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Este remix de Roosevelt para Rhye es tan bueno que tiene su propio vídeo oficial

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rhye-rooseveltSemanas atrás nos felicitábamos por el regreso de Rhye, proyecto musical del cantante canadiense Mike Milosh y el músico danés Robin Hannibal. Lo hacían con un nuevo doble single, encabezado por ‘Please’ y con una sugerente cara B llamada ‘Summer Days’, perfecta para esos días de pleno verano en los que se editó. Sin embargo, precisamente esa nueva canción ha cobrado una nueva vida estos días, gracias a un remix del joven Roosevelt.

La nueva versión de la canción a cargo del alemán Marius Lauber traslada el tema de Rhye a un espacio nuevo, aún más refrescante y bailable, subiendo ligeramente de BPMs y dando protagonismo a una guitarra muy funky. Una remezcla tan buena que incluso los propios Rhye la apoyan lanzando un videoclip exclusivo para este mix. En él, filmado en blanco y negro por la directora Geneviève Medow-Jenkins, diferentes individuos o parejas se introducen en un fotomatón de la ciudad de Berlín. “El fotomatón es un espacio privado dentro de una esfera pública”, explica Milosh sobre el vídeo. “Con tan solo una cortina para proveer privacidad, el fotomatón permite a la gente ser quien quieran ser con todo el descaro del mundo, expresando tontería, tristeza, intimidad y humor. El ambiente creado por el fotomatón fomenta lo que necesitamos en este mundo: más unirnos, más amor, más alegría y humor”.

Por el momento Rhye no han anunciado si ‘Please’ y ‘Summer Days’ estarán incluidos en un nuevo álbum del proyecto que dé continuidad al notable ‘Woman’, con el que debutaron en el año 2013. Lo que sí es seguro es que su actividad se ha incrementado: en las últimas semanas también han colaborado en ‘Moment’, el nuevo single del productor King Henry, colaborador de los recientes álbumes de Beyoncé y Justin Bieber, entre otros.

Nacho Canut (Fangoria) vuelve a ser Jet7… 7 años después

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jet-7-aedificium-tehnicaeComo sus mejores fans saben, la actividad musical de Nacho Canut no se limita a su trabajo con Alaska en Fangoria (aunque indudablemente es el más rentable). El ex-Pegamoide y ex-Kaka de Luxe mantiene también otros perfiles como Calígula 2000 –en el que suele ejercer de remixer housero– y Jet7, en el que elabora música instrumental no necesariamente electrónica y rica en influencias.

“Jet7 es el nombre de una discoteca abandonada que vi en Burdeos durante unas vacaciones en Francia. La música que hago bajo este seudónimo es instrumental y basada en samples, muestras de ritmos, diálogos y músicas de películas. Todo esto lo mezclo con instrumentos reales. Al contrario de lo que hago cuando se trata de Fangoria, aquí no me pongo límites de ningún tipo”, explica Canut en nota de prensa.

Tras publicar en 2008 ‘[Plan B]’ y en 2010 ‘Cactus’, el proyecto parecía aparcado… hasta hoy. El sello Nøvak (Comando Suzie, Por Qué Jeanette) anuncia la inminente publicación –tan pronto como el lunes 11 de septiembre– de ‘Aedificium Tehnicae’, un nuevo álbum de Jet7 con, ejem, 7 nuevos cortes (evidentemente, Nacho tiene una fijación con la cifra y bromea con ellos en la última canción del disco, ‘Odio los sietes’). Días antes podemos escuchar el primer avance de este álbum, titulado ‘Sirius B’, un tema de más de 6 minutos que condensa influencias de electrónica minimalista a lo Orbital, coros operísticos y dub, con un arreglo de melódica (interpretado por D. Llanes) como clara protagonista.

Alejandro Sanz, Amaral, Rosendo y hasta 150 artistas más firman un manifiesto para reformar SGAE

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alesanzEn noticia destacada esta mañana en la cabecera de El País online, el diario revela que los artistas más populares de nuestro país –como Alejandro Sanz, Pablo Alborán, Amaral, Rosendo, Malú o Dani Martín– se han unido a otros colegas, hasta sumar casi 150, para firmar un manifiesto que reclama al Ministerio de Cultura la reforma integral de la Sociedad General de Autores, SGAE. Dicho manifiesto, titulado “En defensa de nuestros derechos” y al que ha tenido acceso exclusivo El País, deja claro en primer lugar que las acusaciones de estafa que la justicia ejerce estos días contra la entidad “se dirigen únicamente contra los causantes de los delitos de estafa, fraude o administración desleal; en ningún caso a la generalidad de los autores, cuya imagen no se debe en absoluto desprestigiar”.

Luego, el escrito insta al Ministerio de Cultura a que “actúen contra las malas prácticas llevadas a cabo, atendiendo a su obligación de tutela sobre la SGAE”, lo cual implicaría una reforma de los estatutos de la entidad. El País ha confirmado con el Ministerio que se prevé una reunión con una representación de estos artistas. Uno de ellos es Patacho Recio, miembro de la Coalición Autoral y la Junta de Autores de Música –además de líder de uno de los grupos más singulares de los 80, Glutamato Ye-Yé–. Recio ha dicho al mismo diario que los autores han sido víctimas de una estafa y apunta como uno de los principales motivos a que la dirección de la SGAE ha ido desvirtuando la representación de los socios en la entidad, limitando el voto en sus juntas a menos de un 20% de los autores.

Otros autores firmantes del manifiesto, según este diario, son artistas de dilatada carrera como Kiko Veneno, Jaume Sisa, Santiago Auserón, Rosa León, José María Cano (Mecano), Marta Sánchez, Jorge Martínez (Ilegales) o Julián Hernández (Siniestro Total). También se cita a artistas de perfil alternativo, habituales de nuestra web, como Fernando Alfaro, Francisco Nixon o miembros de Love of Lesbian y Second.

Además, algunos de ellos van a personarse conjuntamente por medio de un despacho de abogados como acusación particular en los casos abiertos por estafa. Ayer mismo el juez de la Audiencia Nacional José de la Mata dictó auto en el proceso abierto 6 años atrás contra su ex-presidente, Teddy Bautista, y su segundo, José Luis Rodríguez Neri –además de otras 9 personas–, acusándoles de desviar unos 21 millones de euros de la entidad por medio de sociedades pantalla. Además, meses atrás se destapaba un nuevo escándalo, el llamado caso de la rueda, en el que ,de nuevo a través de SGAE, supuestamente se recaudaban fondos de TVE y televisiones autonómicas de forma ilícita mediante la emisión de música de madrugada, pagada a costes muy elevados y a cargo de autores ficticios que desviaban los enormes emolumentos hacia la trama. Entonces, ya hubo una nueva protesta pública por parte de los músicos y autores.

OMD / The Punishment of Luxury

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omdpunishmentOMD fueron a principios de los 80 uno de los grupos más importantes del synth-pop internacional gracias a la edición de álbumes como ‘Organisation’ -el que incluía la brutal ‘Enola Gay’-, ‘Architecture & Morality’ -el que incluía la estupenda ‘Joan of Arc’ y ‘Souvenir’- o el más experimental ‘Dazzle Ships’. La marcha de la banda de uno de sus dos icónicos fundadores y co-autores, Paul Humphreys, no impidió que OMD salieran adelante, pero fue el regreso de Paul al grupo, su reconciliación en 2010 con Andy McCluskey, lo que ha permitido una especie de segunda adolescencia para el proyecto conocido en España como «Maniobras Orquestales en la Oscuridad».

History of Modern‘ y ‘English Electric‘ tres años después, en 2013, volvían a poner en el mapa a OMD y ahora están de regreso con un disco muy similar en filosofía y estilo. En ‘The Punishment of Luxury’ vuelven a incluir singles poperos que figurarían dignamente en un nuevo recopilatorio del grupo, mientras que el sonido Kraftwerk en concreto y el arte en general les sirven de base para realizar una crítica de aquello en lo que se está convirtiendo el mundo.

La tesis detrás del disco es algo así como que la tecnología no nos está trayendo la libertad o la felicidad. Así, el tema que da título al largo, ‘The Punishment of Luxury’, inspirado en un cuadro de Giovanni Segantini de 1981, contiene frases como «¿pensáis que tenéis razón, que sois libres / flotando en vuestro purgatorio?»; y el single ‘Isotype’ critica que los sentimientos de una persona puedan ser reducidos a poco más que un emoji. El mensaje puede resultar algo viejuno y simplón, pero la verdad es que en este utilizar lo que se entendía como «el sonido del futuro» para criticar el futuro el grupo ha dado con otra de sus excelentes canciones.

