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Rosalía deslumbra estrenando ‘El mal querer’, SOPHIE fascina y Gorillaz aprueban en viernes de Sónar 2018

Por
JNSP
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En el Sònar Còmplex arranca Territroy Live, un proyecto de los griegos Stathis Kalatzis y Panagiotis Melidis, aún inédito discográficamente que, sobre el papel, pinta de lo más sugerente. Y de hecho comienza bastante bien. House etnicista la mar de acogedor con bonitas proyecciones en sepia, llevadas por la voz en falsete de Melidis con la que va fabricando loops. Pero, ay, empiezan a entrar en un terreno de breakbeats tenebrosos, van abandonando los terrenos house, tras un conato punkfunk acaban deviniendo excesivamente pesados, maquinales. Incluso se escucha algún silbido ocasional, y acabo desconectando. Todo lo contrario sucede con las deliciosas DECISIVE PINK, un dúo formado por Angel Deradoorian (ex Dirty Projectors) y Kate Shilonosova, cuya presencia de hada es magnética. Una música hermosa, con un pie en Stereolab, otro en Lio o Yelle, pero también con incorporaciones de reggae y funk. Empiezan con pop soñador, pero poco a poco nos arrastran a terrenos psicodélicos y progresivos, a bandas sonoras de fantasía. Una pequeña maravilla que no puedo acabar de degustar porque Liberato me espera. Mireia Pería

El Sònar Hall está repleto de italianos, al menos las primeras filas, para recibir a Liberato, el anónimo (no muestra el rostro) fenómeno napolitano urban. Tras una música de thriller, emerge alguien, embozado y con sudadera negra con el nombre del artista, que empieza a atacar unas baterías electrónicas y disparar techno duro. Pero no, no es él. Porque de las sombras, igualmente oculto, emerge el héroe de la tarde, acompañado de otro percusionista. Se hace cargo de la mesa y arranca con ‘Nove Maggio’. Y es muy gracioso ver cómo contrasta la dura imagen que hay encima del escenario -penumbra, haces hirientes de luces blancas, tres tipos encapuchados que más bien parecen los Sunn O)))- con la luminosidad y alegría de la música. Porque las canciones de Liberato son puro pop pegadizo, mezcla de urban, algo de trance, italo disco e incluso canción melódica italiana, coronadas por fantásticos estribillos y conducidas por una voz dulce. Haciendo un resumen rápido, una especie de Drake italiano. Nosotros cantamos unos temas que son puro gozo. ‘Je te voglio bene assaje’, una estival ‘Gaiola portafortuna’, alarga con intermedio trance mi favorita, ‘Me Staje Appennenn’ Amò’… Bailamos hasta que termina con ‘Tu T’e Scurdat’ ‘E Me’. El público pide más, pero se acaba ya. Estupendo. Y, cuando su imagen y su show se ajuste a su música, puede sEr el acabóse. Mireia Pería

En SónarComplex, Laurel Halo presentó su nuevo proyecto junto al batería y percusionista Eli Keszler, ‘Raw Silk Uncut Wood’. Se trata de un espectáculo de improvisación en el que electrónica y música en directo dialogan a la manera de un free jazz ambiental que busca evocar algún tipo de entorno selvático, produciendo una maraña de sonidos cacofónicos en el que percusiones metálicas acompañan el croar de unas ranas o el canto de unos pájaros. Entre todo esto, Halo añade su propia voz filtrada por un efecto de autotune. El resultado es una música extraña, interesante pero desestructurada y no demasiado agradable. Jordi Bardají

Hay una avalancha humana para entrar al Sònar Hall. Maldigo no haber sido capaz de imaginar la masiva expectación hacia la nueva encarnación de Rosalía. Consigo entrar, pero al fondo y con nula visibilidad. Arranca con ‘Malamente’ y el recinto parece que se hunde. Sólo queda rezar para que el gentío se evapore. Apenas logro vislumbrar cuatro palmeros, dos chicos y dos chicas. Mis contactos me chivan que van todos de blanco, que lleva bailarinas. Que Rosalía parece Las Chuches. El Guincho es el encargado de la música y de lanzar las bases. Rosalía está presentando su nueva música, sin concesiones a ‘Los Ángeles’; música construida a base de samples (hay incluso un tema construido a base del tubo de escape de una moto), pregrabados y palmas, con unas letras de lo más clásico; una mezcla de flamenco fusión con pop urbano. Las canciones son de lo más sugestivas, huelen ya a clásico popular. Y, por encima de todo, la voz prodigiosa de Rosalía y su presencia; porque cuando consigo tirar hacia adelante y logro ver el escenario, la sorpresa es mayúscula. Rosalía baila; baila flamenco, pero también ejecuta elaboradas coreografías con su cuerpo de baile, como una divaza de R’n’B. Como Beyoncé. Incluso hay cambios de vestuarios; tras un breve intermedio, emerge de rojo. El ambiente de la sala es asfixiante, pero no parece importar a nadie. El público a mi alrededor está entusiasmadísimo con la nueva Rosalía. El show no escatima en juegos de luces, incluso en proyecciones de dibujos animados con Rosalía de heroína ninja. Casi para acabar, nos regala un tema apabullante sólo construido con su cantar y efectos de voz. Ella está emocionada, nos explica que tras este su nuevo proyecto, ‘El mal querer’, hay implicada mucha gente a la que quiere dar las gracias. Y cierra con el tema más hip hop, rematado por una coreografía espectacular. Sólo 45 minutos de show. Suficientes para certificar que Rosalía está catapultada al éxito más fulgurante. Mireia Pería

No sé cuántos siglos por delante vive SOPHIE (unos cuantos seguro), lo que sí sé es que su “mundo totalmente nuevo” da un poco de miedo. Acompañada de dos bailarinas y de la vocalista Cecile Believe, SOPHIE aparece en el escenario de SónarDôme desbordante y su electro-pop de plástico, mecánico e híper artificial llega desde los altavoces como una enorme bestia dispuesta a derribar todo que se cruce por delante. El retumbe es brutal, apabullante. Por poco me vuelan las lentillas por los aires. Pero la oscuridad pronto acontece y ese mundo en apariencia maravilloso se vuelve gris y, mientras la música adquiere tonos más oscuros y amenazantes, una enorme bolsa de plástico empieza a hincharse tras SOPHIE, terminando por engullirla, a la vez que la música parece devorarse a sí misma hasta desaparecer. Tras esta espectacular introducción, SOPHIE y sus colaboradoras re-aparecen en el escenario y proceden a presentar ‘Oil of Every Pearl’s Un-Insides’, destacando el brutalismo de ‘Ponyboy’ y ‘Faceshopping’, el dramatismo de ‘Is it Cold i the Water?’ y el pop del siglo XXII de ‘Immaterial’. Se suceden en el escenario extrañas coreografías entre SOPHIE y sus bailarinas: con una de ellas, SOPHIE parece querer emular un maniquí, lo cual, teniendo en cuenta sus artificiales rasgos faciales, produce una sensación de “valle inquietante” que durará todo el concierto. El set es profundamente decadente en la manera narcótica con la que SOPHIE, que no aguanta recto el micrófono ni una sola vez, y cuya mirada parece en todo momento perdida en otras cosas, interpreta todas las canciones, y el punto sado-maso de la puesta en escena (las bailarinas esclavas, SOPHIE, su ama) llega a su cumbre cuando SOPHIE, quien antes ha saltado hacia el público, con la mala suerte que ha caído al suelo, se echa ¿agua? ¿aceite? por encima, se quita la parte superior de su ajustadísimo atuendo y se queda en tetas ante su público, posando sensualmente para las decenas de cámaras que le tiran fotos en ese momento. “Mirad estas tetas, porque no las vais a tocar”, parece decirnos. Si tuviera que describir mi interpretación de lo visto en este concierto, diría que SOPHIE, buscando potenciar el elemento artificial de su música y de su propio aspecto, planteando un futurismo absolutamente terrorífico, ha interpretado a un humanoide esclavo condenado a entretener por toda la eternidad. Si en lo que pasó anoche no hubo nada de interpretación, entonces fue un concierto de rock ‘n roll en toda regla, y de hecho SOPHIE lo terminó estampando el soporte de micrófono contra el suelo hasta romperlo. Ambas cosas produjeron, para mí, el show más fascinante del Sónar de lejos. Jordi Bardají

El islandés Ólafur Arnalds comienza con quince minutos de retraso, quizás fruto de la inmensa cola que espera que abran las puertas del Sònar Complex. Ólafur, al piano y teclados, está acompañado por un cuarteto de cuerda y un batería, tenuemente iluminados. Bromea con que hayamos preferido verle a él antes que el fútbol y nos anuncia que va a tocar temas de su nuevo disco, aún inédito. Ganan los paisajes sosegados y melancólicos, de BSO lluviosa, con una introducción a piano y las cuerdas que se van sumando para crear hermosos crescendos , aunque hay algún momento en que entra la batería y eleva el ritmo. Entre el público no se para de oír chistar. Tanto, que incluso parece que se estén riendo. Pero Ólafur no parece darse cuenta. Y la mayoría de los presentes están mesmerizados por la hermosura de lo que se escucha. Mireia Pería

Alva Noto presenta en SónarComplex ‘UNIEQAV’, uno de los tres álbumes que ha publicado en 2018, en un espectáculo que en realidad no propone especialmente nada nuevo, ya que se basa en la combinación de tecno cerebral y minimalista y visuales con proyecciones de frecuencias de sonido (el de su propia música) que ya le hemos visto en shows anteriores, solo o acompañado (por ejemplo, de Ryoji Ikeda en CYCLE). Esta vez la música está más inclinada al entorno de club, y la precisión y radicalidad de sus beats clínicos y ultra-matemáticos nunca dejará de volar los sesos a quien se deje seducir por ellos. Un concierto de Alva Noto es lo más parecido que hay a bailar en el interior de un ordenador, realmente fascinante. Jordi Bardají

Reconozco que, de todos los proyectos de Damon Albarn, Gorillaz no es el que más me interesa. Aún así, es un combo de singles efectivos y su concierto es sinónimo de fiesta asegurada. Proyectan un ‘Hello’ en la pantalla y el público ofrece una bienvenida calurosa. La banda está rematada por un espectacular elenco de coristas (algo desaprovechadas). Damon de amarillo sigue teniendo ese aspecto de chaval desastrado al que todo le da un poco igual y, a la vez, demuestra ser un perro viejo que lleva gran parte del show en sus espaldas; ora se acerca al público en el foso ya en la segunda canción (‘Tranz’), ora se pone a cantar con un micro conectado al megáfono (‘Tomorrow Comes Today’), un par de gestos que repetirá varias veces a lo largo de la noche. Los audiovisuales reproducen los canónicos dibujos animados de Gorillaz, pero lo importante sucede encima del escenario, en el mundo real. La banda es enérgica y se les ve con ganas. Incluso hay invitados de ultra-lujo. Nada más y nada menos que De La Soul reaparecen en el Sònar para rapear en ‘Superfast Jellyfish’. ¡Y nadie los presenta! Como tampoco presentan a Jamie Principle (en ‘Hollywood’). Little Simz tiene más suerte en ‘Garage Palace’, acompañada del coro, que echa el resto. Damon incluso rapea en ‘Sleeping Powder’. Sin embargo, a pesar del entusiasmo que le echan, no me acaban de enganchar. Las canciones se suceden, pero me acaban pareciendo iguales. El hecho que encima no toquen mis favoritas de ‘Humanz’ (sólo ‘Saturnz Barz’ en los bises) tampoco ayuda. Incluso diría que el público se ha ido enfriando y ya sólo responden a “ las conocidas”; ‘Feel Good inc.’, que vuelve a tener la colaboración inestimable de De La Soul. Y, claro, un final que no podía ser otro que ‘Clint Eastwood’, con Damon rapeando y el coro soltando el “The future is coming up, coming up…”. Damon se despide diciéndonos “corazón, corazón…”. Pues para mi gusto, algo de corazón sí que ha faltado.

