‘Mustang’ ha sido, junto a ‘El hijo de Saúl‘, la película europea más unánimemente aplaudida del año pasado: premios Cesar, del Cine Europeo, Goya, Festival de Sevilla, Seminci, nominaciones a los Oscar, Globos de Oro… Con todos estos parabienes, uno espera encontrarse quizá no tanto una obra maestra pero sí uno de esos arrolladores debuts (es la primera película de Deniz Gamze Ergüven) que alumbran a una gran cineasta. No es el caso.
‘Mustang’ (el título hace mención a la raza de caballo, no al coche) es una película eficaz, una mezcla muy bien medida entre el drama social de enérgico discurso feminista y la sensibilidad estética de Sofia Coppola. Ergüven acierta con el tono y la atmósfera que imprime a su relato, sobre todo en el primer tercio. La directora expone las contradicciones y el machismo de la sociedad patriarcal turca en forma de drama, pero sin renunciar al humor (a destacar la secuencia del partido de fútbol) ni a la sensualidad (el espectador puede ver lo que la sociedad pretende ocultar). Es como si la aparentemente contradictoria puesta en escena, luminosa, vitalista y sensual, fuera no tanto un espacio naturalista como una proyección de la mente de la protagonista, una adolescente rebelde e insumisa (como un mustang).
Sin embargo, una vez que el drama se desata, esa frescura y energía narrativa empiezan a apagarse. La directora comienza a echar mano de recursos de guión facilones y muy poco sutiles. Además de la «afición nocturna» del tío de las cinco chicas, bastante innecesaria y estereotipada, todo lo relacionado con el personaje del conductor «enrollado» tiene menos solidez dramática y resulta más inverosímil que ver a Patricia Vico en ‘Cien años de perdón’. Su peso dentro de la narración termina siendo tan grande y su importancia tan decisiva que acaba aplastando la película sin remedio.
‘Mustang’ es un nuevo ejemplo, quizá algo más estimulante de lo habitual, de eso que algunos llaman «cine necesario», una película ensalzada más por lo que dice (por bien que nos parezca) que por cómo lo dice. 6,7.
‘Vibraciones’ de Maronda es para una parte de nuestra redacción (Raúl Guillén, Carlos Úbeda…) uno de los discos nacionales perdidos de la cosecha 2015 que merece la pena rescatar de vez en cuando.
Hoy nos complace recordarlo con el vídeo de uno de los temas allí contenidos, ‘Nefertiti’. Nuestro compañero Raúl decía sobre él que contiene un par «de esos guiños a la cultura pop que tanto gustan a Pablo (aparte del “anillo egipcio”, una réplica de una línea de ‘She Belongs To Me’ de Dylan, ese “eres como el aire” del final parece coquetear, quizá involuntariamente, con ‘Aire’ de Pedro Marín)», que servía para «ensuciar la imagen de Juan & Junior» que teníamos del grupo y que podría ser una de las cumbres de sus directos.
Este 7 de abril se edita en un vinilo de 7 pulgadas junto a otra canción llamada ‘Viernes 6 de la tarde’ que describen como «un chute de pop-psych atemporal en la línea de The Zombies». Edita La Máquina Infernal y serán sólo 500 unidades (más detalles próximamente en Maronda.es).
Arturo Ferrer y el propio Pablo Maronda dirigen este vídeo que estrenamos hoy y que alterna literalidad y vueltas con la sencillez (incluye un segundo de tomas falsas).
En medio de la polémica de Miles Kane con una periodista de SPIN, que ha asegurado haberse sentido acosada por el músico durante una entrevista con el grupo, The Last Shadow Puppets ha estrenado el vídeo de su nuevo sencillo, ‘Everything You’ve Come to Expect’, bastante easy-listening, por cierto, en promoción de su segundo álbum de igual título, a la venta el 1 de abril.
El vídeo, rodado en una playa, muestra a Alex Turner y a Kane enterrados en la arena de cuerpo entero mientras una mujer vestida de novia parece intentar decidirse con quién de los dos quedarse. No pasa mucho más, pero quizás mejor que lo veas tú mismo o misma.
Patrick Wolf ha anunciado nuevo disco, ‘Wildawake’, para esta primavera. Es su primer trabajo desde 2011, cuando editó ‘Lupercalia‘. Además, ha compartido un fragmento del primer single, que ya conocemos, pues es ‘Wild Life’, una canción muy EDM que el autor de ‘Wind in the Wires’ lleva tocando en directo mínimo desde 2009, y que, según la nota de prensa, compuso por aquel entonces para el festival de Eurovisión. Él la describe como un «gran éxito», pero habrá que esperar a escucharla entera para averiguar cuánto de cierto hay en eso.
‘Wildawake’:
01 Wildawake
02 Ear to the Ground
03 A Turner Sky
04 Wild Life
05 Baptista
06 Devil Behind Of Me
07 Lizard Point
08 Volusia’s Dream
09 Eagle Song
10 Watcher in the Woods
11 Ringworm
12 Send Your Spirits Into War
Lindstrøm, el mago del cosmic disco autor de ‘Wherever You Go I Go Too‘, al que recientemente vimos en el festival Villamanuela, edita nuevo EP el 8 de julio. Aunque todavía no lo ha titulado, no nos extrañaría que escogiera de nombre el título de su nueva canción, ‘Closing Shot’, que acaba de estrenar y es una espectacular confección disco que ya estamos deseando bailar en todas las pistas de baile que encontremos. El tema, por cierto, sucede a ‘Home Tonight‘, que escuchábamos hace unos meses. ¿Está la continuación de ‘Smalhans‘ más cerca que nunca?
