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Mala Rodríguez publica ‘Gitanas’ el 6 de julio

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Hace cinco años que la música no ve un nuevo disco de Mala Rodríguez, pero no puede decirse que la rapera andaluza haya estado callada en todo este tiempo, y sobre todo en los últimos meses ha ido enlazando una serie de colaboraciones con Ibeyi (‘Me voy‘), Juan Magán (‘Usted’, a la postre un gran éxito en España) y Beatriz Luengo (‘Caprichosa‘) con las que La Mala ha ido consolidando poco a poco su regreso a la actualidad musical.

Tras estas colaboraciones, parece que La Mala está lista para volver de verdad y hoy ha anunciado en sus redes sociales la llegada, el viernes 6 de julio, dentro de tres semanas, de un nuevo single titulado ‘Gitanas’. Ha compartido además la portada del single y la captura de lo que parece su videoclip, en el que puede verse a La Mala posando junto a sus bailarinas. La rapera comparte además un hashtag, #quienmeprotege, qué podría tener relación con ‘Gitanas’ o con un posible disco en el que vaya a aparecer esta canción.

El último álbum de La Mala, ‘Bruja‘, salió en 2013. Era un disco lleno de dardos contra el sistema, y dado el mensaje que sugiere el hashtag “quién nos protege”, y el momento tan importante para los derechos de las mujeres en el que va a salir la canción, reflejado en acontecimientos como el movimiento #MeToo y la manifestación del 8 de marzo, casi podemos adivinar que lo nuevo de La Mala tendrá un fuerte componente feminista.

Florence revela qué pone en su perfil de Tinder

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Florence + the Machine publica esta semana su nuevo disco, ‘High as Hope’, del que se han dado a conocer los singles ‘A Sky Full of Song’, ‘Hunger’ y ‘Big God’. Sobre el álbum y otros temas ha hablado Florence Welch con The Guardian en una nueva entrevista, y entre estos otros temas se encuentra uno de rabiosa actualidad: Tinder.

Florence ha revelado a The Guardian qué pone en su perfil de Tinder, el cual empieza con Florence describiendo que es una persona “profundamente casera” pero que vive en un “estrés enorme”, y que no existe “punto medio” en su vida entre estas dos realidades. Apunta incluso que es una persona “enormemente expuesta” pero a la vez “profundamente ermitaña”. El texto concluye con la reflexión que “hay demasiadas velas encendidas en mi casa para estar segura”. ¿Puede ser más Florence el perfil de Tinder de Florence?

Tinder no es un tema demasiado común aún en la música pop pese a su obvio impacto social, y al hecho que, al fin y al cabo, es un medio a través del cual buscar el amor, que es el tema más recurrente del pop. En tiempos recientes, Brigitte Laverne le ha dedicado una canción, aunque es Hilary Duff quien iba más lejos hace unos años, sacando un vídeo para ‘Sparks’ que funcionaba a su vez como anuncio de Tinder.

¿Childish Gambino se ha inspirado de más en un tema de Jese Harley para ‘This is America’?

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‘This is America’ de Childish Gambino es claramente una de las canciones más importantes de 2018. Pero tras el éxito llega la polémica, y este fin de semana un usuario de Reddit ha acusado a Donald Glover de haber copiado la canción de un tema antiguo de Jese Harley, ‘American Pharaoh’. Ambos comparten un estilo, estructura y temática muy similares.

En Instagram, el rapero de Nueva York ha respondido a la polémica, asegurando que no cree Glover haya copiado ‘American Pharaoh’ tal cual en ‘This is America’, pero apuntando que sí reconoce una influencia y que hubiera “molado” al menos una “mención” por parte de Glover a su canción. “Siempre pensé que mi canción inspiró [‘This is America’], desde el primer momento en que la escuché”, ha escrito. Eso sí, Harley ha añadido que “todos los artistas se inspiran en otros”.

Quien ha tenido menos pelos en la lengua ha sido el colaborador de Glover Fam Rothstein, co-director de la agencia creativa en la que trabaja Glover junto a Rothstein y Wolf Taylor, Wolf + Rothstein, y co-productor del videoclip de ‘This is America’. En Twitter, Rothstein ha negado -implícitamente- que ‘This is America’ se un plagio, apuntando que la composición se originó en 2015. “Internet es un lugar donde no hay consecuencias. Odio que los “académicos de Toronto” y cualquier bloguero blanco pueda decir algo y vosotros os lo creeréis. Esta canción tiene 3 años, y tenemos archivos de Pro Tools para demostrarlo”. A continuación, Rothstein ha mandado a la mierda a los blogueros en cuestión, a sus madres y a sus “futuros fetos”.

Nicki Minaj rapea encima de un caballo rosa en los BET Awards, que premiaron a Kendrick, Cardi…

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Esta noche se ha vuelto a celebrar en Los Ángeles una nueva edición de los premios -sobre todo musicales- que entrega en Estados Unidos la Black Entertainment Television, los premios BET. Durante la gala, que presentó el actor Jamie Foxx, se rindió homenaje a la veterana cantante de soul Anita Baker y recibieron premios tanto músicos (Kendrick Lamar, Cardi B) como actores (Tiffany Hadish, Chadwick Boseman) y deportistas (Serena Williams, LeBron James).

Pero como decimos, los BET son sobre todo musicales y dieron lugar a varias actuaciones que han ido llegando a Youtube en las últimas horas. Nicki Minaj, que aspiraba a dos premios menores, aunque no se llevó ninguno, presentó sus recientes singles ‘Chun Li‘ y ‘Rich Sex‘ sola y también actuó, montada en un caballo rosa, junto a YG, Big Sean y 2 Chainz para presentar su tema conjunto ‘Big Bank’. Sus colegas Migos hicieron acto de presencia para interpretar ‘Walk It Talk It’ y ‘Stir Fry’.

Otro de los artistas que repitieron en el escenario de los BET fue Miguel, que por un lado interpretó sus temas ‘Sky Walker’ y ‘Come Through and Chill’ y por el otro emocionó junto a Meek Mill presentando su tema contra la brutalidad policial, ‘Stay Woke!’ También fue política la actuación de Janelle Monáe con ‘Django Jane’ (también cantó ‘I Like That’), además de por supuesto una de las más llamativas en cuanto a puesta en escena.

Entre los artistas premiados de la noche estuvieron Kendrick (Álbum del año para ‘DAMN’) Cardi B (mejor artista de hip-hop), SZA (Artista revelación), Migos (Mejor dúo), Drake (Mejor vídeo por ‘God’s Plan’) y DJ Khaled (Mejor colaboración por ‘Wild Thoughts’ con Rihanna y Bryson Tiller).

Pupil·les buscan dar visibilidad al acoso que sufren las mujeres en la calle en ‘Colps de puny’

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Pupil·les, el trío valenciano formado por las cantantes Natàlia Pons y Mireia Matoses y el productor Joan DJ Rule, lograban un mini hit viral hace unos meses gracias a ‘V’, su canción y vídeo con el que defendían la normalización de la masturbación femenina, en frases como “Mis labios vaginales han salido a pasear, no los tengo guardaditos, no me voy a avergonzar» o “mi coño, mis normas, el monte de Venus a gritos te informa”.

El hip-hop feminista de Pupil·les deja ahora un nuevo single, ‘Colps de puny’ (“golpes de puño”), en el que el trío condena el acoso sistemático que las mujeres sufren en la calle. El tema relata la historia de una mujer que sufre acoso camino al trabajo, una “pesadilla” que se repite diariamente para muchas mujeres en todo el mundo, y en él, Pupil·les buscan defenderse de este acoso en frases omo “mi vestimenta no justifica la agresión, si gritas cuando paso es violencia y opresión” o “mi cuerpo es mi patria y la defenderé, cualquier intrusión la responderé con uñas y dientes”.

