganadora de Benidorm Fest. «La 1 está en un buen momento», fue la gran ocurrencia de la noche, al tiempo que la gran duda.
Palmarés de los Goya 2024:
Mejor Actor de Reparto: José Coronado, por Cerrar los ojos
Mejor Canción Original: Yo solo quiero amor, de Rigoberta Bandini (Te estoy amando locamente)
Mejor Vestuario: La sociedad de la nieve
Mejores Efectos Especiales: La sociedad de la nieve
Mejor Maquillaje y Peluquería: La sociedad de la nieve
Mejor Actor Revelación: Matías Recalt, La sociedad de la nieve
Mejor Montaje: La sociedad de la nieve
Mejor Dirección de Fotografía: La sociedad de la nieve
Mejor Sonido: La sociedad de la nieve
Mejor Dirección Artística: La sociedad de la nieve
Mejor Dirección de Producción: La sociedad de la nieve
Mejor Música: La sociedad de la nieve
Mejor Película de Animación: Robot Dreams
Mejor Película Documental: Mientras seas tú, aquí y ahora
Mejor Corto de Ficción: Aunque es de noche
Mejor Corto Documental: Ava
Mejor Corto de Animación: To bird or not to bird
Mejor Dirección Novel: Estibaliz Urresola Solaguren, por 20.000 especies de abejas
Mejor Actriz Revelación: Janet Novás, por O corno
Mejor Película Iberoamericana: La memoria infinita (Chile)
Mejor Película Europea: Anatomía de una caída (Francia)
Mejor Actriz de Reparto: Ane Gabarain, por 20.000 especies de abejas
Mejor Guion Adaptado: Pablo Berger, por Robot Dreams
Mejor Guion Original: Estibaliz Urresola, por 20.000 especies de abejas
Mejor Actor: David Verdaguer, por Saben Aquell
Mejor Actriz: Malena Alterio, por Que nadie duerma
Mejor Director: J.A. Bayona, por La sociedad de la nieve
Mejor Película: La sociedad de la nieve
‘Operación Triunfo’ ha vuelto a vivir una resurrección este año con su traslado a Prime Video, como sabréis quienes seguís a Chenoa, Buika y Masi cada lunes, y a Juan Sanguino cada martes. El programa ha elegido ya a sus tres primeros finalistas, y uno de ellos, Paul Thin (Pablo Suárez Delgado, de ahí el nombre artístico) es el protagonista de este artículo. Paul es un granadino de 20 años que ya había ganado el programa de Canal Sur ‘Tierra de Talento’ (impagable eso de cantar ‘Yo soy aquel’ con 17 añitos delante de Raphael), y que puso en pausa la carrera de Comunicación Audiovisual para entrar en la Academia, compartiendo así dos experiencias con Rosa López (es de Armilla) y con Lola Índigo (estudió en el mismo instituto).
Nombra como referentes a Rosalía (se declara fan de ‘CUUUuuuuuuute’), Bo Burnham y Childish Gambino. Y, aunque se ha quedado sin cantar ‘See You Again’ de Tyler, the Creator y Kali Uchis como él quería, ha tenido otras grandes actuaciones en el concurso. Algunos ejemplos pueden ser su defensa en la Gala 0 de ‘Way Down We Go’, la de ‘when the party’s over’ o la de ‘Amapolas‘, ésta junto a su amigo Álvaro Mayo, con quien ha protagonizado el shippeo inventado “polvorón”, intenso-pero-sanísimo y que deja en juego de niños aquello de las warmi (por suerte para Warmi).
‘Amapolas’ fue, quizás, el número entre dos chicos más tierno de toda la historia de ‘OT’ (Paul y Álvaro son abiertamente bi y gay), y Paul ha dado grandes momentos como concursante, pero no le dedicamos un artículo a cada uno por muy buen concursante que sea. ¿Por qué a él sí? Porque no es lo mismo ser un estupendo concursante de ‘OT’ que ser un estupendo artista, y en ese sentido él tiene algo que no se veía, al menos no de tan forma tan clara, desde Amaia (imho, lo más interesante de Natalia Lacunza vino una vez fuera).
