Alaska, de actualidad esta Navidad porque Movistar+ ha subido un documental sobre su carrera, también es noticia por su salud. La cantante deberá portar un parche en el ojo durante semanas, y no será por gusto como la Madonna de ‘Madame X’.
Tan solo un par de meses después de que su esposo sufriera una aparatosa caída en el Festival Horteralia que podría haberle costado la vida, Olvido Gara ha sufrido un percance mientras estaba en su casa.
Así lo ha indicado esta semana en el programa de Telecinco TardeAR, como recoge Vertele: «Fui a caminar por casa y de repente se me hizo como un árbol de navidad, con muchos flashes de colores, y de ahí fue al negro el ojo».
Alaska detalla: «Tengo la vena central de la retina afectada con un trombo, lo que produce un edema en la zona de la mácula, en el centro. No veo nada. Se están buscando posibles causas. Pero viendo la temporada de trabajo, creo que ha sido el estrés”.
La artista advierte que la recuperación será lenta. “Esto no va a curarse de un día para otro. Será algo lento. No parece que haya ningún daño irreversible. Pero estas cosas van despacito. Me estaréis viendo mucho tiempo así”.
Esta Nochebuena habéis podido ver en televisión a Fangoria presentando ‘Dramas y comedias’ o un dúo con Rosario, en unos especiales que lógicamente y como es habitual en estos casos, se rodaron hace semanas, antes del trombo.
Fangoria interpreta "Dramas y comedias" en el especial de telecinco "Nochebuena contigo". pic.twitter.com/YvKrS3ba8j
Beyoncé ha sido la gran protagonista musical de este día de Navidad. La cantante decidió trabajar en festivo para aparecer en el descanso del partido de Navidad de la NFL, es decir, fue la protagonista de algo así como la Super Bowl Navideña, cuando el mundo apenas sabía que existía tal cosa.
Los 14 minutos de Beyoncé han servido claramente para presentar la que va a ser la gira de ‘Cowboy Carter‘. De esta manera, al fin Beyoncé se digna a hacer algún tipo de promoción de tamaño álbum, uno de los mejores de 2024. Tras dedicarle 5 añazos en el estudio, al fin le dedica un tiempo a presentarlo sobre las tablas, con un popurrí con algunas de sus canciones.
La presentación empieza tranquila con la balada ’16 Carriages’ mientras Beyoncé entra en el estadio precisamente de su ciudad, Houston; interpreta también un fragmento de ‘Blackbiird’; y después se va desmelenando con temazos como ‘YA YA’ o ‘LEVII’S JEANS’. Shaboozey y Post Malone, apareciendo en la parte trasera de una furgoneta, están entre los invitados de esta parte del set. La hija mayor de Beyoncé, Blue Ivy, también aparece en un momento.
El show se cierra con las interpretaciones de ‘Jolene’ y ‘Texas Hold’EM‘, que es la que finalmente levanta el estadio, pues ha sido su gran hit de este año. De manera significativa, el set está enteramente dedicado a ‘Cowboy Carter’, sin espacio para viejos hits, ya oídos hasta en la sopa, como ‘Crazy In Love’, ‘Single Ladies’ o ‘Halo’.
Casualmente se anuncia también algo gordo en la carrera de Beyoncé de cara al próximo 14 de enero. Casualmente Live Nation lo está compartiendo en sus redes sociales.
‘All I Want For Christmas Is You’ de Mariah Carey ha vuelto a ser la canción más escuchada esta Navidad, situándose en el número 1 del Global de Spotify por 78º día no consecutivo. En datos del 24 de diciembre, este tema escrito por la artista en los 90 ha sumado 24.863.570 streams.
Muy cerca queda ‘Last Christmas’ de Wham!, que ha sumado 24.556.791 durante el día de Nochebuena, es decir, tan sólo 300.000 streams menos. Eso sí, el tema escrito por George Michael nunca ha llegado al número 1 global. Brenda Lee lidera el Spotify de Estados Unidos y Wham! el de Reino Unido, pero de manera global, no hay quien le tosa a Mariah Carey, que es número 1 en el Spotify de Italia, Francia, Australia o Japón.
Mariah Carey ha logrado este año un millón más de streams que en la Nochebuena de 2023, pero esos 24,9 millones de streams no han sido suficientes para conseguir el mejor día histórico de una canción en Spotify.
La canción más escuchada de la historia en un solo día en Spotify continúa siendo ‘Fortnite’ de Taylor Swift y Post Malone, con 25.204.472 streams. Los fans de Mariah Carey quedan emplazados a entregarse aun más a la causa, ya en la Nochebuena de 2025.
Entre los récords que este año ha sumado Mariah Carey están su 17ª semana al frente del Billboard Hot 100, donde ya es su hit más longevo por encima de ‘One Sweet Day’. Eventualmente podría ser el tema más longevo de la historia en el número 1, si sigue así en años venideros. También lleva el tema 21 semanas en el número 1 de «Streaming» en Estados Unidos. Al superar las 20 semanas que lideró el streaming ‘Old Town Road’ de Lil Nas X y Billy Ray Cyrus; en esa lista particular de streaming, ‘All I Want for Christmas Is You’ sí es el tema más longevo de la historia en el número 1.
Os dejamos con una nueva actuación realizada para Netflix y la NFL.
El próximo 1 de enero se estrena en cines ‘Better Man’, el biopic de Robbie Williams, que aparece representado por un mono. Michael Gracey, el director de ‘The Greatest Showman’, ha logrado hacer funcionar tan rocambolesca idea con un guión que da vueltas alrededor de lo dañina que puede resultar la fama salpicada de alcohol y drogas, y de las dificultades de Robbie Williams para aceptarse a sí mismo tal y como es. A lo largo de más de 2 horas de metraje, sus fantasmas nunca dejan de perseguirle.
El artista ha visitado Madrid para promocionar la película, acompañado del director. Cada uno dispone de 8 minutos para cada medio de comunicación, estrictamente cronometrados por una intimidante cuenta atrás a la espalda. No son las condiciones óptimas para profundizar en nada con nadie, y se nota que Robbie Williams ha venido a esta promoción a divertirse, a bromear de manera superficial, y no tanto a ahondar en su vida con un puñado interminable de desconocidos. Aun así, la experiencia es agradable porque como dice el director, refiriéndose al rodaje: «la interacción con Robbie siempre es entretenida. Incluso hablando de cosas oscuras, te hace sonreír».
Hay que elogiar que el equipo de márketing en España haya sido capaz de atender a medios grandes y pequeños, generalistas y especializados, impresos y digitales. Fiel a una película que catalogan como «independiente». Robbie Williams te saluda chocando el puño, pues desde la pandemia hay pocas cosas peor vistas que dar la mano a cualquiera. Luce ilusionado y de un humor aparentemente estupendo. Si le explicas cuál es tu medio de comunicación, por cortesía, «solo para que lo sepa», su respuesta es: «sólo para que lo sepas, estás hablando con una de las mayores estrellas de pop del mundo». No se puede empezar mejor.
Cuesta recordar que no siempre Robbie Williams fue la estrella que es hoy. En su momento miembro díscolo y gamberro de Take That, tuvo su mala prensa por estar supuestamente gordo, ser supuestamente gay o no ser suficientemente guapo. Su primer álbum en solitario fue en principio un fracaso que no pasó del puesto 11 en su primera semana en UK. Enseguida se hundió, pero luego resucitó y alcanzó el número 1 seis meses más tarde de lo previsto. Una constante, la de la lucha y la carrera de fondo, en toda su vida.
Frente a frente, el personaje atormentado que aparece en ‘Better Man’ no parece estar ni siquiera escondido en la retaguardia. «Estoy disfrutando mucho de esta promoción. La película ya está hecha, y la película es la película. Es mejor que buena: es increíble. Lo que más disfruto de todo este proceso es estar aquí sentado, sabiendo que estoy haciendo promoción de algo que va a tener un impacto profundo en mi vida, y espero que para mejor». ¿Ha sido duro enfrentarse a traumas tan delicados de su vida, relacionados con su adicción a las drogas y al alcohol? «No», responde rápida y secamente. «Hay mucho de tragedia, trauma y dolor. Pero he vivido esas escenas a medida que se rodaban, así que he tenido ocasión de ir haciendo las paces con ellas».
‘Better Man’ recorre los inicios de Take That, dejando algunas escenas hilarantes, a las que Mark Owen ya ha dado su aprobación. Más complicado parece lo de otros miembros: «Si Howard y Gary la ven, me los imagino viéndola desde detrás del sofá», bromea Robbie tapándose la cara. Pero sobre todo la cinta se nutre de sus canciones históricas en solitario, junto a un tema inédito llamado ‘Forbidden Road’ que ha sido nominado al Globo de Oro a Mejor Canción. El tema habla de las «malas decisiones» que el artista ha tomado. «Darían para ‘Better Man 2’, y para las partes 3, 4 y 5. He tenido una enfermedad en cuanto al alcoholismo y a la adicción. También trastorno por déficit de atención, agorafobia, discalculia, dispraxia, agorafobia… Esa la he dicho dos veces. La sensación de querer estar en un espacio cerrado… Todo esto me ha llevado a un descontento en la vida. Siempre he sido consciente de que mi estado natural es corrosivo y tóxico. Así que tengo que remar en contra de eso».