«Make America gay again» es la primera frase que leemos al entrar en la cuenta de Twitter de Troye Sivan, el nuevo ídolo masculino del pop comercial (entre sus fans se encuentran Adele, Taylor Swift y Sam Smith), y autor de ‘Blue Neighborhood‘. El eslogan, efectivamente una burla al que está utilizando Donald Trump durante su campaña para la presidencia de Estados Unidos, «Make America Great Again», le sirve a Troyan para presentar su último vídeo, ‘Youth’, pero también nos sirve a nosotros para presentaros este vídeo en el que el cantante australiano ayuda a una fan a salir del armario durante un concierto en Washington. La fan en cuestión, Kelly, ha acudido al concierto con su madre y le ha entregado una nota manuscrita a Sivan para que anuncie en voz alta que es bisexual. ¿El resultado? Como era de esperar, aplausos y vítores por doquier. ¡Make America gay again!
Sunflower Bean, el trío de Nueva York autor de ‘Human Ceremony‘, ha hecho un vídeo para su single, ‘Easier Said’. Dirigido por Charlotte Hornsby y Jesse Ruuttila, la pieza es una sucesión de planos intrigantes en los que vemos a los miembros del grupo participando en una rituales paganos. En un punto del vídeo, Julia Cummings, cantante del grupo, es abrazada por un ser encapuchado que bien podría ser la Muerte.
Discos Castelló, la mítica tienda de discos de Barcelona, situada en la calle Tallers, 7, anunciará su cierre en las próximas horas, según confirma La Vanguardia. La tienda ya presentó concurso de acreedores en 2009. Ese mismo año el Ayuntamiento de Barcelona concedió a la tienda la Medalla de Honor por su contribución al comercio de la ciudad.
Discos Castelló nació en 1928 y ha sido una referencia absoluta para los amantes de la música en Barcelona durante décadas. El descenso de la venta física y el aumento del streaming habrá tenido mucho que ver en esta decisión, que también influía en el cierre de otros locales icónicos de Barcelona como CD Drome o Gong Discos. Tristemente, la noticia se produce a un mes del Record Store Day, que es el 16 de abril.
La tienda cerrará sus puertas el 31 de marzo. Según declaraciones del propietario del local, Jordi Castelló, recogidas por Time Out Barcelona, el motivo de esta decisión ha sido la piratería. «Nuestra estructura no se aguanta vendiendo cuatro discos y cuatro CDs, además de alguna camiseta y algún libro», ha declarado.
ANOHNI ha detallado ‘Hopelessness’, su disco con Oneohtrix Point Never y Hudson Mohawke, del que ya escuchamos un primer adelanto hace unos meses, ‘4 Degrees’, coincidiendo con la Conferencia del Clima celebrada el pasado mes de diciembre en París. El álbum saldrá el 6 de mayo y os recordamos que sus autores lo presentarán en la próxima edición del Sónar en Barcelona el próximo 17 de junio.
La nota de prensa escribe que “Anohni ha llegado a la cumbre de la electrónica actual». «Ella», lee, «ha cambiado la exuberancia de sus paisajísticas y bucólicas composiciones llevando su voz hacia un mundo más inmediato de música electrónica bailable. Sus letras hablan sobre los temas más serios, palabras y frases de alguien que está esforzándose por comprender la violencia y el devastador armamento de la raza humana, afanada en violarse y aniquilarse a sí misma; preguntándose sobre la complicidad y el lugar de uno en este planeta envenenado. ¿Fue el pop alguna vez tan revelador o tan profundo?”
Junto al anuncio del álbum, ANOHNI ha compartido un nuevo sencillo del mismo, ‘Drone Bomb Me’, y su videoclip, dirigido por Nabil con la dirección artística de Riccardo Tusci de Givenchy y protagonizado por Naomi Campbell, a la que veis en la imagen. Campbell llora desde un espacio urbano, oscuro y claustrofóbico intepretando a una niña que pide ser bombardeada con drones para reunirse con su familia, a la que ha perdido por culpa de la guerra.
‘Hopelessness’:
01. Drone Bomb Me
02. 4 Degrees
03. Watch Me
04. Execution
05. I Don’t Love You Anymore
06. Obama
07. Violent Men
08. Why Did You Separate Me From The Earth?
09. Crisis
10. Hopelessness
11. Marrow
Como su propio nombre indica, el nuevo disco de Kendrick Lamar, ‘untitled unamstered.’, no es la continuación de ‘To Pimp a Butterfly‘, sino una colección de descartes de aquel disco, pero es, a su vez, más que eso. En líneas generales, ‘untitled unmastered.’ es la materialización del típico disco de maquetas que ya nos hubiera gustado oír de muchas y muchos de nuestros artistas favoritos, un pequeño compendio de canciones dignas, varias de ellas brillantes, otras de ellas simplemente decentes, que igual no encajaban del todo en aquel, pero son perfectamente presentables.
En concordancia con que Lamar no se haya molestado en titular estas canciones ni en acreditar a sus colaboradores, la experiencia de ‘unmastered untitled.’ es misteriosa e inquietante desde el primer corte, empezando por que su fusión de hip-hop y free-jazz distópico sigue bien presente. ‘untitled 01’ es especialmente desconcertante, un número dislocado que empieza con una voz masculina sensual, similar a la de Barry White, pero que se revela pronto como una epifanía sobre la verdadera naturaleza del cristianismo a modo de reflexión sobre el juicio final, para terminar entre texturas gelatinosas como sacadas de una alucinación.
