Por increíble que pareciera, The Chainsmokers han publicado una canción que ha sido capaz de hacer sombra a su propio éxito de la primera mitad de 2016, ‘Don’t Let Me Down‘. Se trata de ‘Closer’, un medio tiempo que lanzaron este verano y en el que se hacían acompañar por Halsey, una de las nuevas estrellas del pop norteamericano con mayor proyección. La canción, que tras su lanzamiento hubo de ser acreditada a The Fray, lleva camino de ser el macro-hit del año, por delante de ‘One Dance’, ‘Cheap Thrills’ o cualquier canción que se os ocurra. Sumando a ojo solo las reproducciones de Spotify y el lyric video en Youtube, ya estaríamos hablando de 1.000 millones de streamings. Y eso que no contaba con un vídeo oficial… hasta ahora.
El proyecto de los DJs y productores Andrew Taggert y Alex Pall acaba de subir a su perfil de Youtube un vídeo para la canción protagonizado por ellos. Principalmente, por Taggert, que es el que pone la voz masculina en la canción, y Halsey, la intérprete femenina. Nos cuenta en imágenes de forma bastante literal lo que dice la letra: vemos el reecuentro de una ex-pareja que rememora por qué se gustaban y tiene tentaciones de un come-back… hasta que recuerdan por qué se separaron. Por el camino, Alex y Halsey se enfrascan en varias escenas de cama, casi en cueros. Por simple que sea, acumula medio millón de visionados en 1 hora, o sea que tenemos ‘Closer’ para rato.
The Chainsmokers han manifestado que no planean lanzar un álbum propiamente dicho, pero sí publicarán un EP (el segundo tras ‘Bouquet’ –2015–) que reunirá los éxitos (y no tanto) que han lanzado este año 2016. Se llamará ‘Collage’, tiene portada y fecha de edición: 4 de noviembre. ¿No ardéis en deseos de saber lo que opinará de él Lady Gaga?
Según informan diversos medios, en la nueva edición de OVO Sound Radio, programa que Drake comanda en Beats 1 (la radio online de Apple Music), el artista canadiense ha celebrado su cumpleaños presentando tres nuevas canciones, que estarán incluidas en algo nuevo que publicará en el mes de diciembre. Y decimos «algo» porque él mismo evitó denominarlo como «mixtape» o «album», y prefirió hablar de «una playlist» que aspiraba a ser «la banda sonora de vuestra vida». Casi ná. La cosa, sea lo que sea, se titula ‘More Life’ y tiene una portada, que veis aquí al lado y que, si no erramos, está presidida por el padre de Drake, el señor Dennis Graham. En ‘More Time’ no habrá solo música del rapero de Toronto, ya que incluirá, por ejemplo, un remix de ‘Wanna Know‘, un tema de una joven promesa británica llamada Dave. ¿Será este el proyecto conjunto que Drake y Kanye anunciaron a bombo y platillo?
Los nuevos temas lanzados son ‘Fake Love’, una canción que se mantiene en la línea inspiracional de dancehall que tantos éxitos le ha dado últimamente (de hecho, el sonido de las percusiones es MUY similar a las de ‘Hotline Bling’) y que habla sobre las falsas alabanzas que recibe a causa de su éxito; ‘Sneakin´’, un corte rap con su sello particular en el que colabora 21 Savage, un nuevo héroe del trap procedente de Atlanta; y, por último, ‘Two Birds, One Stone’, con producción del habitual Noah «40» Shebib y con respuestas a los beefs que le habían tirado Pusha T o Kid Cudi.
‘Views‘, el álbum publicado por Drake hace unos meses, es ya uno de los discos más vendidos del año, impulsado por el éxito de ‘Hotline Bling’ en 2015 y propulsado aún más por el de ‘One Dance’, que ya es la canción más reproducida en la historia de Spotify, acumulando ya cerca de 900 millones de streamings. Drake inicia en febrero una gira europea que no pasa por España, al menos por el momento.
Nick Cave es nuestro protagonista en positivo de «Hits & Flops» gracias a los buenos resultados comerciales de su último álbum ‘Skeleton Tree‘, que ha sido número 1 en Australia, Noruega, Irlanda, Dinamarca, Portugal y la parte flamenca de Bélgica. Además, ha sido número 2 en Italia, Austria, Suiza o Reino Unido, además de número 3 en Alemania. En Estados Unidos, donde son menos fans, ha sido solo puesto 27, pero se trata del mejor resultado de su carrera. Seis semanas después de su edición y lógicamente sin single en radios, el álbum pierde posiciones (es número 74 en Reino Unido), pero Mediatraffic estima ya más de 200.000 unidades vendidas en todo el mundo, todo un logro teniendo en cuenta los tiempos que corren y el género musical al que pertenece el largo.
Lo fácil es pensar que el público ha querido acompañar a Nick Cave tras la muerte de su hijo, tratada en el disco y en la película que lo acompaña, pero lo cierto es que la carrera de Cave ha sido ascendente, como muestra el correspondiente cuadro de Wikipedia. Mientras sus discos de los 80 no solían entrar en las listas de éxitos, en los 90 empezaba a merodear el top 10 tanto en su Australia natal como en Reino Unido: ‘Let Love In’ (1994) fue top 12 en Reino Unido y después ‘Murder Ballads’ (1996) número 8.
En el nuevo siglo, desde que ‘Nocturama’ (2003) fuera número 38 en Australia y número 20 en Reino Unido cada uno de los discos de Nick Cave ha llegado un poquito más alto en las listas que el anterior: «Abattoir Blues» (2004) fue número 11 en Reino Unido y número 5 en Australia, ‘Dig, Lazarus, Dig!!’ (2008) fue número 4 en Reino Unido y número 2 en Australia, ‘Push the Sky Away‘ (2013) número 3 en Reino Unido y número 1 en Australia y el último como decíamos número 2 en UK y de nuevo número 1 en Australia. La misma tendencia se ha seguido, aunque a otra escala, en Alemania o Estados Unidos, consolidando desde el punto de vista comercial lo que siempre ha dicho la crítica. ‘Skeleton Tree’, por cierto, tiene 94 de 100 puntos en Metacritic.
Flops
Todo lo contrario le ha sucedido a Usher, cuyo ‘Hard II Love’ salía al mercado una semana después. Si Nick Cave vendía más de 100.000 unidades durante la primera semana en todo el mundo, Mediatraffic estima que Usher vendía solo 40.000 durante los primeros siete días. 27.000 de ellas procedían de Estados Unidos, donde ahora mismo el disco va por las 50.000. Haciendo una regla de tres, parece complicado que ‘Hard II Love’ haya llegado a las 100.000 copias a nivel mundial. Por mucho que cueste creerlo, Nick Cave ha terminado vendiendo el doble que Usher.
Un varapalo para un artista otrora multiplatino que llegó a vender 20 millones de unidades de ‘Confessions’ (2004). No fue, además, flor de un día, pues los anteriores ‘My Way’ y ‘8701’ vendían 8 millones cada uno. Sin embargo, su fama fue decreciendo desde ‘Here I Stand’ y ‘Raymond v Raymond’ en 2010 fue su último platino, conteniendo el que es su último single número 1, ‘OMG’ junto a will.i.am. ‘Looking 4 Myself’ flopeaba en 2012 a pesar de haber podido llegar al número 1 del Billboard 200 y ‘Hard II Love’ ya es el primer disco de Usher sin número 1 desde 2001.
El álbum no se hunde del todo en Estados Unidos, donde tras haber sido puesto 5, aún resiste en el top 53 en su cuarta semana, pero no solo es su disco peor recibido en Estados Unidos por una diferencia abismal sino que su impacto fuera de allí es nulo: ha sido número 7 en Reino Unido, sí, pero en todo su top 100 ha durado, atención, 2 semanas.