«Siempre he sido consciente de que mi estado natural es corrosivo y tóxico. Así que tengo que remar en contra de eso»
Algunos de los clásicos de Robbie que se benefician de aparecer en la cinta son ‘Feel’ o ‘Angels’, un tema que en su momento no fue número 1 ni siquiera en Reino Unido. Williams no logra recordar el momento en que se convirtió en un clásico y desde luego no ha controlado ese fenómeno. «No puedo estar en la cabeza de la gente. Es algo que existe fuera de mi catálogo, algo que existe fuera de mí, que pertenece ya a otras personas. No depende de mí. Estoy agradecido de que haya pasado y espero que más canciones mías funcionen así».
El director Michael Gracey nos da detalles sobre el modo en que se han integrado las composiciones en el guión. «Se sigue una narrativa, las canciones no están en orden cronológico. Intentamos que destacaran los puntos álgidos y los puntos bajos. La narrativa te va llevando hacia arriba y hacia abajo. Entonces, pensábamos: «¿De todas las canciones de Robbie, cuáles encajan en la narrativa de cada momento? Eso nos llevó a encajar por ejemplo ‘Feel’ en una escena en particular. La gente tiene una conexión muy particular con las canciones de Robbie Williams, pero aparte de eso, en esta película ofrecemos una nueva versión, en una nueva narrativa que cambiará tu manera de verlas».
Entre las que más se han echado de menos, hay un momento en que parece que va a sonar ‘Freedom’ de George Michael, pero en verdad se ha preferido integrar la cover de ‘Land of 1000 Dances’ porque Robbie la ha interpretado muchas más veces en directo. Por su correspondencia con su estado actual, destaco la ausencia de ‘Love My Life’, quizá no tan conocida, al ser más nueva. «Todo el mundo me está diciendo que echa de menos una canción mía, como ‘Me and My Monkey’ o ‘Millenium'», nos indica el cantante. «Me alegra que la gente eche de menos canciones en concreto. Ojalá se haga otra película. ‘Love My Life’ es una canción algo desconocida, pero también bastante conocida. Otras canciones de mi repertorio actual que he intentado cantar han funcionado peor en directo. Pero mi público sí que conoce ‘Love My Life’. Ahora mismo es un hit de mi setlist. Contiene un mensaje que para mí es importante cantar alto y fuerte. De hecho me ha empezado a «gustar mi vida» ahora. No me gustaba tanto antes de que saliera ese disco».
Su vida antes de ese disco era el desastre que se ve en gran parte del metraje. De hecho, cuando le pregunto cuándo empezó el escenario a ser un «espacio seguro» para él, una de las ideas más importantes a que da vueltas el guión de ‘Better Man’, Robbie suspira largamente. Hace demasiado poco que pasó ese último bache: «Sólo en los últimos 8 años. Definitivamente en los últimos 5. Y no hay duda de que esto ha ido pasando gracias a la llegada de mis hijos. Me he dado cuenta de que esto es un trabajo. Nunca había sido un trabajo. No había otra cosa por la que hiciera esto que mi propia indulgencia, para satisfacer mis necesidades y la de agradar al público general. Pero resulta que eso te lleva a una crisis existencial cuando llegas a la cima de la montaña, y te das cuenta de que no estás bien y de que allí no hay nadie más. Desde que he tenido hijos, «cuando papá se va de casa, papá se va al trabajo». Desde que sé que esto es un trabajo, me encanta mi trabajo».
Esa paz consigo mismo que ahora vende Robbie Williams se contrapone con el infierno que resultó el concierto de Knepworth, ante 250.000 personas. Es una de las escenas clave de ‘Better Man’, como nos explica el director: «Knepworth representa la cumbre de los sueños de Robbie Williams. Cuando llega ese sueño, tenía que ser el mejor momento de su vida. Y la verdad es que fue una pesadilla: todas las voces que siempre ha oído en su cabeza explotan ante 250.000 personas. Trabajamos en cómo mostrar eso en una película, a través de una representación visual. Por eso mostramos versiones de sí mismo mirándole con asco mientras actúa. Cuanto más famoso es, más tiene esa sensación de estar aislado. Todo eso llega a un extremo en Knepworth, por la automedicación, el alcohol, las drogas… No es hasta el final de la película cuando acepta todo eso».
Michael Gracey está satisfecho por el trabajo realizado, aunque recuerda que esta película casi no se hace. «Jonno Davies ha hecho un trabajo excelente durante el rodaje, y yo siempre tuve confianza en que la idea del mono iba a funcionar, pero nadie más. Ha sido muy dura de financiar, ningún gran estudio la quería. Es independiente pero es muy grande, es una película muy grande para ser independiente, pero era la única manera de contar esta historia. Todo el mundo nos decía que no a causa del mono». El director niega que los problemas de financiación tuvieran que ver con el hecho de que Robbie Williams no sea una estrella en Estados Unidos. «Ni siquiera intentamos venderla en Estados Unidos. Nos enfocamos en todo el mundo menos en Estados Unidos. Decidimos que nos centraríamos en Estados Unidos cuando ya estuviera acabada. Allí tienes que explicar quién es Robbie Williams, pero solo allí. Por lo demás, la gente de la industria estaba excitada por Robbie Williams, por el director de ‘The Greatest Showman’, pero nunca por el mono».
Ahora, toca ya mirar al futuro, lo que incluye una gira que traerá a Robbie Williams a Barcelona el 5 de julio, y nueva música. De hecho, el artista renuncia a apuntar a algún disco infravalorado de su pasado. «Nah! (piensa) Nah! Siempre pienso en el disco siguiente, nunca en el anterior, estoy emocionado por qué será lo siguiente». De momento, eso sí, no puede avanzar mucho, pues no ha escrito demasiado en los últimos años, ni se ha reunido con su autor de confianza, Guy Chambers, que además tiene escenas muy simpáticas en ‘Better Man’. «No hemos trabajado últimamente porque no he hecho música últimamente. Solo el tema ‘Forbidden Road’. Pero Guy y yo siempre volvemos juntos. He estado esperando a que esta jodida película salga, porque hace como 2 años que debería haber estado acabada. Cuando haces un proyecto como este, tienes que hacer la promo, y he estado esperando una eternidad para poder sacar nueva música, pero esto es una gran oportunidad».
Solo Dios sabe lo que debe acontecer en una reunión entre SZA y su discográfica, Top Dawg Entertainment. Dada la tardanza con la que acostumbran a salir sus discos, dado lo mucho que se demoran entre anuncio y lanzamiento, me imagino que esas reuniones deben ser un infierno. También las muchas que han debido preceder al lanzamiento de ‘SOS Deluxe: LANA’, un álbum que ha podido tomar diversas formas -y propósitos- a lo largo del último par de años.
La versión ampliada de ‘SOS‘ (2022) añade 15 cortes al elepé original, que ya sumaba 23. Es muy poco habitual que una edición «deluxe» contenga tal cantidad de temas, conformando un álbum completo, y no un minidisco a la manera de ‘The Fame Monster‘, aunque la estrategia sea la misma; pero así se las gastan las megaestrellas de nuestros días, como bien sabe Taylor Swift.
La estrategia de lanzar ‘LANA’ en una reedición de ‘SOS’ puede tener sentido a nivel de números y certificaciones. También puede responder a una decisión artística: puede que SZA considere que estas 15 canciones evolucionan naturalmente de las anteriores, sin separarse de ellas de manera radical. La única certeza que deja ‘SOS Deluxe: LANA’ es que es un diamante en bruto, un trabajo lleno de buenas ideas que debió salir mejor rematado. Mucho mejor.
‘SOS Deluxe: LANA’ es un álbum muy mal mezclado, hasta el punto que incomoda escucharlo. La bases suenan excesivamente comprimidas; la voz de Lana, por ejemplo en ‘What Do I Do’, se mezcla de forma muy rara con los coros o incluso suena demasiado baja. En otros cortes, la toma vocal de Solana suena tan ahogada que pareciera haberlas grabado con una mascarilla puesta. La base de ‘Kitchen‘ tiene delito: parece ripeada de un audio de Youtube. A las grabaciones les sobran toneladas de ruido y distorsión y les falta claridad y aire. En Popjustice, un usuario ha detectado saltos en la producción de ‘Love Me 4 Me’, cortes perfectamente audibles si prestas atención.
También hay que comentar la dejadez con la que SZA ha afrontado varias composiciones del disco. ‘Diamond Boy (DMT)’, una de las mejores canciones, acaba de manera abrupta, con un fade out de lo más holgazán; problema que se repite en varias pistas. Esto, sumado a la mejorable mezcla, lleva a pensar que SZA ofrece en ‘SOS Deluxe: LANA’ un producto descuidado, en absoluto a la altura de la 14ª artista más escuchada en el mundo.