No se espera de un disco de descartes un concepto definido, pero ‘untitled unmastered.’ viene de donde viene y conectan en sus canciones temáticas como la pérdida de la fe, la corrupción del capitalismo, la violencia racial o la fama, abordadas todas siempre desde un ángulo musical que, si en ‘To Pimp a Butterfly’ era oscuro, ahora lo es todavía más, incluso tenebroso y pesadillesco, como es el caso de ‘untitled 02’, en cuyos versos Lamar rapea con un flow apático bajo saxofones cacofónicos y paisajes surrealistas, alternando en su texto desesperanza con Dios con el típico engreimiento de un rapero que se sabe rico, famoso y atractivo.
Al contrario de lo que pudiera parecer, ‘untitled 07’ no es, pese a su duración, la mejor canción del disco. Estamos ante un «medley» de tres partes conectadas sin ton ni son, la última de ellas, una grabación en baja fidelidad de Lamar y sus músicos improvisando en el estudio, que no es tan interesante, aunque sí graciosa. Tampoco es especialmente atractivo el interludio de 1 minuto y medio con SZA, a la que hemos oído recientemente en el último disco de Rihanna. Efectivamente, aligera el desarrollo del álbum, es intrigante, pero no aporta nada memorable aparte de algún que otro verso («la educación es el futuro / no te subestimes») y nadie se la va a poner en «repeat» como otras de las pistas aquí incluidas.
Ese sería el caso de ‘untitled 03’, una joya de neo-soul futurista que dura menos de tres minutos, y cuyo verso principal encierra la mayor tensión en menos tiempo. En él, Lamar rapea sobre las diferentes identidades raciales de Estados Unidos para concluir con una reflexión sobre el «empresario blanco de la industria musical» que vende sus discos a 11 dólares. «Me dice que si logro el platino / a la empresa le irá bien / ¿qué pasa si me comprometo? / él dice que eso da igual / si haces un millón o más / y vives mejor que la gente normal». Este verso, emitido casi sin aliento alguno, es implacable y culmina con una hermosa melodía interpretada por Bilal, en la que canta que «si hoy soy liberado / gozaré del fruto de mi trabajo».
La incursión de Lamar en el free jazz siempre es agradable, pero, como en ‘untitled 04’, a veces sencillamente no es más que eso. Es cuando el rapero experimenta con otros géneros como el ligero jazz brasileño en ‘untitled 06’, que incluye la colaboración vocal de Cee Lo Green y han producido Ali Shaheed Muhammad y Adrian Younge de A Tribe Called Quest, o el vigoroso funk futurista de la pegadiza (y más o menos bailabe) ‘untitled 08’, cuando Lamar, además de sorprender, convence de verdad.
Aunque Lamar ha asegurado que las canciones de ‘untitled unmastered.’ no acabaron en ‘To Pimp a Butterfly’ por falta de tiempo, a menudo es fácil adivinar que algunas de ellas no habrían sido incluidas de todas formas, pero no es el caso de las pistas destacadas. Aun así, tiene mérito sacar un disco de descartes que funcione como un todo del modo en que funciona este, y que incluso varios de estos descartes sean tan buenos. Evidentemente como continuación de ‘To Pimp a Butterfly’ no convence al 100%, pero como complemento de aquel, es esencial.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘untitled 01’, ‘untitled 03’, ‘untitled 06’ Te gustará si te gusta: Notorious B.I.G., Lauryn Hill, Tupac Escúchalo:Spotify Cómpralo:Amazon.es
Repasamos las novedades de la lista de singles de esta semana.
1(1) Justin Bieber / Sorry
2(6) Rihanna, Drake / Work
Una nueva subida de lo nuevo de Rihanna y Drake, ‘Work‘, la tercera consecutiva (hace tres semanas el tema era número 54), amenaza al top 1 de singles en España. ‘Sorry’ de Justin Bieber permanece inamovible en la cima desde hace 15 semanas, casi 4 meses. Quizá ‘Work’ pueda destronar a ‘Sorry’ pronto, ¿o ha alcanzado ya su techo tras el estreno de sus dos vídeos?
En Estados Unidos, lo nuevo de Rihanna continúa en el número 1 de singles.
58(E) Fifth Harmony, Ty Dolla $ing / Work From Home
La entrada más fuerte de la semana es la del grupo de chicas salido del Factor X americano Fifth Harmony. Este es el primer single de su segundo disco, que sale en mayo.
‘Work from Home’ también entra al top 12 en el Billboard Hot 100 y al top 23 en Reino Unido.
74(E) Morat / Cómo te atreves
La banda colombiana llega a la lista ahora con este tema que salía en noviembre. La canción no tiene nada que ver con el icónico ‘No sé cómo te atreves’ de Los Planetas con La Bien Querida, que de momento acumula el doble de escuchas en Spotify (más de 1,6 millones frente al 0,7 de Morat), aunque no sabemos por cuánto tiempo.
86(E) Antonio Orozco / Mi héroe
El álbum de Antonio Orozco vuelve al top 10 de ventas esta semana, mientras este nuevo single llega al número 86 después de que pasaran por el top 100 otros temas del mismo largo como ‘Hoy será‘ o ‘Mírate‘. El tema ha sido interpretado en vivo en ‘Qué tiempo tan feliz’.
