Beck saca las pistolas (y a sus hijos) en el vídeo de ‘Wow’

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13 septiembre, 2016

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¿Recordáis el verano en que Love of Lesbian lo terminaron de petar? Pues este ha sido el verano en que León Benavente lo terminaron de petar. El grupo entraba al puesto 5 de la lista de ventas con su segundo disco tras la buena aceptación del primero y el éxito de su gira, ha estado presente en un número inenarrable de festivales, y ha sido capaz de mantenerse en el top 100 oficial español durante todo el verano, donde llevan 20 semanas. 5 meses.

Ha sido pasar su actuación en Dcode, celebrada a las dos de la tarde con su carpa llena, y anunciarse su concierto en Madrid. Tendrá lugar el sábado 17 de diciembre en OchoyMedio, es decir, justo antes de Navidad, y las entradas en oferta a 14 euros han durado un par de horas. Quedan a 16 euros disponibles online, pero nadie sabe por cuánto tiempo.

Casi al mismo tiempo se han puesto a la venta tickets para ver a Sidonie el viernes 16 de diciembre, en el mismo recinto de la capital. En su caso, presentan su nuevo disco, ‘El peor grupo del mundo’, a la venta el 30 de septiembre.

Sin ánimo de crear una guerra Blur vs Oasis con la que ser torturados por los siglos de los siglos, sino una competencia sana, la comparación es graciosa más allá de que a ambos conciertos los separe un único día: León Benavente incluyen en su música homenajes muy expresos a otras bandas de pop español como Triángulo de amor bizarro o El Columpio Asesino, y el disco de Sidonie cita también a otras bandas de pop español como Egon Soda, Lori Meyers y Los Planetas, no siempre para bien. De un lado, un grupo con años de tradición, y de otro otro teóricamente nuevo pero con gran recorrido y experiencia sobre las tablas gracias a sus colaboraciones con otros artistas como Nacho Vegas. De un lado, un grupo con un público fiel, de otro el grupo de moda. ¿Quién agotará antes sus tickets y opta a improvisar una segunda fecha? Hagan sus apuestas.

‘Cool Girl’ de Tove Lo: ¿un rompepistas sutil… o un single demasiado sutil?

Por

JNSP

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13 septiembre, 2016

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Parte de la redacción valora el regreso de Tove Lo.

«En un panorama pop invadido por el R&B y los ritmos tropicales, Tove Lo ha sacado un single directamente house, producido por sus habituales The Struts, que proporcionan una producción voluptuosa y radioactiva tan sugerente para la pista de baile como idónea para la distintiva voz de la sueca. El estribillo de ‘Cool Girl’, efectivamente «frío», gélido incluso, interpretado por una Tove Lo desinteresada (en el mejor de los sentidos), se revela con las escuchas, lo que da lugar a una canción rara, un rompepistas sutil, de los que no hay tantos actualmente. Es que el de Tove Lo es un talento raro». JB

«Aunque en todo momento se mantiene fiel a sí misma y su estilo resulta inconfundible, la sensación es que Tove Lo no ha querido perder el tren de la vanguardia e ir por delante de otras nuevas divas pop. Así ‘Cool Girl’, cuyo estribillo es más sutil de lo que acostumbra la radiofórmula, es capaz de hacerle frente a los últimos singles de AlunaGeorge sin despeinarse, o alinearse con el último trabajo de Flume, con el que la sueca ha trabajado recientemente. ‘Cool Girl’ es todo lo que pedíamos a Tove: música pop que no se duerme en los laureles y mira hacia adelante». Raúl Guillén

«Tanto en el grower ‘Cool Girl’, que un mes después de su edición remonta en algunas listas (sube 14 puestos esta semana en Reino Unido, sube en España), como en su nueva canción ‘Influence’, Tove Lo huye de estridencias y modas caribeñas para refugiarse en una producción elegante y suave influida por el R&B más sofisticado y los sonidos noventeros sin subidones. Ambas producciones son loables aunque tampoco es que se termine de percibir un crecimiento y una ambición enormes, esos que hay que exigir a un segundo disco, en la autora de ‘Queen of the Clouds‘». Sebas E. Alonso.

Una pareja asediada por un desahucio, en ‘A lo mejor’ de Dellafuente

Por

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13 septiembre, 2016

Pensábamos que para ver de «trending topic» en Twitter a un artista underground de nuestro país tenía que suceder una verdadera tragedia, pero Dellafuente lo ha conseguido durante un par de horas del día de hoy gracias al lanzamiento de su esperado segundo largo tras el éxito de ‘Azulejos de Corales’.

El álbum se llama ‘Ansia Viva’ y tras la presentación de su sencillo ‘Escarmiento’ hace unos días, hoy hay vídeo nuevo. Se trata de ‘A lo mejor’, un drama de pareja sacudido de manera violenta por los problemas sociales, especialmente un desahucio, que en su vídeo remite al cine social español de las últimas décadas. No obstante, título y estribillo parecen encerrar un mensaje optimista.

En este corte hace coros el cantaor Maka, quien ya estuviera con Dellafuente en la exitosa gira Quejíos y Autotune, y también aparece en ‘Te amo sin límites’, la mencionada ‘Escarmiento’, ‘Menos’, ‘Dame Luz’, ‘Mama’ y el ya conocido single ‘Dile’, su tema más escuchado en redes, que como veis cierra.

Dellafuente ha trabajado con bases de los productores Mees Bibkle, Rike Luxx, Xavier Johnson/Iah Cranks, Ellegas, Highself, KLG Records, Lcks Internet, JAYEEM, ETM y Cookin Soul. Otras colaboraciones que apuntan la nota de prensa son las de Nano Cortés en ‘Dame Luz’ y White Boy en ‘Sin Razón’, además de la de Pepe en ‘El Color del Dolor’. ‘Ansia Viva’ ha sido grabado, mezclado y co-producido por Antonio Narvaez y masterizado por Javier Ustara en Mpire Studio. El artwork de la portada es obra de Woka.

