Extrañaba mucho que Nebulossa no hubieran publicado todavía canciones nuevas, casi un año después de que conociéramos ‘Zorra’ en Benidorm Fest. Un tema que acaba de recoger un disco de platino en España.
Sobre todo porque el grupo previamente acababa de lanzar varios singles, camino a lo que iba a ser un EP. A falta de comprobar dónde se ubican finalmente las sobresalientes ‘Me pones a mil’ y ‘Me ha dado porno’, Nebulossa estrenan al fin nuevo tema, ‘Cotilleo’.
Como toda su discografía, a destacar el notable ‘Poliédrica de mí’, ‘Cotilleo’ es un tema amparado en el synth-pop ochentero. O sea, imaginad que Nebulossa se ponen ahora a hacer hyper pop.
Muy Fangoria, muy Sara Montiel también (muy Carlos Berlanga), ‘Cotilleo’ responde las críticas que Nebulossa han recibido durante estos meses de fama. “Tengo tan claro quién soy” es el pre-estribillo. “Métete el cotilleo donde te quepa”, su estribillo. Las estrofas apelan a la gente que ha llamado a Mery Bas cosas como “Barbie de geriátrico”. Y el post-estribillo contiene referencias a otras canciones empoderadas de gente como Karol G (‘Bichota), Shakira (‘Bizarrap Sesion’) o la propia ‘Zorra’.
Por si no tuvieras suficiente con toda esta fantasía, ni con su vídeo tipo Versalles, el cierre de la canción es un juego entre “yo me he venido a servir coño” y “yo he venido a servir cotilleo”.
Nebulossa siguen con su amplia gira. Por ejemplo actúan el 26 de octubre en Loco Bongo XXL, Barcelona, junto a Gloria Trevi, Chanel, Chenoa, Sonia y Selena, Ladilla Rusa, Rebeca y algunos otros. Más fechas, en su Insta.
El último concierto de Jane’s Addiction en Boston, este viernes, ha terminado de muy mala manera tras un encontronazo entre el vocalista del grupo, Perry Farrell, y su guitarrista, Dave Navarro; un incidente que ha dejado perplejos a sus seguidores y que ha llevado a la esposa de Farrell, Etty Lau, a explicar los motivos detrás del comportamiento de su marido.
Un vídeo que circula por redes muestra a Farrell acercarse a Navarro con actitud agresiva, encarándose a él muy enfadado. En un momento, le empuja fuertemente con el hombro e intenta propinarle un puñetazo, momento en que Navarro intenta protegerse, exhibiendo una expresión de desconcierto en el rostro. A continuación, el bajista Eric Avery acude a separarles.
Tras el incidente, Etty Lau ha querido poner la situación en contexto. Según ha explicado, Farrell estaba cabreado por el elevado volumen de los instrumentos, que ahogaba su voz, un problema que le estaba «frustrando» en conciertos previos y que estaba causando quejas en las primeras filas. Lau explica que Farrell tiene problemas de oído y que, en ese momento, el volumen le había llevado a padecer dolor de garganta, porque «ya no estaba cantando sino gritando».
En cuanto a la pelea, Lau da su versión de los hechos y asegura que, después de separar a Navarro, Eric se llevó a Perry al backstage y que, para intentar reducirlo, le hizo una llave de cabeza y le pegó tres veces en el estómago. Etty cuenta que, después del incidente, Farrell estaba hecho una «bestia enfurecida» y que, a continuación, el cantante se «vino abajo» y no podía parar de «llorar y llorar». Según Lau, Eric «se aprovechó de la situación» para atacar a Perry.
Según cuentan asistentes a la gira de Jane’s Addiction, en los primeros conciertos ya se percibía tensión encima del escenario debido a los problemas vocales de Farrell. Sin embargo, ninguna noche ha sido tan desastrosa como la de este viernes.
Curiosamente, alguien ha comentado la noticia a Liam Gallagher de Oasis, escribiéndole que «estos seréis Noel y tú en la tercera noche de vuestra gira». Gallagher ha respondido negando la mayor porque «ahora somos muy profesionales», añadiendo que «lo que estamos preparando os volará la cabeza».
Longer vid of fight that brought tonight's Jane's Addiction show to an early end.
Problems started in "Mountain Song" when Perry shouted at Dave. Issues got worse in "Three Days" + boiled over in "Ocean Size."
Bernadya es una cantautora de Indonesia que este verano ha publicado su álbum debut, ‘Sialnya, Hidup Harus Tetap Berjalan’ («por desgracia, la vida debe continuar»). Nacida en 2004, Bernadya se dio a conocer en 2016 al participar en La Voz Kids de Indonesia. En 2016, junto a su hermana, formó el dúo Celine & Nadia y, en 2022, dio el salto en solitario.
Bernadya logró cierto éxito en Indonesia con su primer single, ‘Apa Mungkin’ («es posible»), una atmosférica balada de estilo folk y jazz. Ella es baladista ante todo y su éxito ‘Satu Bulan’ («un mes») lo guía el sonido de un piano, aunque las guitarras de cortes como ‘Untungnya, Hidup Harus Tetap Berjalan’ («por fortuna, la vida debe continuar») o ‘Kata Mereka Ini Berlebihan’ («dicen que esto es demasiado») perfilan un sonido de country-pop suave.
Las canciones de Bernadya, que hablan sobre todo de desamores, usando un punto de vista melancólico y tristón, evocan el estilo tranquilo y agradable -aunque inofensivo- de Norah Jones o Diana Krall, y su mayor mérito es que están logrando conectar con un público global, estando escritas en indonesio.
No uno sino dos éxitos de Bernadya aparecen actualmente en la tabla global de Spotify. ‘Satu Bulan’, su canción más popular a día de hoy, con 130 millones de streamings, ocupa el puesto 48 de la lista, y ‘Untungnya, Hidup Harus Tetap Berjalan’ aparece en el 116. ‘Kata Mereka Ini Berlebihan’ ha llegado a asomar también entre las 200 primeras posiciones de la tabla, entre muchos otros.
En cifras, el éxito de Bernadya se concentra sobre todo en Indonesia y Malasia, según datos de Spotify, pero los streamings de todas sus canciones son igualmente asombrosos, hasta el punto de sumar para Bernadya ya 18 millones de oyentes mensuales en la plataforma sueca. Además, la presencia de Bernadya en la clasificación global de Spotify no es ninguna anécdota; sus canciones llevan semanas consolidadas entre las más escuchadas en el mundo. ¿Ha nacido una estrella?
Ya os hablamos hace unos días de The Dare, a quien este verano hemos conocido por su trabajo como productor en ‘Guess’ de Charli XCX (y su remix con Billie), pero que ya había llamado la atención de los medios con su tema propio ‘Girls’ y el EP que la contenía. Os decíamos que su debut largo estaba al caer, y ya lo tenemos por aquí.
En una entrevista reciente con The New York Times, Harrison Patrick Smith comentaba que le gusta la música que “se frota” con la gente de alguna u otra manera, y que no le gusta la música que suena de fondo en una cafetería. «No creo que mi música sirva jamás para eso… aunque, para ser sincero, tampoco creo que haga una música tan provocativa”, decía. Desde luego sería raro escuchar ‘What’s Wrong With New York’ de fondo como si fueran covers de aquel programa de Bertín Osborne, y, entre otros muchos adjetivos, uno que se le puede dar a este disco es “estimulante”.
Probablemente The Dare no haya inventado nada. Ya se le había comparado con LCD Soundsystem (btw, aquí hay un tema llamado ‘Movement’, y encima en otro tema dice “sometimes I steal what others wrote”), !!!, Yeah Yeah Yeahs, The Rapture o Sleaford Mods, y entre los cortes nuevos nos acordamos además de OMD (‘All Night’, cuyo inicio nos lleva también al clásico ‘Born Slippy’), Klaxons (la machacona ‘You’re Invited’, con la que incluso se puede pensar en aquel ‘Barbra Streisand’ de Duck Sauce) o el primer Calvin Harris (no es casualidad lo de ‘I Destroyed Disco’ y ‘I Created Disco’: The Dare declara abiertamente la influencia).
