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Liam Gallagher / As You Were

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liamLo más parecido a una tragedia bíblica que tenemos en el mundo del pop actual es, sin duda, la convulsa relación entre Liam Gallagher y su hermano Noel. La rivalidad entre estos Caín y Abel de nuestros días parece cada vez más furibunda e irreconciliable. Lo cierto es que aunque Liam es claramente el más ocurrente y magnético, desde un punto de vista artístico y comercial era Noel el que llevaba ventaja con su proyecto personal frente a Beady Eye, el grupo que formó Liam con los últimos miembros de Oasis. Al menos hasta ahora, porque el vocalista intenta darle la vuelta a la situación con este ‘As You Were’, su primer disco firmado en solitario –aunque detrás de él hay un buen montón de colaboraciones más o menos en la sombra–.

No deja de ser paradójico, o directamente contradictorio, que Liam diga en alguna entrevista que él no mira al pasado cuando en buena medida este disco lo hace y además con descaro. Y no es solo que todo él parezca un intento –por momentos bastante potable– de sintonizar con la vibración de Oasis (no diré de los primeros, porque sencillamente aquella efervescencia no está) y sus fans. Sino que todo ‘As You Were’ (¡joder, es que hasta el título mira al pasado!) es una especie de colección de clichés adheridos a la manera de componer de Noel y de cantar de Liam: los últimos Beatles, Kinks, Rolling Stones, T-Rex, Small Faces, Slade o The Who resuenan una y otra vez por los rincones. Casi diríamos que estamos ante una especie de sopa de letras pop, en la que hay que adivinar de qué grupo y canción (se valen herederos de aquellos como Ian Brown, The Verve, Ocean Colour Scene, Primal Scream y, claro, Oasis) ha tomado qué. Es que incluso sus discretas letras –nunca fueron lo más importante de Oasis, ¿verdad?– contienen incontables referencias que ya hay quien se ha detenido en listar.

Así y todo, no quiero decir que ‘As You Were’ sea un disco horrible, porque de hecho está bien, especialmente en su primera parte. En líneas generales resulta bastante entretenido aunque termine funcionando solo con chispazos. Con ‘Wall of Glass’ (que pasará a la historia por unir a Greg Kurstin y Andrew Wyatt –Miike Snow– tratando de imitar el estilo compositivo de Noel Gallagher) y las resultonas ‘Come Back To Me’ y ‘Greedy Soul‘ como excepciones, resulta inesperado que donde mejor funcione este disco tan pulido (la producción de Dan Grech-Marguerat –The Vaccines, Hurts, Keane– es bastante académica) sea en los medios tiempos: junto con los adelantos ‘For What Is Worth’ y ‘Chinatown’ (co-escrita nada menos que con Michael Tigue, el que fuera colaborador de Jeff Buckley), la popera ‘Bold’, la late-beatles ‘Paper Crown’ y ese ¿involuntario? remake de ‘Shaker Maker’ titulado ‘Universal Gleam’ están bastante bien.

El resto del álbum, decía, transcurre entre temas con melodías discretitas (‘When I’m In Need’ –aunque sus arreglos son chulos–, ‘You Better Run’) que no consiguen superar la etiqueta de pastiche (para terminarse la edición Deluxe, que contiene 3 temas más, hay que tener muchas, pero que muchas ganas). Pese a su nula originalidad y su irregularidad, es evidente que este ‘As You Were’ será toda una alegría para aquellos fans de Oasis que siguen adorándoles y no tienen suficiente con la madurez de Noel. Al resto, mucho me temo que nos quedaremos bastante igual o, como mucho, nos dará ganas de escuchar ‘Time Flies’, el best-of de los mancunianos.

Calificación: 6,4/10
Lo mejor: ‘For What It’s Worth’, ‘Wall of Glass’, ‘Paper Crown’, ‘Come Back To Me’
Te gustará si te gustan: Oasis y Noel Gallagher sobre todas las cosas.
Escúchalo: Spotify

La canción del día: Moses Sumney es un Ícaro con “alas de plástico”

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moses_sumneyMoses Sumney dedica su debut al “a-romanticismo”, a la incapacidad de reciprocar amor, pero también al anhelo por recibirlo a pesar de esta condición. Es un extraño punto intermedio en el que vivir, una especie de limbo de angustia en el que Sumney se encuentra sumido permanentemente.

De esa misma incapacidad de amar nos habla ‘Plastic’, uno de los sencillos principales de ‘Aromanticism’. El tema se incluyó originalmente en el EP de Sumney de 2014, ‘Mid-City Island’ y es la canción más escuchada del artista en Spotify con diferencia, pues está a punto de alcanzar las cinco millones de reproducciones. Es un tema compuesto mayoritariamente de una guitarra eléctrica y unos violines que entran hacia el final, fantasiosos, para proyectar algo de luz a una canción oscura sobre la angustia del no amor.

En ‘Plastic’, Sumney se pone las alas de Ícaro, el hijo de Dédalo que, en la mitología griega, tratando de escapar de Creta voló demasiado cerca del sol, arruinando sus alas -cosidas por su padre con cera- y cayendo al mar. Es una preciosa metáfora sobre el deseo de amar de Sumney y su incapacidad para hacerlo que toca cumbre en la frase “me has pillado volando hacia el cielo como una estrella, pero nadie nunca me advirtió, que no fuera demasiado lejos”. Sumney ha descubierto por sí mismo que nunca será completamente feliz.

Como un “estómago que parece satisfecho, pero en realidad está “hinchado” (por el dolor), Sumney reconoce haber recurrido a la mentira (“te dije que mi plata era oro”) para aproximarse a un amor que jamás conseguirá retener por su incapacidad para amar. De hecho, Sumney reconoce abiertamente en la canción que sus alas son “de plástico”, artificiales, falsas, y que la única manera de amar, para él, es fingir amor. Con estas alas él vuela y cae, como Ícaro, pero sin morir, regresando siempre al estado de la angustia permanente. Y a sus amantes dirá: “ves mi silueta, y me tienes miedo”.

Loreen aparca el europop y se lanza al precipicio del R&B en ’71 Charger’

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loreen-71-charger_Semanas después de que lanzara el EP ‘Nude’, en el que incluía una colaboración con la noruega Elliphant y el número trance-pop ‘Body’, la sueca Loreen ha anunciado la próxima publicación de su segundo disco en solitario tras su debut ‘Heal’ (2012). Llevará por título ‘Ride’ y se lanzará a lo largo del mes de noviembre. Su primer single es ’71 Charger’, presentada días atrás y cuyo clip oficial podemos ver desde hoy.

Este nuevo tema sorprendía al encontrarnos a Loreen en territorios alejados del pop electrónico al que acostumbraba en su debut o en el citado EP. ’71 Charger’ –que hace referencia a un modelo de coche de la marca Dodge del año 1971– presenta a Talhaoui en un tema de corte R&B y soul, más próximo a Lana del Rey que a Kelela, por ubicarnos. Su vídeo es una sucesión de planos muy estéticos pero que no cuentan ninguna historia muy clara, y en él vemos a Loreen vagar por campos de cereales y conducir el coche del título (muy tuneadito, eso sí) por carreteras secundarias, hasta encontrarse al borde de un abismo. Lo que viene después, te sorprenderá. Que no, que era broma.

Loreen se dio a conocer en el certamen de Eurovisión del año 2012, cuando venció con el hit –por esta vez, lo fue de verdad– ’Euphoria’. Este año ha vuelto a presentar su candidatura al festival de la canción, pero no accedió siquiera a la final del Melodifestivalen.

Adiós a Jean Rochefort, el hombre que soñó con casarse con una peluquera

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rochefortHa muerto en París el actor francés Jean Rochefort a los 87 años, ha comunicado su hija Clémence hoy lunes a los medios, informa Cinemanía. Francia pierde así a uno de sus actores más queridos y emblemáticos, solo unos días después del fallecimiento de la también actriz y novelista francesa Anne Wiazemsky, quien además fuera mujer de Jean-Luc Godard.

Rochefort será siempre recordado por su papel protagonista en ‘El marido de la peluquera’ de 1990, una de las varias películas en las que el actor trabajó con el director Patrice Leconte, a quien Rochefort prestó sus servicios hasta en siete ocasiones. En la película, Rochefort interpretó a Antonine, un hombre cuyo sueño en la vida es casarse con una peluquera.

