Es curioso cómo un disco te resulta especial casi desde el primer instante por circunstancias no estrictamente técnicas ni musicales, sino afectivas y personales o vaya-usted-a-saber-cuáles. Es lo que a mí me sucedió con ‘Los excesos de los niños’ de Alborotador Gomasio, un disco que me sonaba (y me sigue sonando, que quede claro) arrebatado y excitante. Supongo que es lo mismo que a muchos les puede suceder con ‘Luz y resistencia’, el tercer disco del grupo madrileño, aunque para mí haya perdido ese valor extra que supone el efecto de lo inesperado, la sorpresa.
Eso, que quede claro, es bueno si implica, como es el caso, que nos regalen otro buen puñado de canciones fantásticas, inapelables reinterpretaciones del power rock de Hüsker Dü/The Replacements con un filtro, como ellos mismos reconocen en su nota de prensa, de esa cosa tan indefinible que llamamos “pop madrileño” y que puede englobar tanto a Los Secretos u Hombres G como a Cosmen Adelaida o Rusos Blancos. Los “singles” ‘La reacción impotente’ y ‘Hacia el vacío’, junto con unos brutales ‘Parece que no pasa el tiempo’ y ‘Detrás de ti’ ejercen de ariete imparable con el que ‘Luz y resistencia’ entra en nuestras vidas, de nuevo, como un huracán.
Su título parece evocar su filosofía como banda: tras una década, su apuesta ha sido siempre la misma, tirar por las canciones y la melodía indefectiblemente. Sin embargo, apoyados en la producción rocosa e imaginativa –es una delicia escuchar el trabajo de las múltiples capas de voz con auriculares– de Carlos Hernández (Los Planetas, Triángulo de amor bizarro), en esta ocasión el cuarteto ha demostrado inquietudes por agitar la creatividad, no relajarse en patrones ya dominados. Más allá de la simpática trompeta de ‘Vendaval’ y la interesante coda al piano tras ella (‘Gritan sus nombres’), destacan, por un lado, las armonías vocales entre Koldo y Marco, con los coros de Miguel, que están cuidadas al máximo y se miran en Juan y Junior (‘El sitio donde empezó todo’) a lo largo de todo el álbum. Nunca sobra esforzarse por cantar lo mejor posible. Y por otro, el arrebato punkarra que en su anterior obra emergía en un par de ocasiones desaparece aquí y deja paso a coqueteos con la electrónica, en los que son capaces de lo mejor (‘Agosto, bailando el caos’ no solo es LA canción del disco, para mí, sino también una de las grandes canciones en español que escucharemos este año, también en el plano poético) y lo peor (‘Errores’ no es de sus mejores canciones y se nota más con el tratamiento sintético).
Apostaría a que ni ellos mismos lo ven así pero, desde fuera, ‘Luz y resistencia’ se percibe como un muy buen disco de transición entre los modos que manejan con sobrada soltura y otros nuevos con los que se atreven, valientes, y que pueden marcar su futuro. Aunque no me cabe duda que también habrá quien vea en él una inesperada revelación, y ‘Luz y libertad’ se tornará mágico. Qué grande es el pop.
Alborotador Gomasio presentan ‘Luz y resistencia’ este sábado, 3 de febrero, en el Café La Palma de Madrid.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Agosto, bailando el caos’, ‘Hacia el vacío’, ‘La reacción impotente’, ‘Detrás de mí’ Te gustará si te gustan: Puzzles y Dragones, Cosmen Adelaida, Hüsker Dü Escúchalo:Spotify
Mike Milosh está aprovechando la promoción del lanzamiento del esperado segundo disco de Rhye para dejar un par de cosas claras: primero, que Rhye nunca fue un dúo, sino un proyecto suyo –Robin Hannibal grabó con él el celebrado ‘Woman’, sí, pero su trabajo en el proyecto quedó ahí–; y segundo, que en estos 5 años transcurridos ha estado lejos de estar inactivo. Más bien al contrario, el artista canadiense se ha dedicado a consolidar este proyecto con una banda en directo con la que ha ofrecido cerca de 500 conciertos, poca broma. De hecho, ese sonido de directo es el que ha conformado el sonido de ‘Blood’, su nuevo álbum
Y es que, en esta ocasión, las canciones han partido de las ideas que él y sus músicos han desarrollado durante las giras, y no al revés. Por eso la pátina electrónica en este nuevo disco cede peso ante sonidos más orgánicos y, en general, estamos ante arreglos mucho más sutiles y delicados. Pianos, coros, cuerdas y guitarras (eléctricas, pero también acústicas) constituyen un elegante, mullido y cálido tejido, perfecto para unas composiciones que se alejan casi completamente de los arrebatos bailables del debut, aquí limitados apenas a unas ‘Feel Your Weight’, ‘Count to Five’ y ‘Phoenix’ muy ‘Random Access Memories’ –serán esas guitarras tan Nile Rodgers–. En ese punto, se echa de menos aquella maravilla que Roosevelt creó a partir de la teórica «cara B» ‘Summer Days’.
Prácticamente todo el resto de ‘Blood’, a excepción de la fantástica ‘Taste’, alcanza a duras penas la cadencia de medio tiempo. Música perfecta para una quiet storm que recupera el soul y R&B sensual post-Barry White, con Sade como principal referente, pero también Luther Vandross o Anita Baker. Sensualidad que no solo debemos entender como sinónimo de sexo –que también: las apelaciones a la anatomía son constantes–, sino más bien de intimidad: susurros, miradas, caricias, confesiones y abrazos son el ecosistema en el que se desarrollan las historias de deseo, pero también de miedo, inseguridad y desesperanza, de Milosh.
En el plano de la cuasi-balada, ‘Blood’ llega a ser algo monocorde, con cortes que, pese a su innegable elegancia, recuerdan demasiado a otros pasajes del disco más carismáticos (‘Song for You’ y ’Blood Knows’ lastran el conjunto del álbum). En ese sentido, ‘Woman’ ganaba la partida porque ofrecía más variedad y, por tanto, se hacía más dinámico. Pero eso no quita que Rhye alcance momentos de auténtica sublimación en cortes como ‘Please’, ‘Stay Safe’ o ‘Sinful’ (una especie de reprise de ‘Taste’ con un tratamiento instrumental distinto al resto que se agradece horrores) que, en este caso sí, son perfectamente identificables y pugnan por ser lo mejor de un disco que funciona maravillosamente bien en conjunto, con algunos destellos puntualmente irresistibles. Quizá, se echa en falta alguno más de estos.
Calificación: 7,4/10 Lo mejor: ‘Taste’, ‘Please’, ‘Count to Five’, ‘Stay Safe’ Te gustará si te gustan: Sade, How To Dress Well, Kindness, Anita Baker Escúchalo:Spotify
Este viernes 2 de febrero se publican varios singles destacados, entre ellos el de Iggy Azalea con Quavo de Migos, ‘Savior’, que sin embargo ya ha llegado a la red, al ser ya viernes en Oceanía. La canción arranca con Azalea cantando la frase “been around the world, ya ya ya”, una melodía que extrae, lo has adivinado, de ‘All Around the World’, el exitazo de Lisa Stansfield de 1989.
‘Savior’ es una canción de ritmo caribeño, más en el estilo de Drake que en el de J Balvin, y con un punto oscuro en sus sonoridades electrónicas que puede recordar a ‘Bon Appétit’; en el que Azalea combina melodías cantadas con versos rapeados y nos canta sobre su búsqueda de un amor que la salve. La canción tiene bastante gancho -esos cánticos “na na na eh”- y su producción es bastante elegante: la duda es cómo encajará el público un gancho “sampleado” tan obvio como el de ‘All Around the World’.
‘Savior’ es un nuevo intento de Azalea por recuperar el éxito de antaño. Ninguno de sus canciones recientes, la durilla ‘Mo Bounce’ y la más amable ‘Switch’ con Anitta, han logrado gran repercusión en ninguna lista oficial o en streaming, con la mala suerte que para la segunda se llegaba a realizar un videoclip que más tarde se cancelaba, tras filtrase en la red. Nada se sabe, por tanto, de aquel disco titulado ‘Surviving the Summer’ en el que supuestamente Iggy está trabajando.
Curiosamente, ‘Savior’ coincide por poco con la salida del nuevo single de Stansfield, ‘Everything’, publicado el 8 de enero.
Si te sientes mal porque una canción latina, bailable y en castellano no representará a España en Eurovisión, si estás comprobando con frustración cómo ‘Lo malo‘ supera los ya de por sí salvajes streamings de ‘Tu canción’ en Spotify y cómo de hecho se posiciona entre los mayores virales a nivel global, tenemos una noticia que va a terminar de alegrarte el día: puede que otro u otros países acudan al festival con una canción latina, bailable y en castellano al completo o casi al completo.
Es el caso del enorme vídeo que trae flipe_gr a nuestro foro de Eurovisión, en el que vemos a Nicoleta Sava interpretar su canción. Se trata de una de las aspirantes finalistas para representar a Moldavia en el festival, lo que se decidirá en la gala que se celebra el 22 de febrero. No vemos la hora de que llegue este día del mes, pues Nicoleta va a montar toda una fiesta en el escenario al ritmo de su vibrante estribillo «Tú me haces sentir toda la esencia del sur». Aunque lo mejor viene en el puente final cuando esta canción, ‘La esencia del sur’, tan influida por los sendos tops 10 en el festival de ‘Bandido’ y ‘Dime’, se arranca: «olé ese ritmito sensual» (¿o dice sexuarl?) y «olé, olé y olá». Todo ello a «menos 12 grados centígrados», como bien apunta nuestro forero AdriEv.
Mejor aún, como recopilaban en Vanity Fair hace unos días, son muchísimos los países que cuentan entre sus candidaturas con temas en castellano, a remolque del éxito que han tenido ‘Mi gente’, ‘Despacito’, ‘Me enamoré’ o ‘Felices los cuatro’ en muchos de los países de la Europa continental, así cantados en castellano tal cual.
Aunque insistimos en que todos estos temas aún tienen que superar la respectiva final nacional, y algunos más que latinos son EDM muy pasado de rosca, es probable que alguno lo consiga o surjan otros nuevos. Al fin y al cabo, si no gana este año un tema reggaetón o latino, debe de estar al caer…
Os dejamos con ‘Enamórame’ y ‘Puerto Rico’, propuestas de Armenia; ‘Renacer’ por Rumanía interpretada por Waleska de Espania, y ‘Una oportunidad’, también por ‘Rumanía’.