No siempre ha sido así, en cambio. ‘One More Time’ reluce muy claramente en la segunda mitad cuando ya creías que el disco solo incluiría anécdotas que se llaman cosas como ‘Art Eats Art’ y ‘Kiss Kiss Kiss Bang Bang Bang’. Aunque lo peor es que OMD llevan ya tres discos rindiendo una pleitesía a sus admirados Kraftwerk que empieza a resultar un poco «creepy». ¿No estaría mejor que se rindiesen homenaje a sí mismos, que también se preocuparon de publicar álbumes diferentes y canciones arriesgadas acompañando a sus singles de pop?

O quizá es que el grupo ya no gaste «el sonido del futuro». Así, no les habría venido mal algún tipo de reinvención más allá de esa ametralladora que acompaña a ‘La Mitraillesue’, también inspirada en otro cuadro, muy ilustrativo, del futurista Christopher Nevinson. Nadie quiere que OMD se traicionen a sí mismos, y se agradece desde luego que ‘As We Open, So We Close’ no derive hacia el dubstep, como parece por momentos, pero es imposible no pensar en el último disco de New Order al escuchar este. Con la colaboración de La Roux y el divertido pseudo giallo de ‘Tutti Frutti’, los de Bernard Sumner se apuntaron unos cuantos tantos. ‘The Punishment of Luxury’ se acerca al sonido de Goldfrapp en la mediocrilla ‘Robot Man’ (muy Kraftwerk, de nuevo) y en la mencionada ‘As We Open, So We Close’ pero parece que ahí se acaban sus ambiciones. ‘The Punishment of Luxury’ es un álbum agradable, que además deja un mensaje optimista gracias a la bonita ‘The View from Here’, pero el siguiente ha de ofrecer novedades más radicales o un mayor número de singles.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘One More Time’
, ‘Isotype’, ‘The Punishment of Luxury’
Te gustará si te gustan: New Order, Goldfrapp y el lado más pop de Kraftwerk

Escúchalo: Spotify

Etienne Daho, pequeño solo en su nuevo videoclip

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etiennedahoEtienne Daho, uno de los compositores más queridos de la canción francesa, está de regreso con un nuevo álbum que se sumará a su lista de largos editados desde los 80, destacando obras como ‘La Notte, La Notte…’ o ‘Pop Satori’. El artista, una influencia en nombres tan dispares como Saint Etienne, Los Planetas o Carlos Berlanga, publicará su nuevo disco, ‘Blitz’, lleno de material inédito, el próximo 17 de noviembre.

De momento, Daho ha estrenado una canción llamada ‘Les flocons de l’été’ que según sus propias declaraciones no es indicativa del sonido del disco. Así lo dice en una nota de prensa en la que asegura que este single le vino a la cabeza de manera muy fluida, y así también lo advierte el medio francés Le Monde, que indica que esta canción no es representativa de la «radicalidad» que contiene el álbum, con referencias tanto al trip-hop como a las girl groups o a la Velvet Underground.

La evocadora canción sobre cambios estacionales que no en vano se ha estrenado en las primeras horas de septiembre, llega acompañada de un vídeo en el que terminamos viendo a Etienne Daho convertido en miniatura, en sintonía con las figuritas invernales que aparecen en el vídeo… aunque no con la calidad de la nueva composición.

Este es el primer disco de estudio de Etienne Daho desde ‘Les Chansons De L’Innocence Retrouvée’ (2013), aunque también hay que destacar entre su última obra el álbum lanzado en 2010 junto a la recientemente desaparecida Jeanne Moureau.

London Grammar logran otro disco de oro en su país, Haim ni de lejos

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Hits


londongrammar-segundoLondon Grammar son protagonistas del lado positivo de nuestra nueva columna Hits and Flops aprovechando el momento en que lanzan nuevo vídeo. El grupo triunfó en 2013 y 2014 con su debut ‘If You Wait‘ logrando un doble platino en Reino Unido, además de un disco de platino en Australia y un álbum de oro en Alemania. Su segundo disco ‘Truth Is a Beautiful Thing‘ no ha igualado de momento esas cifras, pero se mantiene estable en las listas británicas, donde ya ha sido certificado como álbum de oro por la venta de más de 100.000 unidades, cifra demasiado lejana a tantos artistas contemporáneos de primer nivel como Katy Perry, Lorde o Kesha.

El álbum lograba ser número 1 en Reino Unido en su semana de salida, permaneciendo en el top 10 durante un mes. Tres meses después de su lanzamiento continúa rondando el top 30, que parece poco dispuesto a abandonar, y menos ahora que se acaba de estrenar un interesante vídeo lleno de lecturas para el corte ‘Non Believer’, ni siquiera uno de los más escuchados del largo.

Es cierto que pesa sobre London Grammar cierto aura de «artista local»: su segundo álbum solo ha sido 129 en Estados Unidos, pero también es cierto que el disco fue top 3 en mercados tan importantes como Australia o Francia, además de número 9 en Alemania. En Francia continúa en el top 50, señal de que el grupo continúa ganando nuevos fans.

Flops


haim-something-to-tell-you Teniendo en cuenta la calidad del segundo disco de las estadounidenses Haim, da verdadera pena ver lo poco que las quieren ya en su país: mientras su debut ‘Days Are Gone’ pasaba 32 semanas en el Billboard 200, resultando un clarísimo sleeper, el nuevo ‘Something to Tell You’ ha pasado en esa misma lista tan solo 2 semanas. El álbum caía del puesto 7 al puesto 70 en su segunda semana, encontrándose con la nada posterior. Es cierto que el streaming y la descarga de pistas sueltas tienen adulterada la tabla estadounidense, pero también lo es que los 65 millones de streamings en Spotify de la vieja ‘The Wire’ o los casi 50 de ‘Falling’ parecen demasiado lejanos para cualquiera de sus canciones nuevas, lo que incluye a la pizpireta ‘Want You Back’ (19 millones). ¿De verdad es la canción más escuchada de Haim ahora mismo una remezcla de BloodPop?

El mercado que mejor trata a Haim sin duda es Reino Unido: allí han sido número 2 y resisten en torno al top 30 gracias a la promoción y al precio al que se vende su CD en grandes almacenes (7 libras), aunque el disco de oro es demasiado lejano, pues la caída este viernes promete ser traumática: el álbum caerá según las midweeks decenas de lugares hasta el puesto 70.

Entre las razones de este fracaso habría que apuntar al largo lapso entre un disco y otro, en parte debido al cáncer del productor y amigo Ariel Rechtshaid, y al errado primer adelanto del álbum. ‘Right Now‘ entusiasmó a algunos de sus fans pero sin duda ha espantado a otros: está a punto de abandonar el top 10 de lo más oído de Haim en Spotify, por debajo de hasta otros 7 temas del largo. Tras él, parece que el continuismo de ‘Want You Back’ tampoco sumó demasiado. ¿Están a tiempo de salvar los muebles con el vídeo adecuado para ‘Little of Your Love‘? ¿Podría pasar algo con la rareza ‘Found It In Silence’? ¿No podría su amiga Taylor Swift darles un par de consejos estratégicos?

Este sábado, gran fiesta electrónica en Gerona con la única actuación en solitario de Four Tet este año… y más

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caribou-Tras la celebración de una última edición de Festival’Era, el próximo 9 de septiembre (este sábado) se celebra en la misma ubicación donde tiene lugar este evento, la Masía de Can Gascons de la rural Llagostera, en la provincia de Gerona, la fiesta Love Rave, que reunirá a varios nombres de la mejor electrónica internacional, entre ellos Four Tet, que ofrecerá su único concierto solo de todo 2017.

Love Rave es una colaboración entre Basoa, la promotora de Bilbao BBK Live que organiza el homónimo espacio de música electrónica del festival vasco, y Era, la promotora que se ocupa del mencionado festival catalán. Ambos han diseñado un cartel de primer nivel donde encontramos, a parte de Four Tet, a Daphni (aka Caribou), Floating Points, Ben UFO, Joy Orbison, Pearson Sound, Taraval y Brandon Hocura.

Todos estos artistas actuarán en Love Rave en una agenda que va de las 14.00 del mediodía a las 4.00 de la madrugada. Además, todos ellos harán un “back to back” en el tramo final del festival, de 2.00 a 4.00 de la mañana. Las entradas ya están a la venta en la web del festival. Además, habrá párking y camping gratuitos para los asistentes y autobuses desde Barcelona hasta el recinto.