87(E) Charlie Puth / One Call Away
Mientras su éxito con Meghan Trainor, llamado ‘Marvin Gaye’, permanece en el top 73 en su 28ª semana (llegó a ser número 14) y ya está certificado como single de platino, el nuevo sencillo de Charlie Puth aparece en el top 87.
El álbum ‘Nine Track Mind‘ es top 81 en su 5ª semana, tras haber sido top 21.
91(E) Chino & Nacho, Daddy Yankee / Andas en mi cabeza
El dúo venezolano, habitual de nuestras listas de éxito, logra una nueva entrada esta vez junto a Daddy Yankee con este tema ‘Andas en mi cabeza’, que estrenaba lyric video la semana pasada.
93(E) DJ Snake, Bipolar Sunshine / Middle
Mientras ‘Lean On’ continúa en el top 24 exactamente un año después de su lanzamiento, un nuevo tema de DJ Snake, ahora con el cantante británico Bipolar Sunshine, aparece en la lista. ‘Middle’ ha sido top 50 en Estados Unidos y número 12 en Francia.
Xiu Xiu también edita disco especial para Record Store Day, que es el 16 de abril. No será una cosa tan rara como su disco hecho a partir de 999 vibradores de color rosa, sino ‘Xiu Xiu Plays the Music of Twin Peaks’, como su nombre indica, una reinterpretación de la banda sonora de ‘Twin Peaks’ compuesta por Angelo Badalamenti, que ha producido Jherek Bischoff (antiguo integrante del grupo) y mezclado Greg Saunier de Deerhoof. El primer adelanto es ‘Falling’, con el que os dejamos.
‘Plays the Music of Twin Peaks’:
01 Laura Palmer’s Theme
02 Into the Night
03 Audrey’s Dance
04 Packard’s Vibration
05 Nightsea Wind
06 Blue Frank Pink Room
07 Sycamore Tree
08 Harold’s Theme
09 Dance of the Dream Man
10 Falling
11 Love Theme Farewell
12 Josie’s Past
The Last Shadow Puppets edita nuevo disco, ‘Everything You’ve Come to Expect’, el próximo 1 de abril. Con motivo de su llegada a las tiendas, el dúo formado por Alex Turner y Miles Kane ha concedido una entrevista a SPIN en un hotel de Manhattan que está dando que hablar por el peor de los motivos posibles. Su autora, Rachel Brodsky, escribe que la banda se mostró cansada, desinteresada y sin mucho que decir sobre su nuevo disco durante la charla, y que, en un punto de la misma en el que trató de animar la conversación, la periodista le preguntó qué haría durante el día, a lo que Miles Kane contestó: «¿quieres ir a la habitación de arriba?». Brodsky, incómoda, escribe que declinó la invitación y recuerda que, al final de la entrevista, Kane se despidió de ella con un beso en la mejilla «no del todo consentido».
Tras enterarse de lo ocurrido, Kane ha enviado una carta a Brodksy pidiendo disculpas, según recoge NME. «Me gustó charlar contigo sobre el disco», dice. «Siento que te molestaran algunos comentarios estúpidos que hice durante la entrevista. Reconozco que mi humor típico de ‘Carry On’ durante la entrevista fue imprudente y me mortifica saber que te hizo sentir incómoda. Por favor, acepta mis más sinceras disculpas».
Brodsky, que, por cierto, esperó hasta ayer, Dia Internacional de la Mujer, para publicar su entrevista con el grupo, no acepta del todo sus disculpas. «Aprecio la carta de Kane pero no me hace sentir mejor», ha escrito en un comunicado. «Ciertamente no borra aquella tarde u otras veces que me he sentido objetificada en el trabajo. Cartas como esta no cambian los hechos ocurridos que lo preceden. En lugar de disculpas, me gustaría ver un poco más de precaución y profesionalidad para con las mujeres en la industria musical».
El equipo de Record Store Day ha publicado la lista de lanzamientos su edición de este año en Estados Unidos y Reino Unido (para la lista española habrá que esperar hasta el 15 de marzo) y uno de ellos es un 7″ de Foals que incluye un tema inédito que el grupo no llegó a publicar en su último disco, ‘What Went Down‘. Se trata de una balada con sintetizadores titulada ‘Rain’, que llevará en su cara b una versión de ‘Daffodils’ de Mark Ronson y Kevin Parker. De momento, os dejamos con ‘Rain’, que, ojo, no está nada mal.
El Guincho ha editado su nuevo disco, ‘Hiperasia’, de manera poco convencional, a través de una pulsera. No contento con esto, Pablo Díaz-Reixa tiene más material nuevo que compartir con el mundo y ha diseñado una sudadera junto a Wellness para venderlo en su página web. Se llama ‘Michael Dior Mixtape’ y solo puedes escucharlo si compras la sudadera, que cuesta 60 euros.
Se trata de una colección de seis canciones con colaboraciones de King B, Young Nivea, Tomás Peña, Torrent Papi y DJ Quasimatto, cuya portada es una clara referencia a ‘The Life of Pablo’ de Kanye West (al fin y al cabo, el nombre real de El Guincho es Pablo). El músico ha tenido el detalle de compartir dos pistas de su mixtape, ‘De rosca’ y ‘Pegada al white’, con las que os dejamos.
