Taylor Swifthabía anunciado que su nuevo single sería ‘Delicate’ y ha sorprendido estrenando su vídeo en un momento algo raro: cuando todavía no había terminado el domingo en Estados Unidos. La nueva obra de su mano derecha en cuanto a videoclips, Joseph Kahn, vuelve a lidiar con la fama y la «reputación» de Taylor pero de manera muy distinta a ‘Look What You Made Me Do’ ‘o ‘Shake It Off’: esta vez se busca el lado más humano de la cantante.
En el vídeo de ‘Delicate’, la canción del disco en la que resuena la frase «mi reputación nunca ha sido peor / así que tengo que gustarte por lo que soy», vemos a Taylor Swift lidiar con la fama de mala manera, sufriendo el acoso de sus seguidores. Cuando la cantante pasa a ser invisible hacia la mitad del videoclip, pasa de la desesperación al gozo absoluto, disfrutando de su baile, una danza bajo la lluvia o un paseo en metro.
Con 3,5 millones de unidades vendidas, ‘reputation‘ puede considerarse de todo menos un fracaso, si bien es cierto que el impacto de singles como ‘Ready for It?’ y ‘End Game’ ha sido mucho más bajo de lo esperado. ¿Logrará este vídeo dar nueva vida al álbum? La cantante lo presentará este verano en América y algunas ciudades europeas entre las que no se encuentra España.
Tracey Thorn ha publicado esta semana su primer disco de estudio en casi una década al margen de bandas sonoras, álbumes navideños y recopilatorios. ‘Record‘ vuelve a ser un álbum realmente interesante en cuanto a sus temas tratados, del feminismo a la gentrificación, y hablamos de todos ellos con su autora en una visita promocional a Madrid durante la cual no paró de nevar. «He traído el mal tiempo conmigo» era el chiste obligado, si bien Thorn mostró tener mucho más que decir que eso en una conversación en la que no paró de reír y hacer bromas que se pierden un poco sin su peculiar entonación. Hay, por supuesto, lugar, para unas cuantas preguntas sobre Everything But the Girl, Marine Girls y su anunciada intención de no tocar en directo. Foto: Edward Bishop.
La nota de prensa describe que has hecho «9 temazos feministas». ¿No fue una tentación llamar este disco por tanto algo como ‘Woman’, o «Fight Like A Girl» que es un lema que usas en una de las canciones?
No pensé en llamarlo nada así, la verdad. El disco se llama ‘Record’ porque todas las canciones tienen solo una palabra.
Me he dado cuenta. Me ha parecido muy Pet Shop Boys.
Sí, es muy Pet Shop Boys (risas). Ya no actúo en directo. Lo que hago es «grabar», hacer «discos» (NdE: ambas «record» en inglés) y eso es lo que quería decir. Además, forma un todo.
¿Crees que hay una línea en cuanto a melodías y sonidos?
Sí hay continuidad, una línea en la producción de Ewan Pearson, por el tipo de sonidos que usamos, las cosas que referenciamos… sí se dan la mano formando una obra.
¿Hay alguna canción que no fuera en principio nada electrónica?
‘Smoke’ es una canción de piano. En un disco distinto, la habríamos hecho al completo con piano y cuerdas reales. A causa del disco que es este, hemos preferido ponerle una caja de ritmos, cuerdas sampleadas y finalmente hay un poquito de cuerdas reales también. Hemos creado una especie de canción electrónica folk, para que pegue en el disco.
«La gente ya no puede permitirse vivir en Londres, y lo que es peor, la ciudad está vacía: la gente compra el centro de Londres para dejarlo vacío»
‘Smoke’ es una de las canciones que menos he entendido. Parece que hablas sobre la decepción política de Londres, pero no entiendo quiénes son los Miriam y Job de la letra.
No tenías por qué conocerlos (se ríe) Miriam y Job son antepasados míos. En esta canción hablo de mis tatara-tatara-tatarabuelos. Hace 200 años mi familia se mudó a Londres desde el campo, y desde entonces permaneció allí, de hecho siempre más o menos en el mismo barrio, en las mismas calles. Mis padres se mudaron a las afueras después de la II Guerra Mundial y es donde yo crecí, pero luego volví a Londres en cuanto pude, porque Londres está en mis venas. Lo que me gustaba tanto de Londres es que para mí representaba la libertad, la diversidad, que daba la bienvenida a todo el mundo independientemente de cuáles fueran tus ideas políticas, tu raza… Y mi preocupación, como ha pasado en otras ciudades, es que ha ido siendo cada vez más y más cara. La gente ya no puede permitirse vivir allí, y lo que es peor, la ciudad está vacía: la gente compra el centro de Londres para dejarlo vacío. Es muy triste. Me gusta Londres cuando está lleno de gente, cuando la gente sale… Es el encanto de una gran ciudad para mí.
En Madrid pasa lo mismo, la gente joven se va del centro porque no puede permitirse el alquiler y solo van a quedar Airbnb’s.
Seguro, está pasando con Nueva York, la gente siente nostalgia de los 70, de la escena punk, pero ya nadie puede vivir en Manhattan. Ese mundo no existe.
¿Aún vives en Londres?
Sí, y no me veo yéndome. Siento que pertenezco ahí, pero no me gusta ver todo lo que está cambiando. Veremos qué pasa.
‘Face’ es muy bonita, y supongo que habla de las redes sociales.
Sí, soy yo imaginándome cómo sería tener y romper relaciones en la era de las redes sociales. No he tenido que pasar por ello porque antes no existían. Pensaba: «si rompes y quieres dejar atrás el pasado, no puedes, porque está ahí, siempre va a haber alguien subiendo una foto». La canción está escrita desde el punto de vista de una mujer que se sienta sola una noche, se toma un vino, de repente se pone a ver fotos y se vuelve un poco loca.
Las redes sociales como una fuente de sufrimiento…
Todo es muy nuevo, todos nos estamos acostumbrando, es algo que no se va a ir ningún lado, así que hay que acostumbrarse a la nueva realidad.
En el disco anterior hablabas de la crisis de los 40, los divorcios de tus amigos… Ahora te inspiras también en tus hijos, por lo que adivino.
Es una mezcla. Todas esas cosas. Cuando escribes salen cosas que no sabes que sabes, o que no recuerdas. Alguien te cuenta algo, oyes un comentario casual y luego se puede usar. ‘Face’ está inspirada en parte en observar a mis hijos y por ver cómo viven sus relaciones enteramente a través del teléfono.
«‘Sister’ es una canción muy positiva, fui a la marcha muy frustrada, enfadada, no quería sentirme sola, y como tanta gente salió a las calles, me pareció muy positivo reflejar ese espíritu, esa positividad»
‘Sister’ es una de las canciones claves del disco. Está en medio, es la más larga, y tiene la frase «I fight a girl», que tiene muchas interpretaciones: la real, la irónica, la protesta… ¿Qué significa para ti?
Escribí esa canción después de la marcha de la mujer de enero (de 2017). Vi a alguna gente con eslogans, entre ellos «I fight like a girl», y me pareció muy bueno. Escribí la canción muy rápidamente. Claro que hay algo de ironía en ella, por las críticas que reciben las mujeres, pero si le sabes dar la vuelta, es como un modo de defensa. «Por supuesto que lucho como una chica, porque soy una chica y esta es la fuerza que tengo». Es una canción muy positiva, fui a la marcha muy frustrada, enfadada, no quería sentirme sola, y como tanta gente salió a las calles, me pareció muy positivo reflejar ese espíritu, esa positividad.
En ‘Babies’ salen condones y DIUs, pensaba que iba a tratar sobre el derecho de cada mujer a no tener hijos, pero al final salen hijos en la canción.
Sí, sí es sobre eso. Es sobre la elección. Los anticonceptivos son fantásticos para no tener hijos cuando no los quieres. Eres mejor padre si tienes hijos cuando los quieres, como me pasó a mí. La canción es sobre cuánto quiero a mis hijos porque pude tenerlos cuando quise. Y al final, acaba con una frase divertida sobre esperar a tus hijos, ya mayores, a las 3 de la mañana. Antes era yo la que intentaba llegar a mi habitación a las 3 de la mañana. Cuando eres madre, nunca escapas del todo, estás despierta a las 3 de la mañana como cuando tenías 18 años. Los anticonceptivos me parecen un buen tema para una canción. Todo el mundo, literalmente, usa anticonceptivos, pero nadie escribe sobre ello, así que pensé que sería divertido.
«Los anticonceptivos me parecen un buen tema para una canción. Todo el mundo, literalmente, usa anticonceptivos, pero nadie escribe sobre ello»
Tiene que ser divertido ver a tus hijos fingiendo que no están borrachos o intentando mentirte como si tú no hubieras hecho lo mismo…
¡Ya ves! (risas)
En ‘Air’ hablas de lo mal que te sentías de joven por no ser femenina (la letra habla de «girly girls»), pero al final te alzas y proclamas «no me importa». ¿Hay algo de humor en esta canción o es un recuerdo amargo?
