Esta semana y por primera vez en 3 años, ‘El mal querer’ de Rosalía no aparece en el top 100 de discos más populares en nuestro país, que desde hace un tiempo aúna discos más vendidos y escuchados en las plataformas. La semana pasada el álbum -en su momento top 1 durante varias semanas y triple platino- subía del puesto 77 al 69, y es difícil imaginar que con todo el hype montado en torno a ‘La fama’, se haya detenido en seco la venta de copias y el streaming de sus canciones tras 3 años de longevidad y estabilidad. En realidad, lo que ha sucedido es que Promusicae ha eliminado el álbum del top 100 al superarse el máximo permitido: 3 años exactos, 157 semanas.
La misma norma o similar pareció afectar la trayectoria de ‘Prometo’ de Pablo Alborán a finales de 2020 cuando llevaba 151 semanas en lista y a ‘Mismo sitio, distinto lugar’ de Vetusta Morla cuando se acercaba a esa cifra. En otros tiempos, el máximo establecido eran 2 años de permanencia, unas 104 semanas, por lo que se ha ampliado margen. Con esta norma, Promusicae trata de impedir que las listas españolas se conviertan en el circo de series medias y discos de catálogo en que se han convertido las anglosajonas desde que cuenta el streaming. No hay semana en que los mismos discos de Fleetwood Mac, Queen y Adele no ocupen lugar.
La buena noticia para Rosalía es que, aunque nunca sabremos cuánto habría resistido ‘El mal querer’ de manera orgánica en el top 100 nacional, ‘La fama’ irrumpirá la semana que viene en el puesto 1 de singles. El dúo con The Weeknd es puesto 1 en Spotify España desde su lanzamiento, por lo que se prevé que desplazará otra bachata, ‘Ateo’ de C. Tangana con Nathy Peluso, al puesto 2.
‘El mal querer’, ¿mejor disco español de todos los tiempos?
ABBA solo habían sido número 1 en España con su recopilatorio ‘Gold’, y eso no ha cambiado con su primer disco en 40 años, pues ‘Voyage’ ha de conformarse con el puesto 2 en nuestro país, contenido por lo nuevo de Melendi, un disco que se llama ‘Likes y cicatrices’.
Este número 2 para ‘Voyage’ iguala el dato logrado por el disco en castellano de ABBA en 1980, ‘Gracias por la música’, y podemos decir que es el mejor dato para un disco de estudio de ABBA en nuestro país, superando el puesto 3 conseguido por ‘Voulez-vous‘.
‘Voyage’ de ABBA, que también es top 2 en vinilos en España contenido -ahora sí- por ‘Hogar’ de Izal, ha obtenido cifras absolutamente espectaculares en Reino Unido, siendo número 1 con más de 200.000 unidades vendidas en una sola semana, y además el álbum también ha sido top 1 en Suecia, Australia, Holanda, Francia, Alemania… En Estados Unidos ha tenido que conformarse con el puesto 2.
Volviendo a Melendi, el cantante es, como todos sabemos, todo un superventas en nuestro país. Este es su 7º número 1 en España tras ‘Que el cielo espere sentao’ (2006), ‘Curiosa la cara de tu padre’ (2008), ‘Un alumno más’ (2014), ‘Quítate las gafas’ (2016), ‘Ahora’ (2018) y ’10:20:40′ (2019). El resto, excepto su debut, fueron top 2.
Otras entradas en el top 10 esta semana en España son las del dúo Arnau Griso con ‘Eric Blanch’ en el número 5, Eva B con ‘Cero’ en el número 8 y Joan Dausà con ‘Ho tenim tot’ en el número 10.
Destacamos la llegada de Radiohead al número 24 con la reedición ‘Kid A Mnesia’, de Black Keys con ‘El Camino’ al puesto 63, y de Parcels con ‘Day/Night’ -nuestro Disco de la Semana hace unos días- al número 77. Estos 3 lanzamientos aparecen en la lista de lo más vendido en formato vinilo en los puestos 5, 6 y 28, respectivamente. El álbum de Parcels ha llegado al puesto 19 en Alemania y al puesto 30 en Australia, por lo que parece que se van abriendo camino de manera internacional.
El resto de entradas las protagonizan Bushido con ‘Bushido’ (21), Saratoga con ‘XXX’ (36), Dalex con ‘Unisex’ (67), Jethro Tull con ‘Benefic’ (68), James Arthur con ‘It’all Make Sense in the End’ (84) y La Fúmiga con ‘Fotosíntesi’ (98).
‘Ateo‘ de C. Tangana y Nathy Peluso continúa una semana más en el número 1 de la lista de singles española. El martes que viene bajará una o más posiciones debido a la llegada de ‘LA FAMA’ de Rosalía con The Weeknd, que ya le lleva más de 200.000 escuchas diarias de delantera en Spotify y debutará en el número 1 de la lista salvo sorpresa de última hora. Una bachata por otra.
Una de esas sorpresas puede venir de la mano del tema de Bizarrap con Anuel AA, la «sesión número 46», que protagoniza uno de esos subidones espectaculares que se ven de vez en cuando en la lista. Es la subida más fuerte de la semana, como dirían Los 40 Principales. El tema escala un total de 70 posiciones hasta plantarse en el número 3, haciendo peligrar el número 1 de ‘Ateo’ o el número 2 de ‘Mon amour’ de zzoilo con Aitana, que se mantiene en dicha posición… aunque el número 1 de ‘LA FAMA’ parece seguro a día de hoy.
Solo dos canciones entran esta semana en la lista. La primera de ellas aparece en el número 77 y es un remix de ‘Ella’ de Boza con Lunay, Lenny Tavarez, Juhn y Beéle que suma dos minutos a la grabación original. En su momento nos preguntamos si Boza sería capaz de triunfar de nuevo al margen de sus polémicas homófobas y el éxito de ‘Ella (Remix)’ parece dar una respuesta: el cantante panameño ha conseguido relanzar un single que salió hace ya medio año.
La segunda y última entrada en lista la firman Omar Montes y Duki con el engendro flamenco-tón de ‘Carita morena’, que entra en el 87. El cantante y celebrity televisivo acaba de protagonizar una polémica con Vertele tras negarse a contestar una pregunta relacionada con su paso por ‘Gran hermano’ -donde recibió una sanción por incitar a un compañero de programa a que abusara sexualmente de una concursante- y abandonar la entrevista abruptamente, pero parece que Omar Montes, que aparece hasta en dos singles dentro del 50 de Spotify España, puede con cualquier polémica.
Yarea firma una de las canciones que han aparecido recientemente en la última edición de nuestra «playlist» Sesión de control. ‘Espiral’ es el primer adelanto de su debut oficial, ‘Lombardía 22’, que saldrá en marzo del año que viene como la propia artista nos cuenta hoy.
La cantante bilbaína afincada en Madrid se dio a conocer con una serie de bonitos singles de pop inspirados en los delicados ritmos del lo-fi hip-hop, como ‘Volver‘, en los que destacaba su cálida e íntima voz. ‘Espiral’ se aleja de ese sonido para buscar otro más «de autor»: esta vez la protagonista es una guitarra que sugiere una canción acústica… hasta que en el estribillo entran una serie de ricas percusiones que animan la melodía.
El paso del tiempo ha solido ser una preocupación en el cancionero de Yarea, y ‘Espiral’ habla sobre la dificultad que supone encontrarse a medio camino entre la adolescencia y la vida adulta. Sí, la década de los 20 es una auténtica montaña de rusa de emociones. ‘Espiral’ es hoy la Canción Del Día y la también actriz nos cuenta brevemente sobre ella.
¿En qué momento concibes ‘Espiral’?
Concibo ‘Espiral’ en un momento de cambio tanto personal como profesional. Es el comienzo de lo que será mi primer disco así qué, después de varios singles, de probar varios estilos y de mi primer EP, tengo claro lo que quiero hacer, lo que quiero contar. ‘Espiral’ es el principio de todo eso.