El propio grupo explica así ‘Colps de puny’, que formará parte de un cortometraje del mismo nombre que se estrenará pasado el verano: “’Colps de puny’ refleja el acoso que sufrimos las mujeres diariamente fruto de la sociedad patriarcal en la que nos ha tocado vivir. El machismo está presente a nuestro alrededor a todas horas y estamos hartas. No queremos que opinen sobre nuestros cuerpos cuando no lo hemos pedido, no queremos que se nos valore por nuestro físico, no queremos que ninguna mujer se sienta humillada ni maltratada por ningún hombre. Nunca más. Queremos caminar tranquilas por la calle, seguras y libres”.

Adele habría empezado a componer su cuarto disco, que llegaría en la Navidad de 2019

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Adele ya ha empezado a trabajar en su cuarto álbum, al menos, según The Sun. El tabloide británico informa que Adele ha vuelto a su casa de Londres desde Estados Unidos específicamente para trabajar en el disco y que pasará “una buena parte del verano” escribiéndolo. De hecho, la cantante ya tendría varios temas compuestos y estaría trabajando con músicos. Parece que Adele planearía publicarlo en 2019, concretamente en Navidad, lo cual no es de extrañar puesto que es la época del año en que más discos se venden, y Adele precisamente es la persona que más discos vende actualmente (‘25‘ salió en noviembre de 2015 y fue el disco más vendido tanto de 2015 como de 2016).

Tras cancelar los últimos conciertos de su gira en Londres debido a problemas con sus cuerdas vocales, Adele ha pasado el resto de 2016 y 2017 muy tranquila, cuidando de su hijo Angelo y de vez en cuando montando alguna que otra fiesta, como la de su 30 cumpleaños, que celebró en una fiesta temática de ‘Titanic’.

Durante su anterior tour, Adele dijo que no sabía si iba a volver a salir de gira, ya que los aplausos del público le hacían “sentir vulnerable” y no estaba segura de que “fuera lo suyo”. Veremos qué opinión tiene Adele sobre las giras en 2020: si su cuarto disco es muy bueno, le apetecerá presentarlo por el mundo, ¿no?

El buen ‘Homo Zapping’ de hoy será el gran ‘Homo Zapping Vintage’ del mañana

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‘Homo Zapping’ ha vuelto a la parrilla televisiva, en concreto a Neox, con cierto éxito de audiencia. Con doble capítulo cada domingo, ayer volvía a situar el primero de ellos entre lo más visto de la TDT acercándose al millón de espectadores. El programa de gags continúa ofreciendo parodias de lo mejor y lo peor de la televisión española al margen de corporativismos.

Entre las incorporaciones al repertorio del programa están novedades de la parrilla durante los últimos tiempos como ‘Maestros de la costura’, ‘Paquita Salas’, ‘La Casa de Papel’ u ‘OT2017’, de la que se había avanzado la imitación de ‘Tu canción’ de Alfred y Amaia. Entre los grandes aciertos está la parodia de ‘La Casa de Papel’, con los actores ridiculizando esa intensidad imposible y las «voces seductoras» de los protas, que tanto parecen haber gustado incluso fuera de España; o ese guiño a la dificultad no de entrar en la fábrica de moneda y timbre, sino a la de salir de un Corte Inglés.

También divertida es la imitación de ‘Maestros de la costura’ a través de su jurado sobreactuado, las comparaciones con Masterchef o el protagonismo del concursante Eduardo, tan presto a la animadversión. Sentimientos encontrados ha dejado, en cambio, estas dos semanas la imitación de ‘El cuento de la criada’, aunque cualquier cosa que implique un «eye rolling» de Silvia Abril vale oro; y la de OT2017. Mientras la imitación de Aitana de hace unos días, aleccionando y mandando a paseo a Mónica Naranjo, tuvo su aquel; la de Los Javis de anoche fue una completa decepción. Lo único gracioso fue ver a «Javi Calvo» mosqueado por salir en la tele «sin despeinar», pero no es que no se distinguiera a Calvo de Ambrossi, lo cual era mencionado como parte de la gracia, sino que casi ni se les reconocía como personajes.

Todo lo contrario de lo que puede seguir diciéndose de iconos como Las Campos, Iker Jiménez y la dentadura postiza de Carmen Porter, Matías Prats anoche en plan James Bond (menuda fuente inagotable de gags), la multicámara de Susana Grisso (siempre con ella bien grande) o Ana Pastor (anoche autoduplicada y sin dejar responder a nadie). Aunque no son estos los mejores momentos del programa, ni tampoco las simpáticas apariciones estelares de Ana Guerra o La Terremoto de Alcorcón. El show, de 20 minutos, se hace muy corto, por lo que se podría criticar la incorporación en medio de viejos gags bajo el epígrafe ‘Homo Zapping Vintage’. Pero no.

Es mirando al pasado cuando nos damos cuenta de lo grandes que pueden ser en el futuro los gags de hoy. Las imitaciones de Raquel Revuelta o Nosolomúsica («¡¡que no soy un hámster!!») siempre fueron enormes, pero es el tiempo lo que las hace todavía más rocambolescas, ocurrentes y delirantes. Seguramente, y como ha sucedido con muchos gags de Martesy13 y Muchachada Nuí, un segundo visionado con el paso del tiempo eleve lo que ahora estamos viendo como nuevo. Seguramente ver a Javi Calvo dando clases en cuclillas subido encima de una silla tenga mucha más gracia dentro de 5 años que anoche. 7,5.

Pusha T / DAYTONA

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De entre todos los discos de 7 pistas cada uno que ha producido Kanye West este año, ‘DAYTONA’ de Pusha T es el mejor de todos. El álbum llegaba a la calle acompañado de polémica debido a su portada, una imagen del baño lleno de drogas de Whitney Houston que se publicó en los medios en 2006, y con cuya licencia West se adueñó, al último minuto, desembolsando la friolera de 85.000 dólares. Aunque ‘DAYTONA’ habla, sobre todo, y como es habitual en el trabajo de Pusha T, sobre drogas, por lo menos su contenido es de mejor gusto.

Desde su debut en solitario en 2013, ‘My Name is My Name’, Pusha T, ex integrante junto a su hermano de Clipse, uno de los proyectos asociados a The Neptunes a principios de la pasada década, ha conseguido reinventarse ante una nueva generación de fans del hip-hop gracias a sus afilados raps, atractiva voz y sobre todo a unas producciones que han sido y siguen siendo pura artesanía musical, de las mejores y más creativas que se pueden escuchar en el hip-hop ahora mismo (‘Got ‘Em Covered’ de su anterior disco, ‘Darkest Before Dawn’, es un buen ejemplo). Así, Pusha T (de nombre real Terrence LeVarr Thornton) ha pasado a formar parte de una lista de grandes raperos actuales que incluye a Kendrick Lamar, A$AP Rocky y J. Cole, teniendo el doble de experiencia en la industria que ellos, lo cual tiene un gran mérito y de lo cual Pusha T por supuesto habla en ‘DAYTONA’, en uno de los mejores versos del disco, en ‘Come Back Baby’: “cocaine concierge, longest runnin’ trapper of the year, stood the test of time like Dapper Dan”.

En este sentido, la presencia de Kanye West en ‘DAYTONA’ juega en favor y en contra del enemigo de Drake (hay canción dedicada al canadiense en el disco, ‘Infrared’). Porque si nadie puede dudar que eran las experimentales producciones de ‘My Name is My Name’ y ‘Darkest Before Dawn’ las que otorgaban personalidad al trabajo de Pusha, ‘DAYTONA’ a duras penas puede considerarse una continuación lógica de ‘Darkest Before Dawn’. De hecho, la producción de Kanye West es tan notoria -esos samples de soul y funk viejos editados en modo “copy/paste”- que el disco podría firmarse como una colaboración perfectamente. Y pese a ser mucho más conciso y económico que el álbum anterior, y cuando digo económico es en serio, en el disco no hay un solo segundo en silencio, ni siquiera entre canción y canción, se podría decir que ‘DAYTONA’ nos dice algo menos sobre Pusha T que sus trabajos anteriores, al menos en cuanto a lo musical. Desde el segundo cero, esto es un disco de Pusha T pero también de Kanye West, y se nota.