Rochefort trabajó en más de un centenar de películas en Francia, entre ellas ‘Las tribulaciones de un chino en China’ (1965), ‘Inocentes con las manos sucias’ (1975), ‘La maté porque era mía’ (1993), ‘Tándem’ (1987) o ‘Cómicos en apuros’ (1996). También se puso a los mandos de dos españoles en ‘El fantasma de la libertad’ (1974) de Luis Buñuel y ‘El artista y la modelo‘ de Fernando Trueba (2012). También trabajó en la televisión y como actor de doblaje.

El actor francés, que ganó tres premios César, uno de ellos honorífico, colaboró además con el músico Vincent Delerm, apareciendo en uno de sus videoclips y narrando su libro infantil de 2011.

El incombustible Julio Bustamante publica disco con Nacho Vegas, Maria Rodés, Renaldo & Clara…

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julio-bustamante_Entre los más de 30 álbumes dignos de mención o interés que se han publicado este fin de semana está ‘La misión del copiloto’, el nuevo disco del incombustible Julio Bustamante. El cantautor valenciano no vive de rentas pasadas y publica discos fieles a sí mismo con una frecuencia casi inédita, sin que se resienta su calidad. Tras ‘Viento desatado’ (2012) y ‘En el nombre del gato’ (2015), este nuevo álbum grabado junto a su banda de acompañamiento habitual –Lavanda– es el primero que edita en El Volcán Música y por tanto ahora es compañero de sello de Los Planetas, Joe Crepúsculo y Tomasito, entre otros.

Además, es un disco marcado por varias colaboraciones interesantes: Nacho Vegas hace un dueto en ‘Iratxi’, mientras que comparte con Maria Rodés ‘El cel de les cançons’ y ‘Viure sense esperar’ es un nuevo dueto con Clara Viñals –mitad de Renaldo & Clara, que este año publicaban el recomendable ‘Els afores’–. No es la primera vez que Bustamante canta con Viñals, decíamos: en 2013, Discos de Kirlian publicaba un split-single en el que Julio compartía canciones con Renaldo & Clara, además de con Doble Pletina y Fred i Son.

Su inquietud por trabajar con artistas jóvenes es frecuente: también ha compartido canciones con La Gran Alianza y Soledad Vélez. Y uno de sus proyectos más memorables es Maderita, grupo compartido por él con Jorge Pérez (Tórtel), Cayo Bellveser y Xema Fuertes, que publicó en 2009 el memorable ‘Vivir para creer’ y, de momento, no ha tenido continuidad.

Fotografía de Montse Azorín.

Somos La Herencia nos cuentan el inquietante cuento de una reina destronada en ‘Signos de alguien’

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signosdealguiencaud2_Desde que a finales de 2015 publicaran su primer EP, ‘Parálisis del sueño’, el cuarteto madrileño Somos La Herencia no ha dejado de sonar en el ámbito underground como una de de las propuestas más sugerentes y personales del rock más oscuro, alineados con propuestas de after punk y electrónica asfixiante como los extintos Antiguo Régimen o Fasenuova. A principios de este año lanzaron ‘Zigurat’, un nuevo EP en cuya gestación colaboró, entre otros, Leo Mateos de nudozurdo y que desde entonces han estado presentando, compartiendo escenario con proyectos del renombre de Zola Jesus o The KVB.

Hoy en JENESAISPOP tenemos el privilegio de estrenar el primero de una trilogía de videoclips que dan soporte visual a las canciones de ‘Zigurat’. En concreto, presentamos el correspondiente a la enigmática ‘Signos de alguien’. No es el tema más pop del disco, pero sí resulta fascinante en combinación con las poéticas y metafóricas imágenes que el colectivo Espíritu Escalera ha creado para ella, con cierta carga teatral y de gran potencia visual –especialmente en su tramo final–. Esto es lo que ambos nos cuentan sobre canción y vídeo:

“Una antigua reina, despojada de su poder en un pasado centenario, habita en las profundidades de un bosque recóndito, ilusión de reino sin súbditos ni habitantes. una tarde, una máquina avanza por una carretera abandonada; quienes la conducen traen noticias sobre lo inminente, que está por llegar.

‘Signos de alguien’ quiere ser un acercamiento al poder y el desarraigo; al choque entre un mundo viejo y un mundo nuevo, colisión inevitable de la que siempre emerge un futuro que, aunque desconocido y desconcertante, nos resulta familiar”.

Somos La Herencia se encuentran ya trabajando en las canciones del que será su primer disco largo.

Fotografía de Patrick Knot.

Hasta luego, flamenquito: Malú se lanza a por el nicho del pop contemporáneo con ‘Invisible’

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malu-invisible_Días atrás la que es, hoy por hoy, la mujer más exitosa del pop español, Malú, publicaba el primer adelanto de su disco de regreso tras ‘Caos’ (2015), un disco que obtuvo un éxito mucho más moderado que ‘Sí’, su disco de 2013 que estableció nuevas cotas de popularidad para ella. Se trata de ‘Invisible’, una canción en la que Malú se presta a una renovación de su sonido similar a la que también se han sometido compañeros como David Bisbal o, más recientemente, Pablo Alborán.

Este medio tiempo de pátina contemporánea pseudo-tropical –su producción corre a cargo de Julio Reyes, cuatro veces nominado en los Grammy por sus trabajos para Laura Pausini o Diego Torres– bebe directamente de los trabajos de Kygo o Robin Schulz que tanto marcan la radiofórmula actualmente. Así, este medio tiempo renuncia a volver a tocar los predecibles guiños rockeros y flamenquitos que tan buenos réditos le dieron en el pasado, pero tampoco es una ruptura total con su estilo melódico. Vamos, que no se va a caer del slot de Cadena Dial con este single, precisamente.

Su vídeo, rodado en Buenos Aires bajo la dirección de Rubén Pérez, se ha estrenado en las últimas horas y nos muestra a la sobrina de Paco de Lucía deambulando fantasmagóricamente por calles vacías de la capital argentina y una nave industrial llena de agua que le pone el vestido perdido. Dada la estupenda plataforma de promoción que supone su papel como coach en ‘La Voz’, ‘Invisible’ será previsiblemente un nuevo éxito.

Noel Gallagher ensombrece el debut de Liam lanzando la surfera y sucia ‘Holy Mountain’

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noel-gallagher-2017_Como ya sabíamos, Noel Gallagher parece querer aplicar un correctivo al estilo de Taylor Swift VS Katy Perry a su hermano Liam. Un par de días después de que este último haya lanzado su primer disco en solitario, ‘As You Were’, Noel lanza ‘Holy Mountain’, primer single de su ya anunciado nuevo disco ‘Who Built The Moon?’, que verá la luz el día 24 de noviembre.

Escuchando ‘Holy Mountain’ entendemos lo que quería decir el compositor principal de Oasis cuando decía que su nuevo disco con los High Flying Birds sería más electrónico y sorprendente. Ambos adjetivos encajan en esta canción que comienza sonando a los Primal Scream más atronadores, con unos saxos bien saturados como protagonistas, y luego adquiere tintes surf on unos coros muy Beach Boys. La produce, como el resto del álbum, David Holmes, muy reconocido por su carrera en solitario, y contiene la participación de Paul Weller tocando un órgano, según NME.

Noel ensombrece así el debut de Liam que, por ejemplo, eludía hablar de su hermano en una entrevista con El País publicada este pasado fin de semana. En cambio Noel no lo hace: en las últimas horas han tenido relevancia unas declaraciones suyas en las que decía en una entrevista a The Sunday Times y “totalmente en serio” que su hermano necesita ser tratado por un psiquiatra. Su guerra, con ambos girando y pugnando por actuar en los festivales del año que viene, está lejos de calmarse.

Khalid / American Teen

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khalidKhalid es tan joven que cuando salieron Backstreet Boys él todavía no había nacido, así que es un icono “millennial” en potencia. De hecho puede que ya lo sea atendiendo a los buenos resultados que su disco ha producido en Billboard, donde ha sido top 4, y en streaming (sus escuchas en Spotify son espectaculares). Además, el chico ha colaborado con Calvin Harris y Lorde (a quien telonea este lunes en Barcelona) y se ha hecho con el premio a Artista revelación en los últimos VMA. Ya lo dice su propio nombre: Khalid Legend Robinson.