¿Qué significa para ti la canción?
Me siento en un momento extraño, en la puerta entre la vida adulta y la adolescencia y he de decir que nunca me he sentido tan inestable. Toda la vida me ha encantado el concepto de la «espiral», del tiempo circular, de dar un largo camino para volver al principio. Y de aquí nace esta canción, de verme a mi misma en un lugar diferente y reprochar a esa persona que se quedó encerrada en el bucle de lo anterior. Confesando finalmente que yo también echo de menos ese bucle.
El tema tiene un sonido bastante orgánico, ¿qué lo ha inspirado?
Soy fan de mezclar sonidos orgánicos con puntos más modernos. Toda la música que escucho y que sigo desde que soy pequeña es música con sonidos muy orgánicos por lo que no quiero abandonar esa esencia. Pero sí es cierto que me encanta probar cosas nuevas y encontrar ese equilibrio entre un sonido más natural y sencillo con todas las cosas nuevas que voy descubriendo.
¿Qué puedes compartir sobre tu disco?
‘Espiral’ es efectivamente el primer single de lo que será mi primer disco, ‘Lombardía 22’. La verdad que me muero de ganas y de miedo de lanzar este proyecto, estoy poniendo toda mi vida en él y espero que el público lo sienta tanto como yo. El disco verá la luz en marzo y hasta ese momento iré sacando unos cuantos adelantos del disco.
Björk siempre ha destacado su labor de compositora y arreglista, especialmente en la última etapa de su carrera, a tal punto que tiene sus propias partituras publicadas. No es ningún secreto cuánto le gusta cantar acompañada por una buena orquesta, e incluso ha publicado una versión de ‘Vulnicura‘ compuesta solo de voz y cuerdas. En aquel disco las cuerdas eran especialmente importantes ya que Björk lo escribió durante su divorcio de Matthew Barney y llegó a declarar que su manera de lidiar con tan traumática experiencia fue convertirse en «una empollona de los violines» y componer canciones para «conjuntos de 15 cuerdas».
¿Cuán lejos podía llevar Björk su fascinación con las orquestas? Su serie de conciertos ‘Orkestral’ da una respuesta aproximada. Entre los meses de octubre y noviembre, la autora de ‘Homogenic‘ ha ofrecido una serie de conciertos en el recinto Harpa de Reykjavík que se han transmitido por streaming previo pago, y con los que ha querido celebrar la salida del confinamiento, pero también homenajear a las personas más afectadas por el coronavirus, el movimiento Black Lives Matter y los músicos islandeses con los que ha trabajado a lo largo de su carrera. El último de los cuatro recitales ha tenido lugar esta misma noche sin que, en ningún momento, se haya entrado en materia política de ningún tipo. Björk, su orquesta y sus canciones han sido los absolutos protagonistas de la velada.
En cada uno de los conciertos de ‘Orkestral’, Björk ha interpretado un setlist diferente centrado en una franja de discos concreta de su discografía, acompañada en cada caso por una orquesta distinta elegida para la ocasión, como la orquesta de flautas Viibra o el coro Hamrahlið Choir, el cual incluye a un organista; y el setlist de cada uno de los recitales se ha conocido de antemano debido a que, en los días y horas previos a cada concierto, la cantante islandesa ha ido publicando interesantes explicaciones de cada canción en sus redes sociales. Con dichos textos explicativos, Björk parece haber querido acercar a su público a su trabajo como compositora de arreglos, pues en algunos textos parece estar hablando de música clásica, como en el de ‘Hidden Place’, cuya base musical se compone de una «espesa corriente» porque representa el amor secreto que siente hacia una persona, un amor que se encuentra «reprimido bajo la tierra».
En el concierto de esta noche, Björk ha tocado canciones de ‘Debut’, ‘Homogenic’ y, sobre todo, ‘Vulnicura’ acompañada por la Orquesta Sinfónica de Islandia. Cualquiera que haya asistido al recital vía streaming habrá podido leer los créditos de cada canción antes de cada actuación, y también al final, signo de la suma importancia que la islandesa otorga a los arreglos y a la autoría de los mismos, la cual varía (los de ‘Jóga’ están compuestos por ella misma, no así los de ‘Come to Me’, y algunos arreglos de ‘Vulnicura’ están compartidos con Arca). La serie de conciertos ‘Orkestral’ parece servir como último coletazo «orquestal» de Björk antes de que la artista se vuelva a encerrar en el estudio en algún momento de los próximos meses para terminar el disco de «clubbing en el salón» que se encuentra preparando, aunque antes le esperan los últimos conciertos de su residencia ‘Cornucopia’ que, como los orquestales, se hubieron de posponer por las razones que todos conocemos.
Especialmente las canciones de ‘Vulnicura’ se han crecido en el contexto de una gira orquestal para sorpresa de absolutamente nadie. Durante el concierto de esta noche, la artista ha conseguido mantener a la audiencia pegada al asiento para escuchar cada una de las palabras que han salido de su boca durante su interpretación de ‘Black Lake‘, la «odisea» de ‘Vulnicura’; y también ha logrado que una canción como ‘Mouth Mantra’ que habla sobre un tema tan poco interesante en principio como sus nódulos vocales suene intrigante y cinematográfica gracias a sus arreglos. Björk ha danzado con las cuerdas como si de música tecno se tratase… lo cual ha quedado definitivamente plasmado en el arreglo orquestal de ‘Pluto’, que ha reproducido los riffs de sintetizador y el beat de techno de la grabación original de manera muy convincente, chillido final incluido por parte de la islandesa. Los arreglos tipo baile imperial de ‘Notget’ no ha funcionado como bis pero las interpretaciones orquestales de ‘Lionsong’, ‘History of Touches’ y ‘Quicksand’ han llevado a cuestionar por qué unas canciones tan sumamente melódicas reciben tantas críticas por supuestamente ser lo contrario.
Evidentemente los clásicos de Björk han sonado especialmente agradecidos en el recital, que ha empezado fuerte con ‘Jóga’, ha seguido con ‘Come to Me’ y ha incluido también ‘5 Years’, que ya era una de las mejores composiciones orquestales de la artista. Björk se encuentra en muy buena forma vocal y sus interpretaciones de estas canciones viejas han sido más que satisfactorias. No parecía que fuera a ser el caso debido a algunos comentarios dejados en los foros acerca de los conciertos anteriores de la gira, y que aludían a una voz machacada que ya no llega a las notas altas. Sin embargo, en el recital de esta noche, la artista ha alternado entre su registro frágil tipo copo de nieve y su registro agresivo tipo animal salvaje bajo sin especial problema y bajo un control total de su voz, y ha cruzado ambos umbrales vocales sin saltarse las notas más difíciles. No, su voz ya no es la misma que hace 30 años, pero sigue siendo capaz de expresar sentimientos muy extremos, y el repertorio de este último concierto le ha beneficiado en este sentido.
Hits Aunque no se suele hacer tanta sangre de los fracasos de los artistas masculinos como de los femeninos, ‘Everyday Life’ (2019) fue un jarro de agua fría para Coldplay: el mayor fracaso comercial de su carrera, y eso que el álbum era bueno. Un disco de platino en Francia y uno de oro en Reino Unido, Italia y Holanda fueron los únicos méritos de aquel álbum cuyas cifras palidecían en comparación a las siempre millonarias de Coldplay hasta aquel momento. Lo que despachó ‘Everyday Life’ eran migajas para ellos.
Con ‘Music Of The Spheres‘, han logrado revertir esa tendencia. Estados Unidos se les ha atragantado, pero en general sus cifras son más que saludables. Mediatraffic estima que esta semana rebasarán el medio millón de copias vendidas, nada mal para un álbum de 2021, y el disco continúa fuerte en algunas listas internacionales.