Se nota en primer lugar la maestría de un Pusha T que en ningún momento logra aburrirnos hablando de lo mismo, una y otra vez, como sí hace The Weeknd (por poner un ejemplo). El disco, cuyo título proviene del reloj favorito de Pusha y busca representar el “lujo del tiempo” para una artista que puede permitirse sacar disco “cuando quiera”, revuelve -como ya hacían las letras de Clipse- en temas como su pasado como traficante de drogas (en ‘The Game We Play’ llega a declarar que “este estilo de vida es para siempre”) y su presente como hombre rico e influyente en la industria. Pero Pusha siempre encuentra formas creativas de contarnos las mismas cosas, como en la vibrante pista inicial ‘If You Know You Know’, que Pusha dedica a su “fraternidad de traficantes” en frases memorables como “a rapper turned trapper can’t turn into us, but a trapper turned rapper can turn into Puff”, en referencia al exitosísimo Puff Daddy; o en la elegante ‘Come Back Baby’, donde Terrence celebra su éxito: “White on white, that’s the Testa, black on black, that’s the Tesla, see these diamonds in this watch face? All that shit came from pressure”.

Si es en las letras de ‘DAYTONA’ donde Pusha T establece su presencia en el disco, la producción de Kanye vuelve a ser, por momentos, un verdadero ejercicio de arqueología musical, como en ‘The Game We Play’ y ‘Come Back Baby’, y en sus 7 pistas aporta un elemento muy clásico al sonido de Terrence. De hecho, en la sentimental ‘Hard Piano’, Pusha T rapea sobre no sentirse identificado con la nueva ola de raperos con el “pelo rosa”, clamando: “I’m too rare amongst all this pink hair, still do the Fred Astaire on a brick, tap tap, throw the phone if you hear the click”, antes de lanzar una pulla a quienes procesan una autenticidad fingida: “art baselin’ the bezel, your bustdown is bust down and don’t match the metal”. ‘DAYTONA’ suena clásico, pero a su vez nuevo, y aunque Pusha T y Kanye West parecen existir en mundos totalmente opuestos en estos momentos, como demuestra el verso de Kanye sobre su gorra MAGA en ‘What Would Meek Do?’, ambos hallan en el álbum un asombroso punto común en el que “street rap” y la suprema musicalidad y elegancia de hip-hop clásico dan con un sonido magnético y fresco. Es la reinvención definitiva de Pusha T, que seguro dará para más de 7 canciones en su siguiente proyecto, con o sin Kanye.

Calificación: 8,1/10
Lo mejor: ‘If You Know You Know’, ‘The Game We Play’, ‘Come Back Baby’, ‘Hard Piano’
Te gustará si te gusta: Kendrick Lamar, J. Cole, A$AP Rocky, el Kanye productor más que el rapero
Escúchalo: Spotify

Kraftwerk, teenagers en platillos volantes

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Muchos fueron los que en 2016, con los fallecimientos de Prince y David Bowie, se lamentaban de no haber visto a ninguno de los dos de gira por nuestro país. En el caso del de Minneapolis porque desde 1999, a pesar de numerosos conciertos por Europa, España no era incluida en sus tours. Y con Bowie hay que remontarse hasta 1997, elevando a los altares lo que fue la gira por ciudades como Madrid o San Sebastián de ‘Earthling’, que en su momento tuvo que ver reducido de manera drástica su aforo (!). A diferencia de Kraftwerk, ambos en mayor o menor medida siguieron publicando material nuevo en este siglo XXI, mientras que los alemanes, despreocupadamente, permanecen concentrados en sus giras, tan abundantes que en el último lustro han pasado, con el espectáculo 3D, dos veces por Barcelona y ocho días seguidos por el Museo Guggenheim de Bilbao, interpretando sus ocho álbumes principales. Fotos: Jorge Fuembuena.

Sin lugar a dudas, esta nueva cita en la capital para la banda de Ralf Hütter, único miembro fundador que queda de la formación original, era un caso aparte. ¿Qué artista a día de hoy se puede permitir salir de gira, sin material inédito y repitiendo casi al milímetro cada actuación? Si al interrogante le añadimos la escasa pompa, la austeridad que supuso no mediar palabra hasta el final con un “buenas noches”, el anonimato de sus cuatro miembros en favor de la robótica, y la estética uniformada, solo nos queda la lealtad intacta de la relación que siempre ha habido entre el hombre y las máquinas. Un principio, ajeno a modas pasajeras, que se consolidó con la publicación hace cuarenta años en 1978 de ‘The Man Machine’.

No es casual que sea este, tras un arranque con ‘Numbers/Computer World’, ‘Home Computer’ y ‘Computer Love’, el álbum del que más canciones escuchamos en el Jardín Botánico de Madrid el pasado sábado, sobre todo porque se ajusta perfectamente a la filosofía de los alemanes. Sonaron ‘The Robots’, especialmente jaleada en los bises; ‘Spacelab’, con el detalle de incluir imágenes de la Plaza de España y la Gran Vía junto a un platillo volante en 3D, que supuso el griterío de la grada; ‘The Model’, con la oportunidad de escuchar la voz en directo de Ralf Hütter; ‘Neon Lights’, con unos visuales un tanto viejunos pero que por fortuna no cayeron en la estética vintage; o la que daba título al disco con un vídeo en 3D que mantiene firme su vigencia.

También cayeron clásicos de la banda como el hipnótico ‘Tour De France’; un disperso ‘Autobahn’ que podría haberse sustituido por ausencias como ‘Antenna’ brindando una ocasión más para escuchar la voz en directo de Hütter; el poderoso ‘Radioactivity’ que desde las primeras notas, a tenor de la mar de móviles en alto, fue de los más inmortalizados; el portento antes del tiempo de descuento de ‘Trans Europe Express’, en contraste con una Europa cada vez más dividida; o tras casi dos horas firmes al pie de las mesas-sintetizadores, la despedida, paradójicamente, con ‘Musique Non Stop’. Una noche que sirve para poder decir “Yo vi a Kraftwerk”, principalmente a todo aquel que no se hubiera desplazado de Madrid por ver una institución que roza el estatus de franquicia pero sin faltar a sus principios. A sus admiradores nos volvieron a hacer viajar en platillos volantes con los pelos de punta, como aislados en una burbuja. 7,8.

‘Bitch She’s Madonna’, el libro de musicólogos, profesores universitarios y sexólogos españoles sobre la artista

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¿Recordáis que la Universidad de Oviedo estaba estudiando a Madonna? Pues el asunto ha dado para libro. La editorial Dos Bigotes publica esta semana ‘Bitch She’s Madonna’, un libro que celebra en España el 60º cumpleaños de la cantante, que se produce el próximo 16 de agosto y en JENESAISPOP estamos celebrando con una cuenta atrás de sus 60 mejores canciones. El libro se divide en ocho capítulos y engloba tres bloques temáticos: el primero se centra en su música (trabajos discográficos y giras en directo), el segundo aborda su producción audiovisual (cine, videoclips y publicidad) y el tercero analiza los discursos relacionados con el género y la sexualidad (feminismo, público LGTB y Sexología). Entre los autores está Mar Álvarez de Pauline en la Playa.