Charlie Puth ha concedido una entrevista en profundidad a Billboard que supone todo un lavado de cara, el definitivo para su carrera tras el éxito de sus últimos singles, ‘Attention‘ y ‘How Long’. El cantante y autor para otros artistas habla con mucha amargura de su disco de debut, y además el artículo incluye una declaración de Dionne Harper de Atlantic Records, quien reconoce que el primer álbum de Puth tuvo que adelantarse por el éxito mastodóntico de ‘See You Again’, que nadie vio venir.
Dice el bueno de Charlie: “Me pasó todo lo que no quería que me pasara: todas las típicas cosas que oyes que le pasan a un chico joven al que contratan en la industria musical me pasaron a mí. Me dijeron que hiciera esto, esto y esto. No quería hacer nada de eso, y simplemente fui donde me llevaban los golpes». Para empezar, él nunca quiso cantar ‘See You Again’, que escribió para Sam Smith, y ahora dice estar de acuerdo con la nota que su debut ‘Nine Track Mind’ terminó teniendo en el site que reúne críticas de decenas de medios, Metacritic, un 37/100. «Tiene la puntuación más baja de la historia de Metacritic, ¿verdad?», pregunta, cuando según Billboard tiene la 15ª puntuación más baja de la historia. «Pues estoy de acuerdo con la nota», sentencia. «Ese álbum no soy yo en absoluto», dice, aunque más tarde rescata de él el dúo con Selena Gomez, ‘We Don’t Talk Anymore’.
Ahora dice que no se sintió «artista» hasta que salió ‘Attention’. “Y creo que la gente está empezando a entenderlo”, añade, asegurando que ha tomado el control de su carrera y que está produciendo él mismo todo su segundo disco, ‘VoiceNotes’, que ha retrasado de enero a mayo para poderlo perfeccionar.
Mientras reconoce que Ryan Tedder es su modelo a seguir, cuenta que quiere hacer un disco de pop que le dé a los adolescentes la misma emoción que sienten cuando escuchan “algún tipo de hip-hop” y cita ‘Mask Off’ de Future como ejemplo. También asegura que quiere hacer «la versión moderna de ‘Come Back To Me’ de Janet Jackson», una deliciosa producción de ‘Rhythm Nation 1814’ (1989), con la que os dejamos.
WAM, que se celebra a principios de mayo en Murcia, en concreto los días 4 y 5 en La Fica, y encabezado por las actuaciones de Kasabian, alt-J, Vitalic, Izal, Biznaga, El Columpio Asesino o la Yelle Club Party, ha confirmado nuevos nombres para su cartel. Se trata de Nada Surf y The Bloody Beetroots, junto a Joe Crepúsculo (que tuvo que cancelar el año pasado en el último minuto por un problema familiar), Cooper, Modelo de Respuesta Polar, Nunatak, Murciano Total y The Yellow Melodies. Los abonos, que cuestan 45 euros ahora mismo, suben de precio esta noche. La organización informa de que los abonos VIP están a punto de agotarse. Ambas modalidades están disponibles a través de Ticketea.
Mientras Nada Surf acuden en el marco de la gira del 15º aniversario de ‘Let Go’ (también tocando hits de sus 20 años de carrera), los rockeros The Bloody Beetroots presentarán su tercer largo ‘The Great Electric Swindle’. Cooper presentará nuevo álbum (‘Tiempo, Temperatura, Agitación’) tras celebrar sus 30 años en la música, y Modelo de Respuesta Polar harán lo mismo con su disco editado el año pasado, ‘Más movimientos‘, que curiosamente contenía una gema oculta llamada como la canción de moda ahora mismo en España, ‘Lo malo’ ‘Tu canción‘.
El dúo de Baltimore Wye Oak llega a su quinto disco el próximo 6 de abril. El largo se llama ‘The Louder I Call, The Faster It Runs’ y se presenta con un single homónimo estupendo que se ha estrenado esta misma semana.
Esta canción de Wye Oak nos lleva de la mano al mejor indie-rock llenaestadios de la década pasada, en concreto a aquel que conocimos de mano de Death Cab for Cutie, Broken Social Scene, Stars o Spoon. Y es que en esta producción en cuyo estribillo se repite el título ‘The Louder I Call, The Faster It Runs’ de manera obsesiva, y con alguna variación, cabe tanto la fuerza de las guitarras eléctricas como una serie de sintetizadores muy ajustados a la letra.
Estamos ante una canción in crescendo en la que la frustración (“puedes tenerlo todo y aún no tener nada”) va dando paso a la esperanza, porque “cuanto más largo es el día, más cerca nos quedará el sol”. Según la nota de prensa, la paradoja es deliberada, pues se describe este tema muy acertadamente como “un bucle de ansiedad y exuberancia, con un estribillo derivando en cascadas de armonía magnética”; como “un hechizo que gritar contra los males del mundo”.
Esa nota anuncia el disco «más grande, atrevido y expansivo que Wye Oak han hecho jamás» y desde esta canción, nos lo creemos un poquito.
La Mar de Músicas de Murcia llega a su 24ª edición anunciando un cartel de lujo por el que pasarán artistas tan interesantes y variados como son Texas, Songhoy Blues, Cécile McLorin Salvant, Gregory Porter, La M.O.D.A., Fatoumata Diawara, The Human League y Trending Tropics, la nueva formación de Visitante (Calle 13), junto al cantautor dominicano Vicente García, entre otros. De momento se ha adelantado una docena de grupos de los 50 que compondrán el cartel y que se terminarán de dar a conocer a principios de abril.
Esta edición se celebrará del 20 al 28 de julio en Murcia, y de hecho habrá un escenario llamado Somos de Aquí, con grupos de la región, como Moy Gomar, Kuve, Karmacadabra, Jamones con Tacones y Poolshake. En cuanto al país invitado, esta vez será Dinamarca. Nueve grupos musicales, diez películas, ocho exposiciones y una decena de autores literarios mostrarán la gran calidad de la cultura danesa.
Mientras el 22 de julio será el día de Texas y Songhoy Blues, Gregory Porter actuará el 24 de julio, La M.O.D.A. el 27 de julio y a The Human League les tocará cerrar el ciclo el 28 de julio presentando oficialmente «temas de antaño y algunos de su último disco ‘Credo'», que editaban en 2011.
Grimes ha estado en contacto con sus fans en las últimas horas en Twitter, y a ellos y ellas ha confirmado la mejor de las noticias, que su próximo disco sale “este año”. La cantante y productora canadiense ha añadido que este nuevo trabajo podría salir “en primavera”, si bien ha apuntado que, “para ser realistas, [más bien saldrá] en otoño”.
El quinto álbum de estudio de Grimes sería el sucesor del aclamado ‘Art Angels‘, el 7º mejor disco de 2015 para la redacción de JENESAISPOP. De este trabajo se extrae ‘Venus Fly’, una colaboración con Janelle Monáe para el que se realizaba un vídeo espectacular que se estrenaba el año pasado, el pasado mes de febrero.
Desde el lanzamiento de ‘Art Angels’ en 2015, pocas novedades musicales ha habido de Grimes, si bien en 2016 llegó a incluir una canción, ‘Escuadrón suicida’, en la banda sonora de ‘Suicide Squad’. No es su canción más escuchada en streaming, que sigue siendo ‘Flesh without Blood’. El disco, por cierto, se anunció una semana antes de su salida… ¿Pasará lo mismo con el próximo?
actually it's 2012 so 6 yrs and a nu one out this year so 3 albums in 6 years is not a bad level of productivity … 7 years i'd be judging myself a bit
Parte de la redacción evalúa ‘Get Out’, el nuevo single de CHVRCHES:
«Es normal que, con las ganas que hay de oír algo nuevo de CHVRCHES, este primer adelanto de su tercer disco sepa a poco para muchos, pero a mí me ha gustado ‘Get Out’, aunque tiene unos puntos fuertes muy identificables. La base de las estrofas, a medio camino entre los sonidos de PC Music y el ‘M.I.L.F. $’ de Fergie (quizás sea también el resultado de la mezcla de Greg Kurstin y los sonidos de la propia banda), palidece frente al -en comparación- más minimalista estribillo y, sobre todo, frente a su fantástico puente. El “you are a kaleidoscope” entonado por Lauren se recupera para acabar con elegancia la canción… y que quieras ponértela otra vez. Lo cual es un buen síntoma.» Pablo N. Tocino
«Es escuchar ‘Get Out’ y entender perfectamente lo que Chvrches querían decir en aquella entrevista en la que hablaban sobre su nuevo disco: es lo más pop que han hecho nunca –lo cual evidencia ese estribillo que no sorprendería en boca de Taylor Swift; y no, esto no es algo negativo– y a la vez es algo sucio y raro –los sintes tan sucios de su arranque, las estrofas de cadencia bastante lenta–. Puede no parecer a la altura de sus mejores singles de primeras, pero apuesto un chupito a que esto es un grower.» Raúl Guillén
«Como apunta mi compañero Raúl Guillén en el veredicto anterior, Chvrches han afirmado que su próximo disco será el más pop que han hecho nunca. Difícilmente Chvrches han podido hacer canciones más pop en temazos tan redondos como ‘The Mother We Share’, ‘Leave a Trace’ o ‘Clearest Blue’, pero en ‘Get Out’ sí se percibe el intento de realizar una canción pop más radiable y convencional. Y eso no juega a favor de Chvrches. ‘Get Out’ es dramática, épica incluso, en estructura y desarrollo, pero peca de una melodía lineal y plana que, en lugar de elevar la canción, la convierte en repetitiva. Para ser de lo más pop que han compuesto, no dan muchas ganas de ponérsela otra vez…» Jordi Bardají
«‘Get Out’ es una canción muy mona, tiene un arranque prometedor; el riff duro de sintetizador en contraste con la dulzura de la voz de Lauren augura muchas cosas buenas. Sin embargo, la segunda parte del estribillo, la de “good intentions”, resta fuerza al resto, paradójicamente. Y, aunque remonta con la leve épica que adorna la tercera mitad, cuando canta “You are a kaleidoscope”. ‘Get Out’ me acaba por resultar excesivamente repetitiva. A eso hay que sumar que suena como si Chvrches se estuvieran reprimiendo el sentimiento. Todos esos lastres juntos hacen que se evapore el hechizo. Con lo que me gustaban a mí las explosiones y la fuerza de ‘Never Ending Circles’ y ‘Leave a Trace’». Mireia Pería
Mark Kozelek no puede parar de crear y un año después de su disco doble ‘Common as Light and Love are Valleys of Blood’, su último proyecto con Sun Kil Moon, que se negó a presentar en Madrid por la acústica de Teatro Lara, llegando a cancelar a último minuto; y de sus dos últimos álbumes firmados con su nombre, ‘Yellow Kitchen’ con Sean Yeaton y ‘Mark Kozelek with Ben Boye and Jim White’, que llegaba el pasado mes de octubre, el músico de Ohio anuncia un nuevo álbum en solitario titulado, simplemente, ‘Mark Kozelek’.
