Demi Lovato ha publicado sus primeras declaraciones tras ser ingresada la semana pasada en un hospital de Los Ángeles debido a una sobredosis. La cantante apunta que tras el incidente ha aprendido que la adicción no es una enfermedad que “desaparezca con el tiempo” sino que su tratamiento es constante, y agradece a sus familia, a sus fans, a su equipo y al personal médico del hospital el apoyo recibido en la última semana.
Estas son sus palabras: “Siempre he sido sincera en relación a mi experiencia con la adicción. Lo que he aprendido es que esta enfermedad no es algo que desaparezca o se diluya con el tiempo. Es algo que debo seguir superando y todavía no lo he hecho. Agradezco a Dios por mantenerme viva y en buena salud. A mis fans, os estoy eternamente agradecida por todo el amor y el apoyo que he recibido esta última semana, y siempre. Vuestros pensamientos positivos y plegarias me han ayudado a navegar estos difíciles momentos. Quiero agradecer a mi familia, a mi equipo y al personal de Cedars-Sinai, quienes han estado a mi lado durante todo este tiempo. Sin ellos no estaría aquí escribiendo esta carta para vosotros. Ahora necesito tiempo para sanarme y concentrarme en mi sobriedad y en mi camino hacia la recuperación. Nunca olvidaré el amor que todos vosotros me habéis mostrado, y espero con ansia el día que pueda decir que he visto la luz al final del túnel. Seguiré luchando”.
Hace unas semanas, varios graffitis del logo de Aphex Twin en 3D aparecían en el metro de Londres y también en Turín, Hollywood y Manhattan. El sello del músico, Warp, confirmaba poco después a The Guardian que los logos pertenecen a una campaña publicitaria oficial del sello, dando a entender que nueva música del autor de ‘Selected Ambient Works 85-92’ se acerca.
Warp publica hoy en Twitter una hoja informativa con información de un posible EP nuevo de Aphex Twin titulado ‘Collapse’. Se percibe en la imagen un texto distorsionado por su diseño en 3D, aunque sí son legibles el mismo titulo del EP y lo que parecen varios títulos como ‘T69 Interruption’, además de una extraña frase en la parte inferior de la imagen que parece describir el EP como “una serie de movimientos que igualan la velocidad y ritmo de la tarta”. También puede leerse un “poema” que hace referencia al barong, un tipo de baile tradicional de Bali.
Aphex Twin publicó su último disco largo, ‘Syro‘, en 2014, si bien en 2015 publicó la colección ‘Computer Controlled Acoustic Instruments pt2’, en 2016 editó el EP ‘Cheetah’ y en 2017 lanzó varios temas sueltos desde su página web o a través de Soundcloud, entre ellos ‘korg funk 5’.
Tras una «Vermú Session» durante el día que incluyó un buen concierto de Modelo de Respuesta Polar a pleno sol, la edición 2018 de Santander Music vivió anoche su jornada más multitudinaria. Lo normal es que todo festival acumule más público durante el sábado y si a eso le sumas a Izal, el pelotazo en asistencia está asegurado. La banda asentada en Madrid tiene muchísimo público femenino (se nota mucho, por ejemplo, en el corear colectivo de las canciones) y por primera vez en todo el fin de semana se vieron largas colas en los baños de mujeres. Terminado Izal, gran parte de su público se volvió al centro o se fue a sus casas. Tal cual.
El grupo, en cambio, ofreció un concierto menos apoteósico de lo que habría cabido esperar a tenor de su experiencia en la carretera. La M.O.D.A., inmediatamente antes, habían sonado más alto, más nítidos y mejor definidos, si bien es cierto que Izal tiraron solo un poquito menos de subidones efectistas y épica y aun así por supuesto arrasaron. Hubo alguna virguería en cuanto a proyecciones, del tipo adaptaciones de la toma de directo con figuras geométricas y repeticiones de su propia figura, pero sobre todo se basaron en su repertorio y en cómo su público lo conoce. ‘Copacabana’ hacia el principio del set, la coreada ‘Pánico práctico’ (tienen una canción llamada así) hacia la mitad, ‘El pozo’ hacia el final… y el público se lo cantó casi todo. Entre varios llamamientos a la ciudad de Santander, Mikel animó: “¿y por qué no? Follemos todo lo que podamos”.
La M.O.D.A. habían hecho inmediatamente antes el esperable concierto lleno de subidas y bajadas, voces afectadas y coros prestos para el engorilamiento del público. Sí se parecen a Celtas Cortos, aunque no tienen canciones tan buenas o icónicas como ‘20 de abril’ o ‘El emigrante’, aunque hay que decir en su defensa que son bastante entretenidos de ver. Son ciento y la madre sobre el escenario, su técnico de sonido es un hacha ecualizando acordeones et al y tiene bastante gracia que salgan uniformados con camisetas blancas de tirantes como si estuvieran cortando leña en ‘7 novias para 7 hermanos’. Es un poco como… ¿sexy? El grupo recordó que ha llegado a donde está (lo más alto después de Izal) “sin que nadie les regalara nada” y lo cierto es que es verdad. Se despidieron en sábado tocando ‘Héroes del sábado’ y la gente la recibió como cuando en un concierto de Suede tocaban en sábado ‘Saturday Night’. Bueno, muchísimo mejor…
Después de Izal tocaron Grises, siendo la apuesta perfecta para allanar el camino hacia la tecno-rumba de Joe Crepúsculo. Su pop sintético, no solo apegado a los 80 sino más bien atemporal, es puro vitalismo y joie de vivre y canciones como ‘Comida para insectos’ o ‘Avestruz’ 1) levantan a un muerto y 2) merecen mucho más reconocimiento y popularidad. Programadores de eventos y festivales: más conciertos de Grises a las dos de la mañana. De nada.
La jornada de sábado empezó y terminó de manera muy parecida: con Soleá Morente y su crew, que incluye a Lorena Álvarez como una de sus dos coristas y a Alonso de Napoleón Solo, subida al escenario. A primera hora había presentado las canciones de su último disco ‘Ole lorelei’, o como quiera el rey del país que este disco se llame, con algún recuerdo a su pasado, como ‘Todavía’, que escribió La Bien Querida, o alguna versión como la del gran hit de Las Grecas, bastante salá. Fue un concierto muy orgánico pese a los teclados y el momento deliberadamente Camela de ‘Baila conmigo’, penúltima en el set, justo antes de que Soleá espetara: “Nos despedimos con ‘Ole lorelei’, pero antes dame un traguito, Alonso”. Tontería que encantó al respetable, cómo no.
Ambos subieron al escenario al final de Joe Crepúsculo para sumarse al tradicional fin de fiesta de ‘A fuego’, siempre tan necesitada de palmeros y coristas, de jaleo; y ‘Mi fabrica de baile’. Es mi segundo concierto de Crepus en 7 días (y de milagro no ha sido el tercero, saludos a las Fiestas San Cayetano), pero da igual: uno se pasa medio festival deseando que llegue el momento de bailar ‘Tus cosas buenas’, ‘Pisciburguer’, ‘Suena brillante’ o ‘Música para adultos’. Esta vez en formato dúo con Aaron Rux, el set no escondió sorpresas pero no por ello fue decepcionante. Una fiesta siempre asegurada a la que no se puede poner pega alguna.
El portadón de ‘Saved’ me sorprendió. Cuando fui a buscar en Spotify el último disco de Now, Now después de que un amigo me los recomendara, la portada me recordó a la del debut de Harry Styles, pero pronto me di cuenta de que esa chica no estaba bañada en agua, sino recubierta por plástico (y del disco de Harry Styles pasamos al póster de la temporada final de ‘Dexter’). Pero la cosa es que ‘Saved’ tiene mucha capacidad de ser una sorpresa, tanto para personas que ya siguiesen la trayectoria de Now, Now, como para los que, como yo, se acercasen por primera vez. A los del segundo grupo nos puede producir un “¿cómo no había descubierto yo a esta gente antes?”, y los del primer grupo no se esperarían el giro musical de la banda, con un sonido muchísimo más pop (el inicio de ‘Set It Free’ llega a parecer una versión ralentizada del inicio de ‘Scream & Shout’) en este álbum, en comparación con sus trabajos anteriores -a los cuales también recomiendo echar un ojo/oído-.