El corazón que echo de menos en Gorillaz lo tiene el sueco Yung Lean a espuertas, simplemente él con su voz y el tipo que le pone las bases. Vestido como un policía distópico, con una camiseta que no acierto a averiguar de quién es (¿Marilyn Manson?), no puedo evitar que me recuerde a un joven Genesis P-Orridge. Su hip hop tiene mucho de visceral, y el público se lo devuelve viviendo ‘Drop It/Scooter’. Lanza preciosas proyecciones de ventanales góticos en ‘Kyoto’, lo inunda todo de rojo en ‘Red Bottom Sky’, nos llena de graves del infierno y emoción desatada, conmueve con el baladón techno, prácticamente un vals, que es ‘Agony’ o el emo trap de ‘Yellowman’. El suyo es un carisma singular que tiene algo de doliente y su actuación nos ha abierto aún más las puertas a su mundo interior. Mireia Pería

Entrada la madrugada, el concierto de Bonobo es un bálsamo ante la tralla que predomina en las sesiones del Sónar de Noche. Presenta Simon Green su disco ‘Migration’ a las máquinas y acompañado de varios músicos en directo y de unas coristas, dotando a su música de un elemento humano que, de nuevo, resulta un alivio ante lo visto en el festival. También porque la música de Bonobo tiene un elemento preciosista -es, en una palabra, bonita-, lo cual le hace destacar frente a otros productores presentes en el cartel de Sónar 2018 como Diplo. El líder de Major Lazer, después de cenar con Rosalía (en serio, está en su stories) se sube al escenario principal del Sónar de Noche para hacer lo que mejor sabe, disparar ritmos espasmódicos de dubstep y dancehall maximalista, bruto y esquizofrénico. Moló un rato. Jordi Bardají

Reconozco que no alcanzo a ver una buena parte del DJ set de Alizzz, pero lo que sí llego escuchar parece enfocado en los ritmos dancehall. De hecho, el productor catalán pincha un curioso mash-up de (lo que parece) ‘Pon de Replay’ de Rihanna con otro tema de la barbadense, ‘Loveeeeeee Song’, y más tarde confirma que ‘Traicionero’ de C. Tangana es un verdadero temazo. Como siempre, tanto las producciones propias de Alizzz como su selección de ritmos destacan por ser una explosión de color, y en ese sentido es radicalmente opuesto a lo que ofrece más tarde Bicep (un tecno algo anodino) y sobre todo Helena Hauff, que convierte el Sónar en Berghain con su hardcore/dark wave encocado y salvaje. Durante su set, empieza a amanecer en Barcelona, pero la oscuridad de su sonido se impone. Jordi Bardají

Hit de ayer: ‘Dieu créa la femme’ de Karen (2001)

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Jaime Cristóbal
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El inicio de las exitosas colaboraciones musicales entre Benjamin Biolay y Keren Ann -dos de los artistas franceses más queridos aquí en JNSP- se suele situar en 2000, con el célebre ‘Jardin d’hiver’ compuesto para Henri Salvador, cuyo éxito les puso en el mapa como los músicos más eminentes de aquella “nouvelle chanson” de comienzos de década. Sin embargo, su pasado juntos se remonta al grupo Shelby, un efímero proyecto de pop 90s cuyo único single, ‘1+1’, sonaba a estrambótico híbrido de los Corrs y Joan Osborne (la canción recuerda muchísimo a su ‘One of Us’). Junto a Biolay y Ann, Shelby se completaba con una violinista y cantante llamada Karen Brunon, que Benjamin conocía desde su adolescencia en el conservatorio de Lyon.

Dos años después del fracaso de Shelby, el sello Epic trató de lanzar en solitario a Karen, con el apoyo de nuestro apreciado dúo compositivo. La canción escrita para la ocasión, ‘Dieu créa la femme’, repetiría sin embargo el fracaso del grupo y se quedaría, a pesar de su calidad, en otro intento efímero de un solo single. Era una pieza de pop directo, con letra extremadamente breve, que giraba alrededor de una simple idea, condensada en el estribillo: “me gustaría ser un hombre sin melodramas / pero Dios creó a la mujer”. Su fracaso resulta una injusticia a todas luces por su evidente potencial comercial, que llevaba el sello melódico inconfundible de Ann/Biolay sustentado por un ritmo “baggy” muy de comienzos de la década:

La pieza acusaba también algunos problemas, principalmente esa masterización ultracomprimida que hacía fosfatina el rango dinámico de la canción y añadía una irritante distorsión, un efecto colateral habitual en las “loudness wars” del cambio de milenio. Una pena que sin embargo no impide disfrutar de esos exquisitos arreglos de cuerda de Biolay que engrandecen aún más el bello estribillo, o la guitarra twangy que adorna la introducción y el final.

La parte más misteriosa de la historia de esta canción es, sin embargo, su desaparición de las redes casi sin dejar rastro. Para ser un lanzamiento de una compañía importante, resulta muy desconcertante su total ausencia en plataformas de streaming, o en el mismo Youtube. Ni siquiera en la dark web de los P2P es apenas localizable. De hecho, intentar subir el inexistente vídeo para este artículo me costó lo que nunca me había pasado: la cancelación de mi cuenta de Youtube por infringir un copyright… Un borrado de pruebas históricas que bordea lo estalinista y está muy en la línea de lo que viene pasando con otra área “gris” de la carrera de Benjamin Biolay: la completa ausencia en las plataformas de sus dos singles pre-’Rose Kennedy’, de 1997 y 1998, los que grabó para el sello EMI. Canciones esquivas que sólo se pueden escuchar cuando fans anónimos las suben a Youtube hasta que son retiradas de nuevo. Por ejemplo, hace un par de meses alguien compartió este documento fascinante: el clip de su primer sencillo (‘La révolution’) en el que la propuesta estética 90s de Biolay es tan desconcertante como su estilo vocal.

Casi simultáneamente al fallido proyecto Karen, Ann y Biolay engarzaban sus respectivos (y colaborativos) álbumes de debut, esas dos maravillas tituladas ‘La biographie de Luka Philipsen’ y ‘Rose Kennedy’, que les acabarían de consagrar artísticamente. Karen continuaría trabajando con su violín para artistas tan prestigiosos como Charles Aznavour, Brian Wilson o Damon Albarn, pero en 2014 (ahora ya con su apellido Brunon) conseguiría por fin retomar su carrera de cantante junto a sus viejos amigos con el interesante álbum ‘La fille idéale’: producido por Biolay y coescrito por Ann, Biolay y Brunon, supondría el relanzamiento finalmente exitoso de una carrera que 14 años antes había encallado a pesar de tan brillante canción de debut.

‘Dieu créa la femme’ suena en el último Popcasting de Jaime Cristóbal, ya disponible en este enlace.

Beatriz Luengo / Cuerpo y alma

Por
Pablo Tocino
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Estar varios años preparando un disco puede dar buenos resultados o no pero, en el caso de Beatriz Luengo, sin duda ha acertado: con ‘Caprichosa’ ha dado el campanazo (9 millones de reproducciones en Youtube suman el “dance video” y el videoclip final), atrayendo además a nichos de público que no se habían acercado a ella hasta ahora. Y no es lo único destacable que podemos encontrar en un álbum que probablemente le reporte varios hits no solo compuestos por ella (Luengo está detrás de ‘La mordidita’ de Ricky Martin o ‘Madre Tierra’ de Chayanne, re-popularizada estos meses gracias a las “co-sas bue-nas” de Ricky y Mireya), sino también interpretados por ella.

Estamos ante un disco doble que a su vez es uno solo, como se dijo en su momento que sería ‘Rebel Heart‘: ‘Cuerpo’ está diseñado para que los oyentes no paren de bailar, mientras que en ‘Alma’ bajan los beats para dar paso a las baladas. ‘Caprichosa’ pertenece, cómo no, a esa colección más física, es especialmente contagiosa y con muchas papeletas de sonar este verano, pero la primera parte está llena de posibles singles. Hablamos de los featurings -hubiese pegado muchísimo uno con Mimi, sugerencia para algún remix-, como el de Brisa Fenoy en la pegajosa ‘Amarrao’ (muy eficaces como ganchos “tú me erizas los pelos” y “ama-ama-amarrao”, aunque este último podría haberse explotado más) o el ya mencionado de La Mala, y también hablamos de los momentos en que Luengo defiende ella sola temas salpicados de reggaeton (‘Postureo’, donde tiene especial fuerza el pre-estribillo), dancehall (‘Delito’), toques de tropical house (‘El Tan Tan’) y hasta un sensual trip-hop (‘La Mala’).

La parte de baladas no está tan conseguida (sobre todo en lo que a producción se refiere), aunque seguro que hará las delicias de sus fans al tratarse de composiciones muy personales. Es aquí donde se nota que el disco tiene dieciocho temas y se hace algo largo; aun así, pueden destacarse composiciones como la delicada ‘Ojos de Mandela’ junto a Alejandro Sanz, lo que brilla su voz en ‘No me dejes caer’, o una versión de ‘El Amante’ que deja en bragas a la original de Nicky Jam.

El año pasado, la madrileña comentaba en una entrevista que, después de que su participación en ‘Tu cara me suena’ le acercase a millones de hogares de nuestro país (sustituyendo la asociación inmediata a UPA Dance que muchos seguían haciendo con ella), se planteaba aprovechar la oportunidad en lugar de volver a Miami. En ese sentido, Luengo puede estar orgullosa: un año después ofrece el que es el mejor trabajo de su carrera y probablemente se asegure un hueco en la escena musical mainstream española de los próximos años, gracias sobre todo a la parte urban del disco.

Calificación: 6,4/10
Te gustará si te gusta: Efecto Mariposa, Karol G, Bebe, Conchita, Bea Pelea. Y si aún no comprendes cómo es posible que Mimi fuese la primera expulsada de ‘OT’.
Lo mejor: ‘Caprichosa’, ‘Amarrao’, ‘Postureo’, ‘El Amante’
Escúchalo: Spotify

La Canción del Día: Meghan Trainor no merecía el flop de ‘Let You Be Right’

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Sebas E. Alonso
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En este mundo parece que solo cabe el hitazo o el flopazo, y este ha sido el caso del último single de Meghan Trainor, pese a que no está nada mal: ni una entrada en todo el Billboard Hot 100 ha conocido, en la que podemos considerar la lista más competitiva e influyente del mundo.

En todo caso, la canción sigue sin estar nada mal y haya logrado lo que haya logrado, continúa demostrando que Meghan Trainor tiene bastante olfato para el gancho melódico. En este caso con cierta cadencia disco, la composición se recuesta en el legado de Chic y artistas ochenteras como C.C. Catch para enviar un mensaje hedonista y desenfadado.

Meghan ha escrito el tema junto a Jacob Kasher Hindlin y Andrew Wells, quien además la ha producido, y su letra contiene imágenes tan simpáticas como ese «beso en el semáforo» o, en general, esa condescendencia divertidilla del propio título de la canción («no tengo ganas de discutir esta noche, voy a dejar que tengas razón»).

Su vídeo estrenado este mes es una despreocupada fiesta en la que la cantante continúa explorando su lado sexy. Esta semana se ha estrenado también un “behind the scenes” con el que os dejamos.

Nacho Vegas, a por el récord Guiness de titulares en 3 días: un top 10 donde caben C’s, Podemos, PSOE, Taburete…

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Sebas E. Alonso
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Nacho Vegas publica hoy su nuevo disco ‘Violética’, que reseñaremos en breve. El artista ha concedido una serie de entrevistas estos días que por supuesto está dejando una mina de titulares virales, habida cuenta de lo deslenguado de sus entrevistas y de sus controvertidas opiniones políticas. Estos son tan solo algunos de ellos, dejando de lado el titular de El Confidencial sobre Russian Red («No creo que Russian Red sea una cretina derechista»), sobre el que Nacho Vegas pedía una rectificación, en concreto la eliminación de un «ya» al principio de la frase, ante la que finalmente este medio cedía. Foto: Pablo Zamora.

10.-«A veces me sonrojo con las respuestas a preguntas políticas de músicos de renombre (…) ¿Yo también seré así de sonrojante?
En El Diario: «Me niego a ser un opinólogo. En la actualidad la política está presente en el prime time televisivo con tertulias y programas de debate. Y cuando veo en esos programas tipo laSexta Noche a algún músico de renombre y les preguntan por la situación política a veces me sonrojo con las respuestas que dan. Y me digo: «¿Yo también seré así de sonrojante?». Es una putada, la verdad [risas]».

9.-«La monarquía no merece ningún respeto»
En Efe (La Vanguardia): «Muchos llevamos anticipando desde hace tiempo el colapso de la monarquía. Es una institución anacrónica y antidemocrática en esencia, por lo que no merece ningún respeto».

8.-«Veo la cumbia como un nuevo punk»
En El Diario: «La cumbia me interesa porque es todo un fenómeno al que se le está prestando menos atención del que debiera. Al igual que hay ríos de tinta vertidos sobre el punk, un estilo que en realidad ocupó muy pocos años, creo que la cumbia igualmente debería estudiarse. Yo la veo como un nuevo punk, de hecho, algo que sucede en toda Latinoamérica de forma geotransversal con cumbias muy diferentes: desde la cumbia sonidera de México o la más tradicional de Colombia; la chicha, que es la cumbia psicodélica de Perú; la cumbia villera argentina que está más vinculada al rock y el punk… La cumbia como tal es un fenómeno relativamente moderno que ha originado una nueva estética, y por eso me interesa tanto».

