Thirty Seconds to Mars, el grupo de rock del actor Jared Leto, es trending topic tras el estreno de su nuevo single, ‘Walk on Water’, que adelanta su próximo disco, aún sin título pero que vendrá acompañado de una gira y también de una película. El grupo no publicaba disco desde 2013, cuando salió ‘Love Lust Faith + Dreams’.
En tiempos convulsos, ‘Walk on Water’ es la típica canción política de Thirty Seconds to Mars, que ya acostumbran a escribir temas del estilo -en 2009 publicaron un disco titulado ‘This is War’, el que contiene su éxito del mismo título-. ‘Walk on Water’ destaca por su espectacular sección góspel y contiene la grandilocuencia de esas canciones que aspiran a ser himnos. Así lo atestiguan frases como “ni siquiera ves por lo que estás luchando / ríos de sangre en una guerra sagrada” o sus menciones a no tener miedo. El lema es “los tiempos están cambiando”.
El grupo ha descrito que ‘Walk on Water’ es una canción “sobre libertad, sobre persistir, sobre el cambio y sobre luchar por lo que crees. Es una llamada a la acción pero también está lleno del optimismo y la esperanza que son una parte tan integral del sueño americano”. El tema se presenta con un videoclip compuesto de 10.000 imágenes grabadas en Estados Unidos durante el 4 de julio.
El mejor disco de los 60 para Pitchfork es el álbum de The Velvet Underground y Nico, seguido por ‘Pet Sounds’ de los Beach Boys y ‘A Love Supreme’ de John Coltrane. Pitchfork ha hecho hincapié en los discos de pop, rock, R&B y soul que todos conocemos -discos de Aretha Franklin, Bob Dylan, Leonard Cohen, Joni Mitchell, King Crimson, etc.- y especialmente en el jazz, género del que no ha olvidado obras maestras de Miles Davis, Alice Coltrane, Ornette Coleman o Charles Mingus. También se subraya la importancia de la vanguardia, destacando obras de Terry Riley, Morton Subotnick, Moondog, La Monte Young o el taller radiofónico de la BBC.
Pitchfork ha buscado también más allá de la música producida en territorio anglosajón, destacando obras maestras inolvidables, sobre todo francesas, de Jacques Brel (‘Ces Gens-là’, 152), Françoise Hardy (‘Tous les garçons et les filles’, 90) o Gainsbourg (‘Initials B.B.’, 117), aunque también señalando la importancia de muchos discos de bossa nova como el debut de Stan Getz y João Gilberto (103). El etíope Mulatu Astatke es de los pocos artistas africanos de la lista, Karlheinz Stockhausen de los pocos alemanes y la representación española es inexistente, claro que tampoco se la esperaba.
Top 20:
01 The Velvet Underground & Nico / The Velvet Underground & Nico
02 The Beach Boys / Pet Sounds
03 John Coltrane / A Love Supreme
04 The Beatles / The Beatles
05 Nina Simone / Wild is the Wind
06 Bob Dylan / Blonde on Blonde
07 James Brown / Live at the Apollo
08 The Beatles / Revolver
09 Miles Davis / In a Silent Way
10 Aretha Franklin / I Never Loved a Man the Way I Love You
11 Leonard Cohen / Songs of Leonard Cohen
12 The Velvet Underground / The Velvet Underground
13 The Jimi Hendrix Experience / Electric Ladyland
14 Bob Dylan / Highway 61 Revisited
15 Eric Dolphy / Out to Lunch!
16 The Beatles / Abbey Road
17 Charles Mingus / The Black Saint and the Sinner Lady
18 The Rolling Stones / Let it Bleed
19 Dusty Springfield / Dusty in Memphis
20 The Stooges / The Stooges
Morrissey ha anunciado nuevo disco. Se titula ‘Low in High School’ y sale en noviembre a través de BMG y Etienne Records, el propio sello de Morrissey. No, evidentemente Morrissey no ha vuelto a Harvest tras el drama que hubo con su disco anterior, ‘World Peace is None of Your Business’, al que culpó de falta de profesionalidad y de haberle despedido, cosa que Harvest negaba.
Ha producido el álbum Joe Chiccarelli entre Francia y Roma y la nota de prensa asegura que es el “intento de Morrissey de capturar la atmósfera de un mundo que cambia constantemente”. BMG además celebra a su fichaje y lo describe a Morrissey como un “talento extraordinario, prodigioso, culto, ingenioso, elegante y, sobre todo, valiente”. Continúa: “Sus letras, humor y melodías han influido a generaciones. La música de este nuevo e importante disco hablará por sí misma”.
Tras la polémica con Harvest, el último álbum de Morrissey fue retirado de las tiendas y plataformas de streaming, de modo que esperamos que su paso por BMG sea más fructífero. Morrissey se une ahora a Boy George y Loreen, los dos fichajes más recientes de BMG, que cuenta entre sus artistas con David Bowie, Janet Jackson, Alt-J o Bring Me the Horizon.
U2 se traen algo entre manos y parece que es una canción nueva titulada ‘Blackout’. Se baraja esta posibilidad después de que varios fans de U2 hayan recibido por correo una carta del grupo con un texto tapado por las siluetas de un hombre y una mujer cogidos de la mano. Esta silueta tapa todas las letras del texto excepto las que leen “Blackout, está claro quién eres, aparecerás, U2.com”.