Así que sí, puede que no haya inventado nada, pero su propuesta abiertamente fiestera, sin pretensiones y guarra no deja de ser un golpe en la mesa underground. Como le definen en Clash, “es un ‘Party Rock Anthem’ para el renacimiento del indie sleaze”. Junto a Romil Hemnani de BROCKHAMPTON, Dylan Brady (entre otras cosas, productor de ‘claws’ de Charli), Chris Greatti (Grimes, Poppy, YUNGBLUD) o Jonah Abraham (Playboi Carti) como compañeros de producción, Harrison arma un bop tras otro, todo dentro de ese “electroclash con actitud supersize”, en sus propias palabras.
De forma similar a lo que ocurre en ‘brat‘, aquí convive esa fiesta 24/7 con el bajón, y con el admitir que quizás le das a todo y te metes de todo para no pensar y no sentir. Hay referencias al suicidio en varias canciones, siempre con un halo de “a ver si me muero jaja es broma”, pero presente al fin y al cabo. Especialmente poderoso en este aspecto es el trío final. “I think my teeth are falling out like in a dream of mine / but I haven’t slept for days and you’re on my mind (…) when this elevation, elevation, elevation’s done / there’s still no erasing, no erasing us” dice en la estupenda ‘Elevation’, y el título se materializa porque justo entonces llega la “elevation” que Harrison buscaba.
‘Movement’ es ese chute del que hablaba en la canción anterior, con un drop que es una brutalidad (y los pogos que pueden formarse en un directo de esta canción serán una locura), y con la paradoja que el propio tema te va desgranando sobre ese colocón: “I never felt so alive, I never felt so close to you, I never felt so right… until it stops”. Y entonces llega el excelente cierre con ‘You Can Never Go Home’ (acompañado de la artista Melody English), donde se mezcla el bajón del día siguiente con las ganas (ganas, en general) que siguen presentes. No podía ser de otra manera para despedir el álbum.
Y, por supuesto, el componente sexual, que The Dare sigue siendo The Dare aunque se ponga intensito. Ya os hablamos de las explícitas letras de ‘Perfume‘ y ‘Girls’, pero aquí se suman cosas como “touch me when you say you need me / fuck me like we were meant to” (‘Good Time’), o el verso con guiño a Funkadelica “free your mind, and your ass will follow / free your eyes, and you might get laid / I know it might be hard to swallow / but it’s much much better once you get a taste” (‘Open Up’). Y bueno, aunque no sea guarra en sí, desde luego hay que ser burro para soltar “blow my head off / on the search for Nirvana” (‘I Destroyed Disco’).
No, The Dare no oculta mucho sus deseos. De hecho, en un momento en que se habla mucho de puritanismo y de cómo puede este hecho ir de la mano con estar crónicamente online (en lugar de “ir a tocar el césped”), hay unos versos en este disco que podrían servir como respuesta a esto. Incluso como respuesta a esa reseña de Pitchfork que le destroza caracterizándole como un rídículo que lo intenta demasiado. The Dare lo dice bien claro en ‘Good Time’: “I’m in the club while you’re online”.
«Esto va a arruinar la gira» ha sido una de las frases icónicas que ha dejado la cultura pop en 2024. Salió hace unos meses de boca de Justin Timberlake, cuando el cantante fue arrestado en el pueblo de Sag Harbor, en Nueva York, por conducir ebrio después de dar positivo en un control de alcoholemia, durante la medianoche del 18 de junio. Timberlake se saltó una señal de stop y se desvió de su carril muy poco después de coger el coche tras una noche de fiesta. Timberlake reconoció que se había tomado «un martini». Su retrato policial no tardó en hacerse público.
Ahora, Timberlake se ha declarado culpable de conducir en estado de ebriedad. Como parte de su sentencia, Timberlake deberá abonar una multa de 500 dólares con un recargo de 260 dólares y realizar 25 horas de servicio comunitario en una organización sin ánimo de lucro de su elección. Además, se le retirará el permiso de conducir durante 90 días.
Después de conocerse la sentencia, Timberlake ha hablado con los medios de comunicación para reconocer públicamente su «error» e instar al público a jamás conducir después de haber bebido. «Trato de mantenerme en un estándar muy alto, para mí mismo, y este no fue el caso», ha declarado Timberlake. «Aunque solo hayas tomado una copa, no te pongas al volante. Hay muchas alternativas. Llama a un amigo. Toma un Uber. Hay muchas aplicaciones de transporte. Toma un taxi. Yo he cometido este error y espero que cualquiera que esté viendo y escuchando esto pueda aprender de este error, yo desde luego lo he hecho».
Justin Timberlake sentenced to 25 hours of community service and will pay a $500 fine for driving under the influence.
His DWI was reduced to a non criminal violation of driving while ability impaired. pic.twitter.com/XFAaFPLYSg
Conocimos a Nilüfer Yanya hace casi 10 años -sí, 2016 fue hace casi una década- con ‘Keep on Calling’, una canción que, en su estilo de guitar-pop, ya exhibía la peculiar sensibilidad melódica de Yanya. Después, en sus trabajos largos, Yanya se ha convertido en una renovadora de las guitarras, firmando bangers guitarreros como ‘Heavyweight Champion of the Year‘ o ‘Midnight Sun‘ que demuestran que en el rock no está todo dicho. En su tercer disco, ‘My Method Actor’, Yanya sigue refinando su personal sonido y entrega una serie de canciones que se cuentan entre las mejores de su carrera. Hablamos con Yanya sobre ‘My Method Actor’.
Cuando te entrevisté durante la promoción de ‘Painless’ me dijiste que el proceso de creación del disco os la habíais dividido entre tú y Will Archer; tú traías las canciones y él hacía la música. ¿Cómo ha sido esta vez?
Ha sido muy parecido, hemos decidido volver a trabajar él y yo juntos, sin nadie más, pero, esta vez, nos hemos tomado la creación del disco con más enfoque y mayor intención.
Con mayor intención, ¿a qué te refieres?
Hemos decidido confiar más el uno en el otro, y en las ideas de cada uno, y nos hemos propuesto no tener en cuenta la opinión de nadie más. Creo que es una decisión valiente. Cuando trabajas en un disco, personas de fuera, como mánagers o sellos, desean escucharlo a medida que lo vas creando, ofrecen sus consejos, te dicen qué canción debería ser un single… En este disco queríamos trabajar Will y yo mano a mano, y solo añadir colaboradores cuando llegara el momento de mezclarlo.
¿Qué cosas has tenido que dejar ir al confiar en Will, o él de ti?
Sobre todo dejar ir el ego. Tienes que confiar en que quizá no todas tus ideas funcionen y que posiblemente la otra persona tenga la pieza que falta en el puzzle. Es difícil deshacerse del ego.
Ponme un ejemplo, de una situación o canción concreta.
Hemos descartado algunas canciones porque ambos hemos decidido que era una pérdida de tiempo seguir trabajando en ellas. Ninguno de los dos creíamos en ellas. No están ni siquiera acabadas. Y, por ejemplo, la primera canción el disco, ‘Keep on Dancing’, nos queríamos deshacer de ella porque cuando pasamos al proceso de mezcla, sonaba plana. Will apostaba por descartarla y yo por salvarla, y propuse hacerle algún cambio drástico como eliminar las baterías o la intro. Al final nos la quedamos y abre el disco.
Me da la impresión de que el sonido de ‘Midnight Sun’ ha inspirado en parte este nuevo trabajo, por el sonido de las guitarras sobre todo.
Sí, pero todo ‘Painless’ ha sido una influencia realmente; en ‘Painless’ Will y yo trabajamos juntos de manera intensiva por primera vez. Aunque ya habíamos colaborado antes, ‘Painless’ fue un punto de inflexión. Sin duda, ‘Painless’ tuvo que pasar para que ‘My Method Actor’ exista, porque muchas de las ideas que iniciamos en aquel álbum las hemos desarrollado en este. Sobre todo en cuanto a las guitarras, porque a Will y a mí nos gustan mucho, nos unen mucho desde un punto de vista creativo.
¿Cómo consigues el sonido de por ejemplo ‘Like I Say (Runaway)’, con ese contraste entre la fuerza de las guitaras y calma de la voz?
