Haim ultiman su nuevo disco y cantan con Tobias Jesso Jr

-

1 noviembre, 2015

2

Parte de la redacción evalúa el single que presenta el próximo disco de Savages, ‘Adore Life‘, a la venta el 22 de enero.

«Algo que se desprende del potente directo de Savages es que ponen aún más carne en el asador cuando presentan sus temas en vivo. Si su álbum de debut tenía un punto de furia y rabia, en sus conciertos ese punto se multiplicaba y parece que este hecho ha permeado en sus nuevas grabaciones. ‘The Answer’ es una patada en la cara con una sección rítmica que parece un tren a punto de descarrilar y unas guitarras cerdas que se acoplan una y otra vez, coronadas por una Jehnny Beth fuera de sí en una nueva (aparentemente) oda al amor. Parece que Savages van a hacer algo fácil del difícil segundo álbum». Miguel Sánchez.

«¿Para qué vamos a llorar por la vida, llorar por el amor (…), por esperar la muerte, yo no puedo esperar, ya vi la respuesta», canta Jehnny Beth después de un gran punteo de guitarra que sirve para descargar -sólo ligeramente- la presión formada por las guitarras metaleras de este trallazo llamado ‘The Answer’. La urgencia por la vida y por el amor es la protagonista de este enorme single de regreso, cuyo gran vídeo ignoro por qué no va por los 10 millones de visitas». Sebas E. Alonso.

«Teniendo en cuenta que ‘Fuckers’ se va a quedar fuera del tracklist de su segundo largo, después de haber colaborado con Bo Ningen y mostrarnos este adelanto llamado ‘The Answer’, Savages quieren desquitarse de todos los parecidos razonables con Joy Division que les encasquetaron con su puesta de largo. Radicalizando aún más su discurso musical, este es un tema de amor que se sustenta en la violencia eléctrica que la banda ha demostrado con creces siempre que ha venido por aquí a actuar. Puede que en una primera escucha no tenga madera de hit, pero en vivo va a provocar los mismos (o aún más) pogos que los que se ven en el vídeo. Quién iba a decir hace pocos años que la delicada cantante de los extintos John & Jehn acabaría pillándole el gusto a los sonidos metaleros…» Sergio del Amo.

‘Ch-Ching’, otra producción impecable (o casi) de Chairlift

Por

-

1 noviembre, 2015

Parte de la redacción evalúa el single que avanza el próximo disco de Chairlift, ‘Moth‘.

«Cambio para bien en la carrera de Chairlift tras sus años de colaboraciones, que han dejado sólo un grado de separación entre Beyoncé y… ¡Delorean! ‘Ch-ching’, otro tema «love vs money» (su título hace referencia al sonido que hacen las monedas chocando entre sí), es una exquisita producción post-hip-hop con una sección de vientos tan impecable que parece aportada por Matthew Herbert. ¿Qué malo se puede decir de esto? ¿Que es menos pop que ‘Bruises’, ‘Met Before’ o ‘I Belong in Your Arms’ y por tanto se pega menos? Meh… Ni eso». Sebas E. Alonso.

«Al principio tenía el corazón un poco dividido ante este ‘Ch-Ching’. Me apena que Chairlift hayan perdido esa pátina de pop comercial que tan bien supieron aplicar en ‘Something’, pero a cambio resulta muy adictivo, gracias a esos grititos, los vientos, los coros, el estribillo con el punto justo de arrebato, esos quiebros y esa cadencia de r’n’b sedoso. Así que al final, y después de pillarme a mí misma dándole la réplica (ooohhh) a Caroline, me declaro muy a favor». Mireia Pería.

«Tengo un problema fundamental con el nuevo single de Chairlift. A pesar de que me entusiasma y es evidente que es un sencillo para encandilar a las masas, hay algo que no me cuadra. Existe un punto en la canción en el que producción, melodía o estribillo terminan por devorar al grupo. No sé por qué razón, cuando escuché la canción, me vino inmediatamente a la cabeza aquella vez en que Jewel sacó ‘Intuition’ después de una carrera dedicada al country pop. Aquello, que algunos vieron como una nueva vía, fue solo un escape de humo que se quedó en nada. El caso de Chairlift y este ‘Ch-ching’ es prácticamente el mismo. Una canción pop perfecta que parece escrita para alguna otra artista. No es de extrañar que tras todas las colaboraciones de Polachek, haya terminado perdiendo la ubicación cuando se trata de su propia música. Pero en definitiva, esto es un temazo, lo cante el dúo, Katy Perry, Nelly Furtado o Taylor Swift». ACM.

«Se me ocurren varias voces femeninas y masculinas, populares y sumergidas, mejores y más capaces de defender ‘Ch-Ching’ que la de Carolina Polachek, que no obstante también tiene encanto pero, para mi gusto, no la suficiente dimensión expresiva. Esa es la única pega que puedo ponerle a este ‘Ch-ching’ que se pega como un chicle desde la primera escucha y no gracias a una melodía desesperada sino a todo lo contrario, a una melodía tan sutil y sofisticada como el buen pop merece. La producción, exquisita por exuberante pero nada cargante es solo la guinda del pastel». JB

Kendrick Lamar, entre fiestas y orquestas sinfónicas

Por

ACM

-

1 noviembre, 2015

Kendrick Lamar no ha descansado ni un minuto en la promoción de su aclamado último trabajo, ‘To Pimp A Butterfly’. Lo más reciente es el estreno de un videoclip para la canción ‘These Walls’. El tema cuenta con las colaboraciones de Bilal, Anna Wise y Thundercat y tiene ahora un videoclip que han dirigido Colin Tilley y The Little Homies, responsables igualmente de la pieza que acompañaba con imágenes a ‘Alright’, anterior sencillo del rapero.

Bajo el título de ‘Behind the Walls: A Black Comedy’, el vídeo de 8 minutos cuenta con las apariciones de los actores y humoristas Corey Holcomb y Terry Crews, y de la vocalista SZA. Está rodada en un plano secuencia y la cámara recorre las diferentes habitaciones de un hotel durante los primeros minutos, hasta que corta a un concurso de talentos en el que Kendrick y Crews bailan al ritmo del viral ‘Hit The Quan’ de iHeart Memphys. Después de este interludio, la acción vuelve a los pasillos del hotel, en el que varias chicas ligeras de ropa se restriegan con los varones presentes, Lamar entre ellos.

Además, Kendrick Lamar ofrecía la semana pasada un concierto único en el Kennedy Centre de Washington en el que interpretaba temas de su último trabajo acompañado por la National Symphony Orchestra. Precisamente, uno de los temas que presentaba con el acompañamiento de la orquesta sinfónica era este ‘These Walls’. La actuación sigue la estela de la que realizaba el pasado año Nas interpretando canciones de su célebre ‘Illmatic’ para conmemorar los 20 años de la salida del disco.

Benjamin Clementine, vencedor de la primera jornada de BIME 2015

Por

Nicolás del Moral

-

31 octubre, 2015

9.400 personas se dieron cita ayer en el BIME Live en su primera jornada. Lo hicieron de una manera escalonada y, de hecho, no fue hasta la salida de Stereophonics que el recinto dejó de parecer un desierto. Gracias a esa falta de interés del público por los primeros artistas en salir al escenario, las actuaciones se pudieron disfrutar en todo su esplendor y con una comodidad bastante poco habitual en este tipo de eventos.

El francés Gaspard Royant, que ya había pasado por el Dabadaba de Donosti, fue el encargado de inaugurar el Escenario Teatro desplegando los encantos de una banda que sonaba a gloria bendita y que cumplió de sobra con su misión de hacer suspirar a los nostálgicos del doo-wop y garage’n’roll de los 60. Gaspard bebe de Roy Orbison, Phil Spector, Otis Redding y la Stax para ofrecer unos temas absolutamente irresistibles como ‘Marty McFly’, ‘Europe’ o ‘The Woods’. «Sé que estáis aquí para follar. Escuchar música y descubrir grupos están bien pero es a follar a lo que habéis venido». Descubrimiento.