El resto del texto parece ser un resumen sobre ‘Songs of Innocence’ y ‘Songs of Experience’, los dos volúmenes de poemas del poeta inglés William Blake que han inspirado los últimos discos U2, ‘Songs of Innocence‘ y el supuestamente titulado ‘Songs of Experience’, que sigue inédito. El texto de hecho termina con una frase tapada que parece anunciar la llegada de algo en una fecha concreta.
En caso de que efectivamente ‘Blackout’ sea una canción nueva de U2, claramente podría tratarse del primer adelanto de este álbum.
U2 siguen por tanto adelante con su carrera, aunque se encuentran de gira actualmente presentando su disco de 1987 ‘The Joshua Tree’ con motivo de su 30 aniversario. Pudimos ver la gira recientemente en Barcelona.
Recordarás al rapero Bobby Ray Simmons Jr., más conocido como B.o.B., por éxitos como ‘Airplanes’ con Hailey Williams de Paramore, la quinta canción más vendida de 2010; o ‘Nothin’ on You’ con Bruno Mars, la vigésima canción más vendida del mismo año. Y también por su opinión de que la Tierra es plana, que defendió el año pasado en varios tuits que dieron la vuelta al mundo.
Ahora B.o.B. ha acudido a Twitter para dar su punto de vista sobre el eclipse, el mismo durante el cual Bonnie Tyler cantó su gran éxito. B.o.B. dice que la luna “emite su propia luz” y que un “objeto esférico no refracta ni refleja bien la luz”. Además ha dicho que el eclipse es obra del dios hindú Rajú y básicamente ha cuestionado toda la información científica de los libros de texto y de las leyes de la óptica. “Echo de menos la verdadera ciencia”, ha dicho. “Ahora es una religión que se ríe de las preguntas que cuestionan el pensamiento moderno”.
B.o.B. publicó un disco el pasado mes de mayo, ‘Ether’.
it's so amazingly beautiful how the moon can pass in front of the sun multiple times in one day 😱😱 #FknScienceBro
Tyler ha amenizado así la velada a los pasajeros que viajaban de Florida al Caribe durante el comentado eclipse y casi eclipsó al mismo eclipse con su actuación, que fue de lo más comentado del día, por ejemplo en Twitter. Para colmo, ‘Total Eclipse of the Heart’ es ahora mismo la canción más vendida en iTunes USA y se espera que sus datos en streaming hayan sufrido también un ascenso dramático, casi tan dramático como la canción.
La cantante galesa ofrecía una entrevista a CNN unos minutos antes de su actuación, donde el presentador le ponía en un aprieto, preguntándole “¿qué crees que diferencia un eclipse total del corazón a un eclipse solar total?” (no os perdáis su cara de póker al escuchar la pregunta). Esta respondía: “cuando te rompen el corazón, sientes el eclipse total … y ya sabes, este universo es increíble y [cosas como el eclipse] nos recuerdan lo que hay ahí afuera y de lo que somos parte”. Salvada por los pelos.
MUWI La Rioja Music Fest busca consolidarse como un singular evento cultural en el que la música vaya de la mano de la mayor industria de la región: el vino. De hecho, el festival se celebra en los jardines y calados de Bodegas Franco-Españolas de Logroño.
Esta semana, entre los días 24 y 27 de agosto, podrá disfrutarse de una selección gastronómica y catas de vinos a la vez que se disfruta de una personal selección de artistas pop. Además de nombres como los de Shinova, Las Bistecs, La Bien Querida (en acústico) o DJ sets de Papaya y El Columpio Asesino, estas son las 10 propuestas que destacamos en este certamen tan singular. Los abonos están a la venta por 40 euros en Ticketea, mientras que las entradas de día valen 28. La entrada de domingo tiene carácter solidario y son solo 5 euros.
5 imperdibles
«rinôçérôse»: al contrario que muchos proyectos de electro-rock, el dúo formado por Jean-Philippe Freu y Patrice Carrié permanece en activo y coleando. Este mismo año, 20 después de que debutaran con ‘Retrospective’, han publicado un nuevo álbum llamado ‘Angels and Demons’, continuación de ‘Futurinô>>’ (2009) que reincide en su música bailable de guitarras, aunque dejando ya atrás ese componente lounge tan característico de sus primeros discos. Con todo, es bien sabido que el fuerte de los de Montpelier es su apabullante directo y resultaría inconcebible perdérselo en esta ocasión.
Joe Crepúsculo: uno de los artistas más personales del panorama del pop nacional de la última década ha logrado, a base de publicar un gran disco tras otro y, sobre todo, de convertir sus directos en grandes catarsis festivas, ser un nombre básico en cualquier festival que se precie.
Kokoshca: la consolidación de la banda pamplonesa como cuarteto ha contribuido enormemente a dar fuerza a sus directos y que, felizmente, se hayan convertido en uno de los nuevos habituales del panorama festivalero. Pero sobre todo debemos agradecérselo a los dos grandes discos que han publicado en los últimos años, ‘Hay una luz’ (20143) y ‘Algo real’ (2016), con los que han conformado un repertorio de rock genuino, equilibrio de sensibilidad y macarrismo.