Hay muchas capas en el estribillo, muchísimas, y por eso suena tan grande. En la estrofa pasa lo mismo, pero tiene menos guitarras. La calma la conseguimos manteniendo una consistencia en toda la canción, porque en realidad canción y producción son bastante simples. La voz costó de clavar porque el ataque tenía que ser suave pero, a la vez, la voz tenía que sonar tan alta como las guitarras, igualar su energía. Así que metimos muchas capas en la voz, para hacerla sonar más grande. Es lo que pedía la canción. A veces quieres gritar pero te tienes que controlar (ríe)
En ‘Keep on Dancing’ no gritas, pero en la letra se te nota contrariada. Cantas: “Toco por vuestro aplauso, soy jodidamente miserable hasta que veo vuestra sonrisa”.
La canción habla de la frustración que se siente cuando no uno no está dónde quiere. Es un poco una pataleta de niña pequeña que necesitar atención y validación de los demás, pero que, a la vez, se cuestiona a sí misma por sentir eso.
¿Cómo equilibras el necesitar validación externa con confiar en ti misma?
Es importante estar ahí para la gente que te sigue y escucha y, si esas personas acuden a un concierto, es esencial ofrecer el mejor show posible y dar todo lo que tienes. Hay que mantenerse tranquila y saludable y siempre intentar estar a la altura. Y cuando la presión no es real, cuando está todo en tu cabeza, es importante intentar ignorarla. Sobre todo tienes que disfrutar de la buena reacción de la gente. No puedes ir por ahí pensando que eres alguien especial.
¿Te ha llegado a influir las cosas buenas que dice la gente sobre ti?
Es fácil que la admiración de la gente se te suba un poco a la cabeza, sobre todo si lees en las redes lo que la gente dice sobre ti. En mi caso la gente dice cosas buenas de mí y a veces me cuesta creérmelas o no me las quiero creer. Creo que eso dice bastante de mí y de la percepción que tengo sobre mí misma.
«El ciclo de hacer disco, sacarlo… siempre es el mismo y a veces me pregunto, ¿qué sentido tiene?»
¿En qué momento se pone sobre la mesa el concepto de actuación de método y por qué te inspira?
El disco se titula así porque la canción ‘Method Actor’ fue de las primeras que escribimos. En la búsqueda del título del disco, volvía al de esta canción una y otra vez; en algún momento de la creación del álbum empezó a tener sentido. La cosa del método es que supuestamente ya no estás actuando, y me siento afín a este concepto porque cuando me subo a un escenario estoy actuando, y cuando escribo canciones lo hago con un público en mente, con la intención de que las escuche. Es un disco que hago siendo honesta conmigo misma sobre el momento de mi carrera en el que me encuentro, preguntándome qué quiero hacer al respecto. Estoy en un momento diferente en mi carrera, diferente a cuando empecé. Siento que estoy empezando a entender que esta es mi realidad, y me pregunto qué paso dar a continuación.
¿Te ves dedicándote a la música para siempre o, más bien, parando en algún momento?
Siempre me he visto dedicándome a esto para siempre. Ahora me estoy planteando si realmente puedo hacerlo, o si necesito añadir diferentes cosas a mi vida. Me pregunto si es posible para mí sobrevivir en base únicamente a mis propias ideas o si debería participar en otros proyectos ajenos a mí. Siento que necesito no enfocarme solo en mis canciones y hacer otras cosas con otras personas, porque siempre el ciclo es el mismo: escribir disco, sacarlo, escribir disco, sacarlo… y a veces me pregunto, ¿qué sentido tiene?
¿Tienes alguna idea?
No creo que vaya a parar o a renunciar a la musica, simplemente pienso que quizás el próximo proyecto no tiene por qué ser un álbum. Quizá puedo participar en el proyecto de otra persona… o retirarme un largo tiempo y luego volver.
¿Tienes actor favorito?
No, creo que no, ¿y tú?
Te diría que Jack Nicholson, hubo una etapa en que me dio fuerte por él.
Es muy buen actor, es el actor favorito de mi padre.
‘Call it Love’ no es otro de tus bangers, sino que es una balada. ¿Cómo fue su proceso? Es una canción que me cautiva mucho.
¡Gracias! Es una de mis favoritas. Me gusta porque es diferente. Empezó con una idea de Will, él me tocó los primeros dos secciones de la canción, solo con los instrumentos, y después yo escribí las melodías. Me lo pasé muy bien componiéndola. Will me dijo que era una idea bastante vieja, pero que había decidido conservarla porque sentía que tenía algo.
¿Estás especialmente orgullosa de alguna canción del disco?
‘Call it Love’ y ‘Like I Say’ pero, sobre todo, ‘Binding’; tenía el riff, que me parecía precioso, pero la canción no llegaba. Entonces, de manera instintiva, metí los acordes que aparecen en el estribillo, y de ahí desarrollé toda la canción. Fue fácil escribir la melodía del estribillo pero la de las estrofas costó más. También me resultó difícil dar con la letra adecuada. Entones, cuando acabé la canción me sentí muy orgullosa de ella, porque le dediqué mucho tiempo.
«Nunca he tenido una fase de Radiohead»
He leído por ahí que vas a hacer el “mejor disco de Radiohead en años”. ¿Qué opinas?
(ríe) La verdad es que nunca he tenido una fase de Radiohead. Conozco algunas de las canciones famosas, pero poco más. Will y yo hablamos de este tema, de que la gente nos compara con ellos, pero yo intento no escucharlos porque no quiero que me influyan. Para mí Radiohead tienen un sonido muy eficaz, porque todo lo que hacen funciona. Es un halago que me comparen con ellos.
Las cuerdas de ‘Mutations’ me dieron un pequeño susto en el tramo final de la canción.
Las añadimos después de acabarla, porque nos parecía que había quedado demasiado sencilla… Me encantan las cuerdas porque añaden espacio dentro de la canción, para que respire; de alguna manera son innecesarios pero quieres que estén ahí, porque la canción ya tiene mucho rollo de banda, y las cuerdas le dan un toque diferente.
Para mí son de lo mejor de la canción.
Las cuerdas hacen que el disco sea un disco. La canción ya está ahí y las cuerdas le añaden una profundidad y belleza extras. En directo no creo que los toquemos en vivo, pero en el álbum aportan una energía que puedes transferir a otros instrumentos. Están ahí cuando necesitas algo que no puedes hacer con la guitarra.
¿El vídeo está rodado en Benidorm?
¡Sí! Todos los videos los hemos rodado ahí.
¿Y eso?
Mi hermana hace videoclips, trabajamos juntas siempre. Estaba dirigiendo un vídeo para otra banda y encontró este lugar que es medio desierto y que tiene esa arquitectura costera, y ese paisaje que pasa de la playa a la ciudad. Le gustó esa mezcla.
Esta semana hemos tenido un empate por el número 1 de JENESAISPOP en X entre Pet Shop Boys y Sabrina Carpenter. Prevalece lo que había sido votado en web: ‘Loneliness’ queda en primer lugar, y ‘Taste’ en segundo.
‘Loneliness’ llega a la cima en su 33ª semana en lista tras la perseverancia de sus seguidores. El tema es el más escuchado del nuevo disco de Pet Shop Boys y el 7º top 1 del dúo en JNSP tras los logrados por ‘Minimal, ‘Love Etc’, ‘Leaving’, ‘Vocal’, ‘Love is a Burgeoise Construct’ y la olvidada pero reivindicable ‘On Social Media’.
La entrada más fuerte es Amaral directos al top 3. Maria Rodés con Bronquio, Viuda, The Dare y Benson Boone completan el listado de entradas.
En un viernes lleno de novedades suculentas destaca el regreso de FKA twigs. ‘Eusexua‘ es la primera introducción al disco del mismo nombre, un trabajo inspirado en la cultura tecno de Praga, donde Tahliah Barnett reside desde hace unos pocos años, y creado junto a su inseparable productor, Koreless, que se pondrá a la venta el 24 de enero. Será el sucesor de ‘Magdalene‘ (2019) porque ‘Caprisongs‘ (2022) se considera un mixtape a pesar de su calidad.
«Eusexua» es un neologismo derivado de la fusión -en inglés- de dos palabras, «euphoria» y «sex». Tiene sentido por tanto que en ‘Eusexua’ FKA twigs cante sobre un amor tan profundo que no puede «describirlo con palabras». Su deseo es tan trascendental que puede «cambiar el curso del tiempo». A falta de una palabra que explique lo que siente, inventa una nueva.