7.-«Lo bochornoso es escuchar a los líderes políticos hablando de si les representa más Beyoncé o Vetusta Morla»
En El Diario: «Por supuesto que hubo géneros y escenas que tenían como componente esencial el compromiso político. Pienso en todo el pop británico de los ochenta que se enfrentó a Margaret Thatcher. O en la música chilena de los sesenta (…) Pero hace un rato me decían algo que es cierto y que me resulta muy interesante: hay canciones que no nacieron como himnos y que sin embargo fueron adoptadas como tal posteriormente. Es el caso del ‘A quién le importa’ de Alaska y Dinarama, que hoy es un himno LGTB. Cuando escribes canciones llega un momento en que dejan de pertenecerte y pasan a ser propiedad de la gente. Eso que decía Violeta Parra de que cuando interpretas una canción popular lo que estás haciendo es rescatarla para devolvérsela al pueblo. Las canciones pertenecen más a la gente que a los autores, y es la gente la que va a decidir si la convierte en un himno que hable de los procesos sociales. Desde luego lo bochornoso es escuchar a los líderes políticos hablando de música y de si les representa más Beyoncé o Vetusta Morla».

6.-«Podemos es un partido vertical en el que la calle manda muy poco»
En Público: «Por mucho que en Vistalegre II [segunda asamblea estatal, donde Pablo Iglesias se impuso a Íñigo Errejón] se haya intentado hablar mucho de la calle, al final Podemos acaba siendo un partido vertical en el que la calle manda muy poco. Creo en Anticapitalistas y en el municipalismo porque siguen manteniendo la horizontalidad. Más allá de eso, a nivel estatal, no creo en la política, la verdad. No tengo ningún interés».

5.-«No confío en el PSOE»
En Público: «No confío en el PSOE. ¿Cambiar las cosas desde dentro? No sé. Yo confío en una vía rupturista, por la que apuesta Anticapitalistas. El PSOE es un partido del régimen que ahora tiene que posicionarse y hacer gestos, como tender un diálogo con Catalunya o derogar no sólo la reforma laboral de Rajoy, sino también la de Zapatero. Entonces sí que se podría hablar de compañeros de una fuerza progresista, pero por el momento creo que no».

4.-«El terrorismo de Estado lo estamos viviendo día a día (…) Baltasar Garzón, a quien todo el mundo pone por las nubes, es un antidemócrata»
En Público: «El terrorismo de Estado lo estamos viviendo día a día. Terrorismo de Estado es la Audiencia Nacional. Terrorismo de Estado es perseguir a Valtonyc, quien ha tenido que exiliarse en Bruselas. Terrorismo de Estado es la pena de cárcel a Pablo Hasel. Terrorismo de Estado es condenar a prisión a los raperos de La Insurgencia. Terrorismo de Estado también fue haber cerrado Egunkaria en 2003. Destrozaron un periódico que no había cometido ningún delito y que cumplía su función democrática de informar, mientras que sus directivos llegaron a ser encarcelados y, siete años después de la clausura del periódico, fueron absueltos. Y el exjuez Baltasar Garzón, a quien todo el mundo pone por las nubes, como si fuera un paladín de la democracia, es un antidemócrata [NdPúblico: en 1998 clausuró el diario Egin por razones similares]. Si son ellos los que van a sostener nuestra democracia, Dios nos salve…»

3.-«El catalizador institucional del 15-M, Podemos, ha traído un montón de contradicciones y situaciones absurdas»
En Público: «El 15-M fue necesario. Una experiencia política importantísima para mucha gente, entre la que me incluyo, porque en aquel momento estaba un poco despistado. De repente, se abrieron espacios en los que pudimos confluir muchas personas y vimos un horizonte de cambio. Ahora lo siento como algo importante porque podemos seguir teniéndolo como referente. No obstante, su catalizador institucional —en un partido como Podemos— ha traído un montón de contradicciones y de situaciones absurdas, como tener que votar sobre dos tíos que se han comprado un chalé en Galapagar. Esas cosas tan ridículas que no esperábamos entonces…»

2.-«Ciudadanos es un partido de ultraderecha con la cara lavada»
En El Mundo: «Debemos aprovechar que en España, a diferencia del resto de Europa, la ultraderecha no ha crecido ni se ha metido en los parlamentos. Y si no se ha metido, los partidos de la derecha tradicional, los conservadores o liberales, han asumido los programas de las formaciones de ultraderecha para no perder el voto más duro. Aquí lo estamos viendo con Ciudadanos, que es un partido de ultraderecha con la cara lavada. Pero es verdad que, en su momento, el 15-M sirvió de cortafuegos para que no hubiera una oleada de ultraderechismo».

1.-«Taburete sí tienen conciencia de clase, de la clase opresora»
En El Mundo: «Hay algo que diferencia a Taburete de la escena de la que yo vengo, la música indie. Se supone que éramos todos gente desclasada o, a lo sumo, clase media, que es ese invento para desmovilizar a la clase trabajadora. (…) A diferencia de los grupos indies, lo que tiene Taburete es que ellos sí que tienen conciencia de clase, de la clase opresora. Por eso la gente que va a sus conciertos se siente identificada con ellos como élite. No verás a un chaval con un trabajo precario en un concierto suyo, estoy seguro».

Ready for the Weekend: Nacho Vegas, Christina Aguilera, Cigarettes After Sex, SOPHIE, All Saints…

Por
Raúl Guillén
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Hasta 74 (que serán 75 en cuanto Nas y Kanye West suban a Spotify su nuevo disco conjunto) canciones hemos necesitado para resumir esta jornada de lanzamientos, que ha sido una auténtica avalancha. Comenzando, claro, por los álbumes que han presentado Christina Aguilera, Nacho Vegas o SOPHIE, y continuando por los de Johnny Marr, Melody’s Echo Chamber, Mourn, Jay Rock, Chromeo, Sean Nicholas Savage, 5 Seconds of Summer, Chancha Via Circuito, Mike Shinoda (primer disco que publica tras la pérdida de Chester Bennington, su colega en Linkin Park), los regresos en solitario de John Parish y Stuart A. Staples (Tindersticks) y los debuts largos de BC Unidos, Rolling Blackout Coastal Fever y los murcianos Fantasmamidi. En cuanto a EPs, destacan los debuts de las muy prometedoras Sigrid, King Princess y Calpurnia, el grupo de Finn Wolfhard (‘Stranger Things’).

‘Ataraxia’, nuevo anticipo de ‘La gran esfera’ de La Casa Azul, es el single destacado del día, pero hay muchos más, comenzando por las nuevas canciones de Alessia Cara o Cigarettes After Sex y terminando por el debut de Roi Méndez (OT 2017), siguiendo por temas nuevos de Lidia Damunt y Alondra Bentley, Chaka Khan, Sidonie, All Saints, Gorillaz, Tom Odell, Alice Glass, The Essex Green, Mura Masa, Let’s Eat Grandma, Kodaline, Kygo & Imagine Dragons, Roosevelt, Noah Cyrus, 2 Chainz (junto a Drake), Dirty Projectors, Pimp Flaco & Kinder Malo, The Tallest Man On Earth, Slaves, Goldlink, Flavien Berger, Luluc, Totally Enormous Dinosaur, Nao, Selecta & Recycled J, White Denim, The Zephyrs, DNCE, The Kooks, Luis Fonsi junto a la rapera británica Stefflon Don y Becky G cantando para Mau y Ricky. Toda esta montonera hay que sumarla a las canciones que a lo largo de los últimos 7 días han presentado Spiritualized, Death Cab For Cutie, Chromatics, Nicki Minaj, con Ariana Grande por un lado, y con Lil Wayne por otro, Low, Troye Sivan y, de nuevo, Ariana Grande, Pedrina, Linda Guilala, Villagers o Macy Gray.

Rematamos con lanzamientos singulares como las BSOs de las películas ‘Uncle Drew’ (con Logic, entre otras muchas estrellas del R&B y el hip hop) y ‘Superfly’ (con Miguel, entre otras muchas estrellas del R&B y el hip hop), o la versión de Maroon 5 del clásico de Bob Marley ‘Three Little Birds’, la versión de Chvrches del clásico de Rihanna ‘Stay’, además de remixes insólitos, como el de Twin Shadow para alt-J o el de Superorganism para los franceses Polo & Pan.

La canción del día: La Casa Azul canta al sexo como remedio curativo en ‘Ataraxia’

Por
Sebas E. Alonso
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La Casa Azul sube hoy a las plataformas de streaming el tercer single de ‘La gran esfera’, su nuevo disco, previsto para el próximo mes de octubre. ‘Ataraxia‘ es una de las canciones que hemos escuchado ya en vivo en los conciertos de Guille Milkyway, en concreto la que en el reciente festival Tomavistas identificamos como «trap-phael» por su concesión a los ritmos urban –también hay un fondo un pelín PC Music– sin perder la esencia melódico-dramática del proyecto (y de Raphael).

Como se había anunciado, el lanzamiento de este nuevo single viene acompañado de un nuevo vídeo oficial –si no nos equivocamos, el primero desde ‘La fiesta universal‘, nada menos–. ¡Y qué vídeo!, dirigido por Juanma Carrillo, al que recordaréis sin duda por sus estupendos trabajos para La Bien Querida. Carrillo traslada fantásticamente a imágenes la letra sobre el deseo, la pasión y el sexo como remedio curativo para todas las afecciones anímicas a las que canta Guille, con esa incontenible querencia por los polisílabos. Esto es lo que el realizador explica sobre el clip:

«Buscaba poner en imagen la sensación inexplicable y química que te provoca desear a una persona por primera vez, como si necesitaras su aire para poder respirar. Decidí plasmar una sencilla historia de amor y encuentro, pero dejándome llevar por momentos oníricos, como las levitaciones que el propio deseo ataraxico les provoca a los protagonistas. Además de intentar mostrar sin tapujos sus encuentros sexuales llenos de pasión, pero también de un cierto gusto por la provocación y el juego de poder ser vistos en lugares públicos, decidí rodarlo usando en buena parte ópticas angulares como pequeño guiño a la grandiosidad que el director Terrence Malick insufla en sus películas, especialmente “El Árbol De La Vida”. Además, para la escena final tenía en mente la alocada “Shortbus” de John Cameron Michell, ya que “la fiesta del amor”, quería que fuera una mezcla entre una rave de los 90 y una orgía clandestina luminosa. Además, la sombra del Michael Winterbottom de “9 songs” y por supuesto Larry Clark, y un clásico para mí como es Louis Malle y su “Damage” o “Les Amants”».

Como dice este texto, las escenas sexuales –que incluyen sexo oral, entre otras variantes– son considerablemente explícitas, aunque están rodadas con delicadeza, lejos de resultar soeces. Ni siquiera en su orgiástico final, con Guille ejerciendo de «maestro de ceremonias». Un gran complemento para una canción que, pese a resultar más esquiva de lo habitual en la carrera de La Casa Azul, termina ganando gracias a su imponente melodía y a sus trucos de producción contemporánea. Sin duda, esta es la respuesta más firme posible a los que acusaban a Milkyway de repetirse y haberse acomodado.

La Casa Azul estarán presentando sus nuevas canciones y sus grandes éxitos en festivales y recintos de todo el país en las próximas semanas: el 23 de junio, en el Festival Polifonik de Barbastro; el 6 de julio en Jardins de Pedralbes, Barcelona; el 14 de julio en Festival Fardelej, en Arnedo; el 21 de julio en Atlantic Festival, Illa de Arousa; el 2 de agosto en Arenal Sound, Burriana; y el 1 de septiembre en Ebrovisión, Miranda de Ebro.

Alice Glass se mete en un ataúd en el vídeo de ‘Mine’

Por
Sebas E. Alonso
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La ex Crystal Castles Alice Glass publica hoy un nuevo tema llamado ‘Mine’, con el que continúa con su carrera en solitario. Según la nota de prensa, la canción es sobre “alguien que se daña a sí mismo en un intento de recuperar el control de su propia vida y sus experiencias. Es una forma de autosacrificio y también un acto de libertad personal para alguien que se siente completamente fuera de su propio control». No obstante, aclara rápidamente: «No estoy a favor de hacerse daño a uno mismo, pero como gran parte de mi música, ‘Mine’ es sobre mi lucha para salir de una relación intensamente abusiva».

‘Mine’ es una canción de melodía un tanto Sia y un tanto Lady Gaga circa ‘Million Reasons’, pero como producida por alguien más en la estela de Purity Rings y Grimes. En el vídeo, Alice Glass se introduce a sí misma en un ataúd, suponemos que como metáfora de cómo se ha sentido en vida en la relación abusiva de la que habla, la que denuncia haber tenido con su ex compañero en Crystal Castles y que se está resolviendo en los tribunales. También aparece en el videoclip la drag Violet Chachki.