1. ESCARMIENTO
2. A LO MEJOR
3. JAQUETONA
4. MENOS
5. VENENO
6. TE AMO SIN LÍMITES
7. SINRAZÓN
8. MIÉNTEME
9. EL COLOR DEL DOLOR
10. DAME LUZ
11. MAMA
12. COOKIN MACARRONES
13. DILE

Michel Gondry da un sorpresón a los fans de White Stripes y Jack White

Por

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13 septiembre, 2016

El trabajo conjunto de Michel Gondry y White Stripes forma parte de la historia mundial del videoclip. El conocido director realizó para la banda cuatro vídeos, entre ellos ‘The Hardest Button to Button’, ‘Dead Leaves and the Dirty Ground’ y ‘Fell In Love With a Girl’.

Ahora que se publica un disco de acústicos de Jack White, recogiendo material grabado entre 1998 y 2016, Michel Gondry ha decidido dirigir un vídeo por su cuenta, sin que nadie se lo haya pedido, ni haber informado a nadie, para una de las canciones de ese álbum.

Se trata de ‘City Lights’, single principal del nuevo disco, que fue escrito por White Stripes para ‘Get Behind Me Satan’ (2005), el penúltimo largo antes de su separación, pero no había aparecido hasta la reedición en vinilo de este largo durante el Record Store Day del año pasado.

El vídeo es sencillo y no es más que un dibujo en una ventana que va transformándose y adquiriendo nuevas vidas y dimensiones, pero 1) no puede llegar en un momento más adecuado ahora que el otoño se acerca y las primeras lluvias aparecen en gran parte del país y 2) no deja de ser una rareza si recordamos que Gondry ha pasado últimamente de dirigir vídeos. Desde 2011 no ha dirigido más que otros dos: ‘Go’ de Chemical Brothers y ‘Love Letters’ de Metronomy.

Os dejamos con las 5 colaboraciones de White Stripes y Michel Gondry.

La carrera de Beyoncé, resumida en un divertido gag telenovelesco

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13 septiembre, 2016

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Que Beyoncé es uno de los iconos del pop más importantes del momento volvió a quedar materializado anoche de nuevo en el programa del conocido comediante James Corden, últimamente venerado en el mundo del pop por esa maravillosa tontería llamada Carpool Karaoke. Con no tantos artistas se podrían montar gags como este, mientras el público se parte de risa.

Como aprovechando que ‘Lemonade‘ habla de una infidelidad de Jay Z hacia la cantante, James Corden reunió a Adam Scott y a Meg Ryan para montar una telenovela de cuatro minutos que también habla de una infidelidad. Pero la peculiaridad de esta es que lo hace citando títulos y frases míticas del cancionero de Beyoncé. Uno de los momentos más divertidos es cuando se tararea ‘Crazy In Love’, pero también aparecen ‘Baby Boy’, ‘Hold Up’ y su «they don’t love you like I love you», el mitiquísimo «Becky with the good hair» de ‘Sorry’, ‘Run the World (Girls)’, el «I’ve been drinking» de ‘Drunk In Love’, ‘Irreplaceable’ e incluso algún tema de Destiny’s Child como ‘Survivor’ y ‘Bootylicious’, entre otros. Una chuchería para fans, «surfboard» incluido (alguien ha hecho los deberes), en la que también hay un cameo de un tema de Lady Gaga… y no, no es ‘Telephone’.

Years & Years siguen hedonistas en el pelotazo ‘Meteorite’

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13 septiembre, 2016

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Mientras a nivel internacional nada les ha funcionado como ‘King’, ‘Communion‘ sí ha consolidado a Years & Years como una de las estrellas más importantes de Reino Unido. Un año después de su edición, el grupo ha sido invitado a formar parte de la banda sonora de la secuela de ‘Bridget Jones’, ‘Bridget Jones’s Baby’, que se estrena este fin de semana.

Por esa banda sonora también pasarán temas conocidos de Lily Allen, Ed Sheeran (en forma de remix) o Jess Glynne. Years & Years aportan ‘Meteorite’, un desprejuiciado tema pop que más que mirarse en ídolos del grupo como Hot Chip, lo hace en los éxitos más hedonistas del pop electrónico ochentero y la música disco. Nombres como Samantha Fox y productores como Stock, Aitken & Waterman pueden venir a la mente, además de cierto aroma a ‘Thriller’ de Michael Jackson en uno de los puntos, y también su propio sonido.

El tema estrella de la banda sonora de la secuela de Bridget Jones parece ‘Still Falling for You’ de Ellie Goulding, si bien al menos de momento no ha igualado el impacto de ‘Love Me Like You Do’ en ’50 sombras de Grey’. Veremos qué sucede cuando la película llegue a los cines.

1. Still Falling For You – Ellie Goulding
2. Meteorite – Years & Years
3. Reignite (Knox Brown x Gallant) – Gallant and Knox Brown
4. Thinking Out Loud (Campfire Version) – Ed Sheeran
5. Hold My Hand – Jess Glynne
6. Slave To The Vibe (Radio Edit) – Billon
7. King – Years & Years
8. Run – Tiggs Da Author
9. Fuck You – Lily Allen
10. The Hurting Time – Annie Lennox
11. Jump Around – House Of Pain
12. That Lady, Pts. 1& 2 – The Isley Brothers
13. Walk On By – Dionne Warwick
14. Just My Imagination (Running Away With Me) – The Temptations
15. I Heard It Through The Grapevine – Marvin Gaye
16. We Are Family (Single Version) – Sister Sledge
17. Ain’t No Stoppin’ Us Now – McFadden & Whitehead
18. Race To Mark’s Flat – Craig Armstrong
19. Wedding – Craig Armstrong

Justin Bieber se hace un Rihanna y se vuelve loco a sacar singles

Por

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13 septiembre, 2016

3

‘Purpose‘, editado a finales de 2015, fue uno de los discos más vendidos de 2015 y también lo será de 2016, pues evidentemente el éxito de ‘Sorry’ y ‘Love Yourself’ se ha arrastrado a este año. Sin embargo, tras los tibios resultados de su cuarto sencillo ‘Company’, que por ejemplo no ha pasado del puesto 53 en Estados Unidos, en parte por lo cutre y dejado que era su vídeo, Bieber parece haber pasado página. Hay quienes esperábamos un vídeo junto a Halsey para ‘The Feeling’, la única pista del disco que sin ser sencillo supera los 100 millones de reproducciones en Spotify junto a la menos radiable ‘I’ll Show You’, pero no. Justin Bieber se ha hecho un «ANTI» y ha buscado los éxitos en otro lado.