Dice FKA twigs que la palabra «Eusexua» describe la «cumbre de la experiencia humana». ‘Eusexua’, la canción, no apunta tan alto, pero sí es una excelente producción creada a tres manos entre twigs, Koreless y Eartheater que, además, no propone el tipo de tecno que probablemente sus fans esperaban. No es un pepino bailable, sino todo lo contrario.
‘Eusexua’ descansa sobre una base de tecno ambiental suave que emprende un crescendo muy elegante; no busca la tralla sino la caricia. El sonido no se parece al puntillismo de Koreless, sino que remite a la sutileza del trance minimalista. Sobre este fondo musical, la voz de FKA twigs devanea entre la belleza y la distorsión alienígena, al servicio de una melodía romántica y preciosa, llena de alma. Es la Canción Del Día para hoy sábado.
El crescendo de ‘Euseuxa’ se construye poco a poco y, cuando llega, el efecto es dulce. Las texturas del final, tan distorsionadas, apuntan a que Björk puede haber sido una referencia. ‘Eusexua’ es un gran adelanto de lo que está por llegar. Si no es un single claro, como mínimo, es una composición emocionante que cobrará vida dentro del contexto del álbum.
El videoclip tiene lugar en una oficina a la que Twigs llega tarde, pero a tiempo para no perderse el sensual y genial número de baile. De un momento a otro, el aburrimiento y normalidad del espacio desaparece bajo un beat glitchy de baile que seguramente se trate de otro adelanto de ‘Eusexua’. Uno mucho más apropiado para el club.
Sin que te des cuenta, todos los oficinistas han perdido la ropa. Es a mitad de vídeo cuando la cantante es transportada al surrealista, minimalista mundo del single que nos ocupa.
Las quejas por el ruido finalmente han tenido su efecto. De esta manera, el Real Madrid ha suspendido, al menos hasta el próximo marzo la celebración de todos los conciertos en el estadio Santiago Bernabéu. Esto significa que los conciertos de Aitana, Lola Índigo y DELLAFUENTE, entre otros, se verán afectados, según ha adelantado Relevo y confirmado El País.
La decisión se ha tomado tras meses de quejas de los vecinos por el ruido, pero también por otros motivos como la suciedad o el tráfico. De esta manera, el primer evento afectado por esta suspensión general es el festival K-Pop del 12 de octubre, el mayor evento del género del mundo.
Asimismo, los conciertos de DELLAFUENTE el 15 de noviembre, de Aitana el 28 y 29 de diciembre y de Lola Índigo el 22 de marzo también sufrirán el mismo destino. Todas las entradas de los conciertos estaban agotadas. De momento, Aitana ya ha anunciado el cambio de fechas para sus dos shows programados. Estos se moverán al 27 y 28 de junio de 2025.
Previamente, el Ayuntamiento de Madrid había admitido que los niveles permitidos se estaban superando y que los organizadores serían multados. Sin embargo, lo que ocurrió en su lugar fue el anuncio de medidas para reducir las molestias causadas a los vecinos.
Janet Jackson ha compartido uno de los incidentes de vestuario más tensos de su carrera, potencialmente a la altura de lo ocurrido con Justin Timberlake en la Super Bowl de 2004. Esta vez, frente a la reina Elizabeth II.
La anécdota ha surgido en una entrevista con Vogue, mientras hablaban sobre los looks más icónicos de la cantante. En un momento dado, se refiere a un traje negro estilo militar que llevó para recibir su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en 1990. Además, contó que llevó un outfit similar cuando la invitaron a actuar para la reina Elizabeth II alrededor de la misma época.
«Estábamos haciendo ‘Rhythm Nation’ y en cuanto me puse de cuclillas, se me rompieron los pantalones justo en la raja del culo», contaba Jackson. Está «no podía creer lo que estaba pasando», pero empezó a «sentir aire ahí abajo, así que sabía que había ocurrido de verdad».
Sin embargo, consiguió adaptarse a la coreografía para no flashear a la reina: «Nunca le di la espalda, lo cual era requerido en algunas partes de la coreografía. Simplemente miré hacia adelante… Imagínate si se lo hubiese enseñado durante solo un segundo», finalizó.
Según ha confirmado NME, algunos fans de The Cure se han despertado hoy con una misteriosa postal en sus buzones. Podría ser el primer paso para el anuncio oficial del nuevo disco de The Cure, ‘Songs Of A Lost World’.
En las postales aparecen este título y una fecha que podría estar revelando el día de lanzamiento del disco, el próximo 1 de noviembre. No hay confirmación oficial del grupo, por lo que no se puede tomar como fecha definitiva.
En las postales, negras y con relieve, se puede leer ‘Songs Of A Lost World’ con las letras desperdigadas. En la parte de abajo aparece una fecha en números romanos: I-XI-MMXXIV (1/11/24). De ser esto cierto, el primer disco de estudio de The Cure en 16 años estará disponible en 7 semanas. La estética de la postal también cuadra con la nueva foto de perfil de la banda en redes sociales, así como con la renovada página web.
Por el momento, The Cure seguro que lanzarán ‘Novembre: Live in France 2022’ el próximo 1 de octubre, que incluye dos canciones nuevas de la banda grabadas en directo: ‘And Nothing Is Forever’ y ‘I Can Never Say Goodbye’. The Cure lleva tocando estos dos temas en directo desde octubre de 2022.
Kendrick Lamar será el encargado de actuar en el intermedio de la Super Bowl de este año, que se celebra en Nueva Orleans. La ciudad en la que nació Lil Wayne, una de las figuras más respetadas del género. Después de la retahíla de tweets de Nicki Minaj, Wayne ha subido un vídeo hoy a sus redes sociales en el que asegura que le «dolió mucho» no recibir ninguna llamada.
En el solemne vídeo, Wayne da las gracias a todas las «voces» que han compartido su opinión y, tras una pausa, admite que no le sentó nada bien la elección de Kendrick Lamar: «Dolió, dolió mucho». Este también cuenta que le «rompió»: «Estoy intentando recomponerme». El pasado diciembre, prometió que si conseguía el puesto no sacaría a nadie con él, ni siquiera un «grande del jazz de Nueva Orleans»: «Me lo he ganado yo».
Desde el anuncio de Lamar, múltiples raperos han compartido su preferencia por Lil Wayne. Sobre todo, Nicki Minaj: «Has negado a un joven hombre negro todo lo que ha puesto en el juego por ninguna razón aparte de tu ego», tuiteó dirigiéndose a Jay-Z, dueño de Roc Nation, compañía con la que la NFL lleva colaborando desde 2019. «¿Tu odio por Birdman, Drake y Nicki hizo que castigaras a Lil Wayne?», escribió en uno de los mensajes.
God forbid if Wayne was to leave this earth right now, the culture would be in mourning. That’s why so many ppl keep saying to give our legends their flowers while they are still around to smell them. Sitting around all day playing games with ppl life & legacy. God ain’t sleep.…
No sé quién está haciendo más amargo el final del verano, si los “haters” de todo lo que está tocando Katy Perry en esta era, de lo más estomagante ya; o aquellos que no paran de ver una conspiranoia orquestada en dichas críticas, como si lo que nos estuviera ofreciendo la artista fuera oro puro. No lo es.
La verdad suele estar en medio. Un punto medio a veces incómodo, a veces aburrido, a veces anodino, que parece no existir y sin embargo ahí está. El problema de hecho podría ser que Katy Perry tiene problemas para encontrarlo, para llegar al equilibrio perfecto en alguno de sus observados y sobreanalizados movimientos. En los VMA’s se pasó de rosca con exceso de ideas y numeracos. Y en este ‘I’m His, He’s Mine’, el tercer single ya de ‘143’, que sale la semana que viene, se queda mucho más corta.
La canción tiene dos aciertos: el sampleo de un temazo como ‘Gypsy Woman’ de Crystal Waters,y la incorporación de la rapera Doechii. La campaña comenzada con un tema llamado ‘Woman’s World’ continúa ahora regalando más contradicciones con una canción de total entrega de mujer a hombre y de hombre a mujer, con frases como “soy su reina, soy su freak, soy cada mujer que él quiere y necesita”.
Con la sensualidad de la canción original intacta y una cadencia encantadora, ‘I’m His, He’s Mine’ es entretenida y elegante, si bien agradecería algún exabrupto. Tras un single con potencial pero que habría agradecido algo más de desarrollo como ‘Lifetimes’, este nuevo single adolece de lo mismo. Puede resultar también plano y ser confundido con música de fondo.