La veterana banda portuguesa The Gift, autora de álbumes como ‘Vinyl’, ‘Explode’ o ‘Primavera’, edita nuevo disco próximamente. Brian Eno ha producido el largo y también su primer adelanto, ‘Love without Violins’, que parecen dos canciones en una y cuenta con un sonido elegante y oscuro en la línea de Depeche Mode. Su vídeo es una producción del reputado director Paulo Costa y este retrata la creación artística de Joao Carvalho, diseñador de cuero y artista portugués que crea esculturas de cuero a partir de moldes de cuerpo humano, como podéis ver en la segunda parte del vídeo, en la que aparece el mismo Carvalho. Mención especial merecen también los atuendos extravagantes de la carismática vocalista del grupo, Sónia Tavares.
«Queríamos un video donde el enfoque fuera más técnico que narrativo», lee la nota de prensa. «Pensamos que el video debería permitir a la gente conocer nuestro trabajo y es una herramienta esencial para difundir nuestro arte. En este video queríamos mostrar las muchas caras de Sonia, incluyendo varias facetas vocales y de ahí surgió la idea de sacar a varias «Sonias» diferentes a lo largo del clip. El comienzo del video es muy teatral, pero cuando acaba esta primera parte y la atmosfera sonora pasa a una sección instrumental larga, el look del video también cambia: de repente nos vamos a un sitio «real» y empieza a seguir una persona «real» – todo pasa a una estética mas cinematográfica.
Fuimos muy afortunados en poder contar con un equipo técnico de ensueño, que nos proporciono con un estilismo de primeras, fotografía impecable, y acabar un amor dudoso. Arte, Amor.»
Esta semana se ha cumplido un año de la salida de ‘Divers’, el último disco de Joanna Newsom, al mercado (que no a las plataformas de streaming, que Newsom odia con toda su alma, entre otras cosas). El álbum era una curiosidad en la discografía de Newsom porque es el más corto pero también el más caro por su producción, uno de sus trabajos más conceptuales y el que más variedad de instrumentos contiene (una especie de cruce de sus tres discos anteriores).
Para celebrar la ocasión de este aniversario, Newsom ha compartido una canción inédita de las sesiones de grabación del álbum, ‘Make Hay’, un tema al piano, Wurlitzer y celesta que vuelve a hablar sobre el tiempo, en esta ocasión sobre una «vieja amiga» de Newsom que muere, pero del que se desprende un mensaje positivo, el de aprovechar al máximo la vida. Newsom cuenta la historia de una mujer que se «punteó los ojos / y cruzó las cardas en su trineo inclinado / donde los zopilotes vuelan en círculos / y el granjero hace heno».
Newsom, en su estilo romántico, reflexiona sobre el amor y el tiempo en lo que parece una referencia a la canción que cierra ‘Divers’, ‘Time, As a Symptom’. «¿Y cómo iba yo a saber / viendo pasar mis segundos uno tras otro / si hay alguna manera de entender el amor / más que como un síntoma del tiempo?», se pregunta. «¿Y cómo iba yo a saber, mientras el día se hace lento, y el sol observa, parado en el túnel de la noche tenue, donde caen las estrellas? / No tengo nada que decir, pero aún así, llamo a mi vieja amiga / y sembramos y cosechamos, otra vez».
El pasado mes de julio tuvimos ocasión de charlar con Neil Hannon, el hombre detrás de The Divine Comedy, una conversación que reflejamos en esta amena entrevista. Sin embargo, por entonces aún no podíamos publicar nada sobre su nuevo álbum, ‘Foreverland’, a petición de su compañía, ya que aún faltaban muchas semanas hasta que viera la luz. Por eso teníamos guardadas unas cuantas preguntas que pudimos hacerle respecto al álbum, y ahora, con ocasión del concierto que dará en el festival BIME Live! 2016 (junto a PJ Harvey, Suede, The Chemical Brothers…) que se celebra esta semana en Barakaldo, las recuperamos.
Si recordáis, entonces Neil Hannon nos decía que le había tomado seis años completar ‘Foreverland’ porque, básicamente, no veía razón para hacer las cosas rápidamente y, al contrario, había decidido hacerlas sin ningún tipo de prisa. Me parece muy curiosa, le digo, su portada, que por primera vez en mucho tiempo no tiene una foto suya. ¿No estaba interesado en llevar más allá el asunto de salir semidesnudo en una bañera, como en ‘Bang Goes The Kinghthood’? “Sopesé todas las opciones, pero…” En realidad, se trata de una imagen de un calendario que compró hace mucho tiempo en un viaje a EEUU y que estaba colgada en su estudio. Sintió que conectaba muy bien con la música del álbum. “Es curioso, porque intentamos averiguar de dónde venía, para el tema de derechos, y demás, pero nos ha sido del todo imposible porque es muy antigua. Así que la usamos, sin más”.
En realidad, parece uno de aquellos carteles de propaganda de entreguerras, por lo que sí parece que tiene esa conexión histórica que hay en algunos títulos de las canciones. “Aparentemente, es algo que nos suele ocurrir a los hombres de mediana edad, desarrollamos ese interés, no sé por qué”, decía entre risas. “Creo que de repente te das cuenta de que la vida es fútil y a lo mejor intentas encontrar tu lugar en la Historia, en la vida”. Pero es algo común a lo largo de su carrera, y aquí también hay varias canciones se inspiran en personajes o entes históricos, como Catalina La Grande, Napoleón o la Legión Extranjera. “Veo muchos documentales y libros históricos, porque me parecen muy interesantes. Respecto a la Legión Extranjera, tiene más que ver con un recuerdo infantil, con series y películas que veía en televisión, como ‘The Two Ronnies’ o ‘Carry On: Follow That Camel’, que ridiculizaban el colonialismo británico. Huían para unirse a la Legión Extranjera, porque les llamaban cobardes. Y por eso mi letra es una metáfora sobre escapar y olvidarse de todo”.
Sobre ‘Catherine The Great’, había presentado la canción diciendo que era “históricamente imprecisa”. Cuestionado sobre esa frase, confesó que, en realidad, la canción iba en parte sobre Catalina La Grande, la emperatriz rusa, y en parte sobre su novia, que se llama también Catherine. “Por el camino [de la canción], se confunden las dos. Verás, a veces me resulta difícil decir “eres genial, te amo de verdad, tu pelo es precioso…”, ese tipo de basura. Así que es más fácil esconderlo detrás de un personaje”. Aunque en verdad encuentra que Catalina La Grande era una gran figura. Le pregunto, en ese punto, que si sabía que habían descubierto en uno de sus palacios una habitación repleta de mobiliario inspirado en penes. “¡Oh, le encantaban la pililas!” [NdR: «Willies»], espeta entre risas. “Pero aparentemente todo aquello sobre los caballos, no era cierto…”, apostilla bromeando. “¡Qué alivio!”.
No le apetece, en cambio, hablar mucho sobre su videoclip porque le avergüenza muchísimo actuar. En él, lo que aparenta ser una escenificación de época, acaba revelándose como una mascarada para satisfacer a esa Catalina. ¿Es una especie de metáfora sobre las relaciones en las redes sociales? “Bueno, puedes verlo así también, pero… Lo escribí yo junto a Raphaël Neal, el director. Esta chica, Catherine, quiere ser como Catalina La Grande. Yo estoy enamorado de ella y trato de hacer posible esta fantasía, así que contrato a toda esta gente para que finjan estar en el siglo XVIII, hasta que todo se derrumba. No oculta ningún significado sociológico, o al menos no lo pretendíamos”. “Pero podemos hablar de redes sociales, si quieres, porque las odio”, se burla.
De nuevo, os recomendamos complementar este artículo con la primera parte de la entrevista, en la que hablamos sobre qué hizo durante el lapso de 6 años entre sus dos últimos discos y analizó sus 25 años de carrera.
«Si no puedo bailar, tu revolución no me interesa», espetó Emma Goldman a un camarada que le reprochaba estar divirtiéndose en vez de dedicarse «en serio» a la lucha. Porque la revolución también se baila. Este es el mensaje del dúo sueco al mundo; con ‘Running Out of Love’ The Radio Dept. han publicado su álbum más combativo. Preocupados por el auge de la extrema derecha en su país, su pretensión es sacudir caderas y conciencias, no sólo en Suecia, sino en un Occidente amenazado por los mismos males: el miedo, la insolidaridad y el fascismo. Si ya le dedicaron un single deseando su muerte, la gravedad de la situación actual les ha llevado a construir un disco completo para atacarlo. Y es el mejor de su carrera.