Sí, sí, hay algo de divertido. Soy yo mirando mi yo adolescente. Ahora sé reírme de cómo malinterpretaba algunas cosas. Yo no encajaba en el estereotipo de lo que se suponía que tenía que ser. Me compré una guitarra y recuerdo pensar: «voy a molar por estar en un grupo». Pero el resto de chicas no quería estar en ningún grupo, y tenía pensamientos como: «¿por qué le gustará esa chica? ¡Pero si no sabe nada de música rock!». Soy yo mirando los roles de género, estereotipos, intentando encajar… Y finalmente llegar a un punto en que te da igual. Ahora nada de eso me importa, estoy totalmente liberada de ese peso.
Los roles de género han evolucionado mucho últimamente…
Está yendo a mejor, seguro. Los jóvenes llevan la conversación incluso más allá que mi generación. Mis hijos me enseñan conceptos que mi generación desconocía, como «género no binario», etcétera. Aprendo de ellos.
Hay algo en ‘Air’ que me recuerda en algo a ‘Mirrorball’.
(se sorprende y se queda pensando) Era otra canción de adolescencia. Era sobre recordar los días de ir a discotecas. Me encantaba la imagen de la bola de espejos, pensar lo que pasaba debajo de ella, lo cual a veces era una mierda.
Me gustaba la violencia de la canción…
¡No, no maté a mi mejor amiga! No literalmente (risas). Era un desacuerdo en torno a un chico, que me llevaba a querer matar a mi mejor amiga, pero no lo hice de verdad (risas).
«Me gusta el contraste entre mi voz y la producción de ‘Walking Wounded’. Creo que era muy potente, estoy muy orgullosa. Representa muy bien aquel momento»
Quise escribir una pieza de los 20 años de ‘Walking Wounded’, intenté contactarte, me dijiste que no.
Oh, vaya. No siempre me entusiasma hablar de un disco de hace mucho tiempo. Sobre todo si estás trabajando en un disco nuevo.
Lo que me quedó en duda es si es especial para ti, o no lo ves entre los mejores.
Sí, sí, definitivamente es uno de mis favoritos. Lo escuché hace poco porque quería recuperar una canción, pero al final lo dejé entero. Puedo ver por qué tuvo tanto éxito. Probablemente es el más pop que hemos hecho. Me gusta el contraste entre mi voz y la producción. Creo que era muy potente, estoy muy orgullosa. Representa muy bien aquel momento. Teníamos muy claro lo que teníamos que intentar hacer en ese momento y realmente lo conseguimos.
Las letras eran muy pasionales y pegaban con la música, pero en los 90 había mucho debate sobre los grupos que se entregaban a la electrónica y los que no lo hicieron. ¿Crees que habría funcionado igual sin la electrónica, sonando como lo hacíais en los 80?
No, el sonido fue una parte importante. El contraste entre la electrónica y mi voz es en lo que trabajamos en ese disco. Intentábamos averiguar de qué manera podía funcionar. Sonidos fríos y mecánicos, frente a mi voz, que se caracteriza por ser algo cálido, y muy humana. Fue el contraste de esos elementos lo que lo hizo funcionar.
¿Y como recuerdas vuestro último disco, ‘Temperamental’?
‘Temperamental’ fue un disco que grabé después de tener a mis gemelas. Así que tenía dos bebés alrededor, y no me involucré demasiado. Fue más bien cosa de Ben, que quería hacer la continuación de ‘Walking Wounded’. Yo estaba realmente muy, muy distraída. Hacía mis partes vocales por las noches después de acostar a las niñas, así que no es el disco en el que más me he involucrado (risas).
¿Nunca hubo una continuación de ‘Temperamental’ en camino?
No. Ese fue el momento en que me di cuenta de que tenía que parar, poque no estaba prestando atención a lo que hacía. Antes daba todo en los discos y en ese momento no, así que decidí tomar un descanso.
«Si oyes el último disco que ha hecho Ben y el que he hecho yo, verás que estamos en lugares diferentes. Son dos personas que no harían ahora mismo una banda juntas»
Nunca se ha entendido muy bien desde fuera por qué decidisteis casaros después de 27 años, pero nunca hacer otro disco. Fue muy tierno, pero un poco surrealista también: «¿después de 27 años se casan, pero no pueden hacer otro disco?»
(risas) A veces lo hablamos, no es como que ni lo pensemos, pero en parte, en los últimos años, si ves lo que hacemos Ben y yo, son cosas muy diferentes. Si oyes el último disco que ha hecho él y el que he hecho yo, verás que estamos en lugares diferentes. Son dos personas que no harían ahora mismo una banda juntas. Y no queremos hacer lo mismo que ya hacíamos. Además, si hacemos otro disco, será un «comeback», la continuación de ‘Temperamental’, un disco de hace 20 años. Mientras que si hacemos nuestra música, es solo el disco nuevo, no tiene más significado, es el disco en el que hemos trabajado.
¿Escucháis cosas muy distintas?
Escuchamos más o menos lo mismo, básicamente una gama muy amplia de música. Ben pone electrónica y yo puedo oír una canción folk. En casa suena de todo. Pero al crear algo por nosotros mismos, es distinto. Sus últimos discos han sido de tocar con guitarra acústica, que es algo en lo que él no había trabajado tanto, en verdad.
«En el estudio es donde doy lo mejor de mí. Cuando estoy sobre el escenario, no tengo tanta confianza en lo que hago»
Admiro muchísimo a los artistas que no hacen tours, que graban por el placer de grabar música, ahora que toda la pasta está en los directos. Creo que por eso disfruté tanto el regreso de Bowie, y me hizo prestarle tanta atención a la música en sí. ¿Tú vives con frustración que te pregunten? ¿Grabas por el placer de grabar?
Sí, me encanta grabar, estoy muy a gusto en el estudio, doy lo mejor de mí. Cuando estoy sobre el escenario, no estoy tan a gusto, no tengo tanta confianza en lo que hago. Trabajar en el estudio es lo que se me da mejor como artista, así que es lo que hago ahora mismo, y me siento feliz. Pero te digo claramente que entiendo que me pregunten, no voy a crucificar a la gente por preguntarme. Es una pregunta obvia, y además hay gente que cree que puede hacerme cambiar de opinión, a fuerza de preguntar.
¿Tú vas a conciertos?
No, no voy a muchos, a veces. Aunque suene raro, ni siquiera soy muy fan de lo que se entiende por «la experiencia del directo». Cuando era joven iba mucho, entre los 15 y los 19 años fui a la mayoría de conciertos de mi vida, con mi cigarro, me emborrachaba… era una cosa tonta, de pasar la noche fuera, de con quién iba, de qué llevaba puesto. En mi cabeza aquellos eran las mejores conciertos. Voy a ver cosas por supuesto, pero no siento la necesidad.
Bueno, fuiste a Kate Bush…
Sí, de hecho fui 3 veces. Fue una de las cosas más increíbles que he visto en mi vida.
Admiraba también su negativa a actuar, pero al final…
Pero cuando hizo algo, fue de lo más espectacular. Yo no podría hacer nada a ese nivel. Algo totalmente inusual, más grande de lo que jamás se pueda imaginar. Fue brillante.
No he podido leer tus libros, pero una compañera a quien le han gustado mucho pregunta si hay uno nuevo en camino.
Estoy acabando otro libro, saldrá el año que viene.
Y no es ficción, como el segundo de Morrissey…
Eso fue un error (risas). Me gusta escribir porque puedes hablar de otras cosas que no caben en las canciones. Me gustan los límites de la canción pop, me gusta que sean cortas, me gusta su limitación. En un libro o en un artículo puedes ir hasta el fondo, mirar las cosas desde otro punto de vista. Así que disfruto ambas cosas.
«Estoy muy orgullosa de Marine Girls, pero más que nada de lo que fuimos y de lo que conseguimos siendo tan jóvenes, sin experiencia, sin saber nada de la industria de la música»
Cada vez que escribimos algo sobre ti, alguien nos dice que lo que realmente mola de lo que has hecho fue Marine Girls. ¿Qué opinas tú? ¿Crees que es lo mejor que has hecho? ¿Estás especialmente orgullosa?
Estoy muy orgullosa, pero más que nada de lo que fuimos y de lo que conseguimos siendo tan jóvenes, sin experiencia, sin saber nada de la industria de la música, ni de lo que se supone que tienes que hacer en la banda. Sólo queríamos hacer música. No nos preocupa nada. No teníamos normas ni restricciones. Los discos, cuando los oigo me gustan, son increíblemente básicos y naíf. Me gustan, pero no… no creo que sea lo mejor que he hecho. Es muestra de un trabajo muy primigenio, y eso tiene su encanto.
¿Eres consciente de la influencia que ejercieron Marine Girls en un tipo de pop que hubo en el País Vasco a finales de los 80, el Donosti Sound?
No, la verdad es que no.
Esto es absurdo preguntarlo, porque no harás gira, pero si la hicieras, ¿crees que podrías encajar algún tema de Marine Girls? ¿Tienes alguna canción favorita o que te pegue con tu discurso de ahora?