‘Malamente’ de Rosalía, nuevo top 1 de JENESAISPOP

Por
Sebas E. Alonso
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‘Malamente’ de Rosalía es el nuevo top 1 de JENESAISPOP, en una lista como cada semana votada por el público. Como efecto colateral, tanto ‘Brillo’ con J Balvin como ‘Llorando en la limo’ de C. Tangana alcanzan nuevo máximo. Entran en lista el remix de ‘bitches’ con Tove Lo, ‘Lost My Mind’ de Lily Allen, ‘The Invisibles’ de Suede, ‘Ghost Town’ de Kanye West, ‘love4eva’ de Loona, ‘Duele’ de Dorian y ‘Pa’dentro’ de Juanes. Nos despedimos de ‘Anywhere’ de Rita Ora, al llevar más de 10 semanas en lista y pasar a la parte baja de la tabla. Ya podéis escuchar nuestra nueva lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 3 1 2 Malamente Rosalía Vota
2 1 1 6 Accelerate Christina Aguilera, Ty Dolla Sign, 2 Chainz Vota
3 2 1 8 No Tears Left to Cry Ariana Grande Vota
4 5 2 6 Hunger Florence + the Machine Vota
5 17 5 2 Brillo J Balvin, Rosalía Vota
6 8 2 10 One Kiss Calvin Harris, Dua Lipa Vota
7 10 1 10 Anna Wintour Azealia Banks Vota
8 14 5 5 This Is America Childish Gambino Vota
9 4 4 8 deep end Lykke Li Vota
10 – 10 1 bitches Tove Lo, Charli XCX, Icona Pop, Elliphant, ALMA Vota
11 11 1 19 Lo malo Ana Guerra, Aitana Vota
12 7 3 4 Four Out of Five Arctic Monkeys Vota
13 32 13 2 5 In the Morning Charli XCX Vota
14 6 1 20 Dancing Kylie Minogue Vota
15 15 8 9 PYNK Janelle Monáe Vota
16 12 2 15 IDGAF Dua Lipa Vota
17 18 4 16 Make Me Feel Janelle Monáe Vota
18 27 11 8 I Like It Cardi B Vota
19 30 19 8 Llorando en la limo C. Tangana Vota
20 9 6 8 Stop Me From Falling Kylie Minogue, Gente de Zona Vota
21 19 12 6 Bloom Troye Sivan Vota
22 – 22 1 Lost My Mind Lily Allen Vota
23 23 13 7 Black Car Beach House Vota
24 25 24 2 Please Don’t Die Father John Misty Vota
25 – 25 1 The Invisibles Suede Vota
26 16 4 34 Anywhere Rita Ora Vota
27 23 17 4 Solo Clean Bandit, Demi Lovato Vota
28 37 28 2 Humility Gorillaz Vota
29 – 29 1 Ghost Town Kanye West Vota
30 34 25 6 Mercy Madame Monsieur Vota
31 26 26 2 Give Yourself a Try The 1975 Vota
32 28 13 8 Call Out My Name The Weeknd Vota
33 29 23 4 Toy Netta Vota
34 – 34 1 love4eva Loona ft Grimes Vota
35 20 20 3 Ocean Goldfrapp, Dave Gahan Vota
36 21 21 3 Don’t Miss It James Blake Vota
37 40 37 2 Space & Time Wolf Alice Vota
38 24 24 6 All My Dreams Róisín Murphy Vota
39 – 39 1 Duele Dorian Vota
40 – 40 1 Pa dentro Juanes Vota
Candidatos Canción Artista
– Ataraxia La Casa Azul Vota
– A Trick of the Light Villagers Vota
– I’m Upset Drake Vota
– Animal en extinción L kan Vota
– Dance to This Troye Sivan, Ariana Grande Vota
– Fly Low Vota
– I’m Your Man Spiritualized Vota
– Una belleza propia The New Raemon Vota
– Madrid Xoel López Vota
– Numb Meg Myers Vota
– Dragon Hills Henry Saiz Band Vota
– FFS Deaf Wish Vota
– Gold Rush Death Cab for Cutie Vota

Vota por tus 20 canciones favoritas

  • Accelerate, de Christina Aguilera, Ty Dolla Sign, 2 Chainz (6%, 96 Votos)
  • Malamente, de Rosalía (6%, 91 Votos)
  • No Tears Left to Cry, de Ariana Grande (4%, 65 Votos)
  • Hunger, de Florence + the Machine (4%, 64 Votos)
  • One Kiss, de Calvin Harris, Dua Lipa (4%, 57 Votos)
  • Brillo, de J Balvin, Rosalía (4%, 56 Votos)
  • Anna Wintour, de Azealia Banks (4%, 53 Votos)
  • deep end, de Lykke Li (3%, 50 Votos)
  • Make Me Feel, de Janelle Monáe (3%, 46 Votos)
  • IDGAF, de Dua Lipa (3%, 40 Votos)
  • Dancing, de Kylie Minogue (3%, 40 Votos)
  • I Like It, de Cardi B (3%, 39 Votos)
  • Lost My Mind, de Lily Allen (3%, 38 Votos)
  • Bloom, de Troye Sivan (3%, 38 Votos)
  • PYNK, de Janelle Monáe (3%, 38 Votos)
  • This Is America, de Childish Gambino (2%, 37 Votos)
  • Black Car, de Beach House (2%, 35 Votos)
  • Lo malo, de Ana Guerra, Aitana (2%, 35 Votos)
  • bitches, de Tove Lo, Charli XCX, Icona Pop, Elliphant, ALMA (2%, 35 Votos)
  • Ataraxia, de La Casa Azul (2%, 34 Votos)
  • Dance to This, de Troye Sivan, Ariana Grande (2%, 34 Votos)
  • 5 In the Morning, de Charli XCX (2%, 28 Votos)
  • Solo, de Clean Bandit, Demi Lovato (2%, 28 Votos)
  • Four Out of Five, de Arctic Monkeys (2%, 27 Votos)
  • Stop Me From Falling, de Kylie Minogue, Gente de Zona (2%, 27 Votos)
  • Llorando en la limo, de C. Tangana (2%, 27 Votos)
  • Don’t Miss It, de James Blake (2%, 26 Votos)
  • Toy, de Netta (2%, 24 Votos)
  • Ghost Town, de Kanye West (1%, 22 Votos)
  • Mercy, de Madame Monsieur (1%, 20 Votos)
  • Call Out My Name, de The Weeknd (1%, 20 Votos)
  • All My Dreams, de Róisín Murphy (1%, 20 Votos)
  • The Invisibles, de Suede (1%, 19 Votos)
  • Ocean, de Goldfrapp, Dave Gahan (1%, 18 Votos)
  • Please Don’t Die, de Father John Misty (1%, 18 Votos)
  • Humility, de Gorillaz (1%, 17 Votos)
  • Duele, de Dorian (1%, 16 Votos)
  • Pa dentro, de Juanes (1%, 16 Votos)
  • Give Yourself a Try, de The 1975 (1%, 13 Votos)
  • I’m Your Man, de Spiritualized (1%, 12 Votos)
  • love4eva, de Loona ft Grimes (1%, 11 Votos)
  • Space & Time, de Wolf Alice (1%, 11 Votos)
  • Una belleza propia, de The New Raemon (1%, 9 Votos)
  • I’m Upset, de Drake (1%, 8 Votos)
  • Animal en extinción, de L kan (0%, 6 Votos)
  • Madrid, de Xoel López (0%, 5 Votos)
  • Dragon Hills, de Henry Saiz Band (0%, 5 Votos)
  • Fly, de Low (0%, 5 Votos)
  • A Trick of the Light, de Villagers (0%, 5 Votos)
  • Gold Rush, de Death Cab for Cutie (0%, 5 Votos)
  • FFS, de Deaf Wish (0%, 3 Votos)
  • Numb, de Meg Myers (0%, 2 Votos)

Votos totales: 204

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Vida Festival agota abonos y anuncia últimas entradas de día

Por
Sebas E. Alonso
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Vida Festival, que se celebra el último fin de semana de este mes, como siempre en Vilanova i la Geltrú, anuncia que se han agotado los abonos. También anuncia que quedan “las últimas entradas de día”, que están disponibles en su web.

Os recordamos que el jueves 28 de junio será el día en que actúen Los Planteas, Calexico, Curtis Harding, Novedades Carminha o J Bernardt; el viernes 29 de junio el de Franz Ferdinand, St Vincent, Joe Cepúsculo, Nick Mulvey, The New Raemon con McEnroe o Tulsa; y el sábado 30 de junio Iron & Wine, They Might Be Giants, of Montreal, Elvis Perkins, Josh Rouse, Maga, Mourn, La Plata, etcétera. También hay algunos conciertos el domingo, como es habitual.

¿Este es el futuro de alt-J? El grupo colabora con Pusha-T y Twin Shadow y se los lleva a la tele

Por
Sebas E. Alonso
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Como todo lo que tocan, alt-J se han tomado la nueva versión de su single ‘In Cold Blood’ 100% en serio. El tema más exitoso de su último álbum ‘relaxer’ presenta una nueva remezcla hoy en las plataformas de streaming, pero no es una remezcla cualquiera.

Se trata de un remix de voces robotizadas que, no obstante, no renuncia a su icónico recitar de código binario, pero suma nuevas ideas y colaboraciones. Por un lado, está Twin Shadow, que acaba de editar un nuevo álbum llamado ‘Caer’, y por otro, hay un rap de Pusha-T, que acaba de editar también disco corto, el polémico ‘Daytona’.

Por si fuera poco, la nueva remezcla se ha presentado en un late-night estadounidense, nada menos que en el programada de Stephen Colbert. ¿Y cuán difícil habrá sido cuadrar todas estas agendas en este momento? ¿Cuán importante era para alt-J? ¿Acaso nos quieren decir que pueden ir por aquí los tiros de su próximo álbum? ¿O quedará este vídeo en anécdota de lujo para los anales?

A lo largo de la historia, la lista de grupos de pop-rock que ha decidido incluir un rap en una canción suya ha salpicado incluso a Coldplay (con Jay-Z) o a U2 (con Kendrick Lamar). El contacto con Pusha-T no tiene por qué ser una señal de futuro si pensamos en la deriva que después han seguido Coldplay. Eso sí, conociendo el carácter de culo inquieto de alt-J y la falta de prejuicios que les ha llevado a colaborar con Miley Cyrus, cualquier cosa nos puede traer su futuro…

Sidonie sacan ‘Maravilloso’, un single situado abiertamente «entre Georgie Dann y Nacho Vegas»

Por
Sebas E. Alonso
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La nueva canción de Sidonie se llama ‘Maravilloso’, empieza en plan ‘Ritmo de la noche’, sigue como un tema disco-funky con pre-estribillo Autotuneado y en su estribillo se acerca a un tema tipo ‘Será maravilloso viajar hasta Mallorca’. Foto: Noemí Elías.

Líricamente, la composición se enfrenta a la gentrificación (“no caben más guiris, me echan del barrio”) y a la dificultad económica (“me lees un verso de Biedma en voz alta, yo te recito el recibo el agua”), pero las afronta con buen humor y diversión. “Modernismo, sexo y fiesta”, celebra, añadiendo: “nunca estaremos más cercanos, en 20 metros cuadrados de amor”.

La guitarra de fondo en el estribillo no puede ser más Johnny Marr, pero la canción tiene un inequívoco aroma pachanguero, que reafirma Marc Rós en la nota de prensa, que también incluye ese punto reivindicativo: «Nos ha salido una canción de chiringuito. Hay que escucharla comiendo fritanga, bebiendo sangría y quitándose la arena del culo. El verano ya llegó y la fiesta empezó. Por una vez que nos ponemos reivindicativos va y nos sale una canción de chiringuito que huele a salitre y a crema solar: ¿de qué nos quejamos? Este chiringuito podría estar en tu pueblo o en tu ciudad, pero nosotros estamos pensando en el barrio de Poblenou de Barcelona, nuestro barrio. Llegamos aquí hace 20 años y con el paso del tiempo hemos visto cómo el modelo de gentrificación ha expulsado a los vecinos de toda la vida, cómo el comercio de proximidad está muriendo en favor de las franquicias y cómo la construcción sin medida de hoteles está llenando las calles de turistas irrespetuosos y despedidas de soltero. Estamos hartos y cuando nos indignamos nos entran ganas de cantar y bailar, igual que hace 20 años. Es algo innato en Sidonie. Disfrutad de esta mezcla inaudita de Georgie Dann y Nacho Vegas ¡Feliz Verano 2018!».

Sin duda para algunos, habremos perdido a Sidonie para siempre, tan alejados de sus inicios psicodélicos que ahora parecen gastar el humor de Los Inhumanos, ¿pero podría estar siendo más divertido? ¿No hay que celebrar esta derrota tan clara de los prejuicios?

Alessia Cara canta sobre los males de madurar en ‘Growing Pains’

Por
Jordi Bardají
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Alessia Cara ha conocido el mejor y el lado bueno de la fama. Su música ha triunfado, y de hecho este año ha ganado un Grammy a Artista revelación, pero precisamente por este premio la canadiense ha sido objeto de numerosas críticas, ya que Cara es conocida desde hace varios años y contaba con varios éxitos a sus espaldas antes de ganar el gramófono de oro.