El muchacho de El Paso, Texas (al que probablemente has escuchado en ‘Silence’ de Marshmallo) ha creado un debut a medida para representar al “adolescente americano” medio de 2017, el que se ha criado con la nube y un teléfono inteligente bajo el brazo, y su mayor éxito hasta la fecha no podría ser más representativo de su estilo, un ‘Location’ de producción exquisita, rica pero sin excesos, en que Khalid ruega a su amante que le envíe su “ubicación” para poder reunirse con él o ella. Aunque lo más llamativo de la canción sin duda es que su arreglo principal parece replicar (quizá involuntariamente) el efecto de sonido de las notificaciones nuevas de Grindr (y la gente ya se ha dado cuenta). Debido a que el disco incluye un mensaje teléfonico de lo que parece una ex de Khalid, se podría asumir que el chico es heterosexual y esto es una coincidencia, o también que es bisexual, pero da lo mismo.

‘American Teen’, que por sonido refleja la influencia en el desarrollo del soul y el R&B que han ejercido en los últimos tiempos gente como The xx, James Blake, Frank Ocean, la misma Lorde o, notablemente, Anderson .Paak (el gusto de Khalid por los sonidos funk y disco es evidente a lo largo del álbum), es un trabajo salpicado por episodios de fiestas desbocadas, amistades que parecen eternas y los primeros pasos en el amor y está lleno de nostalgia e idealismo adolescente, como demuestran ‘American Teen’, que clama “la juventud es mi esencia” (no es casualidad que titule el disco); ‘Young Dumb & Broke’, en la que el joven reconoce estar “sin blanca, pero me queda el amor”, o ‘Let’s Go’, que nos habla sobre “tirar las preocupaciones por la ventana”.

Pero ‘American Teen’ es sobre todo un disco sobre amores fracasados, ya sea a causa de la inmadurez de Khalid, como nos cuenta ‘8TEEN’, en la que a través de un número de pop agridulce el artista recuerda “yo tenía 18 años y todavía vivía con mis padres” (¿cómo se llamaría esta canción si Khalid viviera en España? ¿“25”?) o a causa de personas que le han tratado mal (el baladón ‘Coaster’). Una de las composiciones más acertadas del álbum, ‘Another Sad Love Song’, es una oda a esas canciones de desamor que la historia del pop jamás dejará de producir, pero además contiene un estribillo de armonías manipuladas con autotune resuelto con exquisito gusto.

En algunos casos, sin embargo, Khalid busca en sus letras una vulnerabilidad que se convierte en victimismo, como refleja la semi acústica ‘Saved’, en la que Khalid clama “espero algún día encontrar el orgullo para llamarte”, para después lanzar su dardo: “espero que te des cuenta de que yo fui la única persona que se preocupó por ti / no encontrarás un amor como el mío en ninguna parte”. ¡Menos mal que el chico no era orgulloso! (en ‘Coaster’ directamente anuncia “tú no me mereces”). Le perdonaríamos el desliz si por lo menos el disco tuviera unas cuatro canciones menos (al final se hace largo), pero hasta en su objetivo de arañar streamings ‘American Teen’ es puramente 2017.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Location’, ‘Another Sad Love Song’, ‘Young Dumb & Broke’, ‘8TEEN’, ‘American Teen’
Te gustará si te gusta: Anderson .Paak, Lorde, Glass Animals, James Blake, The xx
Escúchalo: Spotify

La canción del día: ‘Liability’. La fama es el «lastre» de Lorde, ¿cuál es el tuyo?

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lorde-liabilityConfieso que no entendí ‘Melodrama’ hasta que no leí las letras. Desde el punto de vista melódico y de la producción, no me parecía un segundo álbum para Lorde tan destacado como a algunos de mis compañeros y a la crítica en general. Sin embargo, el disco está lleno de ráfagas de honestidad brutal que no solo hablan de desamor post-adolescente como cabía prever sino también de uno mismo. Entre los textos imperdibles, «somos el rey y la reina del fin de semana / no hay droga que pueda parecerse a nuestra urgencia / ¿pero qué vamos a hacer cuando estemos sobrios?» o «por la mañana bailarás solo con tu corazón roto» de ‘Sober’; como apuntaba mi compañero Pablo N. Tocino en la crítica del disco «sobreanalizo tus signos de puntuación» de ‘The Louvre’ y ese polémico «te voy a querer hasta que me mandes a la policía» de ‘Writer in the Dark’; o, en resumen, el definitivo «We’re L.O.V.E.L.E.S.S. Generation», entre muchas otras.

Entre las canciones que hablan de uno mismo, una de las joyas perdidas del álbum, el segundo adelanto que conocimos pero finalmente no un single oficial, es ‘Liability’. Se trata de una balada a piano en la línea de ‘Let It Be’ de los Beatles, que abiertamente inspiró también ‘Never Went to Church’ de los Streets, en la que Lorde habla de un tema poco tratado en el mundo del pop: la dificultad de encontrar pareja si eres famoso. «La verdad es que soy un juguete que la gente disfruta / hasta que (…) se cansan de mí», canta en la segunda estrofa de esta canción, cuyo estribillo no puede ser más tristón: todo el mundo asume en una relación con ella que la fama es «un poco demasiado», una «carga», un «lastre», algo «tóxico», demasiada «responsabilidad» que su pareja no puede soportar… luego dan un paso atrás y «hacen otros planes» con los que seguir con su vida. Sin ella.

El inicio del tema es una frase muy visual, Lorde «llorando en un taxi», fruto nada menos que de un buen día en que la cantante se encontró «sola en un taxi escuchando ‘Higher’ de Rihanna». El segundo tema más corto del formidable ‘ANTI’ fue suficiente para noquear a Lorde, pero también sirvió para que esta canción le sirviera de «talismán». En su mezcla de desamor y alcohol, temas recurrentes en la discografía de la artista, como muestra la misma ‘Sober’, no es de extrañar que ‘Higher’ le sirviera de inspiración. Pero es que a su vez, ‘Liability’ es todo un talismán e inspiración para terceras personas, gracias a su universalidad. Porque habla de la fama, sí («Odio oír mi nombre en los labios de la multitud», dice ‘Writer in the Dark’), pero de un modo en que cualquiera se puede identificar. La fama es el «lastre» que arrastra Lorde para poder ser feliz junto a alguien, ¿pero quién no arrastra uno que no tiene nada que ver pero pesa igual?

‘Liability’ es un videoclip por la imagen del taxi, pero también por esa en la que Lorde habla de «irse a casa a refugiarse en los brazos de la chica que quiere, la única a la que no ha jodido la vida» y que no, no es una novia ni su madre, sino ella misma. Lorde habla de bailar con ella en el salón, pero como Robyn, como Marta y Marilia, está bailando sola: «bailamos algo lento en el salón, pero todo lo que un extraño vería sería una chica balanceándose sola, acariciando sus propias mejillas».

La sobriedad de la producción de la canción, que cuenta con un piano y poco más, acentúa el drama, pero Lorde se lo ha quitado de encima durante las entrevistas promocionales. Desde luego, hay un humor a lo «drama de primer mundo» en haber titulado el disco ‘Melodrama’, como se extrae de sus declaraciones: «Todo el mundo que me habla sobre ‘Liability’ me mira como si me estuviera muriendo de una enfermedad terminal, pero creo que es la naturaleza de haber escrito un disco llamado ‘Melodrama'». «All the glamour and the trauma and the fuckin’ Melodrama» es una frase de ‘Sober II’, el «reprise» de ‘Liability’ habla sobre no ser uno mismo tan malo como se creía («no eres lo que creías que eras, un lastre») y el disco acaba un segundo después con la aceptación, la paz, la calma (el optimismo) total que aporta ‘Perfect Places’. Lo mismito de ‘Let It Be’.

Y ese final de disco, ese desenlace, inclina la balanza hacia el lado de lo positivo en el final de ‘Liability’, que si nos ceñimos a la canción en sí, era bastante abierto. «Me veréis todos desaparecer en el sol» puede implicar un desvanecimiento similar a un suicidio, pero también la comunión más absoluta con una energía superior… aunque también perecedera. Un final ambiguo que tiene el mérito de reforzar a la canción per se y a su vez al álbum como conjunto.

Lorde actúa este lunes 9 de octubre en Barcelona. Las entradas están a la venta aquí.