Arcade Fire vuelven al número 1 de nuestro top semanal

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arcadefire2017Arcade Fire vuelven a ser número 1 de nuestro top semanal, votado por el público, con ‘Everything Now’, el tema que da título a su nuevo disco, que ha sido número 1 en Estados Unidos y Reino Unido. Entre las nuevas entradas, la más potente es la del comeback de Taylor Swift, ‘Look What You Made Me Do’, pero también encontramos en otros puntos de la tabla lo nuevo de Beck, Mogwai y Lindstrøm ft Grace Hall. Entre las subidas destacadas, hay que hablar de los ascensos de los últimos singles de The Horrors, Purity Ring y LCD Soundsystem. Esta semana decimos adiós a los sencillos de Carly Rae Jepsen, C.Tangana, Vitalic con La Bien Querida y London Grammar, todos ellos con 10 semanas y en la mitad baja de la tabla. Podéis escuchar la lista de candidatos bajo estas líneas y volver a votar por vuestras 20 canciones favoritas aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 3 1 13 Everything Now Arcade Fire Vota
2 1 1 13 Perfect Places Lorde Vota
3 3 1 Look What You Made Me Do Taylor Swift Vota
4 2 1 8 New Rules Dua Lipa Vota
5 5 1 19 Lust for Life Lana del Rey ft The Weeknd Vota
6 4 1 8 Swish Swish Katy Perry ft Nicki Minaj Vota
7 6 1 27 Green Light Lorde Vota
8 7 7 9 Feels Calvin Harris ft. Pharrell Williams, Katy Perry, Big Sean Vota
9 8 1 16 Malibu Miley Cyrus Vota
10 9 8 8 Praying Kesha Vota
11 10 1 5 Boys Charli XCX Vota
12 14 12 2 Younger Now Miley Cyrus Vota
13 11 1 27 Love Lana del Rey Vota
14 15 3 9 I Dare You The xx Vota
15 15 1 Dear Life Beck Vota
16 16 1 42 On Hold The xx Vota
17 12 2 14 Sign of the Times Harry Styles Vota
18 17 10 11 The Man The Killers Vota
19 28 19 3 Something to Remember Me By The Horrors Vota
20 13 4 15 Bad Liar Selena Gomez Vota
21 21 20 4 Guilty Party The National Vota
22 18 8 14 Cut to the Feeling Carly Rae Jepsen
23 24 20 4 Systemagic Goldfrapp Vota
24 29 24 4 Secrets The Weeknd Vota
25 23 13 9 New York St Vincent Vota
26 27 19 3 Without Love Alice Glass Vota
27 33 19 5 Midnight Jessie Ware Vota
28 38 25 5 Asido Purity Ring Vota
29 20 18 9 7 días juntos La Bien Querida Vota
30 31 20 5 Doing It for the Money Foster the People Vota
31 40 31 2 tonite LCD Soundsystem Vota
32 32 1 Eternal Panther Mogwai Vota
33 19 4 13 Mala Mujer C.Tangana
34 36 34 8 Don’t Delete the Kisses Wolf Alice Vota
35 39 27 10 Tú conmigo Vitalic ft La Bien Querida
36 26 26 9 We Could Run Beth Ditto Vota
37 37 1 Shinin Lindstrøm ft Grace Hall Vota
38 22 22 2 Friends Justin Bieber (ft BloodPop) Vota
39 30 21 4 Loyalty Kendrick Lamar ft Rihanna Vota
40 35 15 10 Oh Woman Oh Man London Grammar
Candidatos Canción Artista
Selfish Love Jessie Ware Vota
El tesoro Él mató a un policía motorizado Vota
Arena y romero Ricardo Lezón Vota
Undoing a Luciferian Towers Godspeed You Black Emperor Vota
Crybaby Paloma Faith Vota
Sandía Nathy Peluso Vota
Over Everything Courtney Barnett & Kurt Vile Vota
Delta Mount Kimbie Vota
Deathless Ibeyi ft Kamasi Washington Vota
Bad Ones Matthew Dear ft Tegan and Sara Vota
Golpe en la puerta Tigres Leones Vota
Glue Bicep Vota
The Combine John Maus Vota
Escapades Azealia Banks Vota
Ready to Go Hurts Vota
Hair Down Mollie King Vota

Sam Smith halla fuerza en una ruptura en su nuevo single, que estrena este viernes

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samsmithEscondido en un rincón, esperando a que se calmara el huracán que ha producido el regreso de Taylor Swift, el británico Sam Smith ha aguantado unos días más para revelar su propio “comeback”, que por fin ha anunciado en las redes sociales y se producirá este mismo viernes 8 de septiembre. Ese día, Smith estrena su nuevo single, ‘Too Good at Goodbyes’.

¿Qué se sabe del nuevo single de Sam Smith? Por lo que ha compartido el cantante en las redes sociales, el tema contiene la frase “y cuanto veces te separas de mí, más rápido mis lágrimas se secan” y “cuanto más daño me haces, menos lloro”, por lo que perfectamente podríamos estar ante un himno disco de autosuperación tras una ruptura en el estilo de ‘I Will Survive’… aunque conociendo a Smith, que tanto odia su single dance, lo más seguro es que se mueva por los derroteros clasicotes de su álbum debut.

En Instagram, Smith ha escrito una carta a sus fans para agradecerles todo el apoyo recibido en los últimos años y confirmar que su disco se acerca. “A mis fans, gracias por ser pacientes y dejarme escapar todo el año pasado para poder escribir libremente. Me siento rejuvenecido y tengo un montón de historias que no puedo esperar a contaros. Me siento emocionado y asustado al mismo tiempo, pues en este disco he volcado todo mi corazón y mi alma”.

Las expectativas ante lo nuevo de Smith son altas: el británico viene de debutar con uno de los discos más vendidos de los últimos tiempos, concretamente el quinto más vendido de 2014 y el cuarto más vendido de 2015 (en total supera las 7 millones de copias vendidas), y de ganar un Oscar por su canción para ‘James Bond’.

‘Too Good At Goodbyes'. 8th September 2017. So excited for you to hear the new single xx

Una publicación compartida de Sam Smith (@samsmithworld) el

La austríaca Mavi Phoenix te canta en español en su fresco single ‘Aventura’

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maviphoenixLa joven Mavi Phoenix (nacida en Viena en 1995) puede ser la persona que releve a la eurovisiva Conchita Wurst como la estrella del pop austríaca más famosa del mundo. Cabe decir que no tienen absolutamente nada que ver: aunque procede de Viena, el sonido de Mavi Phoenix se adscribe al pop urbano y al hip-hop contemporáneo, y desde la primera escucha de ‘Aventura’, su single más popular, está claro que para su estilo Phoenix mira a Estados Unidos.

‘Aventura’ es puro “braggadocio” americano: “I don’t fuck with your city hate, hate the vibe”, rapea la artista; “I only make music with my guys”. Es el más popular de Phoenix en Spotify -está a punto de alcanzar un millón de reproducciones- y aparte de su mensaje asertivo, provocador y totalmente “hood” en frases como “They mad they ain’t famous, shove it up your anus” (la mejor de la canción), el tema contiene pegajosas frases en español (“I ain’t chaning my ways, lo siento, they say that nobody truer, de nada”), coqueteos con lo global (los cánticos infantiles parecen sacados de algún lugar de África, la base contiene lo que parecen cuerdas hindús) y un sonido rabiosamente contemporáneo que podemos situar a medio camino entre el Darkchild de ‘Big Hoops’ y unos dulces Run the Jewels. Una producción que no nos extrañaría haber oído de hecho en singles de MØ o Charli XCX.

‘Aventura’ forma parte del EP que Phoenix publicó el pasado mes de marzo, ‘Young Prophet’, del que se pueden destacar otros temas. ‘Love Longtime’ es un tema melancólico cuya tendencia al hip-hop urbano con autotune recuerda al trabajo de iconos del rap contemporáneos como PARTYNEXTDOOR, o de cantantes pop como Ariana Grande que tanto coquetean con los estilos urbanos afroamericanos. ‘Quiet’ sin embargo es un número de funk tóxico que parece de Nite Jewels y ‘Fly’ se acerca a los terrenos del grime.

Phoenix se fija tanto en los sonidos del pop comercial anglosajón -americano e inglés- como otros tantos artistas europeos han hecho en el pasado, desde MØ a C. Tangana pasando por la islandesa Glowie, pero ojo porque no es tan fácil dar con un single como ‘Aventura’ que amalgame influencias y consiga dar con algo fresco.

Sinéad O’Connor se cambia el nombre y acusa a su padre de ser un “violador”

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sinead-abismoLa cantante Sinéad O’Connor ha acudido a las redes sociales en la última semana para desligarse públicamente de su padre, Sean O’Connor, a quien ha acusado de ser un “violador y un acosador sexual”. En una carta abierta en Facebook, Sinéad ha afirmado que su nacimiento fue producto de una violación de Sean a su madre, Marie, fallecida en 1985, y que durante una época en la que Sean era adicto a la bebida, el hombre maltrató y abusó de Marie y acosó sexualmente a varias mujeres, entre ellas a la propia Sinéad y a su suegra.