El 21 de julio lanzaba ‘Cold Water’, un tema con Major Lazer y la colaboración de Mø que se convertía en un hit mundial instantáneo pese a que aún no ha salido su vídeo. Ha sido top 1 en Reino Unido, Holanda, Noruega, Suecia, Suiza, Canadá, Australia y top 2 en Estados Unidos, Francia, Alemania, etcétera. Sin miedo a agotar al público, el 5 de agosto, tan solo 15 días después, se conocía su canción junto a DJ Snake, una suerte de ‘Lean On’ incluida en el disco de este, que triunfaba más poco a poco: ‘Let Me Love You’ aún no ha tocado techo, aunque ya ha sido número 1 en Francia y Noruega, número 2 en Reino Unido, número 12 en Estados Unidos, etcétera.

Tampoco hay vídeo de momento para este tema. Pero no contento con esto, esta semana ha lanzado una canción con el artista emergente Post Malone, al que conoce bien pues ha sido telonero de la mayoría de fechas americanas del ‘Purpose Tour’ que este otoño llegará a España (aunque con otro telonero).

Este ‘Deja Vu’ que se estrenaba hace unos días, y que será incluido en el debut de Post Malone tras su mixtape ’26th August’, un disco llamado ‘Stoney’ que no se deja de retrasar, no parece contener las aspiraciones comerciales de ‘Let Me Love You’ y ‘Cold Water’, y parece sólo un pasatiempo, pero tampoco hay que perderlo de vista.

Su cadencia de R&B amable puede calar de cara a la Navidad si se promociona por los canales adecuados, en Pitchfork ya lo han definido como «pop perfecto» y no podemos olvidar que ‘White Iverson’ de Post Malone, en una línea parecida, ha sido uno de los sleepers más sorprendentes del último año, sobre todo en EE.UU., donde es doble platino. ¿Nuevo «sleeper» para Bieber a lo ‘Love Yourself’ o el tema que, si fracasa, puede retrasar para siempre el disco de Post Malone?

Wilco / Schmilco

Por

Raúl Guillén

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13 septiembre, 2016

5

¿Qué tal está el nuevo disco de Wilco? Está bien, sin más. Y eso no está bien, tratándose de un grupo que vivió instalado en la excelencia durante más de una década. ¿Y qué ha pasado? Pues eso es más difícil de decir. Supongo que, como nos pasa a casi todos antes o después, el paso del tiempo nos va arrinconando hacia la comodidad y la placidez. Plácido es, sin duda, un adjetivo que podría usarse para definir ‘Schmilco’, cuya portada, obra del siempre corrosivo Joan Cornellà, hacían presagiar un calambrazo que simplemente no está. Y, lo peor, ni se le espera, que diría aquel.

Desde ‘Sky Blue Sky’ (2007), la banda de Jeff Tweedy comenzó a rondar una deriva de piloto automático que, ocurrente de mí (es broma, es broma), llamé por entonces fase R.E.M. y que tristemente se ha ido haciendo realidad. Disco a disco, Wilco se han ido adocenando, salpicando aquí y allá con algunos momentos memorables pero sin alcanzar, en conjunto, la grandeza anterior. La sensación de que están en una inercia vacua solo destinada a justificar una gira tras otra, a las que asistimos en comunión y esperamos con impaciencia que terminen con sus concesiones a sus últimas obras para verles interpretar esas canciones tan majestuosas de su primera década. Suena duro decirlo, como fan de la banda, pero es así. O lo parece.

‘Schmilco’ destaca por tratarse de una obra muy centrada en sonidos acústicos e influencias clásicas. Tan clásicas como los Beatles de ‘Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band’ o ‘Abbey Road’. O el Harry Nilsson de ‘Nilsson Schmilsson’, como simpáticamente evidencia su título. De partida la propuesta parece hasta apetecible cuando arranca con el bonito y amargo ‘Normal American Kids’, el adelanto ‘If I Ever Was a Child’ y ‘Cry All Day’. Tres buenas composiciones que remiten a otras de Tweedy en la serie ‘Mermaid Avenue’ o ‘Being There’. Pero hay dos problemas: uno, que la inspiración a partir de ahí se vuelve intermitente; y dos, que tratar de camuflar esa falta de melodías atractivas con barullos insustanciales no cuela.

La más clara muestra de ambas cosas es ‘Common Sense’ (non-sense habría sido más atinado), jugueteando de forma abiertamente molesta con las disonancias… para nada. Pero la falta de fuste, la indiferencia que producen las melodías de ‘Nope’, ‘Just Say Goodbye’ o ‘Locator’ duele. Al menos, ’Someone To Lose’, ‘Happiness’, ‘We Aren’t The World (Safety Girl)’ o las susurradas ‘Shrug and Destroy’ y ‘Quarters’ salvan los muebles porque, sin invitar a tirar cohetes, son buenas canciones bien rematadas. Tan simple como eso. En el lado positivo destaca también, y lo digo sin cinismo, la concisión del álbum, con la mayoría de canciones en torno a los 3 minutos, varias por debajo. Prolongar la vacuidad de algunos de estos temas hasta los 7 u 8 minutos habría sido, directamente, pegarse un tiro en el pie. En cualquier caso, lo peor que le puede pasar a un disco de 36 minutos es que resulte aburrido. Y este, tiende a serlo.

También destacan varias de las letras de Tweedy, que vuelve a demostrar su talento en esa parcela, a menudo ensombrecido por el trabajo instrumental del grupo. Aquí se muestra tan autobiográfico (con especial querencia hacia su juventud e infancia) como en su álbum en solitario, e invita a pensar que, quizá, podría tener más camino para crecer por esa vía, sin el peso de superar o igualar las obras capitales de Wilco. Por primera vez en mi vida, ‘Schmilco’ me ha hecho pensar que quizá lo más brillante que el grupo de Chicago podría hacer en este momento es, recordando de nuevo a R.E.M., dejarlo estar así y pasar a otra cosa. Porque las expectativas de que se instalen en la tibieza que caracteriza sus últimos discos da escalofríos.