Si fuera a hacer un concierto, tendría que hacer canciones viejas, y sería bonito hacer una selección de cada era, sería interesante ver qué seleccionar (piensa) No sé cómo lo haría… Podría ser alguna versión más sofisticada que la original. No sé… Mira, ¡otra buena razón para no salir de gira!
En la pasada primavera de 2017 el dúo barcelonés Desert, uno de los proyectos más prometedores que ha surgido en el pop estatal en años, lanzaba un nuevo single llamado ‘Sense Likes’, que jugaba con el doble sentido de la palabra en inglés (“sentido”) y catalán (“sin”), siendo en su lengua de cuna donde adquiría un mayor significado: “sin likes” nos parece que ya no hay vida, ¿verdad?
Ahora lanzan su vídeo oficial –que es además es el primero en la carrera de Cristina Checa y Eloi Caballé–, cuando nos acercamos a un año desde que se lanzara la canción. Sin embargo, la espera está más que justificada ante la calidad y potencia del clip. Dirigido por Castells & Garay, supone un choque entre arte digital y pictórico –la “estrella invitada” es el paisajista del siglo XIX Thomas Cole–, con expresivos emoticonos que se superponen a los cuadros del pintor norteamericano.
Pero hay mucho más en esta pieza, como esos bodegones alucinantes o los propios Cristina y Eloi, primero como modelos con máscaras llenas de pedrería y luego “contaminados” con un infección plateada y dorada sobre sus cuerpos. Una audaz aproximación visual a su universo que, sin duda, realza esta gran canción de dream pop electrónico marca de la casa. El vídeo, cuenta la nota de prensa, “gira en torno a la idea de Memento Mori, un recordatorio artístico de la inevitabilidad de la mortalidad. En palabras de los directores: «Algún día en algún lugar, mucho antes de que nos hayamos ido, tal vez una de nuestras creaciones tratará de recordarnos, juntando fragmentos perdidos de su memoria de nuestro mundo: un memento mori de plástico corrompido.””
El single, que publicó el sello neoyorquino Cascine el pasado mes de mayo, no saciaba nuestras ansias de un álbum suyo del que, hoy por hoy, seguimos sin noticias. Desde 2012 (!) nos hemos tenido que conformar con los EPs ‘Camins’ y ‘Envalira’ y este ‘Sense Likes’. Y no podemos más.
¡Hay un disco nuevo de Ataque de Caspa en el mercado! El grupo madrileño formado alrededor de 1984 y cuya maqueta se sacó de un cajón en 2011 después de que Los Punsetes incorporaran a su repertorio ‘Viaje a Egipto’, ha publicado ya más cosas en nuestra década que en los propios años 80. No era muy difícil pero ahí están su espléndido disco con sus temas en la cara A y las versiones de Punsetes, Klaus&Kinski o Linda Mirada en la cara B, su álbum ‘Sol’ de 2014 y ahora este nuevo largo llamado ‘Frecuencias’ que ha aparecido en el mercado sin previo aviso y también en las plataformas de streaming, «escrito y producido por Ataque de Caspa».
La filosofía «do it yourself» que para bien o para mal caracterizaba al grupo permanece, por tanto, inamovible. Es como si Ataque de Caspa consideraran el amateurismo seña de su identidad y encanto tres décadas después, cuando la clave de que hayan ganado tantos seguidores (sin duda fueron el grupo con más público de todo el Madrid Popfest) no esté tanto en eso como en las canciones.
Por suerte estas siguen sonando tan espontáneas como si continuasen siendo adolescentes o, mejor aún, las hubieran rescatado aún de aquella época. ¿Os imagináis que hubiera un saco sin fondo? En cualquier caso, esa inmediatez se evidencia desde la primera escucha del disco, cuando ‘Frecuencias’ se abre con dos canciones tan directas como son ‘Sistema solar’ y ‘Espejos’. Especialmente la primera se crece gracias a sus 30 segundos finales, elevados por su celestial teclado, terminando por resultar una de sus composiciones más pegadizas.
Y las bazas de Ataque de Caspa no se han quedado ahí. Una de las canciones que más enteros va ganando a medida que avanzan las escuchas es ‘Telón de acero’, la que han dejado para el final. El riff de guitarra que abre es el cruce perfecto entre los Strokes y David Bowie, al tiempo que dota a la canción de un misterio acorde a su título y a su letra. También muy, muy «early Strokes» suena la inmediata ‘Relojes’, beneficiada por su enumeración de distintos improbables relojes, entre ellos uno de Costello en un disco.
La abstracción continúa siendo parte de la gracia de unas letras que no siempre sabes de qué van exactamente, como es el caso de ‘Frecuencias’, ‘Dos palabras’ o la excelente ‘Tostadas’. No sé si su extraño piano como sacado de un medio tiempo romántico de los 70 suma o más bien resta, pero la melodía es tan intachable como irresistible su extraño costumbrismo («he olvidado ducharme esta mañana»), quizá etílico («no sé cuál es tu nombre / ni si eres mi amigo / no me acuerdo lo que hice ayer contigo»). En cualquier caso, el disco también agradece pistas con los pies más en la tierra, como ‘Para’ («tú… venga a darle vueltas / ¿no ves que no hay manera? / ¡Para, para, para, para!») o ‘Siempre’, que parece una canción de ánimo para alguien que no para de caerse, en la estela de Los Fresones Rebeldes, o sea, de nuevo, los mejores Alaska y los Pegamoides. Un grupo de canciones frescas y rápidas que no se ciñe a los parámetros del punk-pop.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Telón de acero’, ‘Tostadas’, ‘Relojes’, ‘Sistema solar’ Te gustará si te gustan: Alaska y los Pegamoides, Los Punsetes, Espanto, Blondie Escúchalo: Spotify.
En un extraño giro de los acontecimientos tan surrealista que ningún guionista de televisión podría haberlo imaginado, Sor Catherine Rose Holzman, una de las dos monjas que buscaban impedir a Katy Perry la compra de un convento en Los Ángeles (que en realidad pertenecía a la Archidiócesis), ha fallecido repentinamente esta semana durante una diligencia judicial posterior al fallo del tribunal, que dio la razón a Perry y no a la restauradora y promotora inmobiliaria Dana Hollister (a través de la cual las monjas esperaban que Perry no comprara el inmueble).
TMZ relata que, durante la audiencia, la Hermana Holzman expresó al juez: “pedimos a Dana Hollister que nos salve y a Katy Perry que, por favor, pare”, porque “[el caso] no le está haciendo bien a nadie, solo está haciendo daño a muchas personas”. Poco después de emitir estas palabras, Holzman se desplomaría en el suelo y moriría in situ en el tribunal.
Para añadir más drama a la historia, la otra monja involucrada en el caso,Sor Rita Callanan, tras la muerte de su compañera, aseguró en una entrevista para FOX LA que el “estrés” producido por el embrollo judicial que las ha enfrentado con Katy Perry ha “matado” a Holzman. La religiosa tenía 89 años.
Siguiendo con el tono de historias absurdas sobre Katy Perry de este domingo, la autora de ‘Witness‘ ha mostrado su talento oculto durante una valoración de American Idol: hace la rana. No es la primera vez que la vemos hinchar su cuello de esta manera, pero sí que la vemos hacerlo en pleno prime time. Fascinante.
10 millones de euros y comparaciones con ‘Juego de Tronos’ en diversos medios han creado unas expectativas altísimas para ‘La Peste’, la nueva serie de Movistar. O, más bien, LA serie de Movistar: ya habíamos podido ver ‘La Zona’ o ‘Vergüenza‘, pero es con la de Alberto Rodríguez con la que van a por todas. Esos 10 millones se ven reflejados en una ambientación para quitarse el sombrero: muchas reseñas comparten juego de palabras al argumentar que “se puede oler la peste”, pero es que es totalmente cierto. El equipo de la serie consigue darnos asco y repulsión (para bien), pero no solo con la suciedad de las calles, sino con la suciedad moral. Y es que ‘La Peste’, como ‘Águila Roja’, está ambientada en nuestro Siglo de Oro, pero con una visión muy distinta.
En esas conseguidas sensaciones juegan un papel fundamental la fotografía, a cargo de Pau Esteve, y la música, obra del jerezano Julio de la Rosa, que ya había trabajado en varias ocasiones con Rodríguez (llevándose un Goya en una de ellas, por la música de la estupenda ‘La Isla Mínima‘). Banda sonora y fotografía, junto a la ambientación en sí, nos trasladan a la Edad Moderna pero a la vez a un mundo apocalíptico, lleno de muerte, supersticiones e injusticia. Todo eso lo respiramos gracias al estupendo trabajo técnico, pero también artístico: si bien es cierto que el protagonista resulta, como suele ocurrir, menos interesante que algunos secundarios (Pablo Molinero hace, no obstante, un buen trabajo y, aunque cierto momento de su personaje queda un poco extraño, parece algo achacable al guión), aquí brillan especialmente Patricia López Arnáiz y Paco León -en un registro bastante distinto-, además del menos conocido Sergio Castellanos y de secundarios eficaces como Paco Tous, Lupe del Junco y Manolo Solo.