O’Connor ya había revelado en el pasado que ella y sus hermanos sufrieron maltrato por parte de su padre durante su infancia y en la carta, la cantante concluye: “aquello contra lo que luchasteis ella [Ndr: su madre] y tú todos esos años, de manera tan egoísta, delante de vuestros propios hijos, y tanto dentro como fuera del hogar marital, no fue otra cosa que tu mala conducta sexual influida por la bebida”. O’Connor siuge: “Eres un acosador sexual y un violador. No creas que te has librado ni imagines que ninguna de las “muchas mujeres” de las que presumes acudirá a tu funeral nada más que para asegurarse de que has muerto”. Sinéad firma la carta con la frase “tu ex hija”.

Tras esta revelación, O’Connor ha decidido desprenderse de su “nombre patriarcal” y se ha cambiado legalmente el nombre a Magda Davitt, que considera “más bonito” y le “representa mejor”. Ha anunciado el cambio de su nombre a sus fans a través de otro post en Facebook, este en forma de vídeo, que en realidad va de otra cosa: en él, Sinéad advierte al televisivo psicólogo Dr. Phil sobre un centro psiquiátrico al que tiene por costumbre enviar a sus pacientes, y que según O’Connor es menos seguro de que lo que Dr. Phil cree. Además, en el vídeo anuncia que ha grabado una sesión con el televisivo doctor que se emitirá el 12 de septiembre.

Muere un hombre quemado en el festival Burning Man tras caer en la efigie del “hombre en llamas”

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burningmanEste fin de semana un hombre ha muerto quemado en Burning Man tras caer dentro de la enorme estatua en llamas que se levanta durante la ceremonia de cierre del festival, informa CNN y ha detallado el festival en un comunicado. A eso de las 22.30, el hombre cruzó corriendo hacia la efigie, esquivando varias filas de seguridad, y se acercó a la estructura de tal manera que cayó directamente en los escombros. Los bomberos intentaron rescatarle, pero al caer piezas de la estatua constantemente al suelo, les fue imposible hacerlo, de modo que el hombre hubo de ser trasladado por aire en un helicóptero hacia el hospital más cercano, en Sacramento, donde terminaría muriendo durante la madrugada debido a las quemaduras.

Se ha identificado al hombre como Aaron Joel Mitchell, un hombre de 41 años procedente de Estados Unidos que vivía en Suiza junto a su esposa. El equipo médico ha confirmado que Mitchell no se encontraba bajos los efectos del alcohol cuando abrió paso a través de la seguridad hacia la efigie, y procede en estos momentos a realizar un informe toxicológico para escrutar si el hombre se encontraba bajo los efectos de algún tipo de estupefaciente.

Burning Man, que dura una semana, se celebra cada año en el desierto negro de Nevada y a su conclusión tradicionalmente levanta dos enormes estructuras de madera que luego hace arder en llamas, en primer lugar un hombre durante la noche del sábado, y en segundo un templo durante la noche del domingo. Por su especial ubicación y por su atractivo cartel, Burning Man es una de las citas más importantes de la música electrónica en todo el mundo.

Frank Ocean nos recuerda por qué ‘Nikes’ fue la canción del año con una emocionante versión acústica

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frank ocean 2015Tras pasarse cuatro años sin apenas publicar material nuevo, Frank Ocean está que lo tira últimamente con novedades tras el lanzamiento de su esperadísimo segundo disco, ‘Blonde’. A lo largo de este año ha publicado hasta cuatro canciones nuevas, estas son ‘Chanel’, ‘Biking’, ‘Lens’ y recientemente ‘Provider’, ha conseguido un hit con ‘Slide’ de Calvin Harris y además ha prestado sus servicios a los nuevos álbumes de Jay-Z y Tyler, the Creator.

Y cuando no estrena canciones o colabora con colegas, Frank escribe reflexiones en su página de Tumblr, donde también cuelga fotos o vídeos. Su última publicación es un vídeo de él cantando su tema ‘Nikes’ en acústico desde un estudio y es una absoluta preciosidad. La canción original se caracteriza por la distorsión de sus voces, de modo que escuchar esta canción sin retoques supone una buena manera de “reencontrarse” con ella. De hecho hay fans que llegaron a editar la canción por su cuenta para poder escucharla con la “voz natural” de Ocean.

‘Nikes’ fue el sencillo principal de ‘Blonde’ y además fue la canción del año 2016 para la redacción de JENESAISPOP. Ocean ha presentado ‘Blonde’ este año en una mini gira mundial que finalmente no le ha traído a España (canceló) pero sí a otros países como Finlandia o Dinamarca. Los conciertos de ‘Blonde’ se han caracterizado por su elemento intimista, con Ocean tocando en un escenario pequeño, en medio de sus músicos, y unos grandes cascos puestos.

Lil Wayne, hospitalizado de nuevo debido a su epilepsia

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lilwayneEl rapero Lil Wayne ha sido hospitalizado en Chicago tras sufrir una nueva convulsión cerebral debido a su epilepsia. Wayne se hospedaba en un hotel cuando fue encontrado inconsciente en su habitación, tras lo que fue trasladado rápidamente al hospital Northwestern Memorial, donde sufrió otra convulsión, según TMZ.

El rapero sufrió varias convulsiones el año pasado durante un vuelo de Milkwaukee a California, el cual hubo de aterrizar de emergencia, debido que había abusado del “sizzurp” o “purple drank”, un mejunje de jarabe para la tos y refrescos muy popular entre los jóvenes de Estados Unidos. En 2013, Wayne reveló que era epiléptico tras ser ingresado por un ataque cerebral que le mantuvo en estado crítico durante varios días.

Aunque se desconoce la causa exacta de la última convulsión de Wayne, es verdad que Wayne no para de trabajar últimamente, entre conciertos y colaboraciones como las que ha realizado últimamente para DJ Khaled (‘I’m the One’), Nicki Minaj (‘No Frauds’), David Guetta (‘Light My Body Up’), Tyler, the Creator (‘Droppin’ Seeds), Gucci Mane (‘Both’) o Bebe Rexha (‘The Way I Are’). Su próximo disco, ‘The Carter V’, saldrá “en cualquier momento”, según el músico.

Las claves visuales de los vídeos de Selena Gomez, Mick Jagger, Hercules & Love Affair, Father John Misty y Forastero

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clip_forastero_frenesiNueva entrega de nuestra sección Estética de videoclip, sacando punta y cortando en trocitos los vídeos más destacados que hemos visto estas últimas semanas.

England Lost (Mick Jagger)

El director Saam Farahmand, quien ha realizado vídeos para Janet Jackson, Hercules and Love Affair, The xx o The Last Shadow Puppets, es el tipo de persona que hace un año provocó la afluencia masiva a las urnas de los votantes del Brexit: un inglés de padres iraníes. Por eso, que alguien de sus orígenes dirija un vídeo para un Caballero de la Orden del Imperio Británico no deja de tener su gracia y su punto reivindicativo. En la letra de ‘England Lost’, Jagger muestra su preocupación por la actual situación política de su país. En el vídeo, Farahmand ilustra esa inquietud por medio de unas imágenes en blanco y negro y muchos planos en contrapicado que recuerdan a El tercer hombre (1949).

El clip nos muestra al actor galés Luke Evans huyendo por las calles de Londres, la campiña y, finalmente, después de ser atropellado/obstaculizado dos veces, la playa. No hay manera de escapar de Gran Bretaña. La coincidencia del tema de la huída y la paranoia con el reciente vídeo ‘Man Of War’, de los también ingleses Radiohead, se podría leer como un síntoma de la inseguridad y el desasosiego en el que vive sumida una parte de la sociedad británica tras la ola de conservadurismo ultranacionalista que está empapando el país.

Fetish (Selena Gomez)

Como ya nos enseñó David Lynch en el comienzo de ‘Terciopelo Azul’ (1987), las apariencias engañan. El jardín de una bucólica zona residencial puede ocultar algo tan siniestro como un pedazo de oreja humana. El vídeo ‘Fetish’, dirigido por la canadiense Petra Collins, empieza de forma parecida a la obra maestra del director de ‘Twin Peaks’. Con un suave movimiento de grúa la directora nos presenta lo que parece un tranquilo y primaveral barrio residencial. Pero algo no encaja. Primero son unos bruscos cortes donde aparece Selena empapada, y luego un coche con el capó echando humo. La cantante vuelve andando de la compra y, como si hubiera estado demasiado expuesta a ese solazo al que mira fijamente, empieza a tambalearse y a hacer cosas raras. En una de las escenas más llamativas del vídeo, Selena aparece sentada a una mesa iluminada con velas mientras le cae encima el equivalente a tres gotas frías valencianas. Una posible lectura de esta escena sería política: una mujer, que no puede pagar la luz ni reparar el tejado, como símbolo extremo de la pérdida de poder adquisitivo de las clases medias estadounidenses. La otra, mucho más improbable, sería una relectura pop de las célebres lluvias dentro de las habitaciones de las películas de Tarkovski.