Y no, la pésima mezcla de ‘SOS Deluxe: LANA’ no es ningún invento, sino que es la razón por la que el álbum salió muchas horas más tarde de lo esperado. Además, SZA ha anunciado en X que modificará el mix de varias pistas del largo, después de haberlas «escuchado con mayor atención». No le ha dado tiempo en dos años.
Tampoco el lanzamiento de «LANA» se justifica con un repertorio sin peros. En el mejor de los casos, es irregular. SZA brilla sobre todo en los temas basados en la guitarra, eléctrica o acústica. En especial destaca la preciosa ‘Crybaby’, en la que, sobre una base baladesca de soul clásico, Solana responde a su imagen pública de persona excesivamente sentimental y vulnerable. Los tonos blues le sientan muy bien en ‘Drive’ y ‘Diamond Boy (DMT)’, y en ‘Kitchen’ la base instrumental de ‘Voyage to Atlantis’ de los Isley Brothers le sirve para escribir una melodía como un sol de buena.
El estilo orgánico utilizado en la mayoría de composiciones de ‘SOS Deluxe: LANA’ lo anticipó la grandísima ‘Saturn‘, que en el álbum sirve de cierre. En ‘Saturn’, SZA sueña con viajar a un planeta en el que el sufrimiento no exista pero, aunque suena apenada, conserva la esperanza. La melodía es ensoñadora y poderosa, una de las mejores que ha firmado. Y esa esperanza es el factor que desliga «LANA» de ‘SOS’. Son como dos caras de una misma moneda.
En ‘No More Hiding’, que abre «LANA» derrochando luminosidad, tirando de punteos muy bossa nova, SZA pone ya sobre la mesa que es una persona diferente a la de ‘SOS’, algo -solo algo- más feliz. Su intención es quererse y cuidarse a sí misma y no caer en relaciones abusivas que mermen su autoestima. Es el tema de ’30 for 30′ con Kendrick Lamar -único featuring en el disco- o de la gráfica ‘Love Me 4 Me’. En ‘Kitchen’ no es una opción regresar a una relación abusiva, aunque los buenos recuerdos le hagan dudar. Solana se permite soñar despierta, pero sabe a dónde no debe volver.
Sin embargo, mientras ‘SOS’ gastaba sorpresas maravillosas (las cuerdas de ‘Love Language’, el sample de Björk en ‘Forgiveless’, la intensidad emo de ‘Nobody Knows Me’), «LANA» se contenta con expandir el repertorio de SZA de manera reiterativa. El sonido maquetero de la producción no ayuda, pero en canciones como ‘Drive’ es posible ignorarlo porque las emocionantes melodías de SZA sobresalen. Esto no sucede en la primera mitad de «LANA», que encadena una serie de composiciones flojas. Lo mejor que se puede decir de ‘What Do I Do’ es que es agradable, pero ’30 for 30′ con Kendrick Lamar se queda muy lejos de la calidad de ‘luther‘; puede ser la peor colaboración de ambos. Es repetitiva y el hook melódico, sencillamente, no funciona.
‘My Turn’ es otra pista de «LANA» arrimada a un sonido R&B, propenso al melisma, que a SZA se le da muy bien, pero que no ofrece ningún giro interesante. Y la mezcla de estilos de ‘Love Me 4 Me’, una producción que pasa del R&B psicodélico a la bossa nova, suena forzada. Aunque la mayor decepción de «LANA» -a nivel compositivo- proviene de las pistas apegadas a un sonido uptempo e indie-pop: ni ‘BMF’ ni ‘Scorsese Baby Daddy’, como canciones pop, funcionan ni son todo lo redondas que deberían.
‘Diamond Boy (DMT)’, ‘Drive’, ‘Crybaby’, ‘Saturn’ y ‘No More Hiding’ son los grandes hallazgos de un álbum que desaprovecha el talento de SZA. Una serie de composiciones redundantes y, sobre todo, una mezcla que suena sorprendentemente amateur, no pueden conformar el tercer álbum de estudio de SZA propiamente dicho: dos clásicos como ‘Ctrl‘ (2017) y ‘SOS’ merecen un tercer hermano a su altura. ¿Sería está la opinión de su sello? Al menos parece que SZA se ha salido con la suya porque estas 15 canciones están en la calle. Pero, en estos tiempos de sobrecarga informativa, es importante recalcar que no siempre más es mejor.
C. Tangana, de momento, ha dejado el sonido por la imagen. Sin embargo, ‘La guitarra flamenca de Yerai Cortés’, además de ser un documental nominado al Goya, también es un disco. Raro sería que El Madrileño no metiese mano en el proyecto. Efectivamente, todas las canciones del sentido LP han sido coescritas por él y por Cortés. ‘LOS ALMENDROS’ es la Canción del Día.
La canción que da fin a la cinta es un caramelito de flamenco contemporáneo, con influencias del compás de bulerías. En esto es precisamente donde se nota el toque Tangana, experimentando con el género para seducir a un público más amplio.
Junto a Harto Rodríguez, Pucho también actúa de productor, pero las estrellas del tema son Yerai Cortés y La Tania, responsables de que ‘LOS ALMENDROS’ esté nominada a un Goya a Mejor canción original.
La dulce voz de la cantaora, que se aleja un poco de lo que solemos escuchar en el flamenco, narra una historia de amor poco probable. Dicen que «no es época de que florezcan los almendros», pero aun así lo hacen. Como en todo relato de este tipo, también hay dolor: «Cuando rio por fuera / Lloro por dentro». Pese a todo, triunfa el amor: «No paro de verte / Por dondequiera que miro / Me he enamorao / De unos ojitos negros que me han mirao».
Hoke sigue haciendo las cosas a su manera. El rapero valenciano ha lanzado su segundo álbum un miércoles, sin single y anunciándolo con solo tres días de antelación. Con estas, ha conseguido debutar en el número 8 de la lista de Discos. Si revisitamos los números de ‘BBO’, cerca de los 100 millones de streams, estos resultan totalmente inauditos para el primer LP de un rapero independiente. Aquel trabajo fue una sensación absoluta. En ‘TRES CREUS’, Hoke intenta sobrevivir a su propio éxito sin replicar la misma fórmula.
Más bien, se aleja de lo anterior. El primer gran cambio se da en la producción, que llega de la mano de A.Dense, PMP, Lex Luthorz, Nuviala, Gese Da O, Saint Lowe o Steve Lean, entre otros. Ni rastro de Louis Amoeba, único artífice de los beats de ‘BBO’. De esta forma, los ritmos de ‘TRES CREUS’ navegan entre los estilos más modernos del hip hop, pero no resultan tan excitantes ni variados como los del primer trabajo.
‘Aimbot’ sí abre el disco de forma épica con unos brillantes sintetizadores. También se vislumbra el carácter sombrío del LP, con Hoke hablando directamente de suicidarse: «Si me tomo la vida en serio, me quito de en medio». En ‘M.A.N.’, habla de estar «en medio de dos depresiones» y en ‘Dálmatas’ confiesa que no siente «nada en la barriga en el pico de mi vida».
Lo mejor del disco es esta nueva cara del valenciano, con un tono vulnerable, pero no excesivamente personal. En este sentido, el tema con Quevedo es uno de los mejores ejemplos. Ojo, las rimas sobre porros típicas de Hoke tampoco faltan.
Es casi surrealista que el artista canario sea la mejor colaboración de ‘TRES CREUS’, pero es así. Su entrada en el tema es puro carisma y Ergo Pro, Ébano y Morad simplemente no han puesto tanta carne en el asador. En ‘ABC’, Hoke y Quevedo rapean sobre su vacío existencial: «Sigo disociado en el vuelo, y sigo disociado en el bolo», repiten en el estribillo, uno de los pocos que hay en todo el disco.
‘Infrarrojo/Ultravioleta’ es una de las canciones que más agradarán a los puretas de ‘BBO’, siendo una también de las menos introspectivas. «Mi mujer, hachís y cheetos, todo lo que necesito», rapea Hoke en la primera mitad del tema. No todas las rimas tienen que ser obras maestras.
Desde luego, Hoke mantiene su impecable nivel como rapero durante todo el disco, con su característico y susurrado tono de voz. ‘Masa Madre’ es punchline tras punchline e incluye uno de los beats más coloridos: «Subiendo la pendiente independiente, ahora todos pendientes de mis coros y del oro de mis pendientes», suelta el valenciano con una facilidad pasmosa. La duda que sí deja ‘TRES CREUS’ y que no surgía en ‘BBO’ es esta: ¿Están las canciones a la altura de los juegos de palabras?
La lista de Discos española se mantiene igual en sus tres primeros puestos. Sin embargo, después de 5 semanas en lista y de ocupar el número 79 la semana pasada, el disco debut de Ruslana ha alcanzado el número 4 de la tabla. ‘Génesis’ se coloca entre ‘The Tortured Poets Department’ y el disco navideño de David Bisbal.