Mientras me dirigía al Escenario 2 para ver a Zola Jesus me dio tiempo a ver cómo Darwin Deez y sus músicos hacían una coreografía con Enya sonando de fondo -Ahá, lo juro- como colofón a su show. La autora del notable ‘Taiga‘ ofreció un concierto impecable. El batiburrillo de referencias -Björk/Grimes/Florence- que maneja en su puesta en escena y en sus composiciones deja un regusto a déjà vu que no sale ni a tiros pero el sonido era casi perfecto y las canciones de su último trabajo ganaron muchos enteros.

Al hijo de Mengele que se lo ocurrió hacer coincidir a Everything Everything con Benjamin Clementine deberían fustigarle sin piedad. Clementine, que puso al público en pie en varias ocasiones con su virtuosismo vocal y una propuesta escénica austera, hizo gala de una precisión quirúrgica para conseguir mejorar todavía más las canciones de su álbum. El autor de ‘At Least for Now» se hizo merecedor de un silencio absoluto en el Teatro que sólo se rompió para estallar en aplausos en los momentos álgidos. ‘Condolence’, ‘Cornerstone’, ‘Nemesis’ o ‘The People and I’ fueron las más celebradas pero todas estuvieron a la altura. Con la única ayuda de un percusionista y un manejo de la teatralidad apabullante, Benjamin Clementine se convirtió en el vencedor de la jornada con una diferencia abismal.

Tenía mucha curiosidad por ver cómo Everything Everything trasladaban al directo el inclasificable ‘Get to Heaven‘ y, por lo que vi, no lo pudieron hacer mejor. ‘Distant Past’ fue uno de los pepinos de la noche.

Los Planetas, a base de insistir e insistir, han conseguido que esa recalcitrante facción de sus fans que no toleran ‘La leyenda del espacio’ y ‘Una ópera egipcia’ sea capaz de estar callada y esperar pacientemente a que toquen ‘Un buen día’ o ‘Pesadilla en el parque de atracciones’. Abrieron con ‘Romance de Juan de Osuna’ y ‘Si me diste la espalda’ para después soltar ‘Rey sombra’ como si no hubiera pasado nada. Volvieron a lo suyo con ‘Ya no me asomo a la reja’ y ‘Señora de las alturas’. A partir de aquí el jolgorio para los «seguidores» más intransigentes: ‘Corrientes circulares en el tiempo’, ‘Santos que yo te pinte’, ‘Segundo premio’, ‘Pesadilla en el Parque de Atracciones’, etc. También sonó ‘El duendecillo verde’ que, como se pudo comprobar anoche, ocupa desde ya un lugar destacado en su discografía. ¿Puede haber algo mejor que comprobar, concierto tras concierto, que Los Planetas siguen siendo Los Planetas? Yo digo NO.

Iron & Wine también lo tuvo fácil, aunque menos que Benjamin Clementine, en el Teatro. La noche avanzaba y la gente no estaba tan dispuesta a mantener la compostura en un show acústico de estas características. Tímido, se le subieron los colores cuando se confundió en ‘Tree the River’. Sam Beam quizá se hubiera beneficiado de otro horario aunque, siendo sincero, ‘Fever Dream’ emocionó hasta a las sillas.

The Go! Team es una formación que me despierta las mejores simpatías cada vez que escucho su nombre. ‘Doing It Right‘ o ‘Grip Like A Vice’, casi todo el ‘Proof of Youth’ de hecho, me resultan adictivas pero el concepto «estirar el chicle» adquiere una nueva dimensión con los de Brighton. El directo de anoche resultó aburrido, repetitivo y hasta desganado. Creo que ellos también sabían que todo el mundo estaba haciendo tiempo para Crystal Fighters, así que decidieron salir con el piloto automático.

A los autores de ‘Cave Rave’, auténticos cabezas de cartel (!!) por su poder de convocatoria, no les faltó detalle. A saber: una introducción de 10 minutos a cargo de dos maromos tocando la txalaparta poseídos por el espíritu de Nacho Cano, pirotecnia, unas coristas a las que no se las oía, una ikurriña, un escenario decorado como si fuera un invernadero y un Sebastian luciendo unas «maracas» imposibles. El no va más, vaya. Ahora, ya desde primeras de cambio con ‘Solar System’, la chavalería estuvo a su merced. Si les llegan a decir que se tiren por el puente, lo hubiesen hecho sin dudar. Al fin y al cabo, de eso es de lo que se trata, ¿no?

Fotos: Gotzon Galarza Badiola.

Joaquín Reyes imita a Justin Bieber

Por

-

31 octubre, 2015

Justin Bieber ha sido el protagonista musical de la semana, al abandonar una entrevista con Los 40 Principales a la mitad, y después, al abandonar también un concierto en Oslo tras una canción al enfadarse con sus fans de la primera fila. El problema fue que había agua en el escenario y le agarraron.

Aprovechando la coyuntura, Joaquín Reyes ha decidido imitarle también en Los 40 Principales, donde el equipo del programa de Dani Mateo finge que lleva 24 horas esperando a Bieber. El nuevo Justin Bieber habla de esta “espantada”, entre que si hace caca-futi, se fuma un cigar o los agobios de la fama.

No es el mejor Reyes que hemos visto, pero aquí queda como curiosidad. El sketch, aunque empieza flojito, sí deja algún momento glorioso. «Lo que a mí me sale de mis huevos toreros, ¡yo tengo un H&M en mi casa!» o «las Biebers son muy estomagantes, así todas juntas…» están entre los highlights. También intenta explicar de manera infructuosa por qué está en la lista de las personas más odiadas del mundo. «¡Si yo soy muy sencillo!».

Por otro lado, Justin Bieber ha realizado una versión del actual top 2 en Estados Unidos, el viralizado e imitado ‘Hotline Bling’ de Drake. Puede escucharse llamando a este teléfono suponemos que americano 231 377 1113, pero alguien lo ha subido también a Soundcloud.

Adele llama a su pasado a través del fijo, a Xavier Dolan y a la Navidad

Por

-

31 octubre, 2015

14

Los usuarios de JENESAISPOP habéis escogido ‘Hello’ de Adele como nuestro nuevo top 1 semanal.

A su vez, al cerrarse ayer la primera semana en que ha estado a la venta, se han conocido los primeros números 1 de ‘Hello’ de Adele en el mundo, que desde luego no serán los últimos. El primer single de ’25’ es evidentemente número 1 en Reino Unido tras la consecución de 333.000 puntos. Casi 260.000 de ellos se corresponden con las ventas digitales del single y 75.000 proceden del streaming. Es tan sólo el segundo número 1 en singles de Adele en su propio país, tras ‘Someone Like You‘, aupada por una inolvidable presentación en los Brits. ‘Rolling in the Deep’, ‘Chasing Pavements’ y ‘Skyfall’ hubieron de conformarse con el puesto 2.

El single también es número 1 ya también en Australia, Alemania, Francia, Noruega, Holanda, Italia y Nueva Zelanda, entre otros territorios. Se espera que a principios de la semana que viene se confirme el cuarto top 1 para Adele en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos (tras los 3 singles que todos recordamos de ’21’). Y lo hará con cifras récord: un torno a 1 millón de unidades vendidas en tan sólo una semana. También tenemos curiosidad por saber qué pasará en España: ‘Hello’ quintuplica las ventas de Cali y El Dandee en iTunes, pero estos ganan en el streaming.