Frenesí (Forastero)

Películas con títulos tan elocuentes como ‘Lilian (la virgen pervertida)’, ‘Una rajita para dos’ o ‘El chupete de Lulú’, las tres de Jesús Franco, inauguraron a mediados de los ochenta -más de una década después que en medio mundo- el cine porno español. Atrás quedaba el destape y las películas softcore (clasificadas S). Ya se podía enseñar todo. El dúo creativo formado por Luís Ángel Pérez y Paul Stein rinde homenaje a esa estética de varias maneras. Primero, colocando unos españolísimos dos rombos en una esquina del encuadre a modo de advertencia irónica. Segundo, emulando los ambientes castizos (cortinones, platos de porcelana, jardines de chalés setenteros) donde se rodaban estas cintas. Tercero, con dos protagonistas cuyos disfraces de lana imitan la apariencia de los actores de la época: patillero, bigotudo y polludo él; frondosa rubia de bote ella. Y, cuarto, recuperando la textura y el color de la película de 16mm. Pero no como Tarantino en ‘Grindhouse’ (2007) o Anna Biller en la reciente ‘The Love Witch’ (2016), sino rodando directamente en el negativo original (en este caso utilizando material caducado de la desaparecida película Kodak Ektachrome). De esta manera, los directores emulan la estética y la sintaxis de ese cine, a la vez que cuestionan (y se saltan) los límites de la representación del sexo en las plataformas sociales.

Omnion (Hercules & Love Affair)

La escalera es una figura arquitectónica de enorme carga metafórica y muy recurrente en la historia de las artes visuales, sobre todo en el surrealismo. Su aparición en el plano anuncia un tránsito, y según sea la dirección del desplazamiento, hacia arriba o hacia abajo, el simbolismo es diferente. Puedes ascender al cielo como en el melodrama fantástico ‘A vida o muerte’ (1946) o bajar a los infiernos como en ‘La escalera de Jacob’ (1990). La protagonista del nuevo vídeo de Hercules & Love Affair, la modelo Liz Ord, sube por varias escaleras que remiten, por un lado, a la mencionada fantasía romántica dirigida por Michael Powell y Emeric Pressburger (hasta la fotografía de rojos y azules recuerda a los filmes de este imprescindible dúo británico) y, por otro, a las célebres escaleras infinitas de Escher. La mujer asciende, y esa ascensión, como su vestimenta y peinado, tiene algo de ascético, de bautismo místico (ella saliendo del agua), subrayado por esos niños-monje que señalan el camino.

Things It Would Have Been Helpful To Know Before The Revolution (Father John Misty)

Tras el vídeo ‘Burn the Witch’, de Radiohead, el realizador Chris Hopewell vuelve con otro extraordinario trabajo de animación stop-motion. Como dice el título de la canción, el vídeo está ambientado en un paisaje post-revolucionario, un escenario apocalíptico donde solo han quedado las ratas, las cucarachas y las palabras. A través de esos eslóganes, de esas pancartas abandonadas que se corresponden con la letra de la canción, el director hace una ingeniosa relectura del célebre fragmento del documental ‘Don’t Look Back’ donde Bod Dylan pasa una a una las cartulinas con la letra de ‘Subterranean Homesick Blues’. Tras un travelling lateral donde comprobamos la magnitud de la devastación, aparece el protagonista del vídeo. Un chico (o chica, no está muy claro), que empuja un carrito de la compra como si fuera Viggo Mortensen en ‘La carretera’ (2009). Pero lejos de llevar “su casa a cuestas”, lo que porta son móviles, smartphones que ha ido recogiendo y con los que formará un sorprendente cartel luminoso, algo así como el último coletazo del post-capitalismo: “Teléfonos baratos”.

Supersubmarina retoman los ensayos y celebran el cumpleaños de su bajista

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supersubmarinaSupersubmarina siguen recuperándose del grave accidente de coche que sufrieron durante el verano de 2016, al chocar su furgoneta contra un turismo mientras regresaban de un concierto en Valencia. Su cantante José “Chino” Marín sufrió un traumatismo craneoencefálico que le mantuvo hospitalizado durante una larga temporada y la primera foto de él recuperado junto a su familia supuso una gran alegría para sus seguidores.

Recientemente los miembros de Supersubmarina se tomaban su primera foto juntos tras el accidente, escribiendo que se encontraban muy contentos “celebrando la vida”. Y esta semana el grupo de Baeza se ha vuelto a juntar en el estudio para retomar los ensayos y celebrar el cumpleaños de su bajista, Pope Antonio Cabrera Gutiérrez, conocido como “Pope”. El grupo ha escrito: “Hoy estamos de cumple y nos hemos bajado a La Oficina a celebrarlo. Felicidades Pope!!!!😘😘😘 besos bichos”.

Pope ha agradecido el cariño recibido por sus seguidores en su propia cuenta de Facebook, escribiendo “Lo podría decir de mil maneras, en varios idiomas, pero sería difícil expresar la alegría que siento en estos momentos y la buena mañana que hemos pasado juntos de nuevo en nuestra Oficina. Los sueños están bien, pero mejor estar con vosotros. Gracias hermanos, familia, amigos y todos los que me felicitáis en el día de hoy”.

Viento de cara‘, el último álbum de Supersubmarina hasta el momento, se publicó en 2014.

Hoy estamos de cumple y nos hemos bajado a La Oficina a celebrarlo. Felicidades Pope!!!!😘😘😘 besos bichos

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LCD Soundsystem / American Dream

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american-dreamJames Murphy y los suyos lo tenían difícil esta vez, y más después de declaraciones como aquellas de hace apenas unos días en las que el cerebro de LCD Soundsystem no tuvo pudor en disimular lo que muchos ya sospechábamos: que aquel concierto del 2 de abril de 2011 en el Madison Square Garden de Nueva York (junto al disco en directo y el documental ‘Shut Up and Play the Hits’) se vendió adrede como una falsa disolución para atraer al máximo número de fans y “despedirse” colgando el cartel de entradas agotadas. Kiss, The Who, o la propia Cher también han hecho exactamente lo mismo. No obstante, el regusto de engaño de Murphy duele más de la cuenta porque, a pesar de ser en apariencia un outsider de la industria, tenía muy interiorizada esa lección de mercadotecnia musical que apuesta por las giras de despedida no sólo como una forma de engrosar más ceros a la cuenta corriente, sino como una inversión a medio-largo plazo de cara a una hipotética vuelta. Todo estaba muy, pero que muy orquestado. Que te tomen el pelo de esa forma tan descarada nunca es del agrado de nadie, por muy fan que se sea.

Perdonarles o no es algo que depende de cada uno, faltaría más, pero sí es cierto que ‘American Dream’, el nuevo disco que Murphy ya nos prometió en enero de 2016 cuando anunció su vuelta a la carretera, hace algo más fácil el mal trago al fan. Vaya por delante que este no es ni mucho menos el mejor disco de LCD hasta la fecha, ni el más incendiario al carecer de la emergencia de temas como ‘Movement’ o singles que desde la primera escucha suenen a éxito rutilante. Decantándose en esta ocasión por una estética sonora tanto post-punk como downtempo (aunque se cuele en su hora de duración piezas electro como la ya conocida ‘Tonite’ o una ‘Other Voices’ funky marca de la casa que le sirve a Nancy Whang para cantar los únicos versos del largo), ‘American Dream’ es más un trabajo para degustar con una copa de vino en casa que para bailarlo como si no hubiera un mañana.

Nadie que haya seguido a la banda desde sus inicios se encontrará con algo realmente novedoso en cuanto a sonido aquí, pero eso no le resta méritos a estas nuevas canciones que temáticamente, a pesar de lo crípticas que pueden parecer de primeras, le han servido a Murphy para sacar a flote muchos más fantasmas personales de lo que nos tenía acostumbrados. Los sueños, sin ir más lejos, aquí cobran un papel protagonista. Aunque lejos de ser interpretados freudianamente, Murphy nos viene a decir a lo largo del disco que los sueños, sueños son y que no hay necesidad de torturarse o darle más vueltas al asunto una vez despertamos. Ahí está ‘I Used To’ o el tema titular, en el que vuelve a hablar de lo que supone ser estadounidense en nuestros días tras haber tratado el tema, por ejemplo, en ‘North American Scum’.

‘American Dream’, la canción, también incluye otro leit motiv que con anterioridad Murphy ha explotado en piezas como ‘All My Friends’ o ‘Losing My Edge’: la edad y el paso del tiempo. En la muy Devo ‘Emotional Haircut’ habla sobre como un rockero entrado en años quiere aferrarse a lo que ya fue, incapaz de deshacerse de aquellos números de teléfono que le llenan la memoria del móvil y que siempre estarán ahí para recordarle con quién se relacionaba pretéritamente. Esa bien podría ser su historia atendiendo a que él probó las mieles del éxito no precisamente siendo un chavalín, pero la canción en concreto (y el disco en general) viene en realidad a decir que no hay que arrepentirse por nada que hayamos o no hecho, sino simplemente seguir adelante con la cabeza bien alta. ¿Entra dentro de este arrepentimiento el vociferar a los cuatro vientos y hacer caja de la falsa disolución de la banda? La respuesta, de alguna manera, la hallamos en ‘Change Yr Mind’.