No debe ser fácil hacerte famosa en todo el mundo cuando todavía no has cumplido 20 años ni mucho menos madurar a ojos de millones de personas, y de eso precisamente irá el nuevo álbum de Cara, ‘The Pains of Growing’, del que la artista ha desvelado este viernes su sencillo principal, ‘Growing Pains’. Un tema producido por Pop & Oak, dramático, con violines y distorsionada base rítmica, un tanto hip-hopera, sobre esos “problemas” que vienen al hacerse mayor y que “no dejan dormir” a Cara por la noche. En él, la artista llega a clamar: “no puedo ver la luz, cuando la juventud debería ser divertida”.

En Billboard, Cara ha explicado que ‘The Pains of Growing’ será un álbum más “maduro” y “conceptual” que su debut, y ha afirmado que se titula así porque quería que diera la sensación que el álbum va a contar una historia, “como si fuera un libro de cuentos”.

Portadón para ‘Nasir’, el nuevo disco de Nas producido por Kanye West, que sale esta noche

Por
Jordi Bardají
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Nas publica esta noche ‘Nasir’, su nuevo disco, que es a su vez otro de los varios proyectos que ha ocupado en los últimos tiempos a su productor, Kanye West. ‘Nasir’, como ‘ye‘ y ‘KIDS SEE GHOSTS‘, contendrá siete pistas y será breve, y además, como al menos el álbum conjunto de West y Kid Cudi, vendrá con portadón, que es el que ilustra este post. Una instantánea que retrata a cinco niños afroamericanos, algunos de los cuales portan escopetas de juguete. Quedará por salir el álbum de Teyana Taylor.

Esta noche ha tenido lugar en Nueva York la presentación oficial de ‘Nasir’, en una “listening party” que se ha retransmitido en directo por Youtube (igual que ‘ye’ y ‘KIDS SEE GHOST’) y que ya puede verse en esta misma plataforma. Por tanto, el álbum ya puede escucharse en su totalidad a través de este vídeo, si bien todavía no se ha publicado de manera oficial en ninguna plataforma de streaming. Debajo encontraréis los títulos de las canciones incluidas en ‘Nasir’, sacadas de una imagen que ha compartido Kanye en Twitter.

‘Nasir’ será el primer disco de Nas en 6 años. El autor de ‘Illmatic’ ha sido noticia este año después que su ex mujer, Kelis, le acusara de haberla maltratado psicológica y físicamente durante su relación.

Everything
Bonjour
Not for Radio
Adam and Eve
Simple Things
Cops
I Can Explain

Luis Fonsi te dará “1, 2, 3, calypso” (en tres idiomas) en su nueva apuesta a canción del verano

Por
Jordi Bardají
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Es imposible, como mínimo, no sentir curiosidad por la música que está lanzando Luis Fonsi actualmente, después que el puertorriqueño triunfara el año pasado con ‘Despacito’ con Daddy Yankee (y Justin Bieber), que fue un éxito sin precedentes y ya se cuenta entre las canciones más exitosas de todos los tiempos. No, no fue el primer hito en la carrera de Fonsi, pero sí fue el mayor.

Este año, Fonsi ha vuelto a encontrar el éxito con ‘Échame la culpa’ junto a Demi Lovato, y ahora vuelve a probar suerte junto a la rapera Stefflon Don en ‘Calypso’. Es la nueva apuesta a canción del verano de Fonsi, tiene naturalmente influencias del calypso y el gancho numérico de su letra “1, 2, 3, calypso” (¡en tres idiomas!) es un recurso mnemónico infalible, como bien sabe Ricky Martin.

Tan veraniego como ‘Calypso’ es, claro, su videoclip rodado en Fajardo, Puerto Rico y que presenta escenas de un Fonsi bailando en una isla con camisa hawaiana y más tarde una fiesta en casa que, si nos dicen es la continuación del vídeo de ‘Just Dance’ de Lady Gaga, nos lo creemos. Canción y vídeo entran como un mojito, y qué queréis que os digamos… si Fonsi vuelve a triunfar con esto, bienvenido sea.

Locomía pierden a Santos Blanco, con tan solo 46 años

Por
Raúl Guillén
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Según ha informado Tarré Management, agencia que dirige los pasos profesionales de Locomía en la actualidad, ha fallecido uno de los miembros del grupo en su etapa de mayor popularidad. Se trata de Santos Blanco y tenía tan sólo 46 años. Su fallecimiento se ha debido a causas naturales, según ha averiguado El País tras conversar con los representantes del grupo-franquicia en la actualidad. «No se despertó. No sabemos más», ha añadido citando como fuente de la información a la familia del finado. Santos, que actualmente vivía en Gijón y no trabajaba en nada relacionado con la música,

La página oficial del grupo, que no ha dejado de estar en activo con diferentes formaciones desde el año 1984, ha despedido a Santos con un emotivo mensaje y una imagen de su época en el grupo. «SANTOS llegó a LOCOMIA en un momento álgido y de gran éxito del grupo. Su aparición fue clave para brillar como nadie en ese inolvidable festival de Viña del Mar, en 1992. Su rostro angelical y su cuerpo apasionado por la danza le hicieron inolvidable en este concepto. Por mala suerte, hoy toca despedirnos de un ser único que dejó una huella imborrable. El cielo se viste de gala para recibir a un ángel que danzará y brillará con luz propia».

Como indica el comunicado, Blanco se incorporó a este curioso combo que combinaba el pop con el house y la performance, inolvidable por sus estratosféricas hombreras y sus danzas con abanicos, y que tuvo un especial auge cuando la fiebre del acid house llegó a Ibiza.

Garnier, Niño de Elche, Putochinomaricón y Mueveloreina, entre lo mejor del primer día de Sónar 2018

Por
JNSP
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La edición número 25 de Sónar ha empezado este jueves en Barcelona dejando una actuación absolutamente memorable de Niño de Elche junto al bailaor Israel Galván. Las actuaciones de Putochinomaricón, Mueveloreina, Daedelus y Laurent Garnier también se encuentran entre lo mejor de un jueves en el que el tedio ha venido de mano de Rainforest Spiritual Enslavement (solo en parte) y sobre todo de Jenny Hval en una performance surrealista, y no en el buen sentido.

La música que nos ofrece Óscar Mulero parece de thriller, las proyecciones de Monochrome, como su nombre indica, en un glacial blanco y negro. Paisajes gélidos, cementerios, bosques… todo muy de terror gótico. Arranca Óscar con suave cadencia marcial, amenazante, con los bpm bajados, EBM calmado y extrañamente acogedor. Poco a poco, se anima sin dejar lo misterioso hacia lo orientalizante. Pero a mitad de set, Óscar decide que se ha acabado la bonhomía y nos ametralla para sumergirnos, si no en el horror, si en la inquietud, aunque precisamente esta parte acaba siendo la más monótona. Cuando se calma, aumenta la amenaza, pero acaba acercándose a terrenos más pop y llevaderos. Gran viaje para iniciar el jueves. Mireia Pería

Sin apenas continuidad con Absolut Terror, el barcelonés Undo agarra el micro, canta con voz robotizada y tira de ritmos old school y synthpop en el Sònar Village, sin ningún otro aderezo. Suena encantadoramente retro y muy sabrosón, melódico y adictivo. El sol, mucho más amable esta edición, ayuda al baile. Undo nos regala un subidón perpetuo de electro que, llegado un momento, parece se hace un poco repetitivo. Pero falsa alarma; remata con electroclash zapatillero y arreglado. Mireia Pería

Como parte de la iniciativa We Are Europe, la sueca Katarina Barruk y la noruega Maja S.K. Ratkje estrenaron en Sónar su espectáculo ambiental, “Avant Joik”, que trasladó al espacio de SónarComplex sonidos inspirados en la naturaleza escandinava. Fue un espectáculo de contrastes entre la brutalidad de la distorsión electrónica de Ratkje y sus vocalizaciones imposibles (grandes agudos, chillidos, graves guturales propios del canto inuit) y las melodías y cantos folclóricos de Barruk. Aunque en el escenario se veía a dos mujeres haciendo música, lo que se oía -de los sonidos y el diálogo vocal entre ambas- era a dos hechiceras invocando a los dioses de la naturaleza impía de Escandinavia, sus ríos e incluso su fauna, desde una visión de vanguardia y unión con la tecnología. Impresionante. Jordi Bardají

Lo del Yuzo Koshiro x Motohiro Kawashima disparando una versión hardcore de videjuegos con unos audiovisuales muy ad hoc y piscodélicos es sumamente excitante, pero los tengo que abandonar porque tocan KOKOKO! en Sònar Village. Su cantante llega entre el público, con pasmosa agilidad salta la valla de seguridad dirección al escenario, se sienta en una mini batería y empieza la música. Los congoleños, acompañados del francés Débruit aparecen ataviados con monos amarillos y un montón de instrumentos caseros; percusiones a base de latas y botellas de plástico y unos bajos extrañísimos. Arrancan con un pop africano alegre, muy clásico y tropical. Pero enseguida adquieren velocidad sin freno, con invitaciones hip hoperas, coreo masivo del nombre del grupo. El cantante abandona la batería y ejerce de frontman dinámico y eléctrico, y la música entra en terrenos más duros y energéticos, una especie de funk repetitivo y poco melódico que invita al frenesí. Frenesí del que la primera víctima es su cantante, que acaba en mitad del público del Village cantando, bailando y haciendo participar a los presentes. Excitante. Mireia Pería

Con la cara maquillada en estilo Geisha y un chaleco de “se compra oro”, Putochinomaricón sale al escenario XS rebosando carisma y desde el segundo cero queda claro que es una estrella. En directo, el mensaje reivindicativo de temas como ‘Tú no eres activista’, ‘Gente de mierda’ o ‘Puto Chino Maricón’ eleva por 100 su impacto y el momento más emocionante (y cuando digo emocionante, lo digo en serio) del concierto se produce durante el reggaetón ‘MarikaPikaPika’, cuando Chenta aprovecha una pausa instrumental de la canción para felicitar el Orgullo y pedir mayor visibilidad lésbica en esta importante fecha. Su grito “¡más bolleras, coño!” justo antes de que entre el estribillo final nace de un deseo real y vehemente, y se nota. En sintonía con este mensaje de inclusividad, Chenta termina el concierto haciendo un nuevo llamamiento: “necesitamos más artistas irreverentes, más minorías, más maricones, más bolleras, es nuestra puta hora de molestar”. Jordi Bardají

Jenny Hval presentó en SónarComplex un nuevo espectáculo para la iniciativa We Are Europe acompañada de dos músicos. La exquisita música de Hval, que presentó temas de su propio repertorio, y su voz de seda fueron el punto fuerte de un “show” que lamentablemente tuvo un componente realmente ridículo debido a la presencia inexplicable en el escenario de un sillón de plástico hinchable con forma de concha marina. Los tres músicos usaban este elemento de “atrezzo” (nótese las comillas) de manera totalmente “random” a lo largo del show, como cuando la colaboradora de Hval se sentaba en él, se lo ponía de capa o hacía como que se metía dentro cual molusco, produciendo momentos de verdadera vergüenza ajena. Durante un punto del espectáculo, Hval y sus músicos se sentaron juntos en el sillón y reprodujeron música ambiental desde sus teléfonos móviles, ampliándola a través del micrófono. Pareció que se estaban haciendo selfies. Además, los visuales de fondo eran realmente cutres, casi de Power Point. Si el concierto fue improvisado, desde luego lo pareció. Jordi Bardají

Rainforest Spiritual Enslavement es el proyecto experimental de Dominick Fernow, acompañado de Philippe Hallais y Silent Servant. Detrás de la mesa, ambos colaboradores parecen más bien personal de mantenimiento arreglando los portátiles. Arrancan con un ambient new age lluvioso, remedando la atmósfera de la selva que llevan en su nombre. Los audiovisuales son mínimos, apenas una oscilante mancha amarilla. Y la música pide algo más trabajado, para acabarnos de sumergir en ella, aunque el ambiente sonoro ya dibuja bastante el paisaje. Pero tras unos minutos empieza a resultar aburrido. Afortunadamente, sin abandonar el tapiz lluvioso, van introduciendo percusiones más atronadoras. Fernow nos arenga de vez en cuando levantando su brazo. Abandonan el ambient, elevan los bpm, se van hacia un techno marcial y a un tribalismo pasado de revoluciones. Y bailamos al fin. Mireia Pería

El impresionante espectáculo de Daedelus en SónarHall, ‘Panoptes’, conjugó tecnología avanzada (presentes en el escenario, cuatro proyecciones de luz en forma de columnas giratorias) con música bailable contundente y exquisita. Hubo drum ‘n bass, house robusto y bases de hip-hop industrial que embestían como fieras, pero también guiños pop: durante un punto del show, el californiano incorporó un sample de ‘Let’s Go Crazy’ de Prince y tuvo el buen gusto de pinchar ‘1991’, posiblemente la mejor canción de Azealia Banks, eso sí, fusionada con un ritmo house disonante. El show tuvo un punto amenazante, incluso apocalíptico, pero la música era tan buena, los visuales tan espectaculares, que podía haberse acabado el mundo allí mismo y habría dado igual. Hubiéramos seguido bailando y flipando, no necesariamente en este orden. Jordi Bardají

