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Moonpalace Records echa el cierre tras «perder la ilusión»

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houseofwolvesEl sello donostiarra Moonpalace Records cierra tras haber «perdido la ilusión». En un comunicado su responsable (Juanra Prado) habla de cierta incomprensión del público. Se apela a «momentos de frustración al ver que eso que tú consideras maravilloso era incapaz de llegar a la gente, de ser escuchado, valorado… de sentir que estabas sacando los discos para apenas un puñado de personas». Paradójicamente, las ediciones del sello solían estar limitadas a 100 copias, siendo artesanales, hechas a mano. Muchas referencias de Ursula o House of Wolves estaban agotadas aunque es cierto que muchas otras de Francis Alun Bell o el mismo House of Wolves, no. El proyecto del angelino Rey Villalobos aparecía en nuestro top 20 de mejores discos de 2015 con ‘Daughter of the Sea‘. Os dejamos con la nota de prensa y uno de los pequeños grandes discos editados por el sello:

«Pues ya está, llegó el momento de decir adiós, de bajar la persiana, mirar atrás y sentirse orgulloso del trabajo hecho.

Han sido trece años desde la primera referencia, trece años de sacar discos maravillosos, de conocer a gente, de disfrutar muchísimo con el proceso, y por qué no, también momentos de frustración al ver que eso que tú consideras maravilloso era incapaz de llegar a la gente, de ser escuchado, valorado… de sentir que estabas sacando los discos para apenas un puñado de personas.

Sin dramas, esto se acaba pero la música sigue ahí, que al final es lo importante. Y en mi caso lo que queda además es la sensación de haber logrado lo que desde un principio me propuse, o al menos eso creo firmemente, un sello totalmente personal, para lo bueno y para lo malo, con una línea muy definida, quizás no la más fácil ni popular, pero sí la que más me gustaba a mí, y la que con el tiempo he visto que ha habido gente que ha apreciado y valorado.

Sin más, he perdido la ilusión y sin eso es imposible seguir, al menos en algo tan personal y con esta filosofía tan definida de ocio y disfrute puro y duro. Las cosas que queremos, que hacemos porque nos llenan y nos aportan algo hay que hacerlas así, cuando se pierde la ilusión se convierten en rutina y eso lo acaba estropeando todo, antes de que eso pase es mejor ponerles final.

No habrá actos de despedida, ni fiestas, ni nada parecido… la “celebración” de este final será lo que siempre ha sido el principal objetivo y motivación de moonpalace records, sacar discos. Así que habrá una última referencia, la número 36, el “canto de cisne” del sello, un último disco que verá la luz en noviembre y que cerrará de manera definitiva una historia muy bonita y emocionante que me ha encantado compartir con vosotros.

Hasta siempre».

Cass McCombs tocará ‘Mangy Love’ en España en febrero

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CassMcCombs_MangyLoveCass McCombs, autor de la gran ‘County Line’, ha sacado este año un disco precioso llamado ‘Mangy Love’ que contiene, al menos, dos de las canciones destacadas que se han hecho este año en el ámbito de la música norteamericana, ‘Opposite House’ y ‘Medusa’s Outhouse’, la del vídeo rodado durante una peli porno. Nuestro colaborador Jaime Cristóbal expresaba en su crítica que ‘Mangy Love’ es un trabajo fantástico, de primera mitad apabullante, en el que McCombs consigue «resucitar sonidos clásicos y clichés que casi eran anatema en el pop independiente y reencuadrarlos en su propio universo, creando así algo auténticamente singular».

España es uno de los países europeos afortunados en los que McCombs presentará ‘Mangy Love’ en directo. El artista actuará junto a su banda el 2 de febrero en el Teatro Lara de Madrid, el 4 en Las Armas de Zaragoza y el 5 en el Centre Artesà Tradicionarius de Barcelona, dentro del ciclo de conciertos Ronda organizado por Heliogàbal.

Justo el pasado mes de febrero, McCombs editaba sus rarezas en ‘A Folk Set Apart‘. Este mismo año salía también su disco junto a The Skiffle Players. El prolífico compositor californiano ha editado nueve discos desde su debut en 2003, notablemente ‘Catacombs’ en 2009 y ‘Wit’s End’ en 2011.

Tove Lo: «Todo ha salido más a lo grande de lo que jamás esperé»

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toveloTove Lo publica el viernes 28 de octubre su segundo disco, un ‘Lady Wood’ que sucede a aquel exitoso ‘Queen of the Clouds‘ que dejó hitazos en las plataformas de streaming como «Habits» o ‘Talking Body’. Hablamos con la cantante y autora sueca 15 minutitos por teléfono que al final fueron 13 tras la interrupción de su agente, si bien hay tiempo ya para hablar incluso del próximo disco de Tove Lo. El tercero.

‘Cool Girl’ está siendo más un sleeper en lugar de un hit instantáneo, ¿esperabas que fuera así?
Intento no esperar nada nunca. Este es mi segundo disco pero todavía me suena todo demasiado nuevo. Todo ha salido más a lo grande de lo que jamás esperé. Lo único que puedo hacer es una canción que me haga sentir orgullosa, que la gente se identifique. No pienso en la recepción que va a tener una canción, aunque estoy muy emocionada con la que ha tenido. Mi equipo siempre dice que lo que tenga que pasar, pase.

¿No te preocupan las listas de éxito?
Bueno, sí… Pero no las miro nunca. Si hay buenas noticias, alguien me lo dice, pero intento no esperar demasiado. Obviamente si va bien, me emociona mucho (risas).

«Este disco intenta describir los momentos de mayor adrenalina o colocón, cuando te deprimes, cuando te enamoras, cuando te drogas, cuando sales al escenario»

‘Queen of the Clouds’ tenía muchas grandes canciones pero también un concepto cerrado, ¿fue una presión tener un segundo disco que siguiera también un concepto tan chulo?
Para mí es importante que sea como una obra por sí sola. Este es un disco sobre perseguir las grandes emociones, sobre intentar hacer cosas para sentirte lo más vivo posible, lo que me da terror y lo que me pone. En lugar de describir diferentes estados de una relación como el disco anterior, intenta describir los momentos de mayor adrenalina o colocón, cuando te deprimes, cuando te enamoras, cuando te drogas, cuando sales al escenario. Todo ese curso emocional.

¿Has escrito durante la gira o no te apañas?
Nunca escribo cuando hago promo, pero mientras giraba por Europa, sí hice algunas demos a principios del año pasado, y terminé la grabación e hice la mayoría a principios de este año. Así que el disco va sobre lo que ha pasado estos dos años. Es una mezcla de ambas cosas.

¿Cuál sería la canción más vieja?
‘Influence’, la escribí el año pasado.

¿Wiz Khalifa no estaba al principio, verdad?
Él vino después (se ríe)

¿Era estrictamente necesario? ¿Cómo fue su aportación?
Le pregunté si quería salir en la canción, creía que sería perfecto. Me gusta colaborar con gente. Cuando pensé que podía ayudar y dijo que sí, me puse muy contenta. Sí, creo que hizo un gran trabajo.

¿Escuchabas hip-hop de pequeña?
De pequeña no, ha sido más últimamente. No creo que escuchara hip-hop hasta el instituto, cuando empecé la escuela de música, años después descubrí cosas que eran increíbles de R&B y hip-hop que nunca me habían interesado.

Has hablado del disco como una obra cerrada, pero trabajas con muchísimos productores diferentes. ¿Nunca has pensado hacerlo con solo uno o dos productores?
Bueno… yo escribo todas las canciones, así que obviamente todo está impregnado de mi sonido artístico. Los tipos que hicieron ‘Queen of the Clouds’ también están en este trabajo, así que es muy orgánico. Entienden mi visión, mis inspiraciones, el desarrollo. Siempre me comprenden, así que es fácil saber con quién trabajar para que el disco funcione. Y me encanta hacerlo así.

Así que no hay sesiones con otros productores que no funcionaron.
No, quizá porque trabajo siempre con gente que conozco hace mucho y con la que me llevo bien. Decido quién va en el disco y entonces estoy contenta con cada canción.