Su actitud en el escenario y sus movimientos tienen algo que a algunos nos parece magnético y a otros les repele; de hecho, su energía interpretando ‘La vida moderna’ de Veintiuno & Santi Balmes le costó la nominación (precisamente Balmes despierta sentimientos parecidos en directo). “Paul bordea la grima sin miedo, la atraviesa y sale por el otro lado convertido en una superestrella”, decía mi compañero Juan en su última crónica, y quizás por ahí vayan los tiros. Para muestra, su defensa del tema de Bizarrap & Ptazeta junto a Ruslana (las actuaciones completas desde la Gala 7 en adelante están disponibles solo en Prime Video, pero esto es un ejemplo). Lo que está claro es que no solemos ver en la escena pop española muchos artistas masculinos que tengan esa expresividad sobre el escenario, y también que se esfuercen en bailar como acostumbran a hacer las artistas femeninas.
Porque ésa es otra: Paul ha enamorado al público con sus momentos al piano en la Academia, pero la comparación con Amaia no viene tanto de eso, sino de cómo hace suya la canción, de interpretar alejándose de la idea de ‘OT’ como “karaoke” e implicándose en aspectos como la escenografía, la coreo, o incluso la producción. Eso hizo con la sesión de Bizarrap & Milo J, dando como resultado algo nunca visto en ‘OT’ en sus casi 25 años (“rap lorquiano”, lo definió Abril Zamora), recibiendo felicitaciones de los propios Bizarrap y Milo, y atrayendo además al programa a un target que, salvo el fenómeno de 2001, siempre ha estado alejado, el del chico joven hetero.
Se proclamó finalista llevando a su terreno ‘Paenamorar’ de Paula Cendejas, y esta semana puede petarlo o cagarla atreviéndose con ‘Fiebre’ de Bad Gyal. Arriesgado, como arriesgado es que haya escogido para la gala final ‘BABY HELLO’. Pero, aunque soy el primero que tiene sus dudas al ver otra vez el nombre de Bizarrap (con Rauw, además), es cierto que nunca hemos visto este estilo en una final de ‘OT’. Y sobre todo que, teniendo en cuenta todo lo que ha hecho Paul, tendremos dudas, pero desde luego el beneficio de la duda se lo podemos dar.
En cualquier caso, él no va a ganar (se lo va a llevar Naiara, y muy de acuerdo con eso), pero sería curioso que terminase segundo. Por un lado, porque en su presentación dijo que “Manuel Carrasco parece que vive bien”. Por otro, porque el #2 parece ser el amuleto en cuanto a tener una carrera de éxito. Paul ya tenía varias canciones fuera antes de entrar a ‘OT’ (‘Lola’ y ‘La Brisa’ llevan semanas rondando por el Top Viral de Spotify), y ahora estamos expectantes a lo que añada porque, cada vez que le ves actuar en el programa, lo que quieres es que salga cuanto antes para poder ir a un concierto suyo. Lo cual es, creo, muy buena señal.
El Goya a Mejor Canción, el segundo que se ha concedido en la edición 2024 (el primero ha sido para José Coronado como Mejor Actor de Reparto), ha ido a parar a manos de Rigoberta Bandini. El resto de aspirantes eran Xoel Lopez, Vetusta Morla y Valeria Castro, Marina Herlop y Fernando Moresi Haberman y Sergio Bertran.
El tema de Rigoberta Bandini recibe el nombre de ‘Yo solo quiero amor’ y se corresponde con la banda sonora de ‘Te estoy amando locamente‘, película inspirada en la lucha LGTB+ de Sevilla en los años 70 y que fue un pequeño «sleeper» en la cartelera del verano pasado.
Rigoberta Bandini ha recogido el Goya visiblemente emocionada. Aunque ha recordado que ella escribió la canción, ha querido agradecer a sus productores, Stefano Macarrone y Esteban Navarro, por ayudar a construir la «catarsis de la película». Especialmente le ha agradecido a su pareja, Esteban, por «darle luz cada día, ser el mejor padre del mundo y dar tanto amor a su proyecto de familia».
Sus últimas palabras sobre el escenario han sido para «todas las amigas y familiares del colectivo». A todos a los que llamaron «bolleras y maricones en el patio del cole», por «esconder su manera de ser». «Es para vosotras. Nunca más vulnerar vuestros derechos».