Soleá Morente: aunque su apellido ilustre sea a la vez un gancho y una responsabilidad, la mediana del clan Morente ha sabido conectar con públicos muy variopintos gracias a un pop peculiar que condensa flamenco, pop y otros sonidos contemporáneos con soltura. Aún le dura el crédito que justamente obtuvo con su debut largo ‘Tiene que haber un camino’, pero ya hay ganas de saber por dónde irán los tiros de su nuevo álbum.
WAS: imaginamos que cada vez menos hará falta especificar el “FKA We Are Standard” para hablar de los getxotarras. El cambio más importante obrado en ‘Gau Ama’, sin embargo, venía en unas canciones que se reciclaban con acierto recurriendo al folclore de su tierra. Lo cual no los hacía menos bailables ni contemporáneos que antaño, sino todo lo contrario.
5 sugerencias no tan obvias
Mostaza Gálvez: la garra rock de la nueva banda de Guille Mostaza post-Ellos ha resultado ser mucho más que una curiosidad. Todo un hallazgo que se ha concretado en ‘Vida y milagros’, un debut notable en el que su incuestionable tino melódico va de la mano con guitarras afiladas, energía y una divertida tendencia al gorileo. Si canciones como ‘Me vuelvo con lo puesto’, ‘Restos’ o ‘No no no’ son rotundas en disco, en directo serán incontestables.
Amatria: tras dejar atrás su etapa en Subterfuge, cuando canciones como ‘Chinches’ o ‘El golpe’ le convirtieron en una muy real promesa de estrella indie, Joni Antequera se ha embarcado en la aventura de crear un sello hecho por artistas. Vanana Records (fundado con Elyella y Pau Paredes ) ya ha cobijado su primer single de esta etapa, una potente ‘Animal’ que reincide en las virtudes de sus hits previos y reaviva la curiosidad por su futuro.
Perro: esta banda murciana se mantiene ajena a cualquier corriente artística de moda, y apuestan por una fórmula bien sencilla de un indie rock con guitarras enérgicas y afiladas, bases rítmicas pétreas y melodías tan sencillas como adhesivas, en las que su mayor atino son unas letras que alternan guiños a la cultura popular con cierto surrealismo. Por evidente que parezca el planteamiento, lo cierto es que se han hecho con un nombre destacado en la escena y cuentan con temas como ‘La reina de Inglaterra’ o ‘Ediciones Reptiliano’ que acumulan en Spotify más de 560.000 y 125.000 reproducciones. Poca broma.
Las Kasettes: la desaparición de Chin Chin Records no ha hecho merma en las ganas de este dúo del entorno de Los Ginkas (evidentemente, la marca de refresco también inspiró su nombre) por publicar sus propias canciones. El pasado abril el singular sello Spicnic dio soporte a Edurne y Maier para lanzar ‘Bajo el sol’, su primer largo tras dos EPs. Un disco de versiones exquisitas (Mickey Lee Lane, Annette Funicello, los Temblooores, Karatekas, Beach Boys…) que equilibran espíritu ye-yé y frescura.
The Excitements: el éxito de discos como ‘Back To Black’ probaron la total vigencia del soul y el rhythm and blues más clásicos en el pop contemporáneo. Al calor de ese feliz revival, muchos músicos jóvenes recuperaron viejos modos, como es el caso de esta banda de Barcelona que, tras tres álbumes de estudio, se han convertido en referencia. Cuentan, además, con un plus: la entrega, la voz y la presencia de Koko Davis, su imponente vocalista.
Al mismo tiempo que Dua Lipa ha conquistado la cima de las listas británicas por primera vez en su vida, la cantante conquista la lista semanal de nuestro site, también por primera vez, gracias al que promete ser el gran sleeper de su vida, ‘New Rules’. Damos la bienvenida a los nuevos sencillos de Alice Glass, el “trance” de The Horrors, Cut Copy y PVRIS al top 40. Podéis escuchar la lista de candidatos y volver a votar por vuestras 20 canciones favoritas aquí.
Luna, el querido grupo de Dean Wareham de Galaxie 500, que se separó en 2004 tras una nutrida carrera de buenos discos en los noventa, vuelve en 2017 con gira y un par de lanzamientos, el EP ‘A Place of Greater Safety’ y ‘A Sentimental Education’, un álbum de versiones de Velvet Underground, David Bowie, Fleetwood Mac, Bob Dylan o The Cure. Ambos se publican el 22 de septiembre.
El grupo ha estrenado hoy un videoclip para promocionar uno de estos discos, el de versiones, que corresponde a su versión de ‘Fire in Cairo’ de The Cure. Y no es un videoclip cualquiera. En él, Luna y el director Keven McAlester han retratado a la actriz Rose McGowan en varias localizaciones y situaciones, por ejemplo en una fiesta o en un concierto del propio grupo, y en blanco y negro, haciendo parecer el vídeo un documental “arty” de los años setenta.
Jack Antonoff, miembro de los exitosos fun. y co-autor, entre otras canciones, de algunos de los más recientes hits de Taylor Swift o de buena parte del excelente ‘Melodrama’ de Lorde, emplea su proyecto Bleachers como una vía de escape que le permite publicar sus canciones más personales, esas que no tendrían sentido (como le ocurre a su colega Julia Michaels) escuchar cómo las cantan otras personas. Incluso aunque su segunda referencia, ‘Terrible Thrills, Vol. 2′, fuera una regrabación de su debut ‘Strange Desire’ con las voces de artistas tan destacadas como Sia, Sara Bareilles, Charli XCX, Carly Rae Jepsen, Mø o Susanna Hoffs (The Bangles).