‘Mark Kozelek’ llega el 11 de mayo a través de Caldo Verde y se presenta con dos singles que ya pueden escucharse en la web del músico, ‘This is My Town’ y ‘My Love for You is Undying’. Ambas, a guitarra y voz, y bastante largas, además de emotivas en su introspección, no distan de las divagaciones acústicas a las que nos tiene acostumbrado Kozelek, de modo que sorprende que Kozelek haya esperado a su 18º disco en solitario (entre los publicados con su nombre y los publicados bajo Sun Kil Moon) a titular uno con su nombre. ¿Nos querrá decir que supone un punto de inflexión en su carrera?
‘Mark Kozelek’:
01 This Is My Town
02 Live In Chicago
03 The Mark Kozelek Museum
04 My Love For You Is Undying
05 Weed Whacker
06 Sublime
07 Good Nostalgia
08 666 Post
09 The Banjo Song
10 Young Riddick Bowe
11 I Cried During Wall Street
Yung Beef, integrante de Los Santos (antes PXXR GVNG), publica hoy finalmente su nuevo disco, ‘Adromicfms 4’, ya disponible en Spotify. ‘Andromicfms 4’ llega varias semanas después de la salida de ‘Kowloon Mixtape‘ e incluye hasta 17 pistas, entre ellas una particularmente interesante, la 5.
‘Rosalía’ se dedica, has adivinado, a la cantaora Rosalía, pero además contiene un sample de ‘De plata’, que Yung Beef distorsiona hasta el extremo, haciéndola sonar casi holográfica. La voz de Rosalía aparece hacia la mitad de esta canción que no llega a los 2 minutos de duración y cuya base principal es una guitarra eléctrica distorsionada, por encima de la cual Beef clama cosas como “yo hablando con la muerte como Rosalía”, “los diamantes brillan como Rosalía”, “me voy a meter en los Grammys como Rosalía” o “me voy a follar a tu puta como Rosalía”.
La alusión a la muerte en la letra de ‘Rosalía’ es evidentemente una referencia al tema principal de ‘Los ángeles’, el exitoso debut de Rosalía con Raül Fernández “Refree”. No queda claro si ‘Rosalía’ es un homenaje real o una sátira -por momentos la letra parece ironizar sobre el éxito de Rosalía en frases como “me ponen vestíos como a Rosalía” o “mira las entradas, están toas vendidas”, pero la idea es mucho más que una ida de olla, en contra de las apariencias.
Crisis en los foros de Kylie: su regreso con ‘Dancing’ ha dividido, no está logrando el éxito esperado y la canción no solo ha quedado fuera del top 40 británico en su semana de salida, sino que se espera que desaparezca de todo el top 100 en su segunda semana, si no pasa algo.
Ese algo puede ser el lanzamiento de su videoclip, que sale mañana 1 de febrero y ya ha avanzado en las redes sociales mediante un teaser en el que podemos ver cuál será su look en ese vídeo, y en qué consistirá dicho vídeo. En él, veremos a Minogue bailando.
Kylie logró un número 13 en Reino Unido con ‘All The Lovers’ y un top 12 con ‘Timebomb’, si bien es cierto que ‘Into the Blue’ quedó en el puesto 46, que es el mismo alcanzado por este ‘Dancing’ de momento. Aunque la canción ha sido top 15 en descargas, el streaming no ha acompañado ni la radio tampoco: a sus 49 años, Minogue no ha conseguido meter esta canción en la playlist de Radio 1, aunque sí en la adulta de Radio 2.
Hay tiempo, eso sí, de sobra, para un segundo sencillo: su álbum no sale hasta el 6 de abril.
Actualización: El vídeo de ‘Dancing’ se ha estrenado finalmente y no ofrece grandes sorpresas. Este muestra a Minogue bailando en varios sets y presumiendo varios atuendos, o tocando la guitarra acústica al principio. La coreografía final se realiza junto a un par bailarines vestidos de monstruo, si bien estos no tienen tanto protagonismo al final.
Santi y David son dos amigos de Avilés que, ahora que el primero vive en Sheffield, solo se ven alrededor de 1 mes y medio cada año –es decir, los días de vacaciones que suman Navidad, verano y Semana Santa–. En ese tiempo aprovechan para grabar apresuradamente las canciones –urgentes y de gran encanto, que van del indie rock al tecnopop, siempre en un lo-fi extremo e irresistibles– que cada uno escribe por su lado y que van intercambiando en chats. Tras las 14 canciones de ‘Autoescuela’ y las 25 de ‘Recopa’ (sí, el fútbol es un tema recurrente en sus divertidas letras, también series de TV, cantantes famosos y chucherías), acaban de presentar 10 de ‘Boris’… que se editará en vinilo en verano, cuando hayan grabado las otras 10. Ojo a ‘Caderas’, su versión sui-generis de ‘Hips Don’t Lie’, porque es mucho.
“Hola, somos Dani y Anna de Barcelona, hemos formado un nuevo grupo de pop en 2017 y nos llamamos Centauros”. Así de sencillamente se presentaban ante nosotros hace unos días vía mail para hablarnos de su EP de debut, ‘Sin título #1’. Pero se hace evidente que son más especiales de lo que aparentan cuando en sus cuatro canciones cuentan con featurings de, entre otros, Evripidis Sabatis y Marc Ribera de Doble Pletina. Canciones que parecen caer en un folk-pop constumbrista pero que, con sutileza, entremezclan con electrónica, cumbia y las últimas tendencias urban.
Este dúo barcelonés es el único de nuestra selección que ya habían aparecido en nuestra página anteriormente –cuando actuaron en Primavera Club 2017; más tarde ejercieron de teloneros para Perfume Genius en Barcelona–, pero nos parecería una pena que alguien pudiera olvidarse de ellos cuando este parece que será su año de explosión definitiva. Mireia y Sergi publican esta misma semana a través de Luup Records (Pavvla, Odina) su álbum de debut, ‘You’. El dream-electro-pop cantado en inglés de ‘Alice’ e ‘Inharmonics’ amplifica sus límites. Por ejemplo hacia el dub, en su nuevo adelanto, ‘July’. El 10 de febrero presentan ‘You’ en el Café La Palma de Madrid, junto a Ganges.
Una de las sensaciones del último Monkey Week fue este dúo gallego que afronta sin el más mínimo prejuicio los sonidos latinos tradicionales –cumbia, salsa, tumbao–, cargados de Autotune y sentido del humor. O “cumbiatune”, como ellos lo llaman. El caso es que Sportfresh Casual (teclados y voces) y O Chicho Do Funk (guitarra y voces) son dos personajazos que montan –en la mejor línea de Lorena Álvarez– buenas verbenas en directo, fiestas que han tratado de plasmar en estudio en ‘La batalla del día a día’, su primer EP editado en el ecléctico sello La Melona. ‘Hombres del Siglo XXI’ y ‘Ela enamoroume’ son hits incontestables, pero queremos… No… Necesitamos más.
Este cuarteto de Madrid no puede (ni quiere) obviar que su punto de partida en la música fue seguir el legado de The Beatles. A partir de ahí el grupo de Antonio Pérez-Coca y Javi Linares propulsa su rock psicodélico de raíz clásica en múltiples direcciones, que muestran en su primer EP ‘Blue Tangerines’, donde podemos ver reflejada la obra de los Fab-Four, claro, pero también de su eco en The Byrds, Wilco, Rogue Wave. ‘Tomorrow Tomorrow’, su single principal, es todo un tiro. Este viernes, 2 de febrero, presentan estas nuevas canciones en la sala Moby Dick de Madrid junto a Mystic Caravan.
Con un nombre que evoca Brasil y viniendo de Gran Canaria, los estereotipos nos hacen caer en el error de imaginar que este quinteto hace música festiva o tropical. “Pero si han debutado con un EP que se llama ‘Estamos bien’ y en la portada sale una foto de una fiesta de la espuma…”. Mal. Error. Lo de Maracaná es un pop de guitarras poliédrico –pensad en Everything Everything, Foals, Wild Beasts– que en la fantástica ‘Vamos a rompernos hoy’ conecta, de manera algo extraña, con Sr. Chinarro y Modelo de Respusta Polar. No nos sorprende que opte a “Mejor canción del año 2017” en los próximos Premios MIN, la verdad.
Marcelo García Marín es un chaval de apenas 20 años de Murcia, uno de esos secretos bien guardados por el underground cuyas canciones (“grabadas en un móvil y subidas a Bandcamp”, inspiradas por Daniel Johnston y Beat Happening) podrían pasar inadvertidas para una audiencia más amplia salvo que alguien se lo proponga. De momento, se lo propone el sello Fikasound publicando ‘(acepta su cruz)’, “un disco en el que pretende hablar de la soledad y la decepción política con canciones sobre santas, ufología y agua mineral”. Y es que su hit se llama ‘Solán de Cabras’, un producto que es “lo mejor” que le ha pasado “en 2 o 3 o 4 o 5 años”. Ouch.
Después de llamar la atención con un par de ingeniosas apropiaciones de los célebres ‘Nightcall’ de Kavinsky (‘Talvesí’) y ‘Controlla’ de Drake (‘Ctrl+Me’), esta joven artista –diríamos que es más una perfomer que una cantante– ha colaborado en un par de temas con Pedro Ladroga que han terminado de darle luz. Ella ha pasado todo el pasado año subiendo temas a Youtube y Spotify que se desmarcan de la masa de jóvenes raperas youtubers que no dejan de tirarse beefs y emular a Bad Gyal. María Roldán tiene una sensibilidad estética tan peculiar como su flow y apuesta por producciones de pop urbano bailable (‘Ta cloro’ o ‘Walkie’ son algunos de los mejores ejemplos) como las de Ikki (ex-Zombie Kid) o Arcade Kidd.