‘Hello’ es una composición sencilla que parece una llamada telefónica al amor perdido del que hablaba ‘Someone Like You’, que se piensa podía ser el fotógrafo Alex Sturrock. Adele, en cualquier caso, quiere pedirle perdón por el daño hecho pero esa persona nunca está en casa o no coge el teléfono. Quizá también pide perdón por la exposición pública de esta relación, si bien no deja de ser irónico o más bien paradójico que Adele vuelva a sacar a esta persona a la palestra: ¿volverá a decirle “lo siento” en una tercera canción? Ella, de hecho, niega que la canción hable sobre un ex, por muy claro que parezca: «Sentía que todos queríamos pasar página, no es sobre una antigua relación, una relación de amor, es sobre todas las relaciones que he tenido con gente que he querido. Todos hemos seguido con nuestras vidas y necesitaba escribir esta canción para que pudieran escucharla, porque ya no estoy en contacto con todos ellos».

A pesar del vídeo, con Tristan Wilds de ‘The Wire’ haciendo de ex y de algún que otro “us” y “we”, otra interpretación posible de ‘Hello’ es que Adele esté llamándose a sí misma, a su viejo pasado, para intentar redimirse de algún hecho del que se arrepiente.

Curiosamente Adele está acreditada como baterista en ‘Hello’. La composición pertenece únicamente a ella misma y a Greg Kurstin, al que conocimos por su grupo The Bird and The Bee, pero al que conocemos hace rato sobre todo por sus labores como autor de hits. A pesar de haber trabajado con casi todo el mundo en los últimos años, Greg Kurstin no había conseguido concretar una aportación para el disco anterior de Adele, el multimillonario ’21’. Aun así, el productor se saca la espinita siendo responsable, junto a la propia cantante de este ‘Hello’ y de dos canciones más que irán incluidas en ‘25’, ‘Water Under The Bridge’ y ‘Million Years Ago’. Recientemente en una entrevista, Kurstin hablaba de lo difícil que ha sido para él no poder contar nada de esta colaboración. “No voy a mentir, no es fácil guardarse esa información durante tanto tiempo. Casi que quieres gritarlo a los cuatro vientos, correr por las calles gritándole a los desconocidos lo que acabas de hacer”, decía. Los últimos años, el nombre del productor ha estado asociado a los trabajos de Sia, Kelly Clarkson, Ellie Goulding, Charli XCX, Lily Allen o P!nk, entre otros muchos.

Xavier Dolan, ¿qué haces trabajando con Adele?

Más famoso todavía es el director del videoclip. Cuando se anunció que el gran, o al menos el tan cuestionado, Xavier Dolan había estado tras los mandos de ‘Hello’, nos quedábamos helados. Pero pensándolo bien, no tanto: Adele necesitaba un buen vídeo después de lo sencillo que era el de ‘Rolling in the Deep’, lo improvisado que había estado el de ‘Someone Like You’ y lo inexistente de ‘Set Fire to the Rain’.

Pero ‘Hello’ no muestra apenas la enorme personalidad de Xavier Dolan. En primer lugar, él no sale, con lo que le gusta ponerse; y a duras penas en las voces intercaladas con la canción percibimos su mano underground, y en el entorno rural la tensión que vimos en ‘Tom à la ferme’. La mayor virguería es la introducción del espectador en la escena como personaje de Adele: vemos a su ex primero cariñoso y luego enfadado, pero ella nunca aparece en los flashbacks, sino que su ex se dirige al espectador a través de la cámara como si este fuese Adele.

Cuando Dolan recibió «la llamada» para realizar el vídeo y le propusieron rodar el vídeo de Adele, preguntó a qué Adele se referían. Y eso que en la banda sonora de la controvertida ‘Mommy’ suenan Dido, Lana del Rey o Céline Dion. A la autora de ’21’ le había gustado ‘Yo maté a mi madre‘, su debut semi autobiográfico. Dolan se cogió un tren y se presentó en Reino Unido, preguntándose por qué le había gustado a la cantante esa película. «Es emocionante, pero es como fea», se decía él mismo.

Adele quería capturar el trabajo primigenio del cineasta e hicieron una tormenta de ideas, sobre una chica con el corazón roto que llama a una versión joven de sí misma. Al final, rodaron el vídeo en sumo secreto en una granja de Québec con cámaras IMAX. “En cuanto oí la canción, vi la historia totalmente, simplemente la idea de coger el teléfono y llamar a tu pasado”, dice Dolan en una entrevista. “El vídeo carece totalmente de originalidad. La letra dice “Hola, soy yo” y ves a alguien cogiendo un teléfono. No soy bueno imaginando vídeos súper conceptuales. Pensé que simplemente estaría bien tener a Adele dando vueltas alrededor de la casa y haciendo llamadas, para terminar en un bosque con quizá algunos flashbacks”.

Dolan también se ha reído de los memes sobre lo viejísimo que es el móvil de Adele. ¿Es que no le llega para uno de última generación tras haber vendido 30 millones de discos? “Si ves un iPhone o un Toyota en una película, se rompe la narración, te sacan de la historia. Si pones un iPhone o un coche moderno parece un anuncio”, explica Xavier. La letra del tema obvia también el uso de móviles, pues ella, donde llama, es “a casa”, al fijo.

El tema no se ha interpretado en vivo aún, pero la cantante tiene reservadas citas en la BBC, en Saturday Night Live y en el Radio City Music Hall de Nueva York grabando un especial que se emitirá el 14 de diciembre. A Adele le espera la mejor Navidad de su vida. Hasta entonces, os dejamos con nuestro meme favorito.

I'm so funny #Grindr #Adele #Hello #GrindrFails #GayBoyProblems

Una foto publicada por Moses Salazar (@moses.mattheww) el 26 de Oct de 2015 a la(s) 4:52 PDT

‘Backstreet Boys: Show’ Em What You Are Made Of!’, ser adulto en una boyband era esto

Por

Mireia Pería

-

31 octubre, 2015

2

Imposible, en mi cabeza, no comparar este documental con el de Spandau Ballet que se mostró el año pasado en este mismo festival, Beefeater In-Edit. De entrada, la base es similar: grupo que arrasó gracias al fenómeno fan rememorando su carrera y volviendo al ruedo musical años después de su retirada. Pero si el de los británicos era un film bastante complaciente, el de Backstreet Boys se pasa la complacencia por el forro y se erige en una pieza valiente e incómoda a ratos. Y que juega muy bien con las expectativas del espectador.

Ya la primera secuencia es bastante desmitificadora: Kevin y Howie orinan en el bosque, en medio de una excursión, mientras A.J. suplica que le esperen porque no puede subir la pendiente. A los antiguos jovenzuelos, ahora hombres adultos, la cámara los acompaña constantemente. Son ellos, y nadie más, los que van desgranando su trayectoria como la mayor boyband de la historia, desde que los creó a su antojo Lou Pearlman, millonario magnate de Florida. Entretanto, preparan disco nuevo, ensayan su gira de regreso de 2013 y retornan a los lugares que les formaron como personas. Con un ritmo estupendo, gran cantidad de impagable material videográfico y alternando sabiamente los momentos divertidos (¡esas alucinantes giras por institutos en 1994!) con los emotivos (Kevin rememorando la muerte de su padre), la impresión inicial es que estamos ante otro panegírico para justificar la gira de retorno. Todo ello bien adornado con muestras del espíritu americano de superación y camadería; los BSB se comportan como una panda de amigos del instituto que se juntan, van de acampada y se llevan súper bien, aunque haya sus pequeñas pinceladas de mala sombra y luchas de egos.