¿Te ves como productora de otros artistas o produciendo tus discos sola? De momento no coproduces tus discos, ¿verdad?
Sí lo hago, pero no. Me involucro mucho en el proceso. Produzco a veces, pero lo haré menos y menos porque prefiero escribir. Si en un punto no hago más giras en el futuro, y me concentro en escribir, quizá vaya más por ahí.

«Hay otro disco que saldrá el año que viene, que es como una continuación. No quería que salieran 20 canciones juntas»

Sólo me han dejado oír 5 canciones, pero sé que es un disco muy corto…
Bueno, el disco tiene más de 5 canciones. Creo que había como 20 canciones en total. Las 10 canciones que están en este disco forman un todo, una obra. Elijo las canciones para que la gente entienda la historia. Hay otro disco que saldrá el año que viene, que es como una continuación. Por eso está dividido, porque no quería que fueran 20 canciones juntas.

¿Cómo de acabado está ese otro disco?
No sé cuándo (sic).

¿Pero está escrito, producido y mezclado?
No puedo decírtelo. Eso es todo lo que puedo decirte (risas)

¿Qué clase de autora eres? ¿Escuchas mucha música y te empapas de ella o eres más de encerrarte sin pensar en lo que se lleva?
Escribo sola primero, por mi cuenta, en el estudio… Escucho mucha música cuando no estoy escribiendo, y cuando escribo me encierro en mi burbuja. Disfruto el proceso, no pienso «necesito una canción así». Es más «qué quiero decir» y voy por ahí.

‘Imaginary Friend’ o ‘Influence’ me han hecho pensar que el disco era más años 90, pero ‘True Disaster’ es más italodisco, más 80’s de nuevo, ¿el resto del disco es más de los 80 o de los 90?
No sé si puedo categorizarlo como de los 80 o de los 90, quería hacer algo relacionado con el minimal agressive, con beat techno, hay más soul en las melodías y evolución en mi voz. Para mí es más una versión 2.0 de mí.

¿Hay alguna canción que hayas escrito para otro artista y creas que está infravalorada?
(piensa) Quizá una de Lea Michelle, ‘Thousand Needles’, me hubiera encantado que tuviera más atención.

¿Y qué pasó?
No sé, no sé qué pasó. Llegó a aparecer en su álbum pero no sé si la gente la llegó a escuchar.

David Bisbal habla del «sí se puede» de su nuevo single electrónico

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bisbalDavid Bisbal lanza «casualmente» justo en la semana de emisión de ‘Operación Triunfo: El Reencuentro‘ un single de corte electrónico llamado ‘Antes que no’, que parece su ‘AMOLAP‘ particular. El sencillo ha sido compuesto por Bisbal junto a la argentina Claudia Brant y está producido por el ganador de dos Grammy Jeeves (a.k.a. Jean-Yves), conocido por sus trabajos con Bruno Mars, Britney Spears, Giorgio Moroder y en TV como productor musical de la BSO de Modern Family o Sexo en Nueva York.

El single que avanza su nuevo álbum, que irá sobre el hecho de que «el elemento más importante del planeta es el agua», cuenta con un vídeo grabado entre Los Ángeles y Cabo de Gata, pero de momento está siendo noticia por la cantidad de veces que durante la letra se repite el lema «sí se puede», más de hecho que en el mitin medio de Podemos. En una entrevista con 20 Minutos, habla sobre el tema: «¿Qué pasa, que parece un eslogan político?», responde a la primera pregunta de la entrevistadora. Paula Arenas le pregunta si temía que le vincularan con Obama o con Podemos y Bisbal responde a esta pregunta y a la siguiente, reformulada: «Sí, pero es otro sentido en el que yo lo estoy cantando (…) yo prefiero siempre mirar hacia el lado positivo antes. Hay gente conflictiva por naturaleza, sinceramente me gusta ser tolerante, apaciguar las cosas, pensar antes de enfadarme, ser cauto con las cosas que se dicen».

La entrevista continúa hablando del Premio Nobel a Bob Dylan y parece algo tensa en algún momento. En el vídeo que publica 20 Minutos se le ve bastante agobiado por el hecho de que se puedan tergiversar sus palabras y generen titulares. ¿Nadie lo pensó antes de que repitiera el estribillo hasta la saciedad?

Jenny Hval / Blood Bitch

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jenny-hvalEscuchar a Jenny Hval es como adentrarse en un diario secreto en formato audio: sus letras, así como el modo en que la artista las enuncia ante el micrófono, con una voz de apariencia frágil y cristalina que es capaz de poner los pelos de punta, son confesionales, íntimas, traten estas conceptos concretos como la anatomía humana o la sangre o abstractos como la muerte o el feminismo. El anterior disco de la noruega, ‘Apocalypse, girl’, es el que mejor ha sublimado su talento al mundo, por lo que ‘Blood Bitch’, su nuevo trabajo, parece un nuevo comienzo.

La naturaleza profundamente confesional de las interpretaciones de Hval sigue intacta en ‘Blood Bitch’, sin embargo, la música, al contrario que en sus anteriores entregas, hace hincapié en lo que esta -y no las letras que la acompañan- nos puede comunicar, en su poder de evocación, en su cinematografía. Hval y su compañero de producción, el también noruego Lasse Marhaug, devoraron películas de miedo y vampiros de los 70 obsesivamente durante la composición del álbum, lo cual ha impregnado la estética de sus composiciones electrónicas, notablemente en canciones de inclinación pop como ‘Female Vampire’ -que da paso a un interludio que combina gemidos de terror y cánticos místicos-, la cautivadora ‘Conceptual Romance’, por la que asoma la influencia de Kate Bush confesada por la propia Hval, o la trip-hopera ‘Secret Touch’.

Son números más desfigurados como ‘The Plague’, una serie de viñetas que aúnan vulnerabilidad («nunca he amado de verdad») con monólogos taciturnos y escenas de terror vampírico, sin embargo, los que irónicamente dan forma a un disco de estructura libre y episodios esquizofrénicos que toca cumbre a su mitad con ‘Untamed Region’, una pieza sumamente intrigante que sitúa a Hval en la soledad de una habitación de hotel desde donde la cantante se despierta, en mitad de la noche, sorprendida por la sangre derramada en su cama e insegura de su propia juventud antes de meterse los dedos en la vagina, oler la sangre «que huele a invierno cálido» y proceder a toquetear y manchar con ellos todos los objetos dispuestos a su alrededor.

El efecto es perturbador y hermoso al mismo tiempo. Todo el disco se desarrolla en una atmósfera similar al tiempo que habla sobre temas como la menstruación, el capitalismo, la necesidad de expresión artística, el amor no correspondido, la muerte o, de manera importante, el deseo, ya sea carnal o espiritual, un deseo cuyo concepto mismo despide el álbum en ‘Lorna’. «Usando, si quiera, la palabra «deseo» / nadie me dijo o enseñó nunca que no la refrenara», reflexiona Hval. «Siguió existiendo, pero sin lenguaje / ¿alguien tiene lenguaje para el deseo? / ¿podemos encontrarlo?». Por lo menos, el deseo vampírico lo habla, lo canta y lo expresa deliciosamente Jenny Hval.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Female Vampire’, ‘Conceptual Romance’, ‘Untamed Region’, ‘Secret Touch’
Te gustará si te gusta: Kate Bush, Björk, PJ Harvey, Julia Holter
Escúchalo: Spotify
Cómpralo: Bandcamp

Bebe critica la «dictadura de lo políticamente correcto» que es España

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bebe-kieremeEl Economista recoge hoy unas declaraciones de Bebe a El Mundo que pinta van a traer cola en los próximos días. El Mundo entrevista a Bebe con motivo de la reedición de su último disco, ‘Cambio de piel’ , y le pregunta cómo le contaría la situación actual del país a su hija. La cantante extremeña resume la situación señalando que España vive actualmente una «dictadura peor que la anterior, salvando las distancias, porque la anterior dictadura se sabía lo que era, pero la de ahora estaba muy camuflada [y] es la dictadura de lo políticamente correcto» y que hoy en día hay que «tener mucho cuidado con la boca». Esta es la respuesta al completo:

Había una vez un país muy bonito, con un clima maravilloso, unas carreteras divinas, que venía de haber pasado una tremenda, terrible y horrorosa época de una dictadura. Pero después, las personas empezaron a expresar lo que pensaban para ponerse de acuerdo y ese país se convirtió en algo mejor de lo que era. La gente se expresaba sin problemas, porque en la dictadura había que tener muuuucho cuidado. Y, de repente, cuando más guapo estaba, ese país entró otra vez en una tremenda dictadura, casi peor que la anterior, salvando las distancias, porque la anterior dictadura se sabía lo que era, pero la de ahora estaba muy camuflada. Y era la dictadura de lo políticamente correcto. Y parece que todos somos muy libres, todos tenemos derecho a opinar, pero en realidad es todo mentira. Tenemos que tener mucho cuidado, por lo menos antes había censores, sabíamos qué era un censor. Ahora hay que tener mucho cuidado. Éste es un país divino, pero hay días que tienes que tener mucho cuidado con la boca.