Calificación: 6,4/10
Lo mejor: ‘Cry All Day’, ‘Normal American Kids’, ‘If I Ever Was a Child’, ‘Shrug and Destroy’
Te gustará si: te van las bandas veteranas que se instalan en la autocomplacencia.
Escúchalo: Spotify
Cómpralo: Amazon

Remate dedica su nuevo EP a su madre y a Luis Eduardo Aute

Por

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13 septiembre, 2016

Solo unos meses después de la publicación de ‘Cabello de ángel, tocino de cielo’, el último disco de Remate, su autor tiene nuevo material que presentar al mundo. Se trata de ‘Megafonía’, un nuevo EP de cuatro canciones que edita hoy Relámpago compuestas «a partir de algunos acontecimientos personales que se suceden tras la publicación ‘Cabello de ángel, tocino de cielo'». Remate considera este EP una secuela de aquel largo. Remate ha grabado ‘Megafonía’ en el estudio ZTA con su co-productor Carlos Toronado.

La nota de prensa escribe: «se trata de un EP de cuatro canciones, un disco «a tiempo real» en el que la vida se mezcla con la obra artística y ambas se retroalimentan. Remate se apoya más que nunca en la escritora Alison Bechdel y decide sumergirse en la vertiente supuestamente artística del drama». Atención a la emotiva canción principal, ‘Megaonía’, pero también a la musicalidad atemporal de ‘Trampas japonesas de pulpo’, en el que Remate canta sobre un «pájaro rojo de plumas negras que agoniza en Hawaii, baila como Prince y canta como Boy George».

Remate dedica ‘Megafonía’ a su madre y también al cantautor Luis Eduardo Aute, en coma actualmente en el hospital Gregorio Marañón de Madrid tras sufrir un infarto hace unas semanas.

‘Megafonía’ saldrá en vinilo de 7″ en 2017.

<a href="http://remate.bandcamp.com/album/megafon-a">MEGAFONÍA by Remate</a>

Fira Fem se entrega a la electrónica en ‘Bromas’

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13 septiembre, 2016

Fira Fem, el dúo de Madrid compuesto por Óscar de la Fuente (voces, guitarras, sintetizadores) y Manuel Cachero (programaciones, sintetizadores, samples), edita nuevo disco este 23 de septiembre, ‘Vida nueva’, a través de Subterfuge. Es un largo que representa precisamente eso. En ‘Vida nueva’, el grupo ha abandonado las guitarras y baterías presentes en sus anteriores trabajos y se ha entregado definitivamente a la electrónica que solo parecía sugerida en su primer disco, ‘Aedificatoria’. Según la nota de prensa, ‘Vida nueva’ se desarrolla a medio camino entre la electrónica de The Field y el «vaporwave» pero con el «concepto de canción muy presente».

‘Vida nueva’ es también el disco «más personal y sincero que la formación ha publicado hasta la fecha», indica esta nota. «Por diferentes circunstancias era casi imposible que este disco naciera en otro espacio que no fuera la intimidad de una habitación, donde la labor de producción ha sido realizada y cuidada hasta el más mínimo detalle en todo momento por el propio grupo. La voz de Óscar se mantiene a lo largo de las ocho canciones, filtrándose entre una suerte de neblina acústica, se muestra lo suficiente como para hacernos entender que atrás quedaron la abstracción conceptual y las bromas a costa del rock’n’roll way of life de antaño».

El primer adelanto del álbum es ‘Bromas’, una canción de melodía pizpireta y paisajes electrónicos brumosos y ensoñadores que estrenamos en JENESAISPOP. Priman los sintetizadores en esta canción de guitarras prácticamente sugeridas y subacuáticas en el que el dúo comparte un mensaje críptico pero simple: «bromas, que no sabes lo que dije / todo lo que me diste / todo eran bromas».

Scarlett Johansson, Sébastien Tellier con Dita Von Teese, Lower Dens… luchan contra el VIH en ‘The Time is Now’

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13 septiembre, 2016

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¿Os acordáis de cuando Scarlett Johansson cantaba? Sacó no uno sino dos discos, el primero de versiones de Tom Waits, ‘Anywhere I Lay My Head’, y el segundo de canciones inéditas inspirado en los duetos Serge Gainsbourg y Brigitte Bardot, ‘Break Up’. Hace tiempo de eso -‘Break Up’ salió en 2009- pero Johansson no ha abandonado la interpretación musical. La actriz es una de las artistas invitadas en ‘The Time is Now’, el nuevo disco de versiones de éxitos de los 80 que la organización amfAR ha recopilado para su lucha contra el sida. Scarlett versiona ‘Bizarre Love Triangle’ de New Order junto a su banda Sugar for Sugar, compuesta también por Julia Haltigan, Holly Miranda y Kendra Morris, y con la que ya interpretó el tema en directo en Brooklyn el año pasado tal y como informa MondoSonoro (¿no se llamaba The Singles e incluía a Este de Haim?). Es la canción que inspiró el nombre de Triángulo de Amor Bizarro.

Además de Johansson, aparecen en el disco Phantogram versionando a Phill Collins, DNCE versionando a Tina Turner, Chaos Chaos y Slow Magic versionando a Tom Tom Club o incluso Sébastien Tellier junto a Dita Von Teese versionando a Culture Club. No suena mal, ¿verdad? amfAR escribe que es un «gran ejemplo de nuestra larga relación con la industria de la música y nos sentimos profundamente agradecidos a los artistas que han donado su tiempo y talento para su creación». «Con apoyo continuo a la investigación del VIH, estamos seguros de que encontraremos una cura finalmente para las millones de personas que viven con VIH/sida actualmente».