Por el contrario, su concisión puede favorecer un disco que se presupone breve, directo y bailable. Después de todo este backlash, sorprendería entre cero y nada que un tema como ‘I’m His, He’s Mine’ encontrara en unos meses en TikTok, el hueco que le están negando las playlists de Spotify. Ahora Katy Perry aparece en New Music Friday por debajo de Miranda Lambert y FKA twigs.
El curso musical ha comenzado ya de manera muy clara y hoy 13 de septiembre llegan al mercado nuevos discos de Nilüfer Yanya (el Disco de la Semana), London Grammar, Porches (reseñado ya en portada), Nada Surf, Floating Points, TR/ST o el grupo revelación nacional Maestro Espada. También se editan nuevos trabajos de Tindersticks, julie, Dora Jar, Miranda Lambert o Suki Waterhouse.
La semana que viene se pone a la venta el nuevo disco de Katy Perry, del que la artista da conocer hoy el tercer adelanto, ‘I’m His, He’s Mine‘. Es uno de los singles destacados de una jornada que deja hasta cuatro grandes regresos: The Weeknd por un lado, y FKA twigs por otro, presentan nuevo disco; Nebulossa lanzan su primer single desde ‘Zorra’, que se ha hecho esperar casi un año; y Tate McRae -en la foto- propone su nuevo temazo pop. El remix de Charli y Troye también está disponible, con cameo de «Dua Lingo».
Por si fuera poco el día sigue con nuevos singles de Lola Indigo, León Benavente o una colaboración entre Arca y Tokischa. Están de estreno también Michael Kiwanuka y Franz Ferdinand, que acaban de anunciar nuevo disco, y también Four Tet y Ellie Goulding, que se han vuelto a unir en uno de los temazos de la semana. Han seguido avanzando sus próximos trabajos Christopher Owens (ex líder de Girls) y Soccer Mommy.
La cosa no acaba aquí: Rodrigo Cuevas presenta colaboración con el nido y, además y, de manera notable, hay nuevo single de Arde Bogotá, el primero en solitario tras el pelotazo de su disco y su intercambio de versiones con Bunbury. En el plano internacional recomendamos especialmente las nuevas propuestas de RÜFÜS DE SOL, Self Esteem o la revelación floweroflove.
Completamos la playlist «Ready for the Weekend» con novedades igualmente interesantes de FINNEAS, Califato 3/4, Half Waif, ORTIGA, Men I Trust, San Tosielo, M. Ward, Yarea, Foushée…
Ya queda menos para celebrar la 14 edición de Coca-Cola Music Experience (CCME), que tendrá lugar los próximos días 13 y 14 de septiembre en el recinto John Lennon, Madrid, Getafe. Tanto los horarios como la programación por días ya están disponibles. Los abonos generales y por días están agotados.
Algunos de los mejores artistas de la escena nacional e internacional llenarán de música el espacio rodeado de naturaleza en el que se celebra el festival. De esta manera, las dos jornadas estarán encabezadas por una serie de nombres con los que seguramente estéis familiarizadxs y que se encuentran divididos en tres franjas horarias.
Eso sí, no estarán divididos por géneros, haciendo gala de una diversidad que deja los prejuicios de otros tiempos atrás. En Coca-Cola Music Experience caben tótems de la música latina como Myke Towers, Manuel Turizo, Rauw Alejandro o Young Miko, bandas de rock como Arde Bogotá y Besmaya, e incluso el indie de Niña Polaca. Judeline pondrá sobre las tablas los ritmos R&B más innovadores.
Todo ello sin descuidar talentos que hemos conocido en televisión. Porque el cartel de CCME es generoso en gente que vimos por primera vez en Benidorm Fest, como Chanel o Almacor; y también en el último Operación Triunfo, que tanto éxito tuvo. Es el caso de Paul Thin, Violeta o Chiara.
Viernes 13 de septiembre
– De 15:30 a 18:00: podremos disfrutar de la energía de Besmaya, Polo Nández, Loco Escrito, Almacor y Soge Culebra.
– De 18:00 a 20:00: Iñigo Quintero, Denna, Chanel y Ruslana tomarán el escenario.
– De 20:00 a 00:00: ya para despedir el día, Arde Bogotá, Chiara, Manuel Turizo, Michenlo y Myke Towers continuarán la fiesta.
Sábado 14 de septiembre
– De 15:45 a 18:00: Azahriah, Niña Polaca, Violeta y Veintiuno darán mucha caña.
– De 18:00 a 20:00: Mar Lucas, Judeline, Vilu Gontero y Sky Rompiendo no bajarán el listón.
– De 20:00 a 00:00: Paul Thin, Young Miko, Dimitri Vegas, Isabel Aaiún (con Special Guest) y Rauw Alejandro despedirán CCME por todo lo alto.
Tony Aguilar presentará las dos jornadas de CCME ante las miles de personas presentes. Muchas de ellas, tras haber realizado un viaje desde distintas partes del mundo. Este no será en vano, ya que CCME, además de ofrecer un cartel de nivel, es toda una experiencia. Así, el recinto contará con diferentes puestos que servirán tanto para vivir un momento único como para descansar entre concierto y concierto.
Entre estos, la Fanta Snack League, el trampolín de CCME, el set de tattoo, hairdress & make up, Sprite Lime Light, atracciones como Crazy Vinyl y la noria, Coke Studio, CCME Wishlist, Photocall y la Fan Store para los mayores amantes de Coca-Cola.
Porches no está teniendo un «brat summer». A veces «oye voces». Cuando habla del verano en ‘Precious’, una de las mejores canciones de su nuevo disco, lo hace hablando de una «manzana amarga». Y en estos términos: “¿qué tal tu verano? yo he olvidado el mío, no fui nada por un momento”. Se sienta en el tejado de un edificio, mira el gran cielo… y no parece que ahí arriba esté pensando nada bueno.
‘Shirt’ es el sexto álbum del compositor estadounidense Aaron Maine, conocido sobre todo por discos como ‘Pool‘ (2016) y ‘The House‘ (2018) anclados en los sintetizadores dream pop. En ‘Shirt’ ahonda en sus raíces grunge. Letras nihilistas, punteos de guitarra y estallido de las mismas apuntan hacia ahí. A veces el plagio de Nirvana roza el pleito con Courtney y los demás, sobre todo en el single ‘Crying at the End’ y ‘Rag’. Esta última dice: «no sé dónde estoy. El mundo está jodidamente harto de nosotros».
En la mayoría de canciones, en cambio, sabe añadir pimienta y sal como para crear algo propio. ‘Crying at the End’, al menos, sorprende por su uso de Auto-Tune. Las cajas de ritmo, tan secas, hacen de ‘Return of the Goat’ un «opener» curioso. Pide permiso para entrar (esos «knock, knock» del estribillo) y de hecho termina bien dentro. También seduce el single ‘Joker’, un tanto popi y cantarín incluso en sus contradicciones, de «es un payaso» a «voy a besarle, voy a besarle, voy a besarle en la boca».
Frente a canciones más formulaicas como ‘Itch’ o la predecible ‘USA’, adivinad sobre qué, hay sorpresas suficientes como para enganchar. ‘Sally’ es la típica canción proto-grunge. Si Pearl Jam y Nirvana cantaron a personajes desarraigados como ‘Jeremy’ o ‘Polly’, aquí ‘Sally’ es una amiga que «está en el coche, en la cama, nunca lejos, en mi mente».
Los discos de los 90, en su crudeza, solían tener también baladas; en su consecuencia, son igual de relevantes en esta obra de neo-grunge. ‘Voices in My Head’ tiene la ocurrencia de añadir un banjo, lo que la acerca al country. Celebra lo mejor y lo peor de la vida: «¿eres famoso? ¿estás medicado? ¿eres una gran estrella? ¿estás tan infravalorado? Estamos solos». ‘School’ es la más bonita en su brevedad y optimismo fugaz: “Cualquier cosa puede pasar si quiero”. “Nunca moriré mientras estés en la escuela”.
Y ‘Music’ es la escogida para cerrar, a piano, con un texto que habla por sí solo
“toda mi vida, todo lo que he conocido, solo ha sido rock n roll
quizá no tenía que durar
creo que es momento de irme
rezo a Dios por que la música me lleve a casa”.
arrecí0, desde Sevilla, son una de las revelaciones que os hemos presentado últimamente. Practican un pop desprejuiciado, entre el punk y el Auto-Tune que, como mínimo, ya ha dejado un pequeño hit en el underground: el feminista ‘onvres’.