Resulta que la siguiente entrada es otro compañero de OT. En este caso, Paul Thin con ‘Spawnpoint’, que debuta en el número 7 de la clasificación. A este le sigue de cerca Hoke con ‘TRES CREUS’ en el número 8, otro gran logro para el artista independiente. En el número 9, entran Stray Kids con ‘HOP’. Rels B, C Marí y Daft Punk también entran en esta primera mitad con ‘Nostalgia’ (#18), ‘Sempre Cor’ (#30) y ‘Discovery: Interstella 5555’ (#50).
En el número 57, Luis de Perikin presenta ‘Así Canta Jerez en Navidad, Vol. 4 «La Estrella»‘. Por último, ‘De Raíz’ de Malaputa y ‘Mil formas de volver a mí’ de Bea Fernández entran en los puestos 63 y 93, respectivamente.
Yorghaki y Alleh suben al número 1 de Singles España con ‘capaz’, su «merenguetón» viral en TikTok y que ha dado el salto a listas oficiales. Al 2 bajan Quevedo y Aitana con ‘Gran Vía’; casualmente, Aitana es una de las personalidades que han promocionado ‘capaz’ en sus redes.
‘capaz’ pegó un considerable empujón la semana pasada en la lista de singles española, subiendo del puesto 72 al 5. El número 1 lo consigue ya por la gorra, sumando cerca de 700.000 reproducciones diarias en Spotify.
Yorghaki y Alleh es el dúo formado por dos músicos venezolanos, el productor Yorghaki Yacoub y el cantante Alleh Mezher. Ambos colaboran, en ‘capaz’, y en otros singles de éxito como ‘me late’ o ‘ultravioleta’, con el famoso productor venezolano Manuel Lara, conocido por su trabajo con Bad Bunny, Kali Uchis, Rauw Alejandro o Nathy Peluso.
El mismo día que Yorghaki y Alleh obtienen su primer número 1 en Singles España, el dúo publica su debut oficial, ‘LA CIUDAD’, en un raro martes pre-navideño. ‘LA CIUDAD’ se compone de 12 cortes, y ‘capaz’ aparece en el número 9.
Para topar con la siguiente entrada en lista hay que bajar hasta el puesto 42: ahí saluda Rels B con sus ‘1000 Millones’. El ritmo tropical de ‘Mi Refe’ de Beéle con Ovy on the Drums se coloca en el puesto 65, y ‘Modelo’, la colaboración de Cyril Kamer y Maikel Delacalle, en el 69.
Las dos últimas entradas provienen de dos mundos distintos: ‘Wet’ de Gordo y Bad Gyal se coloca en el 82. Y ‘Todo es posible en Navidad’, la canción navideña de David Bisbal, entra en el 89. No, su versión de ‘El Burrito Sabanero’ no entra en lista… todavía.
INFANTA es el alias de Ainara Rodríguez, cantante de Bilbao residente en Madrid que lleva pocos años en la música. Ainara, que también es tatuadora, videógrafa, diseñadora gráfica y modelo, se dio a conocer inicialmente con el proyecto de Rexxiana, pero desde 2023 utiliza el nombre de INFANTA para dar salida a sus nuevas composiciones.
El sonido de Rexxiana, vinculado a la música industrial, evoluciona en INFANTA, posicionando a Ainara en un linaje de artistas españoles que han utilizado los ritmos siniestros de la EBM para expresar sus sentimientos y preocupaciones; artistas entre los que se cuentan también Ultraplayback, Alma-X o, en mayor o menor medida, Putilatex.
Los ritmos belicosos y acelerados de la EBM están muy presentes en la música de INFANTA, cortesía de sus productores habituales, Frances Ribes, artiste madrileñe también conocide como Santa Monica; y Manu ScummV, integrante de SÝN y Aislamiento Total, que han producido los primeros éxitos de INFANTA, como ‘Me quemo’, e intervienen también en su nuevo EP, ‘Deseo Imperio’, publicado estos días.
‘Deseo Imperio’ es el proyecto que ha de llevar a INFANTA al siguiente nivel de su carrera. Su carisma atraviesa las cinco composiciones de esta obra que «habla del deseo en diferentes situaciones y formas». En palabras de su discográfica, Discos GELE, sello de La Élite, ‘Deseo Imperio’ es un trabajo que evoca un mundo paralelo en el que «Susana Estrada es la vocalista de Crystal Castles».
La voz de INFANTA, entre sensualizada y abocada al abismo, junto con las potentes bases, forma un cóctel explosivo en temas como ‘Un secreto más’ o ‘Whiskyllora’, la Canción Del Día para hoy martes. En ‘Whiskyllora’, INFANTA entrega un petardazo mecanizado que le sirve para expresar su desafío último: «Vamos a perder el control». La desquiciada base rítmica invita a hacerlo.
Billboard informa de interesantes novedades esta semana en la lista de singles de Estados Unidos, el Billboard Hot 100. En concreto, tanto ‘Santa Tell Me‘ de Ariana Grande como ‘Underneath the Tree‘ de Kelly Clarkson irrumpen dentro del top 10 de la lista. ‘Santa Tell Me’ sube al 9, y ‘Underneath the Tree’ al 10.
Esto significa que, por primera vez, dos canciones navideñas publicadas durante el siglo XXI entran en el top 10 de la lista de singles estadounidense. ‘Santa Tell Me’ se lanzó en 2014, y ‘Underneath the Tree’ en 2013.
Grande ha celebrado el éxito de ‘Santa Tell Me’ lanzando un directo de la canción grabado para la ocasión. El villancico de Grande, un fan favorite desde su lanzamiento, supera ya los mil millones de reproducciones en Spotify.
El top 10 de Billboard Hot 100 está completamente invadido por canciones navideñas, a excepción de ‘Die with a Smile’ de Lady Gaga y Bruno Mars, que permanece en el puesto 6.
Además, Mariah Carey extiende su permanencia en el número 1 del Billboard Hot 100 con ‘All I Want for Christmas Is You’ una semana más, sumando 17 en total. Mariah se supera a sí misma, pues su récord lo ostentaban las 16 semanas de ‘One Sweet Day’ con Boyz II Men. Este 2024, Carey suma ya tres semanas consecutivas en la cima del Billboard.
«Revelación o Timo» se celebraba el pasado jueves 19 de diciembre en directo en la Academia de Cine como parte del programa «Bienvenido Mr Podcast». Un ciclo por el que han pasado podcasts amigos como «Arte Compacto», «Arsénico Caviar» o el desaparecido «¿Puedo hablar?» y que en nuestro caso dedicamos a las mejores canciones de la historia del cine español.
Hablamos sobre cómo una canción de cine puede cambiar el curso de una película entera, el de un artista o el de la misma historia de la música, como fue el caso de las películas de Marisol, ‘Chup Chup’ de Australian Blonde en ‘Historias del Kronen’, o ‘Piensa en mí’ interpretada por Luz Casal en ‘Tacones lejanos’. Esta película ya estaba en nuestro guión, cuando nos sorprendía la noticia de la muerte de Marisa Paredes, por lo que comenzamos el podcast con un homenaje a la actriz.
En un somero recorrido cronológico por la historia de la música en el cine español, viajamos hasta los años 20 con películas como ‘La verbena de la paloma’ o el cine de folclóricas de los años 30, con películas como ‘Morena Clara’. En aquella época un joven llamado Juan Mostazo fue autor de temas como ‘La falsa monea’, ‘Los piconeros’, ‘Échale guindas al pavo’, ‘La bien pagá’ o ‘El día que nací yo’. Esta última ha sido versionada por talentos actuales como Estrella Morente, Maria Rodés o Rodrigo Cuevas.
Viajamos por todas las décadas hasta nuestros tiempos deteniéndonos en hitos como ‘Bienvenido Mr Marshall’ y su «Americanos», en verdad llamado ‘Coplilla de las divisas’, ‘Fumando espero’ con Sara Montiel, el trabajo de Augusto Algueró, el cine de cantantes -de Manolo Escobar a Hombres G-, el cine infantil, el cine quinqui, o la deriva de los últimos años, cuando hemos visto ganar el Goya a Mejor Canción a La Casa Azul, a Rigoberta Bandini o a Leiva por ‘La llamada’. No así a Christina Rosenvinge, Soleá Morente o Rafael Berrio, que ni siquiera fueron nominados aunque optaron a ello.
Porque no siempre es cierto aquello de que «cualquier tiempo pasado nos parece mejor», celebramos la buena selección de canciones nominadas al Goya a Mejor Canción en 2025. Están nominados C. Tangana con Yerai Cortés, Maria Arnal, Alondra Bentley con Isaki Lacuesta por ‘Segundo premio‘, Valeria Castro y también Fernando Velázquez. Os recomendamos ver el capítulo en Youtube para degustar las proyecciones que ha preparado Claudio, y las preguntas de los asistentes al final, pero el episodio también está disponible en Spotify, ivoox y las plataformas habituales.