‘Running Out of Love’ es una obra pegadiza, inmediata y fantástica de canción protesta bailable, en la que The Radio Dept. han mutado sus postulados: suenan mucho menos lo-fi y dream pop, más sintéticos y orientados al dance, pero manteniendo su melancolía y evanescencia habituales. La voz de Johan Duncanson, tan lánguida y emotiva como siempre, también conserva su característico tratamiento; sigue escuchándose en segundo plano, como si la hubieran grabado en una caja, lo que dificulta la comprensión de las letras. El texto de Otis Hart que acompaña al «First Listen» en NPR de este «Running» es esclarecedor al respecto: «Duncansson y Larsson han demostrado un tremendo don para los ganchos efervescentes, que a menudo oscurecen las letras enterradas dentro. Bucead en profundidad y prestad atención: este álbum se ha hecho para 2016».
Pero hasta llegar a este álbum tan 2016 se han tomado su tiempo. Su anterior disco ‘Clinging to a Scheme‘ data de 2010. Entre tanto, litigaron contra Labrador Records y perdieron, han ido sacando singles esparcidos… De hecho, ‘Running Out of Love’ está construido en parte con temas ya conocidos: ‘Occupied‘ salió en 2015; en el interior de ‘Death to Fascism’ se ocultaba el germen de ‘Sloboda Narodu’, la canción que abre ‘Running Out of Love’; ‘This Thing Was Bound to Happen’ es un antiguo tema inédito… Se echa de menos la fantástica ‘This Repeated Sodomy‘, pero probablemente su indie pop saltarín la alejaba demasiado del carácter general del disco.
Duncanson y Larsson aseguran haberse basado en grupos como Soul II Soul e Inner City que, entre finales de los 80 y principios de los 90, practicaron un house sofisticado y pegadizo. El magnífico y cálido inicio de ‘Sloboda Narodu’ con una percusión y una línea de bajo que le da un marcado espíritu sesentas, hasta que rompe en acordes orquestales sintéticos, ya nos anuncia a unos Radio Dept más expansivos, menos ensimismados, que reclaman con versos simples y sincopados: «Don’t ask for patience / ‘Cause we just don’t have the time / Freedom now». Y, a continuación, la primera bomba del álbum, que no puede ser más explícita: la tremebunda ‘Swedish Guns’, donde el dúo carga directamente contra la industria armamentística de su país: «They should turn around / The Swedish guns / And force us to the ground / With Swedish guns / Cause who can be to blame / For Swedish guns? / A clue, it’s in the name». Un caramelo envenado envuelto en una melodía cálida y dulce, con ecos de Prefab Sprout.
Como envenenado es el mensaje de ‘We Got Game’, que saquea levemente el gran clásico de Inner City, ‘Good Life‘ y los aires de los Pet Shop Boys de la era ‘Actually’ para construir un pegadizo himno de baile que es, a su vez, una arenga a la responsabilidad de los votantes a la hora de escoger gobierno. Rabia también destila el desvarío sintético de ‘Ocuppied’, un casi apocalíptico número de house de 1988 (¡ese piano!), sobre su litigio contra Labrador Records. ‘This Thing Was Bound to Happen’, antaño movido número shoegaze de estribillo arrebatador, rebaja las revoluciones por minuto para convertirse en un tema cálido, cercano al technopop centroeuropeo de los ochenta. Dulce también suena ‘Can’t Be Guilty’, aunque la línea de bajo de ‘Comitted to the Cause’ los muestra más terrenales y próximos a la música disco. El tramo final del disco parece desfallecer, pero vuelve a resplandecer en la última canción, ‘Teach Me to Forget’, con su recuerdo de New Order y sus gruesos acordes de trance.
‘Running Out of Love’ es un inmenso salto de The Radio Dept. Partiendo de una música teóricamente hortera -pero de enorme calado emocional- han conjugado su hedonismo inherente con una furibunda crítica social para parir un disco hermoso y necesario; tan acogedor como volver a casa y, a la vez, toda una patada en la boca.
Calificación: 8,2/10 Lo mejor: ‘Swedish Guns’, ‘We Got Game’, ‘Occupied’, ‘This Thing Was Bound to Happen’, ‘Teach Me to Forget’ Te gustará si te gustan: Pet Shop Boys, New Order, la dance-music de los noventa. Escúchalo: NPR, Spotify Cómpralo: Amazon
Cuando Taylor Swift y Calvin Harris rompieron, se destapó que Swift era co-autora de ‘This is What You Came For’, el éxito de Harris y Rihanna, que ha sido top 2 en Reino Unido y top 3 en Estados Unidos y España. El DJ y la autora de ‘Blank Space’ escribieron la canción durante su relación sentimental pero Swift decidió usar el pseudónimo de Nils Sjoberg en los créditos del tema para que su relación con Harris no fuera el centro de los titulares tras su publicación.
Varios meses después del lanzamiento de ‘This is What You Came For’, Harris aseguró en una entrevista que no colaboraría con Swift, algo que esta se tomó fatal, puesto que es co-autora de un hitazo de Harris, por lo que la cantante mandó un comunicado a People a través de su representante en el que se confirmaba como co-autora de la canción para darle a Harris en los morros. El asunto tenía miga, pues Swift y Harris ya no salían juntos y no habían acabado muy bien.
Ahora, Swift ha decidido readueñarse de la canción y la ha tocado en directo, al piano. Lo ha hecho en su primer concierto de 2016, habido lugar este fin de semana en el Circuito de las Américas de Austin, Texas, como previa a la carrera de Gran Premio de Fórmula 1 de Estados Unidos. Antes de tocar la canción, Swift la presentó asegurando que el «sentimiento más gratificante del mundo es escribir algo y que el público lo cante porque se sabe la letra».
Lo interesante del asunto es que es el primer concierto de Swift tras la polémica de su conversación telefónica con Kanye West, que ha supuesto un vuelco absoluto de la imagen de Swift de cara a los medios y a sus fans para mal. Para saber cuántos fans ha perdido la cantante y cuántos han seguido a su lado, sin embargo, habrá que esperar a la salida de su próximo disco.
Finalmente sí habrá película de la gira de ‘Rebel Heart’ de Madonna, aquella que gustó a nuestra redacción más o menos. Se emitirá el 9 de diciembre en Showtime por televisión e internet y contendrá actuaciones de la gira realizadas por todo el mundo. Danny B. Tull y Nathan Rissman, que han colaborado en numerosas ocasiones con Madonna para sus producciones visuales, han dirigido la película conjuntamente.
«Cuando se trata de montar un espectáculo, solo hay una Madonna», lee la nota de prensa de David Nevins, presidente de Showtime. «Con su única visión creativa y presencia escénica sin igual, nuestros espectadores verán un estadio lleno de teatro visual, vestimentas espectaculares y coreografías intrincadas en el que podrán escuchar éxitos nuevos de Madonna y clásicos». Showtime ha compartido un tráiler de la película, que adjuntamos debajo de estas palabras. No se sabe, sin embargo, si habrá DVD.
En otro orden de cosas, la guerra de Madonna y Lady Gaga ha resucitado para Halloween después de que Lady Gaga asegurara en una entrevista de radio que no se parece a Madonna porque ella (Gaga) escribe, compone, produce y toca «un montón de instrumentos». Un reciente tuit de Madonna parece hacer referencia a estas palabras: «La tinta es la sangre de la literatura», ha escrito la cantante. «¿Os acordáis de cuando la gente escribía?» ¿O igual estas palabras no tienen absolutamente nada que ver con Lady Gaga? Por otro lado, Madonna publicaba en Instagram un meme de Hilary Clinton ya borrado en el que se leía que está «demasiado ocupada siendo estupenda». ¿Otra referencia a las palabras de Gaga? Ahí lo dejamos…
El tercer álbum de Crystal Fighters se abre con una pista hablada que han llamado ‘Simplecito’. Se trata de un discurso traducido del castellano al inglés de un «sabio costarricense» que habla sobre la selección de espermatozoides de su padre, la que le ha llevado a ser persona. «Entréguese a la experiencia, si vienen momentos difíciles, dele un abracito, un besito y después suéltelo. Simplecito». Con esta metáfora, el trío formado por el cantante Sebastian «Bast» Pringle, el guitarrista Graham Dickson (también a la txalaparta) y el multiinstrumentista Gilbert Vierich retratan su filosofía de vida.