Los autores y autoras del libro son Eduardo Viñuela (Doctor en Musicología por la Universidad de Oviedo), Igor Paskual (músico, guitarrista y compositor de Loquillo), Lara González (diplomada en Magisterio con especialidad en Educación Musical, integrante de la banda Petit Pop), Jimena Escudero (profesora en el departamento de Filología Anglogermánica y Francesa de la Universidad de Oviedo, experta en el ámbito de la ciencia ficción y el feminismo), Cande Sánchez-Olmos (Doctora en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Alicante y licenciada en Periodismo), Mar Álvarez (licenciada en Historia y Ciencias de la Música e integrante de la banda Pauline en la playa), Laura Viñuela (licenciada en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Oviedo, donde cursó asimismo el Programa de Doctorado de Estudios de la mujer), Borja Ibaseta (coordinador de actividades del Centro Niemeyer), Iván Rotella y Ana Fernández Alonso (sexólogos). Todos ellos, según la nota de prensa, «están convencidos de que analizar a Madonna es profundizar en la evolución de muchos de los aspectos más relevantes de la sociedad de las últimas décadas».

La nota de prensa asegura que «Madonna sigue estando en la cumbre del pop internacional. Con cada nuevo trabajo, cada gira y cada videoclip, la cantante de Míchigan genera un enorme impacto mediático y moviliza a millones de seguidores, demostrando lo que ya es un hecho: se ha convertido en la artista femenina con la carrera de éxito masivo más larga y estable de la historia de la música popular». Continúa: «Madonna ha desafiado todas las normas al destacar como productora, empresaria y estrella del pop. A su paso, ha trastocado y transformado numerosas esferas de la historia de la música hasta alcanzar aspectos que incluso la trascienden, como su papel en la cultura audiovisual y de marketing, su discurso o su influencia en el feminismo, la comunidad LGTB y el sexo».

Desde Dos Bigotes aseguran que se tratan estos temas «desde un enfoque académico y lúdico (como buen libro pop)» y se trataría del «primer estudio cultural publicado en español sobre la artista». El libro cuenta con un diseño especial del ilustrador Raúl Lázaro, que «rompe con la imagen habitual del catálogo de Dos Bigotes al presentar una cubierta en papel espejo».

La nota concluye que «con la publicación de esta obra se pretende traer a España los llamados «Madonna Studies» y, en definitiva, poner de relieve la importancia de estudiar a los grandes referentes de la música popular como actores transformadores de la sociedad. Así, el origen de Bitch She’s Madonna se encuentra en el curso pionero «Who’s That Girl? Madonna y la cultura pop contemporánea» que en otoño de 2015 impartió el Aula de Música Pop Rock de la Universidad de Oviedo. El profesorado de aquel curso se reúne ahora en este volumen para aproximarse con pluralidad y solvencia a la amplitud de cuestiones relacionadas con la artista».

My Bloody Valentine demuestran la existencia de nueva música tocando un tema nuevo

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Después de tardar más de 20 años en publicar la continuación del seminal ‘Loveless’, no hay quien se fíe de los anuncios de My Bloody Valentine sobre sus nuevas grabaciones de estudio y su lanzamiento. En teoría sus nuevos planes son sacar «un par de EP’s, pero no de 4 canciones ni cortos«, y no estar esclavizados por el formato álbum. Se suponía que este verano sabríamos algo más al comenzar su gira, ha llegado el verano, ha comenzado su gira… et voilà.

El primer concierto del tour, que os recordamos incluye parada en Bilbao BBK Live en un par de semanas, ha sido el Meltdown de Londres comisariado por Robert Smith de The Cure, y este show ha incluido una canción nueva de la que por supuesto existen las pertinentes grabaciones online. El nuevo corte, sin título y 100% My Bloody Valentine, es fiel tanto a la distorsión como a la melodía pop que se vislumbra fácilmente. Según vemos en Setlist.fm, el tema permanece sin título conocido, y fue interpretado en cuarto lugar de un set que se cerraba como era de esperar con ‘You Made Me Realise’ e incluyó clásicos como ‘When You Sleep’ y ‘Only Shallow’.

También es una alegría comprobar que están incorporados hasta 4 temas de ‘m b v’, ’New You’, ’Only Tomorrow’, ‘Who Sees You’ y ’Wonder 2’; pues en algunos shows de la gira anterior, de manera absurda, el disco de 2013, con críticas excelentes, era ninguneado en directo.

Wilco darán su único concierto de 2019 en España en Azkena Rock

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Durante la celebración durante este fin de semana de esta edición de Azkena Rock Festival, en el que se han registrado más de 31.000 asistencias, esto es, más de 15.000 el viernes y más de 16.000 el sábado, se ha anunciado el primer gran nombre de la edición 2019. Serán Wilco, que además actuarán en «fecha exclusiva» en Vitoria-Gasteiz.

La edición del año que viene se celebrará los días 21 y 22 de junio. Los primeros bonos a precio especial se ponían a la venta solo durante este fin de semana a 80 euros dentro del recinto del festival, donde se anunciaba esta confirmación. Ahora mismo valen 90 euros a través de la web en lo que aún se considera una «oferta promocional».

La nota de prensa de Azkena no menciona si para junio de 2019 sabremos algo sobre nuevo material de la banda principal de Jeff Tweedy, pero sí que «Wilco llegará a Vitoria-Gasteiz en la única actuación que ofrecerán en el Estado en 2019». Hasta la fecha, el último álbum de la formación es ‘Schmilco‘ y el año que viene cumplirá ya 3 años.

Azkena Rock se ha celebrado este fin de semana con actuaciones como las de Van Morrison y Joan Jett & The Blackhearts como cabezas de cartel. Os dejamos con un par de vídeos de ambos.

Las claves visuales de los vídeos de The Carters, Rosalía, Christine and The Queens, La Casa Azul y Angèle

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Continuamos escurriendo como una toalla mojada algunos de los vídeos musicales más destacados de las últimas semanas. Un baño de referencias estéticas y narrativas que van de la Mona Lisa a La Juani, desde Epicuro a la Uma Thurman de ‘Kill Bill’.

‘Apeshit’, The Carters

En 1964, Godard rodó una de las secuencias más icónicas de la nouvelle vague: los tres protagonistas de ‘Banda aparte’ atravesando el Louvre a carreras. Esta escena logró capturar como pocas el espíritu de una época. La contracultura y el inminente Mayo Francés resonaban con fuerza profética en cada una de las zancadas de los tres amigos. Más de cincuenta años después, The Carters también parecen haber condensado en unos minutos el espíritu de una época. Si Anna Karina corría sonriendo sin ver a La Gioconda, Beyoncé y su marido se ponen delante de ella. Y es que, por mucho que ‘Apeshit’ apunte a discurso combativo y descolonizador -¿la cultura negra invadiendo el templo de la blanca?- al final es como ver a Gianluca Vacchi visitando el Louvre: el museo como fondo para vídeos de turistas multimillonarios. Por medio de ceremoniosos movimientos de cámara, la pareja y los bailarines aparecen delante de algunas de las obras más famosas de la pinacoteca. Poco a poco, esas imágenes van dialogando con imágenes de diferentes cuadros y esculturas, y con otras rodadas fuera del museo que parecen reinterpretar con actores esos cuadros y esculturas. Al final, las imágenes dan la razón al estribillo: “No puedo creer que lo hayamos logrado”… ser más famosos que la Mona Lisa.