Si las canciones de aquel eran una especie de sucesión de páginas de un diario personal, este nuevo álbum pretende mirar cara a cara sus peores traumas personales, con el saludable fin de dejarlos atrás y continuar con su vida junto a su pareja, la directora y actriz Lena Dunham. Cuando tenía unos 18 años, Antonoff vivía en Manhattan cuando ocurrió el 11S, poco antes de que falleciera su hermana pequeña a causa de un cáncer cerebral y de que un primo suyo muriera en la guerra de Irak. Esos acontecimientos sucesivos evidentemente le cambiaron de manera drástica en lo personal. Especialmente la muerte de su hermana, cuya ausencia es un tema recurrente en las canciones de Bleachers. ¿Estamos ante el Mark Oliver Everett de su generación?
Sí, ‘Gone Now’ es un disco con mucha miga psicoanalítica y con un halo de expiación personal. Pero no por ello es menos pop. De hecho, buena parte del mismo es un disco muy bailable y divertido, con toda la apariencia de banda sonora de John Hughes (‘Dream of Mickey Mantle’, co-escrita con How To Dress Well), soul blanco a lo Duran Duran o Fine Young Cannibals, y cierta querencia por el Springsteen de ‘Glory Days’ o ‘Streets of Philadelphia’ (‘Let’s Get Married’, ‘All My Heroes’). Podría parecer una postura estética como otra cualquiera, pero no parece estar tomada a la ligera cuando uno averigua que Jack se propone en estas canciones aligerar el peso del pasado, una especie de mercadillo de trastos viejos espiritual (no en vano ha reproducido fielmente la habitación que ocupó en casa de sus padres hasta hace solo 5 años en el interior de una caravana que lleva en su gira a modo de instalación artística) que, manteniendo el recuerdo de aquellos días de gloria (‘I Miss Those Days’, con sus aires spectorianos), le permita seguir adelante.
Esa evocación de ‘La chica de rosa’ o ‘El Club de los Cinco’ ofrece momentos magníficos. A la cabeza, sin duda, esa sobresaliente colaboración con Lorde, Greg Kurstin y, atención, Vince Clarke (Erasure, Depeche Mode) llamada ‘Don’t Take The Money’, que es el epítome de las intenciones de Jack en este disco: la mitad de los oyentes bailarán, y la otra mitad se echarán a llorar sobre la almohada, en sus propias palabras. Una canción sobre lo asfixiante y complicado que puede ser una relación estable (un tabú no abordado con frecuencia en el pop) que no es, además, la única del lote: igualmente bailable y con coros de Carly Rae Jepsen, ‘Hate That You Know Me’ también pone en tela de juicio las relaciones monógamas duraderas. Pese a las apariencias, las cosas con la creadora de ‘Girls’ van bien: ‘Let’s Get Married’ no parece albergar un ápice de ironía.
El carácter expiatorio de buena parte del disco no es solo una intuición. Las referencias a dejar atrás el pasado, personificado en sus vecinos, los pósters de su habitación e incluso a sus amigos son constantes. De hecho, son repetitivos: ‘Goodmorning’ y ‘Goodbye’ parecen distintas aproximaciones –la primera en un registro muy Ben Folds, la segunda en uno más propio de Chance The Rapper– de un mismo tema que vuelve a emerger en una ‘I’m Ready To Move On/Mickey Mantle’, que remite a los Wings de Paul McCartney, y en ‘Foreign Girls’, que cierra el álbum con tintes de Bon Iver y Kanye West. La reiteración temática y, sobre todo, la ausencia de canciones más sólidas en su segunda mitad hacen que ‘Gone Now’ acabe torciéndose como obra, pese a sus estupendas intenciones y, sobre todo, media docena de canciones fantásticas. Lo cual no le quita el mérito de ser uno de los mejores compendios de pop comercial con enjundia artística que hemos escuchado esta temporada. Al menos si realmente le ha servido para aligerar su equipaje emocional como se intuye en la estupenda ‘Everybody Lost Somebody’, donde parece relativizar su pérdida y se dice a sí mismo “¡vamos, cabronazo, sobrevive!”.
Calificación: 7,2/10 Lo mejor: ‘Don’t Take The Money’, ‘Hate That You Know Me’, ‘Everybody Lost Somebody’, ‘Let’s Get Married’ Te gustará si te gustan: los Killers más ochenteros, las bandas sonoras de John Hughes, las obras de exhibicionismo emocional. Escúchalo: Spotify
La filtración de cartas personales de Madonna continúa su curso, esta vez con Prince como remitente. La casa de subastas RR Auction ha publicado una carta que Prince escribió a Madonna a finales de los 80 con el propósito de convencerla para interpretar a Ruthie, el antiguo amor del protagonista de su película ‘Graffiti Bridge’.