La banda de Blaine (Minnesota) publicó su primer disco en 2008 y, tras respectivos cambios en la formación (ahora es solo un dúo: KC Dalager en voz, guitarra y teclados y Brad Hale de batería y coros, encargándose también de la producción) y hasta en el nombre (antes eran Now, Now Every Children), se marcan un Xtina y vuelven tras seis años de silencio musical. Comentaban en Stereogum que el estrés tras una gira de dos años fue una de las razones del hiato, pero que también influyó el bloqueo artístico para las letras, resuelto con una nueva forma de escribirlas, menos metáforas y más simplicidad: “siempre me ha dado miedo decir exactamente lo que siento o pienso, pero llegó un punto en el que ya no”, comentaba KC. ‘Holy Water’, seguramente la gran joya del disco, presenta ambas vertientes, tanto esas letras más directas (“con todo a tu alrededor cambiando, yo quiero ser la única cosa que se mantenga / me arriesgaré porque sé que tienes un corazón salvaje / pero te he amado desde el principio”) con el punto emo que tenían, y que es especialmente profuso en vocabulario religioso, alcanzando aquí su cúspide con el precioso “you treat me like an angel but you kiss me like a sinner”.
Las referencias religiosas se repiten en distintas canciones del disco, que no en vano se llama ‘Saved’. Y es curioso cómo esa misma idea de la salvación se usa en dos momentos tan contrarios como el “You let my love go to waste / You left me fucked up baby, in a fucked up place / Oh my God, I’m saved” del tema titular y en ‘Powder’, el que lo cierra (“I’ve been drinking baby, won’t you come and save me? / Like an angel waiting, I let you surround me”), pero que a la vez tratan un romanticismo intenso, que puede llegar a ser autodestructivo y tóxico, pero también realista con la historia que nos quiere contar.
Muchas veces, una prueba para testear la calidad de un disco es ver si resiste más allá de sus singles; en el caso de ‘Saved’, los singles han sido ‘SGL’, ‘Yours’, ‘MJ’ (en el que, ojo, le hablan de su fracaso amoroso a Michael Jackson (?)) y ‘AZ’. Cuatro buenas canciones que, no obstante, no dejan como relleno al resto de album tracks, pudiendo encontrar propuestas tan interesantes como la ya mencionada ‘Holy Water’, el protagonismo de la electrónica en ‘Knowme’ (¡y ese post-estribillo!) o el coqueteo a ratos con el dream pop de ‘Drive’. En resumen, Now, Now no son precisamente nuevos pero si, como yo, no los conocías, no es tarde para acercarse a ellos, y menos aún tras esta “carta de presentación 2.0” tras sus seis años de ausencia: el álbum trae motivos de sobra para enganchar nuevos fans, y para recordar a los antiguos por qué lo eran.
Calificación: 7,5/10 Te gustará si te gusta: Tegan & Sara, HAIM, Cigarettes After Sex, Christine and The Queens, Paramore, The Postal Service, los Dover de ‘Follow The City Lights’ Lo mejor: ‘Holy Water’, ‘SGL’, ‘AZ’, ‘Knowme’, ‘Drive’ Escúchalo: Spotify
Allie X, una de las artistas de pop comercial más interesantes de la actualidad, autora del notable ‘Collxtion II‘, que incluía la fantástica ‘Casanova’, una de las mejores canciones de 2017, vuelve en otoño de 2018 con un nuevo EP titulado ‘Super Sunset’, del que revelará un tema nuevo cada mes. Tras ‘Focus’, el segundo en darse a conocer ha sido ‘Not So Bad in L.A.’.
En tiempos grotescos para Estados Unidos, que en el pop se están documentado de manera especialmente deprimente en temas como ‘Chained to the Rhythm’ de Katy Perry, ‘We Are…’ de Noah Cyrus con MØ y, más recientemente, ‘Love It if We Made It’ de The 1975, ‘Not So Bad in L.A.’ ofrece un retrato igualmente inquietante de una ciudad que “vive mientras sus brillantes estrellas mueren”, y en la que “empiezas a hacerte mayor en cuanto cumples 25”. “¿Adónde más puedes ir cuando tienes esa ambición?”, se pregunta Allie X, consciente no obstante de que Hollywood es incapaz ya de disimular su decadencia con el humo y el espejismo que ofrece la más importante industria del entretenimiento.
Este oscuro análisis de Los Ángeles, en la que Allie X observa a los “fantasmas de los noventa caminando por las calles” y a “las chicas de la playa de Venice mordiéndose los labios en busca de un polvo rápido”, se traduce en una canción intencionadamente inexpresiva en su interpretación, en la que una frase como “angels all left, but we’ll stay, it’s not so bad in L.A.” suena a una mezcla entre autoengaño y conformismo ante el fracaso. La producción del tema sirve a un ritmo cercano al trap y actúa en correspondencia con la letra, presentando su sonido una fusión de vocoders y distorsión lo-fi muy poco habituales en canciones pop. Una distorsión que contribuye a realzar la oscuridad de la letra de ‘Not So Bad in L.A.’ y por tanto a potenciar su retrato de esa ciudad en la que no es oro todo lo que reluce. Tras la que hay mucha más mierda de la que nadie pueda reconocer.
Uno de los mejores discos de 2017 fue claramente el de Mura Masa, el joven británico que reunió en un debut impecable su gusto por la electrónica de baile de producción fina con canciones de carácter experimental, influido por sonoridades de varios puntos del mundo y sobre todo muy veraniego, en canciones que a día de hoy siguen sonando frescas como ‘Nuggets’ con Bonzai, ‘1 Night’ con Charli XCX o ‘Firefly’ con Nao.
Precisamente con la autora de ‘For All We Know‘ ha vuelto a colaborar Alex Crossan en su nuevo single, ‘Complicated’, que ha llegado este viernes a las plataformas de streaming, destacando holgadamente entre la maraña de lanzamientos gracias a su irresistible ritmo, una co-producción de Mura Masa y Skrillex, y sobre todo a la interpretación vocal de una Nao que no puede cantar mejor, mientras lamenta que el chico en el que está interesada es “demasiado complicado” acompañada de guitarras funk, sabrosas percusiones metálicas y sobre todo una base principal que claramente se instala en la moda tropical actual, pero sin sonar a fotocopia.
Son varias las canciones tituladas ‘Complicated’ que ha producido la historia del pop, desde el clásico de Avril Lavigne hasta aquel “album track” de Rihanna que dividía a sus fans. El de Mura Masa busca hacer bailar al público sin complicaciones y de hecho su estribillo “you’re so complicated” es de todo menos sesudo, pero sí absolutamente efectivo. Desvistiéndose ante una luna llena, Nao nos canta: “te exalto profundamente”, y escuchando ‘Complicated’ está claro por qué.
A poco menos de un mes de que llegara a las tiendas ‘Treat Myself’, el nuevo álbum de Meghan Trainor, del que se han conocido hasta cinco singles, la cantante ha decidido suspender su lanzamiento, tal y como ha informado a través de una publicación en Instagram. ‘Treat Myself’ se esperaba concretamente para el 31 de agosto.
“Este año ha sido el más emocionante de toda mi vida”, ha escrito Trainor. “Me he comprometido con el amor de vida, Daryl; he tenido la oportunidad de pasar un rato con Diddy, DJ Khaled y Fergie en The Four, y he publicado cinco canciones nuevas con las que estoy absolutamente obsesionada. Estoy en un lugar tan bueno y no puedo parar de escribir… así que he decidido posponer mi nuevo disco hasta que saque todas las canciones que tengo en mi cabeza y las grabe en el estudio. Jamás he estado más emocionada de que escuchéis mi nueva música. Gracias por vuestro continuo amor y apoyo”.
La decisión de suspender el lanzamiento de ‘Treat Myself’ solo puede deberse a la discretísima recepción comercial lograda por sus singles. Se esperaba mucho más del primero, ‘No Excuses’, tras el éxito de ‘No’ y ‘Me Too’, si bien es cierto que el álbum que acogió estas canciones, ‘Thank You‘, se quedó muy lejos de repetir las buenas ventas del debut de Trainor. Pero también es verdad que al menos ‘Let You Be Right‘ mereció más que un top 21 en la lista Adult Pop de Billboard… ¿Tendrá Trainor un verdadero hit entre manos para cuando vuelva a anunciar la salida de su disco?