En el caso de López Arnáiz, uno se queda con las ganas de más protagonismo para ese personaje y, en general, de más protagonismo femenino: en el piloto el papel de las mujeres es meramente anecdótico, y luego mejora, pero no lo suficiente (y sí, en un contexto así se pueden construir personajes femeninos con arcos interesantes, sin que eso suponga un anacronismo). Tampoco ayudan en este sentido los innumerables desnudos de mujeres que, sorpresa, no tienen equivalentes masculinos, polémica que comparte también con ‘Juego de Tronos’.
Ésta es, junto a la trama de thriller (que flojea en comparación), una de las pocas pegas que se le puede poner a la obra de Rodríguez… pero, lo que a algunos nos parece poco, otros ven demasiado: se han criticado las “dosis de feminismo” (literal) a la vez que se le daba cera a la serie por sus “imprecisiones históricas”. Las hay, como las hay médicas (habría que estudiar la epigenética de alguien que sobrevive a heridas sucias de apuñalamientos y a meses sin dormir), pero el entrecomillado se debe a que el impacto de ‘La Peste’ no es tanto su calidad (que la tiene) sino el tirón de alfombras que ha supuesto, y lo que de allí ha salido: sería absurdo hablar de esta producción y no mencionar el montón de reacciones airadas en forma de artículos -especial relevancia ha tenido el escrito por la polémica historiadora malagueña Mª Elvira Roca- que usan la excusa de las “imprecisiones” cuando realmente las críticas van, admitámoslo, por mostrar lo incómodo de nuestra Historia. Por coger el período más grandioso de nuestra Historia y decir que quizás no era todo tan perfecto. Y esto la convierte en una serie necesaria.
‘La Peste’ es, en definitiva, una serie que habla de España y que, al contrario de lo que sus críticos proclaman, no ataca al catolicismo ni al protestantismo, ni siquiera a la religión en sí; el ataque es a la ignorancia, como dicen desde su eslogan. La ignorancia es la responsable de que haya una turba de gente alegrándose mientras queman a sus semejantes. La ignorancia es la responsable de que gente que lleva vidas llenas de miseria vitoree, sin saberlo, a los responsables de esa miseria. Hemos avanzado mucho desde entonces, pero si en la actualidad es común que muchos se quejen cuando aumentan los derechos del vecino, en lugar de luchar por los suyos, quizás algo de esa “peste” siga presente, y cada uno de nosotros (incluido tú que lees esto y yo que lo escribo) siga teniendo parte de esa ignorancia, parte de esa envidia. De esa gangrena de la que hablaba Unamuno. “Como sevillano y como personaje sevillano que interpreto, hay algo de la serie que explica mucho la idiosincracia sevillana, que es bastante compleja”, comentó Paco León y yo, como sevillano, lo suscribo, y lo amplío a lo que explica sobre nuestro país en general. Pero no nos confundamos: ‘La Peste’ no quiere que nuestra conclusión sea, a lo cuñao, “España es así, es que no tenemos solución”. Quiere que aprendamos de lo peor de nuestro pasado, y nada mejor para ello que lanzarnos a la cara lo peor de cuando estábamos mejor. Y nos lo lanza con un envoltorio majetuoso y a la vez ponzoñoso. Un envoltorio, ojo, que ha encandilado hasta a Boyero. 7,8.
Kacey Musgraves es una de las autoras jóvenes de música country –en su facción más ortodoxa y comercial– que más ha dado que hablar en los últimos años, desde que debutara en 2013 con ‘Same Trailer Different Park’ (con el que obtuvo 2 premios Grammy en su categoría). Con su segundo álbum ‘Pageant Material’ ya consiguió trascender la escena country, siendo muy bien recibido por medios como Pitchfork y destacando con canciones ultrapegadizas y, sí, pop como ‘Biscuits’.
Después de haber lanzado en 2016 un disco navideño en el que colaboraban Willie Nelson –que ya aparecía en ‘Pageant Material’– o Leon Bridges, hace unos días Musgraves anunciaba la próxima publicación de ‘Golden Hour’, su cuarto álbum, tercero de canciones propias. Llegará el 30 de marzo y ha sido adelantado por dos canciones que están dando muchísimo que hablar en audiencias no habituales del country mainstream. Se trata de ‘Butterflies’, una edulcorada pero preciosa balada de amor, y ‘Space Cowboy’ que, pese a lo que pueda inspirar su título, no tiene nada que ver con una fantasía científica.
Se trata de una canción de desamor en la que su título, en realidad, necesita una coma. “You can have your space, cowboy”, canta la texana en su estribillo, dejando una pausa tan explícita como eterna entre las dos palabras que conforman el nombre de la canción, dejando ir a ese hombre que confiesa que no quiere seguir adelante con su relación. Musgraves profundiza en la herida aún más: “No voy a encerrarte / Vamos, cabalga en tu Silverado (un modelo de pick-up) / [Aunque] creo que te veré por aquí de nuevo / Conozco mi lugar, y no es junto a ti”, remata el coro principal de la canción. Kacey ha profundizado en esa metáfora sobre “encerrar” a su ya-no-amante en un post de Instagram, contando que le inspiró lo que le explicó su profesor de monta cuando un semental se enfrentaba a ella y saltaba amenazante desde el interior de su cercado: “Chica, cuando quieren irse, se van… Ni siquiera tiene sentido cerrar la puerta”.
La canción, compuesta y producida por Musgraves con la colaboración de Ian Fichuk –que recientemente ha trabajado con Niall Horan, James Bay, Kesha o Lissie–, y Daniel Tashian –de The Silver Seas–, es una balada country-pop exquisitamente arreglada, en el que el dobro y el slide guitar tiene tanto peso como sintetizadores y los efectos vocales, dejando brillar su gran melodía vocal. La cantautora no oculta que en este nuevo álbum busca nuevos públicos, aunque no parece que se le pase por la cabeza ser la nueva Taylor Swift: “he tratado de enfocar este álbum para alcanzar a gente ajena a la música country, pero también incluyendo a los que han estado ahí por mí. Confío en que todas las vertientes encontrarán algo de su gusto en él”, ha dicho a Music Weekly. De momento, parece que va por buen camino.
Hay grupos que asociamos indisolublemente a sonidos muy determinados. A la voz de su cantante, por ejemplo, a escalas melódicas concretas, a los efectos que usan o a cómo suenan ciertos instrumentos en manos de determinados autores. Pasa también que afiliamos algunos géneros al sonido exclusivo de una o varias bandas, reduciendo movimientos musicales enteros a la sombra de un puñado de discos. Ambas condiciones se dan en el caso de Ride. En el primer supuesto, asociamos a los de Oxford con sus guitarras: con esa especie de densidad y distorsión desbordantes, con ese muro de sonido líquido, áspero y hostil que tan bien representan ‘Nowhere’ y su icónica portada. En el segundo, y con permiso de My Bloody Valentine y de Slowdive, encarnan lo más parecido a un paradigma para el género shoegaze, aunque siempre hayan sido su vertiente más rockera. La pregunta es: ¿20 años después siguen vigentes estas dos realidades?
A tenor de lo que escuchamos en su regreso oficial, un ‘Weather Diaries’ con buen nivel compositivo pero al que le falta veneno en demasiadas ocasiones, no del todo. Y si nos detenemos en ‘Tomorrow’s Shore’, su nuevo EP, un material que ellos mismos consideran acompañamiento del disco, menos aún. Con esto no queremos decir que sean malos trabajos o que suenen a disgusto, sino que la huella de su particular shoegaze se ha diluido con el tiempo y con la (por otra parte) loable intención de actualizar y renovar su sonido. Evidentemente esto también tendrá que ver con la producción, una vez más a cargo de Erol Alkan, y con los nuevos horizontes que tienen ahora a su disposición y que quizá ni existían hace dos décadas.
Pero, ¿en qué tramos del nuevo EP sentimos que estamos escuchando a los Ride originales? Pues básicamente en ‘Pulsar’, el tema inaugural, y poco más. Construido con la intención de “crear algún tipo de himno espacial sobre la luz, la existencia, el viaje y el retorno”, contiene un par de buenos momentos (1:17 y 2:54) de guitarrazos como los de antaño, extendidos sobre una base rítmica acompasada que no termina de esconder el amplificado carácter espacial-pop de los nuevos Ride. Ese beat electrónico del medio, además, nos da otra posible pista de por dónde podrían encaminar a partir de ahora los tiros los británicos. Una deriva que solo volverá en ‘Catch You Dreaming’, pieza (ya comentada) relajada, onírica y casi chillwave que les hace flotar muy lejos de los parámetros de sonido por los que han sido siempre reconocibles.