La Paloma venden una camiseta con las decenas y decenas y decenas de conciertos con que han presentado su disco de debut por todo el país. Sus fans la portaban con orgullo en el cierre de gira que se celebró este sábado en La Riviera, donde colgaron el cartel de «sold out» con unas horas de antelación. Esa imagen podría resumir la noche. Esa o la de los fans haciendo pogo, saltando o revolcándose por el suelo que el fotógrafo Adrián YR ha captado para las promotoras, Intromúsica y Ochoymedio.
Han sido 2 años de conciertos prácticamente todos los fines de semana, pero el trío, respaldado por una bajista sobre las tablas, solo puede celebrar la buena acogida hacia sus canciones de punk garajero.
El público está ya bastante dentro desde las dos primeras canciones, ‘El adversario’ y la más planetera ‘Siempre así’, entonando estribillos y frases sueltas, aunque es en la tercera, ‘No es una broma’, cuando asistimos al primer karaoke colectivo verdadero.
‘Sigo aquí’, en 5º lugar, y ‘Tiré una piedra al aire’, en el 9º, están también entre los hits de La Paloma, que además avanzan un par de temas de su próximo disco, que prepararán el año que viene, y que parece que recibirán el nombre de ‘Sé lo que quiero’ e ‘Intacto’. Son breves y continuistas a diferencia de lo que nos contaron en un podcast. Pero a falta de comprobar qué traerá el futuro, lo seguro es que el cierre de su show es de vértigo.
Puede el concierto de La Paloma adolecer de que el grupo aún solo cuente con un disco, y muy corto. El centro del set puede hacerse un poco de bola, por eso: porque el grupo no tiene tantísimo repertorio. No aparece ningún miembro de Alcalá Norte para sumarse a ‘Cosquilleo’, canción que adaptaron para su propio disco como ‘El rey de los judíos’, ni tampoco ningún miembro de Los Punsetes, para interpretar su celebrada versión de ‘Una persona sospechosa’, que ni siquiera se ha sumado al setlist. Esto tiene que ser única y exclusivamente la noche de La Paloma, y eso es algo que se entiende cuando al final suena su mejor canción, ‘La edad que tengo‘, y después ‘Algo ha cambiado’, y ya en los bises, la genial ‘Bravo Murillo’, ‘Quejas célebres’ y ‘Palos’.
El momento más carismático del concierto se produce mientras el grupo está en el backstage, tras haber interpretado las 15 primeras canciones, y el público empieza a cantar espontáneamente la letra de ‘Palos’, que simplemente repite una y otra vez de manera enfermiza «Quiero que me vuelvas a explicar lo que ha pasado». Para entonces no hay duda de que La Paloma han sabido conectar con una generación, en torno a los 30 años, gracias a sus letras directas, y a la simpatía que despiertan sus dos líderes y vocalistas, Nico y Lucas.
El grupo saluda emocionado mientras de fondo suena ‘Por qué te vas’ de Jeanette. Es una elección inesperada para un grupo de rock, que puede avanzar que su nueva música será más versátil de lo que imaginamos, o simplemente que es momento de descansar antes de afrontar una nueva etapa.
Vega, en una entrevista en El Mundo, en promoción de su último álbum, ‘IGNIS‘, ha sido preguntada por las letras del reguetón, a raíz de la polémica de la letra de ‘+57’, acusada de sexualizar a las chicas menores de edad (la letra decía «mamacita desde los fourteen» y ha sido sustituida por «mamacita desde los eighteen»). El Mundo muestra a Vega otro ejemplo de letra de reguetón que cruza sexo e imaginario infantil, ‘BUBALU’ de Feid y Rema, por la frase «Dulcecita tú tú / Cremita de coconut / Un masajito pa’ que después me suelte ese Bubbaloo».
Vega, en contra de las letras y, sobre todo, de los videoclips sexualmente explícitos del reguetón, que, bajo su punto de vista, sexualizan a los menores y «arengan al consumo de drogas», propone regular la música. «La música es el único contenido que no está regulado» son las palabras que pronuncia Vega en el vídeo de la entrevista de El Mundo publicado por el periódico en Instagram. En su web, el titular pasa a ser exhortativo: «Hay que regular la música para proteger a los niños».
Las palabras de Vega han sido aplaudidas por unos y criticadas por otros. Hay quienes coinciden en que la música se debería regular o incluso proponen la prohibición del reguetón. A otros les parece que Vega llama a la censura de la música.
Vega, en sus stories, se ha reafirmado en sus palabras: «El derecho a tener una infancia digna y protegida debería de estar por encima del interés económico. Solo espero que desde mi gremio se entienda que regular contenido NO es censura, es adaptarse a unos horarios donde no vulneremos el derecho de un niño o una niña a ser niño. Si todo el mundo entiende que un menor no debería beber alcohol, fumar o ver pornografía no sé qué parte no se entiende de esto».
Vega continúa: «Llamadme carca, vieja y lo que queráis, de esta burra no me va a bajar nadie a base de insultos. Soy artista, NO apoyo la censura, pero SÍ la regulación de contenidos. También soy madre y estoy cansada de escuchar canciones no aptas para menores en colegios, supermercados o cafeterías. Yo educo, pero la responsabilidad no puede ser exclusiva de los padres».
Todo lo que sube, baja. En el caso de La Élite, tan abajo como el infierno. Después del exitazo de ‘Nuevo punk’, Diosito (David Burgués) y Nil Roig han querido dejar claro que no tienen la vida resulta. Lo han hecho a través de ‘Escaleras Al Cielo’ y ‘DIRECTOS AL INFIERNO’, dos proyectos de 12 canciones cada uno que surgen de la misma sesión y que han sido lanzados -con 5 meses de diferencia- bajo el ala de su propio sello, DISCOS GELE.
Ellos nos contaban que las canciones del primero «son un poquito más melódicas y tienen cosas así como más pop». Desde luego, tiene un tono más celebratorio que el LP que nos ocupa, pero ‘DIRECTOS AL INFIERNO’ es igual de pegadizo y muestra la cara que mejor les sienta a La Élite, su hábitat natural: la mugre, la suciedad, la desesperación…
‘Historia Triste’ es un opener pegajoso como ninguno, con un estribillo digno de un estadio de fútbol, pero súper desolador a la vez. «Una mañana muy temprano / De tus sueños despertarás / No lo sabrás, ese es tu día / Vas a morir», grita Diosito. Es una hostia de nihilismo que hace que los momentos de humor, que no hay pocos, te pillen todavía más desprevenido.
Frases como «Nos ha avisado seguridad / Que quiere entrar el hijo de Marichalar» en ‘Fuera del Disco-Pub!’ o «Willy Bárcenas, no nos engañarás / Tu padre está en la logia, no en el Soto del Real» en ‘Illuminati Corp’ son impagables. En ‘Héroe Sin Capa’, un relajado riff de guitarra hace de preludio a uno de los temas más caóticos y lleno de perlitas del LP. Por desgracia, todos conocemos a alguien así: «Polo Aston Martin, pulsera de España / Si es tu tío, le tira hasta a tu hermana».
Las letras sobre noches interminables, excesos sin remedio o indiferencia ante la vida tampoco faltan en ninguno de los dos proyectos. El conjunto de 24 canciones es más de lo mismo, pero en el mejor sentido posible. Todo va a más. De esta forma, ‘Sangre Azul’ es el mejor ejemplo de evolución dentro del canon de La Élite, con una de las melodías vocales más inmediatas de su carrera.
El dúo de Tárrega también ha conseguido compensar la carencia de novedad con colaboraciones fuera de su zona de confort. El resultado son algunas de sus mejores canciones. En ‘Escaleras Al Cielo’ llamaron a Diego Ibáñez de Carolina Durante para su primer banger de pop, ‘Plan de Mierda’, y reclutaron a Mda, talento emergente de la escena hyperpop, para ‘Cucaracha Sexy’, convertido en uno de sus temas más queridos.
Lo mismo en ‘DIRECTOS AL INFIERNO’. ‘Cruz Invertida’ es probablemente lo mejor del disco. ¿Quién diría que Rojuu pegaría tan bien en una base de La Élite? Por algo Diosito le describió como «un puto genio». Las referencias satánicas son la guinda del pastel: «Joder, me han salido cuernos / Joder, y una barba de chivo».
Por lo que nos comentaron, David y Nil no tienen miedo a seguir experimentando, aunque no entiendan una mierda por el camino: «Nos gustaría colaborar con Viagra Boys, Amyl and The Sniffers… Molaría algo así como guiri, que haya esa frontera de la lengua me parece algo muy interesante», contó Diosito. Nosotros, a tope con ello.
Pasados unos días desde el lanzamiento en Spotify de las 16 canciones que competirán en la próxima edición de Beniform Fest es posible empezar a hablar de canciones más y menos escuchadas. En estos días iniciales, la canción más reproducida es ‘Hartita de llorar’ de LaChispa. Le sigue, muy de cerca, Melody con ‘Esa Diva’. Da la impresión de que los fans de ambas se pueden estar solapando, porque Melody cuenta con 630.000 oyentes más que LaChispa en Spotify y, sin embargo, ‘Hartita de llorar’ va por delante.