Tras haber sido número 1 en Reino Unido, Francia, Holanda y España, el disco continúa en el top 10 de las islas británicas y de nuestro país, es decir, no ha habido desplome. El álbum sí ha caído al puesto 53 en Estados Unidos, pero ya sabemos que el Billboard 200 es para darle de comer aparte y es muy difícil para una banda del origen, el estilo y la edad de Coldplay sobrevivir ahí más de un par de semanas rodeados de raperos y «series medias». Con lo que se van a mantener esta Navidad en Europa, esta vez pueden darse con un canto en los dientes, tras haber visto muy seriamente las orejas al lobo.
Por supuesto, en este éxito tiene mucho que ver el hecho de haber realizado una colaboración con BTS llamada ‘My Universe’ que suma ya más de 200 millones de streamings a nivel mundial y continúa en el top 15 del global de singles de Spotify -un milagro para Coldplay-; pero también hay que hablar de la aceptación que tuvo ‘Higher Power’ (125 millones de streamings) o de la que está teniendo ‘Let Somebody Go’ con Selena Gomez. Los featurings con gente joven han salido muy bien por tanto al grupo de Chris Martin: a nadie parece importarle que este sea, por mucho, su disco peor valorado en Metacritic.
Flops El éxito de streaming de la balada ‘Memories’, publicada en 2019; y en menor medida de ‘Beautiful Mistakes’ con Megan Thee Stallion, ha maquillado durante un tiempo el alcance de ‘Jordi‘, el último disco de Maroon 5. Pero indudablemente estamos ante el álbum de menor impacto comercial de toda la carrera de la banda de Adam Levine: basta echar un ojo por encima a su discografía en la Wikipedia.
Especialmente dolorosas han sido sus cifras en Europa: top 19 en Reino Unido, top 25 en Francia, top 39 en Alemania, top 11 en España… seguido de los sucesivos desplomes, todo ello impropio de una banda que no hace tanto veíamos llenar estadios a este lado del Atlántico. En Estados Unidos, y pese a que el Billboard 200 premia el streaming de los singles, ‘Jordi’ ha sido sólo número 8 y ha durado 20 semanas en la tabla, mientras el anterior disco -‘Red Pill Blues’- fue top 2 y duró 110 semanas en la lista. El declive es muy acusado.
Maroon 5 parecen haber confiado demasiado en la estrategia de realizar su single principal con la rapera de moda. No me atrevería a tildar de fracaso una canción que lleva 330 millones de streamings, pero esta vez toda esa gente que disfrutó de ‘Beautiful Mistakes’ en una playlist no se sintió tan atraída hacia el resto del álbum.
Están pasando los meses y esta vez parece no haber salvavidas para Maroon 5 como en otros momentos lo fueron terceros y quintos singles como ‘Sugar’ y ‘Girls Like You’. Parece que la próxima reinvención de Maroon 5 no debería incluir ningún featuring.
Nilüfer Yanya es una de las artistas que presentan novedades musicales en estos últimos días del año, como probablemente ya sabrás si has escuchado la playlist «Ready for the Weekend». La cantautora británica ha anunciado que su nuevo disco ‘Painless’ sale el 4 de marzo vía ATO y ha compartido un primer adelanto que continúa por la senda de las guitarras eléctricas.
‘Stabilise’ es una de las canciones más uptempo de la carrera de Nilüfer Yanya. Tanto es así que su animada base rítmica y el punteo de sus guitarras recuerdan ligeramente a la obra de Bloc Party o, en general, al indie-rock y dance-rock facturados allá por 2005, aunque la perspectiva aplicada a ‘Stabilise’ es más apesadumbrada y autoral, menos «de banda». La producción de Wilma Archer infiere una gran calidez y proximidad a las guitarras y a la voz de Nilüfer, quien ofrece otro de sus estribillos melódicamente extraños pero adictivos, como los de ‘Keep on Calling’, ‘In Your Head’ o ‘Paralysed’.
En nota de prensa, Nilüfer ha declarado que ‘Painless’ es «un disco que habla sobre las emociones» y que, en ese sentido, es más abierto que su debut, ‘Miss Universe‘, uno de los mejores discos de 2019. La artista indica que el concepto de ‘Miss Universe’ no le permitió abrirse tanto emocionalmente como ha hecho en este nuevo trabajo, con el que «ya no tengo miedo a reconocer mis sentimientos».
Y uno de los sentimientos de los que habla ‘Painless’ es el de «darte cuenta de que nadie en el mundo puede salvarte, solo tú misma». En ‘Stabilise’, Nilüfer aborda esta cuestión en este tema en que habla de amigos que «vienen y van» y de terapias que «no van a ninguna parte» para concluir que «no pienso esperar a que nadie me salve si me quiero estabilizar, si me quiero quedar».
01 The Dealer
02 L/R
03 Shameless
04 Stabilise
05 Chase Me
06 Midnight Sun
07 Trouble
08 Try
09 Company
10 Belong With You
11 The Mystic
12 Anotherlife
Korn han compartido su último single ‘Start The Healing’ y han anunciado su nuevo disco ‘Requiem’ verá la luz el próximo 4 de febrero.
El vídeo de ‘Start The Healing’, que trata “sobre la muerte y el renacer”, está dirigido por Tim Saccenti, cuya intención era «llevar al espectador a un viaje emocional, tal y como lo hace la canción. Una muerte y un renacimiento catártico que, con suerte, ayudará a transportar al oyente a través de sus luchas personales.»
“Nuestra idea para el vídeo fue mutar el ADN de Korn, aquello que los hacen tan inspiradores a través de una mezcla de poder, estética y emoción humana”, añade el director.
La pandemia ha influido de forma determinante en la composición de este nuevo disco, que marca una nueva era en la carrera de la banda, y que han podido crear con calma y experimentando nuevas dimensiones en su música.
En 2019 Korn publicaban su último trabajo ‘The Nothing’ y en estos dos años han compartido un par de sencillos: ‘Can You Hear Me’ y ‘The Devil Went Down to Georgia’.
Os dejamos el tracklist de su decimocuarto y último álbum, ‘Requiem’:
1. Forgotten
2. Let the Dark Do the Rest
3. Start The Healing
4. Lost in the Grandeur
5. Disconnect
6. Hopeless and Beaten
7. Penance to Sorrow
8. My Confession
9. Worst Is On Its Way
Si me hubieran dicho hace tiempo que habría tan poco «hype» alrededor de un nuevo disco de Damon Albarn no me lo habría creído, pero ‘The Nearer The Fountain, More Pure The Stream Flows’ nunca iba a ser el sucesor de ese ‘Everyday Robots‘ publicado hace ya 7 años. Concebido, en su origen, como un proyecto orquestal inspirado en los paisajes de Islandia, pues Albarn tiene un piso en las afueras de Reykjavík, en algún momento de la pandemia el álbum se convirtió en otra cosa. Hasta el punto que escucharlo es tener la sensación de que quiere ser dos discos
diferentes al mismo tiempo.
Fue en el momento que Albarn regresó a su casa de Devon, en Reino Unido, después de haber viajado a otros países como Uruguay o Irán que también han inspirado su nuevo material, cuando ‘The Nearer The Fountain, More Pure The Stream Flows’ empezó a tomar la forma del disco que es hoy, en el que la música ambiental, la de cámara, el pop y las grabaciones de campo se cruzan en un único universo con resultados interesantes pero irregulares.
El álbum se abre y cierra con sendos guiños a su mismo título, extraído de un poema de John Clare llamado ‘Love and Memory’. Las bonitas meditaciones de «The Nearer the Fountain» y ‘Particles’, dedicadas a la muerte (de su amigo, el músico Tony Allen) y el amor, respectivamente, enmarcan un trabajo centrado en la meditación, hasta el punto que pistas instrumentales como ‘Esja’ dibujan la «silueta» de esta montaña islandesa a través de las cuerdas. En ‘Royal Morning Blue’, Damon evoca una imagen tan bonita como la formación de los copos de nieve y la ambiental ‘Daft Wader’ se inspira en el ritual funerario de los zoroastristas iraníes, el entierro celestial, en el que se lleva a cabo un «luto público» en el que los asistentes «se sientan juntos, beben zumo de fruta y café y simplemente están en paz en público».