A estas alturas de la película, ya sabes que puedes confiar siempre en Parade y en sus discos. Le das al play y te preparas para disfrutar de su arsenal de pequeños films en forma de canciones encantadoras. Las únicas dudas que te puedes llegar a plantear son cuáles van a ser tus temas favoritos y quiénes serán los nuevos protagonistas.
Pero nada más es previsible en el universo Parade. En ‘Demasiado humano’ vuelve a dar un cambio en su sonido. La banda esta vez se reduce prácticamente a Antonio Galvañ y Eduardo Piqueras en las guitarras, lo que redunda en el abandono de la apariencia más clásica y orgánica de ‘Materia oscura‘ y ‘Amor y ruido‘ para retornar al techno-pop de cierto aire lo-fi, aunque prima la sofisticación. Lo que señalaba la hoja promocional sobre su querencia por las sonoridades italianas no es ninguna boutade. Los guiños al sonido y las melodías de Matia Bazar y similares se extienden a lo largo del disco, aunque también haya alegres desvíos a sonidos algo más cacharreros y referencias (¡cómo no!) a la música surf o al girl pop de los sesenta.
El uso del synth-pop de aspecto amable de principios de los ochenta ya se deja sentir desde el principio. ‘Traedme la cabeza de Philip K. Dick’ y sus sintetizadores mezclados con coros surf, dan paso a los aires sintéticos y el cuerpo disco de ‘Láser‘, redondeada con una fantástica atmósfera y teclados sincopados. O la comedia costumbrista que es ‘Carterista de tanatorio’, saltarina y conscientemente hortera (¡teclados a lo ‘Jump’ de Van Halen!). Aunque estas erupciones bailables son minoría. En ‘Demasiado humano’’lo que prevalecen son los medios tiempos y las baladas. En la divertida ‘Johnny Ramone, agente del KGB’, que imagina la posible doble vida del guitarrista de los Ramones como agente infiltrado de la URSS, tiene un cierto aire agridulce, una finísima melodía y un recuerdo al ‘Goodbye Lucille #1’ de Prefab Sprout. La hermosa ‘Demasiado humano’, una orgullosa reivindicación de la humanidad de los androides, es casi una segunda parte de ‘Exoesqueleto’. O el bolero techno que es ‘Caballero del tuntún’, cuya letra asemeja un romance medieval, pero en clave futurista. Pero también se cuela la crítica social; en ‘Cementerio nuclear’, balada sobre un elegante piano, Galvañ canta sobre las penas de una pequeña ciudad que ha decidido albergar un cementerio atómico: «Y al concejal de urbanismo / el plutonio le da lo mismo / él solo quiere ver / un horizonte creciente de grúas otra vez». Otra de las cumbres del disco es la contagiosa (nunca mejor dicho) ‘El ritmo escarlata’, un chachachá sintético engañosamente alegre.
También hay otra cosa que sí que se espera, se busca y se goza en cualquier disco de Parade: los homenajes. Los que recorren este disco van más allá de los ochenta; en ‘Guerreros’ honra al film ‘Los amos de la noche’ (‘The Warriors’) de Walter Hill, con estrofa de ‘Nowhere to Run’ de Martha and the Vandellas incluida. ‘El motorista fantasma’ rinde pleitesía al ‘Leader of the Pack’ de The Shangri-Las, felizmente mezclado con el aire italiano y coros doo wop. Para finalizar, en la macabra ‘Bizcochos’, con un argumento muy ‘Sweeney Todd’ (adivinen de qué son los bizcochos) se trenza un crescendo a lo Vangelis o The Alan Parsons Project.
Quizás el único pero de ‘Demasiado humano’ sea que el conjunto de canciones puede parecer que esté medio escalón por debajo de sus dos discos precedentes. Pero Parade sigue proporcionando el mismo grado de felicidad habitual. Felicidad real, no ficticia.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Láser’, ‘Johnny Ramone, agente del KGB’, ‘Demasiado humano’, ‘El ritmo escarlata’ Te gustará si te gusta: El techno-pop de los ochenta más amable. Escúchalo: Spotify Cómpralo: Amazon.es.
Los informadores turísticos del Ayuntamiento de Zaragoza han hecho un vídeo en promoción de la ciudad para el final de sus prácticas y es pa’ mear y no echar gota. Los motivos son dos, en primer lugar, por el cuestionable gracejo de sus protagonistas, que consiguen que su vídeo parezca una autoparodia por momentos, y en segundo, porque el tema musical escogido es ‘Jungle Drum’ de Emilíana Torrini, aquel hit inesperado que logró la islandesa en nuestro país cuando sonó en un anuncio de El Corte Inglés, cinco años después de su edición original. La versión cambia «my heart is beating like a jungle drum» por «estamos en la plaza del Pilar» y no hace falta que os digamos nada más.
Gracias a pixelado por el aviso en nuestros foros.
Este año, Max Martin ha sido galardonado con el Polar Music Prize, el premio sueco a la excelencia musical que, en ediciones anteriores, ha premiado a Paul McCartney, Björk, Miriam Makeba, Elton John, Burt Bacharach o Karlheinz Stockhausen, entre muchos otros. Aunque Martin trabaja frecuentemente con colaboradores, entre ellos Shellback y Savan Kotecha, con quien ha compuesto éxitos tan recientes como ‘Love Me Like You Do’ de Ellie Goulding, ‘Bang Bang’ de Jessie J, Ariana Grande y Nicki Minaj o ‘Can’t Feel My Face’ de The Weeknd, a quien han premiado es a él y, si has estado atento a la actualidad musical de los últimos veinte años, sabrás muy bien por qué.