La segunda jornada de Santander Music se abría con el concierto de Luis Brea (y El Miedo), quien vino como Arizona Baby, que abrían el día anterior, bien cargado de humor. Bromeó sobre meter «un bombo a lo C. Tangana» en una de las canciones, jaleó «¿Quién trabaja para mí? ¡Yung Beef!» en referencia al «diss track» ‘Forfrí‘, advirtió que el madrileño venía «pisando fuerte» quizá después de haber presenciado una prueba de sonido, y cuando fue el turno de interpretar ‘Nueva generación’, su composición que busca a la «nueva reina del pop» y alguien entre el público propuso a Rosalía, respondió que «está muy bien, pero es muy joven todavía». Lo que es más importante, a este petardazo de canción se sumaron más interesantes en su repertorio como la melódica ‘Dicen por ahí’, siempre tan Julio Iglesias, o la coreada ‘Automáticamente’, que ejerció de cierre. Un buen show en el que Luis Brea logró conectar con el público congregado gracias a su empeño en la interactuación.
Monterrosa no pasaron precisamente desapercibidos como dj’s entre concierto y concierto. El dúo formado por Rocío de Las Chillers y Esnórquel DJ realizó una sesión muy particular que decidía arrancar con OBK para luego derivar lo mismo hacia Melody que a La Casa Azul, lo mismo hacia Beth que hacia Depeche Mode, todo ello sin casi nunca llegar a la segunda estrofa de cada canción. El factor kitsch ‘Yo fui a EGB’ lo pusieron sintonías como la de Informe Semanal o Qué apostamos, esta última incluso con su parte «sing along» y sin que fueran las 3 de la mañana sino las diez de la noche. La verdad, no me habría gustado ser Rufus T Firefly y tener que salir al escenario justo después de la sintonía de Qué apostamos, como pasó.
Rufus T Firefly se mueven en directo entre los sintetizadores mágicos de los 80 y la psicodelia de los 60, sin dejar de sonar actuales ni poperos, llevando a las masas (ya han sido top 15 de ventas en España) los sonidos de la banda sonora de ‘Stranger Things’ (‘Demogorgon’) o la discografía de John Maus (‘El halcón milenario’). Aunque cuentan con canciones que pueden sonar a electrónica rockera noventera medio decadente (‘Druyan & Sagan’) o a Sidonie (‘Río Wolf’), hay partes algo planas en su setlist, lo cual es bastante paradójico, pues su sonido no puede ser más orgánico, estar más trabajado ni dar más volantazos interesantes. De hecho su líder dio la clave cuando faltaban unos quince minutos para acabar: «espero que hayáis tenido un buen viaje». Y no, no se refería a los que veníamos de fuera.
Kase.O, uno de los cabezas de cartel, preguntó en un momento dado de su concierto quién en Santander Music le estaba viendo por primera vez. Miles de manos se levantaron, casi todas. El rapero congregó a un público muy voluminoso que recibió muy bien tanto su repertorio, con temas como ‘Esto no para’ o ‘Mazas y catapultas’, como el de Violadores del Verso, sin que faltara ‘Cantando’; aunque faltó algo de dinamismo, algo de sensación de «hit after hit» desde que el concierto decidió retrasarse un cuarto de hora. Tampoco ayudaron los comentarios sociales contra la manada, sobre Siria, a favor de «las mujeres fuertes e inteligentes»… «No es populismo», insistía Kase.O, que puede presumir de haber publicado ‘Ninguna chavala tiene dueño’ hace mucho, mucho tiempo. ¿Pero seguro que no hubo un poquito de populismo en todas esas llamadas? Pese a que el rapero no arrasó como esperaba, hay que agradecer la variedad de su repertorio, con temas disco como ‘No sé qué voy a hacer’ o los pregrabados de Najwa de ‘Mitad y mitad’; y también su dosis de buen rollo en un mundo de beefs que a veces tienen su razón de ser pero otras es puro eye rolling. «Cuanto más amor das, mejor estás», terminó cantando en ‘Outro’ antes de introducir a C. Tangana dejando claro que no había ninguna rivalidad sobre quién lo iba a petar más.
C. Tangana salió demasiado confiado en su presencia escénica, que es imponente, y en su repertorio, que es incontestable y no deja de sumar hits. Desde la última vez que le vi hace muy pocos meses han salido y sonaron anoche ‘Bien duro’, ‘Traicionero’ y ‘Forfrí’, dedicada a Yung Beef. Antón suele llevar una base de voces pregrabadas sobre las que va cantando por encima, pero anoche se le apeteció cantar más bien poco, marcándose un tedioso playback incluso en alguna parte de ‘Guerrera’ que en verdad corresponde a Dellafuente. Podemos culpar a esas estrellas internacionales tamaño Rihanna que llenan estadios abusando de la segunda línea de pregrabados, pero alguien debería decirles que sí, que está OK llevar una base de voces si no eres Adele y no vas a parar de dar botes en el escenario, pero que un concierto entero de lata no desprende ni el 50% de fuerza o energía que si cantas en directo, aunque lo hagas tan mal como una hiena, que además no es el caso. A su favor hay que decir que su comportamiento, bailes y poses sobre el escenario ya son de estrella absoluta (por supuesto hubo «speech» sobre cómo montó AGZ y se ha hecho un camino en la industria); y que el repertorio de éxitos es quizá el mejor que hay ahora mismo en este país: ‘De pie’, ‘No te pegas’, ‘Pa que brille’, ‘Persiguiéndonos’ con las strippers, ‘Inditex’, ‘Cuando me miras así’, ‘Still Rapping’, ‘Mala mujer’, la versión extended de ‘Llorando en la limo’… una colección de éxitos de no dar, mientras parte del público le sigue haciendo de menos por razones desconocidas. Hubo gritos a favor de Yung Beef y mucha gente vitoreando a Kase.O en clave de humor… pero de repente empezaba ‘Mala mujer’ o ‘Llorando en la limo’ y bien que se las cantaban y bailaban.
Antes de que la noche se cerrase con Instituto Mexicano del Sonido, hubo un concierto de Las Chillers en el escenario pequeño del DJ set. El grupo se mostró muy agradecido por la buena recepción de un show en el que siguen cabiendo versiones de ‘Duro de pelar’, Gala, ‘Atrévete’ o ‘Como yo te amo’, apelando al fin de los prejuicios en el «indie». La viveza de su batería, por cierto, no le habría venido nada mal ni al show de C. Tangana ni tampoco al de Kase.O. Embutidos en monos naranja, los miembros de Instituto Mexicano del Sonido sí ofrecieron un buen fin de fiesta lo mismo tirando de sonidos latinos, que de DFA, el rap, la cumbia o los sintetizadores a lo Kraftwerk/Aviador Dro, logrando que el público se arrancase a cantar incluso canciones que no conocía, como fue el caso de su hit ‘México (ra-ra-ra)’. Por cierto, ¿en un momento dado dentro de una canción cantaron «hagamos una banda que suene a C. Tangana» o fueron ideas mías?
El trío castellonense Lula ha llegado a su quinto disco escogiendo el camino de la autoedición tras cuatro entregas en Lucinda Records. El álbum no llegaba en el momento más adecuado para un lanzamiento nacional, un 20 de noviembre, con el mundo inmerso en listas de fin de año y especiales navideños; y tampoco ha evitado que pase desapercibido la existencia de dos páginas de Facebook y, lo peor, dos perfiles diferentes en Spotify. Hay uno para las canciones nuevas y otra para las viejas bastante confuso a su vez, un problema que también afectó recientemente a Ataque de Caspa, aunque estos fueron capaces de solventarlo.
En cualquier caso, lo importante es que Lula no han «perdido el mojo» en contra de lo que asegura Pat Escoín en ‘Seres de luz’. Claro que esta es la pista final del álbum y para cuando hemos llegado ahí ya nos ha quedado claro que ‘Vida salvaje’ es un álbum que conserva el gracejo de la banda intacto. Han pasado tres años desde que lanzaran la que era su última entrega hasta ahora, ‘Viaje a Marte‘ (desde entonces Félix ha sido padre y la ex líder de Los Romeos ha estado centrada en su otro proyecto Los Amantes), pero el grupo mantiene gran parte del garbo de su primer álbum, sin parecerse particularmente a aquel.