Si las composiciones más ambientales de ‘The Nearer The Fountain, More Pure The Stream Flows’ resultan dignas, aunque tampoco son grandes hallazgos para quien esté familiarizado con, por ejemplo, los momentos más ambientales de Sigur Rós; no así sucede con las poperas. Damon ha dicho que ‘The Cormorant’ es su canción favorita de todas las que ha escrito, pero no sé en qué mundo esta divagación melódica volcada sobre una ligera base medio easy-listening, medio bossa puede ser lo mejor del repertorio de cualquier artista. ‘The Tower of Montevideo’ es una variación más acertada de su sonido y ‘Polaris’ también pero además incorpora unos interesantes coros fantasmales tipo años 30 que dan ganas de perseguir allá donde vayan. Sin embargo, ‘Royal Morning Blue’ simplemente suena como una canción de ambient a la que Damon ha insertado un ritmo uptempo para intentar hacerla pop, sin lograr su cometido.
A Damon sí le ha salido una canción en su nuevo disco que suena más o menos a single, y el motivo de esto es que ‘Darkness to Light’ se inspira en el soul-pop de los años 60 y suena un poco ‘Twin Peaks’ en sus arreglos de viento y cuerda. El integrante de Blur y Gorillaz conserva su talento para escribir melodías bonitas que pueden tocar la fibra sensible, le sigue encantando sonar tan esquivo como en el free jazz de ‘Combustion’ y algunas de las letras de «The Nearer the Fountain» son de las más personales de su carrera, como la de ‘The Cormorant’, en la que habla sobre haber superado su miedo a nadar en la bahía de Devon por miedo a terminar engullido por un tiburón. El artista nada ahora en el lago a modo de «meditación diaria» y ‘The Nearer The Fountain, More Pure The Stream Flows’ habría funcionado mejor si se hubiera decidido a servir de banda sonora para dicha actividad o, por el contrario, hubiera tirado por una senda más pop. Querer existir entre ambos mundos no le ha beneficiado demasiado.
Taylor Swift ha estrenado el videoclip de su nueva canción ‘I Bet You Think About Me (Taylor’s Version)’ en la que colabora Chris Stapleton y que está incluida en la reedición de su álbum ‘Red’, que se publicó el pasado 12 de noviembre bajo el nombre de ‘Red (Taylor’s Version)’.
En este nuevo vídeo se estrena como directora Blake Lively, una de sus mejores amigas, a quien describe como «brillante, valiente y perversamente divertida» y lo protagoniza el actor Miles Teller (‘The Spectacular Now’, ‘Divergente’, ‘Project X’…) junto a Taylor.
El vídeo muestra a una Taylor divertida colándose en la boda de su ex, cuya decoración va cambiando de color blanco al rojo, gracias a la presencia de la artista. Taylor le dice que “sabe que nunca va ser feliz” y le canta “estoy segura de que todavía piensas en mí”, recordándole todo lo que perdió al dejarla ir.
La estadounidense sorprendió a sus fans anunciando ayer el estreno de este vídeo, ya que apenas han pasado dos días desde que compartiera el cortometraje de ‘All Too Well (Taylor’s Version)’ y lo presentara en el programa Saturday Night Live.
‘Red (Taylor’s Version)’ ya está batiendo récords. El primero ha sido al obtener más de 90.8 millones de reproducciones en su día de lanzamiento. El récord anterior lo tenía el álbum ‘folklore‘, que se lanzó en 2020 y obtuvo 78.7 transmisiones en un solo día. El segundo récord que ha batido ha sido el de la mujer más reproducida en un solo día en la historia de Spotify, con 122.9 millones de reproducciones el viernes.
Justin Bieber acaba de anunciar las fechas de su próxima gira mundial ‘Justice World Tour’, que pasará por los cinco continentes y que incluye dos conciertos en España. Estos se celebrarán el día 23 de enero de 2023 en el WiZink Center de Madrid y el 25 de enero de 2023 en el Palau Sant Jordi de Barcelona.
Las entradas para los conciertos de 2023 en Madrid y Barcelona se podrán adquirir a partir de las 10:00h de este viernes, 19 de noviembre, a través de doctormusic.com y entradas.com. El precio de las entradas estará entre los 64 euros y los 120 euros (gastos de distribución no incluidos).
En esta gira también se pondrá a la venta un número limitado de Packs VIP exclusivos. Estos paquetes podrán incluir una selección de entradas de asiento reservado, merchandising y mucho más.
El ‘Justice World Tour’ es la primera gira global de Justin desde el ‘Purpose World Tour’ de 2016/2017 y lleva el nombre del último álbum de Justin, ‘Justice‘ que fue publicado en marzo de 2021 y debutó como el álbum más reproducido en 117 países.
«NO SÉ NI UNA MIERDA» es el gran grito de guerra de ‘How Can I Help You’, uno de los temas del nuevo disco de Self Esteem. En el libreto del CD aparece así, escrito en mayúsculas. Estamos -lo habéis adivinado- ante un álbum vinculable al movimiento #MeToo. ¿Otro más? Tantos como sean necesarios hasta acabar con la lacra del machismo: todas las historias merecen ser escuchadas, sobre todo cuando los testimonios son tan espeluznantes sobre «la autonomía femenina, la cultura de la comparación, la duda, la angustia, la agresión sexual y la autoaceptación». Plantea Self Esteem: «¿Qué es lo único que ninguna de nosotras merece que nos haya pasado, pero casi todas las mujeres hemos pasado? Para poder vivir y sobrevivir, y no pasar todos los días queriendo matar a todos los hombres que veo por la calle, he tenido que normalizarlo».
El sucesor de ‘Compliments Please’ (2019) es un álbum a veces estridente, como estridentes son las historias que cuenta, cambiando el sonido Motown que un día tanto le interesó por un muro más abrasivo que podríamos emparentar con Kate Bush -muy perceptible en ‘Hobbies 2’- y Kanye West -muy perceptible en la citada ‘How Can I Help You’-. Así, el corte titular se crece como una de sus producciones más vigorosas entre gritos que proclaman por la libertad.
En ese entorno se desarrollan muchas de las canciones principales de ‘Prioritise Pleasure’, como ‘I’m Fine’, que abre directa a la yugular y termina con aullidos animales. «Intenté ser amable, pero eso no significa que tenga que oír a todo aquel al que le soltaste mi mierda / Mierda que no consentí, y aun así te serví porque no sabía cómo no hacerlo». A continuación, ‘Fucking Wizardry’ pone punto y final a una relación tóxica insostenible («¿todavía nos mensajeamos? Desde luego no soy tu amiga / no sé cómo empezó esto, pero sí sé dónde acaba»). Algo después, ‘Moody’ se refugia en el alcohol («beber una botella en lugar de un vaso soy yo / es un clásico).
El álbum agradece su heterogeneidad a través de números funky y distorsiones vocales como los de la bailable ‘You Forever’ (ojo, no tan lejana a los territorios de Dua Lipa y Rita Ora), el punto oriental y rapero de una ‘It’s Been a While’ que podría haber construido Missy Elliott, o ese cruce entre spoken word, R&B, soul y góspel que representa ‘I Do This All the Time‘. Por un lado, recuerda a los Saint Etienne más pop -los de ‘Good Humour’-; por otro, es más bien un tema entre Lily Allen y Kae Tempest. Asegura que es la canción que siempre ha soñado con hacer, y las cuerdas añadidas en última instancia van consolidando la pequeña maravilla.
El álbum se cierra con una balada aderezada con cuerdas, que podría haber firmado Sinéad O’Connor si se hubiera dejado producir por Dirty Projectors o alguien así. Es sobre dejar de intentar que te quiera alguien que no te quiere, como ‘The 345’ había sido una canción de amor a una misma. ‘Prioritise Pleasure’ es un disco transparente y triunfal en su determinación, aunque el camino hacia su consecución haya sido turbio y doloroso.