‘The Time is Now’ sale el 7 de octubre. Este es su tracklist:

“Take Me Home” (Phil Collins), Performer: Phantogram
“Bizarre Love Triangle” (New Order), Performer: Sugar for Sugar
“Under The Milky Way” (The Church), Performer: Metric
“Whip It” (Devo), Performer: Brazilian Girls
“Rio” (Duran Duran), Performer: Bebel Gilberto
“What’s Love Got to Do With It” (Tina Turner), Performer: DNCE
“Billie Jean”(Michael Jackson), Performer: Aloe Blacc
“Do You Really Want to Hurt Me” (Culture Club), Performer: Dita Von Teese and Sebastien Tellier
“Maneater” (Hall & Oates), Performer: Lower Dens
“Genius of Love” (Tom Tom Club), Performer: Chaos Chaos and Slow Magic
“I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me)” (Whitney Houston), Performer: Marian Hill
“Pride (In the Name of Love)” (U2), Performer: LP
“Lovesong” (The Cure), Performer: Yuna
“Dance Hall Days” (Wang Chung); Performer: Theophilus London

AlunaGeorge, «colocada» de amor en ‘Not Above Love’

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13 septiembre, 2016

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Esta semana, al fin, llega el nuevo disco de AlunaGeorge. ‘I Remember’ sale el 16 de septiembre y del mismo hemos escuchado ya varios adelantos. El primero de ellos era el fresquito dancehall de ‘I’m in Control’ con Popcaan y después llegaban a las plataformas de streaming ‘I Remember’, ‘My Blood’, ‘Mean What I Mean’ y ‘Mediator’, que entre los ritmos tropicales con sabor a helado de limón de moda de unos y el R&B sofisticado y sensual de otros perfilan un disco variado y lleno de buenas canciones.

El grupo sigue desgranando el disco y ha estrenado un tema nuevo en la radio británica. Es la pista 3, ‘Not Above Love’, una composición que fusiona ritmos hip-hop con guitarras reggae y en le que destaca la sección de vientos metal, más prominentes que en ningún tema de AlunaGeorge hasta el momento. La canción, por su parte, sitúa a Aluna «colocada» de un amor tóxico. «Normalmente no tomo una sobredosis / pero tú eres un viaje que tenía que hacer», canta. «Me llevas a un lugar lejos de aquí / a otra atmósfera / estoy tan colocada que no puedo respirar / y me he estado aguantando».

Este es el listado de canciones de ‘I Remember’. Con ‘Not Above Love’ os dejamos:

‘I Remember’:

01 Full Swing (feat. Pell)
02 My Blood (feat. ZHU)
03 Not Above Love
04 Hold Your Head High
05 Mean What I Mean
06 Jealous
07 I’m In Control (feat. Popcaan)
08 I Remember
09 In My Head
10 Mediator
11 Heartbreak Horizon
12 Wanderlust

El tema de Radiohead que obsesionó a Daniel Jiménez mientras escribía ‘Cocaína’

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13 septiembre, 2016

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Entre los 10 libros que recomendábamos para leer estas vacaciones estaba ‘Cocaína’, el debut de Daniel Jiménez. Enmarcado dentro de la «autoficción», el libro recoge un año en la vida de un joven de Madrid adicto a la cocaína hasta el patetismo. Dadas las citas musicales del libro -a Wilco, Radiohead y muy especialmente a Rufus Wainwright y un concierto de este en lo que termina siendo una de las cumbres narrativas del libro- hemos pasado a Daniel nuestro «Tipo Test». Foto: Alicia Blanco.

¿Tienes canción favorita de todos los tiempos? En caso negativo, ¿una canción que te haya obsesionado últimamente?
Elegir una sola canción «de todos los tiempos» me parece muy arriesgado. Eso sí, la canción que más me ha marcado en «los últimos tiempos» ha sido sin duda ‘Weird Fishes’ de Radiohead. Durante la escritura de ‘Cocaína’ la escuché cientos de veces, me ayudaba a sentir que al final del camino habría algún tipo de recompensa. La letra, o así la entendía yo, habla de las oportunidades y de la posibilidad de salir a flote después de tocar fondo.

¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
Casi todas las canciones de Los Pekenikes me recuerdan intensamente los mejores tiempos de mi infancia.

¿Qué canción desearías haber escrito?
En alguna canción de Nacho Vegas he reconocido a posteriori un estilo literario similar al que he utilizado yo en algunos relatos. Pero si tengo que elegir, hubiera preferido escribir casi cualquier canción de The Beatles o The Doors.

«Mucha de la música indie española que copa los programas de Radio 3 me aburre soberanamente»

¿Qué canción odias con toda tu alma?
Mi odio no llega tan lejos, pero mucha de la música indie española que copa los programas de Radio 3 me aburre soberanamente.

Actuación vocal que adores.
El concierto de Rufus Wainwright que se menciona en ‘Cocaína’ fue uno de los momentos más catárticos de mi vida como espectador musical, tanto por la sinuosa voz de Rufus como por la orquestación que la acompañaba.

Momento musical exacto de una canción que adores.
Por ejemplo, cuando entra la batería en ‘Stairway to Heaven’ y la canción empieza a crecer hasta alcanzar el éxtasis.

¿Alguna canción que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure»?
He de reconocer que durante una época, corta y extraña, de mi adolescencia, disfruté cantando alguna canción de Maná (sic).

¿Mejor secuencia de canciones en un disco que hayas oído?
Las cinco canciones que abren el primer disco de Arcade Fire, ‘Funeral’, me parecen de una solidez tremenda. De hecho, todo ese disco me vuelve literalmente loco. Me ocurre lo mismo con algunas secuencias de canciones de varios discos de Wilco.

¿Algún disco que te encante pero cuya secuencia te parezca un desastre?
No estoy capacitado para responder a eso. Al fin y al cabo elegir el orden de canciones responde a cuestiones precisas y particulares cuyas motivaciones están en la cabeza del artista o de la banda, y eso hay que respetarlo, aunque a veces no lo compartamos.

¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
Imagino que escribir una canción perfecta es tan difícil como escribir un cuento perfecto, o más bien un poema, sólo que una canción además está acompañada por la melodía, que al final es la que otorga a la letra la capacidad para trascender y convertirla en única e irrepetible. Sin embargo, no soy capaz de saber por qué una canción se convierte en un clásico, más allá de por la consideración general que le otorgamos los oyentes. Los ingredientes de la poción mágica siempre son un secreto para los profanos, y es mejor que sea así.

Un remix que te haya vuelto loco/a
Prefiero hablar de versiones. Por ejemplo, la versión que hace Hot Chip de ‘Dancing in the Dark’ de Springsteen y que termina con el principio de ‘All my Friends’ de LCD Soundsystem (tema que también ha versionado magistralmente Franz Ferdinand), y que me parece insuperable (All my friends) por su intensidad, su mensaje y su progresión casi épica.

