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30 agosto, 2016

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La pasada semana conocíamos la inclusión de The Chemical Brothers en el cartel de BIME Live! Festival, un certamen celebrado en la ciudad de Barakaldo en los días 28 y 29 de octubre para el que ya se había anunciado la presencia de PJ Harvey, Suede, Moderat, The Divine Comedy, Toundra o Wild Beasts. Y hoy sabemos que el dúo formado por Tom Rowlands y Ed Simons también realizarán otras fechas en nuestro país, conformando una minigira estatal.

En primer lugar, el 27 de octubre actuarán en el Poble Espanyol de Barcelona; el día 28 de octubre encabezarán la edición madrileña del festival de Barakaldo, Madrid Live!, en el Barclaycard Center (en breve se conocerán las bandas que les acompañarán); y por último, el día 30 de octubre, se presentarán en Santiago de Compostela, en Multiusos Fontes de Sar. Las entradas para todos estos nuevos eventos se ponen a la venta el próximo viernes 2 de septiembre en Ticketea.

The Chemical Brothers publicaron el pasado año ‘Born In The Echoes‘, un disco fantástico, repleto de colaboradores estelares como Beck, St Vincent o Q-Tip, que mostraba al dúo británico en plena forma. Singles tan certeros como ‘Go‘, ‘Sometimes I Feel So Deserted‘ o ‘Wide Open‘ ya han pasado a ser nuevos clásicos de este proyecto.

Sidonie anuncian ‘El peor grupo del mundo’, un álbum de «pop que habla del pop»

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30 agosto, 2016

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Ahora entendemos más a qué venían todas aquellas referencias (unas para bien y otras para no tan bien) en ‘Carreteras infinitas’, el discutido single de los barceloneses Sidonie. Hoy la banda anuncia ‘El peor grupo del mundo’, el octavo álbum de su carrera, al que definen como «un disco de pop que habla del pop». «Es el pop dentro del pop. Es nuestra declaración de amor a todos los grupos que admiramos; un Os Queremos en forma de disco. También es un recordatorio de lo que somos y siempre hemos sido: fans. Antes que músicos somos fans. Antes que artistas somos fans. Sidonie se formó para dar las gracias al pop. No teníamos otra intención. No nos juntamos para hacernos ricos, o para follar, o para lanzar proclamas políticas. El grupo se formó para devolverle el favor a Elvis, a Marvin, a Keith, a Alaska o a Beck». El grupo ha dado a conocer el título del álbum, sobre el que venían dando pistas, a través de un vídeo en sus redes sociales.

En una extensa nota de prensa, la banda justifica el título de este nuevo disco recordando anécdotas en las que bandas como The Beatles, Queen, Ramones o Dorian se cuestionaron a sí mismo, antes del éxito, si eran «el peor grupo del mundo». Mención aparte merece la referencia, cuando el grupo va camino de cumplir 20 años, a un «desastroso concierto» de los propios Sidonie, que no tiene desperdicio (las negritas son nuestras):

«Fue en la sala Apolo de Barcelona, una noche de 1998. Nos programaron en un festival entre los grupos más destacados del mestizaje de nuestra ciudad, el estilo musical de moda en esa época, y todo salió mal, muy mal. (…) Hay que admitirlo, no tuvimos una gran noche, pero tampoco nos ayudó demasiado el público, que desde el primer tema no dejó de abuchearnos y lanzarnos objetos al escenario. (…) Una semana después, nos reunimos en el local de ensayo, totalmente deprimidos. Durante un buen rato no nos dijimos ni una palabra. No podíamos. El fantasma de la separación flotaba sobre los amplificadores, pero en un instante único, que se convirtió en una revelación y en un hito, nos acordamos de lo difícil que lo habían tenido los Beatles, los New York Dolls, Queen o los Ramones. Nos levantamos de golpe y dijimos: – ¡Cuatro tipos con camisetas de Bob Marley no van a conseguir que lo dejemos! ¡Que se jodan! ¡Que se jodan ellos y todos los que nunca han creído en nosotros!
Entonces, nos abrazamos y nos pusimos a ensayar«.

Os dejamos con el que suponemos (aún no se ha avanzado tracklist ni fecha de edición) ha sido el primer single de ‘El peor grupo del mundo’, ‘Carreteras infinitas’.

Sleigh Bells, entre la angustia y la frialdad

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30 agosto, 2016

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El dúo mixto de Brooklyn Sleigh Bells prepara el lanzamiento de su cuarto largo, ‘Jessica Rabbit‘, que se edita el próximo día 11 de noviembre. Hasta el momento, habíamos conocido los singles ‘Hyper Dark‘ y ‘Rule Number One‘. Hoy podemos ver y escuchar el clip de un nuevo single, titulado ‘It’s Just Us Now’. Como viene siendo costumbre en el grupo, confluyen guitarras metaleras, percusiones explosivas y la voz dulce de Alexis Krauss, que en el clip dirigido por la otra mitad del grupo, el guitarrista Derek Miller, sufre muchísimo. La vemos gritar y llorar desconsolada, en la piscina, y huir angustiada, a la carrera, por el campo. Mientras, su socio musical deambula fríamente por un cementerio, con su clásica bandana cubriéndole la cara.

Además de por la edición de ‘Jessica Rabbit’, Sleigh Bells también han sido noticia en esos días por tramitar una denuncia contra la cantante Demi Lovato y su equipo artístico, acusándoles de plagio en una de las canciones extra de su último álbum ‘Confident’. Concretamente, según la versión del dúo, la canción ‘Stars’ contiene elementos de sus más conocidos singles, ‘Infinity Guitars’ y ‘Riot Rhythm’. Por supuesto, el equipo de la ex-estrella adolescente ha negado el sampleo. En los próximos meses veremos en qué queda todo.

Remate & Wild Honey, los nuevos Juan & Junior

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30 agosto, 2016

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Hoy, a través de redes sociales, nos hemos encontrado con una gema que, a 30 de agosto, parece simbolizar el final oficioso del verano 2016. En una alianza algo impredecible, los ya veteranos músicos de la escena madrileña independiente Remate & Wild Honey nos muestran ‘Un acuario en las afueras’, una canción que compusieron, produjeron y grabaron en los primeros días del estío en los estudios de José María Rosillo en Madrid. El aire melancólico de la canción, de arreglos ensoñadores y comedida psicodelia, resulta perfecta para estos días y rememora las mejores canciones de uno de los tándems más legendarios del pop español, Juan & Junior. Su letra, en la que se alternan costumbrismo y fantasía, le va como anillo al dedo.