Cuentan que en estos años después de que perdieran al batería Andrea Marongiu, fallecido de manera repentina en 2014, «explorar el mundo por separado» les ha ayudado a salir adelante. Bast ha estado en el País Vasco, Canarias y Centroamérica, y Graham en una montaña de Maine (Norteamérica). Ahí han querido «unirse a la naturaleza sin las distracciones de tantas pantallas e inventos de la sociedad moderna» para sentir «el poder y la sabiduría de las viejas tradiciones» de «generaciones y generaciones durante miles de años». Esto puede sonar a sus inspiraciones de siempre a juzgar por los singles principales que hemos escuchado extraídos de este disco, si bien ahora matizan que si el disco anterior, ‘Cave Rave‘, «se preguntaba sobre la existencia, este es más sobre darse cuenta de que las respuestas que buscamos pueden estar fuera de nuestro control. Estas canciones son menos sobre preguntas y más sobre entregarse a la experiencia». Que es lo que venía a decir ‘Simplecito’.
La música de Crystal Fighters siempre ha sido sobre «entregarse a la experiencia», lo que traducido a canciones, significa efectivamente todo un «más de lo mismo» que percibimos en singles como ‘All Night‘, efectivo a más no poder en su «party all night / party all day / hey hey», y ya un pequeño éxito en emisoras británicas (está en la playlist de Radio 1 de la BBC, y Crystal Fighters no son especialmente famosos en Reino Unido) y españolas (está entre las canciones más radiadas); ‘Good Girls’, la muy Phoenix ‘Ways I Can’t Tell’ y también en la contagiosa ‘Yellow Sun’ o en la canción de hoguera y coral ‘Lay Low’. Vuelven a ser pistas tropicales, festivales y frescas, con Crystal Fighters viviendo en un perpetuo anuncio de cervecita.
Funciona por más que uno quiera resistirse, pero lo bueno es que el grupo no lo ha mantenido todo tan «simplecito» y hay unos cuantos experimentos en el álbum que confirman que sí, que como avanzaban, este es «su disco más todo«. ‘In Your Arms’ y ‘Live for You’ suenan un poco artificiosas y forzadas a abrazar las modas británicas, hasta el punto de que a duras penas parecen canciones de Crystal Fighters. Sin embargo, ‘Fly East’ y sobre todo ‘The Moondog’ son sendos interesantes viaje de prog con un poso pop a lo MGMT que lo cierto es que les va como un guante. Correcto en su zona de confort, al grupo solo le queda adivinar qué camino de la experimentación le sienta bien y cuál no.
Calificación: 6,5/10 Lo mejor: ‘All Night’, ‘The Moondog’, ‘Yellow Sun’ Te gustará si te gustan: los anteriores y estás abierto a otros estilos Escúchalo:Spotify Cómpralo:Amazon
Lana del Rey podría publicar su quinto álbum de estudio tan pronto como el próximo mes de noviembre. Eso es lo que ha afirmado un popular DJ radiofónico y presentador televisivo de Philadelphia, llamado Mike Adam. Ayer, 22 de octubre, publicaba en su cuenta de Twitter un mensaje bien claro, que no da lugar a dobles interpretaciones: «Nuevo álbum de Lana del Rey el mes que viene… ¿Estáis listos?».
Podríamos creer que se lo habría inventado para ganar atención pero, de ser falso, supondría un gran descrédito para alguien que goza de una gran reputación en el mundo del pop (en sus programas es habitual ver a numerosas estrellas de la música). Teniendo en cuenta que la gira de presentación de ‘Honeymoon‘ en EEUU concluyó el pasado 16 de junio, los plazos parecen muy ajustados para una producción típica de una estrella del pop. Sin embargo, si por algo se distingue Lana es por no caer en tópicos.
De hecho el ritmo creativo (este verano volvíamos a asistir a la ya clásica filtración de dos inéditos suyos) y editorial de Lana del Rey es bastante alto. Tras su exitoso debut ‘Born To Die’, en 2012, que contó meses después con una edición especial que incluía 8 nuevas grabaciones, sus dos siguientes álbumes vieron la luz de forma casi consecutiva: ‘Ultraviolence‘ se publicó en junio de 2014 y ‘Honeymoon’ en septiembre de 2015.
Permaneceremos, por tanto, muy atentos a sus próximos movimientos. De momento, os dejamos con el fragmento de una versión de ‘Knocking on Heaven’s Door’, del reciente ganador del Nobel de Literatura, que ella misma subía a Facebook hace un par de días.
Soy una pringada es uno de los canales de YouTube más divertidos de la actualidad, un canal «anti-YouTuber» en esencia cuya propietaria, Estíbaliz, una joven de 21 años de Bilbao fan de Nirvana, John Waters y la cultura del travestismo, emplea para hablar sobre su vida, sus gustos culturales o sobre la gente que le rodea desde un «haterismo» entre demoledor y desternillante. Lo que se conoce como salseo. Soy una pringada pincha en la fiesta Trashlloween de Razzmatazz en Barcelona el 29 de octubre y hemos hablado con ella sobre su canal, su pasado y, sobre todo, sus gustos musicales.
Cuéntanos sobre tu canal. ¿Cuál fue tu motivación para ser Youtuber?
Yo tenía un canal hace tiempo en el que subía mierdas, tipo yo cantando una canción o contando mi vida, como en el canal actual pero sin editar y con vídeos grabados con un iPod de 2007. Flipaba cuando conseguía 60 visitas. Luego lo borré porque me daba vergüenza, era muy insegura conmigo misma y tenía pavor a que mi familia me encontrase. Un día decidí volverme a hacer Youtuber otra vez y ahí ya editaba los vídeos y todo, empecé haciendo un vídeo en el que no se me veía la cara y ponía imágenes de UPA Dance conmigo hablando por encima con un editor de vídeos que era un poco para gente especial. Luego ya tuve el valor de mostrar mi cara al mundo y ahí empezó todo.
¿Ese fue el punto de inflexión para ti como YouTuber?
En ese momento no tenía ni puta idea. Los vídeos estaban enfocados a hablar de cosas de las que yo era fan, de una película, de una serie o de otros Youtubers. Yo pensaba que la gente entraba para ver qué digo de esta serie pero cuando empecé a hablar de cosas de mí misma pensé, pues igual gusto, y el lanzamiento mundiar fue con el vídeo de los heteros.
«Aparte de haber recibido mensajes con amenazas de muerte, para mí esto ha sido un viaje de descubrimiento. Me di cuenta de que podía soportar mucho odio sin que me afectase»
¿Qué ha cambiado en tu vida desde la publicación de ese vídeo que acumula ya cerca de 400.000 visitas?
Aparte de haber recibido mensajes con amenazas de muerte, para mí esto ha sido un viaje de descubrimiento. Me di cuenta de que podía soportar mucho odio sin que me afectase. Después me sacó Dalas insultándome en Youtube y fue el acabóse porque tiene un millón de suscriptores. Me quedé semanas REAL leyendo comentarios de «puta gorda» en Twitter y en los comentarios de Youtube. Tengo miles de «dislikes» en ese vídeo, que me encanta. Y de ahí 4.000 suscriptores en un día gracias a Dalas.
Volviendo a lo de que te sentías insegura contigo misma, dedicas un vídeo de tu canal al grunge, que es el primer movimiento cultural en el que aseguras haber encajado. Ahora, sin embargo, te identificamos más bien con la cultura trash y las drag queens. ¿Ves alguna conexión entre el grunge y estas dos culturas?