‘Malamente’, Rosalía

Como diría Victoria Beckham: este vídeo huele a ajo. Desde que Almodóvar apareciera con traje de luces y peineta en los ochenta, los tópicos españolazos se han reinterpretado, manoseado y dado la vuelta de mil maneras a lo largo de los años. Nico Méndez, de CANADA, torea esta iconografía “tan nuestra” con la vista puesta en las 3000 viviendas, el feminismo quinqui y en Bigas Luna, el director que mejor supo combinar el chándal con los tacones, las tetas con la tortilla de patatas. Rodado en un formato tipo diapositiva (4:3 con los bordes redondeados) que parece inspirado en el de ‘A Ghost Story’, ‘Malamente’ mezcla tauromaquia, Semana Santa, polideportivo y extrarradio como quien compra un casete de Junco pagando con Face ID. El director maneja la cámara como si moviera un capote por el que pasan ideas tan afortunadas como el skater penitente, la “corrida de motos” o esa secuencia de la coreografía callejera montada con los bailes sincronizados en cuatro escenarios diferentes: el polígono, el interior del camión, el parking con los coches tuneados y el camping en el descampado.

‘Girlfriend’, Christine and The Queens

En la reciente ‘Las catedrales del cielo’, el novelista francés Michel Moutot narra la historia de los obreros de la tribu india mohawk, unos hombres que levantaron los grandes rascacielos de Nueva York y que, según dice la leyenda, no conocían el vértigo. Inspirado o no por la novela (o por la icónica foto de Charles Ebbets con los obreros almorzando encima de una viga del Rockefeller Center), Jordan Bahat, director de vídeos para Fun. o Meg Myers, convierte a Christine en una ironworker, una obrera sin vértigo que utiliza la pausa del almuerzo para invitar/desafiar a sus compañeros a bailar en las alturas como Michael Jackson. El vídeo mezcla la estética de las fotografías de Ebbets con la expresividad actoral y la potencia cromática de los musicales de Broadway de los años sesenta. La cámara se mueve como si fuera una grúa más de la obra, como una viga que los obreros esquivan mientas bailan en un andamio sobre las nubes.

‘Ataraxia’, La Casa Azul

Aunque más que ‘Ataraxia’ podría ser ‘La revolución sexual’ (no veo yo a Epicuro, y no digamos a Zenón, con estas imágenes en mente cuando hablaban sobre la “ausencia de turbación”), el director Juanma Carrillo, conocido por sus trabajos para La Bien Querida, intenta atrapar en su nuevo vídeo algo tan inaprensible como el amor y el deseo de la primera vez. La metáfora más eficaz para representarlo es la de la pareja levitando mientras se comen la boca. Sin embargo, quizá la imagen que mejor y con más potencia poética lo explica sea otra menos obvia: la de los amantes enlazados por los cabellos que aparece al principio del vídeo. Ese plano, que recuerda a la fabulosa ilustración de Sergi Pérez para la portada de ‘Netsuke’ (Blackie Books), parece anunciar el resto del clip: una serie de encuentros amorosos –en la calle, en los portales, en la sierra-, rodados con la retórica visual de Terrence Malick y guiños a Marguerite Duras, y que reflejan la imposibilidad de separarse del ser amado. Al final, el director confiesa evocar el ‘Shortbus’ de John Cameron Mitchell. Pero también, para seguir con el título de la canción, se podría ver (o sería bonito verlo) como una versión posmoderna y (poli)sexual del Jardín de Epicuro.

‘La Thune’, Angèle

Dinero, armas y selfies. La vida pasada por un filtro de Instagram. La directora Aube Perrie, habitual de los vídeos de la instagrammer Angèle, empuña la cámara como una pistola para disparar a su propia sien con una sátira sobre el (ab)uso de las redes sociales. Para ello, carga el arma con balas que descargan referencias: la estética de la mencionada aplicación, el género de la road movie, y el arquetipo cinematográfico de las asesinas glamourosas. De la Bonnie Parker interpretada por Faye Dunaway y su emblemática boina en ‘Bonnie & Clyde’, hasta la Uma Thurman y su no menos icónico traje amarillo de ‘Kill Bill’. Sin olvidar a ‘Thelma y Louise’ surcando el desierto de Arizona o un referente real, la modelo y cazarrecompensas Domino Harvey. Todas ellas están pasadas por el filtro de Instagram que embellece, distorsiona y unifica significados: apuntar con el móvil como quien apunta con un arma de fuego.

Taylor Swift sube al escenario a Robbie Williams y a Niall Horan, Harry Styles a Kacey Musgraves

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La gira de Harry Styles ha llegado a Nueva York y, a su paso por esta ciudad, ha dejado una colaboración digna de reseñar. Resulta que Kacey Musgraves, recientemente autora de ‘Golden Hour’, es la telonera actual de su tour, y se ha subido al escenario junto a Harry para interpretar una de las canciones favoritas de él, todo un clásico del country-pop de Shania Twain.

La escogida es ’You’re Still the One’, la cual seleccionamos recientemente como una de las mejores canciones de 1997. La versión es muy bonita aunque como podéis ver en los vídeos grabados, hay fans que se preocuparon poquito de enfocar a Kacey Musgraves pese a lo bien arreglada que iba.

Casi al mismo tiempo, otro ex One Direction se subía al escenario para interpretar junto a otra ex cantante country una canción. En este caso se trataba de Niall Horan, que ha sido invitado de la gira ‘reputation’ de Taylor Swift a su paso por Londres para un dueto de una canción de él, ‘Slow Hands’, en el que han improvisado unos simpáticos bailes. Un acto de generosidad de Taylor, quien supuestamente por cierto dedicara ‘Styles’ a Harry Styles.

Aunque la noticia de verdad llegaba un día después. Durante la segunda noche del ‘reputation tour’ en el estadio de Wembley de Londres, el invitado en la parte final de la gira de Taylor ha sido Robbie Williams, quien se ha subido al escenario para interpretar otra de las mejores canciones de 1997, ‘Angels’. Taylor comienza al piano y la verdad es que a ambos se les ve exultantes.




Shakira retira un collar de su merchandising por su parecido con la imaginería nazi

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Shakira continúa con la gira internacional de su disco lleno de hits El Dorado, que llegará en tan solo unos días a nuestro país. La última noticia que deja la misma es la retirada de un collar del merchandising oficial del tour. Algunos usuarios habían comparado estéticamente uno de los collares que se venden con la imaginería neo-nazi, como podéis ver en un tuit bajo estas líneas. A pesar de la ausencia de esvástica -lógicamente- en el objeto de Shakira, hay cierto parecido en el diseño de la parte exterior del colgante, y Live Nation ha decidido cortar por lo sano.

La promotora informa a través de Twitter de que el collar de Shakira se inspira en la imaginería pre-colombina. “Sin embargo, algunos fans han expresado su preocupación por que el diseño mantenga un parecido no intencionado con la imaginería neo-nazi”. Continúan: “Nos disculpamos sinceramente por este parecido que habíamos pasado por alto y hemos retirado el producto permanentemente de la colección del tour”.

Las fechas españolas de ‘El Dorado Tour’ son el 30 de junio en Barakaldo, el 1 de julio en A Coruña, el 3 de julio en Madrid, el 6 de julio en Barcelona y el 7 de julio de nuevo en la ciudad condal. Las entradas están a la venta en Ticketmaster.

The Carters se quedan sin top 1 en Estados Unidos, vendiendo 5 veces menos que ‘Lemonade’

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Como se venía temiendo durante toda la semana pasada, suponiendo su repentina subida a Spotify para arañar puntos, ‘Everything Is Love’ de The Carters está teniendo un impacto comercial bastante por debajo de lo esperado. Ahora se confirma que el disco conjunto de Beyoncé y Jay-Z se queda sin alcanzar el número 1 en Estados Unidos, a diferencia de lo que ha sucedido, muy holgadamente, con sus últimos largos de estudio por separado.