The Weeknd será un superhéroe de Marvel: 5 artistas (reales o no) que fueron estrellas del cómic

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the-weeknd-starboy-comic_Este fin de semana se celebra la Comic-Con de Nueva York y Marvel ha anunciado una sorprendente novedad para el año que viene: publicarán un volumen o una serie (aún no está claro) llamada ‘Starboy’ en la que The Weeknd será un superhéroe. Evidentemente, se inspira en la historia que contenían las canciones del notable disco de mismo título que Abel Tesfaye publicaba el pasado año. Él mismo se ha mostrado encantado de revelar sus primeras imágenes en sus redes sociales.

Sin embargo, The Weeknd no es el primer artista de pop o rock en protagonizar un cómic. Obviando la serie ‘Rock ’N’ Roll Comics‘ que entre los años 1989 y 1993 dedicaba volúmenes a grupos como Guns ’N Roses, Bon Jovi o New Kids On The Block (?) y los geniales retratos de ButcherB (con Morrissey como Superman, Siouxsie como la Bruja Escarlata o Mark Mothersbaugh de Devo como Flash) que pululan por la red, estos son los 5 artistas que saltaron de la realidad al cómic… o al revés.

The Archies

Los grupos ficticios, que ponían imagen a las canciones que otros escribían (e interpretaban), fueron una constante en el bubblegum-pop de los 60. Tras The Monkees, The Archies fueron la gran revolución y, pese a ser unos personajes de historieta, canciones como ‘Sugar Sugar’ o ‘Bang-Shang-a-Lang’ son Historia del Pop con mayúsculas.

The Beatles

No es el único, pero posiblemente el mejor cómic dedicado a los Fab-Four que se haya hecho no está directamente dedicado a ellos, aunque sí son protagonistas. ‘El Quinto Beatle’ de Vivek J. Tiwary, Alex Robinson y Kyle Baker (publicado en 2013 por Dark Horse –en España, Panini–) habla de Brian Epstein, aquel primer mánager del grupo que les llevó al estrellato pero falleció trágicamente con solo 32 años.

Kiss

Stephen Tyler de Aerosmith dijo una vez despectivamente que Kiss no era un grupo de rock sino personajes de cómic. Pero, en términos estrictos, es una verdad como una montaña: el grupo de Gene Simmons, Paul Stanley, Ace Frehley y Peter Criss eran personajes de cómic andantes en su legendaria primera encarnación, la del maquillaje glam extremo de finales de los 70. Pero es que también lo fue literal: desde 1977, tienen su propia serie de cómics que ha sido editada por Marvel, Dark Horse, Image y otras editoriales en distintas épocas. Incluso hubo una maravillosa leyenda urbana que decía que se había empleado la sangre real de los músicos en la impresión de sus páginas. Hemos encontrado unas viñetas en las que Paul Stanley vence al Doctor Muerte, tal cual.

Red Rocket 7

Mike Allred es hoy uno de los guionistas y creadores de cómics más respetados y seguidos. Tras su icónico y oscuro ‘Madman’, uno de sus trabajos primigenios más singulares fue ‘Red Rocket 7’, una miniserie publicada entre los años 1997 y 1998 que contaba la historia del séptimo clon de un robot, que fue dotado con sensibilidad artística. Esto sirvió a Allred para narrar una especie de historia del rock desde la perspectiva de una fantasía científica, algo muy loco. Pero lo cierto es que, aunque no podemos escuchar las canciones que tocaba Red Rocket 7 en sus shows, sí hay una banda sonora perfecta para el cómic: se trata de las canciones de The Gear, el grupo del propio Allred. Tienen dos discos en Spotify, ‘Son of Red Rock 7’ (1998) y ‘Left of Center of The Universe’ (2009), ambos con portadas dibujadas por él mismo.

Sex Bob-Omb

Hablamos del grupo en el que el famoso antihéroe Scott Pilgrim, de la serie ‘Scott Pilgrim contra el mundo’ de Bryan Lee O’Malley, ejerce de bajista. La banda y sus canciones no se quedaron en las páginas de celulosa: cuando Edgar Wright realizó la versión cinematográfica del cómic, en la que Michael Cera daba vida a Scott, el grupo se hizo carne y nada menos que Beck escribió varias canciones grunge y punk para su banda sonora.

Liam Gallagher, muy crecidito en El País: “Bono será mi telonero, tío”

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liam-gallagherHoy el diario El País ofrece una entretenida entrevista realizada por el periodista musical Fernando Navarro con Liam Gallagher, momentos antes de que este saliera a actuar semanas atrás en el festival DCode 2017, en Madrid. En ella, por supuesto hace gala de su divertida fama de bocachancla y entrega algunos titulares sonoros, como el que se refiere a su animadversión por U2, con los que recientemente actuó su hermano Noel como telonero: “¿Yo de telonero de U2? Nooooo… ¡Ni de coña! U2 serán mis teloneros. Bono será mi telonero, tío”.

Y es que otra de las poses que muestra Liam en esta entrevista es la de andar sobradísimo, como la que ocupa el titular que ha elegido el grupo Prisa: “Soy el músico más importante de Inglaterra”. Casi . Claro que tampoco es mucho decir, a tenor de lo que él mismo dice antes: “La música inglesa hoy en día es jodidamente aburrida. A todas esas bandas les falta pasión. Sex Pistols. Ellos tenían pasión”, sentencia.

Sin embargo, Navarro también desmonta algún mito sobre el que fuera vocalista de Oasis: le presenta como un tipo cercano y natural, educado y atento. Incluso se ofrece a prepararle un café al periodista. Tampoco logra sacarle ninguna declaración altisonante –quizá está escarmentado por conseguir un efecto contrario al que busca– sobre su hermano Noel. “No pienso en mi hermano. No voy a hablar de él ni de sus discos. Nada. Esta entrevista la estoy haciendo yo”.

Esta entrevista coincide con la publicación, el pasado viernes 6 de octubre, de ‘As You Were’, el primer disco firmado en solitario por Liam Gallagher como tal. Ya se han publicado las primeras críticas y el primer palo, que quizá era de esperar, le llega de Pitchfork, que ha puntuado el disco con un 4,9 y dice de él que “nunca te convence de su razón para existir”. En las próximas horas, publicaremos nuestra crítica del álbum.

Thirty Seconds To Mars agotan nuestras reservas de vergüenza ajena con esta actuación

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thirty-seconds-to-mars-ellenThirty Seconds To Mars son uno de los grupos de rock más exitosos de esta década, pero es innegable que en gran medida lo son por Jared Leto –supongo que de esto no el cabe duda a nadie–. Y eso sucede para bien pero también para mal. Por si este fin de semana no tuviéramos suficientes razones para coger más tirria al actor y cantante con el estreno de ‘Blade Runner 2049’, en la que es el único punto negro destacable, nos encontramos con este vídeo de una actuación de su grupo en televisión.

Ocurrió un par de días atrás en el popular programa de Ellen Degeneres. La famosa actriz y presentadora invitó a Leto y su grupo a interpretar en el plató su nuevo single, ‘Walk On Water’. Si pensabais que nada podía ser peor que aquella actuación en los MTV VMAs con cámaras termográficas o este bochornoso medley dedicado al alimón a Bowie, Bennington y Cornell que se marcaban hace poco, os equivocabais.

Con una puesta en escena digna del más casposo matinal de la televisión autonómica más modesta, el trío comenzaba interpretando el tema con semblante serio y sentado entre el público del programa –numerosas mujeres de todas las edades que no sabían ni qué cara poner–. La pinta de Jared con ese poncho poniendo caras de intenso al cantar esos lemas supuestamente concienciados ya es como para echarle de comer aparte. Pero lo “mejor” viene después, cuando aparece un coro de gospel –ante el cual también se sentaba gente de forma totalmente random– que no podemos jurar que no esté haciendo lypsinc, y el grupo intenta una coreografía “improvisada” con la interacción del respetable, que es un auténtico desastre que ni siquiera da risa. La cara de Ellen de “tierra, trágame” al final de la actuación lo dice todo. Hemos visto shows de Los Supersingles de María Teresa Campos con más punch y audacia que esto.

A todo esto, ‘Walk On Water’ es el primer avance de un nuevo álbum del grupo –el primero desde que publicaran ‘Love Lust Faith + Dreams’ en 2013. En promoción del mismo, Thirty Seconds To Mars realizarán una gira mundial que, según se anunció ayer, tendrá tres paradas en nuestro país: el 12 de abril estarán en el WiZink Center de Madrid; el 13, en el Sant Jordi Club de Barcelona; y el día 14, en CUBEC! de Bilbao. Las entradas se ponen a la venta el próximo viernes, 13 de octubre, con una preventa especial el día 11 en Live Nation.