‘Mood Ring’… ¿el ‘Needed Me’ de Britney Spears?

Por

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13 septiembre, 2016

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Uno de los éxitos pop más improbables de 2016 ha sido ‘Needed Me’ de Rihanna, un hit nada obvio a primera escucha que ha terminado conquistando al público gracias a su siniestra sensualidad obra de un DJ Mustard en estado de gracia. Vuelve a ser el caso con ‘Mood Ring’ de Britney Spears, el «bonus track» japonés de ‘Glory’, que acaba de filtrarse a la red.

Efectivamente encontramos a DJ Mustard tras esta oscura producción en la que Spears canta sobre el vaivén de sus emociones y sobre las diferentes versiones de sí misma que esconde su personalidad. «Me miro en el espejo», canta. «¿A quién veo? / ¿Quién quiero ser hoy? / Si vinieras a un concierto, ¿qué papel cogería?» Por su parte, la composición es de Melanie Fontana y Jon Asher. La primera ha compuesto para artistas surcoreanos como Girl’s Generation o Tiffany Hwang y el segundo para la también surcoreana Kim Tae-yeon o para Bonnie McKee, a su vez compositora de Katy Perry o la misma Britney. Ambos comparten una composición, ‘Fool’s Gold’ de Aaron Carter. Parece que ‘Mood Ring’ es la más importante de su carrera hasta el momento.

En una entrevista a Popcrush, Fontana ha revelado que ‘Mood Ring’ era la canción favorita de Britney para el disco y que Asher y ella se sorprendieron al descubrir que había sido relegada a canción de regalo para su edición japonesa. Tanto sus compositores como DJ Mustard y seguramente Britney, sin embargo, parecen coincidir en que es un éxito en potencia. Si ‘Needed Me’ lo ha petado, ¿por qué no ‘Mood Ring’? ¿O se va a quedar en la larga lista de buenas canciones de Britney que solo han sido «bonus track»?

‘Granjero busca esposa’: Luján, por favor, VUELVE

Por

Lolo Rodríguez

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13 septiembre, 2016

Uno de los formatos estrella de Cuatro, ‘Granjero Busca Esposa’, acaba de volver a nuestras pantallas. Pero lo ha hecho con una terrible decepción: Mediaset ha prescindido de lo que conformaba el 50% del atractivo del programa, Luján Argüelles. La presentadora asturiana ha sido sustituida por un Carlos Lozano reforzado gracias a la popularidad ganada tras su paso por Gran Hermano VIP.

El problema es que el cambio de liderazgo no ha sentado nada bien a la emisión. Con la despedida de Luján, ‘Granjero Busca Esposa’ también ha perdido parte de su encanto. El humor socarrón del que solía hacer gala Luján, las preguntas perfectas en el momento adecuado y el comentario punzante a los participantes eran una seña de la casa. Todo eso, lo más interesante, ha dejado paso a un tufo ‘Sálvame’ que no termina de encajar. ¡Pero si hasta han llevado un polígrafo!

Pese a todo, parece que los redactores han estado bastante finos con el casting, que es el otro 50% del atractivo del programa. Si bien muchas situaciones están forzadas a través del guion, o desvirtuadas a base de la edición, es fundamental que los participantes sean naturales frente a la cámara, y en eso estos se llevan la palma. Entre el vasco que es de esos vascos que ya no se hacen (con Rh negativo y todo, seguramente), la granjera con nombre de tonadillera, el terrateniente forrado y el cabrero hipster, los participantes pueden dar mucho juego.

Aun así, por favor, Luján, vuelve y pon orden en este dislate. Necesitamos ese comentario puntilla a cada expulsión.

Lo nuevo de Calvin Harris, ‘My Way’, sale este viernes

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12 septiembre, 2016

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Calvin Harris ha arrasado en listas este verano con ‘This Is What You Came For’, su reciente colaboración con Rihanna, con quien triunfaba hace unos años con ese gran clásico del pop bailable de nuestros tiempos que es ‘We Found Love’, y anteriormente con ‘How Deep is Your Love?’ junto a Disciples. ¿Pero qué es de su nuevo disco?

Hace ya dos años de ‘Motion’, el último álbum de Harris, y parece que es momento de darle continuación. El productor escocés ha acudido hoy a Twitter para darnos una pista sobre este nuevo largo y parece que podría estar muy cerca. Harris ha subido una portada, que corresponde con el arte de ‘This Is What You Came For’; un título, ‘My Way’, y una fecha, el 16 de septiembre, que es este viernes. ¿Single? ¿Disco? Habrá que esperar unos días para averiguarlo.

Mientras se ha ocupado de su propio disco, Harris no ha dejado de colaborar este año y ha producido el último sencillo de John Newman, ‘Olé’. También ha sido un 2016 movido en lo personal para Harris, pues en junio rompía con Taylor Swift. ¿Habrá referencia a esta relación en su nuevo material?

16th pic.twitter.com/Ij1Eu0ZViJ

— Calvin Harris (@CalvinHarris) September 12, 2016

Lower Dens reflexiona sobre la opresión entre seres humanos en ‘Real Thing’

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12 septiembre, 2016

Vuelve Lower Dens. El grupo liderado por Jana Hunter, posiblemente el mejor que ha producido Baltimore desde Beach House y Animal Collective, ha editado hoy nuevo single y vídeo, ‘Real Thing’. En ninguna parte se indica que esto sea el adelanto de un nuevo álbum, pero parece que la continuación de ‘Escape from Evil’ estaría más cerca de lo que pensábamos. El vídeo ha sido dirigido por SSION, que ya se encargó del vídeo de Lower Dens para ‘To Die in L.A.’ Este retrata a Hunter interpretando la canción con filtros anticuados propios de la televisión de los 80.

En nota de prensa recogida por Paper, Hunter detalla que ha escrito ‘Real Thing’ junto a su amigo, el músico Arthur Bates, con quien asegura haber mantenido una relación «larga, intensa y caótica» a lo largo de los años que ha desembocado en una realidad mutua «llena de melancolía, abandono sin temor y un sentido del humor negro muy travieso». «En todos los años que nos conocemos nunca hemos escrito una canción juntos», ha dicho, «y escribimos ‘Real Thing’ con ese propósito, en Houston, donde nos conocimos».