Es cierto que 5 Seconds of Summer, que se han hecho con el número 1 con su nuevo álbum ‘Youngblood’, se han servido de un acuerdo de «ticket bundle» (entrada para sus conciertos + álbum), pero también lo es que las cifras (de ambos protagonistas) han sido decepcionantes. Mientras ‘Youngblood’ ha vendido lo equivalente a 142.000 unidades (muy por debajo de sus dos anteriores discos), ‘Everything Is Love‘ se ha quedado en 123.000 unidades, un 19% de lo que vendía en su primera semana ‘Lemonade’. Es decir, ha vendido 5 veces menos que el gran disco de Beyoncé.

Según informa Billboard, de esas 123.000 unidades, 70.000 han sido ventas tradicionales (todas digitales tipo iTunes, pues no hay edición física al menos de momento), y el resto de puntos vienen de streaming y descargas de pistas sueltas.

Otras noticias que deja el Billboard 200 es la subida de ‘?’ de XXXTentacion del puesto 24 al 3 tras su asesinato; la entrada de Nas al número 5 con ‘Nasir’; y la de Christina Aguilera con ‘Liberation’ al número 6, superando en un puesto lo conseguido por ‘Lotus’ en 2012.

La canción del día: ‘Mortal’ es la simpática viñeta de Fantasmamidi de un pobre chico en busca de alivio

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El pasado 11 de junio se publicaba en Discos de Kirlian el debut de Fantasmamidi, el trío de post-punk y power-pop de Murcia compuesto por Borja Martínez Cebrián (voz, letras), Carmen Espín (bajo, guitarra, sintetizadores) y Pedro Bayona (teclados). Y el viernes llegaba el videoclip -compuesto por imágenes de series y anuncios antiguos- para uno de sus temas destacados, el que lo abre, ‘Mortal’.

‘Mortal’ es una simpática viñeta urbana -de 1 minuto y 59 segundos de duración- sobre un triste chico que busca droga en la ciudad. La letra tiene un punto cómico, con Cebrián cantando “el va buscando droga, en los bares, entre las olas”, como si el protagonista se hubiera embarcado en una travesía digna de ‘La odisea’. Sin embargo, la “mirada triste y vacía” del chico descrita en la letra denota una realidad más dura: ¿de qué huye esta persona? ¿qué busca aliviar tomando drogas?

Pese al ritmo animado de ‘Mortal’ y a su ufana melodía -el tema, como el disco de Fantasmamidi, remite a los 80 de Golpes Bajos y Parálisis Permanente-, subsiste en la canción un tono sombrío, un espíritu de abatimiento. El chico se deja convencer por sus amigos para “gastarse un dineral” en drogas, pero lo que la canción da a entender es que el chico preferiría estar haciendo otra cosa, como ser feliz. “Entre la vida y la muerte, siempre va”, nuestro protagonista, afrontando la vida con tedio, pero afrontándola al fin y al cabo.

Vetusta Morla, cómo hacer historia con los pies en la tierra

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Hace diez años estabas compartiendo emocionada aquel plano secuencia de ‘Un día en el mundo’ y ahora, cuatro discos después, tras encabezar multitud de festivales e incluso embarcarse en potentes giras por Latinoamérica, esa banda que parecía condenada a la normalidad logra una proeza inaudita. Anoche tuvo lugar el concierto en solitario más multitudinario de Vetusta Morla. Todo agotado. 38.000 personas alrededor de su particular hoguera por la noche de San Juan, situada en la enormidad de la explanada de la Caja Mágica. Se trataba, sin duda, si nos atenemos a infraestructura, organización y dinámicas dentro del recinto, de un festival. De un festival de un solo grupo que sigue sin conocer su techo. Fotos: María Macías

Aunque no es del todo cierto lo de un solo grupo, pues aunque no había verdadera obligación la banda tuvo de nuevo un gesto con Jacobo Serra, con quien existe una admiración mutua. Músico manchego apadrinado por Juanma Latorre que con su nuevo largo y el cambio de idioma está cosechando cada vez más adeptos. En general la atención del público estaría reservada totalmente a Vetusta Morla, pero aún así Serra consiguió sacar adelante un breve concierto en formato trío que acabo convenciendo y calentando aún más el ambiente. No por nada se despediría en comunión con buena parte del público, que coreaba el estribillo de “Icebergs”.

De vuelta a Vetusta Morla, subrayemos lo de grupo, porque lo logrado es aún más increíble si reparamos en la constante horizontalidad de la formación surgida en Tres Cantos, tanto en la parte creativa como en los directos. Sin ninguno de los seis destacando más de la cuenta ni un carisma apabullante que pudiese compensar la falta de ideas. Al fin y al cabo se trata de música, y todo se reduce a las canciones con el riesgo que eso conlleva. Así lo reconocía Pucho, aprovechando la oportuna noche de San Juan para describir ‘Mismo sitio, distinto lugar’ como un ejercicio de renovación en el que han quemado todo lo que no les gusta al tiempo que transitado por su pasado. Todo ello para llegar al mismo fin: la música. Esa que ahora comparten con miles de personas cada noche.

Pasaban las diez de la noche, a segundos de tener a la banda sobre el escenario cuando, apagadas las luces, las pantallas gigantes ofrecían un recorrido aéreo del recinto para hacernos idea de la inmensidad del asunto. Emoción a flor de piel y todo dispuesto para empezar, arrancando con la tensión baja del tema que da nombre a su último disco y con uno de sus indiscutibles nuevos hits, ‘El discurso del rey’. Primera cima de entusiasmo entre un público entregado desde el principio, heterogéneo y dispar por necesidad pero demostrando estar bien al día.

Aplauso aparte para las visuales y efectos de luces, especialmente con la estética de cómic desarrollada durante ‘Palmeras en La Mancha’, uno de los temas más guerrilleros de su más reciente repertorio. La idea de aprovechar los recursos al máximo sigue estando vigente en el seno de la banda y en su equipo, ahora de forma más grandilocuente. Tras prestar toda la atención necesaria al último disco, con algunas miradas al pasado en forma de la celebrada ‘Copenhague’ o una algo menos íntima pero igualmente vibrante ‘Al respirar’, la banda afrontaba un tramo final de locura con Pucho desatado, alentando al público con carreras de lado a lado del escenario al final de ‘La deriva’ y recorriendo el pasillo de pista con ‘Mapas’, cantando junto al público subido a las vallas -con el correspondiente personal de seguridad agobiado detrás de él- y aprovechando para chocar la mano con los técnicos. 

Era un día especial y correspondía acordarse no solo de todo el equipo tras una gira y un montaje tan ambicioso sino de causas justas, usando con responsabilidad la repercusión de la que ahora disponen. Pucho quiso reivindicar la figura de Jorge Aranda, juzgado por haber tratado de parar un deshaucio en Vallecas. “Pedimos que no se le de la vuelta al cuento y se juzguen a personas a las que no se les debe juzgar”, afirmaba. También hubo palabras al final del concierto en contra de la excarcelación de los miembros de La Manada y un mensaje claro que reinaba en las pantallas gigantes antes del concierto: “Solo sí es sí”. 


Con el público en el bolsillo y ganas de más llegarían dos imprescindibles de los primeros años de la banda, ‘Sálvese quien pueda’ y ‘Valiente’, todavía con la capacidad de hacer saltarlo todo por los aires. A continuación, una promesa cumplida de David Broncano durante su entrevista en ‘La Resistencia’, apareciendo en el escenario con careta de cerdo durante la performance de ‘Te lo digo a ti’, cuyo controvertido videoclip dirigía Nacho Vigalondo. Poco después, Pucho decía despedirse con ‘Fiesta mayor’ pero no coló demasiado, y durante esos pocos minutos de espera al bis el público hacía amagos de corear ‘Saharabbey Road’, actualmente fuera del setlist.