La cadena estadounidense CBS ha emitido esta noche el concierto especial de Adele ‘One Night Only’, que ha incluido entrevista con Oprah Winfrey. El especial se ha estrenado de cara al lanzamiento de ’30’, el nuevo álbum de Adele, que sale este viernes 19 de noviembre y es, por tanto, el Disco de la Semana en estas páginas; y ha contado con el aliciente de que la cantante británica ha estrenado en él varias canciones nuevas, entre ellas el próximo single del disco, ‘I Drink Wine’.
Si esperabas que ‘I Drink Wine’, debido a su título, aportara cierta dosis de humor al repertorio de Adele, el cual no sobra precisamente a pesar de que Adele es una persona muy divertida, como no se cansa de demostrar en sus entrevistas y conciertos, finalmente hay que confirmar que se trata de otra balada dramática y seria. La buena noticia es que también es un más que digno segundo single de ’30’. El góspel de ‘Hold On’ -que ya se había avanzado en un anuncio- y el soul-pop orquestal de ‘Love is a Game’ también presentan forma de balada.
Quizá no era el momento de presentar las canciones electrónicas de ’30’ en el Griffith Observatory de Los Angeles. ¿O quizá sí? Adele, desde luego, se ha reservado las sorpresas que el disco pueda contener para el lanzamiento del largo, y el setlist de ‘One Night Only’ ha contado también con sus singles más emblemáticos, ‘Hello’ y ‘Someone Like You’, así como los hits ‘Skyfall’, ‘Rolling in the Deep’ y ‘When We Were Young’, el nuevo single ‘Easy on Me’, y también la versión de Bob Dylan ‘Make You Feel My Love’, que Adele ha cantado tras «oficiar» una emotiva pedida de matrimonio. Ha sido una gala sobria y tradicional que ha intercalado la actuación musical de Adele con su entrevista con Oprah.
En la entrevista, Adele ha hablado sobre todos los temas que se podía esperar que abordara en una charla con Oprah: su divorcio, su pérdida de peso y su relación con el alcohol. Ha dicho que se lleva bien con Simon Konecki, el padre de su hijo, Angelo; hasta el punto de que aún le «confía su vida», y al que aún tiene en gran estima pues es «la persona más estable que he tenido en mi vida»; pero no ha recordado su divorcio en buenos términos por la ansiedad que provocó, y ha declarado que «no ver a mi hijo todos los días no era realmente el plan que tenía cuando me convertí en madre».
Precisamente la ansiedad que vivió Adele durante su divorcio le hizo empezar a «beber vino», pero la británica confiesa que «una vez que me di cuenta de que tenía mucho trabajo que hacer en mí misma, dejé de beber y comencé a hacer muchas cosas para mantenerme centrada». Y una de las actividades que emprendió para controlar su ansiedad es entrenar. Ha declarado que «tenía unos ataques de ansiedad terribles tras romper mi matrimonio» y que empezar a ir al gimnasio le ayudó a aliviar los síntomas y a mantener el control sobre su cuerpo.
El anuncio de una entrevista con Oprah parece avanzar una entrevista plagada de titulares como la que concedieron a la presentadora el príncipe Harry y Meghan Markle hace unos meses. Hoy los medios titulan que Adele se ha «confesado» a Oprah, pero la británica no da esa entrevista morbosa que probablemente Oprah espera, hasta el punto de que invita a cuestionarse si Adele tenía realmente algo que contar después de todo. Todo lo contrario: Adele ni ha vivido un divorcio extremadamente traumático ni su «problema» con el alcohol le ha llevado hacia lugares demasiado oscuros. Que se sepa, porque las declaraciones de Adele son siempre benevolentes y en absoluto escanalosas. Al final, descubir que ‘I Drink Wine’ es una balada de Adele más no supone ninguna sorpresa.
Entre las novedades que os presentábamos el pasado viernes en Ready for the Weekend, hay que destacar el regreso de León Benavente. El grupo ha estrenado ‘Líbrame del mal’, el primer adelanto de su nuevo disco ‘ERA’, que verá la luz el próximo 21 de enero. La canción, el clásico «grower» del grupo, es hoy nuestra «Canción del Día». Foto: Cecilia Álvarez-Hevia Arias.
La banda de Abraham Boba comienza aquí tranquila para después desbocarse, en la típica producción-río que en este caso se arrima tanto al kraut como a las sonoridades DFA. Su último minuto, con grito final, hace suspirar por lo que suelen ser los energéticos directos de León Benavente, mientras la letra tiene el detalle de recordar a uno de esos talentos que nos dejaron demasiado pronto, el de Rafael Berrio («He visto a Rafa Berrio irse antes de tiempo / Y ahora el mundo es más prosaico, artificial»). Tiene sentido, pues en contraste con la pasión que hallábamos en sus discos y en sus entrevistas, hoy parece que solo nos preocupa la tecnología: «He visto cosas que no, que no creerías / Un tiempo en el que solo avanzaba la tecnología», se queja el single de León Benavente.
Abraham Boba explica, en cambio, que sí se ha servido de la tecnología para desarrollar esta idea: «Usé el mismo tipo de narrador que el de Dylan en “A hard rain’s a gonna fall”, de ahí que aparezca el verso “la lluvia dura diluyendo nuestra fantasía”. También usé el título de un libro de María Salgado, “Hacía un ruido”, como punto de partida del relato. Incluso se coló en este collage de referencias la icónica frase del replicante de Blade Runner. La idea es que a veces no podemos controlar los cambios y que siempre es conveniente contar con alguien que te aleje de los peligros. Hice una primera versión utilizando tan solo un piano y una caja de ritmos TR-08. Cuando nos juntamos para tocarla, la estructura no varió prácticamente nada, pero la programación de Edu llevó la canción a otro lugar que nos dio algunas pistas de por dónde queríamos continuar el viaje».
¿Son los EMA’s (Europe Music Awards) un mero trámite para MTV? A veces parece que ni siquiera saben en qué año estamos. Pongamos 3 ejemplos: Nicki Minaj ganaba anoche el premio a mejor rap cuando hace 3 años que no tiene disco de estudio y estos dos últimos años solo ha sacado colaboraciones sin mayor impacto. Porque… ¿no le habrán dado un premio por aquella cosa de ‘TROLLZ’ con 6ix9ine, verdad?
Tampoco David Guetta parecía creerse merecer el galardón a mejor artista de electrónica en 2021, cuando dedicaba su discurso grabado, es decir, meditado, a reafirmarse a sí mismo como representante de este género. Igualmente, cuesta adivinar qué hacía Shakira nominada a mejor artista latina, habiendo sacado solo un single recientemente que, por mucho que molara, ha sido uno de los mayores fracasos de su carrera. ¿Ahora se premia la calidad? ¿Dónde estaban Billie y Lana, entonces?
Por otro lado, sigo pensando que acudimos a estas galas con el cuchillo bien afilado, apegados a la nostalgia de la MTV de los años 80 y 90, cuando en la cadena se labraban tendencias como el grunge o el Brit Pop. El reiterado spot de la retransmisión este viernes del mítico concierto de Oasis en Knebworth fue de lo mejor de la noche, pero sería muy cascarrabias afirmar que fue lo único bueno. Los MTV EMA’s pueden presumir de haberse apuntado el tanto de haber escuchado al público que demanda el regreso del rock en 2021. Måneskin, que llevan todo el año cosechando cifras de streaming absolutamente espectaculares en todo el mundo, presentaron ‘Mammamia‘ y recogieron un premio, que dedicaron agriamente a quienes no confiamos en ellos.
Damiano David actuó en ropa interior de corte andrógino como si estuviéramos en plena eclosión glam en el 73, con Bowie y T-Rex, y el clímax de su actuación fue lanzar una gran bola de fuego que parecía que se los había comido.