Por otro lado, si una canción realmente sorprende para bien por la mala baba y la bilis que se gasta es la imprescindible ‘How Do You Sleep?’, la más electrónicamente tétrica y épica del lote, con ese manto de sintetizadores hipnóticos que van de menos a más en sus más de nueve minutos de duración. Murphy, muy elegante él, en ningún momento se atreve a dar nombres, pero no hay que ser ninguna lumbrera para saber que la víctima de sus dardos es su antiguo amigo y co-fundador del sello DFA, Tim Goldsworthy, a quien demandó en 2013 y, por lo que parece, no quiere saber absolutamente nada de él.

Aunque hay más. Más allá de esas comparaciones que algunos trazaron entre la siempre reivindicable ‘Call the Police’ con U2 (cogido con pinzas, aunque el ramalazo ahí está), ‘American Dream’ le ha servido a Murphy para homenajear más que nunca a muchos de esos héroes de infancia que mencionó en ‘Losing My Edge’. La apertura de ‘Oh Baby’ irremediablemente nos hace vislumbrar el ‘Dream Baby Dream’ de sus admirados Suicide; la ya mencionada ‘How Do You Sleep?’ bien podría haber nacido de la mente de Joy Division, y ‘Change Yr Mind’ es puro Talking Heads aderezada con la guitarra del ’Fashion’ de David Bowie. Precisamente, el fantasma de Bowie se manifiesta en el cierre de ‘Black Screen’, una pieza en la que Murphy (sin nombrarle) recuerda cómo se sintió cuando éste le contactó para colaborar en ‘Blackstar’ y lo mucho que lamenta no haberle tratado aún más cuando estaba vivo.

Nadie puede achacar a Murphy y a su banda que este es más que un digno sucesor de los tres discos que alimentaron su leyenda. Musicalmente podría esperarse un mayor riesgo, aunque la sustancia del álbum en realidad está en sus letras, los pequeños detalles y los homenajes que deambulan a lo largo de sus diez canciones. Hay motivos para perdonarle la farsa de hace seis años, pero por su bien (y su legado) esperamos que haya aprendido la lección y sepa mantener la boca cerrada a partir de ahora centrándose en lo que mejor sabe hacer.

Calificación: 8/10

Lo mejor: ‘Change Yr Mind’, ‘How Do You Sleep?’, ‘Call the Police’

Te gustará si te gustan: los LCD menos bailables y más post-punk, así como analizar con lupa los mensajes ocultos que se esconden en sus letras.

Escúchalo: Spotify

Kelela juega con sus propias reglas en ‘Frontline’

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kelela-albumCuatro años han pasado hasta que Kelela, una de las mayores promesas del pop negro contemporáneo, ha anunciado su debut, ‘Take Me Apart’, que se publica el 6 de octubre a través de Warp Records y se ha presentado con un single tan popero como ‘LMK’ (“let me know”), con el que sello ha apostado por Kelela a lo grande y para el que se ha hecho un videoclip a la altura con varios cambios de imagen y escenarios.

Kelela ha compartido ahora otro adelanto de su disco, ‘Frontline’, un medio tiempo R&B en el que la artista busca anteponer su independencia y su carrera por encima de su relación con una persona que no le deja crecer. “Si crees que voy a volver, me has malinterpretado”, canta en el estribillo. “Lloriquea y habla sobre ello, pero es inútil, ya que no tuve suerte cuando intenté arreglarlo, aléjate, estás jodiendo mi groove, mientras yo me subo en un avión, y sigo adelante, lloriquea y habla sobre ello, es inútil, no pienso sentarme aquí con tus reglas”.

‘Take Me Apart’ sale dos años después del excelente EP de Kelela, ‘Hallucinogen’, que incluye varios de sus temas más conocidos, como ‘Rewind’, ‘A Message’ y ‘All the Way Down’. Su prometedora “mixtape” ‘CUT 4 ME’ se publicó en 2013 y luego fue reeditada en 2015. La música de Kelela se caracteriza por su oscuridad y por contener un elemento futurista y experimental. Aunque a tenor de los adelantos oídos hasta el momento, parece que ‘Take Me Apart’ servirá de puente entre la Kelela más experimental y la más accesible.

Muere Walter Becker de Steely Dan a los 67 años

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steelydanWalter Becker, bajista y guitarrista de Steely Dan, y uno de sus dos miembros principales, ha muerto este domingo a los 67 años, se ha anunciado desde la página web del músico. Recientemente, Becker había tenido que cancelar un concierto en el festival Classic East y West de Nueva York por recomendación de su médico, cuando se recuperaba de una “enfermedad no determinada”.

Steely Dan fue uno de los grupos más queridos de Estados Unidos durante los 70, llegando a vender cinco millones de copias de su sexto álbum, ‘Aja’, publicado en 1977 y el que se considera su obra maestra. El grupo, que sufrió numerosos cambios en su formación de directo pero se componía, sobre todo, del dúo original formado por Becker y su compañero Donald Fagen, era conocido por su perfeccionismo en el estudio y se especializó en una atractiva fusión de rock suave, jazz y soul a través de la cual compusieron clásicos como ‘Peg’, ‘Reelin’ in the Years’ o ‘Rikki Don’t Lose that Number’.

El dúo se separó en 1981 tras la publicación de su disco ‘Gaucho’ el año anterior, un disco cuya grabación estuvo marcada por el perfeccionismo extremo del grupo, que creó diferencias creativas y personales entre sus integrantes. Steely Dan no sacarían un nuevo disco hasta 2000, cuando publicaron ‘Two Against Nature’, que ganó el Grammy a Disco del año. Su último trabajo discográfico, ‘Everything Must Go’, se publicó tres años después y el dúo se ha dedicado en la última década sobre todo a hacer conciertos.

En un comunicado a Rolling Stone, Fagen ha lamentado la muerte de su amigo y compañero, a quien recuerda conoció en el Bard College de Nueva York 1967, y de quien elogia su inteligencia y su talento para la guitarra y la composición de canciones. “Becker fue un hombre cínico sobre l naturaleza humana, incluida la suya, y además fue un hombre divertido hasta la histeria”, ha señalado Fagen, que ha recalcado intentará “mantener viva la música que hicimos juntos con la banda de Steely Dan”.

Madonna ya vive en Lisboa

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Madonna-Rebel-HearLa prensa generalista informaba en junio que Madonna planeaba mudarse a Portugal durante 2017 con el propósito de apoyar la carrera como futbolista de David, su hijo de 11 años. La cantante se había comprado una finca por siete millones de euros que necesitaba varias reformas, por lo que se esperaba que la ocupara en los meses siguientes. Al parecer estas reformas ya se han terminado, pues Madonna ya está viviendo en Lisboa, concretamente en Sintra, a 30 kilómetros de la capital portuguesa, como ha informado a través de su cuenta de Instagram.

Madonna, que vivía en Nueva York, ha escrito en Instagram que la “energía de Portugal le inspira” y que se siente “muy creativa y viva” en el país luso, por lo que pronto empezará a trabajar en su próxima película ‘LOVED‘ y en su “nueva música”. “¡Este será el nuevo capítulo de Mi Libro!”, celebra, se entiende que refiriéndose a su vida y carrera profesional. “Es momento de conquistar el mundo desde un nuevo punto de vista”. La autora de ‘Rebel Heart’ ha colgado además una imagen del interior de su casa, con varios cestos colgados del techo.

La cantante trabaja estos días también en un nuevo producto de su línea de cosmética ‘MDNA Skin’, estrenada en 2014. La artista ha realizado lo que parece una nueva sesión de fotos para la promoción de este producto, una mascarilla facial, del que ha adelantado un anuncio. Además, el 15 de septiembre se publica finalmente el DVD de su gira ‘Rebel Heart’, que por cierto curiosamente no pasó por Portugal.

I used to be a basket case but now I Live in Lisbon! 🇵🇹♥️💯🎼🐎🍷💃🏻😂 👜!

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Are we done yet? ….,..,,.🤡🙏🏻@mdnaskin @nunoxico

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I'm ready to Get under Your Skin………♥️@mdnaskin

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¡Lo que podría haber sido! Las biografías de la Veneno y Carmen de Mairena, imperfectas y necesarias

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Aviso a festividades: ambos libros denotan una profunda tristeza. La vida es así de difícil.

Ninguno de los dos es, probablemente, el libro que los fans podíamos esperar. Quizá es cuestión de enfoque, quizá es cuestión de expectativas. Quizá se deba a que la lectura de ambos hace pensar lo mismo: ninguno es el libro que hace justicia a semejante icono. En uno y en otro se quedan cosas importantes fuera. Sin embargo, los dos son libros absolutamente necesarios.