A Martin atribuimos clásicos de la talla de ‘…Baby One More Time’ de Britney Spears, ‘I Want It that Way’ de Backstreet Boys y ‘Break Free’ de Ariana Grande, entre otros; su oído para la melodía pop, influido tanto por la música clásica que estudió en su infancia y adolescencia como por ABBA, los grandes reyes de la melodía pop, también suecos, ha producido composiciones colosales que ya forman parte de la historia del pop moderno. Pero, a lo largo de su carrera, Martin también hizo otras cosas menos evidentes que merecen ser recordadas y/o reivindicadas.
Those Dancing Days / Can’t Find Entrance
El trío sueco nos contó en 2008 que no quería ser «las Spice Girls del rock», pero cuando grabas en el mismo estudio que Max Martin, una colaboración es inevitable, y aunque el repertorio del grupo está lleno de temazos atemporales, merece la pena destacar esta composición, originalmente titulada ‘The Monster and the Bird’, en la que Martin, Shellback y su productor, Patrik Berger, pusieron su granito de arena.
Def Leppard / Unbelievable
La historia cuenta que los seguidores de Def Leppard se mosquearon de lo lindo con el grupo cuando se enteraron de que se encontraba en el estudio componiendo con Max Martin, el compositor de las estrellas adolescentes del momento. El resultado, incluido en ‘X’, fue una espectacular «power ballad» que trasciende cualquier lamento.
Kelis / I Don’t Think So
Hoy en día nadie imagina a Kelis cantando tontás como este tema compuesto por Martin con la ayuda de Dr. Luke que esta incluyó en su cuarto álbum, ‘Kelis Was Here’. «Crees que tienes una oportunidad / ¡no lo creo! / me dices que sea buena / ¡no lo creo! / te quieres meter en mis pantalones / ¡no lo creo!», insiste Kelis en este número rockero que, bueno, tiene su gracia, pero quizás no le pegue mucho.
Adele / Send My Love (To Your New Lover)
Del mismo modo que nunca asociaríamos a Barbra Streisand con Max Martin, cuando nos enteramos de que Adele se encontraba trabajando con él para su último disco, ’25’, la sorpresa fue mayúscula. El resultado de tan improbable colaboración fue un híbrido entre la madurez y elegancia vocal y estilística de Atkins y la sofisticación y agilidad de los ganchos melódicos de Martin que será single tarde o temprano, pues es la pista 2 del disco solo por detrás de ‘Hello’.
James Blunt / Carry You Home
El autor de ‘You’re Beautiful’ lo tenía claro desde el principio: «ni de coña voy a volver a vender 12 millones de discos», declaró antes de la salida de su segundo álbum, ‘All the Lost Souls’. El cantante se ha reído recientemente del éxito de su canción insignia a rabiar en Twitter, pero entonces no le hubiera venido nada mal un éxito a la altura, por lo que Blunt aceptó trabajar con Martin, con quien compuso la balada ‘Carry You Home’, que le dio un top 20 en Reino Unido.
A-Ha / Analogue (All I Want)
A pesar del distintivo estilo de A-Ha, tuvo que venir Max Martin a colaborar con el grupo en 2005 para darle su primer top 5 en Reino Unido desde 1988. El tema, ‘Analogue (All I Want)’, no es el típico de Max Martin, que entonces ya era famoso no solo por sus ritmos y melodías chicle sino también por sus incursiones pop-rock junto a Dr. Luke gracias a Kelly Clarkson, de la que os hablamos después, pero tampoco el típico de A-Ha, por lo que la fusión de sonidos solo podía ser un éxito.
Taylor Swift / Wildest Dreams
Como he defendido siempre, ‘Wildest Dreams’ de Taylor Swift es el éxito que Lana Del Rey nunca tendrá. Su exuberante, lánguida y hermosa melodía vocal y su interpretación por parte de Swift es totalmente Lana, pues suena a ella por todas partes. Pero ‘Wildest Dreams’ es una colaboración entre Swift y Martin para el último disc de esta, ‘1989’, aunque una de las menos reconocibles. En su lugar, ‘Shake It Off’, ‘Blank Space’, ‘Bad Blood’ y el nuevo single, ‘New Romantics’, sí suenan más a Martin.
Bryan Adams / Cloud Number Nine
El Sergio Dalma canadiense nunca ha gozado de gran popularidad entre el público aficionado a la música, pero su canción junto a Max Martin, ‘Cloud Number Nine’, incluida en el último disco que le dio un éxito mundial, ‘When You’re Gone’ junto a Melanie C, está bastante bien. El álbum recibió buenas críticas por su madurez en contraste con el sonido rockero ñoño de los primeros discos de Adams, y ‘Cloud Number Nine’ fue la mejor de sus pistas.
It’a Alive / Pretend I’m God
Una de las razones por las que las canciones de Max Martin son tan buenas es porque Martin sabe perfectamente cómo quiere sus intérpretes las canten. Y como, a diferencia de muchos productores y productoras, él sí sabe cantar, es capaz de utilizar sus propias dotes vocales para mostrar a sus cantantes exactamente qué quiere que hagan con sus melodías. Por eso, no podemos dejar de incluir en esta lista una de las canciones de It’s Alive, el grupo de rock duro que Max Martin lideró durante los 90, porque el hombre, además de componer grandes canciones, también puede presumir de voz.