La ceremonia se cerró con una actuación de YUNGBLUD, quien ha tenido sus más y sus menos con el género, pero anoche se centró en las guitarras eléctricas y en la destrucción de instrumentos, como en homenaje al 30º aniversario de ‘Nevermind’; y también podemos apuntar entre las mejores actuaciones de la noche la de One Republic poniendo un poco de nervio en la Plaza de los Héroes de Budapest.
En cuanto a Imagine Dragons, realizaban una de las pocas presentaciones llamativas en lo visual, un set bastante oscuro para la canción ‘Enemy’, realizada tras el fracaso de su último disco ‘Mercury Act 1‘ para una banda sonora de Netflix. Alumbrados únicamente por lasers de color verde y arropados por un potentísimo rap de JID y una serie de bailarines, consiguieron transmitir cierta desazón y sensación de claustrofobia, posicionándose definitivamente como expertos en depresión emo. Es todo este tipo de rock un tanto de plástico, pero menos da una piedra.
También hay que celebrar que pudiéramos escuchar en vivo una de las mejores canciones de 2021, ‘Serotonin’ de Girl in Red. Tal y como está la actualidad musical, ya ni nos acordábamos de aquel disco publicado en abril, por lo que fue una grata e inesperada sorpresa reencontrarnos con Girl in Red por aquí. La noruega Marie Ulven Ringheim apareció escondida detrás de un gorro, dejando que del clímax de esta canción de rap-rock se encargaran sus músicos, sumando unos cuantos extras dando vueltas alrededor de una casa. Todos parecían estar buscando un hogar: ¿lograría la MTV ser ese espacio como lo fue para tantas bandas alternativas durante los 90?
MTV mantuvo su cuota para lo latino, dejando que Maluma cantara en castellano ‘Mama Tetema’ junto a Rayvanny; y también que los derechos LGTB+ tuvieran un espacio importante en esta ceremonia celebrada en Hungría. Eso sí, una denuncia llena de generalidades, sin mayor implicación hacia problemas concretos.
En realidad, todo parecía estar al servicio de Ed Sheeran y la promoción de su nuevo disco ‘=’. Era la gran superestrella presente, pues por allí no aparecieron ni Adele, ni BTS, ni Olivia Rodrigo, ni Coldplay, ni Taylor Swift, y de alguna manera tenía que cobrárselo. Abrió la gala con una estampada y agradable interpretación de su nuevo single ‘Overpass Graffiti’ con gran brillo de las acústicas, al cabo de una hora volvió a salir para interpretar ‘Shivers’, ganó el premio a mejor canción por ese temazo llamado ‘Bad Habits’ y recibió con cara de indiferencia el galardón a mejor artista. “Yo lo que quiero es vender otro millón de copias”, parecía querer decir con la mirada.
Saweetie realizó la ya clásica presentación de estos premios sobria, sosa y demasiado políticamente correcta para un evento supuestamente dirigido a la gente joven. Sí trató de poner un poco de espectáculo en su popurrí, que culminaba con un ‘Out Out’ cuyos encantos se basan en un sample de Stromae; pero en general el pop lució algo desinflado.
Kim Petras sonó demasiado enlatada y no acertó con los temas escogidos para la gala (¿¿y su trallazo ‘Future Starts Now’??), y Griff terminó decepcionando tras un arranque prometedor. Empezó como en una cueva y parecía que iba a protagonizar un show precioso jugando con su sombra o su döppelganger. Por desgracia, la sombra decidió volverse loca enseguida e irse un tanto a lo suyo, luciendo más perdida por el escenario que el tiburón de Katy Perry en la Superbowl.
Quizá MTV quería decirnos que en esta década apostará menos por el pop pomposo, menos por el hip hop -pues anoche apenas hubo muestras- y que recuperará su función pseudounderground y medio rockera. Era su espacio durante los 90 y es el espacio de esos Måneskin a los que tanto ha costado entrar en ciertas radios y playlists. MTV está haciendo un esfuerzo por reconocer también el talento local, premiando a un artista por país (Aitana fue la española galardonada), y subiendo al escenario a artistas noruegas y alemanas. Cuando Damiano David dijo aquello de «I’m italiano», recibió una de las mayores ovaciones de la noche. Por algo será.
Dedicamos el nuevo episodio de «Revelación o Timo, el Podcast de JENESAISPOP» a repasar la carrera de Madonna. En un primer bloque hablamos sobre la decepción que ha supuesto la sobreproducción del documental de la gira ‘Madame X’ y sus polémicas habituales en Instagram. ¿Es víctima del edadismo y del machismo por no «hacer cosas acordes a su edad»? ¿Fomenta la polémica todo lo que puede a su vez? ¿Hasta dónde es capaz de llevar su máxima «jamás haré lo que la sociedad espera que haga»? ¿Puede trascender su lucha contra el edadismo incluso más que su lucha a favor del feminismo y contra el VIH en los años 80?
En un segundo bloque dedicamos unos pocos minutos a repasar sus 14 álbumes de estudio, hablando de nuestros favoritos, menos favoritos, sobrevalorados e infravalorados. ¿Cuándo dejó realmente de ser trendsetter… o acaso no ha dejado de serlo del todo? Por el camino, hablamos muy puntualmente de algunos de sus proyectos cinematográficos y de su vida personal.
En el último bloque recordamos la entrevista de Madonna con JENESAISPOP, incluido ese fragmento en que me enseñó a pronunciar correctamente la palabra «cohesive». Más mordaz y divertida -como siempre- que «maja», la artista fingió resoplar aliviada cuando le sugerí que ‘Madame X’ era un disco bien cohesionado. Los oídos más atentos podréis reparar en ello (y en alguna risita de fondo al observar su gesto). Os recordamos que ‘Confessions on a Dancefloor’ aparece en el libro ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI’ editado por esta web.
Chicxs Rosas es un grupo de veinteañeros que vive en Madrid. Los cuatro han empezado a sacar temas este año, tras un convulso 2020 en el que el confinamiento hizo mella en el estado de ánimo y salud mental de una generación que ha sentido como si se les hubiese robado dos años de su vida, un tiempo muy valioso cuando se es artista y sobre todo, joven.
«Desde pequeños han escuchado todo tipo de música sin prejuicios. La suya bebe de las influencias de cada integrante: Carla, fan de Britney Spears y de las Spice Girls, es quien le da el toque pop a las canciones; Borja tira más por el rap; mientras que Kike y Pablo son los responsables del sonido pop – punk de la banda».
Además de compartir tiempo con Chicxs Rosas, cada uno tiene su carrera en solitario como Kike Con Más, Shakeitmila, Bale Blop o Goldb. Resistiéndose a encasillarse en ningún género, han publicado sencillos como ‘Desde la Eso’, ‘Nadie Como Tú’ y ‘Oliver y Benji’, que se caracterizan por sus melodías pegadizas y frescas. Chicxs Rosas acaban de unirse a la casa de Sonido Muchacho (Carolina Durante, Sen Senra, Natalia Lacunza), lo que les ayudará a lanzar su carrera musical.
Beach House han publicado estos días las primeras cuatro canciones de ‘Once Twice Melody’, el disco doble que publican en febrero, y que irán presentando en series precisamente de cuatro epés o «capítulos».
El nuevo disco de Victoria Legrand y Alex Scally se diferenciará del resto de sus obras por su componente orquestal: las cuerdas presentes en las canciones de ‘Once Twice Melody’ han sido grabadas en directo. Y tienen especial protagonismo en la pista titular y también en la siguiente, ‘Superstar’, de lejos la que más ha gustado a los lectores de JENESAISPOP que han votado en la encuesta subida recientemente a portada y que hoy es la Canción Del Día.
En las cuatro nuevas canciones que Beach House acaban de publicar, los autores de ‘Bloom‘ presentan una nueva y emocionante lectura de su habitual sonido dream-pop. En el caso de ‘Superstar’, el impulso rockero de ‘7‘ se mantiene en el motor de la base rítmica, pero la oscuridad de aquel álbum deja definitivamente paso a la luz a través de la luminosa y brumosa instrumentación, la producción de Beach House y la incorporación de una orquesta sinfónica.