4 razones para amar ‘Blade Runner 2049’ y una para odiar a Jared Leto

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blade-runner-2046_Ocurre pocas veces. Las “películas más esperadas del año” suelen decepcionar. Sobre todo si son secuelas, reboots o remakes de títulos clásicos. No hace falta irse muy atrás en el tiempo para encontrar grandes decepciones, chascos míticos como ‘Star Wars: La amenaza fantasma’, ‘El planeta de los simios’, ‘Matrix Reloaded’ o ‘TRON: Legacy’, por poner cuatro ejemplos afines al género de ciencia ficción. El año pasado los hubo de todos los colores: ‘Escuadrón suicida‘, ‘Independence Day: Contraataque’, ‘Zoolander 2‘, ‘Cazafantasmas‘, ‘El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares’… Por eso, cuando “la película más esperada del año” no solo está a la altura de la expectativas sino que las supera –como ocurrió hace dos años con ‘Mad Max: Furia en la carretera’–, es como para aplaudir, hacer reverencias y gritar “gracias, gracias, gracias” todo a la vez.

Te damos cuatro razones para amar ‘Blade Runner 2049’ y una para odiar a su villano:

1. Denis Villeneuve. Desde que se dio a conocer en el festival de Berlín con ‘Maelström’ (2000) la carrera del director quebequés no ha parado de crecer. ‘Incendies’ (2010) le abrió las puertas de Hollywood, ‘La llegada’ las de los Oscar, y ‘Blade Runner 2049’ presumiblemente todas: premios, taquilla y despachos de altos ejecutivos. Como Nolan o Iñárritu, los dos autores foráneos más personales y poderosos del Hollywood actual, Villeneuve va a poder hacer lo que quiera. De momento ha superado un reto mayúsculo: dirigir una secuela casi perfecta de un filme perfecto. ‘Blade Runner 2049’ es a la vez un sentido homenaje sin excesivos codazos cómplices a la obra maestra de Ridley Scott (aquí en funciones de productor), una personalísima relectura del original llena de inventiva visual y fuerza narrativa, y una fascinante continuación de una historia que parecía no tener mucho más recorrido. 160 minutos que se pasan en un elegante, sobrecogedor y lloroso parpadeo.

2. El diseño visual y sonoro. Quien tenga la tentación de dejar ‘Blade Runner 2049’ para más adelante, para verla cómodamente-en-el-salón-de-su-casa, que no lo haga, que se levante y vaya corriendo como si le persiguiera Deckard a la mejor sala de cine que encuentre. La experiencia sensorial que ofrece la película es extraordinaria, difícilmente replicable en casa. La variedad de escenarios (a cual más expresivo y sugerente), imaginería ciberpunk, efectos visuales y texturas sonoras (incluyendo una muy eficaz banda sonora vangelisiana de Hans Zimmer) consiguen crear un ambiente único, irrepetible. Quizá no sea tan poético como el logrado por Ridley Scott en su ‘Blade Runner’, pero sí igual de hipnótico, melancólico y desasosegante. El impresionante trabajo fotográfico del veterano Roger Deakins, trece veces nominado al Oscar (la mayoría por las películas de los Coen), es como para darle el premio ya, sin esperar a las nominaciones.

3. Los personajes. Salvo una única excepción (ver punto 5), todos los personajes de ‘Blade Runner 2049’ son magníficos. Desde el protagonista, un nuevo y muy atractivo blade runner, hasta los nuevos replicantes, la carismática teniente Joshi y la fascinante Joi. Una de las mejores ideas de la película es que el blade runner no tenga nombre. K (perfecto Ryan Gosling) se convierte así en un antihéroe kafkiano, un solitario y taciturno “asesino a sueldo” que se cuestiona su lugar en el mundo y busca la manera de dotar de sentido a su existencia. El segundo gran hallazgo es Joi (cautivadora Ana de Armas), una ingeniosa relectura de la inolvidable Rachael que le sirve al director para reflexionar sobre la inteligencia artificial, inyectar emotividad a la historia y experimentar visualmente hasta dejarnos con la boca abierta.

4. El guión. Hampton Fancher, guionista de la primera, y Michael Green, creador de la serie ‘American Gods’ y autor de los libretos de las recientes ‘Logan’ y ‘Alien: Covenant’, han conseguido que ‘Blade Runner 2049’ no acabe transformada en un nostálgico remake encubierto (como ocurrió con el ‘Star Wars’ de J. J. Abrams). Existen rimas, ecos y alguna servidumbre argumental con la primera, pero esta continuación se defiende por si misma. Sobre una estimulante base de cine negro, ‘Blade Runner 2049’ se abre hacia otros territorios: políticos, económicos, ecológicos, filosóficos… No voy a contar mucho más (es mejor saber lo menos posible). Solo dejar constancia del inmenso placer que supone para el espectador que jueguen con sus expectativas sin que se de cuenta.

5. Jared Leto entró con mal pie en ‘Blade Runner 2049’. Su papel de Niander Wallace lo iba a interpretar David Bowie, pero la muerte del cantante le abrió el camino a un personaje que le queda más grande que su “método” de interpretación (por lo visto, para a encarnar al ciego Wallace actuó con unas lentillas para estar “ciego” de verdad). Su interpretación no llega a ser chanante, como la del Joker en ‘Escuadrón suicida’, pero no está a la altura de los demás actores de la película. Es un error de casting, pero también de escritura. Ni su pintoresca apariencia –a medio camino entre un hipster de Wall Street y un caballero Jedi– ni su engolado discurso –esa falsa transcendencia mesiánica que recuerda a la de Anthony Hopkins es ‘Westworld’– ni su presencia en la película –mucho menos significativa de lo que cabría esperar–, consiguen su objetivo: ser un villano tan magnético y genial como el doctor Eldon Tyrell que interpretaba Joe Turkel en el primer ‘Blade Runner’. 9.

Moses Sumney / Aromanticism

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mosesEl californiano Moses Sumney se define como “a-romántico” porque asegura ser “absolutamente incapaz de devolver amor” a pesar de “sentir desesperadamente la necesidad de recibir afecto”. Aunque su debut, ‘Aromanticism’, que llega tras varios EPs y el beneplácito de Sufjan Stevens, James Blake o Solange, ha inspirado varios hilos en foros de la comunidad asexual, ‘Aromanticism’ no es –en principio– un disco sobre asexualidad, pues del mismo modo que la palabra “amor” no aparece en la página sobre asexualidad de Wikipedia (y todavía hay mucho debate sobre si la asexualidad anula de las relaciones también el amor romántico, no solo el sexo), en ‘Aromanticism’ las referencias al sexo son escasas ya desde el mismo sonido de sus canciones, que miran al cosmos en lugar de buscar el tacto a través de composiciones plácidas, minimalistas y taciturnas, nada explosivas o sensuales. Solo ‘Make Out in My Car’, una composición escalofriante en su juego de coros, cuerdas y clarinetes, nos habla de sexo para contarnos: “no quiero acostarme contigo, solo quiero liarme contigo en el coche”.

En ‘Aromanticism’ los ritmos ceden su protagonismo, además de al falsete de Sumney –probablemente el mejor que ha dado la música desde D’Angelo– a las guitarras, los pianos, los coros celestiales (espectacular ‘Don’t Bother Calling’ en ese sentido), los arreglos orquestales y las atmósferas electrónicas, como demuestran por ejemplo las preciosas ‘Plastic’, que incluye cuerdas un poco Disney hacia el final, y la jazzy ‘Quarrel‘, que despega hacia la galaxia a través de una emocionante coda. El álbum se desarrolla a través de varios interludios y se hace corto -dura 36 minutos- pero a pesar del minimalismo con el que se ha abordado la composición, ‘Aromanticism’ está cargado de intensidad.