Por supuesto hay temas que podríamos emparentar con el álbum que traía singles como ‘California’, y ‘Los hunos’ (aka «Croquetas»), un tanto Loquillo, es un ejemplo; pero en general se nota cierta intención de radicalizar y encontrar nuevos matices en las guitarras eléctricas, que ahora se asoman a los R.E.M. de ‘Monster’ en ‘Disco Pub’ o, lo que es lo mismo, el indie rock americano de unos Sonic Youth, unos Pavement y unos Yo La Tengo en ‘La diva’; o a Hole en ‘El momento’.
Esta última canción es además muy significativa pese a sus menos de dos minutos de duración. Si bien el amor vuelve a servir para adherirnos a sus canciones, aunque sea para chinchar desde el despecho (“lo que he sido yo lo admiro / lo que has sido… no”, dice ‘La chica del grupo’); hay varias canciones sobre la libertad femenina y ‘El momento’ es una de ellas. Cuando el «¡Qué sola estoy en este momento preciso / qué sola estoy en mi colchón de soledad!» parece una queja, se concluye: «No necesito nada más. Voy a ser yo misma y nada más». El mismo mensaje de la un tanto Patti Smith circa ‘Dancing Barefoot’ ‘El domingo después’. Los Lula que tanto nos han incitado a follar siguen vivos en ‘Disco Pub’ (“no apagues la luz, que quiero verte bien”), entregando «growers» como ‘La ciencia’ o ‘Bien bien’, pero sus canciones celebran también la libertad.
Calificación: 7,1/10 Lo mejor: Black Rebel Motorcycle Club, Loquillo, Hole Te gustará si te gusta: ‘La chica del grupo’, ‘Disco Pub’, ‘El momento’, Bien bien’ Escúchalo: Spotify
Si el verano pasado no dejamos de escuchar ‘Slow Wine‘, este verano no hemos dejado de hacer lo mismo con ‘Worldwide Angel‘, la segunda mixtape de la catalana Bad Gyal que, una vez más, está dando más bolos fuera de España que dentro durante estos días. Antes del verano (antes de ‘Más raro’), tuve la oportunidad de hablar con Alba Farelo en un hotel de Madrid. La cantante me atiende con un pañuelo en la mano, ultra acatarrada, acercándonos a los detalles de su música, a cómo llegó al dancehall o a sus artistas favoritos de reggaetón. Bad Gyal actúa este domingo 5 de agosto en Arenal Sound.
¿Cuál ha sido la diferencia entre trabajar con Dubble Dutch y trabajar con El Guincho?
A Marc (Glasser, Dubble Dutch) le gustan las cosas a su manera, tiene los conceptos muy claros. Con Marc he cedido más, le interesa llevar mis canciones más hacia el hit, hacia el pop. Yo no es que no quiera hacer hits, pero si pongo una barra ahí, para él ya no es un hit… Las melodías y las letras son todas mías. Lo que pasa muchas veces es que tengo dos hooks, o tres. Hay demasiadas barras, como en ‘Tra’ o en ‘Candela’. Quitaba barras que a Marc no le gustaban, las que le rompían el hit. He tenido que lidiar con qué se queda, qué se va… empezaba una discusión. Y Guincho me ayudaba más a sacar lo que yo quería, lo que ya había en las canciones. También hay más productores y he grabado en casa, sola, tranquila, como yo he querido. Lo hice a mi manera.
¿Con Dubbel Dutch has trabajado a distancia por mail? ¿Os habéis conocido?
Vino el verano pasado, y luego estuvimos 3 o 4 días en un estudio en Barcelona. He aprendido muchas cosas trabajando con él. Sé mucho más de grabarme que cuando empecé. Sé mejor por mí misma cortar lo que no me interesa. Pero yo valoro que él quiera trabajar conmigo, y tengo que confiar en él. Tuvimos enfrentamientos porque hay cosas que no quiero delegar porque es mi mixtape. A veces sí que cedo y lo acepto. Es una suerte, aprendo de ellos sin dejar de saber que yo les aporto a ellos también.
¿Cómo llegaste a él?
Le escuchaba sin saber quién era porque hizo temas en el disco de hace años de Popcaan, ‘Where We Come From’. Fui a verlo cuando vino. Me escribió: «¿Quieres currar conmigo?». ¡Claro que sí!
Se ve mucho que te salen varios hooks, muy claro en ‘Fiebre’.
Se me dan peor las intros, las primeras barras (las estrofas). Se me dan mejor los «hooks». «Cuando estamos en el dancefloor» (canta). Se me quedan mucho los estribillos. Si me gusta una canción, me sé la canción enseguida, la letra, aunque sea en inglés. Bea (Pelea), una amiga, me dice que a ella le pasa al contrario. Siempre me ha gustado cantar desde pequeña y supongo que por eso me será más fácil.
¿Has pensado en escribir para otras personas?
Ahora no quiero vender eso pero quizá en el futuro.
«No sé qué es un disco y qué es una mixtape. Era lo que yo sentía que tenía que hacer, no otro ‘Slow Wine’. Otro asentamiento de mi sonido»
Dices que ‘Worldwide Angel’ es una mixtape, pero para mí es un disco, con su intro, los singles al principio, la segunda mitad un poco más rara…
No sé qué es un disco y qué es una mixtape. Cuando yo haga un disco, no sé qué va a ser, porque me dicen que mis mixtapes son discos. Tampoco sé mucho la diferencia. Era lo que yo sentía que tenía que hacer, no otro ‘Slow Wine’. Otro asentamiento de mi sonido.
Por ejemplo en las mixtapes de The Weeknd había problemas con los samples y se lanzaba gratis, pero ahora se ha diluido la diferencia, sí. ¿Tú has cuidado la secuencia, verdad?
Sí, pero son súper diferentes los temas, es otra de las cosas que me gusta.
‘Blink’ es extraña, ¿por qué fue el single?
Porque la grabé primero (risas). No, mentira, porque pude montar el videoclip guay primero. Iba a salir ‘Internationally’ antes, pero al final no pudo ser. (‘Blink’) es rara. No es una canción que se parezca a nada que haya escuchado. Tiene mezcla de cosas. Pero me gusta.
«Me encanta ‘Fiebre’, cada vez me gusta más. Es buenísima. Flipo que la escribí con 18 o 19 años»
¿Querías evitar deliberadamente otro ‘Fiebre’?
Para nada, me encanta ‘Fiebre’, cada vez me gusta más. Es buenísima. Flipo que la escribí con 18 o 19 años.
Muchos artistas de pop escriben sus mejores temas muy jovencitos, ¿tienes miedo de perder esa frescura?
Sí que es un miedo, pero de momento no me pasa (risas), o sea que estoy tranquila.
‘Blink’ está en la segunda mitad «rara» del disco. Háblame de esa segunda mitad.
No me sé el orden del disco (piensa). Es el trozo más oscuro. No solo hago «Fiebres» o «Internationallys». Me siento cómoda con otras cosas. «Moto» está al lado de ‘Blink’ y no se parece nada y a su vez tampoco se parece a ‘Realize’. Podemos decir que son temas más oscuros, pero no que los 3 se parezcan.
Si no te sabes el orden del disco tampoco pensaste mucho el orden, en contra de lo que yo creía…
No me lo sé porque soy una fumada (risas), pero lo escogí yo. Si me la sudase tanto estaría ‘Blink’, luego ‘Internationally’, luego ‘Realize’… Tiene sentido que estén todos esos temas (más oscuros) ahí juntos.
«Soy súper segura pero porque he sido antes insegura y he tenido que encontrar cómo salir de ahí»
En ‘Internationally’ hablas de «bolos llenaos», es como cuando los raperos hablan todo el rato de su valía, denotando en verdad inseguridad… No sé si te da esa sensación de que estas autoafirmaciones ocultan inseguridad.
Como que de decirlo, decirlo y decirlo… ¿no? Sí, y lo he dicho. Soy súper segura pero porque he sido antes insegura y he tenido que encontrar cómo salir de ahí. Me viene de cosas chungas, que me han hecho sentir mal conmigo misma. Hice música para hacer un break de mi vida anterior, de la necesidad de sentir que yo valía para algo. O sea que sí es un reafirmamiento.
¿A qué tipo de cosas chungas te refieres?