La carta, en la que Prince emplea sus habituales números para referirse a preposiciones como “to” o “for”, lee así: “esta es la historia de personas aprendiendo a confiar el uno en el otro así como en sus propios instintos. Querría que interpretaras a Ruthie porque podrías darle la fuerza interior y la garra que necesita su personaje. Tengo que decirte que, musicalmente, este es probablemente mi mejor disco y me gustaría trabajar contigo en algunas canciones. Llevo 35 páginas de guión, supongo que necesito 25 más, quizás para empezar la historia. La he dejado abierta en espera de tus aportes. Trabajemos juntos o no… cualquier consejo, musical o de cualquier otro tipo, que me puedas dar para el personaje de Ruthie o para ‘Graffiti Bridge’ en general sería de agradecer. Saluda a Sean [Peann] de mi parte y muchas gracias por tu tiempo”.
Tras la carta, Madonna se reunió con Prince en Paisley Park en 1987 para leer el guion. Madonna lo desaprobó y los amigos de Prince cuentan que cuando Madonna reconoció que no le gustaba el guion, Prince replicó que a él lo que no le gustaban eran sus zapatos. Ambos colaborarían en una canción de ‘Like a Prayer’ en 1989; la película ‘Graffiti Bridge’ se estrenaría en 1990 y no, no es especialmente recordada por ser una maravilla del cine.
La separación de LCD Soundsystem ha sido el timo de la década y James Murphy, líder de la formación, lo sabe. De hecho, en una entrevista reciente para The New York Times ha reconocido que anunció la separación de su banda con el objetivo de vender el mayor número de entradas para su “último” concierto, en Madison Square Garden de Nueva York, en el menor tiempo posible. “Así vendería todas las entradas en dos semanas”, ha asegurado. “Fui un poco travieso, pero me gusta tomar decisiones, me parece fácil”.
Pero la historia no acaba aquí. En otra entrevista para Vulture, Murphy ha reconocido que anunciar el último concierto de LCD Soundsystem no fue del todo una decisión premeditada sino que se produjo a causa de un enfrentamiento entre él y los promotores del concierto, los cuales, según Murphy, no creían que LCD Soundsystem pudieran agotar entradas para Madison Square Garden por sí mismos. Su idea fue incluir un telonero “de nivel” en el concierto, concretamente Big Boi de Outkast. “¿Por qué cojones iba Big Boi a abrir para nosotros?, me dije. Big Boi estuvo en una de las grandes y más importantes bandas de todos los tiempos, eso no tenía ningún sentido”. El artista continúa: “Pero tras esta idea pasaba que los promotores no creían que pudiéramos vender entradas a menos que hubiera un elemento extra en nuestro concierto, así que me cabreé y se lo conté por teléfono. Les dije, “de acuerdo, ¿qué os parece si este es nuestro puto último concierto?” Y colgué el teléfono. Entonces pensé, “pues este será nuestro último concierto”.
Murphy dice que nunca volverá a anunciar la separación de LCD Soundsystem. “Puede que un día dejemos de hacer música, pero nadie dirá una puta palabra sobre nuestra separación antes de tiempo nunca más”. Bueno, Murphy, seguro que hasta sacar un documental sobre tu supuesto último concierto no ayudó mucho. ¡A ver si la culpa va a ser toda nuestra!
Este fin de semana ha muerto en Washington, a los 84 años, el querido comediante Dick Gregory, que destacó sobre todo por su activismo. De hecho Gregory mezclaba comedia y crítica social en sus monólogos, en muchos de los cuales abordaba el racismo en Estados Unidos, y durante los años sesenta, la década de mayor éxito para Gregory, fue detenido en numerosas veces por manifestarse a favor de los derechos de la comunidad afroamericana.
En las últimas horas, Gregory ha sido recordado en las redes sociales por varias personalidades, a destacar el británico Morrissey, que ha escrito una emotiva carta en Facebook en su honor. “[Gregory] fue un hombre de pensamiento y un hombre de acción, cuando muchos de nosotros no podemos ni siquiera ser uno de los dos”, lee el texto. “Él trabajó incesantemente, [fue un hombre de] trabajo, palabras, acciones. Él exigía para todos aquellos que les era arrebatado por unos pocos. Él perturbó la Casa Blanca y fue demasiado rápido para la prensa de papel americana. A ellos les alegrará saber que [Gregory] ya no está entre nosotros. Nos quedamos con Trump, que amenaza la Tierra y correrá hacia la guerra en busca de paz”.
También Missy Elliott, John Legend, Big Boi, Chance the Rapper, Whoopi Goldberg y Diddy han se encuentran entre las figuras destacadas del entretenimiento que han lamentado la muerte de Dick Gregory en las redes sociales.
RIP to the dude who always did right by his people, Mr. Dick Gregory. He made bravery, integrity and consciousness cool. And funny.
Adams se ha disculpado ahora por estas palabras, aunque no a ninguno de estos artistas directamente, sino en general por su actitud errante en los últimos días, que pretende mejorar. “Soy humano y tengo días malos”, ha dicho. “Cosas que pasan. Me disculpo. Respiré hondo y recordé que siempre puedo hacer mejor las cosas. Como ser humano nunca dejaré de trabajar para ser más compasivo, pacífico y abierto. Así que dejo este mensaje aquí a modo de recordatorio. Estoy muy cansado pero eso no es excusa para ser cruel con otras personas, aunque estas me hayan mostrado la misma malicia. Amar es mejor”.