En otro punto de la entrevista, Bebe reflexiona sobre la situación política actual del país, en la que identifica un «problema de ego» que nace de un grupo de «niños grandes y caprichosos». «Me parece muy triste y muy poco maduro», apostilla. «Me parece que está muy despiporrado […] A algunos se les olvida que somos un montón, que hemos votado. Una cosa es el ideal que tengas y otra lo que le interesa al país. No todo es idealismo. Los partidos deberían remar a la vez; en realidad tienen muchas cosas en común. Si al final esto es cíclico. Ahora le toca a uno y dentro de cuatro años a otro. No os preocupéis, si os va a tocar a todos». No queda claro a quién ha votado Bebe estas elecciones pero sí que espera con impaciencia que se resuelva el no-gobierno actual.

Además, Bebe habla en la entrevista sobre lo cutres que son los camerinos españoles, recordando uno de un concierto en Bulgaria que no tenía luz ni espejos, y destacando para mal los camerinos de los festivales españoles con «baños químicos» en los que «no hay lavabos para lavarte y tienes que estar con la botella de agua»; o sobre la polémica con unos periodistas en la Sala El Sol de Madrid en 2011 (en que los llamó hijos de puta»), señalando que el asunto se sobredimensionó porque es mujer y que «si lo hubiera hecho Albert Pla no hubiera pasado nada».

Russell Crowe echa a Azealia Banks de su fiesta… ¿por amenazarle esta con apuñalarle?

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azealia-ibizaAzealia Banks ha fichado recientemente o estaría a punto de hacerlo por Soul Temple Music, el subsello en Sony de RZA de Wu-Tang Clan. Por eso, este fin de semana, tal y como cuenta TMZ, el rapero se trajo a su nuevo fichaje consigo a una fiesta en una suite de hotel de Beverly Hills organizada por Russell Crowe en la que el actor y unos pocos invitados e invitadas cenaron y escucharon música. Pero estamos hablando de Azealia Banks, que allá por donde va, arrasa o, en su lugar, le echan.

En esta ocasión, ocurrió lo segundo. La rapera ha publicado en Facebook que Russell Crowe «me llamó negrata, me cogió del cuello, me echó de la habitación y me escupió», añadiendo que aquella noche ha sido una de las peores de su vida. Sin embargo, según TMZ fue Banks quien utilizó la palabra «negrata» (algo que parece haber confirmado el mismo RZA) y empezó el barullo cuando se rió de Crowe y sus invitados por la música que sonaba durante la fiesta. A estos les llamó «aburridos hombres blancos».

Según el tabloide, una mujer trató de callar a Banks en defensa de Crowe, a lo que la rapera respondió con amenazas físicas. «A ti lo que te gustaría es que rompiera este vaso de cristal, os apuñalara con él en la garganta y la sangre os brotara por todas partes como en una película de Tarantino», espetó Banks, supuestamente. Después cogió un vaso y Crowe, harto, supuestamente le agarró de los brazos y le echó de la habitación a la fuerza.

Tenemos nuestras dudas de que ‘Business & Pleasure’, el segundo disco de Banks, vaya a salir ahora a través de Soul Temple Music…

Filtrado ‘Joanne’ de Lady Gaga tras aparecer el CD en las tiendas belgas

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gaga-joanne‘Joanne’ de Lady Gaga tenía que salir al mercado este viernes 21 de octubre. Sin embargo, se ha filtrado en la red. Según el foro de expertos en listas de éxitos de UK Mix, el disco ha aparecido en las tiendas belgas, pues algunas lo han sacado a la venta al recibirlo en lugar de guardarlo en sus almacenes hasta el próximo viernes, día de publicación oficial.

Hay gente posando en las redes sociales con una copia del CD, y está por ver si el equipo de la cantante reacciona y sube el álbum a iTunes antes de tiempo, pues este lanzamiento de Lady Gaga es precisamente el que menos depende de momento del público general y más se sustenta en su base de fans, que difícilmente aguantará hasta el viernes sin oír el álbum.

En los últimos días, Lady Gaga ha sido noticia por cancelar la promoción de ‘Joanne’ que tenía prevista en Reino Unido, entre otras cosas el show de Graham Norton. Algunas fuentes de dudoso origen y más que dudosa fiabilidad apuntan a que la decisión puede deberse a la mala aceptación en las listas de ‘Perfect Illusion’, que solo aguantaba una semana en el top 40 británico, y ‘Million Reasons’, que ha quedado fuera del top 40; aunque, como se señala en el propio Daily Star, el mal funcionamiento de los singles de la artista debería ser una razón más para promocionar el disco en lugar de para cancelar entrevistas.

Beyoncé sangra (un poquito) y Nicki Minaj se arrodilla ante Ms. Lauryn Hill en el concierto solidario de TIDAL

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mypictr_380x220 (1)Este fin de semana se ha celebrado en Nueva York el segundo concierto solidario de TIDAL para The Robin Hood Foundation. El objetivo del concierto ha sido «sensibilizar y recaudar fondos para crear un impacto social positivo hacia iniciativas de educación en todo el mundo». Beyoncé y su marido Jay Z, dueños de la compañía, así como Alicia Keys, Nicki Minaj, Common y Blood Orange, entre otros, actuaron en un concierto que está generando titulares por todas partes por un curioso motivo.

El motivo es Beyoncé o, más concretamente, su oreja derecha, que esta se cortó durante un punto de su actuación, posiblemente entre tanto latigazo de trenza, para entretenimiento de los medios musicales, que ya están extrayendo titulares de un simple corte. Este vídeo de Twitter documenta el momento en que Beyoncé se percata de que su oreja sangra y continúa cantando, algo que, para sus fans más extremos, supone una confirmación de su existencia sobrehumana y, para el resto de mortales, precisamente una no-confirmación de que Beyoncé es humana como Chenoa y sangra sangre.

Otro de los momentos destacados ocurridos durante el concierto fue el encuentro entre Ms. Lauryn Hill y Nicki Minaj en los camerinos. La propia Minaj ha subido a Instagram un vídeo de ella arrodillándose ante Hill, a quien considera una de sus mayores influencias. «Estoy enamorada de ti», le confiesa desde el suelo. «De tu espíritu, de tu mente, de todo lo que eres». Mientras, la pobre Hill, naturalmente a cuadros, aguanta con saber hacer y risa incómoda la situación.

En el post de Instagram, Minaj escribe: «Perdonadme mientras tengo una experiencia extracorpórea. Tiemblo, lloro, ¡qué DESASTRE! Esta señorita es la razón, Dios. La REINA. ¡Diosa! ¡El epítome! ¡La cumbre!»