Rigoberta Bandini, #Goya2024 a Mejor Canción Original:
"Se lo dedico a todas mis amigas, amigos y familiares que forman parte del colectivo. A todas las han llamado bolleras o maricones en el cole y han tenido que esconder su manera de ser "https://t.co/UKn9hSlRJApic.twitter.com/LD0WQeRolI
Tiburona lleva sus influencias escritas en la frente. ‘Nos extinguimos’ llega a su ecuador con una versión de ‘Brebaje de amor’, la versión rockabilly de Angélica María (1966), original de los Clovers (1959). En el centro, ‘Brebaje de amor’ -un temazo en cualquier versión- ilumina el sonido de las canciones que han venido antes, y las que vienen después.
En su segundo disco, Tiburona, el trío de Madrid formado por Laura del Amo, Rita Dolores y Supercarmen Merino, sigue fiel a su estilo influido por el garage rock de los 60, las melodías ye-yé y las armonías a lo sunshine pop, dando mayor empaque a lo ofrecido en su debut de 2021, ‘Sola y feliz’.
Lo que no significa que no suenen cuidadas. La producción de ‘Nos extinguimos’, firmada por Laura, Rita y Carmen, es espectacular. Si las guitarras sonaran más crespas y crujientes, se harían polvo. Todo -armonías vocales, distorsiones, teclados- suena perfectamente engrasado. Esa perfección tan estudiada se extiende a unas melodías que pisan demasiado sobre seguro. Funcionan, claro, porque se comprometen con el pasado.
Esto suma un elemento de familiaridad excesiva a las canciones de Tiburona. Pero ellas las defienden con tanta vehemencia, que te las terminan vendiendo. Es la pasión con que cantan ‘Pensando en ti’, en la que suplican “un mísero beso” a ese chico que no entiende las señales. O la manera tan divertida en que desean la muerte a alguien en ‘Que mueras bien’. Muérete. No sufras, pero muérete, le dicen a la pobre persona que se ha cruzado en su camino.
Pero el compromiso de Tiburona por reproducir tal cual la vibra de otra época es el mismo que asume por escribir canciones inmediatas que se peguen a la primera. ‘Horizonte de sucesos’, la que describe la extinción humana, se diferencia incluyendo guitarras flamencas y castañuelas. El ritmo turbo de ‘Gobierno cero’ tiene todo el nervio que requiere una canción que habla del “estado del miedo”. Y ‘Relación abierta’ es más divertida que ‘La vida moderna’ hablando de lo mismo con menos prejuicios. No era difícil.
Kanye West y Ty Dolla $ign han publicado finalmente su esperado disco conjunto bajo el nombre de ‘Vultures 1’. El álbum, de 16 y 56 minutos de duración, está finalmente en plataformas de streaming.
Este es el tracklist del disco, en las últimas horas polémico porque Ozzy Osbourne ha denunciado el uso de un sample ilegal. En concreto, Osbourne dice que negó un sample de ‘War Pigs’ de Black Sabbath y que este se ha usado de todas formas en uno de los temas. Osbourne ha dicho que «no quiere ninguna asociación con este hombre», Kanye West, debido a sus declaraciones «antisemitas».
1.-Stars
2.-Keys to My Life
3.-Paid
4.-Talking
5.-Back to Me
6.-Hoodrat
7.-Do It
8.-Paperwork
9.-Burn
10.-Fuk Sumn
11.-Vultures
12.-Carnival
13.-Beg Forgiveness
14.-Good (Don’t Die)
15.-Problematic
16.-King
Aitana ha dejado momentáneamente su inspiración en los años 90 exhibida en ‘alpha’ para recuperar un viejo éxito. Y lo ha hecho a lo grande. Nada menos que en el Festival de San Remo, el que verdaderamente importa a los italianos por encima del Festival de Eurovisión.
Allí se ha pasado junto a Sangiovanni para interpretar una versión de ‘mariposas’ mitad en italiano, mitad en español. La canción acumula 6 discos de platino en España y supera los 100 millones de reproducciones ya solo en Spotify.