En otro post, el autor de ‘Prisoner’ ha hablado sobre su estado de ánimo y ha dicho que “las mejores lecciones se aprenden en los momentos en que crees que vas a romperte. Y a lo mejor todo el mundo necesita, una vez cada tanto, recordar quiénes son de verdad. Yo sé quién soy. La cago y entonces hago lo que puedo para mejorar. Es todo lo que una persona puede hacer. Doy gracias por este sueño increíble que es tocar música. Desde luego conlleva mucha locura y es difícil encontrarle el sentido. Pero sé que hay paz en algún lugar y amor que encontrar. Quizás en otra vida. Quizás en un sueño. En algún lado seguro”.
Curiosamente, Father John Misty reaccionaba en un vídeo de Facebook a las palabras de Adams poco después de que trascendieran en los medios, explicándole a un compañero “Ryan Adams me ha llamado el gilipollas más arrogante de la Tierra”, a lo que este respondía: “¿el gilipollas más arrogante” no era suficiente”? Sus fans le apoyan en los comentarios bromeando con que Tillman es el “gilipollas más importante del mundo”.
El festival She’s the Fest, dedicado al trabajo de las mujeres en la música, celebra su tercera edición los días 21, 22 y 23 de septiembre en el Centro Cultural de La Rambleta de Valencia (anteriormente se había celebrado en Las Naves). Las entradas de día han salido a un precio de 10 euros y el abono de 3 días a 20 euros en la web oficial del festival, que ha anunciado su cartel.
Hinds y Mynth actúan el 21 de septiembre mientras Christina Rosenvinge, Maria Arnal i Marcel Bagés, Catnapp y Odd Cherrie Pie subirán al escenario el 22. Rosenvinge, por cierto, presentará su nuevo disco, que a alturas de la edición de She’s the Fest estará “recién editado”, como asegura el festival. El 23 de septiembre concluirán la tercera edición del festival Iseo & Dodosound, autores de la pegadiza ‘Vampire’; Svper, Gem y The Seafood Special.
El año pasado, She’s the Fest recibió el galardón de los Premios Fest en la categoría de diversidad e igualdad de género por su labor en defensa de la igualdad de género en la música y otras disciplinas creativas. La música de hecho será un año más la protagonista de She’s the Fest pero no la única, pues en el festival se podrán también verse películas o participar en otras actividades.
Esta semana ha llegado a Soundcloud una nueva canción de Chance the Rapper, ‘Gimmie a Call’, que ha publicado en su cuenta su hermano, el también rapero Taylor y que es una colaboración de ambos con The Social Experiment, el grupo de hip-hop y neo-soul del trompetista Donnie Trumpet (de nombre real Nico Segal), del que Chance es vocalista principal. El grupo publicaba un aclamado disco, ‘Surf’, en 2015.
El hermano de Chance ha colgado la canción en su playlist “Throw Aways”, que se traduce como “descartes”, sin embargo ‘Gimmie a Call’ es más que un descarte, es una gran curiosidad de voces melódicas a capela y gruñidos expertamente entrelazados y a las que más tarde se unen arreglos instrumentales de cariz “jazzy” y el rap de rigor de Bennett, tan entretenido como acostumbra, y en el que clama “llámame por nada en absoluto” y carga contra los raperos “malos a los que estoy barriendo”. “Por eso me suena el teléfono”, concluye.
Chance ha sido noticia esta semana además tras regalar un par de entradas para un concierto de Coldplay a una adolescente enferma terminal que sufre colangitis esclerosante. La chica, que asegura escuchar a Coldplay le salvó de su depresión, además ha podido conocer a Chris Martin en su persona. Una buena acción más de Chance, que hace unas semanas básicamente lograba salvar Soundcloud de una muerte casi segura. La canción, por cierto, estará disponible una semana… Chance, ¡publícala en tu próximo disco!
¿Remake o adaptación? Siempre que hay un libro de por medio ocurre lo mismo: a quienes les ha gustado la película suelen decir que es una nueva adaptación de la novela, como para preservar la pureza de la propuesta; y a quienes no les ha gustado, prefieren decir que es un remake, como para espolear la comparación con la primera versión –normalmente un “clásico imperecedero”- y justificar así sus defectos.
En el caso de ‘La seducción’ no hay duda. Te haya gustado o no, es un remake. Como se puede comprobar en los créditos, el guión de Sofia Coppola no parte de la novela de la Thomas P. Cullinan, ‘A Painted Devil’, sino del guión firmado por Irene Camp y Albert Maltz para ‘El seductor’ (1971), el “clásico imperecedero” de Don Siegel (‘La invasión de los ladrones de cuerpos’, ‘Harry el sucio’). Y aquí es cuando surge la otra pregunta recurrente: ¿por qué un remake?
Porque sí. A estas alturas, cuando en Hollywood se ruedan casi más remakes que guiones originales, ¿no está un poco de más seguir quejándose de lo mismo, escribiendo una y otra vez eso de “remake innecesario”? Si las comparamos, estaremos casi todos de acuerdo en que ‘La seducción’ es peor película que ‘El seductor’. Pero, ¿“innecesaria”? Al contrario. Aunque no le haya salido del todo bien, la relectura que hace Coppola de la película protagonizada por Clint Eastwood es lo suficientemente interesante como para no merecer ese calificativo.