Vayamos por orden de publicación.

Una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí misma

la-veneno‘¡Digo! Ni puta ni santa’ es, de algún modo, no un libro al uso, sino una extensa revista centrada en Cristina, la Veneno. Sigue una estructura periodística, con intervenciones en negrita, de cierto tono sensacionalista, e incluso melodramático, probablemente involuntario. Este tipo de decisión —unida al color de las imágenes— habría sido todo un acierto si el tono del texto se hubiese mantenido un poco trash y amarillista, buscando ofrecer un producto abiertamente trash sobre un personaje abiertamente trash para un público abiertamente trash. Pero a lo largo del libro se persigue, de alguna forma, hacerle justicia a la persona tras el personaje. En ese interés, Valeria Vegas persigue una seriedad que no siempre funciona, ya que la seriedad choca con el tono de revista que sale a flote. También ocurre que, al tratar de dar con un texto serio y riguroso, el lector puede esperar un desarrollo más extenso y profundo de momentos delicados en la vida de Cristina, la Veneno.

Sin embargo, esta falta de información llega a ser comprensible. Diversas amistades, e incluso la autora del libro, acudieron a los medios tras el fallecimiento de Cristina. Y en muchos momentos —recuerdo, por ejemplo, un Sálvame Deluxe— se puso de relieve un hecho con el que la autora ha tenido que lidiar: discernir qué era realidad y qué ficción, fantasía, en lo que Cristina, la Veneno, contaba. Es la máxima de la Agrado en ‘Todo sobre mi madre’: Una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí misma. ¿Por qué va a ser más realidad lo que ha pasado que lo que no, si yo misma soy lo que yo misma he sentido que debía crear?

Este lema es complicado a la hora de producir un texto que se ajuste a la realidad, al menos eso que la mayoría consideran realidad. Es difícil y lo es, especialmente en este caso, cuando la principal fuente a la que se acudió para desarrollar el libro fue la propia Cristina. Se intuye a lo largo del texto —y ocurre también en ‘Carmen de Mairena. Una biografía’— el peso que ejercen en el día a día de la biografiada el honor, la memoria que de nosotros se genera en los demás, y la necesidad de mantener el control sobre la imagen que se proyecta. Es probable, por tanto, que Valeria Vegas haya optado por exponer aquello que era absolutamente real, o aquello que le resultó contrastable y fidedigno, y haya dejado la fantasía y el exceso —tan necesarios en el personaje— a un lado.

Sin embargo, al buscar dar con un tono serio pero no ahondar con una profundidad mayor en temas o conflictos emocionales, que sí se ponen de relieve (la historia familiar, la violencia, la supervivencia, sus relaciones afectivas de Cristina, la perspectiva que tiene de sí misma), el lector echa en falta la ferocidad excesiva de un icono que sí nos recuerdan las citas y las fotografías.

Aunque, como digo, hay cosas que no funcionan en el texto si lo tomamos como una biografía, no podemos olvidar que la única biografía de La Veneno publicada hasta ahora no surge del mercado editorial al uso. Por eso, es justo dejar a un lado las flaquezas a nivel literario, y celebrar aquello que sí ha conseguido el buen trabajo, más periodístico —al fin y al cabo lo realiza una periodista— que literario: recuperar en sus últimos días una figura crucial en la cultura popular, y la contracultura —con acceso al mainstream— de la España reciente.

Si bien nos quedamos queriendo más, el libro sale muy victorioso en su propósito de recordarnos quién fue Cristina La Veneno, a modo de crónica de luces y sombras, y en darle —quién iba a decir que lo disfrutaría tan poco tiempo— el reconocimiento como icono que subyacía en la memoria de muchos, y el cual, probablemente, la propia Cristina ya había olvidado. El éxito del libro es, por tanto, un acto de justicia y, si no literario, un triunfo emocional. ¿Acaso no es suficiente eso?

Es probable que las distintas tiradas (cada una con la portada de un color) se terminen convirtiendo en objetos de culto, como ahora ya lo son las copias de ‘Veneno pa’ tu piel’. ¿Mejorable? Sí. Pero a la vez un producto absolutamente necesario.

Un gracias enorme, Valeria Vegas.

Carmen de Hollywood

carmenmairenaPor otro lado, el otro icono trash que ha visto su vida plasmada en el papel ha sido Carmen de Mairena. Este libro, por su enfoque, por su tono, ha tenido también una recepción clamorosa. Seguro que habéis estado al tanto de todo el ruido. Pero esta recepción no ha sido siempre positiva. La idea del libro no es fácil.

En primer lugar, el libro se presenta bajo el título ‘Carmen de Mairena. Una biografía’. Esta decisión editorial es controvertida. Muchos lectores esperan —fue ese mi caso— encontrar una detallada e ilustrada historia sobre Carmen de Mairena, su fenómeno, su figura tras las cámaras. Sin embargo, la obra —que sí aporta puntuales datos de interés— no es para nada una historia sobre Carmen de Mairena. El libro se presenta como un continuo intento frustrado por conseguir la realidad de la historia de Carmen. Al igual que en el caso de ‘Cristina, la Veneno’, la tarea es complicada: sus relatos se mueven siempre entre lo que vivieron y lo que quisieron vivir, lo que les pasó y lo que aseguraron que les había pasado. En el caso de Cristina, su autora dispuso de la complicidad y el interés de la Veneno; en este caso, además, el interés de conseguir que el libro llegue a buen puerto apenas se concentra en quienes rodean a Carmen, en quienes —se nos señala— quieren sacar provecho, y no en la propia Carmen ni, incluso, en su biógrafa, que va perdiéndose en la desidia de intentar conseguir algo imposible. Se produce un conflicto de intereses que muestra, en la picaresca, una inocencia profunda; según se expone, el entorno de Carmen espera sacar un gran provecho de la biografía. Resulta infantil a ojos del lector, pues esperan grandes ventas y un éxito de estrella de cine. Fuese cual fuese el resultado del libro, ¿alguien cree que habría sido posible satisfacer al entorno?

Lo que leemos al final es un cúmulo de desventuras vividas por la autora, directa o indirectamente ligadas a su cometido y, por tanto, a la figura de Carmen. Por ello el libro fracasa si lo tomamos como una biografía de Carmen de Mairena.

Sin embargo, podemos tomarnos el libro como una biografía atípica, no sobre Carmen, sino sobre la propia autora. Una especie de memoir de una joven sin expectativas, en la que la autora expone sus vivencias sirviéndose de una figura pública. Podemos pensar que «una biografía» hace referencia a Juncosa. Hay algo de generacional en su relato. Mucha crudeza, suciedad y crueldad. Hay desidia y dificultad para salir adelante. Quizás quejas y pocos intentos (lo dicho: generacional). Desde esa perspectiva, el texto sí triunfa. Podría haberse aprovechado mejor el brillo de la estrella que fue Carmen, pero resulta muy revelador cómo contrapone a veces la supervivencia de la autora a la supervivencia de la propia Carmen. Lo dicho: quien espere una biografía, la encontrará, pero no de Carmen.

Al igual que el enfoque, el tono que buscaba un público amplio en el libro sobre La Veneno, aquí se ha convertido en un foco de críticas. El tono de Juncosa ha resultado hiriente para muchos, incluso para muchos que no han leído el texto completo. ¿Deberíamos plantearnos la caricaturización como una decisión narrativa, en la que se incluye la figura de la autora, y no tomarnos tan en serio el libro? ¿Sirve ese tono molesto y fanzinero para poner de manifiesto una fealdad que no nos apetece ver?

Otro de los temas que se han ligado a la recepción del libro es la supuesta transfobia que destila. El caso es que el libro, entre el puñado de cosas que deja claras sobre Carmen, habla abiertamente de la ausencia de una identidad transgénero. Carmen habla de sí misma en femenino por costumbre. ¿Sus operaciones se debieron a su gusto por satisfacer a los hombres? ¿Por ser una estrella? No se nos aclara, pero es que quizá la propia Carmen no haya sentido la necesidad de responderse esa pregunta. O sus convicciones no se lo hayan permitido. Me planteo, aunque voy a evitar entrar en debates, hasta qué punto somos transigentes al intentar generar debates que engloben realidades infinitas. ¿No estamos intentando incluir a Carmen de Mairena en un discurso trans homogéneo en el que quizá no tenga sitio? Si homogeneizamos realidades, ¿no volvemos al eterno retorno de dejar realidades fuera? ¿Por qué no comprendemos las circunstancias, el tiempo de vida, las condiciones del entorno, las decisiones, los matices, y aceptamos que la identidad sexual puede ser mucho más compleja que la nuestra? ¿Por qué no aceptamos que a alguien en unas condiciones similares a las nuestras puede no servirle nuestro mismo discurso? ¿Por qué no aprender de la extrañeza que produce Carmen, de su propio proceso de identificación? ¿Debemos tratar a Carmen de Mairena de una forma que no sea la forma en que, en cada momento, ella nos pida? Sería perfecto seguir esa máxima de Acid Betty: El mundo no debe ser homogéneo, nadie debería parecerse. Y desde ahí, desde esa convicción, quizá podamos convencer a quien no lo crea.