Carlos Alcántara era la mitad del dúo de psicorock Holögrama, que ahora ha montado su propio grupo en su ciudad, Granada, con miembros de grupos de la ciudad como Trepat, Apartamentos Acapulco y Éter. Pero Nadie canta –aunque coincide en usar teclados de ascendente psicodélico y mucho fuzz– es un proyecto mucho más pop que, aunque con cierta urgencia punk, se basa en melodías preciosistas que emparentan el proyecto con Algora o Sagrado Corazón de Jesús. Además, las cuatro canciones de su EP publicado por el sello Familia Palmer, ‘Peligro WiFi’, cuentan con el plus de unas letras sobre sexo y emociones en la era del 2.0, con líneas demoledoras como “miro cumlouder y me corro pero pienso en ti” o “Batidos on fire, operación biquini, mipene.rar”.
Pablo Serrano es otro de esos miles de chicos y chicas que emigraron a Londres buscando un futuro mejor. Desde allí su trabajo musical como PBSR logró cierta atención en medios independientes cuando en 2016 publicó el EP ‘Of Flaming Souls…’, aunque da la sensación de que ha querido empezar de cero, puesto que ha eliminado esa obra de todas las plataformas digitales. Y eso que su nuevo punto de partida parece una extensión de ese título (una obra bautizada ‘… and Dusky Doors’). Su primer avance, ‘Volcano’, es una canción delicada en la que demuestra una sensibilidad próxima a la de Bon Iver o James Blake. No sorprende, por tanto, que ya haya sonado en un programa de BBC Radio 1 o le dispensen atención en medios como The 405. Sin duda, alguien que seguir de cerca.
Miquel Cañellas viene a ser el Nuevo Mester de Juglaría de nuestros días, solo que, en su minimalismo, no necesita a nadie más a su lado. Y sus canciones no recuperan la tradición sino que la limpian de ornamentos y la reinventan. Tras un primer EP publicado en 2015 por Snap! Clap! Club, este mallorquín licenciado en Bellas Artes en Barcelona y ahora residente en Madrid ha publicado otro disco de medio formato que matiza su propuesta con imágenes de folclore patrio y algún elemento percusivo y piano invitados. Pero la potencia de traer a la actualidad la herencia medieval de los cantares populares sigue siendo brutal. Ojalá que más público se dé cuenta y no tengamos que esperar otros dos años por más de esto. Pero si hay que esperar, esperaremos.
Tras publicar dos EPs con Clifford Records, la banda canaria de indie rock furioso y algo desgarbado Texxcoco fichaba meses atrás por el sello Subterfuge, que publicará su primer larga duración –’Disorder’– próximamente. Lo que no varía demasiado es su propuesta: canciones urgentes, de energía arrebatada y guitarras afiladas, con la fiera voz de Adriana Moscoso a los mandos de la nave. Tras confirmarse su presencia en el próximo Primavera Sound 2018, no cabe duda de que ese ímpetu tan noventero puede unir en torno a sí a varias generaciones.
Los guipuzcoanos Rural Zombies se han hecho un hueco en la industria gracias al considerable éxito de su debut ‘Bat’, que contenía canciones tan chulas como ‘Stones’ o ‘Fall’, y cuyo gran hit al final fue el tema ‘Golden’, aproximándose al medio millón de streamings en Spotify. ‘From Home to Hospital St’ es su segundo disco, que publican en Mushroom Pillow, de nuevo bajo la producción de Eñaut Gaztañaga de Grises, y llega en un momento mejor de lo que parece para el rock noventero: Pearl Jam son el gran reclamo de un macrofestival a nivel europeo como es Mad Cool, y Wolf Alice continúan triunfando, ahora con un segundo disco en el que han ampliado miras.
No hay canción «girl group» en el segundo disco de Rural Zombies, pero sí alguna intencionalidad electrónica en sintes y teclados como se aprecia en el inicio de ‘Runaway’ o en el gancho principal de ‘BI‘, cuyo estribillo parece un canto a la libertad («¡esto es lo que queremos ser!»). En todo caso, la comparación con la banda coetánea de Ellie Rowsell es pertinente porque Rural Zombies se siguen caracterizando por el contraste entre la dulce voz de Julia Urreaga y la fuerza de las guitarras eléctricas, que en ‘Wanted’ llegan a acercarse a los territorios de Red Hot Chili Peppers y Rage Against the Machine.
El grupo sorprende también en el arranque de su álbum, recordando casi más a Chris Isaak y a Cocteau Twins que a The xx como sucedía en alguna de sus primeras canciones, en esa ‘Nana’ que es una pena que no hayan desarrollado más, pues podría haber sido tan icónica como ‘California Nights’ de Best Coast. En verdad, y pese a los pequeños experimentos, aquí siguen prevaleciendo los guiños al math-rock (‘Home’) y la búsqueda de himnos de rock, eso sí, a veces a través de estructuras tan trabajadas como la que presenta ‘Whateverest’, o detalles tan curiosos como ese bajo, tan ¿involuntariamente? Donosti Sound, de ‘Ethereal’.
Calificación: 6,9/10 Lo mejor: ‘BI’, ‘Whateverest’, ‘Runaway’ Te gustará si te gustan: Wolf Alice, Foals, Bloc Party Escúchalo:Spotify
En las últimas horas, ‘Man of the Woods’, el nuevo disco de Justin Timberlake, se ha filtrado a la red, dando oportunidad a sus fans de saborear antes de su lanzamiento el 2 de febrero sus nuevas canciones junto a Timbaland y The Neptunes. El disco se ha presentado con tres singles semanales, ‘Filthy’, ‘Supplies’ y ‘Say Something’, a falta de un cuarto cuyo vídeo conoceremos el mismo viernes.
Parecía que ‘Man of the Woods’ iba a ser un disco country después de que Timberlake apareciera en las fotos y vídeos promocionales -incluida la portada del disco- en medio de un bosque o caminando a través de campos de trigo y llevando vaqueros y una camisa de franela. Algunos de los títulos del disco, como ‘Supplies’ (“suministros”), ‘Livin’ Off the Land’ (“viviendo del campo”) o “franela”, también apuntaban a esa dirección. Por no hablar de que ‘Say Something’ es una colaboración con el cantante country Chris Stapleton.
Pero nada que ver: en un vídeo colgado en Instagram durante el día de su cumpleaños, el 31 de enero, Timberlake asegura que su disco no es country, y que el título de ‘Man of the Woods’ se refiere a su hijo, Silas Randall. Habrá que escuchar el disco para averiguar dónde encaja la criatura en todo esto, porque la imaginería bucólica con la que se presenta ‘Man of the Woods’ y el sonido urban de sus singles, poco tienen que ver entre sí….
Por cierto, en tanto prepara su actuación en la Super Bowl, que se celebra este domingo, Timberlake ha adelantado otro tema del disco en redes sociales. ¿Será el próximo single?
Tulsa, el proyecto de Miren Iza, publicaba su nueva obra, ‘Centauros‘, a finales del año pasado. Era un disco de nuevo sintético, de influencias no tan fáciles de localizar, y sobre todo lleno de interesantes textos que esquivan lo personal para hablar de lo universal. El humor, la amistad, el feminismo o el desencuentro con algunas de las ciudades en que hemos vivido son algunas de sus temáticas. Hablamos con Miren sobre composiciones tan interesantes como ‘Centauros’, ‘Venda Vendita Venda’, ‘Amiga’ o ‘Bilbao’ con motivo de este lanzamiento que se presenta este jueves 1 de febrero en la Sala But (OchoyMedio) de Madrid, con Tórtel y Alberto Montero como teloneros. Entradas, en Ticketea. El 9 de febrero será el turno de Valencia. Foto: Alfredo Arias.
¿Cuándo volviste de vivir en Estados Unidos? Te lo pregunto porque ‘Bilbao’ suena a un regreso a casa bastante traumático.
Me volví en 2013, antes de ‘La Calma Chicha’. En realidad en Bilbao tengo ya poca cosa. Viví allí en mi adolescencia y primera adultez, pero mis padres ya no viven allí. Voy de visita o a tocar, y esta canción sí es un reencuentro con algo que no es lo que era. Fui el 8 de septiembre de 2015 a ver la película de Nick Cave y me dije: «¿dónde estoy, qué es esto? ¡no reconozco nada!».
¿Y esa mención a Andrés Barba?
Andrés Barba para mí simboliza Madrid. No le conozco, así que si un día oye la canción dirá que soy una loca (risas), pero quería rescatarle porque me estimula en la distancia, simboliza mi arraigo a otro sitio, en este caso a Madrid, en contraste con Bilbao.
«Nueva York es súper dura, muy hostil, como sociedad es para ricos, no para clase media. (En cambio) la relación con la música es mucho menos prejuiciosa».
¿Cómo recuerdas tu estancia en Nueva York?
Fue una cuestión vital, personal, de necesidad de salir de España. Me ofrecieron una cosa y la cogí. Conocí el país, que conocía de una estancia anterior de 3 meses, y me pareció bastante fracaso. Nueva York es súper dura, muy hostil, como una rueda de hámster. El alquiler es carísimo, te obliga a tener un sueldo mucho mayor que aquí y eso vertebra tu vida social, lo que comas, el ocio. Yo tenía ahorrillos y tiré de eso, pero cuando me quedé sin eso, no me quise quedar. Como sociedad es para ricos, no para clase media. El metro está siempre averiado, no cuidan las cosas de gasto público, porque además no creen en eso. Piensan: «si no lo ganas, será porque algo no lo estás haciendo bien». Me di cuenta de lo fácil que era que el sistema te expulsara. Aquí el sistema te sostiene.
Pero tú fuiste a trabajar como psicóloga, ¿no?
Soy psiquiatra. Me contrataron pero cobraba poco porque no se homologaban mis estudios. Yo era como una especie de estudiante haciendo méritos. Me pagaban como tal.
¿Y el resto de Estados Unidos?
Nueva York tiene exigencias particulares porque hace mucho frío. En otros sitios los alquileres son más baratos, en Los Ángeles el clima es más amable.
¿Artísticamente te aportó algo vivir allí?