Wild Honey es el proyecto de Guillermo Farré, altamente influenciado por el pop de los 60, la psicodelia y las armonías vocales perfectas (no en vano se bautizaba como una canción de Beach Boys). Tras editar el pasado año el soberbio EP en castellano ‘Montaña de plata‘, en estos días se dispone a mezclar el que será su tercer largo. Por su parte, Remate es un curtido cantautor al margen de convenciones y modas que, pese a comenzar muy influido por el auge de la Americana en los primeros 00s, poco a poco ha ido abriendo su abanico estilístico. Este año han visto la luz dos singulares obras suyas: por un lado, el álbum ‘Cabello de Ángel, Tocino de Cielo‘, un «musical hieperrealista»; y por otro, la banda sonora para ‘Un corazón roto no es como un jarrón roto o un florero’, un corto en clave de humor dirigido por Isabel Coixet. Por el momento, se desconoce si esta colaboración irá más allá de este tema, pero ojalá.

‘Fiesta en el infierno’: Fangoria cuestionan el origen y la existencia del amor

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Sebas E. Alonso

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30 agosto, 2016

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Votada por casi el 40% de nuestro público, ‘Fiesta en el infierno’ de Fangoria ha sido esta semana número 1 en JENESAISPOP tras el estreno de su videoclip. Es el cuarto número 1 del grupo en nuestra lista tras ‘La pequeña edad de hielo’, ‘Dramas y comedias’ y ‘Desfachatez’. El tema no ha alcanzado la lista de singles española, como tampoco lo conseguía ‘Geometría polisentimental’ pese al apoyo que esta recibía de Los 40 Principales. Eso sí, el disco que contiene ambas ‘Canciones para robots románticos‘ sube esta semana al top 20 de la lista de ventas en su 27ª semana de permanencia, tras haber sido número 1 y aproximándose al disco de oro. Pese a que sean artista de álbumes, parece que Fangoria continúan conquistando a nuevo público, especialmente desde la emisión de ‘Alaska y Mario’ en MTV hace unos años, que contribuyó a que ‘Cuatricromía’, su álbum anterior, fuera uno de los mayores éxitos comerciales de toda su carrera.

‘Fiesta en el infierno’ es una de las composiciones que Guille Milkyway de La Casa Azul ha hecho con Olvido y Nacho para uno de los dos últimos discos de Fangoria. Si en ‘Cuatricromía’ producía el EP azul y co-escribía parte del magenta, en este caso compone y produce lo que es la cara A del vinilo, su primera mitad, sus primeras seis canciones. Esta es una composición bastante EDM (‘Iluminados’, otra de las suyas, parece inspirada nada menos que en Calvin Harris) y algo electro, cuyo subidón contiene un speech sin acreditar pero asociado a Guille Milkyway, en el que se recita que «el amor es una construcción burguesa», en clara referencia a ‘Love Is A Bourgeois Construct’, uno de los singles de ‘Electric’, el penúltimo y brillante disco de Pet Shop Boys.

Las referencias a Pet Shop Boys se han sucedido numerosas veces en la discografía de Dinarama y Fangoria, pues siempre han sido uno de sus grupos favoritos. Así, ‘Left to My Own Devices’ era recreada en ‘No es el final’ de Alaska y Dinarama; si bien es justo recordar que, por increíble que aparezca, el himno gay de Alaska ‘A quién le importa’ (1986) es un año anterior al himno gay de Pet Shop Boys ‘It’s a Sin’ (1987) y por tanto también lo es el disco ‘No es pecado’, que puede parecer hoy una respuesta al grupo británico, pero no lo fue. Pet Shop Boys y Fangoria coincidían en el FIB de 2004, y además llegaban a actuar juntos en Madrid en 2007.

Fangoria no concede entrevistas a JENESAISPOP. Su mánager Mario Vaquerizo canceló una entrevista telefónica con nuestro medio en enero de 2009 cinco minutos antes de tener que empezar, unas semanas después de la publicación de este artículo que simplemente reproducía el texto de una imitación de ‘Muchachada nuí’. Y hasta hoy. Su sello Warner no ha acertado a darnos razones pese a diversos intentos por nuestra parte. Sin embargo, el dúo sí ha hablado por ejemplo con Mondo sonoro sobre esta canción. Nacho reconocía el homenaje a Pet Shop Boys: «La frase es un homenaje a Pet Shop Boys, que también lo dicen en un tema. El amor es una invención que proviene del medievo». Alaska añade: «Ya existía. Lo que pasa es que no se define como tal hasta esa época», y luego Nacho continúa: «Antes de la Edad Media el amor romántico no existe. La gente se casaba por interés o por conveniencia. De hecho, lo más normal eran los matrimonios concertados. A día de hoy todavía se estila en muchos países».

Alaska añade que «la gente sigue fugándose porque se enamora» mientras Nacho recalca que «antes sólo existía el amor a Dios, no existía algo tan egoísta como el amor de pareja». Alaska concluye: «A nosotros lo que nos gustaría es que el amor fuese algo matemático, que se pudiera planificar (…) Pero claro, luego cuando en las aplicaciones y webs de parejas establecen compatibilidades en base gustos y supuestas afinidades nunca funciona. Al final, no deja de ser un ideal irrealizable».

En la polémica entrevista con El Confidencial en la que Fangoria cuestionaron a los hipotecados, también hablaban sobre esta canción, respondiendo una pregunta sobre el desamor y la incredulidad en el amor que hay en todo el disco. Alaska: «Es un poco la línea editorial, sobre todo, de Nacho. Siempre discutimos porque yo creo que no quiere llamar amor a algo que considera el conjunto de una serie de cosas, pero bueno. Es verdad, como concepto, lo que dice ‘Fiesta en el infierno’, que el amor es una invención de la novela medieval y de los juglares. Antes no existía».