Aitana hace una gran actuación vocal que no está esclavizada por el Autotune. Sangiovanni no puede decir lo mismo, pero sí dice lo siguiente: “He elegido llevar la versión española de «Farfalle» porque quería reconocer a Aitana todo lo que ha hecho por mí permitiéndome llevar mi música a otro país. Creo que no hay mejor manera de devolverle ese favor que en el escenario de San Remo”.
The Decemberists, autores de álbumes como ‘The King Is Dead’, y que habían pasado hasta 6 años sin publicar música, están de vuelta con su nuevo single. Y no lo hacen solos, pues están acompañados de James Mercer en su nuevo single, ‘Burial Ground’.
El tema une la tradición americana y el pop para dar lugar a un sonido sencillo y hasta divertido en el estribillo. La letra nos habla de un cementerio, de un «camposanto», pero el encuentro que propone en dicho lugar es bonito y hermoso. Los coros en la estela de los R.E.M. más pop, The La’s o incluso Beach Boys, apuntan a una bellísima zona de confort. «Todo en este mundo está mal, así que vayamos al lugar al que pertenecemos, llévate tu equipo de música, y quedemos en el cementerio».
«‘Burial Ground’ sigue la tradición de las canciones pop, un canto a pasar el rato en los cementerios», ha comentado el vocalista principal Colin Meloy. «El gancho de la melodía se me ocurrió en un sueño y lo tarareé en mi teléfono al despertar. La mayoría de las canciones que se me ocurren en sueños acaban siendo malas; esta fue la excepción».
James Mercer es invitado en la canción para hacer los coros y acompañar así a The Decemberists en el que supone su regreso musical. Este tema es, además, el single principal del álbum que supone la continuación de su EP ‘Traveling On’ de 2018.
Montserrat Boix, delegada de Igualdad, Inclusión y Diversidad de RTVE, ha anunciado en X su dimisión. La razón es la victoria de ‘Zorra’ en el Benidorm Fest.
En esta red social ha explicado: «He dimitido porque no puedo asumir esta posición. Mi primer trabajo como delegada fue cambiar las bases del Benidorm Fest por mandato de José Manuel Pérez Tornero tras la polémica de ‘SloMo’. Pido perdón a las víctimas de violencia de género. Zorra no es empoderamiento para las mujeres ni feminismo». Con la polémica de ‘SloMo’, se refiere al momento en que se dijo que el tema de Chanel fomentaba la prostitución.
Según informa El País, fuentes de RTVE han indicado que Montserrat Boix ya había confirmado su salida del ente público con anterioridad a la elección del representante español para Eurovisión 2024. Además, recuerdan que esta no es la postura oficial de RTVE y consideran que esta es “una forma de crear una polémica artificial por parte de alguien que se ha mostrado contraria a la ley trans del Gobierno de Pedro Sánchez». El vídeo de ‘Zorra’ está dedicado a la activista Manuela Trasobares.
He dimitido porque no puedo asumir esta posición Mi primer trabajo como delegada fue cambiar las bases del BenidormFest por mandato de @1JMPTornero tras polémica de SloMo. Pido perdón a las víctimas de #violenciadegénero. Zorra ni es empoderamiento para las mujeres, ni feminismo
Nebulossa sostienen obviamente el número 1 en JENESAISPOP en la semana en que se han hecho famosos tras ganar el Benidorm Fest. ‘Zorra’ se acerca al disco de oro ya, y el lunes conoceremos su posición oficial en la lista española, pero antes de eso fue top 1 en nuestra web durante 4 semanas no consecutivas. Esta es la 5ª y lo logra con el 63% de los votos en X.
Pet Shop Boys son la entrada más fuerte y quedan en el puesto 2 con ‘Loneliness’. También Varry Brava y The Smile entran en el top 10, del que queda a las puertas Bad Gyal. Amor Butano y Fabiana Paladino llegan al top 15, mientras en la parte baja de la tabla encontramos a Jane Penny y Jazzy.
The Last Dinner Party son sin duda uno de los grupos revelación en Reino Unido. La banda formada por Abigail Morris, Emily Roberts, Georgina Davies, Lizzie Mayland y Aurora Nishevci ganaba el BBC Sound Of 2024 hace unas semanas y ahora son el nuevo número 1 de álbumes en su país. Además, lo son con números espectaculares.