Musicalmente es súper vibrante, con conciertos todo el rato. Esa sensación de tocar fácilmente es muy guay. La relación con la música es mucho menos prejuiciosa, la valoran de manera más natural. Aquí la música indie está compartimentada y allí atraviesa toda la sociedad. Son ellos: el rock’n’roll lo tienen muy integrado en su día a día. Las posibilidades que tiene un chaval joven no tiene nada que ver con las de aquí. Está cada sala preparada con el técnico y tú llegas y tocas.
¿Pudiste actuar allí? ¿Qué tal fue?
Muy bien, toqué en el Living Room, en varios sitios. Recuerdo uno que no existe que se transformó en un 7 Eleven. Todo cambia muy rápido, los locales a que tienes apego desaparecen. Una vez toqué en Nashville, no te pagan, pero te ponen un cubo y lo que la gente quiera dar. ¡No nos dieron ni un dólar! Era una pizzería, la gente estaba cenando, hicimos una mezcla de rock con electrónica y dirían «¡estos hijos de puta! ¡Que estamos en Nashville!» (risas).
Decías en la nota de prensa del disco que te tuviste que conformar con trabajar con Ángel Luján y Charlie Bautista, pero que a quien tenías en mente era a productores como Richard Russell, Martin Hannett y Craig Leon…
Leí tu reseña y casi me matan. No, no, imposible, ¡no puse eso! (risas) Mencioné a productores emblemáticos en el rock como influencia fundamental porque nunca había tenido la figura de productor externo. Richard Russell habría sido una posibilidad remota, escuché mucho el disco con Gil Scott-Heron, pero nunca me lo planteé…
Lo que quería preguntar es que, pese a las referencias, tengo problemas para etiquetar el disco, ¿por qué crees que es? ¿Cómo explicarías a un familiar perdido qué música haces ahora mismo?
Suelo decir últimamente pop. Las canciones tienen vocación pop, hay una persecución de melodía, de estribillo perfecto. ‘Atalaya’ es más post-punk, hay algo francés, americano… Quería mezclar cosas porque el concepto de ‘Centauro’, de criatura indefinida, daba para eso. La consigna fue salir de la languidez, meter la pezuña musculosa del centauro, con el rollo francés de Hervé Vilard o el rollo italiano de Rita Pavone, y el mundo electrónico, que ya es una herramienta para mí, sin que sea el género.
¿Cómo lo has compuesto?
Lo he hecho con mucho teclado, y luego añadiendo bases.
«Ahora me he dado cuenta de que las canciones no se acaban hasta que no las grabas. Eso va en contra de lo que siempre había pensado»
Mi sensación con el disco anterior era que lo habías hecho con guitarra pero luego lo habías querido disfrazar, como para huir del concepto «chica con guitarra». Me pareció un poco artificioso, aunque luego en directo me gustó mucho.
No estás desencaminado, es un disco más de laboratorio, hay algo artificioso, fui añadiendo texturas electrónicas. El disco es así, eso es verdad. Lo que pasa es que en directo las canciones siguen mutando. Ahora me he dado cuenta de que las canciones no se acaban hasta que no las grabas. Eso va en contra de lo que siempre había pensado de manera tradicional: una canción pura, con la guitarra, en el estudio añadiendo solo un arreglo. Y ahora los arreglos son los que hacen que la canción se acabe, y eso me genera un poco de conflicto. Ahora no va de añadir: la canción no está hasta que no está toda esa parte.
Háblame de ‘Amiga’, es una de las canciones más desnudas.
La canción la hice en Hondarribia, en unos días muy lluviosos. En una especie de alto salieron ‘Amiga’ y ‘Atalaya’. Nació como de una improvisación: me grababa a la vez que tocaba diciendo lo que se me iba ocurriendo. Acababa una pista y hacía otra con la voz, igual coincidiendo las palabras, pero a lo mejor no. La idea inicial era hacer una especie de canon-río y dejarlo todo como deshilachado. Pero al final la letra se fue fijando sola, aunque dejé la idea de grabar con una base abierta, en una estructura irregular. (La letra) era como un mensaje, una carta. Y hay muchas amigas metidas ahí, hay muchas historias. Unas son reales y otras no, hay mucho contenido diferente.
«En este disco había tomado la decisión de apartarme del yo, de investigar. Estaba aburrida del yo, de identificarme tanto con las canciones. Para mí es más interesante tratar otro punto de vista, tratar otras cosas»
No revelas mucho de ti misma a nivel personal en este álbum, a lo el disco post-divorcio de Rosenvinge, Calamaro… ¿te interesa más crear personajes?
En este disco había tomado la decisión de apartarme del yo, de investigar. Estaba aburrida del yo, de identificarme tanto con las canciones. Para mí es más interesante tratar otro punto de vista, tratar otras cosas. Enlaza con otra gente, pero de manera más rica. Es más difícil que hacer algo desgarrador. Cuando das un rodeo, a lo mejor llegas, pero cuesta un poquito más. Pero es más interesante. Me apetecía hacerlo de otra manera.
En contraste con el segundo…
Más con el primero. En el segundo estaba muy escondida. Es un disco muy extraño. Es muy triste, habla de la araña del amor de la madre a la hija, de la familia… va más allá de una relación romántica. No es otro disco de desamor. Cuando alguien lo dice, es como: «¿Pero tío, lo has oído?» (risas).
Supongo que le pasa más a las autoras que a los autores. Nadie le pregunta esto a Izal o Supersubmarina…
A mí me pasa mucho. Me voy a fijar, no lo sé.
‘Centauros’ tiene figuras muy visuales hablando de «macho beta», «corredor de bolsa», «boxeadores»… ¿Es una canción sobre el machismo?
En realidad cuando escribes un tema siempre tienes un interlocutor imaginario y el mío solía ser un hombre. Suele ser una mezcla entre ese hombre y yo misma, porque cuando hablas a alguien, también es una proyección de ti misma. ‘Centauros’ es un nombre masculino, es una personificación muy viril, con el caballo, el arco, recrimino cosas a esa figura viril, de boxeador, de conductor de grandes vehículos, esa figura un poco patética… y sí daba pie a hacer una reflexión sobre el machismo, de «macho». Hay una especie de reproche a lo masculino, pero también hay una especie de perdón, «te entiendo, está bien». Hay mucho de mí en el interlocutor. Siempre pensamos que el masculino es un hombre solo, pero también es mujer. Cuando escribes algo a alguien, siempre estás tú. En el otro también estás tú.
«‘Venda Vendita Venda’ tiene un componente de desencanto político, tras poner todo en manos de alguien»
‘Venda Vendita Venda’ parece el reflejo de una persona muy dependiente para muy mal.
Sí, pero tiene un componente de desencanto político, tras poner todo en manos de alguien. Tienes una ilusión de alguien que te va a salvar, y de que no te tienes que ocupar de nada. Hay una especie de péndulo entre amor y política.
Pero no tiene esa imagen de lanzarte a las calles, la canción parece más bien «qué bien estaba cuando no sabía nada, en la ignorancia».
Tienes la ilusión, que es como un defecto de la percepción. Cuando te quitan el velo ves la cruda realidad. Igual te vas a protestar, pero antes hay un momento de «me cago en diez».
El título es gracioso, y «La miel» también cuando dices lo de que los franceses siempre se van temprano, ¿ves el humor muy marcado en el disco?
En este disco lo quería meter. Me gusta mucho reírme y faltaba eso en mis canciones, que tenían un poso trágico que no iba tanto conmigo. No quería censurarme en ese sentido. Lo humorístico parece frívolo, no tan potente, no tan intenso, y no creo que eso sea así.
Los autores que te gustan, en cambio, no usan tanto el humor, ¿no?
Leonard Cohen sí que tiene mucho humor.
Me reí cuando empezó aquel disco «conozco a un chico llamado Leonard», pero no sé…
La cadencia musical es poco humorística, pero las letras sí. Aidan Moffat tiene mucho humor, también.
Ahora mismo hay bastante reivindicación del humor con grupos como Las Bistecs…
No sé muy bien por qué es, pero yo lo agradezco.
Ahora que mencionas a Cohen, me parece que está muy presente melódicamente en ‘Canción’, otra canción con humor, en la que hablas con tu canción como si fuera una compañera perecedera. ¿Hay reflexión sobre la perdurabilidad del pop?
Un día, hablando con Jonás (Trueba), me decía que cuando cambia de plano hay una muerte, que es un drama separarse de un plano. Que hay una nostalgia cuando pasas de plano que no vas a recuperar. Y con las canciones pasa lo mismo. Es una cosa muy bella. No puedes quedarte ahí, porque serías un imbécil (risas), pero hay algo bonito ahí y quería rescatarlo. Cuando escribes una canción hay muchas fases, como la de «soy una mierda», es una promesa de amor fatal: sabes que va a acabar como el rosario de la Aurora, y aun así, te tiras en plancha.
¿Escribes notas en el móvil, grabas notas de voz… para componer? ¿Eres tan disciplinada como Nick Cave?
Tiene una oficina, un archivo de imágenes… eso es muy burocrático, yo estoy muy lejos de eso. Pero sí, yo o cuaderno o notas de voz, o notas escritas en el teléfono… Es un poco caos. Debería ser un poquito más ordenada. Tengo un sitio, un teclado, me siento, a veces no sale nada, me doy una vuelta, me voy a una exposición… El estado mental es importante. A veces soy una roca, no me entra nada, y no hay nada que hacer. Ahí me digo: «tranquila, no pasa nada, y ya encontrarás más porosidad».
¿Hay alguna canción de este disco que te haya dado mucha guerra?
Con ‘Lobo’ lo pasé muy mal, tenía la maqueta, y Charlie y Ángel hicieron una cosa en la que no podía entrar, no conseguía hacerla mía. Acabamos la grabación y no teníamos la pista de voz. Al final conseguí meterla.
Esa canción tiene un arreglo muy Bowie… No sé si es deliberado.
Es el Bowie del último disco total. No fue pensado, pero le salió así a Charlie, que está experimentando con los metales.
¿Cómo fue cantar con Abraham Boba? Me pareció al principio que era como el cantante de La Habitación Roja… De no haber sido él quien cantara ‘Pequeñas embestidas’, ¿quién habría sido?
Pensé en él cuando hice la canción. Me apetecía cantar con él, siempre estamos «vamos a hacer un disco juntos». Tengo discos pendientes con mucha gente (risas). Es su sitio, la canción está muy pensada para él.