Total. El grunge viene del punk y su filosofía es que, si eres distinto y no sigues a la sociedad, entonces te rebelas, aunque seas una puta mierda y una básica. [El grunge] es ir en contra de las normas establecidas y el trash es lo mismo en esencia, la música obviamente no es la misma pero ¿qué hay mas revolucionario que una persona que se puede convertir, a través del maquillaje, en la persona que quiera en el momento? No hay nada más punk que eso.
¿Qué me dices de tu afición a John Waters?
Tú ves un cuadro de Van Gogh y dices «qué bonito». Pero a Waters solo los raritos como nosotros le entendemos porque tenemos una sensibilidad especial para lo grotesco y para lo trash.
‘Pink Flamingos’ es una de las películas que más me gusta recomendar.
Es irreverente. Otro punto en común entre el mundo drag queen y el punk es la irreverencia, hacer lo que te dé la gana en cada momento, no esperar la aprobación de los demás y salirte de las normas establecidas de lo que se supone que es belleza y lo que no. ¿Por qué no va a ser belleza Divine comiéndose una mierda? Pregunto. Solo la gente que puede ver la belleza más allá de la típica actriz de turno puede apreciar eso.
Hablando de grunge, ¿recuerdas algún disco o canción especial del género que te haya marcado especialmente?
‘Live Through This’ de Hole me parece muy profundo. Y el típico de Nirvana, ‘In Utero’, es lo más. También la banda sonora de ‘Into the Wild’ de Pearl Jam y una canción de Silverchair, ‘Freak’, que encaja muy bien con la sociedad de hoy en día porque dice «soy diferente, aprópiate de otra enfermedad», que parece enfermo pero se hace.
«El primer disco de My Chemical Romance, por mucho que mucha gente diga que es una puta mierda, es una fantasía y una puta maravilla de la música»
¿Cómo recuerdas tu época emo?
La recuerdo con ganas de suicidarme por la situación que tenía yo en mi vida en ese momento, y ahora con ganas de suicidarme también cuando veo las fotos. En cuanto a música, el emo me abrió puertas de grupos bastante guays, los típicos que, cuando superas la época, los escuchas ahora y dices, pues vaya puta mierda, pero tenía superobsesión con Tokio Hotel y My Chemical Romance. Que el primer disco de My Chemical Romance, por mucho que mucha gente diga que es una puta mierda, es una fantasía y una puta maravilla de la música.
Me ha llamado la atención tu reciente aparición en Yu, donde sales diciendo «Arcano ha vuelto al programa a rapear porque ver a un rapero blanco rapeando una vez no es suficientemente doloroso». Entiendo que eres más de Azealia Banks que de Iggy Azalea, ¿no?
No lo decía en serio. Utilizo mucho el sarcasmo y a veces ni yo misma me diferencio. Yo entiendo la parte de la gente negra que dice que les quitan lo suyo pero, a la vez, entiendo que el arte es una cosa que se tiene que extender y si lo dejamos en plan, «es que esta música la han inventado los indios y no se puede tocar», o «es que este arte lo hemos inventado los italianos y solo los italianos podemos pintar esto», pues así no se extiende el arte. El arte se tiene que extender por todas partes siempre que no se trate como una mierda.
¿Compras discos o escuchas música sobre todo por streaming?
Yo me descargo casi todo. Si hay un artista que me gusta que está empezando, alguna canción de alguna drag queen, por ejemplo, pues sí la he comprado por iTunes porque está empezando, me gusta y pienso que hay que apoyarla. Pero un disco de Oasis, por mucho que me guste, no lo compraría, y esto igual es una posición un poco egoísta y como de que me estoy autojustificando, pero es que están forrados. A un artista que acaba de empezar sí me apetece darle mi dinero.
Apoyas sobre todo al artista independiente que está empezando en la música.
Si son buenos, sí. Al final, la gente tipo Oasis ya ha hecho todo lo que tenía que hacer y ya está forrada y lo va a estar toda su vida. Pero al artista independiente es crucial que la gente le dé dinero para que pueda salir, porque o se queda pobre y no sigue o la gente le apoya y sigue. Igual perdemos grandes estrellas, que yo tampoco pago a todo el mundo, me compro tres canciones, pero digo.
¿Hay algún disco al que te hayas enganchado o que te haya tocado hondo últimamente?
El disco de Jeffree Star. Es música que parece superficial pero es irreverente y muy punk en las letras y en el sentido de la música.
Hiciste un vídeo de 10 canciones para suicidarse con Radiohead, Aimee Mann, Elliott Smith…
Radiohead me ha llegado mucho también. El último no lo he escuchado, pero ‘The Bends’… Y la banda sonora de la serie ‘My Mad Fat Diary’, que está ambientada en los 90, con música de la época, es una maravilla. También estoy enganchada a ‘Common People’ de Pulp y a los Pixies.
¿Has escuchado el último disco de Pixies?
No lo he escuchado. Otra cosa es que yo no soy muy de ver a grupos en directo, si me gusta un grupo de los 90 [como Pixies], prefiero que se quede en los 90.
¿No te sientes cómoda en un concierto?
No es que lo odie pero no tengo tanta pasión como otra gente que va a todos los conciertos que hay en su ciudad. Para que vaya a un concierto me tiene que gustar mucho un artista, como cuando fui a Barcelona a ver a Morrissey, que lloré y todo.
«Las culturas del grunge y el travestismo no son tan distintas»
Últimamente pinchas en muchas salas del país. ¿Recuerdas alguna canción que has pinchado que a la gente le haya encantado?
El otro día en Bilbao pinché en un sitio de rollo rockero y pureta, pinché a los Charlatans, The Cure, Arctic Monkeys, Hole, Marilyn Manson, Nancys Rubias, R.E.M…. Y empecé a meter mi mamarracheo de siempre, porque mi rollo es más rock alternativo pero como me suelen llamar de salas de mariconeo pues me adapto, y la canción que más triunfó, que hasta montamos un circo en plan vogue, fue ‘Sissy That Walk’ de RuPaul. Los puretas viendo el corro se lo pasaban genial porque era una canción que anima a la gente a ser ella misma y que alegra mucho. Al final, las culturas del grunge y el travestismo no son tan distintas.
Vas a pinchar en la sala Razzmatazz de Barcelona en Halloween. ¿Te has pensado ya el repertorio? ¿Qué has solido pinchar en Barcelona?
La última fiesta en Razzmatazz en la que pinchamos, con mi amigo mezclamos mi rollo de rock alternativo y travestis con indie-pop, electro-pop… Hemos puesto a Alaska y los Pegamoides, Alice Cooper, Tino Casal, Lana Del Rey, Hole, más música de travestis tipo Britney Spears, también Blondie, Las Bistecs, La Casa Azul, Clap Your Hands Say Yeah!, Slipknot… Mezclamos mucho. Te puede aparecer una canción de Beyoncé como una canción metal, según nos dé.
Saturday Night Live, el decano show televisivo de NBC, es una de las plataformas más importantes para lanzar un disco, gracias a los números musicales que se enclavan en el programa y que no solo tienen una gran audiencia sino también una enorme repercusión mediática posterior. Por eso, la aparición en la edición de anoche, 22 de octubre, de Lady Gaga era un examen importante para ‘Joanne‘, el disco que la artista lanzaba el pasado viernes. Hasta ahora, cosas como cantar por sorpresa en un pequeño bar de Londres o un breve show de americana en otro garito de Nashville habían sido sus presentaciones.
Presentada por el actor Tom Hanks, que comandaba el programa en esta ocasión, Lady Gaga comenzó interpretando ‘A-Yo‘, el más reciente single del disco. Ataviada con un ya inseparable sombrero de fieltro rosa y un conjunto de lentejuelas, Gaga se situaba en el centro de una banda completa en la que destacaba la presencia de sus colaboradores en la producción de este álbum: Mark Ronson, a la guitarra, y Bloodpop, en los teclados. Cantó de forma rotunda como suele y contoneó las caderas a saco, si bien el momento hago-poses-sobre-el-suelo no fue claramente de lo mejor. Hacia el final, la propia artista cogió una guitarra para marcar los acordes de la canción y, de paso, dar fe de que es una artista renovada.