La letra, dominada por esos sustantivos abstactos que tanto gustan a Fangoria (degradación, desilusión, resignación, decepción, invención, construcción, debilidad, dolor, etcétera) es efectivamente un lamento por haber sucumbido de nuevo al amor cuando lo que se plantea es que este no existe. En el infierno celebran ese fracaso humano y de ahí título de la canción y parte de su vídeo, en el que aparece el diablo, aunque la inspiración estética ha sido, según el Instagram de Alaska, el trabajo de los fotógrafos Bob Mizer y James Bidgood.

Una foto publicada por Bob Mizer (@bobmizer) el 31 de Dic de 2011 a la(s) 8:15 PST

'Willow tree' by James Bidgood, on display as part of the 'Permanency: Selections from the Permanent Collection' #exhibition at the @LeslieLohman Museum in #NYC and our #OutThereRecommends #homoculture #art #fineart #gayNY #gayNYC #queer #gallery #culture #NewYork #gayUSA #JamesBidgood

Una foto publicada por Homoculture by OutThere (@homoculturemag) el 23 de Nov de 2015 a la(s) 2:58 PST

El trabajo en la dirección de Stanley Sunday (Doble Pletina, Las Bistecs, Hidrogenesse, los propios Fangoria) ha sido duramente criticado en nuestras páginas y en otras por su falta de acabado, si bien está claramente en la onda estética post-Benidorm y post-Canada del grupo.

De los realizados por Stanley Sunday, uno de los que guarda más similitudes estéticas es el de ‘Igual o mayor que’ de Doble Pletina, mientras que los «boyscouts» no son otros que Sonia y Óscar de Papá Topo como ha confirmado el propio grupo. Y se cierra todo un círculo porque Papá Topo se reconocen muy influidos por Fangoria y Dinarama. De hecho, Stanley Sunday dirigió el vídeo de Papá Topo de ‘Lágrimas de cocodrilo’, casi una recreación de ‘La línea se cortó’ de Pegamoides.

Aunque no se ha comercializado, existe un «radio edit» de la canción sin la voz de Guille Milkyway, es decir, sin pre-estribillo cantado/gritado. Con ella os dejamos, junto a algún directo.

Adiós a Gene Wilder

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30 agosto, 2016

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Hace pocas horas que se ha conocido la triste noticia de la desaparición del actor Gene Wilder. Tenía 83 años y fallecía por complicaciones en la enfermedad de Alzheimer, que padecía desde hacía 3 años. Posiblemente su rostro no sea tan reconocido por los más jóvenes, puesto que su último film como protagonista data de 1991, y su último trabajo fue un breve papel en un episodio de la sitcom ‘Will & Grace’, en 2003. Sin embargo, nadie con conciencia a finales de los 70 y los 80 habrá sido capaz de olvidar su singular semblante, que tan bien funcionaba en la comedia. Así lo vio Mel Brooks, que le llevó a protagonizar la película musical ‘Los Productores’ (1968), que ganó un Oscar al mejor guión original y que le valió a Wilder su primera nominación al Oscar, como mejor actor de reparto.

Repetiría con Brooks en otros dos éxitos estrenados en el año 1974, ‘Sillas de montar calientes’ (en este caso, de taquilla), y ‘El jovencito Frankenstein’, una genial adaptación cómica del clásico de Mary W. Shelley. Su guión, que Wilder coescribió con Brooks, fue nominado al Oscar al mejor guión adaptado (que ganó ‘El Padrino II’). También actuaría para Woody Allen (‘Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo’, 1972), Stanley Donen (en su adaptación de ‘El Principito’, 1974). Otro de sus papeles más legendarios, sobre todo gracias al estatus de culto que la película ha ido adquiriendo, fue el de Willy Wonka en la adaptación del célebre cuento de Roald Dahl que dirigió Mel Stuart en 1971.

También resultó crucial en el éxito de su carrera su química con el cómico, también desaparecido, Richard Pryor. Junto a él protagonizó cuatro filmes que fueron un gran éxito en todo el mundo, especialmente los dos últimos: ‘El expreso de Chicago’ (1976), ‘Locos de remate’ (1981), ‘No me chilles que no te veo’ (1989) y ‘No me mientas que te creo’ (1991). Wilder siguió desarrollando su faceta de guionista y, también, realizó cuatro películas como director, logrando dos considerables éxitos con ‘Los seductores’ (1980) y ‘La mujer de rojo’ (1984), que convirtió a Kelly LeBrock en un icono sexual de los 80 y logró con su canción principal, ‘I Just Called To Say I Love You’ de Stevie Wonder, un hitazo que aún hoy perdura.

Tras la muerte de su tercera esposa, la también actriz de comedia Gilda Radner, a causa de un cáncer de ovarios, le llevó a participar activamente en campañas de prevención contra el cáncer, haciendo de la filantropía su principal actividad en la última etapa de su vida. Abandonada la actuación por su desencanto con el star-system, Wilder dedicó los últimos años a escribir varias novelas y pintar. Las tres décadas que dedicó al cine, en cualquier caso, le valdrán ser recordado como uno de los cómicos más dotados de su generación y sus papeles de Dr. Frederick Frankenstein, Willy Wonka y Leo Bloom son gran historia del Cine.

La aparición sorpresa de Lady Gaga en el concierto de Tame Impala

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29 agosto, 2016

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Tame Impala sigue presentando por el mundo su notable último disco, ‘Currents’. Su última parada fue anoche en el festival FYF de Los Ángeles. Allí, Kevin Parker y su banda interpretaron su setlist habitual, lo que incluye grandes canciones ya históricas como ‘Let It Happen’ o ‘Feels Like We Only Go Backwards’, además de ‘New Person, Same Old Mistakes’, ese clásico de Tame Impala que nadie esperaba hasta que Rihanna lo versionó en su último disco, ‘ANTI’.

Fue durante la interpretación de esta canción, con la que Tame Impala suele cerrar sus conciertos, lo que incluye su controvertida actuación en la última edición de Primavera Sound, cuando apareció al escenario, por sorpresa, Lady Gaga. La cantante se dejó ver al final del tema, se paseó por el escenario para que los fans de Tame Impala la vieran bien, abrazó a Parker y se marchó. Sería que pasaba por allí.