Pero es entonces, hacia el último tercio del film, cuando la película toma el quiebro que rompe los esquemas que te habías fabricado y le otorga su justo valor. Coincidiendo con el momento en que narran su apoteosis, los chicos retornan a la mansión de Pearlman, actualmente en prisión por estafa (a ellos los desplumó). Esa sombría visita a la casa que tanto les marcó, ahora vacía, es el punto de inflexión: A.J. comienza a explicar su adicción a las drogas; los chicos se lamentan de no haber sido más que un mero negocio para la industria… Y entonces, en una a priori inocente reunión de trabajo sobre el disco nuevo, estalla toda la tensión entre ellos. La miseria aflora, se dinamita toda la imagen anterior y se muestra la peor cara de la banda (especialmente, de Nick): puñaladas traperas, comentarios hirientes, derrumbes emocionales, recuerdos familiares turbios. Y todo retratado sin ningún pudor. Llegados a este punto, te pasma que la banda haya tenido los redaños de presentarse también así: como un grupo de hombres asustados y mezquinos; seres humanos, al fin y al cabo. Y a pesar de que el final trata de ser exultante, exhibiendo imágenes triunfantes de la gira de retorno, ya no logra evitar que lo veas con cariz amargo. Si a todo esto le unes una sala llena de fans aplaudiendo los momentos álgidos, abucheando en los ruines y cantando a pleno pulmón todos los hits, catapulta la experiencia hacia lo inefable. 8.

‘Backstreet Boys: Show’ Em What You Are Made Of!’ forma parte de la programación de Beefeater In-Edit. Pases y más películas, aquí.

5 novelas recientes para no pegar ojo la noche de Halloween

Por

Joric

-

31 octubre, 2015

Terror puro y duro, hijos putativos de Stephen King, horror psicológico y malrollero, domestic noir (no podía faltar) y hasta Lovecraft buscando su propio Necronomicón. Al igual que hemos hecho con el cine, os ofrecemos cinco propuestas muy diferentes para erizaros los pelillos de la nuca la noche de difuntos.

Distancia de rescate (Samanta Schweblin)

Escalofriante. Si hay un libro de terror recomendable para este Halloween, aunque no sea puro género, es este. ¿Quién es ese niño? ¿Qué está pasando en ese pueblo? ¿Cómo logra la autora transmitir tal grado de tensión? ‘Distancia de rescate’ (precioso título que hace mención a la “distancia” necesaria que una madre pone con su hijo pequeño para poder “rescatarlo” de algún peligro) es un ejemplo perfecto de cómo la forma, si está bien elaborada, es capaz de potenciar y muscular el más convencional de los contenidos. Esta historia de pueblos malditos, entornos tóxicos, infancias amenazadas y trasmigración de almas no sería tan enormemente inquietante si no estuviera escrita como lo ha hecho Samanta Schweblin: en forma de diálogo indirecto, incompleto, velado, pesadillesco; como si la protagonista estuviera en plena terapia regresiva. La autora dosifica sabiamente la información para que sea el lector quien vaya componiendo la historia en su cabeza. Lo dicho: escalofriante.

La última noche en Tremore Beach (Mikel Santiago)

Menudo debut. Mikel Santiago se estrenó como novelista el año pasado con un relato de misterio que podría haber firmado el mismísimo Stephen King. Para lo bueno: una sólida trama de intriga psicológica en un entorno misterioso y evocador; y para lo malo: un final algo decepcionante y sensiblero que no está a la altura del resto de la novela. Pero, como suele ocurrir con “el rey”, todo el magnífico comienzo y desarrollo compensa un pequeño chasco final. La historia de un compositor de bandas sonoras que, tras un traumático divorcio, se refugia en un rincón perdido de la costa de Irlanda para recuperar la inspiración -¿os suena?- le sirve al autor para construir un absorbente y envolvente relato de suspense, plagado de inesperadas y muy bien urdidas sorpresas que te dejarán más de una vez con la boca abierta. ¿Confirmará Santiago las expectativas con su siguiente novela, ‘El mal camino’? Esperemos.

La silla (David Jasso)

De las cinco novelas aquí propuestas, esta es la más genuinamente terrorífica. Solo hay que echar un vistazo al argumento: un escritor de novelas de terror se queda accidentalmente amordazado y atado a una silla después de haber realizado una “prueba de empatía” para uno de sus libros. Si nos dijeran que esta es la premisa argumental de un episodio de ‘Alfred Hitchcock Presenta’ nos lo creeríamos (y querríamos verlo). A pesar de que ‘La silla’ parece un cuento de terror hinchado para venderse como novela –le cuesta demasiado arrancar y se detiene en explicaciones irrelevantes-, cuando el autor se deja de divagaciones y se centra en narrar la situación que vive el protagonista alcanza cotas de suspense y angustia realmente notables. David Jasso demuestra que lo suyo no son ni los diálogos ni la mesura a la hora de adjetivar, pero sí que posee un gran talento para describir situaciones de forma muy gráfica y para crear terror psicológico en entornos cotidianos.

Observada (Renée Knight)

No podía faltar en esta selección un buen ejemplo del subgénero de moda: el domestic noir. ‘Observada’ es uno de los más hábiles y entretenidos. Siguiendo la estela de la fundacional ‘Perdida’, y a la altura de ‘La chica del tren’ (sin olvidar la muy reivindicable ‘¿Y tú que clase de madre eres?’), la debutante Renée Knight sigue explotando el filón del thriller femenino con una novela de la que, sin explicar nada de la trama, podríamos decir que pone al lector frente a sus propios prejuicios. ‘Observada’ (hasta el título recuerda a Gillian Flynn) tiene todo-lo-que-tiene-que-tener: una protagonista de mediana edad angustiada, una crisis de pareja, secretos inconfesables que dan miedo, sinuosos golpes de efecto que harán babear a los fans del género y hasta unas vacaciones en España como punto álgido de la narración. ¿Placer culpable? Psss.

Los nombres muertos (Jesús Cañadas)

Terror y humor. Esta combinación infalible (que ha dado lugar a una de las más ingeniosas y divertidas películas del año) está muy presente en la simpatiquísima ‘Los nombres muertos’. El argumento es irresistible: H.P. Lovecraft recibe una propuesta imposible: buscar el Necronomicón, un libro maligno que no existe por una sencilla razón: se lo inventó él. Acompañado de otros dos escritores -Frank Belknap Long (‘Los perros de Tíndalos’) y Robert E. Howard (creador de Conan y Solomon Kane)-, el genio de Providence se embarcará en una aventura que le llevará hasta el Londres de la sociedad Golden Dawn, el Berlín de entreguerras o las ruinas arqueológicas de Damasco. Un festival de guiños y homenajes (aparecen Aleister Crowley, Arthur Machen, J.R.R. Tolkien y hasta Salvador Dalí) que sazonan una trama digna de Weird Tales. ¿Un libro para friquis? Pues sí, se requiere de un mínimo conocimiento del universo lovecraftiano (y aledaños) para poder disfrutar de esta novela en toda su extensión.

Una pesadilla, terror clásico y espíritus japoneses para la noche de Halloween

Por

Sr. John

-

30 octubre, 2015

Charles Burns / Cráneo de azúcar

Cuatro años ha costado conocer el final de la trilogía que comenzó con ‘Tóxico‘ y continuó con ‘La colmena‘. Al fin podemos dar sentido y cerrar un círculo en torno a la pesadilla adolescente engendrada por Burns. Y quizá podemos hablar de ligera decepción, no por haberse demorado tanto el desenlace, sino más bien porque se den demasiadas explicaciones en la narración. Eso sí, Burns se impone en el manejo del misterio, en la creación de criaturas sobrenaturales y en la rotulación en color de las viñetas más siniestras -en las que no escasean los atributos escatológicos- , donde el vínculo con Tintín es evidente. 7,5.