Efectivamente volvieron y regalaron al público otros tres momentos para el recuerdo: ‘Consejo de sabios’, ‘El hombre del saco’ y la emoción liberada de ‘Los días raros’, que daba verdadero fin a la noche. No sin antes pedir por una última vez la colaboración del público para el tradicional pequeño salto “mortal” post concierto. Es decir, 38.000 personas uniéndose a la banda en un gesto ritual que retrotrae al Sonorama de 2008, mediodía en la Plaza del Trigo, uno de los puntos de inflexión simbólicos en el ascenso imparable de la banda.

Caminando hacia la salida (recorrer la Caja Mágica cuenta como un día de gimnasio), un padre presumía con su hija de haber estado en un concierto con todavía más gente, el de unos tales Héroes del Silencio. Otra época, otro estilo y otras condiciones, pero si Vetusta Morla ha conseguido esto desde la más pura autogestión será mejor no ponerse un techo. Acostumbrados además como nos tienen a seguir doblando la apuesta.

KIDS SEE GHOSTS / KIDS SEE GHOSTS

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Tiene cierta gracia escuchar en el álbum de KIDS SEE GHOSTS, el proyecto conjunto de Kanye West y Kid Cudi, el fragmento de un discurso del periodista y predicador afroamericano Marcus Garvey en el que clama que “cuando el hombre se hace poseedor del conocimiento sobre sí mismo, se convierte en amo de su entorno”. ¿Qué frase puede describir mejor a Kanye West? Nunca ha estado claro que West sea consciente de algo que no sea sí mismo, y sin embargo, aquí estamos todos pendientes, una vez más, una y otra vez, de lo que tiene que decir.

Por suerte, si ‘ye’ era un disco de Kanye West sobre Kanye West, ‘KIDS SEE GHOSTS’ reparte la atención entre dos narradores como son West y Cudi, quien además tiene cosas más interesantes que decir, o al menos un enfoque más interesante con el que contarlas. Es Cudi quien más se abre emocionalmente en los versos el disco, cantando en ‘Reborn’ que la “paz es algo que empieza conmigo” y que ha “renacido”, aunque a veces se sienta perdido, sin rumbo y “propósito”, y se sienta “indigno”. En su lugar, West parece en esta misma canción más hostil, recordando que iba “a la deriva” sin sus “medicamentos” y que le llamaban “loco”,y rematando irónicamente: “qué maravilla, que te engulla la vergüenza, quiero toda la lluvia, quiero todo el dolor, quiero toda la culpa”.

No es tan diferente el West de ‘ye’ del de ‘KIDS SEE GHOSTS’ en cuanto a letras, porque la música sí es bastante distinta. Donde en ‘ye’ había tensión, en ‘KIDS SEE GHOSTS’ hay… ¡guitarras eléctricas! ¡formas propias del rock! y sobre todo sus pistas son pura expresión. La agresiva y onomatopéyica ‘Feel the Love’, con rap único de Pusha T, es el ejemplo más claro, ya que remite a ‘Yeezus’. Pero es una expresión distinta dependiendo de quién proceda. Por un lado, Cudi suena sereno en el estribillo de ‘Fire’ “en este camino encuentro, las heridas que dejé atrás”, por el otro, West suena totalmente delirado en ‘Freeee’ -una reinterpetación de ‘Ghost Town’- cantando que se siente “libre de dolor”, pero pareciendo que ha confundido locura con libertad. Ese “freeeeee” no suena a “renacimiento”, sino a caída en los infiernos, y la canción no podría ser más inquietante.

Es ese elemento inquietante el que mueve ‘KIDS SEE GHOSTS’. Los “fantasmas” evocados por West y Cudi, e ilustrados en la fantástica cubierta del disco por Takashi Murakami, suponen en un primer caso un reencuentro de West y Cudi con la inocencia perdida en la edad adulta, y en un segundo, es un enfrentamiento directo a esos mismos fantasmas que les atormentan. Porque en el disco, West y Cudi no solo rapean sobre fantasmas (sus problemas mentales y con las drogas, entre otras cosas), se rodean de ellos. Las bases musicales de por ejemplo ‘Kids See Ghosts’ y ‘Freee’ no podrían ser mas siniestras, mientras la presencia en el disco, vía sample, de fantasmas como Louis Prima en la inquietante ‘4th Dimension’ y Kurt Cobain en la emotiva ‘Cudi Montage’ realzan ese lado misterioso que define ‘KIDS SEE GHOSTS’ de manera elegante y creativa.

Quizás el mayor logro de ‘KIDS SEE GHOSTS’ sea que, partiendo de un concepto tan consabido como el de “expresar fantasmas”, lo haga desde un punto de vista muy fresco, que en lo musical nunca cae en lugares comunes y siempre logra sorprender. En este sentido, West como productor y, sobre todo, como director artístico es un absoluto maestro -algo que ya sabíamos-, y aunque aquí no es ni de lejos el mejor rapero, su presencia es innegable y esencial. No, esta no es la obra maestra que tantos medios han querido vender tras la mini decepción -para muchos- de ‘ye’, pero con 7 pistas y 23 minutos de duración, poco tiempo tenían West y Cudi, aunando fuerzas, para hacer algo demasiado mal. En ‘KIDS SEE GHOSTS’ ambos se ayudan mutuamente, y demuestran que, dándose la mano, valen más juntos que cualquier “beef” que hayan tenido en el pasado.

Calificación. 7,5/10
Lo mejor: ‘Feel the Love’, ‘4th Dimension’, ‘Reborn’
Te gustará si te gusta: el rap americano y no te da pereza últimamente Kanye
Escúchalo: Spotify

Muere Edu del Prado de ‘Un paso adelante’

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Edu del Prado, quien formara parte del reparto de ‘Un paso adelante’ y fuera integrante de UPA Dance, la banda musical que surgió de aquella serie, ha fallecido este sábado a los 40 años tras “una larga enfermedad” en Valencia, según ha informado BroadwayWorld Spain en un comunicado: «Con gran tristeza, compartimos la noticia de que Edu del Prado ha fallecido. Descanse en paz».

Tras publicar varios discos a finales de los 90, uno de los cuales produjo el single ‘Si disparas tú’, Edu del Prado (nacido Eduardo Engonga del Prado, en 1977) se incorporó, en 2000, al reparto de ‘La magia de Broadway’ junto a Marta Sánchez, y en 2004 se sumaría al de ‘Un paso adelante’, la famosa serie de baile de Antena 3, en la que interpretó a César Martín. Más tarde, del Prado formó parte de UPA Dance en su segunda etapa, junto a Miguel Ángel Muñoz y Elisabeth Jordan. Durante este tiempo, del Prado actuó en el musical ‘CATS’.

En los últimos años, el actor y músico valenciano publicó el single ‘1, 2, 3, 4 (Don’t You Think)’ y había aparecido en varios talents en Francia como La Voz Francia y Star Academy, en este último caso como profesor. Su ex compañera de reparto, Beatriz Luengo, le ha recordado en Instagram, escribiendo: “Tantos recuerdos en mi corazón, lo conocí con 11 años en mi proyecto Tattoo, él ya era un ídolo con su primer disco. Después compartimos teatro, giras de teatro, Upa… Descanse en paz”. También Raquel del Rosario de El Sueño de Morfeo, hermana del marido de del Prado, y el locutor Tony Aguilar le han dedicado unas bonitas palabras.