‘Hartita de llorar’ es una modernización de la tradición española, en el estilo de Rosalía o C. Tangana. Claramente, la apuesta folclórica pero contemporánea que llevar desde España a Eurovisión. ‘Esa Diva’ tira de un sonido flamenquito-dance, digamos, típicamente eurovisivo. Eso sí, con vozarrón.
LaChispa y Melody doblan las escuchas de sus siguientes dos competidoras, ‘La Pena’ de DeTeresa -una copla moderna- y ‘Mala Feminista’ de Chica Sobresalto. La conclusión inicial que se puede extraer de estas cifras es que el público quiere volver a escuchar flamenco en Eurovisión. Chica Sobresalto, claro, se beneficia de su fandom creado en Operación Triunfo.
La épica funk de ‘V.I.P’ de J K Bello y la mutante ‘Bésame’ de Carla Frigo, que pasa de la salsa al dance, se encuentran también entre las favoritas del público en estos primeros días. Les siguen el synth-pop de ‘Me gustas tú’ de K!ngdom, la muy ‘Crazy in Love’ ‘Uh Na Na’ de Daniela Blasco y ‘Reinas’ de Sonia y Selena, en este top 8 inicial, porque 8 volverán a ser los artistas que se clasifiquen en la gran final.
Por supuesto, estos primeros números pueden cambiar radicalmente durante el concurso, pues hay que recordar que Marlena partieron como favoritos en Spotify, pero después no llegaron a la final.
LaChispa / Hartita de llorar 119.613
Melody / Esa Diva 118.587
DeTeresa / La Pena 61.155
Chica Sobresalto / Mala Feminista 55.527
J KBello / V.I.P. 47.552
Carla Frigo / Bésame 46.767
K!ngdom / Me gustas tú 45.459
Daniela Blasco / U Na Nna 45.365
Sonia y Selena / Reinas 44.393
Ouineta es el proyecto musical de la catalana Marta Ros, que, desde 2023, se está dando a conocer con un sonido de pop arrimado al hyperpop, sobre todo a su vertiente bubblegum y luminosa.
Las composiciones de Ouineta -creadas junto a los productores Juan Feduchi y Pol Clusella- pueden ser tan burbujeantes como la de ‘Messenger’… y tan nostálgicas: la letra de esta canción es un viaje a la adolescencia de Ouineta, que recuerda los pósters de Beth y Ronaldinho que decoran las paredes de su habitación. Mientras, Marta examina su personalidad musical: «Me gusta ‘Holiday’ de Green Day / pero quiero ser Avril Lavigne / me gusta Britney Spears / Hilary, Hilary».
En el EP que contiene ‘Messenger’, ‘Ouineta23’, se halla otro de los cortes destacados de la discografía de Ouineta, ‘Gorg’, cuyo título alude a un arroyo, no a la parada de metro de Badalona. Ouineta se baña en el río para despejarse, mientras en la imaginativa producción conviven sonidos de agua, videojuego o de reguetón pasado por el filtro hyperpop.
Ouineta ha experimentado con el hip-hop en un tema curiosamente llamado ‘Bikini Kill’ o con el dembow en otro de sus singles estrella, ‘Wild’, en el que reivindica la normalización de la bisexualidad sobre una producción que samplea relinches de caballo, y que es tan «salvaje» como su título promete.
Y hay más, porque ‘DMs’, el nuevo single de Ouineta, se posiciona inmediatamente entre los mejores que ha publicado. Es la Canción Del Día para hoy lunes.
‘DMs’ es un tema de puro bubblegum (hyper)pop que sabe instalarse en el contexto festivo actual incorporando sonidos de campanas. Ouineta solo quiere una cosa por Navidad y es que que su crush pase a ser algo más en su vida que una fantasía. «Me gustas tanto, tanto, tanto» es uno de esos estribillos que se graban a fuego.
Ouineta se prepara para volver a los escenarios con una nueva gira durante 2025 con fechas confirmadas en festivales como el Vida (Vilanova i la Geltrú), el Embassa’t (Sabadell) y el Ítaca (L’Estartit). Pronto se desvelarán nuevas fechas.
Sabrina Carpenter es la última artista en ofrecer un concierto en el famoso Tiny Desk de la emisora estadounidense NPR. Carpenter coge el testigo a Billie Eilish, cuya actuación se publicó la semana anterior.
Acompañada por una banda de once músicos, incluyendo un contrabajista, una cellista y tres violinistas, Carpenter interpreta 6 canciones extraídas de su último álbum de estudio, ‘Short n’ Sweet‘. Las canciones escogidas son ‘Taste’, ‘Bed Chem’, ‘Please Please Please’, ‘Slim Pickins’, ‘Espresso’ y ‘Juno’.
Sabrina da un toque country a todas las canciones, y las que ya eran country, como ‘Slim Pickins’, suenan parecido a la versión de estudio. La diferencia se nota sobre todo en ‘Bed Chem’, mientras de ‘Espresso’ se conserva su ritmo disco agregando punteos a lo Chic.
Carpenter, con su encantador sentido del humor, introduce cada canción con graciosas historias, provocando risas en la audiencia. De ‘Bed Chem’ empieza explicando que «soy conocida por abiertamente estar muy cachonda». Aunque Carpenter revela que la inspiración inicial de la canción no es sexual, sino que proviene de una noche que pasó con una amiga y ambas se despertaron a la vez como una rosa. A continuación, añade: «Después conocí a un chico y descubrí que, con él, también tenía química en la cama, aunque en otro sentido».
Sobre ‘Espresso‘, Carpenter bromea: «Cuando la escribí sabía que era especial, pero realmente subestimé lo adicto que está todo el mundo a la cafeína, realmente es un problema». Carpenter habla, claro, de la canción más escuchada de 2024 en Spotify a nivel global.
Holly Macve llevaba ya dos largos publicados (‘Golden Eagle’ y ‘Not The Girl’) pero empezó a ganar más atención a finales del año pasado cuando se publicó ‘Suburban House‘, una colaboración con Lana del Rey incluida en su EP de este año ‘Time is Forever’ y ahora en su tercer largo, ‘Wonderland’. “Desde que la escuché supe que tenía una de las voces más bonitas del mundo, su canto impecable me ha inspirado durante los últimos seis años y me encantan sus canciones”, declaró Lana, algo con lo que Holly supongo que seguirá flipando a día de hoy. Y es que a su vez ella citaba a Lana como una de sus máximas inspiraciones (escuchar ‘Video Games’ con 15 años le llevó “a otro mundo”, según cuenta), junto a Patsy Cline, Chris Isaak y los discos de Leonard Cohen y Gillian Welch de su madre.
Por tanto, Lana está presente de manera indirecta en todo el disco, siendo quizás ‘Beauty Queen’ y ‘Almost a Miracle’ las representantes más claras. En general, los sesenta son visibles a lo largo del tracklist, con ejemplos como ‘Best of your Heart’, ‘Colour Them Gold’, ‘Wonderland’, o incluso mención a una “stormy weather” en ‘To Be Loved’. Macve mezcla el folk con el dream pop y soft rock a lo Phoebe Bridgers (‘San Fran Honey’), e incluso se acerca al grunge de manera suave en algún momento (‘Time is Forever’). Ella misma se encarga de la producción junto con Alex Haines, Dan Rothman de London Grammar y Zach Dawes de The Last Shadow Puppets, que también ha trabajado para Lana del Rey o Sharon Van Etten. Y ojo porque en los créditos hay más sorpresas: Owen Pallett, músico habitual de Arcade Fire, se encarga de los arreglos de cuerdas.
Con todos estos mimbres, la irlandesa construye un disco en el que su idea es “mirar hacia adelante en lugar de hacia atrás. Pasé por grandes cambios en mi vida mientras lo escribía, y tuve que preguntarme quién soy sin estar en una relación, qué quiero en mi vida, cuáles son mis sueños y mis aspiraciones como persona individual”, según comentó recientemente en una entrevista. La artista pasó por una ruptura complicada en este tiempo, pero es que además tuvo un accidente de coche en el que casi que volvió a nacer (tema de ‘Cold Water Canyon Avenue’), y tras el cual empezó a valorar de otra manera la vida, el amor y el tiempo, asuntos constantes en el disco.
“It’s not for nothing this life / and I know when I look in your eyes”, dice por ejemplo en ‘Almost a Miracle’. Sí, las letras son otro punto fuerte de Holly. “Don’t know if it’s the weather or Fluoxetine / but lately, I’ve been able to remember my dreams” canta en la esperanzadora ‘1995’. Y los preciosos autocoros de ‘To Be Loved’ le acompañan mientras recita “oh people say I could do better (…) maybe that’s true, but they don’t know how it feels to be loved by you”.