‘Prelude to Ecstasy‘ ha vendido casi 33.000 copias en su primera semana, en concreto 32.846. Además, le ha ido bien en todos los formatos. Ha vendido más de 14.000 vinilos, casi 11.000 CD’s, 2.000 cintas y 1.000 descargas. El streaming no les ha fallado y suman casi 5.000 puntos de Spotify, Apple Music, Amazon y similares, lo que les garantiza cierta longevidad. De hecho, el single ‘Nothing Matters’ escala al top 19 de la tabla de sencillos logrando un nuevo máximo.
Este es el mejor debut de un artista en Reino Unido desde 2019, en concreto desde la salida de ‘Hypersonic Missiles’ de Sam Fender. Además, ningún artista debutante había vendido tantísimos vinilos en todo el siglo XXI durante su primera semana. Wet Leg habían rozado las 13.000 unidades. Por otro lado, la OCC informa de que las últimas 11 semanas, 11 hombres diferentes o grupos de hombres habían sido número 1 de álbumes en Reino Unido, de James Arthur a Green Day. The Last Dinner Party terminan con esa tendencia.
El disco ha sido número 2 en Irlanda, y aunque su influencia internacional parece limitada (top 35 en Australia), sí ha obtenido buenos datos en Holanda (top 4) y Alemania (top 15). El lunes sabremos si logran ser top 100 en España.
Hace quince años que Roberto Carlos Lange lanzó su primer disco bajo el nombre de Helado Negro. Desde entonces, el proyecto musical del artista estadounidense de ascendencia ecuatoriana ha ido paulatinamente haciéndose un hueco importante en el panorama independiente norteamericano, especialmente gracias a éxitos críticos como ‘This Is How You Smile’ y ‘Far In’. Con ‘Phasor’, Lange demuestra no haber perdido ni un ápice de su capacidad para crear canciones sugerentes y discretas que fluctúan entre realidad y sueño.
El título del álbum referencia a la representación gráfica de una oscilación, pero el significado que adquiere aquí es mucho más poético, refiriéndose a las relaciones humanas y a cómo nos comportamos frente a las personas y al entorno que nos rodea. Este sentimiento de continuo anhelo por encontrar aquello que nos hace felices, de estar con la persona a la que amamos o de conectar con el mundo y con nosotros mismos, recorre cada una de las diez pistas que componen ‘Phasor’, una obra más concisa y breve que la odisea neo-psicodélica que planteaba Lange en ‘Far In’.
Aquí, las composiciones se acercan más al ambient pop y la indietrónica de ‘This Is How You Smile’. Pero Helado Negro nunca permite que ‘Phasor’ se convierta en una repetición de las ideas que ya poblaban su música, sino que expande su universo con una paleta sonora en la que la presencia de los sintetizadores se vuelve más agresiva, inclinándose en ocasiones a animados sonidos electrónicos. Es el caso de ‘Wish You Could Be Here’, uno de los puntos más álgidos del álbum, que es lo más cerca que su música ha estado de los clubs.
También en la primera pista, Lange deja claro que no solo va a ofrecer lo que inmediatamente se espera de él. Cantada en español, ‘LFO (Lupe Finds Oliveros)’ es una canción que juega con la idea de que la saturación de información puede traducirse en desinformación, y sobre la soledad que crea la sobreestimulación que generan los teléfonos móviles. En ella, el artista coquetea con el power pop y el rock psicodélico, logrando un arranque refrescante y sorprendente. Más habituales en su universo, pero no por ello menos meritorias son la indietrónica delicada y pegadiza de ‘Best Of You And Me’ o la seductora ‘Out There’, marcada por ritmos latinos.
También supone uno de los momentos más memorables la romántica ‘I Just Wanna Wake Up With You’, construida sobre una línea de guitarra y cuyo estribillo no necesita más que la repetición de la frase titular y una simple melodía de sintetizadores para conseguir un punto psicodélico que le sienta fenomenal.
‘Phasor’ es una colección de canciones que funcionan tanto como universos propios como parte de un todo. Pese a los distintos géneros que suenan a lo largo de él, la producción de Helado Negro es siempre meticulosa y sutil, logrando una omnipresente sensación de unidad, gracias también a una secuencia muy bien elaborada que permite que todo fluya de manera orgánica. Es una experiencia a menudo hipnótica, que transporta al oyente a un mundo calmado, onírico y acogedor.