Jason / El loro de Frida Kahlo

El noruego Jason, con un ritmo imparable de publicación, vuelve con once historias cortas desplegando el acostumbrado espíritu de cine negro de personajes solitarios: común denominador con ‘El carro de hierro’, ‘Los hombres lobo de Montpellier’, sus obras más populares ‘Yo maté a Adolf Hitler’ y ‘No me dejes nunca’, o más recientemente ‘La isla de los cien mil muertos’ junto al guionista francés Fabien Vehlmann. Su estilo, lejos de agotarse, robustece el carácter opresor de los encuadres junto a la quietud de las figuras, siempre mitad humanas, mitad animales.

Aunque algunos relatos no desborden de ingenio, la mayoría son impagables, desde el que hace guiños a ‘Esperando a Godot’ a la versión vampírica de ‘La noche del cazador’, sin pasar por alto el homenaje al disco ‘Moondance’ de Van Morrison, con una serie de portadas de algunas de las canciones, todas ellas personificadas por un protagonista de terror clásico. Como también lo es la nueva visión que vamos a tener de Frida Kahlo, un ángulo diferente pero creíble. 7,5.

Shigeru Mizuki / Kitaro Volumen 3

Nueva entrega de la saga de Kitaro: parece que el compromiso de Astiberri de publicar dos tomos por año comienza a coger velocidad. Su esfuerzo es muy de agradecer, pues da a conocer la obra del japonés Shigeru Mizuki en nuestra lengua. Si en el volumen 2 se rendía homenaje a Godzilla, al universo fantástico con pinceladas siniestras y a la cultura tradicional japonesa, en esta nueva entrega prevalecen las relaciones humanas con los yokais (espíritus japoneses).

En estos cinco nuevos relatos destacan las ambientaciones, las intrigas se mantienen y se acentúan los desenlaces un tanto naíf, lo que puede ahuyentar a los lectores más adultos… pero compensa ese humor que enlaza con todas la edades. 7,5.

David Guetta reedita ‘Listen’ e intenta un ‘Lean On’ con Sia y Fetty Wap

Por

-

30 octubre, 2015

4

No contento con haber rebasado el millón de copias con su último disco, ‘Listen‘, del que ha extraído pacientemente singles como ‘Dangerous’, ‘Bad’, ‘Shot Me Down’, ‘Lovers On The Sun’ y ‘Hey Mama’, David Guetta reeditará el disco.

Será el próximo 27 de noviembre, que casualmente es Black Friday, y para celebrarlo estrena una nueva versión de la canción ‘Bang my Head’ en la que aparecen Sia y Fetty Wap. Como veis, intenta pillar cacho también, como tanta otra gente, del pelotazo de ‘Lean On’ de Major Lazer. ¿No se parece ese principio y parte de la canción o ya vemos ‘Lean Ons’ por todas partes?

‘Listen Again’ se publicará en formato digi-pack en un doble CD, y además de contener los 14 temas del álbum original ‘Listen’ incluirá 4 temas nuevos, remixes y una sesión exclusiva de 45 minutos mezclada por David Guetta.

Os dejamos con la versión original de ‘Bang My Head’, que empezaba de otra manera bien distinta.

La primera canción en catalán de Grushenka

Por

-

30 octubre, 2015

Grushenka, uno de las propuestas destacadas de El Genio Equivocado, han editado un nuevo EP en celebración de sus primeros cinco años como banda. Se trata de ‘El telescopio gigante’, que sucede a su segundo largo, ‘La insoportable levedad del ser‘. Con este EP el grupo catalán «ha querido acercarse más a su sonido en directo, donde la batería y la contundencia juega un papel importante. Esta vez han grabado “casi” en directo, es decir, tocando a la vez», indica la nota de prensa.

El EP está compuesto por cinco canciones, entre ellas la primera que el grupo graba enteramente en catalán, ‘Els colors que ningú ha pogut veure’ («los colores que nadie ha podido ver»). Según la misma nota, el tema es una composición en «escritura automática, es decir, escribiendo de un tirón todo lo que te viene a la cabeza sin retocar nada al terminar».

Puedes escuchar el EP a continuación:

<a href="http://elgenioequivocado.bandcamp.com/album/el-telescopio-gigante">El telescopio gigante by Grushenka</a>

Duran Duran / Paper Gods

Por

Sebas E. Alonso

-

12

Si me dicen el siglo pasado que los Duran Duran de esta década me iban a aburrir menos que Depeche Mode, no me lo creo. Pero así estamos. Mientras Depeche pecan de intensos y de farragosos en sus deslavazados últimos discos, los de Simon LeBon se entregan a la fiesta, como dicen en ‘Last Night in the City’, acompañados de Kiesza: «vamos a querer esta noche como si fuera la última», «no pienso dormir hasta que la mañana llene el cielo». Para este regreso a las pistas, para esta reivindicación del disco que ni en los tiempos de «disco sux», han contado con Nile Rodgers. Y nadie puede llamarles «oportunistas» porque Rodgers ya produjo ‘Notorious’ en ~~1984~~ 1986. Ellos mismos dicen que no todos los grupos pueden volver para reivindicarse a sí mismos y es verdad. Así, las guitarras del miembro superviviente de Chic inundan el notable single ‘Pressure Off‘ junto a Janelle Monáe, así como otros cortes como ‘Only in Dreams’. No obstante no es él ni Mark Ronson sino Mr. Hudson, un colaborador de Kanye West, quien obtiene más créditos, probablemente teniendo algo que ver en que lo nuevo de esta «banda híbrido» suene tan bien unificado, desde la solvente canción homónima inicial (¿una canción política apocalíptica o una crítica a las estrellas de hoy?) hasta las divertidas ‘Danceophobia’ -con Lindsay Lohan- y ‘Butterfly Girl’ -¡esos coros femeninos!-, pasando por el baladón ‘What Are the Chances?’ con John Frusciante. Curiosa la amalgama de artistas reunida al servicio de Duran Duran, que además cierran con una balada con cuerdas que no va a decepcionar a sus fans, ‘The Universe Alone’. Vale, no todas las canciones son igual de memorables, pero bueno, no todas las canciones en ‘Notorious’ eran ‘Notorious’, así que no pasa nada.

El nuevo disco de Coldplay podría salir en diciembre

Por

-

30 octubre, 2015

3

A semanas de que acabe 2015, seguimos sin los esperados lanzamientos de algunos de los artistas más importantes del momento. Lo nuevo de Coldplay, ‘A Head Full fo Dreams’, se esperaba para este año, pero dado que no tenemos single y que pesos pesados de la música como Adele, Justin Bieber y One Direction ya han puesto fecha a sus discos, parecía improbable que saliera en algún momento de los próximos meses… ¿o ya no?

Según el tuit de un tal Lee Thompson, que está corriendo como la pólvora por todas las publicaciones musicales, ha aparecido en el metro de Londres un misterioso cartel promocional que parece anunciar el nuevo disco de Coldplay para el 4 de diciembre. El cartel no es más que un símbolo pero no es un símbolo cualquiera, sino uno que el propio Chris Martin vistió en la pasada actuación de Coldplay en Global Citizen Day, donde el grupo estrenó un tema nuevo titulado ‘Amazing Day’.

Además, el diseño actual de la página web del grupo, en concreto su línea de tiempo, también sería indicativo de que este cartel pertenece a una promoción de Coldplay, tal y como indica el autor de este tuit, que asegura el primer single de este disco podría salir mañana.

Chris Martin aseguraba en una entrevista en diciembre del año pasado que ‘A Head Full of Dreams’ sería algo parecido al último disco de Coldplay. “Es lo séptimo que sacamos, y el modo en que tenemos de verlo, es como si fuera el último libro de Harry Potter o algo así», aseguraba. «No digo que no vaya a haber otra cosa algún día, pero esto es una manera de completar algo. Tengo que pensar en ello como lo último que vamos a hacer. De otra manera, no pondremos todo lo que tenemos que poner”.