‘Aromanticism’ es un disco sobre la belleza de la soledad y sobre la posibilidad de amarla, de amar el no-amor, y aunque los títulos de algunas canciones como ‘Doomed‘ o ‘Lonely World‘ denotan cierto pesimismo -y ambas son canciones dramáticas-, su sonido inspira una paz interior absoluta, especialmente esa ‘Indulge Me‘ en la que Sumney se muestra “complacido” con que sus anteriores amantes hayan encontrado el amor y él no. Y esa paz interior, no exenta de tristeza, sin embargo, es el espíritu que mueve todo el disco, un disco de una belleza enorme, compuesto para escuchar en soledad y con el que disfrutar de tu propia compañía.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Quarrel’, ‘Indulge Me’, ‘Doomed’, ‘Make Out in My Car’
Te gustará si te gusta: Solange, D’Angelo, Corinne Bailey Rae,
Escúchalo: Spotify

Charlie Puth lleva camino de comerle la merienda a Justin Timberlake: atención a ‘How Long’

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charlie-puthAunque Justin Timberlake es posiblemente la voz blanca del soul y el R&B por antonomasia en nuestros días, y aunque su tema para la BSO de ‘Trolls’ fuera la más escuchada en todo el mundo en 2016, no debería bajar la guardia. Ahora que parece centrado en su su faceta como actor (próximamente le veremos en lo nuevo de Woody Allen) y productor cinematográfico, y que su último disco, ‘The 20/20 Experience’, tiene ya más de 4 años, podría venir otro jovenzuelo blanco y, sin que él se dé cuenta, le coma la merienda.

Hablamos de Charlie Puth, un youtuber de 25 años que dio el salto a primera fila del mainstream con su debut del año pasado, ‘Nine Track Mind’, cuya irregularidad no ha evitado que dos de sus canciones estuvieran entre las más escuchadas del año pasado (su dueto con Selena Gomez ‘We Don’t Talk Anymore’ y su balada ‘One Call Away’). Por no hablar de que su vídeo junto a Wiz Khalifa para el tema ‘See You Again’ –de la BSO de ‘Fast & Furious 7’– es el más visto en la historia de Youtube en estos momentos. Y no es flor de un día: su irrupción tuvo lugar en 2015, con aquella ‘Marvin Gaye’ junto a Meghan Trainor que sonó hasta en la sopa.

Además, Puth tiene ya listo su segundo disco de estudio. Se titula ‘Voicenotes’ –dice que cada canción del disco se gestó usando esa aplicación del móvil– y se publicará en los albores de 2018, el día 19 de enero. Lo cierto es que, si atendemos a sus dos primeros singles, no tiene ninguna pinta de que su ascensión vaya a truncarse, más bien lo contrario. Tras presentar en primavera ‘Attention’ –en tan solo unos meses ya se ha convertido en su segunda canción más escuchada en Spotify y su vídeo acumula más de medio millón de visitas–, este viernes ha estrenado ‘How Long’.

De nuevo, estamos ante una canción magnética desde la primera escucha, siguiendo los preceptos del pop-soul más elegante y cuya base sin duda remite a las producciones de Timbaland para Timberlake. En su estribillo, en cambio, remite a los mejores Maroon 5, por lo que parece casi una obviedad asegurar que, salvo catástrofe, estamos ante un hit global que no pararemos de oír los próximos meses.

La canción del día: en ‘La llamada’, Leiva se sitúa a nivel Calamaro

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leiva la llamadaComo explicaba muy bien mi compañero Pablo N. Tocino en su crítica de ‘La llamada’, adaptación a la gran pantalla del musical del mismo título creado por los propios Javier Ambrossi y Javier Calvo, la canción del mismo nombre que Leiva ha prestado para la película tiene un papel muy singular en la película. Cierto es que, desde un punto de vista cinematográfico, es un momento como facilón, propio de un capítulo de ‘Anatomía de Grey’.

Sin embargo, cumple a la perfección el efecto que probablemente buscan Los Javis: ofrecer un punto de inflexión en la película, poner sintonía al nudo (tanto hipotético como «real» –me refiero al que tienen en el estómago–) que viven las protagonistas, previo al desenlace. Quizá por eso, desde que vi la película no dejo de pensar en ese momento y revivirlo escuchando de nuevo ‘La llamada’.

Y es que Leiva es un artista que, tras el fin del fenómeno Pereza, no ha parado de crecer comercialmente –discos como ‘Pólvora’ y ‘Monstruos’ han sido número 1 en nuestro país– pero también artísticamente. Si el hecho de que la mejor canción del último disco de Sabina –que, por cierto, también producía– fuera su dueto ‘Por delicadeza’ no era ya suficiente pista de su crecimiento, esta canción es un innegable y emocionado golpe en la mesa: sutil en sus preciosos arreglos de piano y esas cuerdas y flautas que remiten a ‘She’s Leaving Home’ y ’Strawberry Fields Forever’, la melodía de sus estrofas es un milagroso hallazgo digno del mejor Andrés Calamaro.

Su estribillo, aún contenido en las percusiones, resulta tan explosivo como fugaz, como si nos atravesara a nosotros ese rayo de pasión–llámalo lujuria, llámalo fe– que evoca la transformación de María, la protagonista del film. Como único pero, diríamos que su final instrumental extendido de más, repercute en el efecto emocional del tema, pues su letra, poética y cercana, es una de sus grandes bazas.

El ganador de un Goya Julio de la Rosa se lanza al spoken-word en ‘El desvarío de un superviviente’

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julio-de-la-rosaSi una actriz/actor y una directora/director presumen en sus presentaciones de la coletilla “ganador de un Oscar” o “Goya”, según el caso, ¿por qué no iban a hacerlo los músicos. El gaditano Julio de la Rosa, de hecho, se ha prodigado más últimamente en su faceta de compositor de bandas sonoras para cine y televisión que como escritor de canciones pop o rock.

Y es que, desde que publicara en 2013 el notable ‘Pequeños trastornos sin importancia’ –en el que contó con colaboracions de Bunbury, Anni B Sweet, Tulsa y Xoel López–, le hemos escuchado sobre todo en películas como ‘La isla mínima’ (la que le llevó a ganar su cabezón), ‘Cien años de perdón’ o ‘El hombre de las mil caras’, y series como ‘La embajada’, ‘Mar de plástico’, ‘El incidente’ o ‘La peste’ (pendiente de estreno). Pero nunca ha dejado esa faceta rockera que iniciara años atrás desde el grupo El hombre burbuja.

Al fin esta semana ha anunciado la continuación de ‘Pequeños trastornos…’ y es un lanzamiento muy especial. Porque ‘Hoy se celebra todo’ será algo así como el complemento musical para su nueva novela, ‘Wendy y la bañera de los agujeros negros’. De hecho, el primer avance de ese álbum, que se publica a través de Ernie Records el día 17 de noviembre, ejerce de prólogo del libro. Hablamos de ‘El desvarío de un superviviente’, en la que de la Rosa muestra cuánto ha influido la composición de scores en su manera de enfocar el rock: sobre la sinuosa canción, Julio recita a modo de spoken-word líneas inquietantes como “Llevaba puesta esa camisa mía, blanca y gigante con la que se paseaba por casa (…), pero la cuestión es que había muerto hacía más de 10 años. Ella insistía en que no era un fantasma, yo le decía que explicara eso”.

Britney Spears no teme a volver a actuar en Las Vegas: “superaremos esto juntos”

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britney-las-vegasLa tragedia del pasado domingo en Las Vegas, en la que un hombre llamado Stephen Paddock asesinó indiscriminadamente con armas automáticas a 58 personas e hirió a más de 500 durante un festival de música country, ha sido un duro golpe para la sociedad norteamericana y podría marcar drásticamente la actividad cultural de la capital del estado de Nevada. Jennifer Lopez, que debía actuar durante tres noches en un hotel de la ciudad esta semana, canceló esas actuaciones.

Sin embargo, otra cantante pop que se ha convertido en una institución de la ciudad de los casinos, Britney Spears, ha reaccionado de manera totalmente opuesta. En un post de Instagram ha mostrado su total disposición a continuar con su residencia en el hotel Planet Hollywood –que, por otra parte, ha dado momentos de lo más varipinto– desde el próximo miércoles y hasta diciembre, según tenía previsto, y ha animado a sus ciudadanos a mantenerse unidos para superar el horror.

Spears ya mostró su consternación días atrás. Tras este ataque, se supo también que Paddock podría haber atentado días antes en otro festival de la ciudad, Life Is Beautiful Festival, en el que habían actuado artistas como Lorde, Chance The Rapper, Gorillaz, The xx o Muse.

We’ll get through this together ❤️ See you Wednesday #VegasStrong

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Jennifer Lopez, Gloria Estefan, Luis Fonsi, Camila Cabello… cantan con Lin-Manuel Miranda por Puerto Rico

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almost-like-praying-jennifer-lopezHace unas horas se ha estrenado la canción benéfica ‘Almost Like Praying’. Se trata de una iniciativa del actor, escritor y compositor Lin-Manuel Miranda –archiconocido en Estados Unidos como el creador, director y protagonista del exitoso musical ‘Hamilton’– para recaudar fondos que ayuden a reparar los terribles daños causados en la isla de Puerto Rico por el huracán María. El 100% de sus beneficios irán directos a la organización no gubernamental Hispanic Federation que opera en estos momentos allí para ayudar sobre el terreno.