Kelly Clarkson / Behind These Hazel Eyes
Antes de ‘Since U Been Gone’, Max Martin llevaba un tiempo sin lograr un éxito de verdad. Después de su lanzamiento, lo que ocurrió es historia. La canción fue la primera colaboración entre Martin y Dr. Luke, un híbrido entre las grandes melodías del primero y los sonidos rockeros filtrados para la radiofórmula del segundo, y supuso el renacimiento de Martin como compositor de éxito y el de Clarkson como estrella del pop post-‘American Idol’, hasta el punto que todavía sigue habiendo gente que piensa que ‘Breakaway’ es su primer disco.
No fue, en todo caso, la única canción que unió entonces a Martin y Gottwald. ‘Behind These Hazel Eyes’ fue otro de sus éxitos, un tema que sí posee la fuerza de las melodías explosivas e instantáneamente memorables de Martin, pero cuyas guitarras y baterías sonaban más altas y prominentes, haciendo de ella una canción pop-rock con mayúsculas. Nada que ver con el trabajo al que asociamos a ambos productores en la actualidad. La mano derecha de Martin ahora es Savan Kotecha, con quien ha compuesto temas como ‘Problem’ de Ariana Grande o ‘Can’t Feel My Face’ de The Weeknd, mientras Dr. Luke, bueno… está liado con otras cosas.
Cee Lo Green sigue intentando levantar su carrera del pozo en el que la metió hace dos años tras sus desafortunadísimos comentarios sobre la violación. Al músico le pesarán sus palabras probablemente toda su vida, pero Green no se rinde y lo último que ha hecho ha sido estrenar un single durante el Día Internacional de la Mujer, que fue ayer, titulado ‘God Is a Woman’. Puedes escucharlo a continuación. ¿Oportunista o no?
‘El progreso’ de Sr Chinarro, a la venta el próximo 8 de abril, se abre con ‘Los efectos especiales‘, ‘La ciudad provisional‘ y ‘La fiebre del oro‘. La cuarta pista es ‘El castigo’ y puede que no sea el single del disco, pero sí podría ser una de las favoritas de sus seguidores. Hoy la estrenamos.
La composición está marcada por un tristón punteo de guitarra que retrata un lecho conyugal marcado por las diferencias. «Ambos somos difíciles rompecabezas», describe Antonio Luque, que también indica que los sueños de cada uno son distintos: «En tus sueños hay niños malos con flautas / capullos en la etapa de ir de flor en flor», dice de los de ella. «En los míos tú tampoco apareces aún / voy a saltarme la parte de la confesión», reconoce él poco después.
Pero el estribillo, embellecido por sus cuerdas, y como otros temas recientes de Sr Chinarro, llega para aligerar la carga. Viene para recordar que algo tan temido como «un potro de tortura» es «parte de la diversión»: «la vida no es tan dura, déjate de inquisiciones / que no van contigo, levántate el castigo».
‘El progreso’ ha sido producido por Jota y será publicado por El Segell de Primavera Sound. La grabación y la mezcla ha sido obra de Jaime Beltrán en El refugio antiaéreo y en Producciones peligrosas, respectivamente (Granada). Los arreglos de cuerda de este tema son de Antonio Fernández y los coros y guitarras también de Jaime Beltrán. Estas son las fechas de la gira:
07 de abril Universidad – Edificio Constitución 1812 (Cádiz)
14 de abril Zentral Kafe Teatro (Iruñea)
15 de abril Guggenheim Museoa (Bilbo)
16 de abril Daba Daba (Donosti)
17 de abril Lata de Zinc (Oviedo)
21 de abril Auditorio Victor Villegas (Murcia)
22 de abril Sótano Indie Club (Elche)
23 de abril Sala Zero (Tarragona)
24 de abril Nova Jazz Cava (Terrassa)
28 de abril Sala Hangar (Córdoba)
29 de abril Pop & Dance – Joy Eslava (Madrid). entradas.com
12 de mayo Las Armas (Zaragoza)
13 de mayo L’Auditori (Barcelona)
15 de mayo Terraza Espai Rambleta (Valencia)
21 de mayo Teatro Cervantes (Málaga)
11 de junio Contempopranea (Badajoz)
29 de julio Low Festival (Benidorm)
Buenas noticias para Iggy Azalea (entre otros), malas para el resto: Azealia Banks ha cerrado su cuenta de Twitter para siempre. La rapera, que está a punto de editar nueva «mixtape», ‘Slay-Z’, y ha compartido recientemente un par de pistas del mismo, ‘The Big Big Beat’ y ‘Used to Being Alone’, tomaba la decisión ayer, en una serie de tuits naturalmente ya inexistentes, que ha capturado y recopilado Rap-Up.
«La cultura de los medios americana es asquerosa y sucia», ha escrito Banks, «y quejarme de ella no va a solucionar nada. Leer artículos estúpidos y a gente tonta me ha llenado de sentimientos negativos. Ha sido un par de años estupendo compartiendo opiniones y teniendo conversaciones pero creo que seré más feliz sino tengo que ver todo esto otra vez. Solo porque soy americana no significa que deba someterme a este mal gusto. Los americanos tienen el PEOR gusto para todo. Es el momento de decir adiós para siempre a esta cuenta. Es momento de un poco de misterio».
Han sido unos años intensos para Azealia en Twitter. La rapera se ha peleado y/o se ha metido con o insultado a virtualmente todo el mundo, desde Iggy Azalea a Baauer pasando por Lady Gaga, T.I., Angel Haze, Pharrell Williams o, por supuesto, Lily Allen, con quien tuvo un encontronazo de nivel.