Desde este fin de semana están presentando sus divertidas canciones en un mini tour que les va a llevar el 13 de septiembre a Murcia (B Side), el 15 a Madrid (Siroco), el 20 a Sevilla (Sala X) y el 27 a Barcelona (Sala Vol). De momento, pasan por nuestra sección MEISTER OF THE WEEK, comisariada por Jägermusic, para hablarnos de su gran pasión oculta: el gazpacho.
¿Por qué habéis elegido hablar de gazpacho en esta sección?
Pues porque a pesar de llamarnos arrecí0 nos mola el verano, sobre todo por la gastronomía que nos trae, e intentamos alargarlo todo lo que podemos. Además esconde muchas curiosidades… La receta original no llevaba tomate ni pimiento y se le incorporó después de que trajésemos esos ingredientes maravillosos de América. Lo consumían sobre todo los campesinos andaluces porque era barato y le echaban lo que tenían a mano. Al ser una receta popular, hasta el siglo XIX no se recogió por escrito y por eso varía tanto.
Por otro lado, Clara (bajista) lleva mucho tiempo queriendo componer una canción sobre los desayunos andaluces y no la dejamos porque solemos ayunar… ¡¡así que aquí está nuestro pequeño homenaje a este delicioso plato!!
¿Podéis explicar, para quien esté muy perdide, cuál es la diferencia con el salmorejo.
En teoría, el salmorejo es más denso porque lleva más pan, se come con cuchara y le suelen echar huevo duro y jamón. El gazpacho se tiene que beber en vaso.
¿Por qué no habéis elegido hablar de salmorejo, que llena más y sirve como plato único por ejemplo de cena?
Aunque nos encante el salmorejo, el gazpacho es más sevillano, mucho más ligero, más fresquito, en definitiva, más arrecí0. Además puedes tomártelo a todas horas, desayuno y merienda incluida, y puede llegar a ser el mejor remedio contra la resaca. Son todo ventajas…
El gazpacho no está exento de polémica, como la música. New York Times la lio parda al postear una receta con cebolla y sin pelar el pepino. ¿Alguna opinión?
Para nosotras el gazpacho va más allá de lo material, es la ilusión y las ganas de querer hacerlo. Hay mil versiones y a cada uno le gusta la suya. La cosa es probarlo, si está rico y se siente gazpacho, nosotros, personalmente, lo aceptamos. No somos valencianos ni italianos con sus recetas intocables y nos posicionamos a favor de la libertad culinaria.
«No somos valencianos ni italianos con sus recetas intocables y nos posicionamos a favor de la libertad culinaria»
¿Cuál es la receta perfecta para cada uno?
Coincidimos solo en 2 ingredientes: Aceite de oliva virgen extra y tomate.
Guille (guitarrista) y Pablo (batería) comparten la receta de su bisabuela porque son primos: 1 bollo de Pan duro puesto en remojo para darle contundencia pero manteniéndolo ligero, nada de vinagre, un diente de ajo, un pimiento verde, un cazo de aceite de oliva, 1 kilo de tomate y agua. Receta básica pero que no decepciona.
La de Clara lleva pepino y pimiento verde, con vinagre y bien de ajo.
La de Marta (cantante) tomate, zanahoria (sustituyendo el pan), pimiento rojo, pimiento verde, pepino, aceite de oliva virgen extra y un poco de agua.
La de Pando (guitarra rítmica) es la más clásica: con ajo, pimiento, pan duro, agua, vinagre y pepino.
¿A qué edad se aprende a hacer y disfrutar este plato? No a todos los niños les gusta el ajo, por ejemplo.
Clara: Yo hasta hace un par de años no lo disfrutaba. Es curioso cómo los niños tienen algún tipo de interruptor que les hace odiar cosas sin haberlas probado, y a mí me pasaba con el tomate crudo y el reggaeton. Hay un antes y un después en la vida cuando abres la mente a probar cosas nuevas y ahora estoy en el otro extremo, me da FOMO no haberlo probado todo. Quizás se pueda ver reflejado en nuestra música.
«Los niños tienen algún tipo de interruptor que les hace odiar cosas sin haberlas probado, y a mí me pasaba con el tomate crudo y el reggaeton»
¿Por qué es la bebida que más os representa?
Arrecí0 somos una mezcla musical curiosa, cada miembro tiene gustos musicales súper diferentes. Pero compartimos un objetivo: hacer música divertida y fresquita. Es por eso que somos un poco como un gazpacho, una mezcla en la que a veces puede haber más ajo o más pepino pero que siempre va a ser refrescante y va a estar hecha con ilusión.
¿Con qué ingrediente del gazpacho os identificáis cada uno y por qué?
Marta: tomate, tiene Sol en Leo (complejo de protagonista).
Clara: pepino, suave como el agua pero no deja indiferente… Hay haters del pepino en el gazpacho.
Guille: ajo, no soy el tomate pero soy guitarrista y quiero llamar la atención.
Pando: pan blandito, le da consistencia al plato y nadie va a decir que le sobra.
Pablo: aceite, completamente indispensable para la banda aunque pueda pasar desapercibido de primeras.
Está la mítica escena de Almodóvar en ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’… ¿a quién le serviríais el gazpacho que aparece en la película?
Lo volcaríamos sobre la sección de comentarios de nuestro reel de hombres, que había mucha gente cabreada. A ver si el gazpacho les hace tener un sueño erótico y despiertan renovados como Rossy de Palma.
¿Cuáles son vuestras referencias favoritas al gazpacho en la cultura pop?
La primera que se nos viene a la mente es la de los Simpsons, cuando Lisa reivindica el vegetarianismo y aparece emocionada con un gazpacho entre las manos diciendo que en vez de comer carne probarán esa “sopa de tomate muy fresquita”, pero se ríen de ella. ¡Nosotras te entendemos!
Si el gazpacho fuera un disco, ¿cuál sería?
Pues se nos ocurre ‘Omega’ de Enrique Morente y Lagartija Nick. Una mezcla andaluza de música rock y flamenco, de letras de Lorca y de Cohen. En el momento que se publicó era algo fresquísimo y que exploraba la unión de lo moderno y la tradición, que citando al mismo Morente: no deben estar separadas para que se siga creando.
¿Y si fuera una canción vuestra?
‘Onvres’, porque ha gustado mucho pero a algunos se les repite.
El caso es que a Spears no le ha gustado mucho, como ha comentado en un vídeo online que no ha tardado en viralizarse. En concreto no lo ha entendido muy bien. Sus palabras han sido: «¿por qué se dio un beso extraterrestre sobre el escenario? La adoro. Me encanta. A muerte. Pero no entendí esa parte. ¿Por qué no besó más bien a una chica? No sé, fue raro».
Sabrina Carpenter besó a la extraterrestre -con ropa de mujer- durante la interpretación de ’Taste’, en la que se dirige a un chico que vuelve con su ex. Carpenter espera que la otra aún sienta que ella estuvo ahí. El beso se produce después de la frase “soy conocida por compartir”, en referencia a que sus novios y las ex son a veces famosas (Olivia Rodrigo). A continuación, empujó a la extraterrestre de su lado.
Britney ha tenido que estar dándole vueltas a esto, porque después ha seguido: «También creo que el todo (de la actuación) fue algo bastante raro. Pero después de darme un baño muy largo, he empezado a darle forma. Le estoy dando forma. Me gusta dar forma y trazar las cosas y volver sobre ellas. Esta chica Sabrina, dijo mi nombre en la alfombra roja y pensé que qué guay. Porque a veces se me olvida que soy famosa, porque soy madre, soy un poco mayor y eso, bla bla bla. Pero mola esta chica, Sabrina. Carpenter. Dijo algo de mí y pensé que qué guay».
The Weeknd ha estrenado al fin, cuando la medianoche ha llegado a Nueva York, su esperado nuevo single. El álbum que presenta el artista se llama ‘Hurry Up Tomorrow’ y cierra la trilogía abierta con ‘After Hours’ y ‘Dawn FM’.