Precisamente ‘Maria’, una canción del musical ‘West Side Story’ (de ella procede la frase que da título de la canción), sirve a Miranda y el productor Trooko –colaborador habitual del ex-Calle 13 Residente– para crear la base de esta canción en la que se han involucrado los artistas de origen latinoamericano más importantes del mundo en estos momentos: desde estrellas como Jennifer Lopez y su ex-marido Marc Anthony, pasando por veteranos como Gloria Estefan, Rubén Blades y Juan Luis Guerra, pasando por nuevos ídolos como Luis Fonsi o Camila Cabello y actores como John Leguizamo recitan los 78 municipios o ciudades de la isla caribeña.

Recordemos que Puerto Rico forma parte de Estados Unidos como Estado Libre Asociado y, por eso, se ha criticado fuertemente a Donald Trump por ignorar esta catástrofe natural en sus primeras horas, por lo cual el propio Lin-Manuel Miranda profirió a Trump su desprecio en un tuit en el que le decía que tendría el camino despejado hacia el infierno. No menos polémica ha sido su visita posterior al estado, cuando menospreció ante autoridades locales los «pocos» muertos (16 confirmados) que se habían producido allí en comparación con los del huracán Katrina, o se divirtió lanzando rollos de papel higiénico como si fueran pelotas de baloncesto a ciudadanos que requerían bienes de primeras necesidad.

Escapando de la realidad con Nick Cave

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nick-cave-o2-london-2017Soy muy fan de Nick Cave. Pero no soy una buena fan. El primer disco suyo que escuché completo fue ‘Murder Ballads’ (1996). No me gustó demasiado. Pocos años después, un amigo me pasó toda su obra y ahí fue cuando empecé a amarlo, amor que llegó a su punto culminante con ‘No More Shall We Part’ (2001), uno de mis diez discos favoritos-de-la-vida. Sé que para los seguidores “auténticos”, esos que veneran la etapa Berlín y el rollo punk-blues yonki, el Nick crooner y melancólico es una abominación. Pero es ese, el que emergió en ‘The Boatman’s Call’ mi preferido. Y ese Nick es tan Nick como el que ulula en ‘From Her to Eternity’, al que también adoro, pero un pelín menos. El australiano tiene una obra prácticamente inmaculada (salvo quizás ‘Nocturama’ y ‘Dig, Lazarus, Dig!!!’). ‘Push the Sky Away’ (2013) fue un álbum de hermoso y recio clasicismo. Después llegó el horror. Y el horror trajo ‘Skeleton Tree’.

No he tenido estómago para ver ‘One More Time With Feeling’. Me siento incapaz, lo reconozco. Pero sí deseaba ver a Nick Cave and the Bad Seeds en esta gira. Una gira europea amplísima, que pasa por todos los lados… menos por España. Con la mosca tras la oreja sobre si tendría la exclusiva algún festival, un amigo me propuso este verano ir a verle a Londres. ¡Por supuesto! Lo jodido es que acabara coincidiendo con el fin de semana más convulso que hemos vivido en Catalunya. Así que, con el ánimo intranquilo, me dirijo a verle por séptima vez (si contamos los dos conciertos de Grinderman). Y eso que me perdí, por motivos económicos, la gira de ‘No More Shall We Part’ (snif), que sólo pasó por Madrid y la de ‘Abattoir Blues’ (snif, snif) en el FIB del 2005. A causa de mi estupidez, tampoco asistí a la presentación de ‘La muerte de Bunny Munro’ en el Casino de l’Aliança (corramos un tupido velo sobre esto; a día de hoy aún me pego cabezazos contra la pared). De todas las veces que lo he visto, la primera en el Doctor Music Festival del 98, fue la mejor. En estas aún no era fan, pero dio el mejor concierto de todo el festival (en un cartel que incluía a los Beastie Boys con la gira de ‘Hello Nasty’, Pulp con ‘This is Hardcore’ o Portishead con su álbum homónimo). Y Nick y los Bad Seeds presentando el ‘Greatest Hits’ nos liquidaron. Nick aullaba “Look at the mooon!” y señalaba a la luna llena que brillaba en Escalarre. También me regaló uno de los momentos más inmensos que he visto nunca encima de un escenario, cuando Blixa hizo de Kylie en ‘Where the Wild Groses Grow’. Apabullante. Después de eso, ¿cómo no iba a amarlo?

Volvamos al presente. Como he dicho, me fui de Barcelona con mucha preocupación. El domingo será un día peor. Pero el sábado estoy en el O2 para ver a Nick. Un recinto inmenso (mucho más grande que un Palau Sant Jordi), con un sonido increíble. Tras casi media hora de retraso sobre el horario previsto, aparecen Martyn Casey, Thomas Wydler, Jim Sclavunos, Conway Savage, George Vjestica, Larry Mullins, el inefable Warren Ellis… y el maestro de ceremonias. Consigo situarme relativamente cerca del escenario. Y más que estaré porque, no sé cómo, a lo largo del concierto, hay sucesivas riadas de aproximación que cada vez nos dejan más a punto de tocar del escenario. Una de dos: o los de la primera fila acabaron aplastados o hubo alguien que fue retirando la valla de protección. El setlist está centrado en ‘Skeleton Tree’. Excepto ‘Rings of Saturn’ caen todos sus temas, empezando por ‘Anthrocene’ y continuando con ‘Jesus Alone’. Conmovedoras y escalofriantes; los versos “love love Love” o “With my voice/I’m calling you” hieren. Nick es en apariencia tan chulo como siempre, para nada abatido. Pero sí se muestra vulnerable. Su voz se quiebra en varios momentos. Aun así, su nervio, su pasión, su brío, todo eso sigue intacto. En ‘Magneto’ se deja querer. Pide ternura, a la vez que nos demanda sumisión. Oh, pero cómo no sucumbir, especialmente cuando la emoción se dispara en un ‘Higgs Boson Blues’ acojonante y acongojante. Nick susurra “Can you hear my heartbeat?” y los “Boom, boom” que entona se clavan en el alma. Ah, en el concierto también hay proyecciones. Pero, pudiendo ver a Nick, ¿quién quiere imágenes?

El inicio del show es tan arrebatador, me deja tan sin aliento, que el resto en comparación decae. Llegan los hits y, a partir de aquí, Nick recupera su traje de puto amo perdonavidas. Los Bad Seeds, en segundo plano porque el jefe acapara toda la atención, reparten estopa de la buena. Caen ‘From Her to Eternity’, ‘Tupelo’, ‘Red Right Hand’… ‘The Mercy Seat’ es tan luciferina como debe; ‘The Ship Song’ conmovedora; en ‘Into My Arms’ emociona escuchar a absolutamente todo el O2 cantando su estribillo. Pero es que la primera parte ha sonado sentida de verdad y ahora, pese a su enérgica ejecución, le falta algo de sentimiento. Y teniendo en cuenta que desgranan prácticamente los mismos “grandes éxitos” que lleva interpretado en sus giras desde 2013, se añora alguna que otra novedad. Además, hay un momento cuanto menos, raro. En ‘Distant Sky’, la parte de Else Torp se reproduce mediante un vídeo, en vez de ser interpretada por alguna otra cantante en directo.

La avalancha cada vez me empuja más cerca del escenario, pero no resulta angustioso, probablemente por la misma adrenalina. Casi puedo oler el sudor de los músicos. Nick juega con nosotros, nos reclama cercanía y exige pleitesía. No quiere sólo tu atención, exige tu devoción. En ‘The Weeping Song’ nos conmina a interpretar palmas (y quedan muy bien) y se zambulle en medio de la audiencia, un número ya familiar en él. Pero el máximo enloquecimiento llega con los bises y ‘Stagger Lee’, en que un Nick ya completamente desatado lleva al máximo su pulsión de acercarse al público, haciendo que las primeras filas se suban al escenario. Fans arrebatados cantan y bailan, Nick se comporta como un profesor severo (“Sit down!” manda en algún momento; cualquiera le desobedece), corta los intentos de confraternizar en exceso de algún seguidor emocionado (para algo, él es el jefe), se lleva con él a cantar a un mazas que parece una mezcla de super héroe y heavy de los ochenta, se pierde por las gradas y, justo en mi lateral, se encuentra con nada más y nada menos que ¡Bobby Gillespie! Las cámaras lo muestran con cara de susto mientras Nick le hace cantar el estribillo [Nde: ver vídeo más abajo] de ‘Push the Sky Away’ (por cierto, no se la sabe demasiado). Tras más de dos horas de concierto, los 20.000 asistentes abandonamos el O2. Algunos en éxtasis. Otros algo decepcionados (a mi amigo no le ha gustado ni el recinto ni el ambiente). Y yo con la sensación de que, al menos, Nick ha logrado borrar mis preocupaciones, en un concierto muy bueno en su segunda mitad, colosal en la primera. Gracias.