Cosas que puede vivir cualquier persona de mi edad. Una relación súper tóxica. Un trabajo de mierda. Que las cosas le salgan mal. Que su familia no la considere exitosa. Que no consigues nada en la vida. Una sensación de diversas cosas.
Flipé cuanto vi quién era tu padre (el actor Eduard Farelo), por cierto, yo me tragué entera ‘¿Hay alguien ahí?’ y leí que es un actor famoso en Cataluña.
¿’Hay alguien ahí’?
Una serie de miedo.
(bosteza) No veíamos mucho la tele en mi casa.
¿Tu familia entonces no te entendía mucho?
Mi familia no entendía mucho las cosas que a mí me gustaban.
«Era un poco capullina. Es normal que mis padres me diesen caña»
¿Y ahora mejor después de tanto éxito?
Sí, vinieron a un concierto, y muy guay. A mi padre le cuesta más, preferirá siempre hacerte una broma. Pero el último día no se aguantaba más y me lo decía. Supongo que estará orgulloso. Yo lo agradezco un montón. Tengo muchos hermanos y nos llevamos muy pocos años. Siempre ha sido una familia muy grande y muy unida y he aprendido cosas que no habría aprendido de otra manera, cuando están bien las cosas y cuando están mal las cosas. Yo era un poco capullina. Es normal que mis padres me diesen caña. Tenía colegas que sus padres les daban 20 euros para porros y a mí no me daban nada. Yo quería ser al que le daban los 20 euros, pero ese colega al que se los daban sigue en mi pueblo y yo en cambio estoy aquí. A los 15 empecé a currar y ya está.
Sí, he leído que has tenido todo tipo de trabajos.
Mucha gente empieza a esa edad.
¿No estudiaste?
No. Bueno, sí, estudié hasta los 18.
No te gustaba…
No mucho, no se me daba mal, pero no, no me gustaba. Por eso mis padres me metieron un poco de caña. Empecé a currar a los 15, siempre he sido independiente, mis padres no podían cubrir cosas y yo me lo buscaba como podía.
También la relación con tu familia imagino que es más difícil cuando cantas con un componente sexual y sobre drogas. Si fueras como Adele, me imagino que sería más fácil.
Antes de cantar yo ya tenía esa situación en mi casa, a ningún padre le gusta que su hija se pase la vida en la plaza fumando porros. Se preocupa. Es su hija. Y encima te has puesto a cantar. Si no me conociesen de cómo era, hubiera sido súper raro, pero ya sabían la situación que había, saben que no lo voy a dejar de hacer.
Te parecerá una gilipollez, pero me encanta la inclusión de la palabra «toto» en tus letras. Me funciona de gancho.
¿De gancho? (risas)
No sé si hay un poco de machismo por mi parte ahí, porque no me da la risa cuando C. Tangana canta «quiero una mamada», me parece «quiero una mamada» y ya está. Pero me da la risa con lo del «toto». ¿Te parece algo sexista?
Será porque no estás acostumbrado a escucharlo. Un chaval que usa «toto» todos los días, como mis colegas, no se ríe.
He leído que te sorprendía que fuera gente mayor a tus conciertos. También hay muchísimo gay.
Hay de todo, gente mayor y madres, gays y mujeres de su casa y todo.
¿Y te sorprendía ver gente que no fuera de tu edad, verdad?
No me sorprende, porque como veo tantas cosas diferentes… ya no me sorprende nada.
También supongo que al ampliar aforos y demás es porque estás llegando a más público…
Claro. Se va haciendo más grande y accedes a más gente.
¿Cómo preparas ese directo con bailarinas, etcétera?
En una sala. Preparamos los bailes sobre todo. Además, ahora hay muchísimo más baile, trozos dedicados solo al baile, todo son steps de Jamaica, córeos montadas, y eso requiere aprendérselo. Pero me encanta hacerlo.
Ahora has podido verlo en Jamaica, pero supongo que has visto muchísimo en Youtube.
Claro, yo había visto todo en Youtube, vídeos de fiestas enteras grabados con el móvil, seguía a las bailarinas en Instagram. Y todo era tal cual lo había visto. Me acuerdo con 14 años hacer todo eso cada día, me entraba la obsesión y no conocía a nadie que le gustara esa música. Iba al bar de mi pueblo, pedía las canciones, me volvía loca cuando las ponían, la gente no entendía nada y era necesidad pura de sacarlo.
¿Por qué crees que te atraía tanto Jamaica?
¿Por qué te gusta el fútbol? Pues igual. No sé de dónde viene, es un ritmo que se me mete. Yo descubrí a Sean Paul a los 8 o 9 años, ese fue el pistoletazo. Estaba promoviendo ‘The Trinity’, pusieron un videoclip en la tele y me quedé: «¿qué coño es esta música, por favor, por favor?». No era inglés, era «patois», no sabía que eso era dancehall. Tenía 13 o 14 años cuando ya contextualicé. Hasta entonces no sabía qué estilo era, supongo que pensé que era hip-hop. Cuando descubrí Mavado, Kartel, Bounty Killer… lo relacioné con eso. Eso es lo puro de lo que yo escuché. De ahí viene el álbum de Sean Paul.
¿Algún artista famoso que te haya sorprendido que sea fan, como Charli XCX?
Me sorprendió que en Jamaica recibo mucho apoyo y eso es lo que más me gusta. Me dicen que les encantan las melodías, que no entienden nada, pero que les encanta (risas).
La verdad es que no te imagino preocupada por las críticas internacionales, leyéndolas…
Pitchfork sí, no sabía lo que era, pero me puse al día. Sé las cosas que me importan.
¿Y qué son?
Jamaica me importa, Charli XCX no. Voy a ser honesta: no la he escuchado. Ella me parece súper maja y le dije que muchas gracias. No es en plan mal rollo. Pero no es lo que yo escucho.
«¿Qué disco español de 2017 está en Pitchfork? Sólo Bad Gyal»
Ya que has mencionado Pitchfork, pensé que le iban a dar más puntos a tu mixtape. Creo que se les han perdido cosas con la traducción, por ejemplo la parte «estoy triste, no dejo de pensar en qué piensas», me parece de lo mejor del disco, y no sé si habrán reparado en ello.
Yo mientras esté allí a mí ya me vale. ¿Qué disco español de 2017 está en Pitchfork? Sólo Bad Gyal está en Pitchfork. No espero que entiendan. Mientras esté allí, los puntos me la pelan (risas).
¿Qué tal va la gira?
Muy bien, he flipado, vendí todo en Nueva York, gente cantando una mixtape que había salido hacía una semana.
¿Qué tipo de público va a verte?
Mucho latino y después público del mundo del arte. Si vas a Los Ángeles, mucha gente de la música, de la moda…
¿Qué canciones latinas te han gustado últimamente?
¿Jevis? ¿Muy potentes?
Sí, famosas.
Me encanta el reggaetón. Me encantan Jowell & Randy. Estoy esperando mucho, mucho el álbum de Plan B, que se está retrasando, no sabemos lo que está pasando. Soy muy fan de Plan B. Me encantan porque evolucionan, pero no necesitan el latin trap para seguir en la ola. Son muy buenos. Jowell & Randy por lo mismo, siguen en su esencia. Me encanta De la Ghetto, no sé cuántos años tiene, pero canta bien en ritmo de dembow, de ragga, de reggaeton, en uno más oscuro, vas a un bolo suyo y lo canta bien todo en directo. No me gusta mucho el latin trap pero si escucho latin trap es algo suyo (risas).
¿Con quién te gustaría colaborar?
Con Soto Asa, voy a hacer algo con él, estamos en ello.
¿Vas y vienes de Twitter? No me aclaro mucho con tu cuenta.
He estado gilipollas y he vuelto a abrirlo dos veces, pero me he quitado.
«Me gusta saber que algo es de verdad y Twitter me parece lo contrario. (Tengo) un curro en el que estamos atados a redes, a algo que no es la realidad»
¿Por comentarios? Nosotros hemos borrado alguno súper desagradable sobre ti de la web.
No, no, no por comentarios que me sienten mal. Veo que no es la realidad, es como un bar de borrachos, luego a la cara, no te dicen nada. Me gusta saber que algo es de verdad y Twitter me parece lo contrario. Y me daba una información que no era 100% real… Yo salía a la calle y no notaba lo mismo en la vida real. ¿Y qué sentido tiene poner todo lo que pienso? Ya se lo contaré a una amiga. Qué le importa a la gente lo que yo opine de algo. Y qué me importa a mí lo que opine la gente. Ya sé que como artista no es la mejor decisión. Es un curro en el que estamos atados a redes, a algo que no es la realidad, pero justo lo que me pueda quitar me lo quitaré.