Por tanto, era esperable que apostara por una estética ochentera y un sonido synth-pop. La misma que convirtió ‘Blinding Lights’ en la canción más exitosa de toda la historia de Spotify, por encima de los 4.000 millones de streams.
The Weeknd nos ofrece aquí una producción de neón, con unos sintetizadores cada vez más cerca del cielo, y por melodía más próxima a la canción italiana, como a su vez exhibió en ’Save Your Tears’. Como esta, es preciosa. En los créditos están solo, y aparte de él, Oscar Holter y Max Martin, quien no se caracteriza precisamente por romperse la cabeza. Ni por fallar comercialmente, tampoco. ‘Dancing in the Flames’ es nuestra Canción el Día hoy.
El vídeo se sumerge igualmente en una estética acorde con lo visto en las eras inmediatamente anteriores. Abel Tesfaye protagoniza un accidentado viaje en coche, mientras lucha por ir a casa. Según la letra, atraviesa una “odisea”. Uno podría desear que la música fuera más “indescriptible”, como proclama el estribillo. ¿Este es el tema que merecía exactamente quinientos sesenta y ocho teasers durante todo el verano?
Por otro lado, hay que recordar que el día que salió ‘Blinding Lights’ muchos pensaron que era un anuncio de Mercedes. Y ahora, mira. Una pista de lo que va a pasar: ‘Dancing in the Flames’ encabeza ya esa máquina de hacer dinero llamada Today’s Top Hits.
Que los premios MTV no son lo que eran es la misma aburrida cantinela que se viene repitiendo casi todo el siglo. Para colmo, por si la decadencia de la televisión no era suficiente, llegó la decadencia de Youtube. Ahora que el visor de Google tampoco es lo que era a causa de TikTok; ahora, insisto, suben las actuaciones en alta de manera inmediata.
Y aun así, las cifras de los shows que estamos viendo el día después se quedan muy cortas. Cualquier vídeo de Eurovisión, qué digo, del Benidorm Fest, te hace más audiencia en Youtube en pocas horas. No se puede decir que los artistas no lo intenten. Que se lo pregunten a Katy Perry. Su pedazo de medley de 9 minutos ha tardado hasta 14 horas en acumular 1 millón de visitas. Convenció solo a medias.
Receptora de un Video Vanguard Award y de un premio a la actuación más icónica de la historia por ‘Roar’ que no merecía en absoluto, intentó demasiado en poco tiempo. Pitchfork la sitúa como lo peor de la noche. Ya será menos, compañeros: ya solo el inicio volador con ‘Dark Horse’ y ‘ET’ fue asombroso, de cortar el hipo. Su dúo con Doechii promete. El problema vino después.
Las canciones luminosas de su era más exitosa no encajaban con el resto. ‘California Gurls’ sonó estupenda recargada de French Touch y cierto recuerdo a Stardust. Pero ‘Teenage Dream’, ‘I Kissed a Girl’ e incluso ‘Firework’ quedaron planas. Y si su idea era relanzar ‘Lifetimes’ como colofón final, no funcionó para nada ni para quienes la defendimos. Sonó demasiado recortada.
La noche en verdad había empezado bien con Eminem: la recreación de su actuación del año 2000, las pelucas rubio platino, Post Malone bebiendo, el público LIVING, Taylor Swift incluida… Si es que ‘Houdini’ es un hit, digan lo que digan, y eso no es nada fácil de conseguir después de los 50. Pero la cosa empeoró cuando Eminem quiso meter la balada con la que pide perdón a sus hijos, ‘Somebody Save Me’. Muy buenas intenciones, pero una actuación no pegaba con la otra ni con Super Glue 3.
Y la noche se cerraba también con hip hop, con un medley de LL Cool J celebrando el 40º aniversario de Def Jam. Era una manera muy justa de situar lo que han significado 40 años de MTV también, pues el rap ha sido el pop de todos estos años. Eso sí, el momento rapero megavestido vs bailarinas megadesnudas, evidentemente ya no es un reflejo de la sociedad, por suerte. Los bailarines de Megan Thee Stallion eran más inclusives. Una pena que su repertorio se perdiera un poco en canciones que están siendo tan “miss” como “hiss”. ¿Soy yo o el rap está definitivamente en crisis?
Si se trataba de rememorar viejos tiempos con gracia, Halsey estuvo más acertadilla con su homenaje al grunge de los 90, tan pertinente a través del éxito de Olivia Rodrigo. Apareciendo en bici en el garaje de una casita rindió tributo a los tiempos en que los grupos se fraguaban ahí mismo. Teñida de rojo, era la mismísima Dolores O’Riordan actuando con el mismo corte en la gala de Pavarotti & Friends. Solo que su micrófono le dio problemas. Por eso suponemos que ha sido la última en subirse a Youtube.
Otro que apostó por un tema nuevo fue Shawn Mendes, por tanto pasando algo desapercibido entre tanta parafernalia, por mucho humo y montaje que tratara de meter. Algo que no le pasó a Camila Cabello, que contó con momentos visuales muy potentes, llenos de mensaje, inconformismo y violencia contenida. Contenida al principio, porque acabó rompiendo un portátil como quien antes rompía una guitarra.
Igual de efectista a su manera, GloRilla hizo arder el escenario, un juego que nunca falla, apostando exactamente por sus 2 canciones más populares en este momento: ‘Yeah Glo!’ y ’TGIF’. Fue de las pocas de toda la noche que tuvo semejante hallazgo.
Y es que muchas veces quienes actúan en este tipo de ceremonias se pierden en featurings innecesarios, medleys innecesarios y atrezo innecesario. Y para muestra, Lenny Kravitz. Cuando todo iba súper bien con ‘Are You Gonna Go My Way’ y más o menos bien con ‘Human’ (un tema de este año), decidió introducir a Quavo a un infierno de Auto-Tune pegado. ¿Pero por y para qué? Claro, en Estados Unidos nadie vio Eurovisión 2019.
Quien tampoco debe de ver Eurovisión es Benson Boone. De lo contrario, jamás se habría vestido de ABBA 1974 para interpretar una de sus conocidas pseudobaladas. ¿Y esas piruetas también le pegaban? Le salieron bien, enhorabuena, felicidades, pero no le perdonamos el susto, porque por dos veces le vimos en ER.
Más suelta en el twerking pero mucho menos en la voz, Anitta convenció con una escenografía en rojo y un montón de actitud, como en la parte de funk brasileño para la que la habían llamado. Y no solo subió a Fat Joe y DJ Khaled, sino al argentino Tiago PZK que, como ella -playback aparte-, salvó los muebles con casi tanta gracia. Hicieron buena pareja. Veremos qué tal con The Weeknd.
Siguiendo con Latinoamérica, Rauw Alejandro hizo un show elegantote tipo gangster, precedido de una parte pregrabada cinematográfica en clave de humor. Su reivindicación de bomba y plena fue preciosa, él estaba precioso y cada vez baila mejor. ¿Por qué no se está hablando nada de la actuación de Rauw Alejandro? ¿Acaso porque mejor no preguntar por qué no acudió Rosalía a interpretar el hit ‘New Woman’ junto a Lisa? Esta sirvió sola la parte más comercial de este tema, no fuera a ser que alguien cambiara de canal, y finalmente en ‘Rockstar’… pues resultó algo más horterilla. No se hace una canción moderna, para recular luego.
Entre lo mejor de la noche, Chappell Roan. En lugar de meter sus 7 hits actuales en 4 minutos interpretó, centradísima, solo el último y mayor de todos ellos. Y ‘Good Luck, Babe!’ ganó con su performance guerrera, bien coreografiada y lustrosa. Falló la toma vocal, inaudible por momentos, como si se estuviera reservando para el grito final.
También, Sabrina Carpenter. Dentro y fuera del escenario. Dentro, ofreció un medley de los 3 singles que han presentado ‘Short’N’Sweet’ con la misma estética más o menos, lo que ayudó a 2 cosas: a mimetizarse con la imagen astronauta de los propios VMA’s, y a unificar el sonido de su disco, tan variado. Y fuera, porque sus caras y bailes viendo a otros artistas, especialmente devorando a Rauw Alejandro, fueron un poema.
Con sus pros y sus contras, los VMA’s fueron entretenidos. Por ejemplo, arreglándoselas para evitar pausas en ocasiones entre actuación y actuación, como de Rauw Alejandro a Halsey. Es sólo que después de 40 años de historia, de fuegos artificiales, de saltos por los aires, hogueras y beefs, ha llegado un punto en que nada nos puede impresionar.