Lo que podría haber sido, pero no es porque es otra cosa

En uno y en otro libro hay varias cuestiones que quedan en el tintero, que podrían compartir, y que sería muy interesante ver desarrolladas en obras futuras. Algunas de ellas son:

1.- La infancia: ¿qué construye su identidad, qué las trae aquí, cómo afecta el pasado?

2.- Sus figuras y la historia de España

3.- El inmueble que poseen se convierte en una tabla de salvación. ¿Por qué?

4.- El honor como guía. Carmen, quizá, está más de vuelta de todo, pero en ambas la imagen que dan y la que perdure de ellas condicionan sus vidas

5. -El determinismo adquirido de clase. Las dos figuras se ven en un continuo proceso de aceptación social a nivel interior. Progresan, besan el éxito, pero uno tiene la sensación de ver cómo se boicotean a sí mismas, como si no creyesen merecer el éxito. Como si pensasen: «no merezco estar aquí, esta no es la clase a la que pertenezco»

6.- El juego entre realidad y fantasía. ¿Dónde están los límites?

7.- ¿Cómo fue el proceso de aceptación sexual?

Peticiones para Santa Cristina Ruiz, Virgen de las tarántulas

Pese a los pros y contras, me parece muy celebrable la existencia de estos dos libros. Y aprovecho expresando un deseo. Atención, escritores: aquí hay filón narrativo. Ojalá alguien se anime a producir un relato de complejidad psicológica y emocional sobre La Veneno o Carmen de Mairena, con la ficción como aliada.

Y ojalá, también, se alineen los astros y dentro de no mucho tiempo encontremos testimonios audiovisuales sobre ellas. Películas, documentales, series. Algo muy trash. ¿Os imagináis una serie, una película sobre Cristina, la Veneno, con Jedet, Oto Vans, Milo al frente, Yo soy Soy una pringada al guión? ¿Alguien mejor para producir un nuevo icono trash sobre un icono trash?

Santa Cristina, escucha nuestras plegarias.

Taylor Swift confirma su giro industrial en la más popera ‘…Ready for It?’

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taylorswiftAl tiempo que ‘Look What You Made Me Do’ bate récords y consigue grandes posiciones en las listas de éxitos, su autora Taylor Swift planea el lanzamiento de otra canción nueva para este domingo. De ella ha estrenado un fragmento durante el anuncio de un partido de fútbol americano en ABC, asegurándose de que el mayor público se familiarice con ella antes de que haya salido a la venta.

La canción nueva se titula ‘Ready for It’ y suena totalmente pop y explosiva, en el estilo de ‘1989’, aunque algo más oscurilla en arreglos, al menos a tenor de lo que puede oírse por ahora. La letra parece hablarnos de una noche de pasión con un amante soñada por Swift: “en la mitad de la noche, en mis sueños, deberías ver las cosas que hacemos, en la mitad de la noche, sé que voy a estar contigo, así que me tomo mi tiempo”. El tema se estrenará en la radio estadounidense durante la mañana de este domingo, si bien se ha indicado que no será el segundo single oficial de ‘Reputation’.

El nuevo álbum de Taylor Swift sale el 10 de noviembre por supuesto rodeado de polémica por la temática y sonido de su primer single y por su espectacular videoclip dirigido por Joseph Khan. El director de hecho ha defendido a Swift en Twitter de quienes le llaman “víbora” por haberse vengado de sus detractores a través de ‘Look What You Made Me Do’: “dobles raseros: si yo como hombre urdo un plan, soy un genio, si Taylor como mujer hace lo mismo, es una manipuladora”. También ha defendido a Swift de quienes le atacan por no condenar a Donald Trump, recalcando que Kanye West no parece incitar tanto odio a pesar de que ha apoyado abiertamente al presidente en varias ocasiones.

Actualización: la canción ya está disponible en streaming y confirma el giro oscuro dado por Swift en ‘Look What You Made Me Do’. Los sintetizadores principales y la producción en general son totalmente industriales, a excepción quizás de un arreglo de fondo que parece replicar las producciones de tropical house de moda y que es lo suficientemente sutil como para no chocar con la estética mayoritaria de la canción. Eso sí, Swift propone ahora un estribillo más cercano al pop, acompañado, eso sí, de un post-estribillo amelódico. Curiosamente, ‘Bad Blood’ es la canción que suena inmediatamente después en Spotify y la evolución de una canción a otra no parece del todo radical.

Alaska y Mario salvan a Bibiana Fernández de Hacienda comprándole la casa que le iba a ser embargada

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bibianaLa tertuliana y actriz Bibiana Fernández llevaba desde enero de 2016 intentando vender su chalé en Boadilla del Monte para saldar su deuda con Hacienda, un chalé que Fernández ha hipotecado hasta cinco veces. Tanto buscar y rebuscar un comprador puede decirse que no le ha servido a Fernández de mucho, pues al final se han quedado con la casa dos de sus mejores amigos, Alaska y Mario Vaquerizo, que han comprado el inmueble por un valor de 500.000 euros.

En un post de Instagram, Fernández ha agradecido a Alaska y Mario su “gesto” (los signos de puntuación y correcciones son nuestros): “Familia, por terminar de un modo alegre, los que me seguís de continuo, recordaréis [que un] día puse un cartel. Y cuando menos lo esperas, todo sale bien, pues, si entre otras muchas cosas, ellos se quedan con la casa, no puede estar en mejores manos. Volveremos cienes y cienes de veces”. Fernández indica que el “patrimonio emocional” de la casa es lo que “más importa” y destaca que la casa posee un olivo que le regaló el fallecido David Delfín y un abeto que le regaló un allegado llamado Miguel y que “nadie los cuidará” como Alaska y Mario.

A parte de su trabajo como actriz y en televisión, Bibi es por supuesto conocida por su temazo ‘Sálvame’, el que pone música todas las tardes al programa de corazón del mismo nombre que emite Telecinco. ¿Cuántas veces habrá cantando últimamente aquello de “Mi situación es terrible, yo no sé nadar, mi situación es urgente, me horroriza el mar, un tentáculo negro me quiere hundir, los tiburones me miran, necesito huir, ¡me puedo ahogar!”? O aquello de… “Ven pronto, no tardes, que me traga el mar, tú sácame a flote y después verás… Mi vida sálvame, ven nadando a mí, sálvame, soy un náufrago…”

Azealia Banks busca un amor trascendental en la embriagadora y ultra noventera ‘Escapades’

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azealiabanksEste 23 de septiembre, la cantante y rapera Azealia Banks actúa en la sala Ochoymedio de Madrid en el que será uno de los varios conciertos que dará por Europa en el último tramo de 2017. Se espera que toque temas de su notable debut ‘Broke with Expensive Taste’ y de su recientemente reeditado EP ‘Slay-Z’, así como por supuesto canciones nuevas como las que ha publicado recientemente, ‘Chi Chi’ y ‘Escapades’.

De esta segunda habíamos solo oído dos maquetas sin pulir, pero Banks ya la ha terminado y su versión final puede escucharse oficialmente desde este 1 de septiembre en streaming y comprarse en iTunes. En ‘Escapades’ Banks se sumerge más que nunca en el dance de los noventa y además ofrece una actuación completamente cantada, sin raps, en la que parece querer evocar a las grandes divas disco de la época (en parte también a la pureza de la producción vocal, que deja intactas las imperfecciones de su interpretación, como sucedía antes de que el autotune se consolidara en los estudios de grabación).

Tan romántica en sus paisajes trance nocturnos y embriagadores, ‘Escapades’ nos habla naturalmente de un amor trascendental. “Constrúyeme, ámame, elévame, relaja mi alma y alivia mi mente”, ruega Banks; “más que lujuria, más que sexo y amor, siente la marea que ruge y desgarra, al tiempo que llega la mañana”. Tal es la intensidad de este amor que busca Banks que la cantante promete ser capaz de “escalar montañas y navegar océanos” para encontrar a su amante. “Si tu corazón me llama desde la distancia”, canta, “te aseguro que daré con el modo de encontrarte, nadaré a través de los mares, un día o dos, para poder yacer a tu lado”.

Se espera que ‘Escapades’ forme parte de la próxima “mixtape” de Banks, ‘Fantasea: The Second Wave’, de la que en realidad llevamos hablando al menos dos años. La artista de hecho una estrenado una parte de un nuevo tema en directo, ‘Ain’t Know’, una colaboración con el rapero Safaree, autor de canciones como ‘Can’t Lie’ o ‘Love than Most’ y ex de Nicki Minaj.