Hunter indica que Bates y ella terminaron la canción en una hora y que está inspirada en una columnista de la revista Oui que parecía «realmente dividida entre su marido y su deseo de follarse a todo el mundo». «Me siento totalmente identificada con este tipo de egoísmo, con esa cosa que todos sabemos de nosotros mismos y nos es casi imposible reconocer», indica. «Estas luchas que son internas pero al mismo tiempo universales me dan ganas de llorar. ¿Qué pasaría si pudiéramos reconocer todos esos defectos, aceptarlos y resolvernos sin juzgarnos entre nosotros? ¿Quién quiere esa miseria? ¿Esa alienación? ¿La avaricia que atormenta a generaciones de represión? ¿Los celos, la opresión y la injusticia que vienen después? Si eso es la realidad, paso de formar parte de ella. O, como mínimo, así es como me dejo sentir de vez en cuando hasta que me doy cuenta de que amo a la gente y de que formo parte de una comunidad de seres humanos y de que tengo que poner mi grano de arena para que las cosas vayan mejor para todo el mundo. Parece mucho pero, para mí, todo esto está en esta canción».

Celica XX no espera al viernes para sacar su disco, ‘Ultraviolencia’

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12 septiembre, 2016

En los últimos años, Celica XX se ha convertido en una de las bandas con más futuro de Madrid, entre otras razones, gracias a su impresionante directo, uno de los mejores de la ciudad. El grupo, compuesto por Guillermo Vázquez (guitarra y voz), María López-Domínguez (teclados), José Ángel Peregrín (bajo), Hoffa M.M. (guitarra noise) y Miguel Sánchez (batería), practica un rock con influencias noise y shoegaze melodioso y subyugante que se materializó con grandes resultados en su primer álbum, ‘Niños luchando’, que contenía canciones tan buenas como ‘Veneno por Navidad’ o ‘Tundra’.

Tres años después de la edición de aquel disco, Celica XX edita hoy su segundo largo, ‘Ultraviolencia’ (no ha esperado al día de lanzamientos oficial, viernes, para hacerlo) en las plataformas de streaming. La edición física será en formato vinilo y saldrá a finales de septiembre. El grupo ha grabado el álbum con Juan Pedro Miranda en los estudios Input de Madrid, Laro Basterrechea (Holy Science, Sol y Sombra, Sangre) lo ha producido y Diego Castro de Disco! Las Palmeras o Lucía Escudero de My Expansive Awareness han colaborado. El álbum contiene el single ‘Los innombrables’, que estrenamos en JENESAISPOP el pasado mes de abril.

La nota de prensa de Analog Love Records describe ‘Ultraviolencia’ como un disco en el que el grupo «se mueve en sus ya conocidas atmósferas shoegaze y psicodélicas que evolucionan hacia una concreción más contundentemente ruidista y distorsionada». «En ese ambiente», continúa, [en el álbum] se posicionan las melodías fluctuantes inspiradas en la psicodelia de principios de los setenta de canciones como ‘En tu sangre’ -más apacible- o la sensual ‘Autodestructivas’, para romper con la (ultra)violencia noise que enmascara las cadencias más pop de canciones como ‘Rey Hielo’ o ‘Nuevo amanecer'».

Celica XX presentará ‘Ultraviolencia’ el 29 de octubre en la sala Siroco en Madrid en el marco de un concierto llamado University of Noise en el que también actuarán tres bandas referentes del noise nacional actual, estas son, Univers, Noise Nebula y Neu Matter.

Se editarán las últimas grabaciones de David Bowie

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12 septiembre, 2016

El próximo 21 de octubre, ISO/RCA Records editará ‘Lazarus’, un nuevo disco doble que recopila las canciones de David Bowie que suenan en el musical teatral ‘Lazarus’ estrenado el año pasado en Nueva York. El álbum incluye clásicos del fallecido músico como ‘Changes’, ‘Heroes’, ‘The Man Who Sold the World’ y ‘Sound and Vision’ así como ‘Lazarus’, el último single de Bowie, además de ‘Lazarus’ y las tres últimas grabaciones del músico, estas son, ‘No Plan’, ‘Killing A Little Time’ y ‘When I Met You’.

El musical, dirigido por Ivo van Hove (‘Dexter’) con texto de Enda Walsh, es una puesta en escena teatral de ‘The Man Who Fell to Earth’, la película de Bowie de 1976. Podrás verlo en Londres en el Kings Cross Theatre partir del 25 de octubre hasta el 1 de enero.

Bowie falleció el pasado mes de enero a causa de un cáncer. Su último disco, ‘★’, es uno de los más vendidos del año y fue, sin duda, su último golpe maestro.

CD 1:
1. Hello Mary Lou (Goodbye Heart) – Ricky Nelson
2. Lazarus – Michael C. Hall & Original New York Cast of Lazarus
3. It’s No Game – Michael C. Hall, Lynn Craig & Original New York Cast of Lazarus
4. This Is Not America – Sophia Anne Caruso & Original New York Cast of Lazarus
5. The Man Who Sold The World – Charlie Pollack
6. No Plan – Sophia Anne Caruso
7. Love Is Lost – Michael Esper & Original New York Cast of Lazarus
8. Changes – Cristin Milioti & Original New York Cast of Lazarus
9. Where Are We Now – Michael C. Hall & Original New York Cast of Lazarus
10. Absolute Beginners – Michael C. Hall, Cristin Milioti, Michael Esper, Sophia Anne Caruso, Krystina Alabado & Original New York Cast of Lazarus
11. Dirty Boys – Michael Esper
12. Killing A Little Time – Michael C. Hall
13. Life On Mars – Sophia Anne Caruso
14. All The Young Dudes – Nicholas Christopher, Lynn Craig, Michael Esper, Sophia Anne Caruso & Original New York Cast of Lazarus
15. Sound And Vision – David Bowie
16. Always Crashing in the Same Car – Cristin Militia
17. Valentine’s Day – Michael Esper & Original New York Cast of Lazarus
18. When I Met You – Michael C. Hall & Krystina Alabama
19. Heroes – 4:43 – Michael C. Hall, Sophia Anne Caruso & Original New York Cast of Lazarus