Mueveloreina arrancan a zapatilla limpia en el SònarXS. Sólo Joaco en el escenario tras la mesa, mientras Karma se hace de rogar hasta que emerge con ‘Cheapqueen’, su tema anticapitalista. Flaquísimos y atléticos, no escatiman en energía, especialmente Karma, que es una frontwoman carismática y de potente vis cómica. Y quizás el desparpajo de ambos, sus letras de contenido social, tienen algo muy estudiado, pero son igualmente efectivos. Y con calado, porque ‘Paradiso’ todo el XS corea eso de “I wanna live in Benidorm!”. Una fiesta, porque siguen con un tema nuevo, ‘Postureo’, y consiguen que en nada cantemos sus “¡postureo!”. Karma ejerce de animadora, a ratos parece que estemos en una fiesta mayor. Dedican su ‘Brotherthon’ al 25 aniversario del Sònar, haciéndonos gritar “¡Sònar!” en cada “Brother!”. Cumbia-trap festiva que parece fastidiarse cuando, a los 15 minutos de show, se les va el sonido de los micros. Afortunadamente, la zozobra dura poco y pueden atacar una dinámica ‘Voy’. A partir de ‘Colateral’, por eso, su show se convierte en un non-stop de mákina y, claro hasta acaban cantando eso de “esta sí, esta no”. Hacen coñas a costa de Urdangarín, recuerdan a los raperos en procesos judiciales y Karma parafrasea a C. Tangana (“¡el rey nos come a todos los cojones!”) antes de atacar ‘Shoot My Head’. Poco trap y reggateon . Ellos bromean al respecto y nos dicen que no nos preocupemos, que nos lo van a dar para cerrar. ‘Vivas’, su himno feminista, tiene de eso y más. Porque Karma, cuando canta “ siendo alarmista/por ver un pezón“ se baja el top y nos enseña los pechos y ya no los guarda más, en un acto de desafío. Fiesta y conciencia. Mireia Pería

Mueveloreina

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Ilusionada por el clamor del público, yaeji realizó un divertido DJ set en SónarVillage con el que demostró que el lo-fi house puede llenar festivales. ‘raingurl’ fue obviamente la canción estrella, pero al presentar una sesión, había curiosidad por comprobar si el estilo de house distorsionado de yaeji también se trasladaba a su selección de ritmos, y efectivamente, en su set la música sonaba siempre o bien como si procediera de la radio, o como si procediera de un búnker. Y no en el mal sentido. yaeji hace house con el punto justo de suciedad, y quizá de manera más importante, como sus propias canciones, sigue resultando cálido: da la sensación de que está hecho con amor. Jordi Bardají

Lo de el Niño de Elche con el bailaor Israel Galván nos deja absolutamente anonadados. Poco de recital, mucho de performance artística, el suyo es un show basado más en la palabra recitada que en el cante, sin apoyo instrumental de ninguna clase, sólo los taconeos de Galván marcando el ritmo a las palabras y sonidos que emergen de la garganta de Francisco Contreras, El niño de Elche. Paranoias cacofónicas, ecolalias… apenas un recuerdo de su disco ‘Antología del Cante Flamenco Heterodoxo’, como mucho ese “¿A qué hora llega el tren de Barcelona?”, acompañado por Israel taconeando sobre una plancha de metacrilato. Parte del público empieza a huir, pero los que nos quedamos estamos fascinados por comprobar hasta qué punto pueden estirar este formato tan chocante y surrealista. Contreras da pocas concesiones, nos escatima su canto; como mucho un breve ‘María de la O’ o un “hasta Valencia”. A ratos también llega a resultar irritante. Sin Israel, con Contreras tocando durante un buen una sola nota con una especie de gusli, llega un momento que el público rompe a aplaudir, quizás pidiendo el regreso del bailaor.

La actuación llega al paroxismo hacia el final. Primero, cuando Contreras agarra su ya icónico transistor, empieza a salmodiar en idioma extraño y se desata una locura infernal de gritos y taconeos frenéticos. Segundo, cuando El niño sube a una máquina de gimnasio vibratoria, se despoja de la parte superior de su peto y canta aprovechando la vibración. Israel mira hasta que decide que es hora de volver a golpear fieramente su placa de metacrilato, en un crescendo dramático rematado por flashes de luces epilépticas. Tercero, cuando, vestido de nuevo, Contreras se autosamplea e Israel acompaña pegando patadas a un bombo hasta desatar un infernal ritmo makinero, industrial, casi apocalíptico. Y cuarto y final, cuando, ambos sentados en unos cajones, con un micro que amplifica todos los sonidos, se dedican a juguetear con un vibrador y los sonidos que producen con sus cuerpos: golpes en los dientes, golpecitos… y abrazos. Porque la performance acaba así, ambos abrazándose fraternalmente, nosotros escuchando cómo se abrazan. Alucinante. Mireia Pería

El broche de oro del jueves en Sónar lo pusieron, en primer lugar, George Fitzgerald con su amable house-pop, y finalmente el legendario Laurent Garnier, que como acostumbra ofreció un set de house y trance galáctico y espectacular que pudo haber durado horas. Siempre es garantía de sesionaza cuando es Garnier quien se encuentra tras los platos, y no decepcionó. Jordi Bardají

Lotto Boyzz logran que el nuevo afrobeat triunfe en Reino Unido

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Raúl Guillén
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En un acto de relativa justicia poética –en un plano estrictamente cultural, no social, claro– la música pop de origen africano está experimentando una ascensión, tan sorprendente como coherente, en muchos países europeos. En Francia, Portugal o Países Bajos la presencia de artistas africanos es muy habitual, gracias al arraigo de varias generaciones procedentes de sus ex-colonias, y allí han tenido origen y auge fenómenos como el del afrotrap, capitaneado por nombres como MHD, cuyo eco ha alcanzado incluso a España, con la presencia de los revoltosetes Afrojuice 195.

Ahora este fenómeno del nuevo afrobeat está implantándose de lleno en Reino Unido. Tras el exitazo de Not3s, un MC británico de origen nigeriano que ha triunfado junto a Mabel en ‘Fine Line’, los siguientes en esa ascensión son Lotto Boyzz, un jovencísimo dúo de Birmingham (Ash y Luke, 21 y 22 años) que, aunque proceden de familias de origen caribeño, también se nutren de sonidos afro. Desde que comenzaran a llamar la atención en 2016, temas como ‘Hitlist’ o ‘Bad Gyal’ ya dejaban claras sus ideas: combinar con total naturalidad R&B norteamericano, grime, pop y dancehall.

Esa mezcla se fue consolidando con los meses en canciones como ‘No Don’, su primer gran éxito –alcanzó el top 45 en la lista británica de singles–, incluida en su EP debut ‘Afrobbean (The Genre Definition)’, en el que también destacaban temas como ‘FaceTime Me’ o ‘Birmingham (Anthem)’. Ya en 2018, su popularidad no para de crecer gracias a singles como el adhesivo ‘Bim Bam’ y, sobre todo, ‘Bad Vibe’, un tema colaborativo con el trío femenino M.O y Mr. Eazi que llegó a ser nada menos que top 18 –y esta semana se mantiene aún en el 25– en el chart de Reino Unido. Precisamente hoy, dentro del certamen This Is Hardcore de la sala Razzmatazz, Lotto Boyz estarán en el club Fuego presentando estos éxitos junto a Yxng Bane, otra prominente figura del nuevo panorama urban británico.

Meister of the Week: Carlo de Runa habla de la posible caída de uno de los últimos oficios del underground, el mundo del tattoo

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Raúl Guillén
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Runa son un power trío de Barcelona formado por antiguos miembros de Los Tiki Phantoms. Este año han editado un álbum en BCore llamado ‘Rito estacional’, llamado a convertirse en uno de los discos de punk de la temporada gracias al empuje de canciones como ‘Revoluciones fugaces’ o la pegajosísima y casi pop ‘Espíritu mesetario’. Carlo Pavía es uno de sus integrantes y, aprovechando que es conocido como «El Carlo» en el mundo del tatuaje, es el nuevo invitado de nuestra sección «Meister of the Week» comisariada por Jägermusic. Sus opiniones son tan enriquecedoras como incendiarias, alertando de cómo se están perdiendo algunas de las claves del oficio o revelando qué tipo de cosas se niega a tatuar.

¿Cómo te introduces en el mundo del tatuaje y qué te hizo ver que podías dedicarte a eso?
Pues fue todo muy natural, dibujo desde que tengo uso de razón y ya incluso al llegar a la adolescencia, mucho antes de decidir que quería tatuar, algunos amigos me empezaron a pedir dibujos para hacerse tatuajes. A mí el tattoo como idea me resultaba fascinante pero nunca me acababa de convencer lo que veía por ahí en vivo y en directo. Sentía una atracción pero no acababa de tomar forma del todo, debía de haber, a la fuerza, mucho más de lo que a mí me llegaba. Con el tiempo fui viendo más cosas y metiéndome más y mejor en la cultura visual del tatuaje (dentro de mis escasas y torpes posibilidades del momento) hasta que lo acabé de ver claro: había todo un mundo de tatuajes guapísimos (que iba mucho mas allá de esos primeros tatuajes tímidos que se hacían los colegas en la segunda mitad de los 90) ¡y yo quería formar parte de él!

«Mi primer tatuaje fue ya con 20 años. La «madurez» me dio la oportunidad de poder tomar una mejor decisión y no hacerme nada de lo que arrepentirme»

Me hice mi primer tatuaje a una edad tardía (para lo que venía a ser habitual), ya con 20 años. Fue una suerte no haberlo hecho antes, la «madurez» me dio la oportunidad de poder tomar una mejor decisión y no hacerme nada de lo que arrepentirme. Me tatuó Monga en el Aloha (cuando aún estaba en la calle Travessera de Gràcia) y salí de ahí aún más convencido de que tatuar era lo mejor que podría pasarme en la vida. No había duda, quería tatuar y quería aprender con Monga. Me llevó casi dos años poder entrar como aprendiz, durante ese tiempo hice lo posible por mostrar todo el interés y las ganas que tenía. Cada vez que iba a tatuarme llevaba mis dibujos de «tattoo», dibujos jodidos y precarios pero llenos de ilusión, así, tan cursi como suena.

Al parecer no había lugar para mí, yo iba preguntando si sería posible aprender en el estudio, pero la respuesta era siempre la misma: Monga tenía ya un aprendiz. Así que al final me decidí a empezar por mi cuenta. Le pedí consejo a Monga y, muy amablemante, me hizo una lista de todo el material que necesitaba para empezar (la información aún era difícil de encontrar por aquel entonces), la lista parecía un mensaje encriptado y salí de ahí tan agradecido como confundido. Fue Teodoro de la banda de punk OTAN quién cayó del cielo fortuitamente y me brindó la posibilidad de adquirir todo ese material de un tipo cuyo hermano tatuador había fallecido repentinamente. No cabía en mí de la alegría: ¡¡en menos de un mes había conseguido todo lo que había en esa encriptada lista por un precio irrisorio!! OK, sí, fue suerte, pero bien podía tomarse como un mensaje de ultratumba, ¿no? A Monga debió de parecerle así, ya que el mismo día que me presenté en el Aloha con todo el material entré finalmente como aprendiz. «¿De dónde has sacado todo esto?», me preguntó. «De un muerto», dije yo. ¡Y ahí empezó todo!

«Parece que la gente cree que esto es llegar y besar el santo, que te compras un kit de tatuaje en Amazon y hala… ¡a forrarse!»

¿Cuántos años hace que te dedicas al tattoo? ¿Es un medio de vida tan guay como pueda parecer?
Pasó un tiempo entre que decidí que tatuar sería una idea estupenda hasta que la cosa empezó a materializarse. Entré como aprendiz en Aloha Tattoos en el año 2004. En estos años he tenido la oportunidad de percibirlo de muchas maneras y, sobre todo, de ver cómo ha llegado a cambiar la percepción que se tiene del tatuaje desde fuera. ¿Es guay? Sí, claro, ¡rotundamente! ¡siempre y cuando te guste de verdad! Parece que la gente cree que esto es llegar y besar el santo, que te compras un kit de tatuaje en Amazon y hala… ¡a forrarse! ¿Has fracasado como ilustrador? ¿Tu prometedora carrera de diseñador gráfico se ha ido a la mierda? ¿Estudiaste automoción y te quedaste en paro? ¡No pasa nada! Los Dioses del Olimpo de lo cool (y los ipads) ponen el tattoo al alcance de cualquiera, ¡una profesión de futuro! Total, a todo el mundo le gustaba dibujar de pequeño ¿no?