Las otras dos canciones, a priori morfológicamente más en la línea clásica rockera de Ride, pierden por diferentes motivos. ‘Keep It Surreal’ por el tono de iluminación artificial, por una voz forzadamente aguda y, de nuevo, por una carencia total de veneno en sus aguijones. Y ‘Cold Water People’ porque, directamente, recuerda a las canciones más vagas y arrastradas de Mac DeMarco con algunos ecos de espacialidad extra de fondo. Por lo tanto, en resumen, parece que ‘Tomorrow’s Shore’ presenta más síntomas de pérdida de identidad que ‘Weather Diaries’ sin que pueda maquillarse esgrimiendo vocación de experimentación. Porque si estamos hablando de un regreso tras dos décadas, algo tienen que ofrecernos de su etapa anterior, como efectivamente hicieron con su disco; pero aquí no hay prácticamente nada. Una pena.
Calificación: 5/10 Te gustará si te gusta: ver cómo se diluyen las líneas maestras estilísticas de una banda de culto como Ride. Lo mejor: Los dos guitarrazos de ‘Pulsar’ Escúchalo:Spotify
Como estaba previsto, RTVE finalmente ha estrenado este viernes el videoclip de ‘Tu canción’, la canción con la que Amaia y Alfred representarán a España en Eurovisión. Gus Carballo se ha puesto tras la cámara para dirigir este sencillo videoclip en el que vemos a Amaia y Alfred cantarse el uno al otro mientras “nieva”, correr cogidos de la mano, sentados en sendas butacas o incluso levitar. Un videoclip, en cualquier caso, sencillo, sin grandes alardes, para esta canción cuya versión definitiva se estrenaba hace unos días.
Amaia y Alfred han presentado esta noche el videoclip en un programa especial en TVE presentado por Roberto Leal, y han hablado sobre su rodaje (grabaron de 7 de la mañana a 8 de la tarde y dicen que en el set hacía “mucho frío”) y sobre las supuestas “influencias” que Gus Carballo ha empleado para su creación. Muy supuestas, de hecho, porque Alfred asegura que el vídeo se ha inspirado en “Led Zeppelin” (?), “Pink Floyd” (??) y en el trabajo reciente de Harry Styles, quien según Alfred está haciendo vídeos muy parecidos al de ‘Tu canción’ (se entiende que se refiere al vídeo de ‘Sign of the Times’, en el que Styles aparece volando por los aires… Un poco cogido con pinzas, el parecido, en cualquier caso). Por su parte, Amaia habla de influencias de ‘La La Land’.
Entre las mal llamadas “trap queens” –como han venido repitiendo los teóricos “traperos”, este estilo no tiene que ver con su concepción original–, Bad Gyal, Ms Nina o La Zowi se han hecho ya con un nombre propio y –especialmente la primera– se han ganado la atención y el respeto de la crítica tanto como del público. Pero hay muchas más que están en un segundo plano de popularidad hasta que les llegue su oportunidad. La última que parece dispuesta para dar el salto hacia el lado masivo del pop es Shainny.
Esta madrileña, que en realidad se llama Marta Sánchez, se autodefine como “la niña que brilla” –su nombre es una españolización de “shiny” con una n de más–, y lo cierto es que tiene algo especial cuando, con apenas 3 o 4 temas subidos a Youtube, ya ha conseguido un contrato con Sony. La multinacional ha visto el filón tras el pelotazo de ‘Mala mujer’ de C. Tangana y parece dispuesto a seguir apostando por el nuevo pop urbano nacional.
Como decía, Shainny comenzó el pasado año a subir temas como ‘Mi papi’, ‘Veneno’, ‘Me lo pide a mí’ –apropiación de ‘Pree Me’ de Akeem Everix– o ‘Bailando’ –todos los beats, salvo el primero que es de Jack Red, están a cargo de V.padrino–. Canciones que en principio no parecen ir por delante de compañeras como Blondie, por ejemplo, a medio camino del pop, el neo-dancehall, la electrónica y el R&B. Sin embargo, un par de escuchas hacen evidentes que su flow y sus ganchos tienen algo especial, que se pegan a la mente de forma totalmente inevitable. Bad Gyal puede ser uno de sus referentes –de hecho, ha abierto para ella un reciente bolo en Sevilla–, si bien Shainny parece orientada a un plano más comercial.
‘Me amas’, su primer single para la multi, estrenado hace una semana, está producido por Los Del Control, el tándem habitual de Kaydy Cain –autores, por ejemplo, de la adictiva bachata ‘Si me meten preso’–. Y vuelve a mostrar en él esas mismas virtudes, con un acabado aún mejor. Parece fuera de duda que, en u momento en el que ‘Lo malo’ de Aitana War es número 1 de las listas de singles, una buena promoción y un buen respaldo artístico podrían hacer de Shainny una estrella del pop.
‘Dancing’ de Kylie vuelve al top 1 de JENESAISPOP en una semana tranquila en la que las canciones que entran al top 40 aparecen por la parte baja de la tabla. Es el caso de Ladytron, Laura Veirs, Belako y David Otero, como veis, cada uno de su padre y de su madre. Nos despedimos de Arcade Fire, que pese a las críticas encontradas que han suscitado en algunos sectores, han aguantado hasta 40 semanas en el top 20. Ya podéis escuchar nuestra nueva lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.
La banda sonora de ’The Greatest Showman’ continúa inamovible en lo más alto de las listas británicas en lo que está resultando uno de los éxitos más sorprendentes del año, pero la noticia está hoy en otro sitio. Breeders llegan al puesto 9 con su nuevo álbum, ‘All Nerve’, tras haber despachado 4.700 unidades en los primeros siete días. Se trata del mejor top para la banda de Kim Deal desde su gran éxito ‘Last Splash’, que fue número 5 en 1993. Sus otros álbumes de 2002 y 2008 no lograron tanta repercusión quedando ambos fuera del top 40.
También buen dato consigue Tracey Thorn, a pesar de ser menos mediática: ‘Record’ entra en el puesto 15. Puede parecer un lugar mediocre pero aun así es el mejor dato que obtiene Thorn desde que ‘Walking Wounded’ de Everything But the Girl fue top 4 en las islas en 1996. ‘Out of the Woods’ solo fue top 38 en 2007, ‘Love and Its Opposite’ top 51 y ‘Tinsel and Lights’ top 94.
Lamentablemente y aunque no lo parezca, el Día de la Mujer Trabajadora no ha tenido nada que ver con estos buenos datos para tan reconocidas feministas: según las midweeks del lunes, Breeders iban a ser top 6 en principio y Tracey Thorn top 7, pero ambos discos han ido cayendo según pasaban los días de la semana, especialmente desde el miércoles. Eso significa que sus mayores ventas se produjeron el día de lanzamiento, el pasado viernes.
En el artículo sobre el 8 de marzo que escribí apenas hace dos días, las prisas hicieron que me equivocara en un dato: la celebración del Día de la Mujer fue una jornada global, sí. Pero la huelga general era algo particular; sólo hubo en España. Y el éxito superó las previsiones más optimistas. 5,3 millones de trabajadoras la secundaron –al menos los paros de dos horas convocados por los sindicatos mayoritarios-. No he logrado encontrar cifras del seguimiento de la huelga de 24 horas, ni de la de cuidados o consumo (mucho más difíciles de precisar). Lo mejor, sin embargo, fueron las manifestaciones de la tarde. Cientos de miles de mujeres atestaron las calles de ciudades de toda España. Foto: Jordi Calvera.
En Barcelona, donde yo acudí, el volumen de gente era emocionante y aterrador. El inicio de la manifestación se tuvo que adelantar un cuarto de hora dado el volumen de gente congregada. Era imposible avanzar en el cruce de Passeig de Gràcia con Diagonal y las calles adyacentes repletas de manifestantes de todas las edades; adolescentes, niñas con carteles fabricados por ellas mismas, abuelas, las militantes que siempre han acudido a la cita contra viento y marea, las que nos estrenábamos ayer… 200.000 asistentes según la Guàrdia Urbana, 600.000 según las organizadoras. Comprobar que en toda España la participación había sido similar fue emocionante; un millón de personas congregadas en Madrid según la Comisión del 8M (170.000 según la Delegación de Gobierno), 60.000 en Bilbao…
Lo mejor fue ver a los que se dedicaron a defenestrar la convocatoria y el movimiento reaccionando desesperadamente para no perder el tren. Rajoy colocándose el lazo morado, miembros de Ciudadanos que aparecían en el último momento en las manifestaciones… Una jornada histórica que ha hecho que el 8 de marzo de 2018 no sólo sea una efeméride, otro día de bonitos gestos simbólicos. No, esto es el inicio de algo nuevo. Las mujeres hemos dicho basta. Nos movemos. No nos pueden parar. Ahora, lo queremos todo.