Qué pelotazo ha pegado esta persona, ¿no? Recuerdo escuchar el disco de Abraham Boba solo y nunca habría adivinado la que se avecinaba con León Benavente.
Fui a verlos a su primer concierto en el Lara. Qué perspicacia la mía, me lo encontré y me dijo «vente a vernos al Lara», me gustó mucho, pero yo pensé que no iban a … hay una nostalgia aquí que no… sé (risas).
Si te sirve de algo, a mí no me gustó el primero por las letras, pero me ha gustado mucho el segundo.
A mí me gusta más el primero. Las letras no me parecen nada malas. Es más pop, pero bueno, en directo flipo, me encanta.
¿Tú te ves pegando un pelotazo similar?
Claro que sí, ¿por qué no?
«Antes podías ser esquivo y te podía ir bien. Y ahora es imposible. Si no vendes tu persona, un personaje, igual tienes que renunciar»
Claro, mira a Zahara, en la tele, con su libro.
Es muy inteligente. Es muy trabajadora, tiene muchas ideas y -recalca- las lleva a cabo.
Tú estuviste como 5 años sin sacar disco, cuando te había ido muy bien, eso quizá te ha marcado… Igual hay que currarse algo aparte de conseguir buenas reseñas, tener tu personaje…
Yo tengo mucho problema con eso porque no va mucho conmigo. Lo he reflexionado. Antes podías ser esquivo y te podía ir bien. Y ahora es imposible. Si no vendes tu persona, un personaje, igual tienes que renunciar. No sé qué personaje (podría ser)… Si un día lo veo…
Igual eres un poco perfil Christina Rosenvinge…
Pero Christina no lo ha ideado (el personaje), no lo ha trazado como estrategia. De hecho debería estar en un sitio mejor porque es de las personas más importantes en el pop a cualquier nivel, no en el mundo indie, sino en todo el panorama. Es amiga mía y sé los problemas que hay…
Pensando en voz alta… Bunbury es un personaje, Jaime Urrutia me ha dicho que odia las relaciones públicas y por eso no le ha ido tan bien…
Me genera rechazo hacer esto, vender esto y lo otro, me incomoda, soy más bien tímida. Intento evitar esas cosas. Pero luego hay un segundo pensamiento de «habrá que hacer algo», pero siempre… como tirando…
¿Qué te parecen las redes sociales?
Las redes me parecen interesantes, pero no las exploto. No estoy muy cómoda enseñando cosas mías de mi vida personal. Pero me parece interesante cómo las usa el resto de la gente. Me gusta mirar Twitter, no lo rechazo.
¿Tu carrera de psiquiatra te ha servido artísticamente para llevarte a otro lado o el modo de ver las cosas?
Cualquier cosa que hagas te va cambiando y eso se va a reflejar en las canciones, igual que el lugar donde vivo, quién es mi pareja…
«Me da pena que Gran Vía sea Zara, Mango y H&M, en lugar de librerías, cines, cafés y salas»
¿Qué te parece Madrid? Es una ciudad extraña de grandes contrastes a nivel cultural, social, político…
Me encanta. Es muy gran ciudad para eso, los edificios, los bares, eso me encanta. Artísticamente, siempre echo de menos más accesibiildad a los directos. Me da pena que Gran Vía sea Zara, Mango y H&M, en lugar de librerías, cines, cafés y salas. Pero esto se repite en todas las ciudades de fuera. Nos lo tendríamos que mirar. Me estoy leyendo el libro de David Byrne de ‘Diarios de Bicicleta’, y la ciudad es un reflejo de lo que somos. ¿A qué damos más importancia? ¿A la ropita? Pues nada, todo lleno de Zaras.
Ahora que lo pienso tu disco suena bastante urbano…
Yo quería que fuera nocturno, neón.
«No fui consciente de que ‘Espera la pálida’ era tan asfixiante. Me doy como pena en esa época»
‘Amiga’ no suena bucólica…
Pues hablo de rocas, espigón, «no hay taxis aquí en invierno», y el escenario es Hondarrabia…
¿Qué crees que pensarás de este disco en el futuro?
Ya… no lo sé, es imposible saber eso. Cambia mucho, por ejemplo con ‘Espera la pálida’ no fui consciente de que era tan asfixiante. Me di cuenta antes de grabar ‘La Calma Chicha’ y quise quitarle peso con sintetizadores.
Pero es hermoso saber hacer un disco «asfixiante», ¿no?
Es hermoso si es hermoso. La belleza no es una cuestión muy objetivable, pero yo tenía necesidad de dar oxígeno y luz, entendida como frescura, menos seriedad, menos gravedad. Me doy como pena en esa época. El primero era un juego de aproximación, y el de ahora no sé cómo será. Alguna gente lo ve como «Calma Chicha 2», otra gente lo ve muy opuesto. Yo veo mucha diferencia.
¿Dónde?
En intención, energía, sí que continúa la senda de lo liviano y adentrarse en lo superficial, pero en el buen sentido. No sé qué será de este disco. No me gustaría odiarlo.
¿Odiarlo? ¿Qué disco tuyo odias?
El primero no lo puedo escuchar.
Tampoco es un disco que te persiga, ¿no?
No me persigue en plan comercial, es una cosa súper íntima: la forma de cantar, la velocidad de las cosas, es una persona completamente ajena a mí.
¿Tienes relación con tus seguidores?
Sí, sí. Agradezco mucho que la gente me diga algo, lo agradezco de verdad, de corazón. Me parece muy simpática la gente que da un paso al frente y dice algo. Me parece muy amable. A veces tienes la sensación de que la humanidad es un desastre, pero luego a pequeña escala, la gente es muy maja.
Es una semana importante para Los Javis, pues su película ‘La llamada‘ está nominada a 5 Goyas, y además el lunes terminará OT, concurso en el que han participado de manera activa, y era por tanto el momento de que acudieran como invitados a El Hormiguero. «Somos los nuevos Pecos, el Dúo Dinámico» ha sido el primero de los titulares que han dejado, tras reconocer haber visto hoy el programa de McNamara y Almodóvar en La Edad de Oro.
En el show de Antena 3 han hablado de su ascenso a la fama, reconociendo que las cosas están yendo tan rápido que no les ha dado tiempo a asumir el éxito, y han revelado que en cuanto termine Operación Triunfo el próximo lunes, comenzarán el rodaje de la segunda temporada de ‘Paquita Salas’, que ha sido adquirida por Netflix.
Pablo Motos ha elogiado el discurso de Javier Calvo en los Premios Feroz, animando a los jóvenes homosexuales a seguir siendo ellos mismos, y esta noche ha instado a los jóvenes a «crear arte a partir de un corazón roto» como han hecho ellos con ‘La llamada’. Ambrossi ha dado entonces un beso a Calvo en directo.
Entre las anécdotas, Javi Ambrossi ha revelado que no le reconocen por la calle si va solo, algo que cambiará mañana según Motos; Javier Calvo se ha animado a realizar el baile que un chico popularizó en la presentación en Saturday Night Live y el vídeo de ‘Swish Swish’ de Katy Perry; y Ambrossi se ha atrevido a dar un piquito a Pablo Motos, después de que Calvo preguntara a Trancas y Barrancas si estaban «enrolladas». «Todavía no he recibido esa llamada», ha dicho uno de los famosos muñecos del programa. El Hormiguero con Los Javis podrá volver a verse pronto en la web de Antena 3. Podéis recordar nuestra entrevista con Los Javis aquí.
Tal y como afirmaron a finales del pasado año, 2018 estará marcado por el esperado regreso discográfico de Chvrches. El trío británico avanzaba en una entrevista las primeras pistas sobre su tercer disco de estudio y al fin hoy estrenan su nuevo single ‘Get Out’, de inicio un tanto The Knife, tras haber avanzado un teaser en las redes sociales.
En el teaser que se subtitulaba con las palabras “GET IN”, veíamos a la cantante y compositora Lauren Mayberry dibujando un corazón con pintalabios en un espejo… que termina por tachar con un aspa. Una negación al romance nada casual, idea sobre la que podría girar parte de la ética de ese nuevo disco. De hecho, hay rumores que indican que el álbum se titula ‘Love Is Dead’, lo cual encaja con lo que estas pistas: si clicamos en el enlace que acompaña al teaser en Facebook, nos abre una ventana de mensajes privados con el grupo que invita a “entrar” (“get in”, de nuevo) en una cadena de mensajes que, por el momento, revela una imagen de un corazón tachado. La confirmación llegaba cuando, al hacer Shazam sobre esos compases, nos llevaba a un single llamado ‘Get Out’ cuya portada coincidía con la imagen descubierta.
Este nuevo disco de Chvrches ha sido producido junto al afamado, reciente ganador de un Grammy al productor del año, Greg Kurstin. En la entrevista citada al inicio, Mayberry aseguraba que este álbum “es lo más pop que hemos hecho, pero también lo más agresivo y vulnerable al mismo tiempo”. Parece que entenderemos de qué hablaba muy pronto.
Pale Waves han mostrado varias veces por qué están entre los artistas revelación de 2018 en que más confiamos: el momento en que The 1975 nos los presentaron como la versión emo de Haim en pistas como ‘There’s a Honey‘, el día en que nos ofrecieron su himno alternativo para la pasada Nochevieja… y ahora un nuevo tema con el que no decepcionan llamado ‘The Tide’.
Siguiendo con su gusto emo, esta canción cuenta con una portada totalmente en negro. Sin embargo, su melodía, el punteo de su guitarra, su estribillo… toda esa luminosidad da muchas ganas de acariciar esa «marea» a que alude el título, mientras su letra no puede emerger más despreocupada, en la línea de los principales hits de Cyndi Lauper e Icona Pop: «You look so cool, standing there / With your baggy jeans and silky hair / We can live for nothing baby I don’t care».
«Yo seré la marea y tú serás el mar» es el estribillo de esta canción que se incluirá en el primer EP de Pale Waves, ‘All These Things I’ve Never Said’, a la venta el próximo 16 de marzo, con el siguiente tracklist:
Este año es la 10ª edición de los Premios MIN, antes conocidos como Premios UFI, en definitiva los que otorga la Unión Fonográfica Independiente a los artistas que desarrollan sus carreras al margen de las multinacionales. Ha sido ya casi una década de crecimiento en que hemos visto crecer la gala desde la modestia de sus inicios a la retransmisión online de nuestros días, contando a lo largo de los años con presentadores tan variados como Anne Igartiburu, Zahara o los responsables de El Mundo Today. ¿Pero qué nos ha dado la gala en lo musical? En este artículo recordamos quiénes han sido los grandes ganadores de cada ceremonia desde 2009, topándonos con el dato de que ya hay 2 bandas que han hecho doblete llevándose el gato al agua: Vetusta Morla y Triángulo de Amor Bizarro. Podéis recordar el histórico de los premios en su web, y votar por los aspirantes de la edición 2018, que se celebra en marzo, aquí. Foto: Premios MIN.