Más tarde, acometió una bonita versión de ‘Million Reasons’, para muchos la mejor canción de su nuevo disco, interpretada de manera solemne. Ella, sentada al piano, junto a una corista que también tocaba la guitarra (no podemos asegurarlo, pero parece Hillary Lindsey, co-autora de este tema), cantó de manera sobresaliente. Para aumentar más el efectismo, y no sin ciertas dificultades debido a la capa y los tacones que vestía, acabó encaramándose al piano para culminar la canción.
Ayer salía a la venta ‘Joanne’ de Lady Gaga en todos los países excepto Bélgica. Hoy se conocen los primeros datos en los países más obsesionados con las listas de éxitos: Reino Unido, Estados Unidos y Japón. Las noticias son excelentes en Estados Unidos, donde a pesar de que ‘Perfect Illusion’ ocupa un modesto puesto 95 en el Billboard Hot 100, Hits Daily Double calcula que puede vender entre 125.000 y 135.000 copias en la primera semana y conseguir hasta 160.000 puntos de cara al Billboard 200 sumando streaming y descarga de pistas sueltas. Será número 1 muy holgadamente y con estas cifras tan saludables tal y como está el mercado, salvo que pase algo muy gordo durante los próximos días, pues su principal rival, Michael Bublé, conseguirá solo la mitad de puntos, unos 90.000.
Muy distinto es el panorama en Reino Unido, donde tras el primer día ‘Joanne’ ha vendido 11.444 copias según el insider de la industria que siempre avanza las «midweeks». Actualmente es número 3 por detrás de Michael Bublé y Elvis Presley, pues aunque Gaga está mejor posicionada en iTunes, tanto Bublé como Presley están vendiendo muchos más CD’s. Según este insider, Gaga podría caer incluso del top 5 cuando se conozcan las listas el viernes que viene. La cantante no tiene actualmente ningún single en el top 100 británico y hasta ahora había sido número 1 en Reino Unido con todos sus álbumes (excepto el grabado con Bennett).
Por último, en Japón, las ventas del primer día de ‘Joanne’ son de 3.400 unidades, dividiendo entre 6 las que vendía el primer día ‘ARTPOP’ (18.400). Estados Unidos podría ser, por tanto, el escenario en el que la cantante habría fidelizado más a sus seguidores, a falta de conocer datos definitivos. ¿Tendrá algo que ver el sonido americano del disco?
Gaga has sold 11444 units. Buble and Elvis have both sold over 20000 units. Buble has sold more than double Gaga.
Hace unos días destacábamos el talento de Pavvla entre las promesas a investigar en la selección de Monkey Week. Como explicábamos, se trata del alias artístico de la joven Paula Jornet, educada en la prestigiosa escuela BIMM (Brighton Institute for Modern Music). Pese a la apariencia de otra joven cantautora con guitarra más, canciones como ‘Young’ o ‘Skin’ han demostrado que detrás hay algo más, con texturas electrónicas que la sitúan más próxima a Daughter que a la primera Anni B Sweet, por ejemplo.
Mañana, domingo 23 de octubre, Pavvla actúa en Primavera Club 2016, en la sesión matinal que se ofrece de forma gratuita en el Centre Cultural Alabareda de Barcelona. Como anticipo a este show, ha mostrado otra nueva canción que vuelve a indicar que posee un talento singular y que sabe cómo demostrarlo. ‘Guns’ comienza con un sonido semejante al de un harmonium y su voz, pero cuando comienza la base rítmica y los efectos vocales fantasmales todo cambia.
Su vídeo, a cargo de Pol García y también muy cuidado, muestra a la propia Paula entre sus amigos, mostrándose como una chica normal, que juega, bebe, se divierte. Sin embargo, su hábil montaje va acompasándose al ritmo de la música y nos va dando un delicioso sabor de euforia juvenil, enmarcado por la letra de la canción: «They point guns at us, that’s what makes me laugh, death is just a silly dream, it won’t happen to us». En algún momento de lo que queda de año, el sello Luup Records publicará su primer EP.
No deja de ser curioso que el violinista Neil Milan haya abandonado Clean Bandit (o que se haya hecho público) solo un par de días antes de la salida del nuevo single de la banda. ¿Habrá detrás diferencias con la dirección actual que ha tomado el grupo? Lo cierto es que ‘Rockabye’, la canción que lanzaban este viernes, supone un sutil pero significativo giro en el sonido del grupo, que suponemos tendrá reflejo en la continuación de ‘New Eyes’, que debería llegar antes de final de año, o quizá a principios de 2017.
Lejos del potable house con sello brit que, gracias a éxitos como ‘Rather Be’ o ‘Real Love’, les aupó hace un par de temporadas a lo alto de las listas de su país, este nuevo tema se introduce de lleno en terrenos del europop, aquel que no hacía ascos a sonidos jamaicanos y que Ace of Base llevaron en los 90 a sus máximas cotas de esplendor. ‘Rockabye’ es clara heredera de ese sonido, acentuado con la intervención de Sean Paul, que deja una clara impronta de su raggamuffin.
Lo cierto es que se trata de una canción con un grandísimo potencial comercial, y no nos extrañaría que pronto alcanzara al anterior single publicado por el grupo este año. Un ‘Tears‘ que ha tenido un notable éxito, apartando de golpe el estigma de one-hit wonders que se pudiera asignar al combo. De nuevo apuestan por una cantante británica joven, Anne-Marie, pero no se trata, como en el caso de Louisa Johnson en ‘Tears’, de una semi-desconocida. De hecho, ha situado su último single, ‘Alarm‘, en un nada despreciable Top 16 en el chart de UK y supera los 100 millones de reproducciones solo en Spotify.
Charli XCX ya está calentando los motores para un nuevo lanzamiento. En este caso, se trata de un nuevo single que, presumiblemente, anticipará un nuevo disco de la intérprete y compositora británica tras el gran ‘Sucker‘. Se trata de ‘After The Afterparty’, una canción que verá la luz el próximo día 28 de octubre. Se trata de un tema de claro aire festivo, aunque de producción más convencional que la exhibida en el EP ‘Vroom Vroom‘, que corría a cargo de varios miembros del colectivo PC Music.
En este caso, esa labor corre aquí a cargo de la propia Charli y Stargate (Coldplay, Katy Perry, Gwen Stefani), mientras que en su composición han participado ambos y Eyelar Mirzazadeh. ¿Quién? Eso mismo hemos pensado nosotros. Se trata de una joven que participó en la edición 2012 de La Voz Holanda. Suena random, ¿verdad?
El tema también cuenta con unos versos de Lil Yachty, uno de los nuevos raperos más populares (y polémicos) del panorama norteamericano, que este año ha publicado dos mixtapes y ha logrado cierto éxito con el tema ‘One Night’ (podéis ver su vídeo más abajo). Respecto a la canción, a falta de escuchar algo más que este minuto y medio, parece suficiente para detectar que Charli ha pasado ya la etapa guitarrera y bubblegum exhibida en ‘Sucker’ y vuelve al eficaz pop de ‘Boom Clap’ o ‘Super Love’.
Como os contábamos la pasada semana, el proyecto 30 days, 30 songs pretendía lanzar 30 canciones, a razón de una diaria, de diferentes artistas en contra de la elección de Donald Trump como Presidente de Estados Unidos. A los temas de Death Cab For Cutie, Aimee Mann o Franz Ferdinand que se habían revelado la pasada semana, esta semana se han unido artistas como R.E.M., Moby, EL VY, Lila Downs o un supergrupo en el que se integran Peter Buck (R.E.M.) y Corin Tucker (Sleater Kinney).
En los últimos 7 días, R.E.M. han prestado una versión en directo de ‘World Leader Pretend’, su icónica canción incluida en su disco ‘Green’ (1988) que, aunque en realidad habla de una lucha interna, leída de manera literal encaja bien en el contexto político; Josh Ritter también presta una versión en directo de un viejo tema, una ‘The Temptation of Adam’ que escribió pensando en la administración de Bush Jr. y que a día de hoy le parece inocente; Thao Nguyen (de Thao and The Get Down Stay Down) dirige ‘Before You Vote’ a los presumibles electores de Donald, repitiendo «Oh, dios mío, no, ni de coña, ¿podemos hablar de ello antes de que votes?».