La aparición, casi fantasmal, fue sorpresa pero no en vano, pues Gaga ha colaborado con Parker, además de con Mark Ronson y BloodPop, productor de Justin Bieber, en el próximo single de ella, ‘Perfect Illusion’, que sale el mes que viene. Será el primer adelanto de su nuevo disco, que Ronson ha definido como «orgánico».

Es una unión la de Mark Ronson, Tame Impala y Lady Gaga que parece lo más parecido a la sublimación del pop del siglo XXI. Lo mismo debe pensar Grimes, que ha compartido una foto de estos tres artistas junto a su amigo BloodPop, con quien hizo ‘Go’, junto a un mensaje en el que pone a parir a la revista SPIN por su «clickbait malicioso» y a la gente que la criticó por escribir una canción para Rihanna. «Ahora mirad donde está BloodPop», escribe. «Estoy muy orgullosa deti, Mike».

all the haters hated when we made go and now look at @bloodpop writing hits with the best. so proud of u mike. how curious that spin media who started the rumour that i hate go and tried to publicly pit me against my best friend is now for sale cuz no on reads their hateful clickbait. i guess hard work and perseverance pay off better than attacking and harassing people who actually make stuff. in the end all that negativity was just a #perfectillusion ☄☄☄☄☄☄☄☄☄☄

Una foto publicada por Grimezsz (@actuallygrimes) el 28 de Ago de 2016 a la(s) 2:15 PDT

Los samples improbables de ’33 («GOD»)’ de Bon Iver

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29 agosto, 2016

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Bon Iver saca disco, ‘22, A Million’, el 30 de septiembre. Lo estrenó entero en directo hace unas semanas en el festival Eaux Claires Music & Arts de Wisconsin (festival que el mismo dirige) y adelantó en Spotify con dos canciones tan buenas como imposibles de recordar por su título como son ’22 (OVER S∞∞N)’ y ’10 d E A T h b R E a s T ⚄ ⚄’.

Hoy, un nuevo adelanto de este disco ha llegado a las plataformas de streaming y es interesante por dos motivos. El primero, por supuesto, es su composición, que incluye pianos, órganos sintetizados, voces alienígenas y la bonita actuación vocal de Justin Vernon, como siempre acompañada de autotune, además de una fusión de electrónica y baterías que parece inspirado en el grupo favorito de Vernon, Poliça. El segundo motivo es que la canción samplea dos canciones que nunca hubieras imaginado escuchar en una canción de Bon Iver.

La primera canción es ‘Iron Sky’, una de las canciones destacadas del último álbum de Paolo Nutini, ‘Caustic Love’, que destacamos en su momento en nuestra crítica del disco como una de sus actuaciones vocales más desgarradoras. La otra canción es ‘All Rendered Truth’ del músico y educador Lonnie Holley. Curiosa la fusión.

Devendra Banhart, pura sensualidad en ‘Saturday Night’

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29 agosto, 2016

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Queda cerca de un mes para la llegada a las tiendas de ‘Ape in Marble Pink’, el nuevo disco de Devendra Banhart, que sale el 23 de septiembre a través de Nonesuch Records. Del mismo hemos escuchado ‘Middle Names’, un tema acústico y un poco bossa, y su autor ha estrenado hoy otro tema del álbum que es mucho más interesante. ‘Saturday Night’ es una miniatura electrónica nocturna, acuática y sutil que podría haber escrito Ariel Pink sin ningún problema y en la que Banhart canta sobre un amor complicado.

El tema, además de estar interpretado con mucha sensualidad, incluye lo que suena como una pipa china. ‘Ape in Marble Pink’ será el noveno álbum de Banhart y el primero desde 2013, cuando editó ‘Mala’, un disco que gustó tibiamente a nuestra redacción, pero que no estuvo exento de buenas críticas.

En los últimos tiempos, Banhart ha trabajado con la actriz Rose McGowan (que también ha llegado a cantar), sacado un libro titulado ‘I Left My Noodle on Ramen Street’ o participado en la última película de Adam Green junto a Macauley Culkin, Regina Spektor y Zoe Kravitz (cantante de Lolawolf, entre otros).

Al fin en Youtube el vídeo prohibido de Kanye West para ‘Fade’

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29 agosto, 2016

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Kanye West visitó anoche la gala de los premios MTV Video Music Awards en Nueva York no para actuar sino para hablar sobre el vídeo de ‘Famous’ o adularse a sí mismo durante cuatro aburridos minutos. Como es costumbre, West entretiene más rapeando que hablando y esta ocasión no fue excepcional. Sin embargo, el rapero se guardaba una sorpresa para el final: tras su discurso estrenó su nuevo vídeo en TIDAL. Este corresponde a ‘Fade’, el tema house que cierra su último álbum, ‘The Life of Pablo’ .

Si no quieres suscribirte a Tidal, lo cual entendemos porque qué pereza, te alegrará saber que un fan muy generoso ha subido el vídeo a Twitter para disfrute de todo el mundo. El vídeo está protagonizado por Teyana Taylor, que interpreta a una bailarina tipo ‘Flashdance’ que entrena en un gimnasio antes de meterse en la ducha y del planazo del final, uno de los mejores del año, en el que una Taylor aceitosa aparece convertida en una gata junto al jugador de baloncesto Iman Shumpert, un bebé y… una oveja.

Esta semana, West ha empezado su gira de presentación de ‘The Life of Pablo’ en Indianapolis, donde ha actuado encima de una plataforma flotante. Entre las canciones del setlist se encuentran ‘Power’, ‘Flashing Lights’, ‘Runaway’, ‘Famous’ o la misma ‘Fade’. Esta, por cierto, samplea ‘Mystery of Love’, el clásico de Mr. Fingers de 1985.

Gracias a Alex A por el aviso en nuestros foros.

Actualización: tras hacer pasar un calvario a sus fans para localizarlo, el vídeo ya está en Youtube.

Nace LOS40 Trending: Kanye, Christine and the Queens, Frank Ocean… serán la nueva radiofórmula

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29 agosto, 2016

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Kanye West, Christine and the Queens, Frank Ocean, The Temper Trap, Glass Animals, Supersubmarina, Two Door Cinema Club, Carmen Boza, James Vincent McMorrow, Phantogram o La Habitación Roja son algunos de los nombres que sonarán en LOS40 Trending, el nuevo programa de música «alternativa» (entiéndase como no perteneciente a la radiofórmula) de Los 40 Principales presentado por Arturo Paniagua. El programa empieza hoy 29 de agosto y se emitirá de lunes a viernes a las 23 horas (una hora menos en Canarias).