I quoted her in my HS YEARBOOK!!!!! Like 😢😢😢😢😢😢😢😢

Una foto publicada por Nicki Minaj (@nickiminaj) el

‘Operación Triunfo: el Reencuentro’: entre el temprano programa navideño, el publirreportaje y el futuro biopic

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rosa-ot-reencuentro‘Operación Triunfo’ fue un fenómeno social en la historia de la música pop en España, claramente digno no de uno sino de varios documentales. Que hasta casi 13 millones de personas se reunieran frente al televisor para ver la final de un programa con actuaciones del tipo karaoke, que tal cantidad de cientos de miles de personas se acercaran cada semana a las tiendas de discos para comprar los discos de las galas, es algo que nos cabe tan poco en la cabeza en 2016 como la totalidad de los modelos diseñados en 1992 que los concursantes lucieron en las galas de 2001.

Naturalmente, ‘El Reencuentro’, la serie de tres episodios que RTVE ha ideado celebrando su 15º aniversario, no es el documental que nos explique por qué se pudo producir ese fenómeno, su relación con Gran Hermano, estrenado en España un año antes; el salto en la implantación de internet en España que se vivió en los primeros años del siglo; la cumbre de consumo en la industria musical (justo 2001, antes del desmelene de la piratería), etcétera. No se da voz a expertos, grandes ejecutivos o periodistas. El programa se centra en la reunión en una sala de los 16 concursantes, los cuales recuerdan anécdotas sin sustancia o interpretan viejas canciones con las mismas voces incoloras de siempre, amparándose en que la clave del éxito del programa fue el «buen rollo» entre ellos. Por ahí, ‘El Reencuentro’ parece un temprano programa navideño en el mejor de los casos, y un publirreportaje de la cadena o del concierto que se celebrará el día 31 de octubre en Barcelona, en el peor.

El concierto que alguien ha tenido la ocurrencia de programar en Halloween como para reírse de la cualidad de «muertos vivientes» de algunos de los participantes (al programa de ayer no le habrían venido mal un par de rótulos indicativos sobre quiénes eran algunos de los ex concursantes que figuraban) ha sudado tinta para agotar entradas pese a la macropromoción recibida por las vías normales y por las alternativas (el recurrente «trending topic» de Juan Camus). El propio Manu Tenorio era el primero en reconocer que en ‘Operación Triunfo’ «la música quedó en segundo plano» por el compañerismo y todo eso, en plena contradicción con lo que se presenta al comienzo como el recuerdo de «un gran proyecto musical».

Así, no tanta gente quiere ir a un concierto de esta índole 15 años después. Todos sabemos que en verdad ‘Operación Triunfo’, pese a las desbordantes cifras de ventas de las galas semanales y de los primeros discos de sus participantes, y pese a la envidiable posición en la industria musical que aún a día de hoy conservan especialmente David Bisbal y David Bustamante, dejó una buena ristra de discos improvisados, producciones mediocres y portadas que duele a los ojos ver, que nunca fomentaron -ni se buscó- la cultura musical en España. Es marciano, a diferencia de lo que ha de suceder con un buen disco, plantear siquiera que un álbum de una de estas personas te pudiera llevar a cuestionar sus influencias, a descubrir otras cosas, a comprarte algo que no hubieras visto por la tele. Irónicamente, como para plantear este debate, el programa de anoche se veía aderezado con música de Bon Iver, Kings of Convenience, Jose Gonzalez o Explosions in the Sky. Me pregunto quién de sus concursantes y de sus fans podrían entonar siquiera una de las canciones de estos artistas que han vendido cientos de miles de discos y han generado tanto entusiasmo con sus giras por nuestro país. A nadie le importará nada.

‘El Reencuentro’ deja también abiertamente a la luz -y es uno de sus escasos aciertos- la falta de autenticidad de algunos de los productos que se presentaron en el mercado. De hecho, es en las entrevistas unipersonales grabadas aparte de ese «reencuentro» donde se ve lo único interesante de este documental: cómo Álex habla totalmente desencantado de la industria porque se encontró actuando con un grupo con el que no quería actuar sólo porque una mano negra en la que no se profundiza le obligaba («»¿Por qué?». «Porque sí». Pues así era»); cómo Geno #SufroComoGeno llegó a ser aconsejada por Rocío Jurado; o cómo algunos se quejan de que había favoritos. A falta de comprobar si Naím explica cómo se le ocurrió hacer una canción-acróstico mandando a la mierda con discreción y educación a VALE Music, de momento lo mejor ha sido ver que Rosa recibe un justo protagonismo, a pesar de que Bisbal aún no suena muy convencido cuando dice que ella era la mejor opción para ir a Eurovisión.

Aparte de haber sido la ganadora, es sin duda el personaje más singular surgido en el programa. Al margen de su comparación con el público de un estadio «con un potaje de lentejas» que espero que traspase generaciones, todavía dejan con la boca abierta sus serias dificultades para aceptarse a sí misma o enfrentarse a su propio pasado: «tenía 20 años pero mi cabeza era de 13 años. No estaba preparada (para el programa) ni físicamente ni emocionalmente. Ni culturalmente. Yo no puedo ver vídeos porque me choca mucho. Me enfada verme así». «No había por dónde cogerme», llega incluso a repetir. El biopic sobre esta versión de la Cenicienta de principios de siglo parece más cercano.

Calificación: 6/10
Destacamos: el crossover Def Leppard: Javián con una camiseta suya y Vero escribiendo con su guitarrista en Los Ángeles
Te gustará si: te lo tragaste en su momento
Predictor: hizo un 25% de share. Hoy en día un éxito.

Muere Elena Santonja

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elena santonjaLa Academia de Cine confirma hoy el fallecimiento, a los 84 años, de Elena Santonja, una de las presentadoras de televisión más queridas de nuestro país durante los ochenta gracias a ‘Con las manos en la masa’, el influyente programa de cocina de RTVE por el que pasaron multitud de estrellas del pop de nuestro país como Carlos Berlanga, Alaska, Pedro Almodóvar, Sara Montiel, Ana Belén, Fernando Fernán Gómez o Joaquín Sabina. ‘Con las manos en la masa’ fue el primer programa de cocina en plató que se hizo en nuestro país y esta es la fórmula que siguió la mayoría de formatos similares que se han hecho posteriormente en España. Santonja no solo lo presentaba sino que también lo dirigía junto al guionista Álvaro Lion-Depetre, con quien además diseñaba los platos.

La mítica sintonía de ‘Con las manos en la masa’ era composición del dúo Vainica Doble, entre cuyas integrantes se encontraba Carmen Santonja, hermana de la fallecida presentadora, que murió en 2000. Su compañera de grupo, Gloria Van Aerssen, nos dejaba el año pasado.

Además de presentar el mítico programa de cocina, Santonja actuó en ‘El verdugo’ de Luis García Berlanga y ‘Crimen de doble filo’ de José Luis Borau y era pintora, afición a la que se dedicó plenamente en los últimos años de su vida. La propia Santonja era bisnieta del conocido pintor Eduardo Rosales.

Bruno Mars estrena ‘Chunky’ en directo: ¿un hit o lo mismo de siempre?

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mypictr_380x220Bruno Mars saca nuevo disco, ’24K Magic’, el próximo 18 de noviembre. El primer adelanto oficial, el tema titular, es una de esas canciones capaz de dividir opiniones en extremos; por ejemplo, solo tenéis qué comparar lo que opina nuestra redacción de la canción (gran sí) con lo que piensan de ella nuestros lectores (gran no). El éxito de la misma, sin embargo, no está tan claro: puede que su parecido a ‘Uptown Funk’ le ayude o, por el contrario, le termine perjudicando como que le ocurrió a Ariana Grande con ‘Focus’, que venía de ‘Problem’ y fracasó en listas.

Mientras, Mars ha sido este fin de semana uno de los últimos invitados a la nueva temporada de ‘Saturday Night Live’. Allí ha actuado para presentar ’24K Magic’, para la que hizo una actuación que le llevó del camerino al plató del programa y de allí a su escenario, y un tema nuevo, ‘Chunky’. De nuevo, estamos ante un tema bailable totalmente old-school que nos recuerda que Mars debe gran parte de su saber hacer a Michael Jackson; sin embargo, por momentos más que un hit parece un boogie random de los 80 tipo Kashif o similares. No parece, en principio, un nuevo ‘Treasure’. Veremos qué tal le va.