Por cierto, no conocía yo el Don Julio y tiene mucha gracia la mención en ‘Candela’. El culo «empapao en Don Julio». ¿Fue una experiencia real?
Es tequila. Cuando grabamos con Marc, su mánager y su colega, Joaquín, que es peruano, estaba siempre bebiendo tequila y cosas así. Mientras grabamos la tajamos a Don Julio (risas).
Sinéad O’Connor anuncia hoy a través de la versión irlandesa de The Sun sus nuevos planes como Magda Davitt, como desde hace unos meses se hace llamar tras haber asegurado que Sinéad «ha muerto»
El reconocido productor de electrónica David Holmes, que hace poco ha trabajado con Noel Gallagher, logrando una nominación al Mercury Prize 2018, es quien se ha encargado de la música del nuevo tema que podemos oír hoy, mientras que Magda Davitt se ha encargado de la melodía y de las letras. Hoy se comparte un tema en formato demo llamado ‘Milestone’ a través del citado diario, del que se destaca la frase «he dormido en la caseta del perro / porque no me has dejado usar el iPad». Musicalmente, se podría parecer a la faceta cantautor del colega de la cantante John Grant, además de a la propia artista.
El álbum ya tiene un nombre, ‘No Mud No Lotus’, pero no se espera para antes de octubre de 2019, pues la artista aún tiene que trabajar con otras personas en este disco. En cualquier caso, esta es la primera música que escuchamos a la cantante antiguamente conocida como Sinéad O’Connor después de que desapareciera en un par de ocasiones, temiéndose por su vida especialmente a finales de 2015.
Y hoy el productor es noticia por una entrevista que ha concedido a El Mundo, en la que, hablando de talent shows, critica la doble moral que hay en torno a lo latino, tema que trata en otro punto de la entrevista. Y termina diciendo que quien haga rock «no se comerá un torrao». Estas son sus palabras: «es un poco raro que todos estos programas los ganen cantantes alejados de la música urbana y, cuando salen, los pongan a cantar precisamente eso. Otra vez la doble moral. No puede existir ese desajuste con la realidad. A esos artistas los tienen que ir preparando para lo que viene. Si los ponen a cantar rock, se van a comer un torrao. Hoy si quieres llegar a las masas tienes que hacer reguetón». Os recordamos que hace unos meses hicimos un par de artículos sobre la supuesta muerte del rock.
En otros puntos de la entrevista Juan Magán cuenta cuándo empezó a dedicarse a esto («cuando me pagaron por una canción más que lo cobraba trabajando en un almacén de ropa interior femenina»), habla de la nueva música urbana («Hay nenes que están haciendo musicón con medios muy precarios») y recomienda a Ana Guerra que se piense su colaboración con Maluma por su supuesto machismo («A Ana le recomendaría que se lo pensara. Yo también hice canciones cuando era joven diciendo cosas absurdas»).
Margot Loyola fue una folclorista chilena cuyo trabajo como intérprete y en el ámbito de la etnomusicología fue fundamental en el descubrimiento, recopilación y difusión de la canción popular chilena. Loyola fue, junto a Violeta Parra y Gabriela Pizarro, la gran investigadora de la canción popular en Chile y del resto de América Latina.
El cantautor chileno Gepe, autor de canciones tan emocionantes como ‘Invierno’ y recientemente del disco ‘Ciencia exacta‘, dedicará su próximo álbum a estas canciones descubiertas por Loyola, a quien conoció en 2013, dos años antes de su fallecimiento un 3 de agosto de 2015. Y precisamente hoy, cuando se cumplen tres años de la muerte de Loyola, Gepe estrena el primer avance de ‘Folclor Imaginario (canciones recopiladas por Margot Loyola Palacios y algunas otras que parten desde ahí)’, ‘El volcán’, una preciosa habanera tradicional que Gepe eleva gracias a su anhelante y apasionada interpretación de un hombre enamorado, en frases tan melodramáticas y sentidas como “tú eres el único ser por quien deliro, ingrata, ay acuérdate de mí”.
Cada viernes, Gepe lanzará un tema nuevo de ‘Folclor imaginario’ hasta llegar al 13 de septiembre, fecha del nacimiento de Loyola, quien hoy habría cumplido 99 años. Uno de los temas originales que incluirá el álbum, ‘Joane’ será un homenaje a Joane Florvil, la joven madre haitiana trágicamente muerta el invierno pasado tras ser falsamente acusada de abandonar a su hija de 2 años, y el disco recopilará asimismo clásicos de la canción popular como ‘Olvídame’, ‘Hasta cuándo vida mía’, ‘Cuculí’ o ‘Chacharpaya’, además de un par de improvisaciones con Claudia Mena y Gianluca.
El pianista británico James Rhodes, afincado en Madrid (ciudad a la que dedicaba una emocionada carta a través de El País el pasado mes de mayo), ha publicado una nueva misiva a través de este mismo medio en la que se dirige a Pedro Sánchez, Presidente del Gobierno, para tratar el tema de los abusos sexuales a menores, que él sufrió de pequeño, recordando en el texto que fue violado repetidamente por un hombre durante su infancia y que la ley jamás le protegió debidamente.
Rhodes señala en la carta el trauma que esos abusos le produjeron en su vida, de los que habló detalladamente en su libro ‘Instrumental‘. “He intentado suicidarme demasiadas veces y me he pasado también demasiados meses en instituciones psiquiátricas”, apunta. “He probado todos los medicamentos que las grandes farmacéuticas han tenido a bien inventar, he destruido relaciones, me he autolesionado con rabia y he hecho todo lo que se me ha pasado por la cabeza para intentar detener ese zumbido incansable y violento que me retumba en la cabeza”. El pianista aporta preocupantes datos de Save the Children España que corroboran que la ley sigue sin amparar a los menores en caso de haber sufrido abusos sexuales.
El músico, quien pide abiertamente a Sánchez reunirse con él en persona para hablar del asunto, enumera en su carta posibles soluciones a la falta de protección legislativa que existe actualmente para con los menores que han sufrido abusos sexuales. Rhodes exige, en primer lugar, “una formación obligatoria, unos protocolos y una reforma profunda del proceso judicial para que en los casos de abuso sexual infantil se respeten de verdad los derechos del niño y también sus necesidades particulares”, y también que se apruebe “una nueva ley que erradique la violencia contra los menores y adolescentes, y que se centre especialmente en las medidas preventivas”. La carta completa, aquí.
Rosalía entra al número 1 de JENESAISPOP con su nuevo single ‘Pienso en tu mirá’, lanzado hace algo más de una semana. Además, ‘Malamente’ está en el puesto 2. Las dos únicas entradas en esta semana más o menos tranquila es la de Arctic Monkeys con su último vídeo, y la de Santigold con el primer sencillo de su mixtape, lanzada por sorpresa en mitad del verano. Ya podéis escuchar nuestra nueva lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.
La cantante finesa ALMA actúa este sábado 4 de agosto en la sala Razzmatazz de Barcelona para presentar su mixtape, ‘Heavy Rules’, que llegaba el pasado 2 de marzo a las plataformas de streaming para demostrar que Alma-Sofia Miettinen es más que el éxito de canciones de pop a la moda tropical como ‘Chasing Highs’, ‘Dye My Hair’ o la estupenda ‘Phases’ con French Montana.
Pese a las cuestionables comparaciones que ALMA está recibiendo casi de manera automática con Adele y Beth Ditto (¿¿por qué será??), cuando por estilo y tiempo es más cercana a Charli XCX, MØ y Tove Lo (con las que ha colaborado), e incluso con Soy una pringada, con quien sí comparte gusto por la moda cyberpunk, ALMA no se parece a nadie en particular, pero no porque sus canciones contengan una gran personalidad, sino por lo contrario, pues carecen de todo carácter. No hay más que escuchar ‘Fake Gucci’ y su letra “no tengo pasta en efectivo, ni oro, ni diamantes, no tengo una gran mansión en una isla” para confirmar que ALMA ha hecho una mixtape de canciones de pop comercial bastante formulaicas, que parecen proceder de hecho de una “songwriting camp”, y a las que lamentablemente la finesa no ha logrado inferir una gran personalidad.