‘Superstar’ es una de esas canciones de Beach House que se benefician de no presentar la típica estructura de canción pop. En su caso, los versos y estribillos parecen sucederse los unos tras los otros solo para dirigirse hacia el momento en que Victoria pronuncia el título de la canción: «superstar, shining far». La melodía vuelve a ser tan hermosa como esperas de Beach House y, a partir de este momento, ‘Superstar’ se sumerge en una vorágine musical que eleva la canción hasta los cielos.
En cuanto a la letra, ‘Superstar’ expone el fin de una relación mediante una serie de imágenes que evocan obviamente las estrellas, el cielo o el sol. «Caímos a través del cielo» es una de las frases de esta canción que parece encapsular todo el misterio del mundo en sus 6 minutos.
Esta mañana se ha hecho pública la entrevista que la periodista Luz Sánchez-Mellado le ha hecho a Miguel Bosé para el diario El País. El motivo de la entrevista es la presentación del libro autobiográfico del cantante ‘El hijo del Capitán Trueno’, donde narra la dura relación con sus padres, sus memorias y «su despertar sexual con hombres y mujeres.»
Desde el primer momento Bosé se encuentra a la defensiva con las preguntas de la periodista: “¿Esta es su letra? Sí, una de ellas. ¿Por qué? ¿Tiene varias? Sí, igual que tengo varios abrigos, y son diferentes. Pero, a ver, vamos a ver dónde vamos.” Tras unas preguntas relacionadas con su publicación, llega el momento más tenso de la conversación, cuando se le pregunta por su bisexualidad explicada en el libro, a lo que él simplemente pasapalabra con un “Siguiente pregunta”. Sánchez-Mellado insiste con que es algo que se cuenta en ‘El hijo del Capitán Trueno’, a lo que él contesta arrogante “Pero no con ese tono que le pones, amarillista y sensacionalista.” El diálogo continúa preguntando por su peor enemigo. Bosé responde contundente “En este momento, mi peor enemigo eres tú”.
Para terminar se le pregunta por sus declaraciones polémicas sobre la pandemia y sin contestar dice “No voy a hablar sobre cosas que no tengan que ver con el libro. Se os dijo. Tú puedes preguntar y yo no responder”. La entrevista acaba con un reclamo a Sánchez-Mellado por ser “tensa entrevistando” y sin una despedida por parte del cantante. Ella ha manifestado en redes sociales “no estar orgullosa de esta entrevista” y haberse quedado con un “mal sabor de boca.”
Este no ha sido el primer encontronazo de Bosé con la prensa en la promoción de su libro. Hace unos días acabó marchándose de la entrevista con Cristina Pardo al ser preguntado por el coronavirus y se encaró con los periodistas del programa ‘Viva la vida’ en la calle.
Taylor Swift se pasó anoche por el programa Saturday Night Live para presentar la reedición de su álbum ‘Red’, que se publicó el pasado 12 de noviembre bajo el nombre de ‘Red (Taylor’s Version)’.
En su actuación en directo interpretó la canción ‘All Too Well’, que originalmente contaba con cinco minutos de duración, alargada hasta los diez. Mientras estaba en el escenario, a su espalda se proyectaba el cortometraje que acompaña a la nueva versión del tema, protagonizado por Sadie Sink (‘Stranger Things’) y Dylan O’Brien (‘El corredor del laberinto’, ‘Teen Wolf’…) y escrito por la propia artista.
‘All Too Well’ narra su experiencia tras la ruptura con el actor Jake Gyllenhaal en 2010. Cuando Taylor tenía 21 y Jake 29. Los rumores sobre la ruptura apuntaban a que Gyllenhaal no se sentía cómodo con la atención mediática que empezaron a recibir, ni con la diferencia de edad entre ambos. Con las nuevas letras que la Taylor ha añadido al tema:
“Dijiste que si hubiéramos tenido una edad más cercana, tal vez hubiera salido bien / Y eso me dio ganas de morir”, canta la estadounidense, que cuenta que esta ruptura fue particularmente dura para ella. “Dicen que todo lo que está bien, termina bien, pero paso un nuevo infierno / Cada vez que cruzas por mi mente.”
Durante la visita al Saturday Night Live, Taylor no ha estado sola. Su mejor amiga, Selena Gomez, acudió a la primera presentación de ‘Red (Taylor’s Version)’ para apoyarla. Así se puede ver en un vídeo que han subido en TikTok.
‘Red (Taylor’s Version)’ ya está batiendo récords. El primero ha sido al obtener más de 90.8 millones de reproducciones en su día de lanzamiento. El récord anterior lo tenía el álbum ‘folklore‘, que se lanzó en 2020 y obtuvo 78.7 transmisiones en un solo día. El segundo récord que ha batido ha sido el de la mujer más reproducida en un solo día en la historia de Spotify, con 122.9 millones de reproducciones el viernes.
En uno de los vídeos promocionales de ‘I Don’t Live Here Anymore’, en concreto en el de la canción que da título a este quinto trabajo de The War on Drugs, vemos a la banda de Adam Granduciel junto a Lucius entonando esta canción con la ciudad de Los Ángeles al fondo. Es una de esas imágenes -la de los rascacielos- que definen América, como, salvando las distancias, aquel vídeo que a Ryan Adams se le ocurrió grabar frente a las Torres Gemelas, exactamente 4 días antes de su caída. En esta canción, el mundo de la banda también se ha desmoronado («he tenido mucho miedo de todo / necesito una oportunidad para renacer»), por lo que tratan de salir del fango con el sonido que han ido creando a lo largo de su trayectoria, y que define América también.
Las canciones de los autores de ‘Lost in the Dream‘ nunca han ocultado sus raíces, en ocasiones resultando una recreación demasiado fidedigna. ‘I Don’t Live Here Anymore’ contiene no uno sino dos homenajes a Bob Dylan, pues por un lado hay un guiño a ‘Shelter from the Storm’ (la frase «A creature void of form») y por otro una mención expresa («Como cuando fuimos a ver a Bob Dylan / y bailamos ‘Desolation Row’ / Pero ya no vivo aquí / No tengo ningún sitio donde ir»). Adam Granduciel cuenta igualmente que ‘I’m on Fire’ del Boss ha sido la inspiración de ‘Change’. Estos dos grandes nombres empapan muchos otros momentos de este álbum, como antes otros anteriores de la banda; solo que por el camino The War on Drugs han sabido también marcar el curso de otras bandas amigas como The Killers, e incorporar detalles a un repertorio ya lleno de los mismos.
‘A Deeper Understanding‘ (2017) vio a The War on Drugs crecer por el camino de lo sintético. En ‘I Don’t Live Here Anymore’ se sigue esa línea: Adam, que reconoce lo importante que ha sido el guitarrista Anthony Lamarca para desarrollar el ritmo de ‘Change’, se nos muestra como un músico capaz de tocar la guitarra acústica, la eléctrica y el piano en la mayoría de los temas, así como un Hammond en tres de las canciones, un Wurlitzer en otras tres, un 808’s en ‘Victim’, un Prophet-6 en ‘I Don’t Wanna Wait’, un Korg K2 en el tema titular, y un Mellotron en las dos últimas pistas, entre otros.
Los teclados y sintetizadores llevan voluntariamente muchas de estas canciones hacia los años 80, sin que pierdan atemporalidad o contexto. ‘Harmonia’s Dream’ recibe su nombre de la banda alemana de los años 70 , con esos teclados acariciando de derecha a izquierda y viceversa en tu par de auriculares favoritos; ‘Victim’ está duchada de efectos, mientras en ‘I Don’t Wanna Wait’ la voz está procesada al modo de las voces en bandas de sonido tan distinguido como Radiohead.