En ‘Algo pasa con Ana’ no pasa nada

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algo-pasa-con-ana-2¿Por qué? ¿Por qué me dejaría embaucar por esas promos del nuevo canal DKiss que insinuaban que ‘Algo pasa con Ana’ tendría aquello que no tuvo ‘Las Campos’? Me dispuse a ver el docu-reality centrado en la figura pública y privada de Ana Obregón, que “se fue de la televisión porque ella quiso” y que “solo volvía porque el proyecto era interesante”, confiando en reencontrar la frescura de la primera temporada de ‘Alaska y Mario’, en descubrir en la actriz, bióloga y pija profesional un personajazo (para bien). Y menuda pérdida de tiempo y luz eléctrica, rediós.

La idea era, quizá, descubrir a alguien divertido, estrambótico o interesante detrás de la mediocre actriz que es, gracias a un formato teóricamente más desencorsetado que el que ella domina (la gala televisiva de Nochevieja o similar). Muy al contrario, ‘Algo pasa con Ana’ desaprovecha esas ventajas y, precisamente, rechaza la frescura del docu-reality guionizándolo todo hasta la parodia. Quizá es que Ana lleva tantos años metida en esto que ni siquiera puede resultar desinhibida ni creíble en su propia casa. No hay el menor atisbo de chispa, y sobreactúa en todo lo que hace, ya sea fingiendo que le preocupa haber perdido un disfraz de óvulo para la obra de teatro sobre la menopausia que representaba, fingiendo que lleva toda la mañana fregando a mano los suelos de mármol del salón (cómo está el servicio, ¿eh, Anita?) o que ve un partido de fútbol de la Selección Española junto a Aless Gibaja, supernormal.

La Ana que vemos en ‘Algo pasa con Ana’ no es nueva, ni excitante ni divertida: es «Anita La Fantástica», la que se inventó una carrera en Hollywood, la misma que veíamos en sus posados o en sus guionizadas meteduras de pata televisivas. No, ese “masa de multitudes”, soltado en uno de los interludios cuidadosamente grabados en estudio, tampoco resultó creíble. Para colmo, tampoco encontramos el más mínimo interés en los secundarios del programa: ni sus ex compañeras de función teatral, ni su hijo Álex, que por más solidario o rapero que pretenda ser seguirá siendo un pan sin sal, ni su perverso ex marido Alessandro Lecquio, al que echó sin venir a cuento algún capotazo sobre sus líos de faldas, ni su amigo Ra, que por guapo que sea no podía evitar que se palpara lo preparadísimo de sus diálogos. Ni siquiera su asistente de hogar filipina, a la que pone a bailar sevillanas como si la pobre mujer no tuviera bastante con aguantarla. De verdad, ¿dónde está el interés? Es decir, si el reality de María Teresa y Terelu Campos te pareció un bluff, ni te acerques a esto. Al menos allí descubrimos la implacable voracidad de Terelu, un personajazo en sí mismo.

Dinosaur Jr. / Give a Glimpse of What Yer Not

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dinosaurjrDinosaur Jr. continúan ahondando en su estilo tradicional, tal como también hicieron en los anteriores ‘Farm’ o ‘I Bet On Sky’. No parecen notarse los cuatro años que han transcurrido ya desde este último; ‘Give a Glimpse of What Yer Not’ lo podrían haber sacado en 2012. O en 1996. Porque sorpresas hay más bien cero. Pero canciones como soles, unas cuantas. Y es aquí donde reside la grandeza de Dinosaur Jr. A pesar de los años, a pesar de que la receta es la misma y de que sus ingredientes no han cambiado ni tienen nada especial en apariencia, la magia sigue ahí. Ya lo ejemplifica la inicial ‘Goin Down’, un tema de rock acelerado que, de entrada, suena bastante convencional, pero que se convierte en algo grande merced a un estribillo fresco y rotundo. También es otra gran muestra la alegre y contagiosa ‘Tiny’, que parece que se la hayan birlado a los mejores Sugar.

A pesar de tan efervescente arranque, ‘Give a Glimpse…’ es menos jovial que ‘I Bet On Sky’. Si su anterior álbum ya estaba “afectado por brotes de melancolía”, aquí dichos brotes han crecido bastante. La abrasión de Mascis y Barlow no se apaga, pero se les nota un componente más nostálgico. Melancolía hay en ‘Be a Part’ y en la súplica amorosa que eleva Mascis. Aunque la campeona es la fantástica ‘I Told Everyone’, tan contundente en los instrumentos como tremendamente emocional en las melodías y en la voz de Mascis; la línea melódica del puente, sus guitarras agridulces, la convierten en ejemplar representación de todo lo bueno de la banda y en una de las mejores canciones de su carrera.

El pesar desaparece momentáneamente en la vigorosa ‘I Walk for Miles’, con un riff pesado y victorioso, pero enseguida llega ‘Lost All Day’ –otra maravilla–, para devolvernos a la morriña mediante una pregunta simple: “Oh baby, what went wrong?”. Luego parecen entrar en extraño sosiego en ‘Knocked Around’… hasta que rompe en apoteosis percusiva hacia la mitad. Mientras, si Lou Barlow en ‘I Bet…’ parecía haber “saltado la dinámica general del LP con dos cortes bien cañeros”, aquí nos regala las piezas más pausadas. Sus canciones están escoradas hacia el rock de los 70, con ligeras tinturas de psicodelia e, incluso, un poquito de folk en ‘Love Is…’. O hacia la erupción épica en ‘Left/Right’, la canción más apartada del sonido habitual de los Dinosaur Jr., con un órgano en plan Emerson Lake and Palmer que le otorga un carácter cercano al progresivo.

Resumiendo: ‘Give a Glimpse of What Yer Not’ es otro disco modélico, la enésima muestra de la fidelidad de Dinosaur Jr. a ellos mismos y a su sonido. Está todo lo que les ha hecho grandes: contundencia, guitarras poderosas levemente distorsionadas, melodías de acero, su imbatible sentimentalismo… Y es, sin duda, la mejor obra de todas las que, durante este año, han alumbrado los ilustres de la generación del rock alternativo americano de los 80-90.

Nota: 7,4/10
Lo mejor: ‘Tiny’, ‘I Told Everyone’, ‘Lost All Day’, ‘Left/Right’
Te gustará si te gusta: Bob Mould, el rock alternativo americano de los 80 y 90.
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¿Ha logrado Amaia Montero la interpretación más delirante de su carrera?

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amaia 100 metros-2¿Será casualidad que reaparezca ahora que su ex-banda está a punto de publicar su nuevo álbum? Casualmente o no, este fin de semana la ex-vocalista de La Oreja de Van Gogh, Amaia Montero, lanzaba su nuevo single. Se trata de ‘100 metros’ y es el tema principal de la película del mismo título, dirigida por Marcel Barrena y protagonizada por Dani Rovira, Karra Elejalde, Alexandra Jiménez y Maria de Medeiros. Cuenta la historia real de Ramón Arroyo, un hombre al que diagnosticaron esclerosis múltiple pero que luchó para participar en una de las pruebas deportivas más exigentes del mundo. Se estrena el 4 de noviembre.

‘100 metros’, la canción, es un baladón tipo Adele (algo que no es nuevo para Amaia) que ha escrito y arreglado el ganador de dos premios Goya Lucas Vidal, el compositor de bandas sonoras más joven en la historia de Hollywood (compuso la de ‘Fast & Furious 6’). La producción ha corrido a cargo del sueco Martin Terefe, que lo mismo compone y/o produce para Amaia, Miguel Bosé, Backstreet Boys o Jesse & Joy, que para Ron Sexsmith, Martha Wainwright o Mary J. Blige.