Con su melódica y rasgada voz, ALMA podría cantar lo que se propusiera, pero ‘Heavy Rules Mixtape’ demuestra que no tiene entre manos el mejor material que le han podido entregar productores como Hank Solo y Larus Or Arnarson. No está muy claro qué aporta a la moda tropical ‘Good Vibes’ junto a Tove Styrke (pese a que es el mayor éxito en streaming del disco), una canción tan “generic” como su título, mientras ‘Legend’ no justifica su mímesis del sonido ‘Fancy’ y ‘BACK2U’, que ALMA compuso durante una crisis sobre su presencia en la industria, no es más que la balada melodramática de rigor. ‘Dance for Me’, una co-autoría de Charli XCX, Noonie Bao y MØ, que ejerce de estrella invitada, aúna la moda “chill” con un estribillo house y no está mal, y el house más decidido de ‘Chit Chat’ junto a Kiiara engancha sin que lo esperes, pero ninguna de estas canciones parece un hit como ‘Phases’.
Y ese es mayor problema de ‘Heavy Rules Mixtape’. Sin buenos singles de verdad a la vista (¿se los estará reservando para su debut oficial?), ‘Heavy Rules’ no es exactamente la mejor presentación de una estrella en ciernes. En un panorama pop en el que artistas jóvenes como Charli XCX, Tove Lo, MØ, Tove Styrke e incluso Sigrid han encontrado o están encontrando su nicho, ¿cuál es el de ALMA exactamente? ‘Heavy Rules’ no da una respuesta clara.
Calificación: 5/10 Lo mejor: ‘Dance for Me’ ft. MØ, ‘Chit Chat’ ft. Kiiara Te gustará si te gusta: las playlists pop de Spotify Escúchalo:Spotify
Este jueves se ha celebrado la primera jornada del 10º aniversario de Santander Music, por el que este fin de semana pasarán Kase.O, C. Tangana, Izal, La M.O.D.A., Joe Crepúsculo o Soleá Morente. Como siempre, el festival se celebra en la península de la Magdalena junto al mar, y con dos escenarios alternos: uno con las actuaciones principales y otro con un DJ set al que acude todo el mundo durante los cambios de escenario, conformando una pequeña pista de baile al aire libre. Anoche Yahaira entretuvo a los asistentes con temas de Blur, Chemical Brothers, Hercules & Love Affair o Lykke Li. Foto: Santander Music.
El «txupinazo» de salida, como ellos mismos lo llamaron, lo daban Arizona Baby, aún con el público acercándose hacia el recinto. El sonido del grupo, entre el folk, el rockabilly y el post-grunge, podía hacer pensar en un concierto algo árido, máxime cuando su guitarrista toca sentado. Sin embargo, el trío ofrecía un show de gran empaque y sonido, cuya estrella fueron los discursos del líder Javier Vielba, también conocido como «El Meister», calificados por él mismo como «perogrulladas». Aportaron bastante dinamismo su discurso «súper a favor del humanismo, sobre todo entre semana», su autodefinición como «una mezcla de Slayer y Peret, por si no ha quedado claro», su pulla al reivindicar «Pucela» («la chica yeyé es de allí, hay gente molona, no como «la chica de ayer», que era un muermo»), su confesión de que les gusta «más hacer canciones que Stories» y sobre todo su muestra de «la mítica técnica del subidón» durante una de las canciones. El grupo presentó algún corte nuevo de un disco que saldrá después del verano porque es «justo y necesario», si bien no faltaron antiguos como ‘The Truth’ o ‘Real Lies’. «¡Somos felices!», proclamaron, y estas cosas se contagian enseguida desde las tablas.
Viva Suecia eran mencionados por Arizona Baby en lo que fue toda una noche llena de compañerismo: estos dos grupos comparten sello, Subterfuge, y Viva y Suecia y Varry Brava son de Murcia. Los autores de ‘Los años’, que sonó en tercer lugar, hicieron gala de una enorme profesionalidad, la adquirida durante las dos últimas temporadas de llenazo en llenazo, y su sonido fue perfecto en todo momento, llegando tanto a los interesados en el indie-rock de la vieja escuela como al público joven. El cantante Rafa Val, con elegante camisa estampada, tiene bastantes tablas sobre el escenario, con su mirada fija, media sonrisa medio cínica y sobre todo entrenadísima y bonita voz, y el setlist no se hizo pesado aunque dejaron 3 de sus canciones más conocidas para exactamente el final: ‘Permiso o perdón’, ‘Bien por ti’ y la repetitiva -quizá de más- ‘Hemos ganado tiempo’. Tampoco había faltado hacia la mitad del set la preciosa ‘A dónde ir’. «Nos quedaríamos toda la noche», habían asegurado, tan animados y sabedores de que pueden convertirse en un grupo generacional si les siguen saliendo más hits.
Para Varry Brava era la primera vez en Santander, y el grupo también hubo de salir contento. Fueron Viva Suecia quienes contaron con más público, pero pocos abandonaron después pese a ser jueves y más allá de la medianoche. El concierto de Varry Brava es una mezcla de pop de «la edad de oro del pop español», fiesta verbenera (para bien) y momentos de hacer el cabra que ni un concierto de Joe Crepúsculo. El cantante Óscar Ferrer, en traje rojo y camiseta blanca lisa, se lo bailó todo, creyéndose en todo momento que es una estrella, como ha de ser. Entre abanicos y esos planos deliberados en las pantallas de las uñas rojas del teclista, era imposible no pensar en la reivindicación de la pluma hetero de un Tino Casal. Y al margen de la marca de laca de uñas, fueron los teclados los que hicieron que temas como ‘Playa’ o ‘Fantasmas’ estuvieran entre los momentos más celebrados de la noche, siendo el último el gran subidón del festival, al menos por ahora.
Varry Brava y en concreto ‘Fantasmas’ tendría que haber sido el verdadero fin de fiesta de la primera jornada de Santander Music, puesto que los mexicanos Zoé traían un show más tranquilo, más adecuado para primera hora en lugar de para el cierre. Tuvieron cierta dificultad para trasladar al público los años de carretera y los millones de streamings que les respaldan y la voz de su vocalista León Larregui era inaudible tanto durante las canciones, ahogada por guitarras y dos percusionistas, como entre canción y canción, cuando a duras penas le entendí introducir el nuevo single ‘Hielo’. Eso sí, el grupo demostró tener seguidores en nuestro país, con gente coreando sus temas e incluso pidiendo más hacia el final.
El hip-hop representa los lanzamientos más importantes de la semana tanto a nivel nacional como internacional. Sale en primer lugar ‘El plugg’, la nueva “mixtape” de Yung Beef, de actualidad tras una polémica agresión que le ha costado su presencia en un festival gallego, y que incluye un tema titulado ‘Cardi B’, el single ‘Un corazón y una flecha’ y una colaboración con el rapero neoyorquino 6ix9ine, de rabiosa actualidad por el éxito de ‘FEFE’, su colaboración con Nicki Minaj; y por el otro se publica ‘Astroworld’, el nuevo álbum de Travis Scott, que incluye colaboraciones de Tame Impala (‘Skeletons’) y Frank Ocean (‘Carousel’) y también sale en medio de una polémica debido a su portada, en cuya versión original aparentemente aparecía Amanda Lepore, una decisión -la de retirar a Lepore de la portada- que ha generado críticas por transfobia al rapero.
Además, hoy viernes se lanza finalmente ‘Survive the Summer’, el nuevo EP de Iggy Azalea, que incluye el estupendo single ‘Kream; ‘Living in Extraordinary Times’, el nuevo álbum de James; ‘Swimming’, el quinto trabajo del rapero Mac Miller; ‘Bell House’, el veraniego debut de los chicos de Missuri Shy Boys, y en un cariz más experimental salen a la venta ‘Qualm’ de Helena Hauff (a la que recientemente hemos visto en el Sónar) y ‘Dissolvi’ de Steve Hauschildt (ex integrante de los influyentes Emeralds).