Fiel a su discurso, la directora de las infravaloradas ‘Somewhere’ y ‘The Bling Ring’ propone en su digno remake (premiado en Cannes) un cambio de punto de vista: del seductor soldado atrapado en una mansión sureña poblada de mujeres sudorosas, lúbricas y con las uñas afiladas; a un grupo de mujeres delicadas, reprimidas y casi fantasmales que viven atrapadas en una mansión situada en una zona de guerra y, como en ‘Los otros’, rodeada de una espesa niebla.
Coppola elige filmar su versión de esta historia a través de un velo delicadamente bordado. Su apuesta por la contención dramática y la exquisitez formal funciona muy bien durante la primera parte de la película. Al igual que hacen las mujeres y niñas protagonistas en la sala de costura, la directora va tejiendo una refinada tela (de araña) alrededor del espectador. Una tela confeccionada por cuidados encuadres, sugerentes elipsis, iluminación preciosista, elocuentes juegos de miradas, conversaciones llenas de segundas intenciones y la seductora música de Phoenix.
El problema es que cuando la historia gira de manera violenta, Coppola sigue tejiéndola de la misma manera, con la misma aguja y el mismo color de hilo. Pero esos pespuntes tan finos ya no pueden sostener el enorme peso dramático de la historia. Toda la intensidad del desenlace acaba difuminada por culpa de una puesta en escena demasiado distante y decorativa. Aunque Nicole Kidman le echa una mano a la directora con su sobresaliente interpretación, al final lo que queda es una película deshilachada cuando debería haber estado rasgada, sedosa cuando debería haber quedado rugosa, y limpia cuando debería haber terminado manchada. 6’5.
Katy Perry ha publicado el “trailer” de su nuevo vídeo para ‘Swish Swish’, su single con Nicki Minaj, que se estrena esta semana. El vídeo, al parecer, no tendrá nada que ver con las “drag queens” que aparecieron en la actuación del tema en Saturday Night Live el pasado mes de mayo y mucho con la temática de baloncesto de la letra de la canción, en la que Perry canta “swish swish bish, another one in the basket”.
El vídeo de ‘Swish Swish’, que ha dirigido Dave Meyers, narrará en clave cómica un partido de baloncesto entre las “cabras” y los “tigres” que será el “peor desastre de la historia”, como se adelanta en el teaser, y además será una suerte de nuevo ‘Last Friday Night’ en tanto que contará con la aparición de varias estrellas del entretenimiento como son la escritora Molly Shannon, el atleta Thor «The Mountain» Björnsson, la cómica Christine Sydelko y Gaten Matarazzo, el chico que interpreta a Dustin en ‘Stranger Things’. También Nicki Minaj saldrá haciendo de sí misma.
Perry defiende así un nuevo single de ‘Witness‘ de cara a los MTV Video Music Awards, que ella presenta y se celebran este domingo, y de cara también a las vistas en Youtube, donde su anterior single ‘Bon Appétit’ ha conseguido más de 250 millones de visitas a pesar de su éxito moderado en streaming y su fracaso en listas. ‘Swish Swish’ no está entre las 100 canciones más vendidas en Estados Unidos en estos momentos, pero es la canción más escuchada de Perry en Spotify y está a punto de conseguir 90 millones de reproducciones, conque su vídeo animará las ventas seguro.
Si el mash-up de Ed Sheeran con TLC y Pixies era curioso, Foo Fighters han dado con uno igual de bueno y además en pleno directo. El grupo de Dave Grohl ha actuado este fin de semana en el Summer Sonic Festival de Tokio para presentar sus éxitos y en un punto del concierto sacó al escenario a cantar a nada menos que a Rick Astley, que también actuaba en el festival.
Con Astley Foo Fighters hizo una versión, como no podía ser de otra manera, de ‘Never Gonna Give You Up’, el gran éxito del cantante británico, pero para rizar el rizo, naturalmente Foo Fighters no podía sacarse de la manga un ritmo de sintetizador como el de la canción original, así que optaron por tocar la base de ‘Smells Like Teen Spirit’ de Nirvana.
Crecido, además, antes de actuar Astley se dirigió al público para espetar “¡venga, cabrones!” Grohl por su parte expresaba que le parecía una “locura” tener a Astley en el escenario puesto que le acababa de conocer “hace dos minutos”. Ambos se hicieron además un simpático selfie para la posteridad. ¿No es esta la “mayor estrella de todos los tiempos” en el nuevo álbum de Foo Fighters, verdad? ‘Concrete and Gold’ sale el 15 de septiembre.
El cómico estadounidense Jerry Lewis ha muerto a los 91 años en su casa de Las Vegas, Nevada, por causas naturales. Lewis fue uno de los cómicos más exitosos y queridos de Hollywood por su estilo de comedia de payasadas o “slapstick”, sobre todo en compañía del también cantante y actor Dean Martin, con quien formó un exitoso dúo cómico a principios de los cuarenta y que triunfó durante los cincuenta en clubes nocturnos y a lo largo de 16 películas, entre ellas ‘My friend Irma’.
Tras su carrera de 10 años con Dean Martin, con quien terminó mal, con disputas económicas de por medio, ambos emprendieron sendas carreras en solitario que fueron un éxito. En un punto de su carrera, Lewis llegó a ser el actor mejor pagado de Hollywood gracias a su trabajo en cine durante los sesenta, en recordadas películas como ‘El botones’, ‘El terror de las chicas’, ‘Las joyas de la familia’ y por supuesto ‘El profesor chiflado’, su película más taquillera, de 1963, la imagen de cuyo cartel compuso la portada del primer disco de Hombres G. Estas películas convirtieron a Lewis en un icono del cine no solo en Estados Unidos sino también en Europa, sobre todo en Francia.