Y las mujeres de la música no nos hemos querido quedar atrás. El día siete de marzo, para preparar el artículo sobre la participación en la huelga de músicas y trabajadoras de la industria, entrevisté a Christina Rosenvinge. Mi primera pregunta fue sobre su decisión de no cancelar su bolo en Apolo del 8 de marzo. Dicho concierto llevaba meses programado. Se planteó la posibilidad, pero recolocarlo era prácticamente imposible. Así que había decidido convertirlo en un acto de reivindicación de las mujeres de la industria musical, dando la voz a la asociación Mujeres de la Industria de la música (MIM). Y me invitó a sumarme. Mi plan original era secundarlo todo: huelga laboral de 24 horas y huelga de consumo, lo que incluía no acudir a conciertos. Pero la propuesta me entusiasmó. “No hay que quedarse solo en el 8 de marzo. Ha de ser 8 de marzo todos los días”, resumió Christina. Así que me apunté.
Y, a lo largo del día 7 y 8, nos fuimos añadiendo muchas más. Músicas, editoras, programadoras de sala, productoras, periodistas… Así que, tras un día ajetreado, de bajar el Passeig de Gràcia emocionadas, de cantar, corear, de agitar nuestras pancartas, de plantar cara al machismo y a la desigualdad, nos encontramos en la puerta del Apolo. Por deseo expreso de Rosenvinge, y para apoyar la huelga de consumo, no se vendieron tickets en taquilla. Todo aquel que no tuviera entrada podría acudir al concierto, pero donando el importe a MIM. Mireia Calafell leyó dos poemas muy hermosos, ‘Dafne’ y ‘Diacrític’. A continuación nos llamaron a todas las que nos habíamos reunido: Marta Salicrú (Time Out Barcelona), Anna Martínez (L’Auditori), Helena Curto (de la editorial musical Bonatarda), Maria Sagrera (Apolo), Xènia (The Project), Carme Tasies (Music Bus), Anna Romeu (El Segell del Primavera)… apenas cabíamos en el escenario. ¡Y no estábamos todas! Carme Zapata, presidenta de MIM, leyó nuestro comunicado del 8 de marzo. Un discurso breve y sentido en que se recalcó la importancia de las mujeres en el sector, cómo la cantidad de mujeres que trabajamos en la industria, nuestro talento y nuestro aporte, a día de hoy seguía sin traducirse en un justo reconocimiento, en cómo esta industria continuaba ejerciendo roles machistas. Se nos instó a luchar contra los estereotipos y romper el techo de cristal.
Después de cedernos el espacio, salió Christina y materializó el discurso previo. Fiera, enfundada en una camiseta violeta con logo combativo y dirigiendo a una banda de hombres, demostró que si ‘Un hombre rubio’ es un buen disco, la fuerza que le imprime en directo lo hace aún superior. La contundencia de ‘La flor entre la vía” sirvió para abrir el bolo. Christina usa un registro vocal más grave y con más garra, abandonando a la cantautora, abrazando a la estrella del rock. Apenas abandonó los teclados, aunque no le hizo falta para dominar a todos los presentes. Momentos álgidos: una maravillosa ‘Berta multiplicada’ dedicada a la activista asesinada en marzo de 2016, que el 8 de marzo se acabó de convertir en un himno, una ‘La muy puta’ con baile casi desatado y, en los bises, un ‘Voy en un coche’ de Christina y los Subterráneos coreado como la gran canción generacional que es. Cantamos, bailamos, algunas nos emborrachamos (finalmente no logré hacer la huelga de consumo de 24 horas). Y sobre todo, nos unimos para luchar por un futuro que ya sabemos que va a ser nuestro. Y mejor.
Después de ‘Rascacielo’, la versión en español de ‘Skyscraper’ de Demi Lovato, llega ‘Dime que me amas’, la versión en español de ‘Tell Me You Love Me’ de Demi Lovato (en realidad se titula como la original, pero con “Spanish Version” adjunto). Es la canción que titula su último disco, que pronto podrá escucharse en directo en España.
Dado que Demi es medio mexicana, “Dime que me amas” no es ni de lejos la peor adaptación al español de una canción en inglés o la peor canción en español interpretada por una artista americana que se ha oído, ¿verdad, Nelly Furtado? Pero sí contiene al menos dos frases llamativas. En primer lugar, la frase “dime que me amas, a mí nada más. Que me lo digas tú, tan solo a mí” da un poco de miedo por su carácter imperativo. Esta frase denota que habrá consecuencias graves en nuestras vidas si no cumplimos con los deseos de Demi y le decimos que la amamos.
En segundo lugar, la pronunciación de Demi en “todos ven que cargo una cruz” no es la deseada y puede llevar a confusiones, ya que el verbo suena como “cago”. Esto significa que la frase podría terminar dando lugar a una nueva expresión apta para comunicar el dolor que puede suponer haber hecho daño a alguien, comparable, en este caso y siempre según esta hipotética nueva expresión, al hecho de excretar un objeto tal como una cruz divina. Y seguro que eso no es lo que buscaba Demi.
Melendi publica hoy ‘Ahora’, su nuevo disco con portada inspirada en ‘El principito’, y por supuesto ha colocado varias de sus pistas entre lo más visto de Youtube en España. Entre ellas, ‘Lo nuestro fue muy top’ promete desde su título ser una de las canciones más chanantes del disco y de la carrera de Melendi, y oh, amigos, no decepciona.
‘Lo nuestro fue muy top’ narra así: “nunca le he contado a nadie la razón de mi ruptura, y los puntos de sutura de mi corazón, no quiero entrar en detalle, pero creo que es un delito el dejar por Whatsapp una relación”. A continuación, Melendi efectivamente no entra “en detalle” en cuanto a la ruptura, ya que ni él mismo conoce los motivos de la misma, como confiesa. “No sé si fue por camisa a cuadros, por mi colección de Star Wars, por mi póster de KISS, o porque soy diferente, o eso me dice la gente: “eres más raro que Dalí”. Cava más hondo en tu corazón, Melendi, ¡y encontrarás la respuesta que buscas!
Habría que ser muy ruin para dejar a alguien por una camisa, pero un motivo que haya podido enfadar a la ex de Melendi es su opinión sobre el feminismo. O no. En El Comercio, el cantante asturiano ha dicho que él “lucha por que la mujer sea igual al hombre, no por feminismo” (alerta contradicción). En su defensa, Melendi ha manifestado que hay que luchar sobre todo por que desaparezca la brecha salarial, lo cual, desde cualquier punto de vista, también es “muy top”.
Ruth Lorenzo publica hoy su nuevo disco, ‘Loveaholic’. La cantante ha concedido una entrevista a Shangay para promocionarlo en la que ha respondido un test de preguntas sobre su profesión y vida privada, por ejemplo si alguna vez ha tenido una experiencia homosexual (no, más allá de unos besos), cuál es su ciudad favorita (Londres) o un secreto indiscreto (“un buen palo en el culo de vez en cuando”, para nada se nos ocurre a qué se puede referir). Ante la pregunta “diva que no soportes”, curiosamente, Lorenzo contesta Beyoncé porque es “demasiado perfecta” y le “pone nerviosa”. Eso sí, Lorenzo puntualiza que Beyoncé le “gusta”.
Otra diva que debe gustar a Lorenzo es Rihanna, porque en ‘Loveaholic’ se incluye una canción que se parece sospechosamente a ‘Love on the Brain’. De hecho, es el tema titular, por lo que es posible que el tema termine recibiendo una atención inesperada. ‘Love on the Brain’ ya era una réplica de las típicas baladas románticas americanas de los 50, pero la composición de ‘Lovaholic’ es demasiado parecida a la de ‘Love on the Brain’ en acordes, arreglos e incluso interpretación (ese énfasis en algunas palabras de la segunda estrofa) como para que sea simple casualidad. ¿Quizás se haya inspirado abiertamente en el hit de Rihanna? (eso sí, hacia el final el tema incluye unos coros góspel de cosecha propia). Cabe recordar que Ruth Lorenzo imitó esta misma canción en ‘Tu cara me suena’, por lo que quizás la inspiración proceda de ahí.
Selena Gomez está ya más que recuperada del transplante de riñón al que se sometió en el verano de 2017, y que anunció unos meses más tarde, en septiembre, colgando en Instagram una imagen de ella en el hospital junto a su donante, su amiga Francia Raísa. En su post, Gomez explicaba que había necesitado un riñón nuevo debido al lupus que padece.
Meses más tarde, Raísa ha concedido una entrevista a W Magazine en el que habla sobre su experiencia, y en el que ha revelado un detalle de la operación de Gomez desconocido hasta el momento. Raísa asegura que, tras la intervención, Gomez hubo de ser operada de urgencia por una complicación en el riñón por la que “pudo haber muerto”. La actriz afirma que los cirujanos hubieron de extirparle a Gomez una arteria de la pierna y “construir una arteria nueva” en el riñón. Raísa recuerda que, la mañana que esto ocurrió, recibió un mensaje de texto de Gomez en el que decía “estoy muy asustada”.
Antes de su transplante, Gomez había publicado un par de interesantes singles y videoclips que, como ella misma explicó en su post de Instagram, no pudo promocionar a pesar de sentirse “muy orgullosa” de ellos. Eran ‘Bad Liar’ y ‘Fetish’. Con ninguno de estos temas sucedió nada significativo comercialmente, pero Gomez triunfaría más tarde con ‘Wolves’ junto a Marshmello.