Anyone else spotted this mystery London Underground poster tonight? Yep, it's the new Coldplay album. December 4th. pic.twitter.com/Jk0ArzMhJu

— Lee Thompson (@leethommo) October 29, 2015

Grimes se desgañita en su nuevo single para Halloween, ‘SCREAM’

Por

-

30 octubre, 2015

9

Solo unos días después de publicar ‘Flesh Without Blood’ y ‘Life in the Vivid Dream’, los dos primeros adelantos de su nuevo disco, ‘Art Angels’, Grimes edita el tercero, ‘SCREAM’, que, como su propio nombre indica, parece pensado para Halloween… aunque espera a oírlo: un tema medio metal medio rockabilly con la rapera taiwanesa Aristophanes susurrando frases en su idioma y Grimes chillando y desgañitándose viva de fondo. Según Boucher es el tema más oscuro del disco y no cuesta imaginar por qué.

‘Art Angels’, el nuevo álbum de Grimes, sale la semana que viene.

5 películas inéditas para Halloween (y sin found footage)

Por

Joric

-

30 octubre, 2015

7

The Final Girls (Todd Strauss-Schulson)

Uno de los sorpresones del último festival de Sitges (Premio Especial del Jurado y Mejor guión). Cuando ya parecía que no se podía retorcer más el subgénero del meta-slasher, llega el desconocido Todd Strauss-Schulson y lo vuelve a poner del revés a golpe (o machetazo) de ingenio. ‘The Final Girls’, título que hace mención a la chica que se salva al final y mata al psicópata, es un afortunado cruce entre ‘La rosa púrpura del Cairo’ y la cuarta entrega de ‘Viernes 13’ (e incluso de ‘Regreso al futuro’). A medio camino entre la parodia, el homenaje y la relectura posmoderna, la película juguetea de forma tan ingeniosa con el género y tiene tal cantidad de hallazgos narrativos (el choque temporal y social, el encuentro madre e hija) y de puesta en escena (los ocurrentes flashbacks, la secuencia en cámara lenta, el enfrentamiento final), que solo queda decirlo bien alto: es el filme perfecto para Halloween. Para este año y los siguientes.

The Town That Dreaded Sundown (Alfonso Gomez-Rejon)

Inteligentísima vuelta de tuerca al slasher setentero. Y van dos. Alfonso Gomez-Rejon, fogueado en televisión (‘Glee’ y ‘American Horror Story‘) y director de la reciente (y muy decepcionante) ‘Yo, él y Raquel‘, realiza una estilizada aproximación al subgénero a través de un sorprendentemente complejo juego metaficcional que incorpora tres niveles de lectura: el remake de la película original -la poco reseñable ‘The Town That Dreaded Sundown’ (1976)-, su secuela y su homenaje posmoderno. Aunque se estropea un poco final, el camino hasta llegar a él compensa de sobra. ‘The Town That Dreaded Sundown’ está plagada de ingeniosos giros argumentales, brillantes hallazgos estéticos y estimulantes soluciones de puesta en escena. Solo por secuencias como el evocador comienzo en el autocine, el crimen y la elipsis en el maizal o ese bonito travelling lateral a la luz de la luna merece la pena verla.

Last Shift (Anthony DiBlasi)

Si los títulos anteriores se disfrutan más viéndolos acompañado (el pase en Sitges de ‘The Final Girls’ fue casi catártico), ‘Last Shift’ es todo lo contrario: cuanto más solo, aislado y en silencio la veas, mucho mejor. Y es que la película de Anthony DiBlasi (‘Dread’, ‘Cassadaga’) tiene una narrativa tan frágil que exige cierto compromiso y predisposición por parte del espectador. Si no empatizas con la adorable protagonista, una policía novata en su primera noche de servicio, solo verás una repetitiva sucesión de tópicos y sustos sin mucha gracia. Sin embargo, si te metes en su uniforme desde el principio, te puede ocurrir lo que le pasó a una amiga: “cagarte de miedo”. ‘Last Shift’ es como un pasaje del terror a punto de venirse abajo en cualquier momento. Pero no, a pesar de que la estructura tiembla varias veces (la aparición de la prostituta es como para levantarse e irse a dormir), consigue mantenerse en pie. Y es que los cimientos son lo suficientemente sólidos: una atmósfera inquietante muy bien elaborada, una banda sonora tan efectista como eficaz y unos golpes de efecto dispuestos con mucha precisión.

Absentia (Mike Flanagan)

Una de las películas de terror indie más aplaudidas de los últimos años. ‘Absentia’ le sirvió a su director para que la actual reina del terror hollywoodiense, la productora Blumhouse, le produjera la muy discreta ‘Oculus: El espejo del mal’. Y no es de extrañar. Flanagan tiene una de las virtudes que más valora un productor: la capacidad para trascender las limitaciones del presupuesto (aquí paupérrimo) a golpe de ingenio y talento narrativo. Con cuatro duros (se financió en parte mediante crowdfunding), cuatro escenarios (hay que ver el partido que le saca al túnel subterráneo) y cuatro actores más bien mediocres (sobre todo los policías), el prometedor director ha conseguido realizar una de las más estimulantes reinterpretaciones del universo de Lovecraft vistas en mucho tiempo. Una afortunada mezcla entre el “terror cósmico” y el ambiente costumbrista, de ritmo pausado y atmósfera pesarosa, que consigue constantemente romper con las expectativas del espectador. Atención al giro que se produce a mitad del filme: un ejemplo de cómo pasar de un subgénero a otro (no desvelo más) como si cualquier cosa.

In Fear (Jeremy Lovering)

Tensión atmosférica para cortar con cuchillo. El debut en el largometraje del británico Jeremy Lovering, director de varios capítulos de la serie ‘Sherlock’, es un turbador survivor de carretera que se sitúa muy por encima de otros ejemplos recientes de este subgénero como ‘Dead End’, ‘Km 666’ o el remake de ‘Carretera al infierno’. Un inquietante viaje en coche por el desvío equivocado que, aunque al final se queda sin batería (qué difícil es en el cine de terror rematar la jugada), ocurre como hemos dicho en ‘The Town That Dreaded Sundown’: el camino merece mucho la pena. La primera media hora es fabulosa. Un ejemplo de cómo transmitir inquietud y angustia con muy poco: un coche, una pareja que se está empezando a conocer (todo un acierto de guión) y miedos primarios como la oscuridad, la desorientación y un bosque impenetrable. Aunque no llega a la altura de joyas del subgénero como ‘Eden Lake’ o ‘Wolf Creek’, y el final puede irritar a más de uno (aunque tiene sus defensores), ‘In Fear’ es un notable ejemplo de terror psicológico.

Ariana Grande cambia de «look» y toca la trompeta en ‘Focus’

Por

-

30 octubre, 2015

56

Ariana Grande ha esperado a la época de Halloween, que es mañana, para publicar su nuevo sencillo, ‘Focus’. Se trata del primer adelanto de su tercer disco, ‘Moonlight’, que se espera suceda a ‘My Everything‘ en algún momento del año que viene. La cantante anunció este single durante su charla con Jimmy Fallon el pasado mes de septiembre.

‘Focus’ es un single de pop bailable retro en la línea de ‘Problem’ y ‘Bang Bang’, dos de los mayores éxitos de Grande hasta el momento. ¿Querrá repetir su éxito sin ponerle demasiado esfuerzo? ¿Lo conseguirá o entenderá la gente que esto es un sucedáneo de ‘Problem’? ¿Quizás le hacía falta un single menos continuista después del éxito de ‘Break Free’ y ‘Love Me Harder’ con The Weeknd o está demasiado empeñada en ser la nueva Christina Aguilera como importarle?