2009: Vetusta Morla, el inicio de una era
A todas luces los Premios de la Música Independiente se apuntaron un tanto en su primera edición premiando como Mejor Disco del Año el debut de Vetusta Morla, ‘Un día en el mundo‘, un álbum autoeditado que todavía a día de hoy, una década después, continúa entre lo más escuchado del país semana tras semana. Fue el inicio de una era, con el indiemainstream dando sus primeros pasos, expandiéndose gracias a la extensión de Youtube, Spotify, luego diversas redes sociales; y ahí estuvieron estos galardones para retratarlo. Vetusta Morla también ganaron el premio a Canción del Año por ‘Valiente’, a Álbum de Rock y a Artista del Año, mientras la Revelación fue nudozurdo. Anécdota: La gala la presentó Joaquín Reyes, y publicamos una crónica escrita por Clint, que perdieron el galardón a Disco de Vanguardia a manos de… Glitter Klinik, aquel grupo formado por Luis Miguélez y Juan Tormento.
2010: el año de Delorean y La Bien Querida
En 2010 la cosa estuvo más repartida. La Canción del Año fue ‘Erasmus borrachas’ de Francisco Nixon y el artista del año Delorean (en aquel momento triunfando a nivel global con el EP ’Ayrton Senna’ y más tarde ‘Subiza’), pero la gran ganadora la podemos considerar La Bien Querida, que a juzgar por el reciente llenazo en OchoyMedio, aún no ha tocado el techo comercial de su carrera. En 2010 se hacía con el Premio Revelación y al mismo tiempo con el Álbum del Año por su debut ‘Romancero’. Anécdota: aquella gala la presentó Micky, que bromeó con la Sala Apolo (mejor sala en aquella edición) sobre la posibilidad de actuar cuando ellos quisieran. Pero la nota la terminaron de dar los rockeros Motociclón, cuando dijeron que aquella iba a ser la única actuación acústica («ese formato tan humano y tan jipi») de su vida. Su líder criticó que el jevi no se tomara en serio: «los mejores músicos y los más buena gente somos los jevis». Su divertidísimo speech está subido a Youtube.
2011: la consolidación de Triángulo de Amor Bizarro
La tercera edición solo podía tener un ganador y esos fueron Triángulo de Amor Bizarro, que se hicieron con los premios a Mejor Disco por ‘Año Santo’, Mejor Disco de Rock y Mejor Artista Español. El Guincho, que durante el primer año se había visto derrotado por la apisonadora Vetusta Morla, en aquel momento para nuestra indignación, aquí arañó el premio a Canción del Año por la histórica ‘Bombay’. El galardón Revelación fue para Pony Bravo y se premió a Javiera Mena como Mejor Artista de Chile: a ninguno de los dos les fue nada mal. Anécdota: esta gala estuvo presentada por Anne Igartiburu, que tuvo que sortear las bromas de los ganadores y presentadores, algunas de mejor gusto que otras (que si iba a salir John Cobra, que si la leyenda urbana sobre ella era cierta… que era hermana de un Eskorbuto), solucionando alguna a golpe de tarjetazo en la cabeza.
2012: el año de ‘Toro’
El año en que Adele fue reconocida como Mejor Artista Internacional (recordemos que en España la edita XL), fue repartido. Nacho Vegas se hizo con el Álbum del Año por ‘La zona sucia’ (La Casa Azul tuvo que conformarse con el Mejor Disco Pop), mientras que El Columpio Asesino triunfaban como Mejor Artista y también con la Canción del Año por la omnipresente ’Toro’. ‘Toro’ suma a día de hoy 5 millones de streamings en Spotify, lo que equivaldría a un disco de oro si todos ellos hubieran sonado en España. El grupo declaró al recoger el galardón: “no somos mucho de hacer estribillos, pero si lo llegamos a saber empezamos antes”. Anécdota: Una entonces casi desconocida Sílvia Pérez Cruz se hacía con el premio a Mejor Álbum de Jazz por ‘En la imaginación’ con Javier Colina. Aún no se había editado ’11 de novembre’.
2013: la victoria de Niños Mutantes
Uno de los años más indiemainstream fue 2013, con Niños Mutantes triunfando con ’Náufragos’ como Álbum del Año por encima de John Talabot, La Habitación Roja recogiendo la Canción del Año por ‘Ayer’, Xoel López reconocido como Mejor Artista Español y Mejor Canción de Autor o La Casa Azul como responsables del Mejor Directo. La Bien Querida ganó el premio a Álbum de Pop por ‘Ceremonia’. Anécdota: En la ceremonia se proyectaron tuits, algunos de ellos muy críticos, y uno de ellos, el de Indiescabreados, permaneció proyectado demasiado rato: venía a decir que los premios parecían los de 2004. El responsable del palmarés no había sido otro que el público con sus votaciones.
2014: la irrupción de León Benavente
En 2014 se cambió radicalmente de tercio y el álbum ganador fue ’Salsa de cuervo’ de Fasenuova. Ganaron a León Benavente, Guadalupe Plata, Triángulo de amor bizarro y Oso Leone. Sin embargo, pese a la calidad de la banda asturiana, seguramente te sonrías al rememorar que la banda emergente aquel año fueron los mencionados León Benavente. La Canción del Año fue ‘Ser brigada’ y todavía es uno de los puntos clave de sus multitudinarios conciertos. Guadalupe Plata se hicieron con varios premios, entre otros Mejor Artista. Anécdota: Los responsables de la Revista Mongolia presentaron e hicieron chistes sobre Iván Ferreiro concursando en ‘La Voz Kids’, el gusto por los chinos de Nacho Vegas y desafiaron al ministro de cultura «Fétido Addams»: “un país sin cultura, sin música y sin cine” no moviliza a la banca.
2015: Vetusta vuelven a arrasar
Vetusta Morla, que ya no pueden optar a los premios tras su contrato con Sony, triunfaron por última vez en 2015 con su tercer disco. ‘La deriva’ fue el Álbum del Año, ‘Fuego’ la canción del año, recibieron premios a Mejor Artista, Mejor Directo, Mejor Producción Musical, Mejor Foto de Promo… Al menos dejaron que Belako se hicieran con el premio a Mejor Artista Emergente. Anécdota: El Mundo Today se encargó de la presentación, dejando perlas como: “¿Qué tenemos que ver los humoristas con el mundo de la música? Pues que somos pobres”, “Un butanero con una llave inglesa, cabeza de Cartel al Primavera Sound” o “Pau Donés se levanta eufórico con una nueva melodía en la cabeza, pero luego se da cuenta de que es la de ‘La Flaca’”.
2016: El Langui da la sorpresa
Vetusta Morla, aún de gira con el álbum anterior, se hicieron con el premio a Mejor Artista y Mejor Directo, e Izal con el premio a Mejor Canción por ‘Copacabana’. Pero la sorpresa la dio El Langui al llevarse el galardón a Mejor Álbum del Año por ‘Hola’. Se trataba de un disco influido por los ritmos jamaicanos, electrónicos y raperos, y con colaboradores como Andrés Calamaro, que permanece como su última obra de estudio hasta la fecha. Anécdota: Como para suplir la inexplicable ausencia de Christina Rosenvinge y La Bien Querida en el palmarés, se decidió que en la ceremonia solo actuarían mujeres o grupos liderados por mujeres. Estuvieron Soleá Morente, Zahara (presentadora el año siguiente), Belako o Electric Nana.
2017: Triángulo vuelven a arrasar
Triángulo, que salieron derrotados con su tercer disco, remontaron con el cuarto, con el que además dieron un gran salto en popularidad. ‘Salve discordia’ fue el Álbum del Año, el Álbum de Rock, ellos fueron el Artista del Año, y también ganaron la Mejor Producción Musical. ‘Bien por ti’ de Viva Suecia fue la Canción del Año, Belako hicieron el mejor directo y Gata Cattana fue la Mejor Artista Emergente, de manera póstuma. Anécdota: Las Bistecs ganaron el premio a Mejor Vídeo, actuaron y dijeron: “Que ganemos un premio es señal de que algo va mal. Gracias a crítica y público por su mal gusto». Durante la actuación gritaron contra “los corruptos, las peperas” y también contra el público: “Venga, que parecéis el público de Barna”.
Si llegaste a ver y escuchar el clip de ‘La loi de Murphy’, primer single de Angèle, probablemente estarías deseando que apareciera algo nuevo de la artista belga. Al menos, es lo que nos ocurría a nosotros. Afortunadamente, hoy presenta su nueva canción, ‘Je veux tes yeux’ y, por suerte, no hay lugar a la decepción.
Si aquella canción, gracias a esos toques de tradición jamaicana tan sutiles, remitía de forma indiscutible a la primera Lily Allen, también lo hace esta, si bien el poso de su formación en clásicos de la chanson como George Brassens es aún mayor. En este medio tiempo de instrumentación dulce, co-escrito y co-producido junto a su compatriota Veence Hanao, también se lanza a rapear en sus versos, dejando el gran peso melódico en ese estribillo que “quiere tus ojos”.
Y los consigue, de manera figurada, en otro magnético videoclip de la fotógrafa y realizadora Charlotte Abramow, que vuelve a encargarse del aspecto visual de un single de Angèle. El vídeo está protagonizado por ojos, muchos ojos, y juega con la inesperada similitud –adaptado a escala, claro– morfológico que guarda ese órgano con la boca pintada de rojo de la cantante. De nuevo, pequeños pero imaginativos detalles son la gran baza de esta pieza visual irresistible que no nos sorprendería que lograra el éxito de ‘La loi de Murphy’, que supera ampliamente los 4 millones de visualizaciones en pocos meses. Nada mal para una artista autogestionada.