Renovamos nuestra playlist de novedades semanales “Ready for the Weekend” (podéis suscribiros aquí) con aquellas canciones de las que os hemos hablado en los últimos días (Carolina Durante, Beach House, Rush Week, Years & Years, Sade, serpentwithfeet, Lana del Rey, Parquet Courts, TT, The Parrots versionando trap, Maria Usbeck, Grouper…) y también con algunas de las canciones que nos llegan hoy. Es el caso de lo nuevo de Lily Allen, Kylie Minogue, Manic Street Peachers, Lissie o The Decemberists.
Destacamos algunos de los temas de los discos que se editan hoy, como es el caso de Izal, Albert Hammond Jr, Editors, David Byrne, Ruth Lorenzo, Jonny Greenwood de Radiohead, George FitzGerald, Ibon Errazkin, Dominique A, of Montreal, Young Fathers, Texxcoco o Brigitte Laverne.
En el plano nacional hay temas nuevos que degustar de Sr Chinarro, Hinds, Alberto Montero, Clint, Hazte Lapón, Vega, Blas Cantó, Mueveloreina o Viva Suecia con Rufus T Firefly en un tema llamado ‘Hoy empieza todo’.
Además, hoy ha llegado a Spotify el single de Azealia Banks que se estrenaba, en principio en Tidal; y Vince Staples ha estrenado un tema acorde a su propuesta de retirarse por 2 millones de dólares (se llama ‘Get The Fuck Off My Dick’). Cerramos con el remix de Lorde junto a Run The Jewels.
Un disco de Ataque de Caspa, en concreto un vinilo, apareció a la venta sin previo aviso este fin de semana en el puesto de merchandising de Madrid Popfest. Aunque poca gente se había dado cuenta, pues ni siquiera está subido correctamente al perfil del grupo en Spotify, el disco sí está en la plataforma sueca y en el resto desde el mismo viernes, conformando la inesperada continuación de ‘Sol’ (2014).
El grupo formado en los 80 y recuperado en 2011 gracias a los homenajes que le rindieron bandas como Los Punsetes, Linda Mirada o Klaus & Kinski, lucha por mantener la frescura de canciones escritas hace décadas como ‘Nigeria’ o ‘La pesca’ y está cerca de conseguirlo o incluso lo consigue en ‘Sistema solar’, ‘Espejos’, ‘Relojes’ y ‘Telón de acero’.
Sin embargo, la canción que selecciono hoy es otra. Se trata de ‘Tostadas’: sorprende un piano algo desubicado, como procedente de las grandes canciones de amor americanas de los años 70, pero sobre todo va calando una letra que parece comenzar hablando de alguien desarraigado o muy perdido («He olvidado cómo suenan las palabras / he olvidado ducharme esta mañana (…) He olvidado los libros que he leído / He olvidado las canciones que he oído», para terminar con una confesión inesperada: «no sé cuál es tu nombre / ni si eres mi amigo / no me acuerdo lo que hice ayer contigo».
Abierta a interpretaciones (no hay más que atender a su título) y breve, la canción mantiene el misterio de los pequeños clásicos perdidos de Ataque de Caspa y por su duración, recuerda mucho a aquellas canciones de Alaska y Pegamoides que parecían una tontería y se quedaron con nosotros para siempre. De ‘No sé por qué’ a ‘Llegando hasta el final’.
Parece mentira, pero el software musical que cambió las reglas del juego en la industria a finales del siglo XX fue creado por un ex geólogo llamado Andy Hildebrand que trabajaba para la empresa petrolera estadounidense Exxon Oil. Hildebrand había creado con anterioridad un algoritmo que permitía localizar yacimientos petrolíferos mediante señales sísmicas. Y de ahí precisamente, una vez se jubiló, le vino a la cabeza la creación en 1997 de lo que todos acabaríamos conociendo como auto-tune. Pero la revolución de verdad llegaría meses más tarde.
Aunque el primer tema con auto-tune se lo debemos al proyecto italiano Roy Vedas y su tema ‘Fragments of Life’ editado en agosto de 1998, no sería hasta octubre de ese mismo año que los productores Mark Taylor y Brian Rawling lo popularizaran hasta la esfera mainstream de la mano de Cher y su icónico ‘Believe’. Desde décadas antes ya existían alteradores de la voz como el vocoder o el talk box, por supuesto, pero el Auto-tune supuso una revolución que nos pilló a todos por sorpresa porque enaltecía mejor que nadie una irreal voz tratadísima mitad robot mitad humana. La corrección de imperfecciones vocales ya era una realidad.
Tal fue el impacto de este procesador que en los años siguientes se explotó hasta la extenuación. En 1999 los eurodance Eiffel 65 se valieron de él para su hit ‘Blue (Da Ba Dee)’, en el 2000 Daft Punk lo emplearon en el archiconocido ‘One More Time’, y ese mismo año Kid Rock en ‘Only God Knows Why’ incluso se atrevió a llevarlo al terreno del country, entre un infinito etcétera. Aunque puestos a escoger un rey del Auto-tune ese es T-Pain, quien desde que debutara en 2005 con ‘Rappa Ternt Sanga’ lo ha utilizado en todos sus álbumes como un recurso estrictamente estético. “Si me está haciendo ganar dinero, ¿por qué iba a dejar de usarlo?”, afirmó con atino en 2008.
Bon Iver o James Blake, años después, también han explotado el Auto-tune como recurso estilístico del modo que lo contempla T-Pain. Y por haber hubo hasta experimentos como aquel ‘808’s and Heartbreaks’ que Kanye West lanzó en 2008: un álbum muy criticado en su momento (por ser el sucesor de ‘Graduation’) pero que con el tiempo ha sido justamente reivindicado, precisamente, por su buen y atrevido uso.
Podemos encontrar detractores a mansalva. Sin ir más lejos, la revista Time en el 2010 lo escogió como uno de los peores inventos de la historia. Pero la pregunta sigue ahí: ¿realmente ha sido un avance para la música o todo lo contrario? Depende de con qué ojos se mire. El Auto-tune, nos guste o no, ha democratizado a los cantantes. Muchos artistas actuales del trap probablemente no se hubiesen atrevido a grabar en un estudio o incluso subirse a un escenario a sabiendas de sus limitaciones vocales. De modo que igual que la aparición de Abbleton Live en 1999 fue algo así como la Piedra de Rosetta para que muchos productores electrónicos de dormitorio debutaran en vivo, el Auto-tune ha permitido que artistas sin unas cuerdas vocales prodigiosas hayan podido desarrollar sus carreras.
Llevando veinte años conviviendo con él (aunque desde 2008 empezó a pisarle los talones otro software más complejo, el melodyne), lo que está claro es que el Auto-tune ha marcado a la industria musical y nada apunta a que vaya a dejar de emplearse en un futuro. Cher, o mejor dicho, sus productores, fueron unos visionarios.
Hay un “género musical” extraoficial que va en aumento: el festivalero. Todos sabemos nombrar grupos y canciones que donde más brillan es en cualquiera de los muchos, muchísimos (demasiados para algunos) festivales que hay en nuestro país a lo largo del año. Y, si cierras los ojos al escuchar los temas nuevos de Varry Brava, te puedes ver a ti y a tus amigas coreándolos vaso de cerveza en mano: luchando para que no se te derrame, luchando para que las larguísimas pulseras no se metan en él, y luchando contra el cansancio por haber dormido menos dos. Pero, ¿eso es todo? Ellos mismos decían recientemente que estaban encantados con el tema festivales, pero que reivindicaban la importancia de los conciertos en salas. ¿”Guay para festivales” es todo a lo que puede aspirar ‘Furor’ o tiene enjundia suficiente para asistir a una presentación en vivo propia? Vamos a verlo.
Lo cierto es que Varry Brava, lejos de intentar darle una pátina intelectual a sus letras para demostrar que están “por encima” del rollo festivalero, abrazan el hedonismo como objetivo, y dicen abiertamente que se lo pasan de lujo en el proceso de creación. Comentan, además, que en este disco, editado dentro de Hook Ediciones Musicales, no han pensado mucho antes de tomar una decisión; han preferido guiarse por sus instintos y trabajar de forma más espontánea. Si ese es el caso, tienen muy buen ojo, porque lo que les ha quedado está lleno de momentos tan inmediatos y disfrutables como el single ‘El Sitio Perfecto’ o el comienzo tan Tino Casal con ‘Un nuevo giro’ (‘Champú de huevo’ dice hola).