«La relación maestro-aprendiz, la mística, la sensación de adentrarte en una especie de sociedad secreta al margen de lo establecido, lo artesanal, la necesidad de conocer al detalle todos los aspectos técnicos de tu profesión, la magia, todo, absolutamente todo, está a nada de ser solo historia»

A mí me gusta el tatuaje, me gusta tatuarme y me gusta tatuar y me llena de orgullo ganarme la vida con ello pero debo admitir que todo está yendo hacia un lugar extraño que no acaba de gustarme, lleno de gente que ya no maneja los códigos que yo manejaba y que se anima a tatuar motivado por razones incomprensibles para mí. De algún modo siento que hemos sido testigos de la caída de uno de los últimos oficios del underground. La relación maestro-aprendiz, la mística, la sensación de adentrarte en una especie de sociedad secreta al margen de lo establecido, lo artesanal, la necesidad de conocer al detalle todos los aspectos técnicos de tu profesión, la magia, todo, absolutamente todo, está a nada de ser solo historia, meras anécdotas que se fundirán a negro para dar paso a «LAS ACADEMIAS DEL TATTOO».

La vida es así, no hay que resistirse a los cambios, hay que fluir y esas cosas que se dicen, pero bueno, da pena. Estoy contento de haber podido vivir este impás, de haber podido aprender de los que tuvieron que esforzarse aún más que yo, la verdad es que eso no tiene precio. Lo que me queda por delante (hasta que me muera o me canse) a veces me motiva más y a veces menos. Como dije antes, esto está cambiando mucho y muy deprisa y a veces, bajo el prisma apocalíptico y derrotista, lo único que me apetece hacer es desaparecer, olvidarme de instagrams y suputamadre y dedicarme a hacer muebles. Afortunadamente, a estas alturas, he encontrado mi sitio y tengo la suerte de poder trabajar rodeado de mis mejores amigos en un espacio la mar de agradable que nos hemos construido a medida.

Pocas cosas son tan guays como puedan parecer, la mayoría de veces nos subimos al carro de lo guay y lo guay deja de parecernos guay o el carro vuelca y lo saquean un montón de gilipollas sin criterio que solo quieren ganar dinero o hacerse «famosos», en esos casos depende de nosotros que lo que nos parecía guay nos siga pareciendo guay. Hay que currárselo, hay que trabajar por construirse un hogar y estar listo para abandonarlo, destruirlo y construir otro nuevo o aprender a vivir debajo de un puente o lo que sea. Si te gusta de verdad lo que haces, encontrarás el modo, cada día.

El tatuaje es algo que durante mucho tiempo ha estado asociado a lo marginal, al lumpen. Ahora es algo no ya socialmente aceptado sino digno de admiración, casi de estatus social o cultural. ¿Tienes alguna teoría sobre a qué se debe esa evolución?
A los programas de la tele y al fútbol, ¡como todo lo malo!

«Me he negado a tatuar cosas que no eran técnicamente posibles o que eran malas ideas»

¿Alguna vez te has negado a tatuar algo o a alguien?
Me he negado a tatuar cosas que no eran técnicamente posibles o que eran malas ideas. Esto último es totalmente subjetivo, está claro, pero creo que es importante poder anticiparse un poco y no participar de según que cosas: si tienes 16 años y quieres tatuarte el nombre de tu novia en el cuello me parece estupendo pero no cuentes conmigo. De hecho, si tienes 16 años, no cuentes conmigo para nada. Tengo mi propia ética profesional y me acojo a ella, si no lo veo claro, no lo hago.

¿Alguna vez has visto un cuerpo tatuado y has dicho «mira, esto es demasiado»?
Sí, y creo que es saludable, es decir, mola tener la mente abierta y estar al día, empatizar con todo y esas cosas pero hay un momento en el que aunque tú te resistas, va a haber cosas que no vas a pillar, que se te van a escapar lo quieras o no. En esos momentos, bajo mi punto de vista, hay dos posibilidades:
1. reconocerlo, plantarte y decir: «ok, llego hasta aquí, eso ya no lo pillo, me parece demasiado»
2. Intentar seguir con el flow contra viento y marea (a pesar de no pillarlo a todas luces) y exponerte a que un joven normcoretrapero o lo que sea te trate de carroza.

Cuando llega un tatuador ravero y se inyecta no se qué mierda en el globo ocular para teñir el blanco del ojo de otro color y luego va y se amputa falanges del dedo yo escojo plantarme y decir: «ok, no lo pillo, ¿qué pasa ahora si un día el chaval descubre que quiere ser en nuevo Yngwie malmsteen?». Y es que es cierto, ¡no lo pillo! Sé que para él es tan «normal» y molón como lo es para mí petarme de tatus, que solo es un paso más (y va acompañado además de todo un discurso, buscad «little swastika») pero por extraño que parezca yo ya lo veo demasiado. Ni conecto con ello ni tengo ganas de hacer el esfuerzo. Igual de extremo veo yo eso tan normal para él como mis padres vieron lo que yo hice con mi piel. Es ley de vida. Evidentemente, no voy a marginar al chaval ni le voy a partir la cabeza, simplemente observo mis propias limitaciones y las acepto sin más.

Los artistas del tatuaje a menudo hacéis pequeñas residencias en estudios de todo el mundo. ¿En qué países has estado tatuando y qué has aprendido de la profesión en esos viajes?
Pues tengo dos niños pequeños y nunca me he permitido hacer viajes muy largos así que principalmente he viajado por Europa: Londres, Liverpool, Newcastle, Estocolmo, Helsinki, Berlín, Hannover, Zurich, Berna, Bruselas, Roma, Milán, Florencia, Boloña… La verdad es que viajar es siempre estimulante a todos los niveles, pero a nivel creativo y profesional para mí ha sido fundamental. Entrar en contacto con tantas maneras distintas de entender y de vivir la profesión me ha parecido siempre lo puto más y me ha ayudado siempre mucho a abrirme y enriquecer mis puntos de vista. A pesar de que responda entrevistas como si fuera un abuelo… ¡Imagínate de no haber viajado!

¿Cuál es el primer tatuaje que te fascinó? ¿Un tatuaje memorable relacionado con el mundo del rock, quizá?
Pues la verdad es que sí. Da un poco de vergüenza admitirlo, pero yo de chavalín era muy fan de Guns’N’ Roses y el tatuaje de la cruz que lleva Axl en el antebrazo me parecía increíble. El dibujo es de Billy White Jr, que no era tatuador, aunque fue concebido en primer lugar como tatuaje y usado después como alternativa a la portada censurada de Robert Williams. En Google se pueden encontrar fotos del tatuaje de la época y de su estado actual, vale la pena buscarlo.

¿A cuántos músicos conocidos has tatuado? ¿Quizá a alguno de tus compañeros en Runa?
Tanto Kike como Llubet llevan tatuajes míos, aunque no sé si se les puede considerar músicos conocidos. Así, conocidos, pocos, tatué al batería de Placebo hace años y casi tatúo a Brian Fallon de The Gaslight Anthem, que vino al estudio a buscarme pero no me pilló ahí. Creo que he tatuado a DJ’s famosos pero como no me entero mucho de ese rollo no recuerdo ningún nombre. Puesto así suena todo muy decadente, la verdad es que he tatuado a muchísimos músicos pero todos bastante del underground.

Desde la ignorancia, ¿el «autotatuaje» es una opción o siempre es mejor que te lo haga alguien?
Bueno, cuando estás aprendiendo, más que una opción debería ser una obligación. Primero te jodes un poco a ti mismo antes de empezar a joder a tus colegas. Una vez lo tienes más por la mano y ya no es una cuestión de necesidad, entra en juego el aspecto ritualista o lúdico, cada uno que haga lo que quiera, vaya, faltaría más. Yo me he tatuado a mí mismo varias veces a lo largo de los años así que para mí es una buena opción y una bonita experiencia. Aunque en general prefiero que trabajen otros.

¿Cuál es tu tatuaje favorito de un artista musical? ¿Y cuál, si te atreves a decirlo, has visto y has pensado «qué crimen»?
Creo que he visto más crímenes que otra cosa. El mundo debe de estar lleno de músicos con buenas piezas pero ahora no me viene a la cabeza ninguno en especial, mas allá del tatuaje kwakiutl que lleva Anthony Kiedis en la espalda, seguro que debe haber cada vez más pero no tengo en mente ninguno famoso.

Daniel Higgs revolucionó el mundo del tattoo y fue una de las figuras más influyentes de los 90

¿Conoces a otros tatuadores o tatuadoras que se dediquen también a la música, como tú? Que ahora recuerde, yo sólo caigo en la chilena Tomasa del Real, que ha dejado de tatuar en cuanto ha podido vivir de la música. Es significativo…
¡¡Daniel Higgs!! Revolucionó el mundo del tattoo, una de las figuras más influyentes de los 90. Creo que fue mil veces más influyente como tatuador que como músico. Aun así se retiró del tatuaje y se dedicó solo a la música y a la pintura. Este es el caso más destacable por el peso que tiene para nosotros. Hay más, como el del cantante de The Gallows, Frank Carter, que también dejó de tatuar para dedicarse a la música. En su caso la pérdida no fue tan dramática, no destacaba mucho que digamos y tampoco es que me flipe mucho lo que hace como músico. Hay ejemplos más locales (aunque sea chipriota), como el de Tas que tatuaba hace años en LTW y estuvo tocando el bajo en Electric Wizzard. También hay casos de músicos que tatúan, como Rogelio de Aullido Atómico. Conozco muchos tatuadores que también tocan pero la mayoría de nosotros somos más tatuadores que músicos. Yo no sé qué haría si tuviera la oportunidad de vivir de la música, supongo que dependería de la situación, si me dijeran que puedo vivir de Runa igual me lo pensaba y todo. Aunque supongo que seguiría haciendo tatus, estaría bien poder hacerlos por puro hobby, a ver qué se siente.

Hablando de mujeres tatuadoras… Como en otras áreas, la mujer está cada vez teniendo más visibilidad en la creación de tatus, pero imagino que es un ambiente generalmente muy dominado por hombres, ¿no es así? ¿Tienes tatuadoras favoritas?
Eso es algo que está cambiando a pasos agigantados, cada vez hay más tatuadoras y mujeres que organizan convenciones. Yo mismo solo he enseñado a dos personas a tatuar y las dos son mujeres. Aún hay más presencia masculina pero creo que no tardará mucho en quedar equilibrado. Totemica (que vendrá a trabajar unos días con nosotros en septiembre), Laura Yahna, Alex Matus, Rion, la Dolores, Arianna Fusini, Claudia De Sabe, Lucia Arnau, Anana y Luz son algunas de mis favoritas, pero vaya, ¡que hay muchísimas!

«Quién aún piense que tiene más sentido pagar por una zapas más de lo que pagaría por un tatu no debería tatuarse»

A alguien que no tiene tatuajes o que ha tenido malas experiencias, ¿qué le recomendarías antes de hacerse un tattoo?
Que se empape de tatu, que vaya a varios estudios y se mire los books, que aprenda la diferencia entre un tatuaje de calidad y uno malo, que no busque lo barato porque lo barato sale caro (quién aún piense que tiene más sentido pagar por una zapas más de lo que pagarías por un tatu no debería tatuarse) que invierta tiempo en Instagram si hace falta. Para bien o para mal, hay muchísima información al alcance de la mano de cualquiera hoy en día, tatuarse mal es casi un pecado.

Lidia Damunt se vuelve loca de la mano de Hidrogenesse en ‘El túnel’, con toques de rap y urban

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Raúl Guillén
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“Más peligrosa que la cocaína, haces que me suba la dopamina, de mi enfermedad eres la medicina, parece que me han dado calocaína porque sólo digo la verdad”. Así de potente comienza ‘El túnel’, el sorprendente nuevo single de Lidia Damunt, justo antes de volverse aún más loca, en este tema/aventura lleno de cambios de ritmo, subidas y bajadas, raps, efectos sonoros delirantes y coros femeninos.

Como ya hicieran en el gran ‘Vigila el fuego’, Carlos Ballesteros y Genís Segarra vuelven a producir a la artista murciana que diera sus primeros pasos musicales en el singular trío punk Hello Cuca. Damunt, tras haber recuperado su perfil rock más “convencional” (si es que algo de lo que haya hecho alguna vez puede calificarse así) en ‘Telepatía’, vuelve a apostar por el dúo barcelonés para la producción de este single que se publica Austrohúngaro en su colección Golden Greats. El 7” se publica oficialmente, con un remix de los propios Hidrogenesse en su cara B, el día 29 de junio.

Ese mismo día Lidia Damunt lanzará el videoclip que ha filmado Stanley Sunday para la canción, y que por el teaser mostrado promete ser tan desconcertante (en el buen sentido) como la propia canción, con la aparición de un coro griego integrado por, entre otras, Laura Antolín de Doble Pletina, además del trío protagonista.