Verdades, imprecisiones y dudas sobre las cancelaciones de ‘Stranger Things’ y OT en Cataluña

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stranger-thingsMientras CaixaBank anuncia que cambia su sede de Barcelona a Valencia y Gas Natural aprueba trasladarse a Madrid, dos noticias relacionadas con el mundo de la televisión afectan también a Cataluña. En primer lugar, según varios medios y medio Twitter, se ha producido la cancelación de la première oficial de la segunda temporada de ‘Stranger Things’ en el Festival de Sitges este fin de semana, debido a «la situación que vive Cataluña».

En primer lugar, en ningún momento estuvo planeada la emisión del primer episodio inédito de ‘Stranger Things’ en el festival de cine fantástico y terror catalán. Lo que prometía su web como podemos ver en la caché de Google era «una presentación de la segunda temporada con proyección de material inédito», no un episodio completo casi un mes antes de su estreno mundial, lo cual habría sido todo un hito, desde luego. Lo que sí se ha cancelado es ese acto de presentación al que iban a asistir los niños de ‘Stranger Things’, que serán entrevistados la semana que viene en El Hormiguero.

Según informaba Catalunya Radio esta mañana, la visita promocional a Sitges se cancelaba porque los padres de los niños se oponían. La declaración de Ángel Sala, director del festival, era: «Netflix ha enviado una nota amable diciendo que los padres de los jóvenes actores, que son menores de edad, han considerado que la situación era peligrosa para ellos y han decidido suspender la visita».

Sin embargo, la nota oficial final emitida luego es bien distinta, omite la palabra Cataluña, y alega problemas de agenda: «¡Atención! Queda suspendido el evento de presentación de la segunda temporada de STRANGER THINGS. Un cambio de última hora en la agenda del tour europeo de la segunda temporada de la serie impedirá a los actores acudir a Sitges. El Festival i Netflix lamentamos las molestias».

Por otro lado, 20 Minutos también ha informado de la cancelación de una rueda de prensa de Operación Triunfo en Barcelona el 10 de septiembre por «esperar a ver cómo se desarrollan los acontecimientos en Cataluña», donde una declaración unilateral de independencia podría tener lugar un día antes, el día 9. Se iba a desplazar a varios periodistas desde Madrid para este acto de OT, pero alguien habría considerado que no era una buena idea. Sin embargo, RTVE, ente público, ha indicado -como recoge Vertele– que el aplazamiento del acto se debe a la realización de «unas obras», recalcando que no está previsto que OT deje de grabarse en Barcelona.

‘the gate’, nuevo top 1 en JNSP; entran Banks, The Killers, The Sound of Arrows, “The Pains”, Alexanderplatz y C. Tangana

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bjorkBjörk alcanza el número 1 de nuestro site votada por el público con su nuevo single ‘the gate’, adelanto del nuevo álbum que está a punto de lanzar. En la primera mitad de la tabla destacan los nuevos máximos de St Vincent, The Horrors y Goldfrapp; mientras que hay que destacar las entradas de lo nuevo de Banks, The Killers, The Sound of Arrows, “The Pains”, Alexanderplatz y C. Tangana. Podéis escuchar la lista de candidatos bajo estas líneas y volver a votar por vuestras 20 canciones favoritas aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 7 1 2 the gate Björk Vota
2 4 1 24 Lust for Life Lana del Rey ft The Weeknd Vota
3 5 3 14 I Dare You The xx Vota
4 11 1 32 Love Lana del Rey Vota
5 1 1 18 Perfect Places Lorde Vota
6 8 1 47 On Hold The xx Vota
7 2 1 32 Green Light Lorde Vota
8 3 3 4 Disco Tits Tove Lo Vota
9 9 1 18 Everything Now Arcade Fire Vota
10 20 1 21 Malibu Miley Cyrus Vota
11 12 7 13 Praying Kesha Vota
12 16 12 14 New York St Vincent Vota
13 13 1 13 Swish Swish Katy Perry ft Nicki Minaj Vota
14 10 1 10 Boys Charli XCX Vota
15 18 15 8 Something to Remember Me By The Horrors Vota
16 24 16 9 Systemagic Goldfrapp Vota
17 15 7 14 Feels Calvin Harris ft. Pharrell Williams, Katy Perry, Big Sean Vota
18 18 1 Underdog Banks Vota
19 14 12 7 Younger Now Miley Cyrus Vota
20 23 3 6 Look What You Made Me Do Taylor Swift Vota
21 21 20 9 Guilty Party The National Vota
22 31 22 7 tonite LCD Soundsystem Vota
23 23 1 Run for Cover The Killers Vota
24 17 17 2 Romeo Yelle Vota
25 25 1 Don’t Worry The Sound of Arrows Vota
26 19 19 2 Spent the Day In Bed Morrissey Vota
27 22 22 4 Up All Night Beck Vota
28 24 17 6 Escapades Azealia Banks Vota
29 32 21 5 Selfish Love Jessie Ware Vota
30 30 1 So True The Pains of Being Pure At Heart Vota
31 26 26 4 Pain The War on Drugs Vota
32 29 29 2 Me voy Ibeyi, Mala Rodríguez Vota
33 28 26 4 Recompensarte La Bien Querida ft J & Muchachito Vota
34 30 19 7 Without Love Alice Glass Vota
35 35 1 Podrías haberte quedado quieto Alexanderplatz Vota
36 36 1 De pie C. Tangana Vota
37 33 33 2 Te lo digo a ti Vetusta Morla Vota
38 36 24 9 Secrets The Weeknd Vota
39 39 21 9 Loyalty Kendrick Lamar ft Rihanna Vota
40 40 22 5 Crybaby Paloma Faith Vota
Candidatos Canción Artista
Fuerzas absurdas Puzzles y dragones Vota
Waitin Kelela Vota
Mistakes Tove Styrke Vota
Voy Mueveloreina Vota
Greedy Soul Liam Gallagher Vota
Dispatch From Mar-A-Lago L7 Vota
Siempre Modelo de Respuesta Polar Vota
Los Ageless St Vincent Vota
Deep Dream Lali Puna Vota
La noche de los muertos vivientes Carolina Durante Vota

Shania Twain gana a Wolf Alice la controvertida batalla por el nuevo top 1 en Reino Unido

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shaniatwainShania Twain, con su primer disco en 15 años, llamado muy ingeniosamente ‘Now’, es el nuevo número 1 de las islas británicas. Deja, por tanto, a Wolf Alice sin número 1 en Reino Unido, quedando su notable segundo disco ‘Visions of a Life’ en el puesto 2, como ya sucediera con su debut.

Wolf Alice eran número 1 en las «midweeks» anunciadas el lunes. Después, pasaban al puesto 2 adelantados por Shania Twain. Y finalmente ha sido esta quien se ha alzado con el número 1 por 764 copias de diferencia. La carrera de grupo y artista por el nuevo top 1 en las islas británicas ha sido algo amarga. Pese al tono de broma que tenía el llamamiento de Wolf Alice (y The 1975) a sus fans para que compraran su álbum y dejar a Shania Twain sin el puesto de honor, lo cierto es que sus palabras contenían algo de “ageism” como bien apuntaba mi compañero Jordi Bardají.

Shania Twain vuelve así con éxito tras haber arrasado a finales de los 90 y principios de los 2000, aunque las cifras de ventas, 20.097 copias en Reino Unido -y estarán muy poco por encima de las 100.000 en Estados Unidos- quedarán muy lejos de sus años dorados de decenas y decenas de millones de álbumes despachados. Aun así, un éxito que la gente no se haya olvidado del todo de ella en este largo lapso.