Aunque quizás la joya de la corona es ‘Dreamer’, para la que Holly Macve dice haberse inspirado en ‘Amor a quemarropa’ y en Hans Zimmer: “Last night you told me you don’t believe in ‘the one’ / yet your eyes fill with tears as you watch the setting sun”. Puede que la oportunidad de conocer a Holly Macve nos llegase con la ayuda de Lana en un temazo como ‘Suburban House’, pero, como habréis podido comprobar, se puede hablar maravillas de su disco sin necesidad de volver a mencionar esa canción. Dice mucho de hasta qué punto conocer su música es un descubrimiento.
SZA se ha propuesto este año redefinir el concepto de álbum deluxe. La edición ampliada de ‘SOS‘, su disco de 2022, publicada este viernes, en las últimas horas del día, no incluye cuatro bonus tracks para contentar a los fans. En su lugar, es un nuevo disco de 15 cortes que se añade al original. En total, sumando temas nuevos y viejos, «LANA» llega a las 38 pistas.
Entre los temas incluidos en «LANA» se incluyen ‘Drive‘ y ‘Crybaby’, lanzados juntos en un único videoclip protagonizado por Ben Stiller. También está ’30 for 30′ con Kendrick Lamar, tema que ya supera el millón de escuchas en Spotify.
Otro de los temas destacados de «LANA» es ‘Kitchen’, el tema que samplea ‘Voyage to Atlantis‘ de los Isley Brothers. Es la Canción Del Día para hoy domingo.
‘Voyage to Atlantis’ ha sido sampleada decenas de veces por artistas de R&B y hip-hop como Jay-Z y R. Kelly en ‘It Ain’t Personal, Ja Rule en ‘Daddy’s Little Baby’ o Trina en ‘I’ll Always’. Su sonido sensual, flotante y ensoñador sigue inspirando nuevas composiciones.
En ‘Kitchen’, SZA utiliza la base de batería, guitarra eléctrica, bajo, teclado y sintetizador de ‘Voyage to Atlantis’ sin alterarla demasiado. Solana, sobre todo, añade una preciosa melodía vocal que parece flotar en el aire, mano a mano con la música de los Isley Brothers. La letra, sin embargo, es agridulce: SZA ha roto con una persona que ha «abusado» de ella, pero no puede evitar echarla de menos. SZA recuerda los momentos en que «cantaban y bailaban» en la cocina, momentos que le hacen «pensar en perdonarle». En ‘Kitchen’, SZA se regodea en el bonito recuerdo de esa relación, pero no olvida lo malo.
Este año se cumplen 40 años de la publicación de uno de los clásicos de pop navideño que más se han afianzado en la última década: ‘Last Christmas’ de Wham! Su aniversario coincide con el de ‘Do They Know It’s Christmas?’ de Band Aid, el single benéfico colectivo con el que rivalizó y que acabaría quitándole el número 1 navideño en el Reino Unido aquel lejano 1984.
La BBC ha emitido recientemente dos documentales en los que rememora la gestación de ambas canciones. El dedicado a Band Aid rescata imágenes inéditas de la grabación, en las que se ve a George (que también participó en la canción) entrevistado por Paula Yates, a quien explica que van a lanzar ‘Last Christmas’ en breve y que espera que sea su siguiente número 1… incluso canta un poco la canción. Irónicamente George llegó al estudio directamente desde Suiza, donde el día anterior había concluido la filmación del videoclip de ‘Last Christmas’.
Pocas semanas después se sabría que Wham! no conseguiría el nº 1 en el Reino Unido, un tipo de hit que en aquel país ha sido siempre una gesta muy ansiada y simbólica para sus artistas. En 1984 George y Andrew llevaban ya dos números 1 (‘Wake Me Up Before You Go-Go’ y ‘Freedom’), además de un tercero de George en solitario (‘Careless Whisper’), así que en circunstancias normales ‘Last Christmas’ habría llegado a lo más alto. Ahora sabemos que aquel nº 2 de 1984 se convertiría por fin en un nº 1 navideño en 2023.
El empeño de lxs fans de George Michael sin duda tuvo que ver en el logro del año pasado, pero la razón postrera de ese triunfo —y de la ubicuidad general a nivel global de ‘Last Christmas’ cada navidad— es simple y llanamente que en la última década se ha consolidado gradualmente como un clásico, aceptado y querido por casi todo el mundo. El tiempo ha colocado a esta canción en el lugar que merecía en el olimpo del pop navideño, e incluso más allá: el año pasado presencié a la clase de mi hijo cantando la canción en el festival navideño de su colegio, donde sonó con total naturalidad en medio de villancicos más tradicionales. El público presente, de todas las generaciones, cantó y aplaudió: ‘Last Christmas’ aparecía normalizada ya completamente en el canon navideño tradicional.
Algo tiene de tremendamente atemporal y bella la melodía que George Michael compuso para que esto ocurra 40 años después. Por supuesto, hay otras razones para explicar este legado: como su cinematográfico y entrañable videoclip, que una vez concluido 1984 la MTV y otros canales de vídeos musicales volvían a recuperar cada nuevo año durante el mes de diciembre, perpetuando la canción en los oídos y ojos de una generación de adolescentes amantes del pop (la mía) año tras año durante el resto de la década de los 80. O su inclusión en la muy influyente recopilación ‘Now! The Christmas Album’, lanzada en 1985 y que vendió millones de copias en UK, con el consiguiente impacto en las escuchas de navidad de la siguientes décadas en los hogares de aquel país (en una época en la que fue prácticamente la única recopilación navideña de pop). Pero nada de esto es en sí suficiente para pasar a la historia (¿quién se acuerda de ‘Thank God It’s Christmas’ de Queen, también clasificada en listas en 1984, y también incluida en ‘Now! The Christmas Album’? Efectivamente, nadie).
Por eso el verdadero secreto del legado de ‘Last Christmas’ es la inmensa calidad de la canción y su melodía eterna y tremendamente melancólica. De hecho ha habido ya muchos análisis detallados de lo que tiene de especial: uno de los mejores lo realizó en 2020 el pianista francés Chilly Gonzales en el podcast ‘Switched on Pop’, donde explicaba las bondades de la canción, destacando la simplicidad de la secuencia de acordes (simplemente cuatro, sonando en loop por igual en estrofas y estribillos), o el hecho fascinante de que la canción comienza con dos estribillos y un motivo instrumental, y la estrofa no llega hasta pasado un minuto. También exponía lo inusual de la construcción melódica de estos elementos, porque estribillo y motivo instrumental tienen una melodía estable, pero las estrofas son puros “ad lib” que van variando según George decide cantar la letra, un enfoque que Gonzales relacionaba con la técnica operística del “recitativo”.
Ciertamente ese aspecto casi random de las estrofas es fascinante, sobre todo por la cantidad de buenísimas melodías improvisadas que Michael fue capaz de arrancarle a la letra: versos como “once bitten, twice shy”, “now I know how fool I’ve been” o “tell me, baby, do you recognize me?”, son ganchos tan buenos como los del propio estribillo, completamente coreables a pesar de sonar solamente una vez en toda la canción.
Hay más factores, como la melancólica letra de desamor que contrasta con una música que te somete a deliciosos vaivenes de felicidad y pena, o simplemente la impresionante interpretación vocal de Michael. Pero personalmente tengo mi teoría particular sobre qué hace que ‘Last Christmas’ sea tan seductora y toque el corazón de tanta gente, y es el hecho de que técnicamente se trata de una “demo de alta fidelidad”. La intención de George al grabarla era mantener el espíritu de esa maqueta de 4 pistas que creó una tarde de domingo en su casa, mientras Andrew veía un partido en la tele (como relatan en el docu de la BBC). Con su discográfica dispuesta a concederles lo que pidieran después de obtener tres números 1, George consiguió lo que quería, que era poder grabar la canción él solo, a la manera de la maqueta, pero en un estudio con más calidad. Programó la caja de ritmos por su cuenta (la cálida y legendaria LinnDrum), y grabó todos los teclados con un único Roland Juno 60. Incluso la duda que albergaba hasta hace poco la línea de bajo eléctrico la disipa Andrew Ridgeley en el documental, afirmando que la grabó George también.
Todo esto ocurría bajo la mirada atenta del ingeniero de sonido Chris Porter, quien en el documental habla de un George en la cima de sus poderes, sabiendo exactamente lo que quería para la canción, y destaca lo crucial que fue que George trabajase “sin intermediarios”. Así es como consiguió mantener el espíritu de la maqueta original, que es algo que tantas veces muere cuando los artistas entran en un estudio y pierden el control de su propia canción, o del sonido que va a resultar de la grabación. Una grabación que en este caso dejó espacio para un arreglo sorprendentemente simple, para una estructura caprichosa e impredecible, para unos fenomenales redobles programados que son tan absolutamente lo que un baterista NUNCA haría, o para esa voz magistral, sí, pero que a la vez hizo sus ad libs sin ser cuestionada por un productor obsesionado con estructura y predictibilidad. El resultado fue verdadera magia capturada en las capas magnéticas de la cinta master, y algo de eso, de esa magia preservada, cala sin duda en lxs oyentes. Es algo sincero, no artificial, que se acaba captando.