Sin duda, esta reaparición no dejará indiferente ni a sus fans, que encontrarán en ella un nuevo motivo para amarla, ni a sus haters, que fliparán como nunca con su interpretación vocal. No resulta sencillo, a estas alturas de su ya larga carrera, superar a su propia parodia con los vaivenes de su voz. No contenta con estrujar sus agudos hasta límites ardillescos que excitarían al mismo Frank Ocean, ese «sentiiiiiiiiir» del pre-estribillo en un tono bajo resulta realmente hilarante. Casi tanto como cuando transforma «cabeza» en «caeza».

Lykke Li dirige a su propia comuna de liberados hippies en ‘Wings of Love’

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liv wings of loveOs contábamos hace un par de semanas que lo que andaba tramando Lykke Li era el lanzamiento de su nuevo proyecto, un grupo colaborativo que incluye a su propia pareja, Jeff Bhasker, además de a miembros de Miike Snow (el vocalista Andrew Wyatt y Pontus Winnberg –miembro también de Bloodshy & Avant–) y Peter Björn and John (Björn Yttling, concretamente). Se llaman LIV, y nos presentaron su primer single, un ‘Wings of Love’ que remite de forma muy directa a los Fleetwood Mac (y aledaños) de los 70. Ahora, además, nos presentan su correspondiente vídeo.

El clip lo ha dirigido la misma Lykke y, como su música, su estética visual está muy inspirada por el hipismo de los 60 y 70, una ideología que en el país del grupo, Suecia, tuvo un especial calado. Así, Lykke protagoniza esta pieza en la que un grupo de hombres y mujeres conectan con la Naturaleza en total desnudez, corriendo por el monte, bailando entre nubes de humo rosa, zambulléndose en un lago y tocándose, abrazándose y besándose, claro. Al final todo se trata de amor, ¿recordáis? Todo ello intercalado con preciosas y coloridas ilustraciones de la pintora sueca Malin Gabriella Nordin. Aunque no se ha confirmado aún, todo apunta a que esta canción forma parte de un álbum largo de LIV que vería la luz próximamente en Ingrid, un sello que los propios miembros del grupo, junto a otros artistas, han promovido.

‘O.J.: Made In America’: Sacando los colores a Estados Unidos

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oj made in america-2Pocas veces se ha hecho un retrato tan minucioso sobre la fama y la posterior caída a los infiernos de una celebridad como en ‘O.J.: Made In America‘. La serie documental dirigida por Ezra Edelman para ESPN Films a primeras puede parecer un título sin interés para aquellos ajenos al mundo del fútbol americano y la figura de O.J. Simpson. Pero los éxitos del jugador y actor, más allá de los primeros capítulos, pronto pasan a un segundo plano y con lo que se encuentra el espectador es con un cruel retrato de la cara más amarga y racista de unos Estados Unidos que, aún hoy en día, sigue viviendo su particular distopía.

El doble homicidio que Simpson cometió, y su consecuente juicio, fue uno de los grandes circos mediáticos de los 90. Pero lejos de quedarse en la superficie, la serie se aprovecha de estas circunstancias para ofrecer un retrato minucioso de otros temas estrechamente ligados con el caso como la segregación racial, el acoso de los medios de comunicación, las malas armas de la abogacía y la brutalidad policial en la ciudad de Los Ángeles. Más que un juicio justo, lo que más de 100 millones de espectadores vieron televisado en 1995 fue la venganza (y no precisamente servida en un plato frío, sino helado) de una comunidad afroamericana cansada de vivir vejada permanentemente por la América blanca y conservadora.

La trama por momentos resulta tan inverosímil que roza lo esperpéntico (sin ir más lejos, la huida de Simpson por las calles de Los Ángeles y cómo los habitantes de la ciudad le vitorean como si fuera montado en el Papamóvil) y, por cuestiones de metraje, pasa de puntillas por el segundo juicio y la rocambolesca historia que Simpson vivió en Las Vegas y que acabó finalmente metiéndole entre rejas. No obstante, aun con esas, sorprende cómo décadas después todo lo que se cuenta en la serie sigue teniendo una vigencia abrumadora en unos Estados Unidos que, actualmente, se juega como nunca su credibilidad ante unas elecciones presidenciales marcadas por el hastío social.

Aun rozando las ocho horas de duración en total en cinco capítulos, sorprende la agilidad narrativa de la serie y la capacidad que tiene de involucrar al espectador desde el minuto cero pese a saber éste desde un primer momento cuál es el desenlace. Engancha e incomoda por igual y, sin duda, saca los colores a un país que vive por y para las apariencias. Los Estados Unidos que muestra “O.J.: Made In America” todavía sigue siendo una triste realidad que da para reflexionar.

Dos libros que te dejarán helado: ‘Hermano de hielo’ y ‘Asamblea ordinaria’

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Un debut y una segunda novela. Alicia Kopf y Julio Fajardo Herrero, ambos treintañeros, han recibido elogios que ya quisieran muchos veteranos. Marcos Ordoñez sobre ‘Asamblea ordinaria’: “En pocos libros he escuchado latir así el aire turbio de este tiempo. ‘Asamblea ordinaria’ dará que hablar. Merecidamente”. Enrique Vila-Matas sobre ‘Hermano de hielo’: “En otro país, este libro habría cambiado incluso el curso de su historia”. ¿Exagerados? Sí, claro. Pero no demasiado…

‘Hermano de hielo’ (Alicia Kopf)

hermano- de-hieloOtro debut asombroso. Si hace unas semanas fue la californiana Emma Cline con ‘Las chicas’, ahora es la catalana Alicia Kopf con ‘Hermano de hielo’ (Alpha Decay). Lo primero que sorprende de su primera novela, ganadora del Premio Documenta 2015, es su riqueza metafórica. Kopf escribe con un picahielo. Va rompiendo capítulos hasta quitar toda la capa congelada que la recubre. La capacidad de la autora para exprimir narrativamente las posibilidades metafóricas del agua congelada es impresionante. El hielo le sirve para reflexionar sobre el arte y los artistas, hablar sobre las relaciones familiares y poner imágenes evocadoras y llenas de lirismo a sus sentimientos: “He puesto el pie sobre hielo muy fino. Primero he resbalado. Ahora me hundo”.

Lo segundo que sorprende es su riqueza estilística y narrativa. En esta “expedición polar” conviven el ensayo y la autoficción, la frialdad documental y la calidez ficcional, las imágenes (el libro incluye fotografías y dibujos) y las palabras, lo épico y lo íntimo, los conquistadores árticos y antárticos (Scott, Amundsen, Shackelton) y los exploradores cotidianos: su madre, con quien mantiene una relación fría, y su hermano autista, “congelado dentro de si mismo”. Y lo tercero que sorprende es que no se hable más de este libro. 9.

‘Asamblea ordinaria’ (Julio Fajardo Herrero)

Asamblea ordinariaLa foto que ilustra la portada de ‘Asamblea ordinaria’ (Libros del Asteroide) se puede ver casi como su prólogo visual. Desde ese plano general de una gran ciudad el autor pulsa el zoom hasta encuadrar en primer plano las tres historias que se narran de forma intercalada en el libro. La primera de ella relata los efectos que el desempleo, la precariedad laboral y el activismo político tienen sobre una pareja y su hijo pequeño. La segunda describe el proceso de fascinación que un joven informático experimenta por su jefe y su posterior desengaño. Y la tercera narra los problemas de convivencia y las desavenencias generacionales que surgen entre un joven desempleado y su anciana tía con quien se ha visto obligado a vivir.

Julio Fajardo Herrero pone cara a la crisis a través de estas tres historias cotidianas, “ordinarias”. Tres puntos de vista (cada historia está contada por una voz narrativa diferente, todo un acierto) que muestran de forma realista, directa y dolorosamente cercana los efectos que la actual crisis económica tiene sobre las personas y su entorno. Y lo hace desde al lado, como si escucháramos la novela a través de la pared del piso de un vecino al que van a desahuciar. El autor no analiza las causas ni propone soluciones, solo se coloca en las zapatillas de estar por casa de sus protagonistas. Son muy cómodas, sí, pero no te protegen de los golpes. Y los de esta novela duelen de verdad. 8.