El pasado día de reyes, el chico de la derecha entró como un huracán de buena energía en nuestra casa de Teror y apretó un poco más el lazo que nos unía como familia. Vino a recordarnos que el amor hace que los miedos se desvanezcan, desde ese día todo es mejor. El chico de la izquierda es mi hermano mayor, Misael, su marido, que en las últimas semanas me ha enseñado un montón de cosas (más) mientras nos acompañábamos en la distancia. Estoy deseando abrazarle. Ahora Edu está en otro lugar, y aunque una entiende que este es un viaje corto y que no es el final, no puedo evitar que el corazón se me rompa un poquito hoy. Gracias Edu, sigue brillando. Feliz vuelo, te queremos. ❤️

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La canción del día: ‘Immaterial’ de SOPHIE es un himno de la modernidad líquida

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Hacia la mitad de ‘Oil of Every Pearl’s Un-Insides’, el nuevo álbum de SOPHIE se hunde en aguas desconocidas, llevándonos por una serie de evocadores temas ambientales o algo más abstractos que prometen un no-retorno a los “bangers” que de hecho le dan incio, ‘Ponyboy’ y ‘Faceshopping’. Pero entonces llega ‘Immaterial’.

Conocida en foros como ‘Immaterial Girl’ desde que SOPHIE la presentara en directo hace unos meses, por su mismo título y sobre todo por su estribillo “immaterial girls, immaterial boys”, la pista 8 del álbum debut oficial de SOPHIE remitía a ‘Material Girl’ de Madonna, con quien de hecho la productora escocesa ha colaborado. Es, sin duda, la canción más pop del álbum. Sin embargo, más de 30 años después de la publicación de aquella canción, en la que Madonna subvertía el rol de género tradicional cantando que ella, una mujer, tenía más dinero que muchos hombres, SOPHIE se encuentra en un “mundo totalmente nuevo”, en el estado más avanzado de lo que Zygmunt Bauman ha venido a llamar “modernidad líquida”, en el que las identidades humanas ya no se definen tanto por la rígida dualidad hombre vs. mujer, sino que son en sí mismas flexibles, elásticas, permutables y, como en el caso de esta canción, “inmateriales”.

La identidad “inmaterial” a la que SOPHIE dedica esta canción no es sino una metáfora sobre su experiencia como mujer transexual en la niñez. Hacia el final de la canción, su intérprete Cecile Believe de Mozart’s Sister emplea una voz aguda, manipulada al extremo, para evocar la infancia de SOPHIE, dirigiéndose a su yo pasado y cantando “yo solo era una chica, a ojos de mi niña interior, pero podía ser lo que quisiera, y no importa adónde vaya yo, tú siempre estarás en mi corazón”. SOPHIE celebra en ‘Immaterial’ que podía convertirse en “todo lo que yo quiera, en cualquier sitio, cualquier persona, cualquier estilo y forma, todo lo que quiera”, pero a la vez se muestra perdida, preguntándose: “sin mis piernas ni mi cabello, sin mis genes ni mi sangre, sin nombre y sin ningún tipo de historia, ¿dónde vivo? ¿dónde existo?”

La belleza de ‘Immaterial’ es que expresa la validez de una identidad “inmaterial”, de espíritu, que puede llegar a ser muy familiar al colectivo LGBTQI+, y lo hace mediante unos ritmos contundentes, bailables e incluso un poco “bubblegum”, constituyendo un verdadero himno que en directo se crece como una bestia. Con su misma presencia, pero sobre todo con canciones como esta, SOPHIE está haciendo exactamente lo que hizo Madonna en los 80, representar una verdadera revolución en la sociedad. Hemos pasado de “chica material” a “chica inmaterial”, pero por suerte, y aunque algunas cosas sigan igual, el cambio va mucho más allá de un nombre.

Vinnie Paul, batería y co-fundador de Pantera, muere a los 54 años

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Vinnie Paul, batería y uno de los miembros originales de Pantera, ha muerto este viernes a los 54 años, ha confirmado el grupo en Facebook. No han trascendido más detalles sobre el fallecimiento de Paul, quien también era integrante de Hellyeah, y el grupo ha pedido respeto por la privacidad de la familia en estos momentos.

Paul formó Pantera en 1981 junto a su hermano, el guitarrista Dimebag Darrell y el vocalista Terry Glaze, con quien publicarían tres discos antes de sustituirle Phil Anselmo en 1986. La formación completada por Rex Brown se convertiría, durante la década de los 90, en una de las bandas de heavy metal más influyentes del mundo, gracias al sonido “groove metal” exhibido en discos como ‘Cowboys from Hell’ (1990), ‘Vulgar Display of Power’ (1991) y ‘Far Beyond Driven’ (1994), que logró ser número uno de ventas en Estados Unidos.

Tras surgir tensiones entre Anselmo y el resto de miembros de Pantera, debido a la adicción de Anselmo a la heroína, Paul y su hermano Dimebag Darrell disolvieron Pantera en 2003 y formaron otra banda (sin Anselmo), Damageplan. Un año después, Dimebag sería asesinado de un disparo por un fan durante un concierto del grupo en Columbus, Ohio, en el que murieron otras cuatro personas, incluido el asesino. En 2006, Paul se integró en la formación de Hellyeah junto a Chad Gray de Mudvayne y Tom Maxwell de Nothingface.

Cardi B supera el millón de unidades, lo nuevo de Lily Allen… no

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Hits


Cardi B ha superado hace unos días el millón de unidades vendidas de su debut oficial ‘Invasion of Privacy‘ según las estimaciones de Mediatraffic. Las estimaciones incluyen puntos de streaming, enormes en Estados Unidos para temas como ‘Bodak Yellow’, su hit latino ‘I Like It’ y, en menor medida, ‘Be Careful’. El álbum se ha mantenido fuerte en listas desde su lanzamiento hace dos meses y medio y permanece aún en torno al top 5 después de haber sido número 1. Sin duda es uno de los discos del momento en América y ya solo ese disco de oro (500.000) que le han dado en Estados Unidos garantiza una buena cifra a nivel mundial.

Pero Cardi B también goza de considerable aceptación en otros lugares. En Reino Unido ha sido número 5 en álbumes y, diez semanas después de estar en el mercado, aún es top 24; mientras que en países como el nuestro lógicamente no vas a encontrar ya ‘Invasion of Privacy’ en el top 100 de ventas, pero sí -ojo- en la lista de «streaming álbumes». En esta última tabla es número 89 tras haber alcanzado el puesto 12, sobre todo animado por el éxito de ‘I Like It’, que se ha quedado a las puertas del top 10 de singles en España.

No parece que la popularidad de Cardi B vaya a decaer y la pregunta es si será capaz de reafirmar este éxito con algún otro sencillo futuro del álbum. Si sí, los 2 millones de unidades la esperan. Si no, en todo caso con estas cifras ya estamos ante uno de los grandes éxitos comerciales de 2018.

Flops


No va a ser el año de Lily Allen si no pasa un verdadero milagro con algunas de las canciones de ‘No Shame‘. Los singles previos del álbum han sido recibidos con la mayor de las indiferencias en todo el mundo, la decisión de lanzar ‘Lost My Mind’ antes del álbum es totalmente errada y mucho va a tener que cambiar la cosa para que pase algo con ‘Apples’, ‘Your Choice’ o ‘What You Waiting For?’. De hecho, ‘Apples’ no está en la lista de temas que Lily proponía como posibles sencillos en una encuesta en su Twitter, encuesta que se resolvía en favor de ‘Come on Then’.

¿Cuáles son los datos a día de hoy? ‘No Shame’ es el primer disco de Lily Allen que no es top 2 en Reino Unido, ha quedado en el puesto 8, pero lo peor es que se espera que en la segunda semana caiga fuera de todo el top 40. Es en Reino Unido donde es una diosa, por lo que casi ni merece la pena mencionar que el álbum ha sido número 168 en Estados Unidos (su peor resultado, por mucho), número 68 en Holanda (su peor resultado, por mucho) o número 20 en Irlanda (su peor resultado, por mucho).

El largo lapso entre discos, la mala recepción de ‘Sheezus’, su controvertida imagen pública y la falta de un sencillo tan contundente como ‘Not Fair’ parecen las causas del que puede ser el último álbum de Lily Allen para Parlophone. Una pena porque el disco no está nada mal.