También han participado EL VY, el grupo formado por Matt Beninger (The National) y Brent Knopf (Ramona Falls), que entregan una de las piezas más divertidas hasta ahora, una ‘Are These My Jets?’ que se mete en la piel de Trump y remata con una letra hilarante («esta es la joya que les prometí, la verga de la morsa») y un vídeo sublime; el sueco Ledinsky presenta la estupenda ‘DonaldTrumpmakesmewannasmokecrack’, acompañada por una de las reflexiones más certeras hasta el momento; la joven Adia Victoria, que este año ha debutado con ‘Beyond The Bloodhounds’, habla en ‘Backwards Blues’ sobre la involución que supone el discurso de Trump y, sobre todo, que la gente lo tome como propio.
Otra popular estrella del pop como Moby colabora por partida doble y con una sentencia demoledora («si no contratarías a un payaso furioso y sin experiencia para un arreglo de fontanería, ¿por qué hacerlo para arreglar tu país?»); la mexicana y norteamericana Lila Downs aporta una explícita ‘The Demagogue’, que también cuenta con su correspondiente versión en castellano, y que equipara a Trump con Hitler, Mussolini y Pinochet («no respeta a las mujeres, no respeta a las razas»). Por último, un supergrupo creo ad-hoc bajo el nombre de Filthy Friends, encabezado por Corin Tucker (Sleater Kinney) y Peter Buck (R.E.M.), han grabado ‘Despierta’ (así, en castellano).
Que no haya un mayor reconocimiento para Chico y Chica es una de las peores catástrofes del pop independiente nacional de las últimas décadas. Mientras Hidrogenesse y Love of Lesbian sí han sabido ubicar cada cual su peculiar sentido del humor en el panorama festivalero y vivir de sus canciones, letras tan ingeniosas como ‘Vaquero’ o ‘Bomba latina’ e idas de olla tan brutales como ‘Lyberty’, interpretada por el grupo imaginario 4 en Alicante, permanecen en un segundo plano por un cúmulo de infortunios.
O por decisión propia. Que el grupo se haya vuelto más sectario desde que despuntara con ‘Tú, lo que tienes que hacer’, ‘Supervaga’ o ‘No me preguntes más la hora’ -tres canciones que en su momento eran pinchadas en las buenas discotecas de música pop semana sí, semana también- es una mala noticia. ‘Status’ y las delirantes radionovelas de ‘4 en Alicante’ están sin dudar entre lo mejor que han grabado (estas últimas son su única incursión en la lista de ventas del país), pero a medida que han ido pasando los años se ha echado de menos que lanzaran hits sólidos a la antigua usanza, que llenaran pistas y cerraran bocas.
‘Notario’ es un paso atrás más agigantado aún que el complicado ‘Los Estudiosos‘, que por si era poco extraño de por sí, se lanzó al mercado también en una suerte de versión instrumental (más o menos) llamada ‘Rapsodia de los estudiosos’. En este caso estamos ante un disco-libro con pistas-relato alternadas con versiones desnudas de algunos de sus éxitos. El libro incluye todos los capítulos del relato ‘Cuaderno de apreciaciones de Raquel, la sensación de Calisto’, que va sobre «las andanzas de una profesional del espacio que pasa muchas horas sola pensando, tomando notas y dejando constancia en un cuaderno de sus sensaciones de diferentes misiones y viajes». Cada relato (leído por Alicia San Juan en el CD y ediciones digitales) cuenta con ilustraciones originales y notas a pie de página, aunque siempre sin alcanzar el ritmo o el gracejo de las radionovelas de 4 en Alicante.
La sonoridad de palabras antiguas, inventadas o reinventadas, como la cita al «minidisc» o el «toque de orris» son 100% Chico y Chica para bien, destacando lo divertido del encuentro con ‘Germán’ en el espacio exterior («con la brisa, el escote parecía que iba a abrirse definitivamente para verle las tetas, pero nunca ocurría. La camisa permanecía siempre en su sitio, fijada a sus pezones con cinta adhesiva de doble cara»). Y de hecho se percibe un buen hilo entre relatos y canciones, con ‘Quiéreme doctor’ saliendo después de este relato caliente, y ‘Findelmundo’ apareciendo tras un pequeño accidente de la nave espacial. Pero en la mayoría de ocasiones es muy difícil averiguar qué nos han querido decir Chico y Chica o encontrar algo a la que agarrarse, dejando un documento casi siempre tedioso y que «no se puede presentar en ningún sitio». La buena noticia, eso sí, es que las melodías de ‘Tú qué sabes’ y ‘Quiéreme doctor’ no desentonan al lado de las de sus primeros singles.
Calificación: 4/10 Lo mejor: la edición física de Austrohúngaro, una preciosidad. Te gustará si…: sólo para fans, fans, fans Escúchalo: Spotify Cómpralo: web oficial
Anunciada solo para adultos como para evitar secuelas al espectador infantil, la clasificación de esta película debería ser más bien «para un público sin reparos». Sería un detalle que podría ahorrar el sonrojo a más de un intrépido que decida verla por casualidad en la cartelera. Si por el contrario conoces a Seth Rogen y Evan Goldberg, directores de ‘Juerga hasta el fin’, una de las películas favoritas de Tarantino en 2013, sabrás que saben montar una buena parranda, ejerciendo aquí de guionistas de esta orgía a la incorrección política.
Si nos fijamos en los últimos estrenos de animación, lo cierto es que suele predominar demasiado el melodrama con mensaje profundo. En cuanto a personajes, se repiten con frecuencia los animales, los monstruos o las historias con niños. Incluso haciendo un poco de historia, apenas podemos apuntar el caso de ‘South Park, más grande, más largo y sin cortes’ como un antecedente de humor en el que no quepan fragilidades ni edulcorantes (por mucho que sí contaran con niños).
‘La fiesta de las salchichas’ elige desarrollar la acción en un hipermercado, un escenario aparentemente amable, que se ve reforzado por el colorido y las formas redondeadas de unos personajes tan poco habituales como bollos, botes de mostaza, bolsas de patatas fritas o de salchichas. Todo aparentemente muy inofensivo, pero para enmascarar una serie de miserias humanas que van desde la religión -impagables los diálogos entre un pan de pita palestino y un bagel judío- hasta los conflictos fronterizos de México, pasando por las drogas o las perversiones sexuales: son muchas las escenas de alto voltaje poco vistas en la gran pantalla, en un tiempo en que parecemos claudicar a la autocensura, la corrección forzada y a poner límites al humor a veces incluso hasta en lo privado.
‘La fiesta de las salchichas’ ni siquiera empacha con el chiste gastronómico-sexual, desentonando solo en su precipitado final -aunque por fortuna solo ligeramente- con el resto del metraje. La guinda a este «Horror en el Hipermercado» la pone Alan Menken con el tema principal, que para mayor cachondeo ha sido oscarizado hasta ocho veces por canciones o bandas sonoras para Disney, y que para la ocasión ofrece un punto tan subido de tono como el doblaje, en la versión original, de Salma Hayek. 8.
Mary J. Blige publicará un nuevo disco el próximo mes de noviembre. Lleva el título de ‘Strength Of Woman’ y podría rehabilitar a la cantante de R&B y soul. Blige gozó de un considerable éxito mundial en la década de los 90 y primeros años de los 00, pero en los últimos años su figura había mermado, pese a loables intentos por renovarse como ‘The London Sessions‘, junto a jóvenes estrellas británicas de la producción y la canción.
Coincidiendo con el anuncio de ese álbum, Blige presentó una nueva canción titulada ‘Thick Of It‘, un tema perfecto para el clasicismo R&B de su voz, pero con una producción bastante decente. Sin embargo, la gran sorpresa de esta nueva etapa podría no ser un single de este álbum, sino la versión que ha realizado de uno de los clásicos contemporáneos de Bruce Springsteen, ‘American Skin (41 Shots)‘.