Tras la composición de ‘Focus’, por cierto, encontramos los grandes nombres de Savan Kotecha (Britney), Ilya (Jennifer Lopez) y Peter Svensson (The Weeknd), así como el de la misma Grande. Todos ellos han estado más o menos involucrados en los últimos tiempos con Max Martin, que ha triunfado últimamente con Taylor Swift o Katy Perry.

El vídeo muestra un interesante cambio de look de Grande, además de mucho baile y a la cantante tocando la trompeta con una banda. Poco más. Ha sido dirigido por Hannah Lux Davis, autora de vídeos Ariana Grande (‘Love Me Harder’), Nicki Minaj (‘The Night Still Young’), Jessie J (‘Burnin’ Up’), así como del vídeo de estas tres, ‘Bang Bang’, y de otros como ‘Cool for the Summer’ de Demi Lovato.

Recientemente veíamos a Grande en la nueva serie de Ryan Murphy, ‘Scream Queens’.

Grimes desconcierta para bien y para mal en ‘Flesh Without Blood’

Por

-

30 octubre, 2015

29

Parte de la redacción evalúa el single de regreso de Grimes, avance del disco que publica la semana que viene.

«La verdad es que sí, es muy llamativa la pátina rock late-eighties que le da Claire Boucher a esta nueva canción. Pero sin duda lo que más me convence de este ‘Flesh Without Blood’ es que, por encima de matices estilísticos, lo que prevalece es una gran canción, bien rematada, sin cabos sueltos ni chapuzas. Algo que, precisamente, pienso que venía lastrando los anteriores álbumes de la artista canadiense y que me hacía mirar con un punto de recelo al alabado ‘Visions’. Si era eso lo que la tenía tan insatisfecha con su propio material previo, me congratula comprobar que lo ha enmendado». Raúl Guillén.

«Posiblemente, Grimes nunca podrá volver a recuperar la frescura que tenía en su anterior disco y en temas como el memorable ‘Oblivion’. Si sabemos aceptar que la señorita Boucher debe, por necesidad, seguir evolucionando en su sonido, podremos disfrutar de la grandeza de este ‘Flesh Without Blood’. Convertida en una autora de pop impecable, Grimes va a por todas en este tema en el que aún conserva su sello personal sobre todo en unos arreglos vocales irresistibles». ACM.

«Más allá de como autora de gifs y memes en potencia, no termino de encontrar el punto a Grimes. Después de marearnos con que si se hacía más pop, que si no se hacía más pop, que si tiraba un disco a la basura, que si no lo había tirado, que si esta canción no es de amor aunque diga «Remember when we used to say «I love you» almost every day» porque en realidad está dedicada a alguien que admiraba pero ya no… la versión femenina de Kanye West (por lo de pesada) vuelve con una canción totalmente pop (?) que podía haber firmado Sky Ferreira… Sólo que su voz vuelve a regodearse en un desagradable feísmo (con lo que molaba ‘Go’) y al tema le sobra, mínimo, medio minuto». Sebas E. Alonso.

«Si ‘Go’ ya me pareció insustancial y más vista que un tebeo en su momento, ¿qué decir de ‘Flesh Without Blood’? La Grimes más pop al servicio de Roc Nation podría haber hecho un single interesante; su personal sonido electrónico da para algo más que para una canción de espíritu «radio-friendly» que pasaría por pista 9 o 10 de un disco de cualquier intérprete de radiofórmula actual… o como single de una Annie cualquiera, que para el caso es lo mismo. Muy bien producida, eso sí, pero nada memorable. Demasiado envoltorio, en definitiva, para tan poca canción. Demasiada carne para tan poca sangre». JB

«Este ‘Flesh without blood’ entra en esa incómoda categoría de sí-pero-no. Estéticamente está muy bien, con esas hechuras de hit synth-pop ochentero, el equilibrio entre la dulzura aniñada de la voz de Grimes y la aceleración que imprimen las guitarras, más el toque Ladytron (supongo que debe de ser ese verso de “you destroy everything”, que me hace recordarles), pero… noto como si la canción se me escurriera del cerebro y no se acabara de fijar. No ha variado tanto de ‘Visions’, pero siento como si aquí hubiera perdido parte del misterio, del aura que irradiaban sus canciones. Espero que esto solo sea una impresión equivocada mía y que el disco disipe temores; lo que me hace confiar es el mini-tema final, ‘Life in the Vivid Dream’, que sí que me ha parecido una preciosidad». Mireia Pería.

Habrá nuevo disco de School of Seven Bells

Por

-

30 octubre, 2015

School of Seven Bells nos conquistaron gracias especialmente a los singles de ‘Ghostory‘ y a su potente directo. Lamentablemente, en diciembre de 2013 Benjamin Curtis fallecía tras serle diagnosticado un linfoma contra el que luchó con ayuda de la financiación de sus fans. Su compañera Alejandra Deheza ha seguido trabajando en nueva música del grupo con algunas partes grabadas por Benjamin y ahora anuncia un nuevo disco que saldrá en febrero de 2016.

Se ha dado a conocer un teaser, así como una «carta de amor» de Alejandra: «Queridos amigos: Benjamin y yo escribimos este disco juntos durante un descanso de la gira del verano de 2012. Puedo decir fácilmente que ese fue uno de los veranos más creativos de toda nuestra vida. Lo que siguió después fue el maremoto más trágico y doloroso en el alma que la vida nos podía traer, pero ni eso ha podido detener la idea de que este disco vea la luz. Esta es una carta de amor desde el principio hasta el final. Es la historia de nosotros empezando por el día que nos conocimos en 2004, y es la historia de School of Seven Bells. Gracias a todos por ser una constante luz en nuestras vidas. Este disco es para vosotros».

El pasado año se editaba el última tema que grababa Benjamin, ‘I Got Knocked Down (But I’ll Get Up)‘, una versión de Joey Ramone.

Bianca Casady de CocoRosie saca nuevo disco

Por

-

30 octubre, 2015

Cuando todavía no nos hemos recuperado del susto de los caracoles en el último disco de CocoRosie, ‘Heartache City‘, una de sus componentes, Bianca Casady, anuncia disco con un nuevo proyecto llamado Bianca Casady & The C.i.A. El álbum se titulará ‘Oscar Hocks’ y saldrá ya el año que viene. Además, realiza una gira europea este otoño presentando el espectáculo ‘Porno Thietor’ junto a expertos en danza (Bino Sauitzvy), piano y arte visual (J.M.Ruellan), entre otros músicos (Lærke Grøntved, Michal Skoda, Takuya Nakamura y Doug Wieselman).

Al tiempo que puede escucharse el tema ‘Poor Deal’ y también ‘Dog in a Yard’ a través de un teaser, Bianca indica en un comunicado que si bien siempre ha sido «la oscura, la rara, la persona que da miedo en CocoRosie», ahora no tiene que hacer nada de eso. La gira europea incluye varias fechas en Italia o Alemania, pero ninguna en España, según indica Pitchfork:

11-06 Reykjavik, Iceland – Iceland Airwaves Music Festival
11-07 Copenhagen, Denmark – Koncerthuset
11-09 Berlin, Germany – Heimathafen
11-10 Leipzig, Germany – UT Connewitz
11-12 Groningen, Netherlands – Vera
11-13 Brussels, Belgium – Botanique Orangerie
11-14 Den Haag, Netherlands – Crossing Border Festival
11-15 Frankfurt, Germany – Mousonturm
11-16 Amsterdam, Netherlands – Paradiso Noord
11-17 Köln, Germany – Kulturkirche Köln
11-18 München, Germany – Kammerspiele
11-19 Wien, Austria – Brut
11-21 Bern, Switzerland – Dampfzentrale
11-23 Milano, Italy – Bellezza
11-24 Roma, Italy – Teatro Studio
11-25 Bologna, Italy – Locomotive
11-26 Firenze, Italy – Viper
11-28 Marseille, France – Espace Julien
11-30 Paris, France – L’Alhambra
12-01 Brighton, England – Corn Exchange
12-02 Bristol, England – The Lantern
12-03 London, England – ATP Pop-Up Venue

Justin Bieber abandona un show en Oslo tras una canción

Por

-

30 octubre, 2015

13

Un día después de liarla en España, Justin Bieber la ha liado en Noruega. Si la noticia de que el cantante abandonaba una entrevista con Los 40 Principales a la mitad y aparecía un tanto apático en un programa de televisión (El Hormiguero) daba ayer la vuelta al mundo, del New York Times al NME, ahora la da lo que ha sucedido en Oslo este jueves 29 de octubre.