Quincy Jones es uno de los hombres en la industria musical más respetados y que mayores éxitos –comerciales y artísticos– ha cosechado en la historia de la música pop, al lado de genios como Michael Jackson, Prince o Frank Sinatra, nada menos. Sabe de lo que habla cuando habla de música y, por eso, sus declaraciones sobre Taylor Swift en una entrevista para la revista GQ están causando bastante revuelo. Especialmente porque no le gusta nada la cantautora reciclada en estrella del pop y no tiene la más mínima intención de ocultarlo.
Cuando el periodista Chris Heath le pregunta a Jones sobre qué artistas actuales le gustan, el veterano músico y productor declara su amor por Kendrick Lamar, Bruno Mars, Drake, Ludacris, Common, Mary J. Blige o Jennifer Hudson. Pero Heath le pregunta de manera precisa por Taylor Swift, la “mayor estrella del planeta en términos de ventas en estos momentos ” –con «planeta» el periodista debe referirse a Estados Unidos, ¿verdad, Ed Sheeran?–, y Jones tuerce el gesto “entre la desaprobación y el desprecio”. “¿Qué hay de malo en ella?”, pregunta Heath. “Necesitamos más canciones, tío. Putas canciones, no ganchos”.
Heath insiste en el tema, diciendo que mucha gente la considera la gran compositora de nuestra era, pero él se ríe y espeta algo así como “hay gente para todo” (“Whatever crumbles your cookie”, en el original). “¿Qué le falta?”, insiste el periodista. “Saber lo que hace, ¿me entiendes? Desde que era un chaval he percibido a la gente que no hace su trabajo. Requiere trabajo, tío”. Así que, ¿qué haría Quincy, si tuviera que producir un disco de Taylor? “Algo se me ocurriría. [Pero] la canción es la mandanga, eso es lo que se le escapa a la gente. Una gran canción puede hacer a un mal cantante una estrella mundial. Una mala canción no la salvan ni los tres mejores cantantes del mundo. Eso lo aprendí hace 50 años”. Desde luego, no se puede decir que no sepa de qué está hablando.
‘Échame la culpa’ de Luis Fonsi y Demi Lovato continúa en el número 1 de singles en España una semana más, aunque ‘El baño’ de Enrique Iglesias asciende del puesto 3 al 2 y es la subida en puntos más importante de la semana. Para ambas canciones es una amenaza la enorme aceptación de ‘Tu canción’ de Alfred y Amaia y ‘Lo malo’ de “Aitana War”. Las 2 canciones, que compitieron por representar a España en Eurovisión, con victoria de la primera, son top 2 y top 1 respectivamente en Spotify España por segundo día consecutivo.
En cuanto a entradas más importantes en el top 100 español oficial, destaca Daddy Yankee con la provocativa ‘Dura’ (puesto 28). Es su 6ª canción ahora mismo en la lista, lo cual incluye por supuesto ‘Despacito’ pero también el remix de ‘Havana’. La nueva broma lleva 60 millones de reproducciones en Youtube en poco más de 10 días.
También muy buena acogida ha tenido Carlos Vives junto a Melendi. ‘El arrepentido’, en la estela de ‘La bicicleta’, llega al puesto 43.
Queda por encima de ‘Machika’, la canción de J Balvin con Jeon y Anitta que el lunes J Balvin presentó en vivo en la final de Eurovisión de ‘Operación Triunfo’. ‘Machika’ es puesto 48.
Drake, número 1 directo en Reino Unido y Estados Unidos con ‘God’s Plan’, pulverizando récords de streaming hasta ahora regentados por Taylor Swift, es puesto 73 en España, lo cual está muy lejos de sus mayores logros por aquí.
Por su parte, Dua Lipa, mientras sigue en el 16 en España con ‘New Rules’, entra al puesto 75 con ‘IDGAF’ («I Don’t Give a Fuck», «me importa una mierda»). Ojo porque mientras en Estados Unidos esta nueva canción extraída como single está en el puesto 92, en Reino Unido ya es número 4. ¿Cuántos singles de éxito puede conocer el notable debut de Dua Lipa?
Otras entradas en España han sido ‘Solita’ de Ozuna, Bad Bunny, largo etc (puesto 63), ’Sick Boy’ de Chainsmokers (puesto 88), la sentimental ‘Quisiera parar el tiempo’ de Maki y Demarco Flamenco (puesto 90) y ‘#Natural’ de Pati Cantú (puesto 95).
Es curioso cómo un disco te resulta especial casi desde el primer instante por circunstancias no estrictamente técnicas ni musicales, sino afectivas y personales o vaya-usted-a-saber-cuáles. Es lo que a mí me sucedió con ‘Los excesos de los niños’ de Alborotador Gomasio, un disco que me sonaba (y me sigue sonando, que quede claro) arrebatado y excitante. Supongo que es lo mismo que a muchos les puede suceder con ‘Luz y resistencia’, el tercer disco del grupo madrileño, aunque para mí haya perdido ese valor extra que supone el efecto de lo inesperado, la sorpresa. 
Mike Milosh está aprovechando la promoción del lanzamiento del esperado segundo disco de Rhye para 
Este viernes 2 de febrero se publican varios singles destacados, entre ellos el de 
Si te sientes mal porque una canción latina, bailable y en castellano no representará a España en Eurovisión, si estás comprobando con frustración cómo ‘
Charlie Puth ha concedido una
WAM, que se celebra a principios de mayo en Murcia, en concreto los días 4 y 5 en La Fica, y encabezado por las actuaciones de Kasabian, alt-J, Vitalic, Izal, Biznaga, El Columpio Asesino o la Yelle Club Party, ha confirmado nuevos nombres para su cartel. Se trata de Nada Surf y The Bloody Beetroots, junto a Joe Crepúsculo (que tuvo que cancelar el año pasado en el último minuto por un problema familiar), Cooper, Modelo de Respuesta Polar, Nunatak, Murciano Total y The Yellow Melodies. Los abonos, que cuestan 45 euros ahora mismo, suben de precio esta noche. La organización informa de que los abonos VIP están a punto de agotarse. Ambas modalidades están disponibles 
El dúo de Baltimore Wye Oak llega a su quinto disco el próximo 6 de abril. El largo se llama ‘The Louder I Call, The Faster It Runs’ y se presenta con un single homónimo estupendo que se ha estrenado esta misma semana. 
La Mar de Músicas de Murcia llega a su 24ª edición anunciando un cartel de lujo por el que pasarán artistas tan interesantes y variados como 
Grimes ha estado en contacto con sus fans en las últimas horas en Twitter, y a ellos y ellas ha confirmado la mejor de las noticias, que su próximo disco sale “este año”. La cantante y productora canadiense ha añadido que este nuevo trabajo podría salir “en primavera”, si bien ha apuntado que, “para ser realistas, [más bien saldrá] en otoño”.
Parte de la redacción evalúa ‘Get Out’, el nuevo single de CHVRCHES:
Mark Kozelek no puede parar de crear y un año después de su disco doble ‘Common as Light and Love are Valleys of Blood’, su último proyecto con Sun Kil Moon, que 
Yung Beef, integrante de Los Santos (antes PXXR GVNG), publica hoy finalmente su nuevo disco, ‘Adromicfms 4’, ya disponible en Spotify. ‘Andromicfms 4’ llega varias semanas después de la salida de ‘
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Pale Waves han mostrado varias veces por qué están entre los 
A todas luces los Premios de la Música Independiente se apuntaron un tanto en su primera edición premiando como Mejor Disco del Año el debut de Vetusta Morla, ‘
En 2010 la cosa estuvo más repartida. La Canción del Año fue ‘Erasmus borrachas’ de Francisco Nixon y el artista del año Delorean (en aquel momento triunfando a nivel global con el EP ’Ayrton Senna’ y más tarde ‘Subiza’), pero la gran ganadora la podemos considerar La Bien Querida, que a juzgar por el reciente llenazo en OchoyMedio, aún no ha tocado el techo comercial de su carrera. En 2010 se hacía con el Premio Revelación y al mismo tiempo con el Álbum del Año por su debut ‘Romancero’.
La tercera edición solo podía tener un ganador y esos fueron Triángulo de Amor Bizarro, que se hicieron con los premios a Mejor Disco por ‘
El año en que Adele fue reconocida como Mejor Artista Internacional (recordemos que en España la edita XL), fue repartido. Nacho Vegas se hizo con el Álbum del Año por ‘
Uno de los años más indiemainstream fue 2013, con Niños Mutantes triunfando con ’
En 2014 se cambió radicalmente de tercio y el álbum ganador fue 
Vetusta Morla, que ya no pueden optar a los premios tras su contrato con Sony, triunfaron por última vez en 2015 con su tercer disco. ‘La deriva’ fue el Álbum del Año, ‘Fuego’ la canción del año, recibieron premios a Mejor Artista, Mejor Directo, Mejor Producción Musical, Mejor Foto de Promo… Al menos dejaron que Belako se hicieran con el premio a Mejor Artista Emergente.
Vetusta Morla, aún de gira con el álbum anterior, se hicieron con el premio a Mejor Artista y Mejor Directo, e Izal con el premio a Mejor Canción por ‘Copacabana’. Pero la sorpresa la dio El Langui al llevarse el galardón a Mejor Álbum del Año por ‘Hola’. Se trataba de un disco influido por los ritmos jamaicanos, electrónicos y raperos, y con colaboradores como Andrés Calamaro, que permanece como su última obra de estudio hasta la fecha.
Triángulo, que salieron derrotados con su tercer disco, remontaron con el cuarto, con el que además dieron un gran salto en popularidad. ‘Salve discordia’ fue el Álbum del Año, el Álbum de Rock, ellos fueron el Artista del Año, y también ganaron la Mejor Producción Musical. ‘Bien por ti’ de Viva Suecia fue la Canción del Año, Belako hicieron el mejor directo y Gata Cattana fue la Mejor Artista Emergente, de manera póstuma.
Si llegaste a ver y escuchar el clip de ‘
‘Échame la culpa’ de Luis Fonsi y Demi Lovato continúa en el número 1 de singles en España una semana más, aunque ‘El baño’ de Enrique Iglesias asciende del puesto 3 al 2 y es la subida en puntos más importante de la semana. Para ambas canciones es una amenaza la enorme aceptación de ‘Tu canción’ de Alfred y Amaia y ‘Lo malo’ de “Aitana War”. Las 2 canciones, que compitieron por representar a España en Eurovisión, con victoria de la primera, son top 2 y top 1 respectivamente en Spotify España por segundo día consecutivo.