LOS40 Trending pretende descubrir al público de Los 40 Principales las «nuevas tendencias musicales impulsadas desde Internet, artistas emergentes y las novedades más virales de la música alternativa». Además, no será únicamente un programa de radio, pues su servicio se extenderá a la web de Los 40, las redes sociales y las plataformas de streaming, donde habrá contenido «exclusivo y extendido». Si alguna vez soñaste con que Kanye West, Christine and the Queens y Frank Ocean merecían ser la nueva radiofórmula, posiblemente estés ante tu nuevo programa favorito. Estaremos atentos.

Ariana Grande, Nicki Minaj, un gimnasio y maromos semidesnudos para ‘Side to Side’

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29 agosto, 2016

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Ariana Grande y Nicki Minaj actuaron juntas anoche en la gala de los MTV Video Music Awards celebrada en el Madison Square Garden de Nueva York. Presentaron su tema conjunto, ‘Side to Side’, un número reggae compuesto por Max Martin y Ilya Salmanzadeh (autores de ‘Problem’ de la misma Grande, así como de ‘Love Me Like You Do’ de Ellie Goulding y ‘First Love’ de Jennifer Lopez) incluido en el tercer disco de Grande, ‘Dangerous Woman’.

Grande aprovechó la ocasión también para estrenar también el videoclip de esta canción, que ya puede verse en Vevo. La pieza, dirigida por Hannah Lux Davis, sitúa a Grande en un gimnasio, donde interpreta la canción en diversas ubicaciones como una clase de «spinning» u otra de boxeo antes de unirse a Minaj en una sauna ocupada por «muñecos» de hombres semidesnudos. En este momento oímos el rap de Minaj, en el que se autoproclama «reina del rap» antes de recitar que Grande «domina el pop».

Atribuimos a Davis varios vídeos para Ariana como los correspondientes a ‘Focus’, ‘Love Me Harder’ con The Weekend y ‘Bang Bang’ con Jessie J y Nicki Minaj, así como para la misma Minaj (‘The Night is Still Young’), la misma Jessie J (‘Burnin’ Up’) y otras estrellas del pop como Hilary Duff (‘Sparks’), Miley Cyrus (’23’) y Hailee Stanfield (‘Love Myself’). El mejor de todos, sin embargo, posiblemente sea su vídeo para ‘Superlove’ de Tinashe, también el más reciente antes de ‘Side to Side’.

Carly Rae Jepsen / EMOTION: Side B

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29 agosto, 2016

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Un año después del lanzamiento de ‘E•MO•TION’ de Carly Rae Jepsen, uno de los discos de pop mejor recibidos por la crítica de los últimos tiempos (ojalá pudiéramos decir lo mismo de sus ventas), su autora ha querido obsequiar a sus fans con una colección de caras b de las sesiones de aquel álbum que llegaba a las tiendas y a las plataformas de streaming el pasado 26 de agosto. ‘EMOTION: SIDE B’ solo contiene ocho pistas, lo cual no deja en muy buen lugar al resto de canciones inéditas que se han quedado fuera (Jepsen llegó a componer cerca de 40 canciones para el disco) y que probablemente nunca escucharemos, por lo que estamos sin duda ante lo mejor de los descartes. Sin embargo, estas canciones no son solo descartes. Puede que su presencia en ‘E•MO•TION’ hubiera perjudicado al disco, pero estas caras b tienen calidad. ‘Higher’ es un número de pop electrónico nocturno, de fondo desafiante a lo ‘Drive’, con sintes burbujeantes y un gran estribillo que podría haber sido número uno perfectamente en los ochenta, mientras ‘Store’, la canción más extraña el disco, alterna efectivamente la melancolía de George Michael en las estrofas con un estribillo sobre un arrebato capitalista post-ruptura que parece diseñado para Robin Sparkles. Por otro lado, ‘First Time’ es un efervescente número disco que une la euforia de la primera Whitney Houston con la inocencia de la primera Kylie y el baladón ‘Roses’ cierra el álbum a lo grande, con un estribillo devastador que resume uno de los mayores talentos de Jepsen, el de capturar en sus letras y a través de su cálida a la par que expresiva voz una honestidad que puede llegar a tocar muy de cerca, como logra, por ejemplo, ‘The One’, cuando después de situarnos en un momento de rutina sublime con su interés romántico, Jepsen ruega «es demasiada presión / no te enamores». Con cosas como estas es imposible no querer a Jepsen, y con descartes como estos, mucho más.

Calificación: 7,1/10
Lo mejor: ‘First Time, ‘Higher’, ‘Store’, ‘Roses’
Te gustará si te gusta: el pop de los ochenta
Escúchalo: Spotify
Cómpralo: Amazon

La sensibilidad de Viento Smith en ‘Así nace un recuerdo’

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29 agosto, 2016

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Viento Smith, el proyecto de Ricardo Lezon de McEnroe y David Cordero, se ha unido para presentar un tema nuevo este verano solo «por el placer de grabarlo», pues ahora cada uno está centrado en otros proyectos: David Cordero acaba de publicar un vinilo con Niño de Elche y McEnroe sacan disco junto a The New Raemon (!). El tema ha sido grabado este mismo mes de agosto en La casa Noroeste, la casa rural que Ricardo tiene en Noviales (Soria), lo que ellos llaman «la toscana Soriana».

Así describen Viento Smith el tema ‘Así nace un recuerdo’: «En el primer disco que grabamos Viento Smith las canciones vinieron a buscarnos y así es como decidimos hacerlo siempre. Que surgiesen de algún sitio, de donde fuese que estaban. Este verano, en la Toscana soriana, entre baños en el río y noches plagadas de estrellas, charlas y gin tonics nos vino a buscar esta que sale el día 30 de agosto de la mano de SUBTERFUGE RECORDS. Y además nos pedía imágenes para así no olvidarnos nunca de dónde estábamos cuando llegó. Esperamos que os guste aunque solo sea una parte de lo que nos gusta a nosotros. El viento del verano».