Lewis, afamado de un carácter difícil, se dedicó a partir de 1966 sobre todo a su famoso teletón, formato televisivo del que fue pionero, para la Asociación Norteamericana de Distrofia Muscular. En los 70 dirigió varias películas sin éxito y su último largometraje notable probablemente fuera ‘El rey de la comedia’ de Martin Scorsese, de 1982. En los últimos años de su carrera se dedicó a la comedia en su show propio en Las Vegas, aunque fue criticado por sus bromas racistas y misóginas, claro que reivindicado también por cómicos actuales como Jim Carrey.
‘Sense8’, la serie de Netflix sobre ocho personas de diferentes partes del mundo conectadas telepáticamente, y conocida por la diversidad étnica y sexual de sus personajes, así como por lo explícito de sus escenas sexuales, no tendrá continuidad en Netflix con una tercera temporada, como se revelaba el pasado mes de junio.
Esta noticia horrorizaba a los fans de la serie, que reclamaban en miles de tuits y mensajes una tercera temporada, como mínimo para resolver el “cliffhanger” que se había abierto en la anterior. Afortunadamente, la creadora de la serie Lana y Lilly Wachowski conseguía convencer a Netflix para que produjera un especial de dos horas de ‘Sense8’ para concluir en condiciones la historia, aunque dejaba la puerta abierta a la posibilidad de que la serie no terminara ahí.
Y ahora, un gigante de otra plataforma de vídeos en streaming se ha ofrecido para producir la posible tercera temporada de ‘Sense8’. Se trata de la web de porno xHamster, que ha escrito una carta a Screencrush donde asegura que son “grandes admiradores de la serie”. “Evidentemente, esto sería un movimiento grande tanto para nosotros como para los Wachowskis, y se tendría que resolver la logística, puesto que esto no sería solo sobre cambiar una cadena, sino también el modo en que la serie es presentada, y por tanto el modo en que es producida y lo que se produce”.
En la carta, xHamster plantea que el cambio de ‘Sense8’ de Netflix a la web de porno podría ser factible puesto que la audiencia de xHamster “no es sexofóbica”, así como la posibilidad de que una audiencia mainstream se pueda sentirse cómoda mirando una serie en una web porno. Además defiende que los valores de ‘Sense8’ y xHamster son muy similares: “en xHamster valoramos la diversidad, la libertad sexual y creemos que el reconocimiento y la expresión de identidades de género, sexuales y sociales son importantes”.
Alice Glass iba sonar sí o sí a Crystal Castles en su debut, al fin y al cabo era el alma del grupo, pero por suerte ‘Alice Glass’, un EP de seis canciones que la cantante canadiense ha publicado esta semana, casi sin avisar, en las plataformas de streaming, es más que un proyecto post-Crystal Castles: es la prueba de que a Glass le espera una fructífera carrera en solitario si se lo propone.
El primer single ‘Without Love’ es el tema más certero de todos, un medio tiempo industrial y melódico en la onda de t.A.T.u. que a su vez comparte ciertos elementos estéticos con el electro-goth de XMH, con PC Music (en las voces) y también con Oneohtrix Point Never en la distorsión de algunos de sus pasajes instrumentales. ‘Without Love’, de la que es co-autor Jupiter Keyes de HEALTH, es tan buena que la segunda canción más pop del EP, ‘White Lies’, que nos habla de una persona “depravada” que “teme lo que ve”, se le queda varios peldaños por debajo, pero cuando Glass huye completamente del pop, por ejemplo en ‘Natural Selection’, que parece querer replicar los ritmos robustos, deformes y volcánicos de Arca, desde un prisma mucho más tenebroso, eso sí, demuestra ser capaz de ser una “paisajista” musical más que competente.
El dance atmosférico de ‘Forgiveness’ y ‘Blood Oath’, cuya energía hardcore recuerda más que ninguna otra canción del EP al trabajo de Glass en Crystal Castles, suman más momentos dignos en el EP entre la fórmula pop y lo abstracto, pero quizá por su sencillez ambiental, el lamento místico de ‘The Altar’ logra capturar el mismo drama con más acierto, cerrando el EP con el punto lacrimógeno de rigor: “te olvidas de recordar tu propia valía, en algún otro lado, alguien se siente peor”, canta Glass, que remata “no se puede dar marcha atrás a todo de lo que te arrepientes”. Pero la carrera de Glass va, seguro, con este EP, hacia adelante.
Calificación: 6,8/10 Lo mejor: ‘Without Love’, ‘Natural Selection’, ‘Blood Oath’ Te gustará si te gusta: Crystal Castles, sí, pero también XMH, t.A.T.u. u Oneohtrix Point Never Escúchalo:Spotify
El mash-up de mash-ups ha llegado. Si eres de los que opina, como tantos miles de personas en internet, que ‘Shape of You’ de Ed Sheeran guarda un parecido más que sospechoso a ‘No Scrubs’ de TLC, te sorprenderá aprender que además puede cantarse por encima sin problema sobre ‘Where is My Mind?’, el mítico tema de Pixies. Y lo sabemos porque alguien ha tenido la idea de fusionar las tres canciones en una única canción.