George Martin falleció anoche a los 90 años. El productor era conocido como el «quinto Beatle» por su extenso trabajo con el cuarteto, pues produjo casi todos sus discos, y contribuyó notablemente a la composición y arreglos de muchas de sus canciones, incluida ‘Yesterday’, para la que compuso el arreglo de cuerdas. Ha comunicado la noticia Ringo Starr en Twitter.
Nacido en 1926, Martin, que se formó como compositor de música clásica, empezó su carrera escibiendo música para el departamento de música clásica de la BBC y para una variedad de comedias durante los 50. En 1961, tuvo su primera sesión de prueba con los Beatles, que definió como «poco prometedora», y el resto es historia. Los refinados conocimientos musicales de Martin complementaron la frescura inexperta de los Beatles, resultando en el combo más lucrativo de la historia del pop.
Aparte de su trabajo con los Beatles, Martin produjo también a Kate Bush, Céline Dion, Cilla Black, America y Jeff Beck, entre otros. En 1997, produjo ‘Candle In the Wind’ de Elton John, una de las canciones más exitosas de la historia. Durante su trayectoria, Martin produjo 30 números uno en Reino Unido y 23 en Estados Unidos y obtuvo varios premios Grammy y una nominación al Oscar por su trabajo en ‘A Hard Day’s Night’ de los Beatles.
Los extremeños Lúa Gramer debutan en Clifford Records con un mini LP homónimo de cinco canciones. Es el formato idóneo de momento para sus composiciones que, como ellos mismos indican y es obvio, están influidas por el indie de los 90 de Los Planetas y Nosoträsh. ¿Tenían tanto que ver los unos con las otras? No realmente, pero tiene sentido lo que dicen, pues las voces de Susana Merino y Luis Gragera son suaves y bajitas, más Jabalina y Elefant de lo esperado, en principio más imaginables para unos popemas; mientras las guitarras suelen ser distorsionadas y noise. ‘F11’ abre haciéndonos pensar que el mini LP de Lúa Gramer va a ser más kraut o ahijado del Bowie de ‘Heroes’ (la canción), pero pronto la cosa evoluciona hacia el indie rock de Yo La Tengo (‘Mecánica celeste’), el indie pop de The La’s (‘Acróbata’) o el muro spectoriano de The Jesus & Mary Chain y The Raveonettes (‘Delmar’). La final ‘Vámonos’ podría colar en el repertorio de los últimos Kokoshca o los olvidados Plastic D’Amour. Paco Loco -cómo no, ¿quizá era demasiado previsible?- termina de dar un buen acabado a este simpático mini LP en el que sólo se echa de menos que destaque una clara favorita.
Calificación: 6,7/10 Lo mejor: ‘Acróbata’, ‘F11’, ‘Vámonos’ Te gustará si te gustan: Alborotador Gomasio, Joaquín Pascual, Sundae Escúchalo:Bandcamp Cómpralo: Amazon.es.
Vaca Films va camino de convertirse en un referente del thriller español, y Luis Tosar en su icono más reconocible. Después del éxito de ‘Celda 211‘ (2009), la productora gallega sigue apostando, con más o menos fortuna pero con gran determinación, por películas de género que miran de frente y sin complejos tanto al cine de acción de Hollywood como a la realidad social española. Después de ‘Invasor’ (2012), ‘El Niño‘ (2014) o ‘El desconocido’ (2015), es el turno de ‘Cien años de perdón’.
Hace unos meses, en un artículo sobre directores españoles «caídos en desgracia«, pronosticábamos la «resurrección» de Daniel Calparsoro. ¿El motivo? La presencia de Jorge Guerricaechevarría como guionista de su nueva película. Pues bien, no íbamos mal encaminados. ‘Cien años de perdón’ no solo se va a convertir en el título más taquillero de la filmografía del realizador vasco (ya está en el número de 1 taquilla) sino en su mejor película desde… ¿’Salto al vacío’ (1995)?
Y eso que ‘Cien años de perdón’ arranca de la peor manera posible. Unos planos aéreos de Valencia, con una fotografía gris verdoso que ya empieza a parecer un cliché del género (y que parece prestada de ‘El desconocido’), dan paso a unos brochazos mal dados de realismo social (las conversaciones con los clientes del banco) y a una secuencia de atraco muy poco creíble por culpa de un exceso de sobreactuaciones: de la cámara, de los atracadores (¿cuántas veces dicen «la concha de tu madre»?) y, sobre todo, de una Patricia Vico que me ha hecho recordar por qué Carolina Bang sale tanto en las últimas películas de Alex de la Iglesia.
Sin embargo, cuando todo parecía que se iba a convertir en una versión aguada de filmes de atracos tipo ‘Tarde de perros’ (1975) o ‘Plan oculto’ (2006), el “uruguayo” comienza a hablar (Rodrigo de la Serna), el “gallego” a replicar (Luis Tosar) y la película a crecer como la corrupción política en la tierra del caloret. Por medio de una astuta dosificación de la información, un habilidoso montaje, la eficaz música de Julio de la Rosa y un diestro manejo de los mecanismos del suspense, Calparsoro consigue un equilibrio perfecto entre la acción, el humor y la denuncia social. Se podrán elaborar retratos de la España actual más profundos, incisivos y estimulantes que ‘Cien años de perdón’, pero pocos más entretenidos. 7,5.