Por eso creo que mi actuación favorita de la noche fue la de Karol G. Ella salió allí, y sencillamente hizo su hit actual, desmelenado, entre el público y los chiringuitos, y además en directo. La toma vocal era tan buena que parecía playback pero no: faltaron demasiados trozos de la canción, habría sido disimular demasiado bien. ¿Y no es ese momento en que hace bailar latino a Taylor Swift el más memorable de la gala?
La última crisis de Hinds ha sido mucho peor que su cambio de nombre de hace una década: el grupo ha perdido a la mitad de sus integrantes, pasando a ser un dúo, y ha cambiado de management. Este año, en un concierto, han llegado a anunciar que están “arruinadas” (indicando que siguen siendo “millonarias en la amistad”). En las entrevistas, Carlota Cossials y Ana Perrote hablan de cambios internos y externos y de haberse topado con mil y un obstáculos por el camino. Ahora dicen estar “en el otro lado”, contentas con haber seguido, es decir, con no haberse separado, y felices de haber grabado un nuevo disco, ‘Viva Hinds’, que acaba de salir a la calle.
Dicho de otra manera, Hinds podría haber dejado de existir, y hay que celebrar, por un lado, que sigan entre nosotros y, por otro, que su nuevo disco está muy bien. En ‘Viva Hinds’ el dúo radicado en Madrid logra extender la frescura de sus inicios hasta su cuarto álbum, entrega un puñado de muy buenas canciones y suena mejor que nunca bajo la producción de un Pete Robertson que, tras haber trabajado con beabadoobee o los Vaccines, sabe sacar brillo a sus historias de desamores y palos vitales varios.
La tesis de ‘Viva Hinds’ parece ser la de reunir en un mismo disco diferentes sonidos de la historia del indie. Aún las guitarras -y las canciones- pueden llevar al garage de sus inicios, como ‘Coffee’, un “sincericidio” con olor a café y cigarrillos; o al Nueva York de sus colegas, los Strokes: a ellos suenan en ‘Boom Boom Back’ a pesar de ser Beck el artista invitado. Beck, icono, toca la guitarra y hace coros, como un músico de sesión más, en esta maja canción que nos invita a bailar con el “corazón roto”.
En otros casos las guitarras y melodías se suavizan empapándose de jangle-pop e indie-pop, en canciones que hacen buen uso de sus influencias como ‘The Bad, the Room, the Rain and You’, una composición tan enamorada que es casi dream-pop, como si se cayera presa de un sueño; o ese retrato de la disociación que es ‘Stranger’ junto a Grian Chatten. “Solo quiero escuchar ruido blanco en mi cabeza” es una letra que el líder de Fontaines D.C. podría haber escrito.
Entre las novedades significativas en el repertorio de Hinds que introduce ‘Viva Hinds’ cabe mencionar un par. En primer lugar, una letra escrita completamente en español en ‘En forma’ que, sobre un ritmo trotón, lo mismo habla de tener la casa hecha un cromo que reflexiona sobre la maldad humana. Una canción divertida pero -opino- no mejor single que ‘Mala Vista’ a pesar de que esta no ha sido elegida para desempeñar tal función. Se trata de una de las canciones más pop de Hinds y también una de las más agridulces: la letra se dedica a una persona que les ha hecho sufrir, a la que llaman “rata criminal”, pero la música, con su simpático piano, suena feliz.
‘Viva Hinds’ además es un disco bien cerrado; literalmente empieza con un saludo y acaba con una despedida. ‘Hi, How Are You’ abre con guitarras crujientes vistiendo de punk garajero su homenaje declarado a Daniel Johnston. ‘Bon Voyage’, el corte final, recupera las guitarras del inicio pero las pone al servicio de una canción mucho más sosegada. En la pieza, dos personas se “hunden” en el mar pero lo hacen juntas, entonando una bonita melodía. Como el título de ‘Viva Hinds’, que parece un homenaje a las Hinds actuales, pero también un recuerdo de su legado, de lo lejos que han llegado a pesar de, bueno, todo; el álbum sabe a despedida pero también y, sobre todo, a comienzo.
Dua Lipa volverá a España en 2025, un año después de ofrecer una de las actuaciones destacadas de la última edición de Mad Cool. Precisamente Madrid volverá a acoger la llegada de la gira de ‘Radical Optimism‘ a España y lo hará por partida doble, con dos conciertos programados los días 11 y 12 de mayo de 2025, en el WiZink Center.
Las entradas se ponen a la venta el 20 de septiembre a partir de las 12 horas en los puntos de venta habituales; una preventa se habilitará el 19 de septiembre a las 12 horas.
La extensa gira de Dua Lipa de 2025 abarcará prácticamente todo el año: empezará en Melbourne el 20 de marzo y acabará en Seattle el 16 de octubre. Además de España, Dua Lipa recorrerá Europa con visitas a Francia, Italia, Alemania, Bélgica, República Checa, etc. Próximamente se anunciarán fechas adicionales.
Dua Lipa es noticia hoy por participar en el remix de ‘Talk Talk’ de Charli xcx, que cuenta con Troye Sivan como vocalista invitado. Dua se limita a recitar unas frases en español y francés, en este nuevo remix salido de la bratosfera.
Fontaines D.C. se han podido cansar de comparaciones con Oasis, sobre todo en algunos puntos de su carrera, por el modo de sostener ciertas notas -tan Liam Gallagher- de Grian Chatten. En una entrevista con Studio Brussel, dos de sus miembros han dicho que pasan de su reunión, cuando les han preguntado por ella.
«No me importa una mierda, a decir verdad», ha dicho Carlos O’Connell. Y Conor Deegan III ha añadido: «No estoy emocionado tampoco. Creo que nos hemos quedado atrapados en la última era, como en los 2010 y que ese punto nostálgico nos hace olvidar hacer cosas nuevas».
Ha continuado, refiriéndose seguramente a la producción alternativa dada a temas como ‘Motorcycle Boy’: «Lo que queremos hacer con nuestro disco ‘Romance’ es mirar el futuro y hacer cosas nuevas. Así que, que se reúnan Oasis en este momento para nosotros es un incordio».
Oasis no han tardado en responder. Bueno, Liam Gallagher no ha tardado en responder. La noticia ha sido replicada por el NME y alguien se lo ha indicado a Liam en redes.
Su respuesta ha sido: «Que os follen, pequeños «spunkbubbles» (traducción, aquí). He visto ROADIES mejor vestidos». Cuando alguien le ha indicado que Fontaines D.C. están muy bien, la respuesta de Liam ha sido: «pues parecen un puto EMF«.
En un comentario del Instagram del NME, Grian Chatten ha querido desmarcarse de la polémica: «Esto no refleja mi opinión. Me encantan Oasis». Solo queda, pues, Noel Gallagher por pronunciarse.
La estadounidense Cyn, a la que hace años conocimos como discípula de Katy Perry y fan del sonido Detroit, ha publicado ya la cara A de su nuevo disco, el primero o el segundo, según consideres ‘Mood Swing’. Aquel lanzamiento tuvo 7 canciones, destacando el éxito de la balada ‘I’ll Still Have Me’.
El nuevo largo ‘Valley Girl’ viene presentado por una primera parte llamada ‘Lost on Laurel’, compuesta de 6 canciones (la cara A), que se completará el próximo 15 de noviembre. Esta semana os presentábamos en Ready for the Weekend una composición llamada ‘Lemon’, muy pegadiza. Pero comenzando por el principio, seleccionamos ‘I Don’t Care’ como Canción del Día.
Amparada en un riff de guitarra un tanto Smashing Pumpkins circa ’1979’ (la canción, no el año, claro), ‘I Don’t Care’ puede gustar mucho a los seguidores actuales de Olivia Rodrigo. A medio camino entre el grunge y el pop total, presenta también un divertido vídeo en un supermercado. Y ese carro lleno de naranjas solo puede remitir a los No Doubt de ’Tragic Kingdom’.
Desde su título ‘I Don’t Care’, pero también desde su melodía, el tema es todo un himno de liberación, y además uno entonado con cierto humor. Atención a rimas como “you can’t force me, darth vadar / dropped ya like a hot potato“, seguidas de frases tan cororeables como “NO TE ODIO”.
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