Band of Horses se suma a la primera línea del cartel de Azkena Rock Festival, que se se celebrará los días 20, 21 y 22 de junio en Mendizabala, Vitoria-Gasteiz. Se suman a la programación, también, Mavis Staples, L7 recuperando su mítico disco ‘Bricks Are Heavy’, Redd Kross, Warren Haynes Band, Demolition 23, que actuarán por primera vez en España; The Real McKenzies, Bonafide, La Perra Blanco, Whispering Sons y los gasteiztarras Entropía.
Los bonos ya están a la venta y las entradas de día estarán disponibles a partir del 14 de febrero a las 10 horas en la web de Azkena Rock Festival, momento en el que, además, cambiará el precio del bono actual.
Por otro lado, Azkena Rock Festival revela cartel por días. El jueves 20 inaugurarán el festival Jane’s Addiction, Ty Segall o Tarque & La Asociación del Riff. El viernes 21 será turno de Queens of the Stone Age, L7, Arde Bogotá o Glen Hansard. Finalmente, el sábado 22 será la hora de Band of Horses, Sheryl Crow o Mavis Staples.
Así queda la programación por días y el desglose de precios:
Jueves 20
JANE’S ADDICTION / TY SEGALL / TARQUE & LA ASOCIACIÓN DEL RIFF / BONAFIDE / WHISPERING SONS / BRIGADE LOCO / TXOPET…
Viernes 21
QUEENS OF THE STONE AGE / L7 plays “Bricks Are Heavy” / ARDE BOGOTÁ / GLEN HANSARD / DEMOLITION 23. / REDD KROSS / THE RAIN PARADE / THE REAL MCKENZIES / LA PERRA BLANCO / THE BLACK HALOS / DEA MATRONA / EZPALAK…
Sábado 22
BAND OF HORSES / SHERYL CROW / MAVIS STAPLES / WARREN HAYNES BAND / ST. PAUL & THE BROKEN BONES / ALL THEM WITCHES / PSYCHEDELIC PORN CRUMPETS / THE DETROIT COBRAS / LENDAKARIS MUERTOS / THE PLEASURE FUCKERS / PIL.T. / MOONSHINE WAGON / ENTROPÍA…
Bonos:
Bono: 160€*
*Cambio de precio bono general el 14 de febrero de 160€ a 175€.
Bono Gaztea (precio reducido para jóvenes): 100€
Entradas de día:
A la venta desde el 14 de febrero a las 10:00h.
Jueves: 50€
Viernes: 75€
Sábado: 75€
Entre los grandes regresos que deja la jornada de lanzamientos de hoy se encuentra el de girl in red. ‘I’m Doing it Again Baby!’ sale el 12 de abril, y el primer adelanto se puede escuchar desde esta noche.
En ‘Too Much’, Marie Ulven vuelve a demostrar por qué Taylor Swift se enganchó a su primer disco. El pop de los ochenta es una influencia en el sonido de ‘Too Much’, si bien pasado por el filtro del pop alternativo actual de Troye Sivan o Lorde. Todo al servicio de uno de los estribillos más inmediatos que ha escrito, en la clara Canción Del Día de hoy.
‘Too Much’ es el mensaje de girl in red a una pareja que le mina la moral. Ulven expresa su amor y solo recibe desprecios. Al final, pasa por el aro y se reprime emocionalmente para contentar a su pareja. «Me bajas el volumen, me quedo casi en silencio», canta.
El videoclip de ‘Too Much’ representa el mensaje de la letra de varias maneras. En una metafórica escena, Ulven protege a su pareja de la lluvia, y la chica no solo no comparte el paraguas, sino que se dedica a mirar el móvil, ajena al sufrimiento de la otra.
Pero girl in red finalmente se planta y, en el estribillo de ‘Too Much’, pone los puntos sobre las íes: «No digas que soy demasiado, que me paso de la raya, tú no me entiendes». Cuando Ulven canta «somos tan diferentes, tú estás en la Tierra y yo en Marte», parece tanto asumir una derrota, como comprender que se le abre un nuevo camino por delante.
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