Los murcianos son admiradores confesos de Tino, pero no es, en absoluto, la única referencia que vemos aquí en cuanto a canciones repletas de hedonismo y carácter festivo: el comienzo ‘Radio Ga Ga’ (Queen) en ‘Las Noches Fugaces’, el ‘Voglio Vederti Danzare’ de Franco Battiato que parece estar detrás de ‘Medalla’, el acercamiento a los Fangoria más Pet Shop Boys en ‘Adiós’ o el encuentro entre Love of Lesbian y Robyn (!) que se produce en ’12 & Medio’, a su vez homenaje a la popular sala de Murcia. Hay momentos más inspirados que otros y, por ejemplo, ‘400 Bailes’ y ‘Nada Personal’ no funcionan tan bien como ‘Satánica’ y ‘La Ruta del Amor’, que resultan ser dos temazos, mereciendo especial mención el segundo, lo más destacado del álbum para quien esto escribe. ‘La Ruta Del Amor’ es una genial ida de olla que cuenta una historia romántica mientras romantiza, valga la redundancia, esa leyenda negra que rodea a La Ruta del Bakalao (para el vocalista Óscar Ferrer, una cuna musical más importante que La Movida), resumiendo sus distintos sonidos en el mismo tema. El mismísimo Chimo Bayo se ha deshecho en elogios.
‘Furor’, donde repiten con Raúl de Lara en la producción, es ideal para festivales, qué duda cabe, pero también para los propios conciertos en salas de Varry Brava, y hasta para tu propia casa; es un disco divertidísimo cargado de alegría y despreocupación, que los murcianos consiguen transmitir sin llegar al punto pijopop en sus canciones. Y éstas, en conjunto, dan la sensación de componer un “feel-good album”… lo cual no es, aunque se piense que sí, algo fácil de conseguir.
Calificación: 7,2 Lo mejor: ‘La Ruta del Amor’, ‘El Sitio Perfecto’, ‘Satánica’, ‘Un nuevo giro’ Te gustará si te gusta: Chromeo, Two Door Cinema Club, Tino Casal, Phoenix, Radio Futura, Joe Crepúsculo, los Love of Lesbian más poppy, Empire of the Sun Escúchalo: Spotify.
10 años después de su disco de autoversiones ‘Diez años y un día‘ (bueno, tres, pero han parecido más), Dorian están listos para publicar nuevo material en forma de un nuevo disco titulado ‘Justicia universal’, que llega a través de Intromúsica Records el 25 de mayo. Su último trabajo de material inédito, ‘La velocidad del vacío‘, se editó en 2013.
El primer adelanto de ‘Noches blancas’ llega hoy a través de un videoclip dirigido por Mickey Tetrov que presenta a dos luchadores de judo, a una bailarina y también un partido de béisbol, además de a la propia banda interpretando la canción. ‘Noches blancas’ encaja en la onda de indie rock africanista popularizada en los últimos años por Two Door Cinema Club, aunque Dorian emplean referencias más cercanas y antiguas. La nota de prensa afirma que el tema se ha inspirado en ‘Escuela de calor’ de Radio Futura y ‘En la ciudad de la furia’ de Soda Stereo, aunque el título de la canción es un guiño a otro héroe, literario, de Marc Dorian, el escritor Dostoievski.
Dorian presentarán ‘Justicia universal’ en una gira nacional e internacional que suma 33 fechas. Pasarán por Chicago, San Francisco, Los Ángeles, Ciudad de México, Veracruz o Puebla y también por gandes salas y festivales de España como el FIB, La Riviera o Razzmatazz 1.
Tras sorprender con su EP ‘Soft Animals‘ y aparecer en un anuncio de Apple, ampliando su alcance comercial de manera significativa, el 13 de abril se publica finalmente ‘Treehouse’, el primer disco de Sofi Tukker, el dúo de Tucker Halpern y Sophie Hawley-Weld autor de hitazos bailables entre el EDM y el carnaval brasileiro como ‘Best Friend’ o ‘Drinkee’.
‘Best Friend’ es precisamente uno de los temas incluidos en este disco de 10 canciones y media hora escasa de duración (según iTunes) que también incorpora los singles ‘Energia’ y ‘F**k They’. A ellos se suma hoy un nuevo bombazo titulado ‘Baby I’m a Queen’ con el que Sofi Tukker buscan, quizá de manera más evidente que nunca, derribar pistas de baile, componiéndose de un gigantesco ritmo dance que se fusiona con guitarras eléctricas y el sonido ambiental de unos pájaros. Acorde a su sonido descontrolado, ‘Baby I’m a Queen’ es una oda a la liberación en frases como “quizá prefiera el deseo a controlarme a mí misma, llorar a estar compuesta, el caos a fluir”.
‘Treehouse’:
01 F**k They
02 Energia
03 Benadryl
04 Batshit
05 Good Time Girl (feat. Charlie Barker)
06 Johny
07 My Body Hurts
08 The Dare
09 Baby I’m a Queen
10 Best Friend (feat. NERVO, The Knocks & Alisa Ueno)
Taylor Swift había anunciado que su nuevo single sería ‘Delicate’ y ha sorprendido estrenando su vídeo en un momento algo raro: cuando todavía no había terminado el domingo en Estados Unidos. La nueva obra de su mano derecha en cuanto a videoclips, Joseph Kahn, vuelve a lidiar con la fama y la «reputación» de Taylor pero de manera muy distinta a ‘Look What You Made Me Do’ ‘o ‘Shake It Off’: esta vez se busca el lado más humano de la cantante.
En la pasada primavera de 2017 el dúo barcelonés 
¡Hay un disco nuevo de Ataque de Caspa en el mercado! El grupo madrileño formado alrededor de 1984 y cuya maqueta se sacó de un cajón en 2011 después de que Los Punsetes
En un extraño giro de los acontecimientos tan surrealista que ningún guionista de televisión podría haberlo imaginado, Sor Catherine Rose Holzman, una de las dos monjas que buscaban impedir a Katy Perry la compra de un convento en Los Ángeles (que en realidad pertenecía a la Archidiócesis), ha fallecido repentinamente esta semana durante una diligencia judicial posterior al fallo del tribunal, que 
10 millones de euros y comparaciones con ‘Juego de Tronos’ en diversos medios han creado unas expectativas altísimas para ‘La Peste’, la nueva serie de Movistar. O, más bien, LA serie de Movistar: ya habíamos podido ver ‘La Zona’ o ‘
Hay grupos que asociamos indisolublemente a sonidos muy determinados. A la voz de su cantante, por ejemplo, a escalas melódicas concretas, a los efectos que usan o a cómo suenan ciertos instrumentos en manos de determinados autores. Pasa también que afiliamos algunos géneros al sonido exclusivo de una o varias bandas, reduciendo movimientos musicales enteros a la sombra de un puñado de discos. Ambas condiciones se dan en el caso de Ride. En el primer supuesto, asociamos a los de Oxford con sus guitarras: con esa especie de densidad y distorsión desbordantes, con ese muro de sonido líquido, áspero y hostil que tan bien representan ‘Nowhere’ y su icónica portada. En el segundo, y con permiso de 
Como estaba previsto, RTVE finalmente ha estrenado este viernes el 
Entre las mal llamadas “trap queens” –como han venido repitiendo los teóricos “traperos”, este estilo no tiene que ver con su concepción original–, Bad Gyal, Ms Nina o La Zowi se han hecho ya con un nombre propio y –especialmente la primera– se han ganado la atención y el respeto de la crítica tanto como del público. Pero hay muchas más que están en un segundo plano de popularidad hasta que les llegue su oportunidad. La última que parece dispuesta para dar el salto hacia el lado masivo del pop es 
‘Dancing’ de Kylie vuelve al top 1 de JENESAISPOP en una semana tranquila en la que las canciones que entran al top 40 aparecen por la parte baja de la tabla. Es el caso de Ladytron, Laura Veirs, Belako y David Otero, como veis, cada uno de su padre y de su madre. Nos despedimos de Arcade Fire, que pese a las críticas encontradas que han suscitado en algunos sectores, han aguantado hasta 40 semanas en el top 20. Ya podéis escuchar 
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Después de ‘Rascacielo’, la versión en español de ‘Skyscraper’ de Demi Lovato, llega ‘Dime que me amas’, la versión en español de ‘Tell Me You Love Me’ de Demi Lovato (en realidad se titula como la original, pero con “Spanish Version” adjunto). Es la canción que titula su 
Ruth Lorenzo publica hoy su 
Selena Gomez está ya más que recuperada del transplante de riñón al que se sometió en el verano de 2017, y que 
Renovamos nuestra playlist de novedades semanales “Ready for the Weekend” (
Un disco de Ataque de Caspa, en concreto un vinilo, apareció a la venta sin previo aviso este fin de semana en el 
Parece mentira, pero el software musical que cambió las reglas del juego en la industria a finales del siglo XX fue creado por un ex geólogo llamado Andy Hildebrand que trabajaba para la empresa petrolera estadounidense Exxon Oil. Hildebrand había creado con anterioridad un algoritmo que permitía localizar yacimientos petrolíferos mediante señales sísmicas. Y de ahí precisamente, una vez se jubiló, le vino a la cabeza la creación en 1997 de lo que todos acabaríamos conociendo como auto-tune. Pero la revolución de verdad llegaría meses más tarde.
Hay un “género musical” extraoficial que va en aumento: el festivalero. Todos sabemos nombrar grupos y canciones que donde más brillan es en cualquiera de los muchos, muchísimos (demasiados 
10 años después de su disco de autoversiones ‘
Tras sorprender con su EP ‘