Blige cantó parte de esta versión durante una entrevista que realizó a Hillary Clinton para un show que hace en Apple Music, ‘The 411’. La cantante explicó que las palabras de esa canción de Springsteen resonaban en ella últimamente a causa de los recientes casos de brutalidad policial y muertes de hombres y mujeres de raza negra (recordemos que en esa canción, el Boss denunciaba la muerte de Amadou Diallo a manos de la policía de Nueva York, en 2000). Así que quiso ver la reacción de Clinton ante ella.
Blige ha decidido ahora grabar una versión completa de la canción que, además, cuenta con unos versos de uno de los raperos más influyentes y comprometidos con la desigualdad racial en EEUU, Kendrick Lamar. El resultado es una versión realmente poderosa, que quizá dé un nuevo impulso a la popularidad de la artista, aunque no está claro si se incluye en ‘Strength Of Woman’.
Esta semana se dejaba ver por varias zonas del país (primero Madrid, después Zaragoza y por último Valencia) un autobús de Flaming Lips. La banda incluso se hacía eco de la noticia en redes sociales, bromeando sobre el hecho de haber perdido un autobús en España. Poco después el grupo anunciaba disco para enero de 2017, poco después estrenaba single y poco después estrenaba vídeo -todo de lo más escalonado-, pero nada vinculaba la promo con nuestro país.
La noticia finalmente se ha dado a conocer cuando dicho autobús ha llegado a Barcelona. En una fiesta en la ciudad esta tarde se ha comunicado que The Flaming Lips serán cabeza de cartel del Vida Festival, que se celebrará, como siempre, en Vilanova i la Geltru el próximo mes de julio. Ya se habían confirmado Real Estate y La Casa Azul y los abonos siguen costando, por tiempo limitado, a 55 euros en Ticketea.
The Flaming Lips han estrenado esta tarde un colorido pero sencillo vídeo para su nuevo single ‘The Castle’. También han informado de que su amiga Miley Cyrus, con la que ya grabaron un disco completo que se regaló en internet, será artista invitada (en el álbum, no en Vida Festival). En concreto participa en el tema final, ‘We a Famly’ (sic).
En el último mes hemos asistido a varios rumores de gira de Daft Punk, sobre todo porque sus años de tour han sido 1997 y 2007, por lo que lo lógico es que el siguiente año que los vea de gira sea 2017. Primero parecía que sí, luego que no, luego que sí, blah, blah.
Después de confirmar a Radiohead como cabeza de cartel de Glastonbury durante el día de ayer, Emily Eavis ha sido tajante asegurando que ni Daft Punk ni tampoco The Stone Roses actuarán en Glasto cuando este tenga que celebrarse entre los días 21 y 25 de junio de 2017. «No sé de dónde viene el rumor, pero no es cierto», ha asegurado la co-organizadora, hija del fundador Michael Eavis. También ha reconocido que de momento no habrá más confirmaciones, pese a tener un 90% del cartel cerrado.
Mientras a decir verdad Daft Punk no han sido noticia oficialmente más que por producir el último hit de The Weeknd, The Stone Roses han sacado un par de singles este año, ‘All for One‘ y ‘Beautiful Thing‘, si bien no han terminado de materializar su tercer álbum. Ya previsiblemente pasará a 2017.
Eso sí, en su caso sí habrá gira seguro. Se conocen las siguientes fechas de Stone Roses, cuyos huecos hacían pensar, efectivamente, en Glastonbury:
13 de junio: Belfast – SS Arena
17 de junio: Londres – Wembley Stadium
24 de junio: Glasgow – Hampden Park
‘Black Mirror‘ es «trending topic» porque la tercera temporada de la serie futurista y sobre «social media» favorita del público llega hoy 21 de octubre a Netflix, donde ya está disponible. También se conoce su banda sonora, en la que, como se anunciaba este verano, colabora Geoff Barrow de Portishead, que junto a Ben Salisbury ha escrito todas las canciones del disco que aparece también ya en Spotify.
La banda sonora se compone de 14 pistas cortas, algunas de las cuales tienen títulos tan ilustrativos como manda el género: ‘Sleep’, ‘Nightmare’, ‘Awakening’, ‘Understanding’, ‘Dream Reality’ o ‘Men Against Fire’, sumando en total 38 minutos.
Este lanzamiento puede ser entendido como un mero entretenimiento para Geoff Barrow, al que ya nadie pregunta cuándo saldrá el próximo disco de Portishead (el último data de hace 8 años y no hay noticia de que se avecine), pero ojo: con Salisbury escribía también la banda sonora de ‘Ex Machina’, logrando un premio Ivor Novello a la mejor banda sonora original por su autoría. Al final, ha conseguido algo de renombre también en este género.
La nueva temporada de ‘Black Mirror’ se compone de 6 episodios que se han subido de manera simultánea a Netflix, como es habitual en esta plataforma. El primer capítulo se llama ‘Nosedive’.
Por increíble que pareciera, The Chainsmokers han publicado una canción que ha sido capaz de hacer sombra a su propio éxito de la primera mitad de 2016, ‘Don’t Let Me Down‘. Se trata de ‘Closer’, un medio tiempo que lanzaron este verano y en el que se hacían acompañar por Halsey, una de las nuevas estrellas del pop norteamericano con mayor proyección. La canción, que tras su lanzamiento hubo de ser acreditada a The Fray, lleva camino de ser el macro-hit del año, por delante de ‘One Dance’, ‘Cheap Thrills’ o cualquier canción que se os ocurra. Sumando a ojo solo las reproducciones de Spotify y el lyric video en Youtube, ya estaríamos hablando de 1.000 millones de streamings. Y eso que no contaba con un vídeo oficial… hasta ahora.
Nick Cave es nuestro protagonista en positivo de «
Todo lo contrario le ha sucedido a Usher, cuyo ‘Hard II Love’ salía al mercado una semana después. Si Nick Cave vendía más de 100.000 unidades durante la primera semana en todo el mundo, 
La veterana banda portuguesa The Gift, autora de álbumes como ‘Vinyl’, ‘Explode’ o ‘Primavera’, edita nuevo disco próximamente. Brian Eno ha producido el largo y también su primer adelanto, ‘Love without Violins’, que parecen dos canciones en una y cuenta con un sonido elegante y oscuro en la línea de Depeche Mode. Su vídeo es una producción del reputado director Paulo Costa y este retrata la creación artística de Joao Carvalho, diseñador de cuero y artista portugués que crea esculturas de cuero a partir de moldes de cuerpo humano, como podéis ver en la segunda parte del vídeo, en la que aparece el mismo Carvalho. Mención especial merecen también los atuendos extravagantes de la carismática vocalista del grupo, Sónia Tavares.
Esta semana se ha cumplido un año de la salida de ‘
«Si no puedo bailar, tu revolución no me interesa», espetó 
Cuando Taylor Swift y Calvin Harris rompieron, 
Finalmente sí habrá película de la gira de ‘Rebel Heart’ de Madonna, aquella que gustó a nuestra redacción 
El tercer álbum de Crystal Fighters se abre con una pista hablada que han llamado ‘Simplecito’. Se trata de un discurso traducido del castellano al inglés de un «sabio costarricense» que habla sobre la selección de espermatozoides de su padre, la que le ha llevado a ser persona. «Entréguese a la experiencia, si vienen momentos difíciles, dele un abracito, un besito y después suéltelo. Simplecito». Con esta metáfora, el trío formado por el cantante Sebastian «Bast» Pringle, el guitarrista Graham Dickson (también a la txalaparta) y el multiinstrumentista Gilbert Vierich retratan su filosofía de vida.
Ayer salía a la venta 
Que no haya un mayor 
Anunciada solo para adultos como para evitar secuelas al espectador infantil, la clasificación de esta película debería ser más bien «para un público sin reparos». Sería un detalle que podría ahorrar el sonrojo a más de un intrépido que decida verla por casualidad en la cartelera. Si por el contrario conoces a Seth Rogen y Evan Goldberg, directores de ‘Juerga hasta el fin’, una de las 
Esta semana se dejaba 
En el último mes hemos asistido a 
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