Clint / El camino de la mano izquierda

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Raúl Guillén
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“Con el primer disco nos fue guay, pero después aprendimos que quizá nuestro lugar era otro”. Este ejercicio de honestidad brutal es la reflexión –en una entrevista de César Luquero para el número de junio 2018 de Rockdelux– de Harry El Sucio sobre la deriva de Clint, el grupo de rock instrumental que junto al resto de “Harry”s (El Ejecutor, Callahan y El Fuerte) forma desde hace casi 15 años, surgido tras la desaparición de su primer proyecto en la era del indie primigenio, The Umbrella-Hating Generation. Tras dos álbumes publicados en el esquivo sello Siesta, logrando con ellos cierta repercusión, el mundo se convirtió en un lugar inhóspito para la música sin vocales (ni consonantes). Ellos, tozudos, persistieron y en 2012, contra viento, marea y finanzas, se embarcaron en su disco más ambicioso, contratando al británico Guy Fixen (Laika) para la producción de ‘Asuntos internos’.

Por supuesto, en un mundillo en el que apenas grupos como Los Coronas o Los Tiki Phantoms han logrado pervivir, Clint no lo han tenido fácil. Máxime cuando, lejos del espíritu surf-twanguero de aquellos, más festivo y bailable, los madrileños recorren mucho más diversos parajes del rock instrumental, a menudo inspirados por las bandas sonoras –sobre todo de cine negro, a modo de homenaje al personaje interpretado por Clint Eastwood que les da coartada, pero no sólo de aquel–. En ese sentido, este insospechado cuarto disco del grupo, ‘El camino de la mano izquierda’, parido con muchos menos medios que su predecesor –produce Jorge Navarro, con la colaboración de Brian Hernandez (El Guincho, Los Punsetes) en la mezcla y máster– puede no ser su disco más poderoso o brillante –aunque sí que contiene un par de hitos en su carrera–, pero sí es un encomiable ejercicio de romanticismo y, por encima de todo, fidelidad a su manera de entender la música.

Arropados por la espectacular sección de metales ya presente en su disco anterior y en muchos de sus directos más una cellista y un contrabajista, ‘El camino de la mano izquierda’ remite a logros precedentes, resultando su disco más compacto y menos variado en cuanto a estilos hasta la fecha. Con todo, Clint aún logran sorprender en este cuarto esfuerzo en un par de ocasiones. La primera es la genial ‘Fémur dislocado’, en la que lanzan un órdago en forma de funk setentero rematado por unos “shabadabas” memorables, el mejor gancho de su carrera. La segunda está en la maravillosa mezcla de doo wop (sin “doo”s ni “wop”s) y blues con aires mediterráneos de ‘Suave es la noche’, con su fantástica y discreta alternancia de solos de clarinete, trompa, guitarra, cello…

Pero la falta de sorpresa, en su caso, implica que estamos ante otra colección de vibrantes ramalazos rock que se impregnan inopinadamente de surf, ska y psicobilly, remitiendo a Nino Rota (‘Fortuna no es suerte’), a R.E.M. (‘Amor nocturno’, ‘Raleigh tenía razón’) o a The Specials (en la grandiosa ‘Aprieta fuerte el gatillo’, por ejemplo) con perfecto sentido. Con regusto agridulce, hay que decir además que, en lo sonoro, el acabado de esta grabación tiene muy poco que envidiar a la de ‘Asuntos internos’. Más bien al contrario, resulta espectacular, como lo es también el trabajo gráfico del propio Harry El Sucio (reconocido artista de lettering bajo el nick Dirty Harry). En suma, no importa tanto que sus palabras suenen a constante derrota, al caramelo amargo del que sabe que ha hecho un buen trabajo que no demasiado público querrá apreciar. Lo que importa, lo que queda, es que pueden presumir de una carrera impecable, única, y del que este ‘El camino de la mano izquierda’ es un buen compendio, el resumen de lo mejor aprendido en este viaje.

Clint presentan ‘El camino de la mano izquierda’ este sábado, 16 de junio, en la Sala Moby Dick de Madrid.

Clasificación: 7,3/10
Lo mejor: ‘Fémur dislocado’, ‘Aprieta el gatillo’, ‘Suave es la noche’, ‘Raleigh tenía razón’
Te gustará si te gustan: Los Coronas y Los Tiki Phantoms, pero más las BSOs de cine negro de los 60 y 70 o los primeros Calexico.
Escúchalo: Spotify

‘En tránsito’: Christian Petzold falla en su intento de trasladar la II Guerra Mundial a la actualidad

Por
Fernando García
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Estrenada en la Berlinale hace tan solo unos meses, la nueva película del alemán Christian Petzold (‘Phoenix’, ‘Bárbara’) está basada en ‘Transit’, una de las novelas más célebres de Anna Seghers, escrita en 1944. En palabras del director, este libro ha marcado toda su trayectoria como cineasta, por su manera de plasmar el continuo tránsito en el que vivimos, ya sea como individuos, en nuestras relaciones, etc. La lectura de este, fue una recomendación del también cineasta, íntimo amigo y co-guionista habitual de Petzold, Harun Farocki, quien falleció en 2014. De hecho, la película está dedicada a él a modo de homenaje.

‘En tránsito’ se sitúa en Marsella durante la Segunda Guerra Mundial, donde refugiados de toda Europa huyen de la ocupación nazi. El protagonista, un joven alemán, suplanta la identidad de un escritor muerto para usar su visado y refugiarse en México. Pero en Marsella su camino se cruzará con el de Marie, de la que se quedará prendado, una mujer que no está dispuesta a marcharse hasta que no encuentre a su marido. La novedad de Petzold con respecto a la novela de Seghers es que el director traslada la Segunda Guerra Mundial a la actualidad, estableciendo así una suerte de símil con el problema de los refugiados en Europa.

El riesgo conceptual al que se somete la película, trata de solventar de forma más o menos efectiva, muchas de las carencias que el guion va acarreando a lo largo de sus cien minutos. Es, sin duda, lo más interesante de la propuesta, ya que sirve como una reflexión cercana del horror que supone vivir una guerra. Sin embargo, ‘En tránsito’ no es una película bélica, sino un retrato de personajes que están “atrapados” en una ciudad de paso, donde las casualidades y los encuentros fortuitos se producen con frecuencia, estableciendo así vínculos entre desconocidos. Petzold entra en su protagonista e intenta transmitir su angustia y sus pensamientos, pero siempre hay una distancia emocional que impide que se pueda establecer una conexión con él. La sugerente interpretación de Franz Rogowski ayuda a acercarnos a su personaje, pero no resulta suficiente dado que la manera en la que está escrito es demasiado fría. Es ahí donde reside uno de los principales problemas de la película, que acaba siendo víctima de su propia temática: el film no es más que un mero tránsito que no parece llevar a ninguna parte. Y no es algo intencionado, ya que su vocación es la de ser una obra cerrada y profunda.

Otro riesgo que toma Petzold es la inclusión de una voz en off en tercera persona a modo de narrador omnisciente, que añade un halo novelístico, pero que se siente más como un capricho que como una propuesta narrativa pensada. Según el propio director, este recurso se le ocurrió cuando fue al Camp Nou, y según entraba al estadio una voz en su cabeza iba haciendo de narrador describiéndole lo que veía. Tras esta anécdota, casi se puede confirmar que esto es algo “porque sí”, sin mayor explicación lógica. No sería un problema si funcionara, pero no es el caso.

No se puede acusar a ‘En tránsito’ de no ser atrevida, pero más allá del concepto de su planteamiento, hay poco donde rascar. El tramo final es un completo desvarío, lleno de giros absurdos, que emborronan aún más el sentido de la película. Es de agradecer ver a cineastas jugar con los tiempos o los recursos narrativos, pero aunque duela decirlo, este experimento de Christian Petzold es bastante fallido. 5,5.

Publicado ‘Liberation’ de Christina Aguilera, con Kanye West, MNEK, Julia Michaels, Anderson .Paak…

Por
Raúl Guillén
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Tras años de espera y meses de anticipación, los fans de Christina Aguilera ya tienen entre sus virtuales o reales manos ‘Liberation’, el nuevo álbum de la diva pop. Casi 6 años habían pasado desde que publicara su anterior álbum, ‘Lotus’, por lo que había una enorme curiosidad por saber qué se había traído entre manos la artista norteamericana. Gracias a sus adelantos, sabíamos que en él busca explorar “la belleza más cruda” –como da cuenta su portada, una foto en blanco y negro en la que, aparentemente, se muestra sin maquillaje (o casi)–, lo cual incluía también su música.

No lo pareció en ‘Accelerate’, el fabuloso buzz-single con el que confirmó el lanzamiento: su producción, ultratratada y retorcida como sólo Kanye West podría hacer, no terminaba de encajar exactamente en lo que cabía entender por cruda. Sí se ajustaban más a esa preconcepción el pianístico baladón ‘Twice’ y ‘Fall In Line’, su dueto con Demi Lovato, en buena medida decepcionante pero enmarcado en un rhythm & blues más purista. Más tarde, ‘Like I Do’, producida por Anderson .Paak –que vuelve a intervenir en el número soul-rock ‘Sick of Sittin´’– y con versos de Goldlink mostraba también un afán más contemporáneo, aunque destacaba sobre todo por su calidez.

Al fin hoy, con su publicación, descubrimos algunos de sus hasta ahora secretos. Por ejemplo, comprobamos que ‘Accelerate’ no es el único tema producido por West, que también es responsable de la espectacular base (creada en torno a un sample de Jackson 5) de ‘Maria’. Finalmente, y pese a su performance dramaqueenesca, MNEK sí figura en los créditos del álbum: produce, co-escribe y canta en la balada ‘Deserve’, en la que también ha colaborado Julia Michaels. La joven compositora e intérprete, autora de alguno de los últimos hits de Justin Bieber además del suyo propio, ‘Issues’, también participa (junto a su socio Justin Tranter) en ‘Right Moves’.

Otros artistas –habitualmente en la sombra, pero omnipresentes en el pop contemporáneo– que figuran en los créditos del disco son Ricky Reed, que produce la balada que cierra el disco, una ‘Unless It’s With You’ que han co-escrito Erik Hassle y “Lunchmoney” Lewis entre otros, Tayla Parx –la co-autora de buena parte de ‘Dirty Computer’ de Janelle Monáe interviene en varios temas– o Nicholas Britell: el compositor nominado al Oscar por la BSO de ‘Moonlight’, sirve el pasaje instrumental que abre el álbum y le da título. Degusten ‘Liberation’, que tiene mucha miga.

Vetusta Morla y la importancia de hacer camino: el grupo agota las 38.000 entradas para su próximo concierto en Madrid

Por
Jordi Bardají
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Cuando en 2017 publicábamos el artículo “la llegada del indie-mainstream” después del fichaje de Vetusta Morla por Sony como distribuidora de su catálogo, celebrábamos el hito absoluto que había supuesto para un grupo nacido desde la independencia haber sido capaz, hasta ese momento, de llenar “una Riviera tras otra” y de incluso actuar en el Palacio de los Deportes ante 15.000 personas.

Un año después, nadie había preparado al grupo para lo que acaba de conseguir: agotar las 38.000 entradas para su concierto en la explanada exterior de la Caja Mágica, en Madrid, el 23 de junio. El País ha confirmado la noticia, y además ha entrevistado a Pucho sobre el acontecimiento, quien declara: “Veníamos de tocar en el Palacio de los Deportes y teníamos las cuentas más o menos pensadas. Había duda, claro, aunque calculábamos bastante gente. Lo importante es ir llegando a estas cifras, es ir haciendo camino”. Pucho asegura estar “emocionado” por haber agotado casi 40.000 localidades, y celebra que aunque en el pasado el grupo ha actuado para más gente en festivales, esta es la primera vez que el grupo lo consigue por cuenta propia.

Como indica El País, un aforo de 38.000 personas no está al alcance de muchos artistas nacionales. En España, Héroes del Silencio han llegado a vender 65.000 entradas; Alejandro Sanz 50.000, pero ninguno de ellos es exactamente “independiente”, y la realidad es que en España este tipo de aforos suele reservar a nombres de gran envergadura como U2, Madonna, Bruce Springsteen o los Rolling Stones. Pero Vetusta Morla no solo ha conseguido lo que no consiguió ningún grupo indie en los 90, sino que ahora actúa para más gente que artistas tan populares como Pablo Alborán, Malú o David Bisbal, y todo desde la independencia (en los últimos meses, eso sí, con el empujón de Sony) y sin mostrar signo de conformismo en ninguno de sus discos. “Hemos hecho un esfuerzo para que el oyente no se sienta cómodo escuchando este disco”, nos decían en una reciente entrevista sobre su último disco ‘Mismo sitio, distinto lugar‘ que, también, fue uno de los más vendidos el pasado año incluso editándose bien entrado el otoño.

Habrá a quien le parezca una pequeña trampa que Vetusta Morla haya agotado localidades en una explanada exterior y no en un pabellón cerrado, pero si algo demuestra este histórico “sold-out” es que el grupo de Tres Cantos ya puede ir organizando conciertos en estadios como el Vicente Calderón de Madrid o el Lluís Companys de Barcelona (donde están a punto de actuar Beyoncé y Jay-Z). Vetusta Morla se ha convertido en un grupo de estadios como U2, y lo mágico de todo este asunto es que solo se lo pueden agradecer a una cosa: a su música.

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