Justin Bieber tenía que interpretar 6 temas en un acto promocional en la ciudad. Sin embargo, decidía abandonar el escenario tras interpretar sólo una. El problema es que había agua derramada sobre el escenario que estaba intentando retirar cuando fans empezaron a agarrarle de los pies y las manos. «Se acabó, no voy a hacer el concierto», indicaba antes de retirarse. Y así fue. Nadie pudo convencerle de volver a pesar de que sus fans posiblemente llevaban horas o incluso algún que otro día esperando para verle. Podéis ver el vídeo en un medio noruego.

El cantante, que además aburrió con su actuación durante los MTV EMAs del pasado domingo, se disculpaba después en Instagram: «Lo siento, ha sido una semana dura para mí, días muy largos, no he dormido y sí tenido que estar dispuesto para las cámaras de los fans. No quería resultar mezquino, pero decidí abandonar el concierto porque la gente de la primera fila no escuchaba. Espero que la gente entienda de dónde vengo. No siempre llevo las cosas bien pero soy un ser humano y estoy trabajando en responder ante algo, no reaccionar contra algo. Desafortunadamente a la gente le afectó esto tanto como a mí. Lo siento, pido disculpas a todo aquel al que haya decepcionado. Siento haber malgastado el tiempo de la gente en la tele y espero ponerle remedio a la próxima durante la gira. Os quiero».

Sadly it's Been a rough week for me, long days no sleep, while having to be "on" as they would say for cameras fans etc. In no way did I mean to come across mean, but chose to end the show as the people in the front row would not listen. Hopefully people will understand where I am coming from. I don't always handle things the right way but I'm human and I'm working on getting better at responding not reacting. Unfortunately people were affected by this as am I. For the people in the back I am so sorry and for anyone I may have disappointed im sorry. Sorry for wasting the tv people's time I'll be sure to make it up to you next time on tour.. With love Justin.

Una foto publicada por Justin Bieber (@justinbieber) el 29 de Oct de 2015 a la(s) 2:53 PDT

Los incidentes vuelven a sacar a la palestra al desastroso Justin Bieber que hemos visto durante estos tres años ser detenido, mear en un cubo, largo etcétera. Tres temazos editados que no se los cree ni él seguidos (‘Where R Ü Now’, ‘What Do You Mean?‘ y ‘Sorry‘) nos hicieron pensar que el artista había madurado. Calificamos en un artículo esta victoria como «improbable». Pero ahora aquí le tenemos, en el punto en el que empezamos.

Si este iba a ser el caso, ¿a alguien en su sello se le ocurrió que no hiciera promo? Si el disco que sale en dos semanas, ‘Purpose’, va a venderse (o iba a venderse) solo…

Dave Gahan & Soulsavers / Angels & Ghosts

Por

Sergio del Amo

-

29 octubre, 2015

7

Lejos de tomarse unas vacaciones, Dave Gahan es de los que prefiere no parar quieto cuando sus obligaciones en Depeche Mode se lo permiten. Más allá de sus dos discos en solitario, la voz del icónico grupo de synth-pop ya puso su granito de arena en el último trabajo de los productores Rich Machin e Ian Glover, los dos hombres que desde hace más de una década llevan la batuta sonora de Soulsavers. Pero a diferencia de lo que ocurrió hace tres años en ‘The Light the Dead See‘, en esta ocasión sorprende ver el nombre de Gahan acreditado (incluso con la tipografía más grande) como gran protagonista del disco. Desde que él y los dos productores se conocieran en la gira ‘Tour of the Universe’ de 2009 (Soulsavers ejercían de teloneros por entonces acompañados de Mark Lanegan), su relación se ha ido consolidando; tanto que en este ‘Angels & Ghosts’ que ahora nos ocupa Gahan ha tenido manga ancha para componer a medida unas canciones que sirven única y exclusivamente para su lucimiento personal.

Igual que ocurría en su colaboración precedente, aquí no hay espacio para las guirnaldas electrónicas, sino más bien para otra entrega de redención al blues rock. Puestos a encontrar paralelismos, al escuchar la estupenda ‘Shine’ (con esa slide guitar que irremediablemente trae a la cabeza la inmortal ‘I Feel You’) o ‘You Owe Me’ (con bombástico coro góspel incluido), se asoma la sombra de los Depeche de ‘Songs of Faith and Devotion’. Y, asimismo, un tema como el baladón ‘One Thing’, donde Gahan cautiva con poco más que un piano y unos arreglos de cuerda, no desentonaría en absoluto dentro del repertorio de Martin Gore y sus secuaces.

Pero más allá de esos números contados (a los que se podría sumar ‘All of this and Nothing’), está claro que este disco sorprenderá más bien poco a todos aquellos que han seguido de cerca los últimos pasos de Soulsavers. Gahan cumple como hilo conductor y sigue dando sobradas muestras de su carisma interpretativo (nadie puede negarle que es un animal escénico), pero sonoramente ‘Angels & Ghosts’ cae en lugares comunes ya explotados con anterioridad por la pareja de productores. Hablando en plata: es disfrutable, por supuesto, pero sobre todo para los talifans del frontman de Depeche Mode.

Calificación: 6,2/10
Lo mejor: ‘Shine’, ‘You Owe Me’, ‘One Thing’
Te gustará si te gusta: Dave Gahan, sin más.
Escúchalo en: Spotify

Santi Capote de Ellos saca single en solitario

Por

-

29 octubre, 2015

Santi Capote estrena su primer single en solitario, lo cual no es de extrañar si tenemos en cuenta que ha interpretado temas en todos los discos de Ellos y que últimamente estaban entre lo mejor de los respectivos discos (‘Por qué no volvemos’ en ‘Cardiopatía severa‘ y ‘Tarántulas y súcubos’ en ‘Pop cabrón‘).

Su nuevo single se llama ‘Exorcismo’ y sale durante la semana de Halloween. La nota de prensa indica que «esta vez compone y escribe la letra, toca todos los instrumentos, canta, mezcla y masteriza en su estudio The Punch». Lo cual significa que no ha utilizado el estudio de su gran amigo, Guille Mostaza.

‘Exorcismo’ se define como «una canción con una melodía de puro pop clásico que va de una estrofa sobria y dramática a un estribillo orquestal envuelto en campanas, metales, pianos, cuerdas y guitarras, con la total veneración por Neil Diamond como bandera». La melodía es realmente setentera como podéis comprobar a través de Youtube.

El single de Santi Capote se edita a través de su sello Weltschmerz y la portada es de Jose Luis Algar en homenaje a ‘El exorcista’. Es el adelanto de un inminente EP «lleno de canciones con toques clásicos entre otras dirigidas a romper la pista de baile».

Ana Curra, El Columpio Asesino, Guille de Ellos… cantarán con Cycle

Por

-

29 octubre, 2015