Netflix españoliza ‘Stranger Things’ en ‘Cosicas raras’

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stranger-cosicasNetflix ha encontrado un verdadero filón en ‘Stranger Things‘, la serie de los Hermanos Duffer que se estrenaba este verano y se convertía en una de las sensaciones de la temporada. Desde entonces, la presencia de su casting, especialmente el infantil, ha ido sembrando de amor y sonrisas la Internet con sus simpáticas apariciones aquí y allá. ¡Buen truco!

Pero el éxito del serial se basa, además de un hábil guión, en una fantástica ambientación y en los múltiples guiños a blockbusters de los 80 que han marcado a varias generaciones. A nadie se le escapa que Netflix ha apostado todo el márketing de la serie a esa carta de la nostalgia que, la verdad, están jugando muy bien. Por ejemplo, para el lanzamiento del programa en latinamérica se les ocurrió recuperar a la propia Xuxa para hacer de sí misma, colaborando desde «su programa» en la búsqueda del «bajito perdido».

De forma similar, Netflix España ha presentado un nuevo vídeo promocional de la serie que recurre a reconocidos iconos televisivos y musicales de mediados de los 80 (que preferimos no desvelar) y los introduce de forma hilarante en la trama de la serie, que rebautizan como ‘Cosicas raras’. Del todo imperdible.

A todo esto, ya está en preproducción la segunda temporada de la serie, que llegará en 2017 y de cuya trama ya se han avanzado algunas pistas en un teaser. Después, los hermanos Duffer han ofrecido aún más detalles, como que habrá un nuevo personaje femenino llamado Max, una niña que monta en skateboard, o que han tenido que situar la nueva trama un año más tarde que la de la primera por una simple cuestión fisiológica: a los niños protagonistas, sobre todo a Gaten Materazzo (Dustin en la serie), les ha cambiado la voz.

30 días, 30 canciones contra Donald Trump

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30 days 30 songsQuizá en estos días habréis visto a alguno de vuestros artistas favoritos, como Franz Ferdindad, Death Cab For Cutie o Aimee Mann lanzar nuevas canciones, pero no como parte de su propia discografía. En realidad forman parte de la iniciativa 30 Days, 30 Songs, «una playlist de canciones escritas y grabadas por artistas para una América libre de Trump». Desde el pasado lunes 10 de octubre y hasta el día de las elecciones a la Presidencia de EEUU, se irá lanzando diariamente una nueva canción de un artista o banda compuesta específicamente para esta iniciativa, cuyo objetivo es evitar que Donald Trump logre la victoria en dichos comicios. Para ello, animan a registrarse para votar y hacerlo, claramente, en favor de la candidata Demócrata, Hillary Clinton.

Hasta el momento podemos escuchar cinco de esas canciones. La primera es ‘Million Dollar Loan’, de Death Cab For Cutie (Donald Trump: «¿Que nombre es ese? Qué panda de perdedores. ¡Mal!»); la genial Aimee Mann, por su parte, presenta ‘Mental Illness’, en la que se mete en la cabeza de Trump, que urde un plan para ser Presidente tras ser humillado por Obama en una cena; el joven soulman Bhi Bhiman, hijo de inmigrantes srilanqueses, dibuja a Trump como un aliado de Rusia («Quiere llevar todo el glamour de la lucha libre profesional a Washington»); Jim James presta el single de su próximo disco, un ‘Same ‘Ol Lie‘ que viene que ni pintado; y, por último (de momento), los escoceses Franz Ferdinand se mojan llamando directamente «demagogo» al millonario. Seguiremos atentos a las próximas novedades que, tengan efecto o no en la campaña, al menos prometene un buen puñado de canciones interesantes.

Marta Sánchez vuelve a desnudarse para una portada

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marta sanchez yo donaVeinticinco años después de aquella portada de Interviú que convertía a Marta Sánchez en un icono sexual de aquella época, la cantante vuelve a desnudarse para la portada de una revista de tirada nacional. Hoy en Yo Dona, suplemento que se entrega junto con la edición papel de El Mundo, Marta realiza un reportaje en el que posa sin ropa por una buena causa. Lo hace con el objeto de «poner el foco en la lucha contra el cáncer de mama» y forma «parte de una iniciativa cuyo fin es entregar un cheque» a la Fundación Fero, del doctor Baselga (un oncólogo que investiga la enfermedad). Es un tema que motiva especialmente a la cantante, pues hace unos años perdió a su hermana gemela, Paz, por este mal.

En la entrevista que acompaña el reportaje fotográfico también habla, aunque muy por encima, de la continuación de su disco ‘21 días‘, que desea vuelva a contener sobre todo temas compuestos por ella misma. El periodista Rafa Pontes tambien le recuerda la reciente polémica por su espantá en un programa televisivo, la versión argentina de ‘Mira quién baila’: «¿nadie se dio cuenta de que los pasillos por los que pasaba estaban iluminados porque todo había sido preparado, barra de bar incluida?, ¿alguien se cree que dos bailarines se molesten entre ellos en pleno ‘show’?, ¿aquel teatro era tan creíble aquí?». Es decir, todo formaba parte de un guión.

Aunque lo que más llamativo resulta de toda la entrevista en el plano musical es que planea volver a grabar y/o actuar con Olé Olé, en su anunciada reunión. Lo más sorprendente es quién es la instigadora de esta reunión: «Vicky (Larraz) me llamó y nos vimos en Miami. Me explicó que estaban muy interesados en contar conmigo y por supuesto, acepté. Olé Olé me lo dio todo en mis comienzos, y es un acto que se basa en la admiración, el respeto y el homenaje a algo que en cierto modo también es mío. Así que por fin cantaré a dúo con Vicky como mucha gente ha querido tanto tiempo… Creo que será un tema del grupo de la época en que estaba yo, pero aún no está cerrado».

5 razones por las que ‘Elle’ le puede quitar el Oscar a ‘Julieta’

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elle-paul-verhoeven-isabelle-huppertLo sé. Aún no están ni nominadas. Pero un duelo Almodóvar-Verhoeven suena tan bien, tan épico, tan “desafío total”, que me resisto a creer que los “miembros de la academia” lo dejen pasar. Y como entre las nominadas se cuele también Xavier Dolan con ‘Sólo el fin del mundo’ (Canadá), Asghar Farhadi con ‘The Salesman’ y Pablo Larraín con ‘Neruda’ (Chile), que incluso podría hacer doblete con ‘Jackie’, la categoría de Mejor película de habla no inglesa puede ser histórica. Aunque eso sí, la favorita no es ninguna de ellas. Es la alemana ‘Toni Erdmann’, de Maren Ade, aún sin fecha de estreno en España.

¿Por qué ‘Elle’ le puede quitar el Oscar a ‘Julieta’? Te damos 5 razones:

1. La más obvia: porque es mucho mejor. El regreso de Verhoeven al cine después de diez años ausente, desde ‘El libro negro’ (2006), no ha podido ser más fructífero. ‘Elle’ es un thriller apasionante, una mezcla turbia, sorprendente y muy, muy provocativa de (enfermizo) relato de intriga y (retorcida) comedia familiar. Habituados a películas de misterio donde el espectador va siempre dos pasos por delante de la trama, ‘Elle’ (mejor no saber nada del argumento) se va transformando ante nuestros ojos mientras la seguimos con la boca abierta.

2. Porque Isabelle Huppert realiza la que, posiblemente, sea la mejor interpretación del año. Ya suena como posible candidata al Oscar. A sus 63 años, la fabulosa intérprete francesa tiene todos los premios: Cesar (es la actriz que más nominaciones acumula, quince), Bafta, Cannes, Venecia, Berlín… Pero nunca ha sido nominada a los Oscar. ¿Será este año? No sería la primera vez que una actriz francesa compite hablando en su idioma. Basta recordar dos casos recientes: Emmanuelle Riva por ‘Amor‘ y Marion Cotillard por ‘Dos días, una noche‘. Así que no sería nada extraño.