La canción mantiene la delicadeza y la sensibilidad de los temas con los que conocimos a Viento Smith, destacando la distorsión de guitarras y el mensaje optimista que van abriéndose camino entre los arpegios. Las imágenes contribuyen a alimentar la nostalgia que desprende toda la composición.

Beyoncé, gran ganadora de los MTV VMA’s 2016

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29 agosto, 2016

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Beyoncé fue la gran ganadora de la noche en la ceremonia de los premios MTV al hacerse con los galardones a vídeo del año por ‘Formation’, mejor vídeo femenino (‘Hold Up’) y mejor vídeo de pop por ‘Formation’. También ganó los premios técnicos a mejor dirección, mejor coreografía, mejor montaje, mejor fotografía y mejor vídeo largo por la película ‘Lemonade’. La cantante realizó una performance de 17 minutos.

La otra gran protagonista de la noche fue Rihanna. Calvin Harris ganó el mejor vídeo masculino por ‘This Is What You Came For’ (también el mejor vídeo electrónico por ‘How Deep Is Your Love’), pero Rihanna recogía el premio Michael Jackson Video Vanguard Award e interpretó varios popurrís de sus canciones. Hasta 4 veces subió al escenario para interpretar sus éxitos.

Finalmente hubo premio para David Bowie en las categorías técnicas (mejor dirección de arte para Blackstar). Drake ganó el mejor vídeo de hip-hop y Twenty One Pilots el mejor vídeo de rock. Os dejamos con algunas de las actuaciones, entre ellas Britney, Ariana Grande con Nicki Minaj y The Chainsmokers con Halsey.

2016 MTV VMAs – Beyoncé por videostowatch

Britney Spears Performance at VMAs 2016 por AzeemSheikhOfficial

2016 MTV VMAs Ariana Grande & Nicki Minaj… por frepfrap

2016 MTV VMAs Rihanna Opening With A Medley Of… por frepfrap

2016 MTV VMAs Rihanna Second Performance por frepfrap

Rihanna Performance at VMAs 2016 por AzeemSheikhOfficial

Rihanna closing performance at VMAs 2016 por zeemu28

2016 MTV VMAs — The Chainsmokers & Halsey por videostowatch

Muere Juan Gabriel

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29 agosto, 2016

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Juan Gabriel, uno de los mayores iconos de la música mexicana, ha fallecido a los 66 años tras sufrir un infarto en Santa Mónica, California. Su muerte tenía lugar a las 11.40 de este domingo (hora local) tan solo dos días después de haber dado su último concierto en Los Ángeles dentro de su gira MeXXIco.

El artista tenía registradas 1.500 canciones que se movían entre el bolero, la ranchera, la salsa y el mariachi, y fue uno de los primeros cantantes mexicanos en hablar de su homosexualidad. Juan Gabriel vendió millones de copias desde que empezara a despuntar a principios de los años 70, siendo uno de los artistas más vendedores de América Latina y también componiendo para otros intérpretes, destacando sus composiciones para Rocío Durcal. También llegó a colaborar con Shakira, Jennifer Lopez o Laura Pausini.

Russian Red publicará un disco de versiones en 2017 y ¿dejará la música?

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28 agosto, 2016

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En una jugosa y extensa entrevista realizada por Borja Bas para Tentaciones, Lourdes Hernández, más conocida por aquí como Russian Red, cuenta que a principios de 2017 publicará un álbum de versiones. Lo que en principio iba a ser un mini-LP digital y autoeditado, parece que finalmente será un disco largo publicado por Sony que verá la luz el próximo invierno y que incluirá adaptaciones de temas tan populares ‘Don’t You Want Me’ de The Human League (una versión «espectral», según el periodista), ‘It’s a Heartache’ de Bonnie Tyler, ‘I Wanna Know What Love Is’ de Foreigner, ‘Shout’ de The Isley Brothers o ‘Take My Breath Away’ de Berlin (la de la BSO de ‘Top Gun’, ya sabéis). Está trabajando en él con tres productores: Brian Hunt, su ex-pareja y productor de su debut ‘I Love Your Glasses‘, Aaron Leigh (hermano de su marido Zack, con quien comparte el grupo Babes) y David Greenbaum, ingeniero de sonido de Beck.

En otro fragmento de la entrevista, se da a entender que Sony «le reclama» la salida de este álbum para cumplir con un compromiso contractual adquirido con la multi, que pagó su carta de libertad al sello Eureka (que publicó su primer disco) a cambio de editar sus siguientes obras discográficas, los notables ‘Fuerteventura‘ y ‘Agent Cooper‘. Respecto a las versiones, Lourdes cuenta que su motivación inicial en la música era cantar canciones de otros y no las suyas propias, por eso le parece que con la publicación de este disco «cierra un ciclo».

¿Da esto a entender que tras su publicación dejará la música? Parece que sí: «He tomado perspectiva y, bueno, yo hago mis canciones, pero otros las hacen muchísimo mejores y siento que no tengo que perder el tiempo volcando más información al mundo». Después, añade: «El amor siempre fue mi máxima motivación. Por eso me desconecté de la música. Cuando me enamoré de Zack desapareció toda esa cosa como de corazón roto. Y me puse a cantar canciones de otros». Sin embargo, no termina de desvincularse del todo de la música, puesto que también cuenta que ha hecho dos canciones con el reputado Lucas Vidal (ganador de un Goya junto a Pablo Alborán por la canción principal de ‘Palmeras en la nieve’) para la BSO de la próxima película de Mateo Gil, ‘Proyecto Lázaro’.

La larga entrevista, realizada en su casa de Los Ángeles, profundiza en numerosas cuestiones profesionales y personales y es una auténtica mina de titulares. Habla sobre la crisis artística y personal que le sobrevino durante la gira de ‘Agent Cooper’ y que la llevó a cancelar todos sus conciertos de inmediato («Sencillamente no me sentía conectada con la música. Se me da mal estar sobre un escenario cuando no quiero estar ahí»). También sobre las muchas y diversas cosas que ha hecho en Los Ángeles tras mudarse definitivamente, desde ser camarera en un club en el que servía copas a Thom Yorke, los Red Hot Chili Peppers o Chlöe Sevigny, hasta hacer de modista para la diseñadora mallorquina Datura.