CD2:
1. Lazarus – David Bowie
2. No Plan – David Bowie
3. Killing A Little Time – David Bowie
4. When I Met You – David Bowie

El ritual satánico (con música de guateque) de A Band of Bitches

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12 septiembre, 2016

A Band of Bitches es una sociedad secreta de México con conexiones en la Rusia de Mijaíl Gorbachov, el antiguo Egipto y el mundo alienígena. «¿Serán humanos?», pregunta la nota de prensa. «¿Tendrán relación con los denominados “antiguos astronautas”? ¿Nos estarán vigilando? De acuerdo a los hallazgos, los expertos opinan que esta sociedad secreta planea hacerse pasar por una banda de rock para tomar control de los humanos y así llegar a todo tipo de culturas mundiales. La última pregunta es: ¿qué planes tienen con nosotros? ¿Será nuestro fin como predijeron los mayas? ¿O será el inicio de una nueva era?»

En realidad, A Band of Bitches no es una sociedad secreta… pero sí un grupo con misterio. Sus integrantes responden a nombres inventados y son Ushka Rappat, Fuk Dude, Soda Popinski, FX, Faceless Bastard, Cliftoris y Antillano. Esta enigmática formación, procedente no de Rusia ni de Egipto ni de Marte sino de México (el mundo ya es suficiente alienígena de todas formas), alcanzaba la fama en Estados Unidos y México en 2012 con la edición de su single, ‘Noreste caliente’, incluida en su álbum debut, ‘The Pre End of the World Soundtrack’, gracias al que ha compartido escenario con grupos como The Smashing Pumpkins, Fall Out Boy o Panic! at the Disco.

Para A Band of Bitches, el «fin del mundo» suena a fiesta, a guateque sesentero de los buenos, como sugiere ‘Noreste caliente’ y otros ‘Mambo en trompeta para ti’ o la más psicodélica ‘Love in Gaza’. A eso mismo suena, de hecho, su nuevo single, ‘Ulalá’, que adelanta el segundo volumen de su EP ‘Chingadazos musicales’, previsto para este año, y cuyo vídeo estrenamos en JENESAISPOP para España. ‘Ulalá’ es más suave que los singles anteriores del grupo, sin embargo, su vídeo retrata un ritual satánico que encaja perfectamente con el concepto de A Band of Bitches. Porque que las apariencias engañan es una de las grandes verdades de la vida.

Bisbal y Chenoa, el reencuentro

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12 septiembre, 2016

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«Ha sido más fácil juntar a Bisbal y Chenoa que formar gobierno». Esta es la gran verdad que comparte una persona en Twitter hoy en referencia a la última foto que David Bisbal ha publicado en Instagram. Esta retrata el primer encuentro del autor de ‘Tú y yo’ con Chenoa desde su ruptura en 2005. Foto hito donde las haya.

La imagen es a propósito del reencuentro de los participantes de la primera edición de Operación Triunfo para un concierto el próximo 31 de octubre en el Palau Sant Jordi. Bisbal, que edita single pronto, no ha querido dejar de expresar en Instagram su alegría por este encuentro. «Este fin de semana fue uno muy especial», ha escrito. «Un reencuentro único donde hablamos sobre el concierto que se celebrará el 31 de octubre en el Palau San Jordi de Barcelona. Quiero decir que me lo pasé muy bien, que para mí fue un encuentro emotivo y que seguro que así lo va a sentir la gente que vea todo lo que estamos preparando para este 15 aniversario. Gracias Javian, Chenoa, Rosa y David por esta foto para el recuerdo. Ha sido un placer volver a coincidir con vosotros».

Chenoa editaba disco este año, ‘Soy humana’, que no ha funcionado demasiado bien en listas ni siquiera después de la portada de la cantante para Interviú.

Por su parte, Bisbal ha sido noticia esta semana también por su inenarrable encuentro con Diplo en la sala Razzmatazz de Barcelona, donde el DJ pinchó este fin de semana.

Este fin de semana fue uno muy especial. Un reencuentro único donde hablamos sobre el concierto que se celebrará el 31 de octubre en el Palau San Jordi de Barcelona. Quiero decir que me lo pasé muy bien, que para mí fue un encuentro emotivo y que seguro que así lo va a sentir la gente que vea todo lo que estamos preparando para este 15 aniversario. Gracias Javian, Chenoa, Rosa y David por esta foto para el recuerdo. Ha sido un placer volver a coincidir con vosotros.

Una foto publicada por db (@davidbisbal) el 12 de Sep de 2016 a la(s) 3:47 PDT

Kim Gordon colabora con una Warpaint en su canción anti negro mate

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12 septiembre, 2016

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Kim Gordon, ex integrante de Sonic Youth y mitad actualmente de Body/Head junto a Bill Nace, con quien editaba álbum en 2015, ‘Coming Apart ’, ha sacado un single en solitario titulado ‘Murdered Out’ que suena tan oscura como parece. El tema es una colaboración con el productor Justin Raisen y la batería Stella Mozgawa, integrante de Warpaint y del nuevo grupo de Lykke Li.

La inspiración de ‘Murdered Out’ ha sido, en palabras de Gordon recogidas por Rolling Stone, el pulverizador de negro mate utilizado en un gran número de automóviles de Los Ángeles. Según Gordon, este acabado representa una «manera subliminal de excluirte de la cultura». «[El «spray» negro mate] contiene una intención restrictiva, reclama algo brillante, fetichista, que una vez fue un motor esencial de la producción americana y parte de la cultura de Los Ángeles como es el coche», ha indicado la artista. [«El negro mate»] comunica que ya no hay nada en la cultura popular para ti».

Si esta reflexión te parece sesuda (e interesante), atiende a lo que Gordon tiene aún que decir sobre el pulverizador negro mate utilizado en los coches de Los Ángeles. La cantante lo compara con la opción «ninguna de las opciones anteriores» presente en una papeleta de votación. «[El negro mate] es la expresión última de la excavación del alma, de su abandono y purificación», señala. «Como un agujero negro, el negro mate es la mirada introspectiva suprema, una cultura que se derrumba por sí sola».

Róisín Murphy saca su vídeo más «whatever»

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12 septiembre, 2016