Esta forma de trabajar —sin intermediarios ni concesiones— daría en los 80 algunas de las mejores canciones de artistas completamente reivindicados en la actualidad, gente como Prince o Kate Bush, y es muy llamativo que la canción en la que George Michael aplicó la misma filosofía haya sido a la postre la más celebrada. Una filosofía en la que fueron pioneros, anticipando el trabajo de miles de artistas de bedroom pop que vendrían después, incluso aquellxs que cuentan —como George— con acceso a estudios millonarios pero que esencialmente hacen música personal sin concesiones ni intermediarios: Billie Eilish es un buen ejemplo, y de hecho existe un paralelismo bien curioso entre ‘Last Christmas’ y uno de sus mejores temas de este año, ‘Birds of a Feather’. Ambas canciones comparten los mismos cuatro acordes, en secuencia constante durante estrofas y estribillos, y en la canción Billie acumula más y más secciones melódicas nuevas, muy al estilo ad lib de George. Con BPMs casi idénticos, son dos canciones esperando a ser ennoviadas en un mash-up.
El éxito de canciones como la de Billie en paralelo a la creciente vigencia de ‘Last Christmas’ no parece pues una coincidencia. Simplemente la historia se ha puesto al día de los méritos musicales de George Michael, que hay que recordar que no siempre fueron tan loados por la crítica. De hecho se ha ido disipando la opinión bastante generalizada en sus primeros 20 años de vida —y que estamos olvidando rápidamente— de que ‘Last Christmas’ era una especie de clásico navideño, pero “kitsch” (el propio Chilly Gonzales la denomina así en el podcast anteriormente mencionado), especialmente por sonar tan ochentero a causa de sus sintetizadores. Que se podía disfrutar pero arqueando la ceja con la sempiterna ironía de los 90. En ese sentido, quizá la primera versión puramente post-irónica fue la de Erlend Øye de los Kings of Convenience en 2002, aunque seguramente todavía adolecía de la impronta de “autenticidad” que da una versión con guitarra acústica y acordes menores.
Por suerte la llegada de un ejército de millenials y Gen Zers, que en su metamodernidad no practican ese tipo de ironía, y que han asimilado el sonido del pop con sintetizadores como algo clásico, atemporal, y con valor, destruiría definitivamente aquellas anticuadas nociones, arrastrando al resto del mundo con ellxs.
‘Last Christmas’ es todo esto y muchas cosas más. Un último apunte, pues, a modo de epílogo para decir que la canción nos deja otro legado más a nivel musical: el de un subgénero que podríamos denominar “synthpop navideño melancólico”. Una serie de canciones cuya arma principal para evocar el oropel, brillantina y melancolía inherentes a las fiestas es el sintetizador. Del mítico ‘Anorak Christmas’ de Sally Shapiro al ‘So Cold You’re Hurting My Feelings’ de Caroline Polacheck, pasando por el enorme ‘Merry Xmas’ de Dragonette o el reivindicable ‘This Fucking Time of the Year’ de Charles Cave, nada dice “Navidad” como una buena canción de desamor con las sonoridades vaporosas del pop de sintetizadores. Esto también es herencia directa y exclusiva de la obra con la que George Michael pasará a la historia.
Delaporte publicaban a principios de año uno de los mejores discos de 2024 para quien esto escribe, ‘Aquí y Ahora‘, en el que se entregaban al techno (o “hard pop” como dicen ellos). No contentos con ello, desde entonces ha habido singles sueltos, ha habido proyectos en paralelo de Sandra (ALEXXANDRA) y Sergio (este bruno que aparece aquí como featuring), y acaban de anunciar nuevo disco para principios del 2025, ‘Déjate caer’, donde se incluirán esos singles sueltos, entre ellos el último, ‘Rendición’, una manera perfecta de despedir el año.
‘Rendición’ es, según la nota de prensa, “ese momento en el que consigues salirte de tu mente y rendirte a ese amor que existe detrás de cada ser viviente y que nos une a todas. Es la conexión con esa parte más profunda de nuestro ser, que a veces puede nacer de una simple caricia de un ser querido, o del ronroneo de un gato”. Como canción, es distinta a lo que han hecho hasta ahora, y, a la vez, une un poco sus tres discos publicados hasta el momento.
En declaraciones a MondoSonoro, Sandra decía que para ella “el techno es como meditar”, y en esta canción aquello parece cristalizarse. Porque lo que empieza como un tema más calmado va cogiendo capas electrónicas para mutar a un puente que es prácticamente spoken word, y que a través de un mantra (ese “amarse y ver que no hay nadie”), acaba explotando y siendo un absoluto cóctel de emociones ayudado por la música. Porque, ya sabéis, el techno cura.
A golpe de thriller. Así se ha convertido Rodrigo Sorogoyen en uno de los directores estrella del cine español: thriller criminal (‘Que Dios nos perdone’), político (‘El reino’), policiaco (‘Antidisturbios’), rural (‘As bestas’), distópico (‘Apagón’)… Sin embargo, en sus inicios, el director madrileño estaba más interesado en los dramas de pareja que en los policiales. De hecho, viendo la carrera en solitario de su guionista habitual, Isabel Peña, con intrigas de terror tipo ‘Jaula’ (2022) o ‘El llanto’ (2024), posiblemente sea ella más fan del género que él.
No parece casualidad, por tanto, que, tras una década juntos, ‘Los años nuevos’ (Movistar+) sea el primer trabajo de Sorogoyen sin Peña (cuenta el director en una entrevista en Caiman que a ella el tema de ‘Los años nuevos’ no le interesaba demasiado). La serie comienza casi como un reboot en clave romántica de ‘Stockholm’ (2013). Un chico-conoce-a-chica que, teniendo en cuenta quién es el actor protagonista (Francesco Carril) y las canciones que suenan (Nacho Vegas), parece casi una película de Jonás Trueba (de hecho, en ‘Volveréis’ hay una escena rodada en el rodaje de la serie).
Pero las similitudes se quedan ahí. La serie avanza por territorios temáticos y estilísticos cien por cien Sorogoyen: largos planos secuencia, extraordinariamente coreografiados (los otros dos directores, David Martín de los Santos y Sandra Romero, han seguido la misma línea), capaces de transmitir una sensación de naturalidad, de experiencia inmersiva, realmente asombrosa. En eso Sorogoyen es un maestro. Da igual que sea una carga policial, una conversación de bar en una aldea gallega o una discusión en un taxi: como espectadores, siempre estamos dentro.
‘Los años nuevos’ narra una relación de pareja (impresionantes Iria del Río y Carril) a lo largo de diez años a través de diez nocheviejas. Esta estructura narrativa permite a las guionistas (Paula Fabra y Sara Cano) extraer un enorme partido dramático de las elipsis. Por un lado, jugando con las expectativas del espectador, que no sabe qué ha ocurrido de un año a otro y tiene que poner de su parte. Y, por otro, como desafío creativo, imaginando variaciones sobre una misma celebración, el cambio de año.
La división en dos partes no es baladí. Los primeros cinco episodios tienen un tono más de melodrama romántico, una historia de amor que alcanza un punto de efervescencia en el extraordinario capítulo ambientado en Berlín (de lo mejor que ha rodado Sorogoyen). Los cinco últimos son más reflexivos y existenciales. Una mirada más amplia y sosegada a las relaciones afectivas, también con un punto de ebullición final: un último capítulo, rodado en una sola toma, que, a diferencia del quinto, resulta algo artificioso y no está tan bien escrito.
Mención aparte para la música. La selección de canciones (compartidas por Movistar), casi todas sonando de forma diegética, funcionan tremendamente bien como recurso dramático para caracterizar a los personajes, como banda sonora sentimental de la pareja y como retrato generacional (treintañeros urbanos de clase media). Además, la serie incluye un tema original, ‘Los años nuevos’, de Nacho Vegas, en lo que es su debut como compositor para una ficción audiovisual.
En suma, ‘Los años nuevos’ es un nuevo triunfo para Sorogoyen, que lleva una racha creativa espectacular (el año que viene estrenará ‘El ser querido’, con Javier Bardem y Victoria Luengo), y también para Movistar+, insuperable en cuanto al nivel de producción de series nacionales en los últimos años.
En el duelo de Juanjo contra Juanjo, los fans de Juanjo han elegido a Juanjo y Juanjo es el nuevo número 1 de JENESAISPOP con su nuevo single, ‘Moncayo’. Este obtuvo el 56% de los votos en X, mientras ‘El destello’, que ya había sido top 1 varias semanas, pasa al número 2 con el 34% de los votos.
También SVSTO y Caamaño & Ameixeiras y Rodrigo Cuevas aparecen en el top 10, y queda a las puertas Julieta. Casero y La Élite llegan al top 40 también.
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