Finalmente, se prepara para lanzarse definitivamente como actriz, ya a punto de estrenar su primera película, el cortometraje ‘El beso‘ de David Priego. Aunque, dice, no le obsesiona trabajar en Hollywood ni se ve «haciendo ‘El secreto de Puente Viejo‘». Mientras, su marido y ella se ganan la vida organizando bodas y otros eventos en la antigua iglesia de madera que compró en el gentrificado barrio angelino de Highland Park. También habla sobre su relación con la Iglesia de la Cienciología, con la que entró en contacto a través de Zack y su familia: «Yo no diría que es una religión, sino más bien un acercamiento a la vida, una especie de ciencia filosófica. Sé que cuando llegas al último nivel te dicen que hay extraterrestres y cosas así, pero yo tan lejos no he llegado [risas]».

DJ Snake / Encore

Por

Sebas E. Alonso

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28 agosto, 2016

2

El disco de debut de DJ Snake es mejor de lo que algunos están dispuestos a admitir. El francés, que desde los 14 años pincha en «guetos» de París y mucho después fue rescatado por Mad Decent, el sello de Diplo, es uno de los personajes fundamentales de la electrónica de la década, bien sea para bien, o bien sea para mal. Dio a AlunaGeorge su mayor hit con diferencia (la remezcla de ‘You Know You Like It’), fue un tercio de ‘Lean On’ junto a Major Lazer y Mø (a la postre uno de los mayores macrohits de la década) y sobre todo fue el responsable de ‘Turn Down For What’, uno de los más merecidos «sleepers» de la era Youtube. Nadie habrá olvidado la primera vez que topara con su icónico videoclip.

‘Encore’ tiene un valor artístico tan reducido como enormes son las posibilidades comerciales de sus sencillos. En muchos momentos, es un penoso (auto)fusilamiento del trap de ‘Turn Down for What’ y el tropical house de ‘Lean On’, pero igual de penoso es negar que todo el mundo lo está copiando, así que quién mejor que el propio DJ Snake para hacerlo. Además, nos hemos vuelto todos locos ya si a un disco de debut le estamos pidiendo evolución. De momento esto es tan 2016 que ‘Oh Me Oh My’ encantará a los fans de PXXR GVNG y ‘The Half’ a los de ‘Work’ de Rihanna.

Lo más inquietante del álbum es qué dosis de humor voluntario e involuntario contiene. ‘Pigalle’ -sobre todo tras el primer minuto- es una canción dura y divertida hecha para el descojone colectivo, para el delirio festivalero, como lo estaba ‘Turn Down for What’. En la misma línea, ‘Propaganda’ cuenta con una irresistible ametralladora EDM con drops como sacada de ‘Spring Breakers‘. Su inspiración oriental está mucho mejor encajada que la de ‘Sahara’, junto a Skrillex, en la que si había alguna intención social o política, desde luego no ha resultado. Sus coros eclesiásticos sí rozan la carcajada probablemente involuntaria pese a lo pegadizo que resulta su «estribillo».

Lo más decepcionante es que Justin Bieber acuda en la búsqueda de un nuevo ‘Lean On’ que ni el cantante ni DJ Snake necesitaban, sobre todo porque ‘Let Me Love You’ es mucho más mediocre que la efectiva ‘Middle’, que acumula 300 millones de reproducciones en Spotify y con razón. Y es que es destacable lo bien que funciona en el disco la vertiente más pop del productor. En el siguiente single, ‘Talk’, George Maple suena tan dulce como una Jessie Ware, mientras la tropical ‘Sober’ parece un gran single de Crystal Fighters y ‘Here Comes the Night’, como despedida de tintes drum&bass, nos hace recordar el caso Rudimental sin tener tanto que ver más allá de esta pista: no, este no es el disco del año pero sí uno que disfrutaremos en carreteras y festivales. No, esto no es el disco de Kygo.

Calificación: 6,6/10
Lo mejor: ‘Middle’, ‘Sober’, ‘Ocho Cinco’, ‘Talk’, ‘Pigalle’
Te gustará si te gusta: perrear sin complejos
Escúchalo: Spotify
Cómpralo: Amazon

5 razones para amar ‘Café Society’ y una para odiarla

Por

Joric

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28 agosto, 2016

7

Woody Allen llega como la vuelta al cole, sin que te des cuenta. Ya tenemos aquí otra de sus películas “ligeras”, como nos hemos acostumbrado a llamarlas en los últimos diez años. Solo que esta vez, como dice el título de su película con Larry David, “la cosa funciona”. ¿O no? Estas son las razones:

1. Es una comedia romántica que no da vergüenza decir que lo es. Este subgénero ha sido tan maltratado por Hollywood que ha acabado convertido en el equivalente cinematográfico a un corazón con bracitos para regalar en San Valentín. No es el caso de ‘Café Society’. En la esquina de cualquiera de sus planos hay más emoción, encanto, elegancia, comicidad y romanticismo que en todas las comedias de Meg Ryan y Sandra Bullock juntas.

2. Kristen Stewart iluminada por Vittorio Storaro. Desde que rodara ‘Viaje a Sils Maria’ y ganara el Cesar, Bella parece otra. O, por lo menos, directores (Ang Lee, Kelly Reichardt y de nuevo Olivier Assayas la han dirigido este año) y espectadores la miramos con otros ojos. Allen no oculta su fascinación por la “belleza oscura”, como él mismo dice, de la Stewart. Y lo demuestra regalándole los primeros planos más bellos y cautivadores que ha rodado el director desde los que le dedicó a Mia Farrow en sus películas de los 80.

3. Los secundarios. La familia del protagonista son el contrapunto humorístico a la nostálgica y melancólica historia de amor principal. Destacan los padres, una divertidísima caricatura de matrimonio judío de Brooklyn en los años 30. Pero también están su tía, casada con un intelectual comunista, y su hermano, un mafioso que cumplirá el sueño antisocial de todo aquel que haya convivido con un vecino molesto. Todos ellos son utilizados por Allen como azucarillos para endulzar un café muy amargo.