Es esta última una composición en la que Adam Granduciel lucha, como siempre, por salir del laberinto eterno que parece su cabeza, siempre sin perder la esperanza de llegar a buen puerto. A cada «me perdí en la oscuridad» sucede un «pensé que llegaría a algún lado»; a cada «¿te estoy hiriendo por nada?» sucede un «tengamos un poco de fe». Es por eso que las melodías y las producciones de The War on Drugs han de resultar tan constructivas, incluso aunque visiten viejos hogares que ya no son tales (‘Living Proof’), se quejen de haber «nacido mal y en el día equivocado» (‘Change’), ser «víctima de nuestro propio deseo» (‘Victim’) o plantear «qué sería de mí sin ti» (‘Occasional Rain’). Siguiendo por el camino hacia la luz, ‘Wasted’ no puede sonar más pop.
Granduciel, que ha sido padre recientemente, como manifiesta en ‘Rings Around My Father’s Eyes’, un tema en el que trata de cerrar cuentas con sus propios ancestros, otorga a sus creaciones un carácter poético y también revitalizante más por sus arreglos que por sus sencillos textos. Así se siente ya en los primeros 60 segundos del álbum, bellísimos, y por el modo en que va situando esos pilares. Los desarrollos instrumentales siempre han sido un fuerte para The War on Drags y aquí eso se mantiene, por ejemplo, en los dos últimos minutos de ‘Change’, la vitalidad que aportan cosas como ‘Wasted’, el ritmo y la percusión de la desaforada ‘Victim’ y la construcción mediante clímax armónico de ‘Old Skin’.
Rigoberta Bandini logra su primer número 1 en JNSP. La cantante, que ganó el JSNP Song Contest de nuestros foros con ‘Too Many Drugs’ mucho antes de ser famosa. Llegó a ser top 7 en nuestra tabla con ‘In Spain We Call It Soledad’ y luego top 2 con ‘Perra’. Las tres tienen suficientes streamings a día de hoy como para ser consideradas “disco de oro” en España, pues casi todos sus reproducciones tienen lugar dentro de nuestro país.
C. Tangana con Nathy Peluso marcan nuevo máximo en el puesto 3, como sucede con Band of Horses en el puesto 9. La entrada más fuerte es la de Angèle, seguida por Maria Rodés con La Estrella de David, Carolina Durante y Algora. Nation of Language también llega a la tabla.
Estos días se ha publicado el disco de Self Esteem, recomendado por nuestro compañero Raúl Guillén en su playlist Flores en el Estiércol. Lo reseñaremos próximamente; de momento ‘I Do This All the Time’, su single principal, es nuestra “Canción del Día”, pues no ha dejado de crecerse desde que fuera publicada hace unos meses.
‘I Do This All the Time’ empieza como una especie de medio tiempo “spoken word” que recuerda a los Saint Etienne de ‘Good Humour’ y a la Lily Allen del primer álbum. En verdad, sus inspiraciones han sido ‘Everybody’s Free (To Wear Sunscreen)’ de Baz Luhrmann y ‘Dirrty’ by Christina Aguilera, pero lo importante es que la canción es una completa preciosidad en la que Self Esteem habla sobre lo insegura que se puede sentir una persona en una fiesta en la que no sabe qué decir, trabajando en un McDonald’s o cuando llega cierta edad y no se tienen hijos. “Casarte no es el día más importante de tu vida”, trata de convencerte.
Frases que ganan en emoción cuando comprobamos en el vídeo que Self Esteem se abraza a sí misma, es decir, abraza sus viejas inseguridades para decirles adiós. Su inspiración ahí ha sido la película de Elton John ‘Rocketman’.
La producción, in crescendo, añade finalmente una sección de cuerdas, que seguro que tienen mucho que ver con el hecho de que esta sea, según la propia Self Esteem (antes en los muy queridos Slow Club), la canción que siempre soñó hacer. La hizo en una toma, “como si la hubieran poseído” y ha de ser por ello que funciona tan bien a modo de exorcismo.
Snail Mail se hizo un hueco hace 3 años con ‘Lush‘, disco en el que recuperaba el grunge y el indie-rock de los años 90, con bandas como Pavement y Smashing Pumpkins en el punto de mira. Es amiga de Clairo. Waxahatchee le hace coros en este nuevo álbum. Aquí, el proyecto de Lindsey Jordan ha dado a su amplia base de seguidores todo lo que esperaba con el single principal y corte de apertura y titular ‘Valentine’, una canción de desamor marca de la casa con dos bazas infalibles: unas guitarras eléctricas en sintonía con la primera era de Radiohead y una letra muy descriptiva que dice cosas como «Odio imaginar a alguien contigo / Me tumbo y empiezo a llorar».
Otras pistas de ‘Valentine’ siguen esa línea, aguardando a ser también pequeños hits en el futuro, como es el caso de ‘Glory’, otra pista fruto del desencanto y el enfado, si bien el gran acierto de este álbum es su voluntad para ir incorporando novedades. La grabación más avispada es ‘Forever (Sailing)’, basada en un sample de una canción sueca de los años 80 llamada ‘You & I’, de Madleen Kane, que da a la pista un decidido carácter funky, cuando la propia Snail Mail confiesa que no es que supiera mucho de música disco. Es, de nuevo, otra canción de desamor («el tiempo tiende a pasar, pero 11 meses después, todavía te busco algunas noches como si estuvieras a mi lado») que seduce al final por esa nueva puerta que abre a su carrera.
‘Forever (Sailing)’ es la cumbre de una gran primera mitad en la que encontramos ‘Light Blue’, una canción para la exnovia que tenía a los 19 años, embellecida con un piano y una sección de cuerda, con un estribillo marcado («nada me va a parar») y un final amargo («no voy a volver»). También ‘Ben Franklin’, sobre engañarse a una misma y su proceso de rehabilitación por el que estuvo mes y medio interna; y ‘Headlock’, sobre el suicidio y una maraña de guitarras muy del indie de los 90, además de igualmente un piano lozano.
Esa deuda con un tipo de música tan concreto limita un tanto el impacto del álbum, pues tampoco es que aporte mucho a lo que Torres nos ha contado hace demasiado poco, lo cual queda más evidenciado en una segunda parte, más correcta que brillante, con temas como ‘Madonna’, sobre idealizar a una persona y la influencia de la religión en su vida; y ‘c. et al’, una acústica escrita en la furgoneta de gira que parece estar ahí sólo para que ‘Glory’ a continuación parezca incluso mejor de lo que es.
El álbum recupera pulso al final con una estupenda canción llamada ‘Mia’ que no suena a nada de lo que hemos escuchado a lo largo de ‘Valentine’ -parece más bien un musical, incluso con su pequeña orquesta- pero que encaja con su título y con aquella voluntad noventera de cerrar discos con la canción más emocional. Escuchamos a Snail Mail en un registro vocal teatrero y desgarrado hablando de nuevo de amor. «Ojalá pudiera tumbarme contigo», confiesa mientras hace la declaración a la que aferrarse a la salida de este disco. «Mia, no llores. Te quiero, pero ahora tengo que crecer». Que así sea.
Aunque no se suele hacer tanta sangre de los fracasos de los artistas masculinos como de los femeninos, 
El éxito de streaming de la balada ‘Memories’, publicada en 2019; y en menor medida de ‘Beautiful Mistakes’ con Megan Thee Stallion, ha maquillado durante un tiempo el alcance de ‘
Por otro lado, sigo pensando que acudimos a estas galas con el cuchillo bien afilado, apegados a la nostalgia de la MTV de los años 80 y 90, cuando en la cadena se labraban tendencias como el grunge o el Brit Pop. El reiterado spot de la retransmisión este viernes del mítico concierto de Oasis en Knebworth fue de lo mejor de la noche, pero sería muy cascarrabias afirmar que fue lo único bueno. Los MTV EMA’s pueden presumir de haberse apuntado el tanto de haber escuchado al público que demanda el regreso del rock en 2021. Måneskin, que llevan todo el año cosechando 
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