3. Porque la dirige Paul Verhoeven. Almodóvar tiene nombre en Hollywood, no hay duda, pero es que Verhoeven fue uno de ellos. Aunque siempre fue alguien incómodo para la industria, trabajó en ella quince años. Es el director de tres clásicazos del cine popular –‘Robocop’, ‘Desafío total’ e ‘Instinto básico’- y dos cintas de culto: ‘Showgirls’ y ‘Starship Troopers’. Tampoco hay que olvidar que tiene 78 años. Y la edad, en los premios, siempre cuenta.

4. Porque “ganó” en Toronto. Las dos películas ya han medido fuerzas en el ring. Primero en el de Cannes y hace unas semanas en el festival de Toronto, el certamen que tradicionalmente da inicio a la “carrera de los Oscar”. Y ganó la púgil francesa. ‘Elle’ fue mejor recibida que ‘Julieta’. De hecho, tanto en Rottentomatoes como en Metacritic, que a falta del estreno en Estados Unidos (en noviembre y diciembre respectivamente) se nutre de las opiniones de los críticos que las vieron en ese festival, gana la primera.

5. Porque es muy “francesa”. ‘Elle’ es el tipo de película que muchos estadounidenses asocian con el cine francés y que, por supuesto, adoran: sofisticada, excéntrica y muy perversa. Como muy bien apunta Jordi Costa en su crítica para El País, esta adaptación de una novela de Philippe Djian recuerda mucho a las películas que el dúo Buñuel/Carrière realizó en Francia en los setenta. Y ya sabemos cuál fue el resultado: ‘El discreto encanto de la burguesía’ (1972), Oscar a la mejor película extranjera.

El homenaje a Orlando de Sia: ¿el mejor vídeo pop de 2016?

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mypictr_380x220 (1)Sia continúa haciéndose de oro. Mientras ‘Cheap Thrills’, uno de los mayores éxitos de este verano, empieza su descenso en las listas de los mercados musicales más relevantes (y los que no lo son tanto) del mundo, su nuevo sencillo, ‘The Greatest’ con Kendrick Lamar, se prepara para ocupar su lugar en lo más alto. De momento, ‘Cheap Thrills’ es top 8 en Billboard Hot 100 y bajando mientras ‘The Greatest’ es top 27 y subiendo y saluda desde el mismo top 8 en Reino Unido (donde ‘Cheap Thrills’ es top 32). En España, ‘The Greatest’ también es top 8 pero ya sabéis lo que nos cuesta cansarnos de un hit por aquí cuando nos da por él fuerte y ‘Cheap Thrills’ continúa plantada en el top 4 de nuestra lista de éxitos.

‘The Greatest’ es, además, top 1 esta semana en JENESAISPOP. Esta canción adelanta la reedición de ‘This is Acting’ de Sia que sale el 21 de octubre. Conocíamos la canción el pasado 5 de septiembre y lo primero que pensamos de la misma es que era un cruce entre ‘Chandelier’ y ‘Cheap Thrills’, en primer lugar, por la intensidad de su estribillo y, en segundo, por el sonido tropical de su producción instrumental. ‘The Greatest’ se amolda perfectamente a la moda de la radiofórmula actual sin dejar de sonar a Sia. ¿A alguien le extraña que haya funcionado comercialmente?

‘The Greatest’ parece, en principio, una canción de superación personal. Su vídeo le dio otra dimensión: es un homenaje a las víctimas de Orlando. El pasado 12 de junio, un hombre armado mató a 49 personas e hirió a otras 53 en Pulse, una discoteca gay de la ciudad de Florida, lo que resultó en la peor matanza en Estados Unidos por parte de una única persona, la mayor contra la comunidad LGBT y en el peor ataque terrorista sufrido en Estados Unidos desde el 11 de septiembre.

Muchos fueron las figuras de la música y del entretenimiento los que expresaron, en aquel momento, su dolor ante lo sucedido a través de mensajes en las redes sociales o de canciones. Poco después de la matanza salió ‘Hands’ de Justin Tranter, una balada llena de estrellas, en apoyo a las víctimas y a sus familias; Christina Aguilera y Sharon van Etten lanzaron sendos homenajes propios, Frank Ocean dedicó una emotiva carta en su web, Lady Gaga un discurso igual de emocionante desde la misma Orlando… La respuesta de Sia llegaba meses más tarde pero era todavía más poderosa y lo hacía en forma de vidoeclip.

El vídeo de ‘The Greatest’ está protagonizado, cómo no podía ser de otra manera, por la bailarina favorita de Sia, Maddie Ziegler, que se nos presenta aquí llorando arcoiris antes de iniciar una coreografía trepidante, convertida en toda una heroína, con sus bailarines, un grupo de 49 niños y niñas que representan a las víctimas de Orlando. Estos aparecen, al principio, cubiertos de polvo o muertos en el suelo y, al final, particularmente en la última escena del vídeo, la más emocionante, como confusos en lo que parece una discoteca tiroteada, sin saber muy bien a dónde ir pero, sobre todo, unidos. Ese sentimiento de unión y lucha es el motor del vídeo desde el principio hasta el final.

No son pocos ni pocas las personas que considerarán este el mejor vídeo pop de 2016. Estamos ante un trabajo absolutamente magistral de dirección, realización y coreografía en el que cada secuencia es más memorable que la anterior y cuyo significado social no podría ser más importante. Es obra de la misma Sia y el también australiano Daniel Askill, con quien ha co-dirigido los vídeos de ‘Chandelier’, ‘Elastic Heart’ y ‘Big Girls Cry’ y con quien, de hecho, trabajó en 2004 para el vídeo de ‘Breathe Me’. Askill ha dirigido también vídeos para Placebo, Phoenix y These New Puritans y es autor de la película ‘We Have Decided Not to Die’, pero es su obra visual con Sia la que le ha dado fama.

No hay que olvidar, por otro lado, que ‘The Greatest’, en su versión original (no la del vídeo), incluye al rapero Kendrick Lamar, el más prestigioso de la actualidad tras el lanzamiento de su obra maestra, ‘To Pimp a Butterfly’, en 2015. Su verso es breve pero memorable: «soy la verdad, soy la sabiduría de los caídos, soy la juventud», rapea; «soy el más grande, esta es la prueba / trabajo duro, rezo duro, pago mis deudas». El verdadero poder de ‘The Greatest’, sin embargo, proviene de la suma de la canción y su videoclip, lo que resulta en un producto raro que aúna visión artística y comercialismo con resultados asombrosos.

El vídeo «cómico» de Maroon 5 vía Pokémon Go robará 6 minutos de tu vida

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mypictr_380x220Hace unos días, Maroon 5 estrenaban nuevo single, ‘Don’t Wanna Know’, su apuesta por el sonido tropicalete estilo ‘Lean On’ de Major Lazer, DJ Snake y Mø, el último Justin Bieber, AlunaGeorge y un largo etcétera que tenemos nuestras dudas el público vaya a apoyar como sí apoyó en el pasado los tres éxitos del último álbum del grupo, ‘V‘, especialmente ‘Sugar’. Siendo Maroon 5, posiblemente la banda tenga suerte, pero ‘Don’t Wanna Know’ no podría llegar más tarde a este sonido que tanto ha influido a la radiofórmula en los últimos años.

El grupo ha estrenado hoy el videoclip de esta canción, que no incluye a Kendrick Lamar, invitado en el tema original, y este destaca por un motivo, su uso del fenómeno Pokémon Go. En el vídeo vemos a Adam Levine y a los suyos, además de a una serie de celebridades no-tan-célebres que incluye a la cómica Sarah Silverman, disfrazados de Pokémon y siendo perseguidos por la ciudad por una panda de personas humanas armadas con teléfonos móviles. La tontería dura 6 minutos.

Ha dirigido el vídeo David Dobkin, que ya se encargó del vídeo viral de ‘Sugar’. Este retrataba a la banda tocando la canción en una variedad de bodas ficticias que no parecían reales tan reales pero que terminó enganchando a millones de personas. Entendemos que Maroon 5 busca el mismo efecto con este vídeo lleno de Pokémon, pero siendo esta canción, crudito lo tiene.