4. Nueva York. Nos lo ha enseñado multitud de veces, pero no nos cansamos de verlo. El puente de Brooklyn, Greenwich Village, los humeantes locales de jazz, los distinguidos clubes de la alta sociedad, los pequeños restaurantes italianos donde comer pasta con albóndigas… Allen vuelve a insistir en la dicotomía Los Ángeles-Nueva York. Y, como siempre, incluso cuando su retrato del Hollywood de los años 30 es propio de un fan de las películas de esa década, acaba ganando la segunda.

5. El final. El hermoso y emocionante plano con el que termina ‘Café Society’, un fundido encadenado que conecta los rostros de Stewart y Jesse Eisenberg en sendas fiestas de fin de año, es la demostración de que cualquier día de estos, cuando menos lo esperemos (y ya lo esperamos poco), el genio que hay detrás de ‘Annie Hall’, ‘Manhattan’, ‘Hannah y sus hermanas’ o ‘Delitos y faltas’ podría regalarnos otra obra maestra. ¿Será la serie ‘Crisis in Six Scenes’?

6. Sí, hay una razón para odiar ‘Café Society’. O, por lo menos, para desdeñarla: sigue pareciendo que Woody Allen tiene poco nuevo que decir, que rueda sus películas más como una terapia ocupacional que por un verdadero interés por hacerlas. Algunas les salen mejor que otras, pero la sensación que transmiten es la misma: una falta de energía creativa solo compensada por momentos de enorme inspiración. Y de esos, ‘Café Society’, tiene bastantes. 7’5.

El «solo en casa» victoriano de The Divine Comedy

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27 agosto, 2016

2

El próximo día 2 de septiembre llega al fin ‘Foreverland‘, el nuevo álbum de The Divine Comedy y su primer disco de estudio desde que publicara ‘Bang Goes The Knighthood’ en 2010. Hace ya unas semanas pudimos comenzar a disfrutar de él por medio del single ‘Catherine The Great‘, cuyo vídeo situaba a Neil Hannon, alma mater del grupo, en una mansión victoriana, desviviéndose por satisfacer a una caprichosa Catalina La Grande.

Ahora, en un escenario similar, el artista irlandés nos muestra el clip de su segundo single ‘How Can You Leave Me On My Own’, en el que escenifica su propio «Solo en casa», diviertiéndose con todo tipo de patéticas trastadas de «Rodríguez», en contraste con una letra que reprocha a su pareja que le deje solo en casa. Un divertido acompañamiento musical para otro divertido single, esta vez con ciertos toques glam y algún que otro rebuzno.

En los próximos días publicaremos al completo una entrevista que mantuvimos con Hannon sobre este nuevo álbum, sobre su larga carrera y sobre lo guay que le parecía el nombre de nuestro site (<3) de la que os mostramos un adelanto hace algunas semanas. Tras su paso este verano por Vida Festival, The Divine Comedy volverán a actuar en nuestro país el próximo mes de octubre: será el día 26 en Bilbao, dentro de la programación de BIME Live! 2016.

Pearl Jam paran un concierto por una agresión machista

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27 agosto, 2016

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Tal y como ocurriera hace unos meses durante un concierto de Alejandro Sanz en México, hace unos días Pearl Jam interumpieron su actuación en la ciudad de Chicago para detener una agresión machista. Durante la interpretación de la canción ‘Lukin’, Eddie Vedder pide a la banda que se detenga y llama la atención a un hombre en las primeras filas y le pide que aparte el dedo de la cara de una mujer, señalándole. Enseguida, como puede verse en este vídeo grabado por un asistente, la seguridad del concierto localiza al supuesto agresor y le saca del recinto a través del foso. El grupo de Seattle prosigue interpretando la canción, no sin antes asegurarse de que la mujer agredida estaba bien, aunque aseguraba que «ella se estaba defendiendo bastante bien».

Ese concierto en el Wrigley Field de Chicago era el final de una intensa gira del grupo por Norteamérica que celebraba los 25 años de la irrupción del grupo con su debut ‘Ten’, un disco que supuso una revolución en la industria musical, al acercar el rock alternativo al nivel de las bandas de estadio. En 1990, Stone Gossard y Jeff Ament, ex-miembros de la seminal banda grunge Green River, quedaron devastados cuando Andrew Woods, vocalista de su nueva banda Mother Love Bone, murió de sobredosis de heroína cuatro meses después de editar su primer disco. Buscando un nuevo vocalista para su nueva banda, Jack Irons, entonces batería de Red Hot Chili Peppers, les recomendó que escucharan a su colega de San Diego Eddie Vedder, con el que entraron a grabar en la primavera de 1991 las canciones de su primer disco como Pearl Jam. El 27 de agosto de ese año, del que hoy nos separan exactamente 25 años, se publicaba ‘Ten’.

La violación y venganza de «Cry Baby»

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Sebas E. Alonso

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27 agosto, 2016

7

Melanie Martinez continúa promocionando su disco debut, ‘Cry Baby‘, que ha terminado convirtiéndose en uno de los mayores sleepers de 2016 pese a haberse editado el año pasado: aún continúa en torno al top 50 en Estados Unidos y en torno al top 75 en Reino Unido. Esta semana ha estrenado un vídeo doble para dos canciones que van seguidas en el largo, ‘Tag You’re It’ y ‘Milk and Cookies’.

Como os hemos contado varias veces, el álbum narraba la historia de un personaje de principio a fin, lo que incluía una violación que transforma a la niña en adulta, y el vídeo de ‘Tag You’re It’, con claras reminiscencias al cuento de Caperucita Roja, sería precisamente ese momento, con la persecución del lobo hacia Melanie y su posterior secuestro.

La segunda mitad corresponde al corte ‘Milk and Cookies’ y muestra a una Martinez esclavizada en la cocina, aparentemente con las consiguientes connotaciones sociales y machistas, pero aguardando el momento de su venganza, como avanzaban las letras del disco. El vídeo, que mantiene la estética de contrastes entre lo infantil y la sordidez de todo ‘Cry Baby’, ha vuelto a ser dirigido e ideado por la propia Melanie Martinez.

Gracias a BryanPrieto en el foro de Melanie por el aviso.

Diana Gordon: cuando Beyoncé hizo olvidar a Wynter

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