El single destacado de la semana es claramente ‘Missing U’ de Robyn, pero también ‘No Brainer’ de DJ Khaled, que incluye la colaboración de Justin Bieber, Chance the Rapper y Quavo -el mismo tándem presente en el hit ‘I’m the One’- y por tanto será uno de los mayores éxitos de los próximos meses. Chvrches publican además ‘Out of My Head’, un sorprendente single con la banda japonesa Wednesday Campanella; Nao vuelve a colaborar con Mura Masa en ‘Complicated’; Becky G apunta a otro hit con ‘Pero te besé’ junto a Paulo Londra, Gepe con ‘El volcán’, Zayn colabora con Timbaland en ‘Too Much’, Camila Cabello con Bazzi en ‘Beautiful’, y no podemos dejar de añadir en nuestra playlist el inesperado remix de ‘Girls Like You’ de Maroon 5 y Cardi B por parte de St. Vincent o ‘Kong’, el single de regreso de Neneh Cherry, producido por Four Tet y 3D de Massive Attack. Más, en la playlist actualizada. ¡Suscríbete!
Drake ha hecho un vídeo para ‘In My Feelings’, su canción del “kiki, do you love me?”, que ha generado infinidad de memes en la red gracias al #InMyFeelingsChallenge (por el que se ha tenido que avisar a la gente de que no haga demasiado el tonto) y es la actual canción número uno en Estados Unidos y Reino Unido, además de la subida más fuerte en la tabla española.
El vídeo de ‘In My Feelings’ es obra de Karena Evans, que se ha encargado de los vídeos de ‘God’s Plan’, ‘Nice for What’ y ‘I’m Upset’, y se ha rodado en Nueva Orleans, cuna del sonido bounce que caracteriza a la canción. De hecho, la misma Big Freedia, representante de este sonido explorado también por Beyoncé, aparece en el videoclip, así como la personalidad televisiva, escritora y actriz La La Anthony, conocida por su papel de Keshia en ‘Power’ y cuya presencia en el videoclip viene a confirmar que Drake dedica ‘In My Feelings’ a su primera novia, que se llamaba Keshia… o “Keke”.
Jugando con el carácter adolescente de la canción, el vídeo de ‘In My Feelings’ empieza como si fuera una “sitcom” en la que Drake interpreta a un adolescente enamorado de Keke, pese a que esta no le hace caso. El vídeo transcurre entonces entre escenas de Drake bailando frente a un grafitti de Lil Wayne, comiendo en un restaurante y otras de gente bailando la canción, pero termina en plan sueño de Resines, con un Drake aturdido en el “backstage”. Evans no ha dejado pasar la oportunidad de cerrar el vídeo con imágenes del #InMyFeelingsChallenge protagonizadas por Will Smith, Dua Lipa o los chicos de ‘Queer Eye’. No, el de Dulceida no aparece.
Estrenada en la sección internacional del festival de Sundance, la película de Gustavo Pizzi tuvo su presentación en España en el Festival de Málaga, donde se alzó con el premio a la mejor película iberoamericana y el premio Feroz de la crítica. Se sitúa en Río de Janeiro, donde Irene, una ama de casa, madre de familia con cuatro hijos, se enfrenta a los problemas y conflictos que le irán surgiendo durante un verano. Tienen poco dinero, acogen en su casa a su hermana y su sobrino porque ella es víctima de malos tratos, y además, su hijo mayor ha sido seleccionado para jugar en una liga alemana de balonmano, por lo que deberá abandonar Brasil. Irene debe hacer frente a todo este cúmulo de crisis y situaciones complicadas para ella y sacar a su familia adelante.
‘Siempre juntos’ se entiende como una carta de amor a una madre tan sincera y repleta de buenas intenciones como en ocasiones edulcorada y poco precisa. Pizzi construye con esmero un personaje principal memorable -realzado además por una excelente Karine Teles-, y es hábil en crear momentos luminosos y humanos. Sin embargo, la estructura narrativa a veces impide que la fuerza que transmite Irene sea extrapolable a los demás aspectos de la película. Algo que resulta especialmente frustrante ya que la propia actriz es también la co-guionista. El principal lastre es su ambición en querer abracar demasiado sin ser necesario. Muchas de las subtramas parece que únicamente existen para reforzar la idea de lo que es una madre luchadora y el mérito que tiene conseguir superar cada obstáculo que se le presenta (algo que queda bien claro desde el principio).
Por otro lado, se agradece la verdad con la que está todo narrado y lo agudo que resulta en la presentación de la familia, de su clase social, su entorno, etc. Esto también se podía apreciar en ‘Una segunda madre’, otra película brasileña dirigida por Anna Muylaert que guarda bastantes similitudes con el filme de Pizzi. Como curiosidad, también aparecía Teles en un personaje radicalmente opuesto al de Irene. ‘Siempre juntos’ palidece bastante si las comparamos, sobre todo porque no irradia la sensación de ser un trabajo redondo como sí lo era aquél. Aquí hay muchas ideas, algunas mejores que otras, y no todas terminan de cuajar ya que se aferra en exceso a la construcción de su protagonista, y acaba resultando una reiteración constante de lo mismo. Por ello, los escasos 95 minutos que dura se hacen largos.
Pese a todo, no es un trabajo desdeñable. Pizzi ha querido hacer un homenaje a su mujer y madre de sus hijos (Karine Teles) y aunque le haya quedado una película dispersa, se percibe el enorme cariño que hay detrás. A veces la intención es lo que cuenta. 5,5.
El modelo Rick Genest, más conocido como Zombie Boy, al que recordarás por su aparición en el icónico videoclip de ‘Born this Way’ de Lady Gaga, y que era conocido por su cuerpo tatuado, ha sido hallado muerto este jueves en su apartamento de Montreal. Según las primeras informaciones, Genest se habría suicidado. Tenía 32 años.
La propia Lady Gaga ha comentado la muerte de Genest en Twitter, escribiendo que se siente “devastada”. “Debemos luchar más para cambiar la cultura, y traer la salud mental al frente y borrar el estigma de que no podemos hablar de ello. Si estás sufriendo, llama a un amigo a a tu familia hoy. Debemos salvarnos los unos a los otros. La ciencia nos dice que se necesitan 21 días para formar un hábito, si estás sufriendo por un problema de salud mental, te invito a que hoy sea tu primer día o que reanudes el trabajo que has estado haciendo. Busca ayuda si estás sufriendo, y si conoces a alguien que está sufriendo, ayúdale también. La bondad y la salud mental no son práctica de un día. No son solo puntos en una lista de cosas que hacer”.
Aparte de su trabajo en ‘Born this Way’, Genest había aparecido en el videoclip de ‘Sabotage’ de la cantante polaca Honey, y sobre todo modelado para revistas como Vanity Fair o GQ. Genest llegó a trabajar en la campaña europea de Roc-A-Wear de Jay-Z y había hecho sus pinitos en el cine y en la televisión, apareciendo por ejemplo en la película ‘Carny’ de 2009 y más recientemente en la serie ‘Silent Witness’ de la BBC. Actualmente se encontraba preparando un disco junto a Mike Riggs, ex guitarrista de Rob Zombie.
The suicide of friend Rick Genest, Zombie Boy is beyond devastating. We have to work harder to change the culture, bring Mental Health to the forefront and erase the stigma that we can’t talk about it. If you are suffering, call a friend or family today. We must save each other. pic.twitter.com/THz6x5JlpB
Science tells us that it takes 21 days to form a habit, if you are suffering from Mental Health issue I beckon for today to be your first day or a continuation of the work you’ve been doing. Reach out if you’re in pain, and if you know someone who is, reach out to them too. pic.twitter.com/4pVR5xyoH6
Kindness and mental health aren’t one time practices. They aren’t just to do list items. This fall, in partnership with @btwfoundation, I’ll explore the power of habits to build cultures of kindness and wellness. Sign up to learn more https://t.co/GBVblaVKzF
Este mes de julio se han cumplido 30 años de la muerte de Nico, que además se produjo mientras estaba de vacaciones en España y de la manera más tonta del mundo; y este fin de semana se estrena el biopic ‘Nico, 1988’ que ha rodado la directora Susanna Nicchiarelli sobre los últimos años de su vida. Fans de la Velvet y de Andy Warhol podéis quedaros en casa, puesto que lo que Nicchiarelli ha querido retratar aquí es una mujer demasiado analizada por los hombres con los que ha trabajado, y cuya carrera en solitario sí fue alabada por un pequeño sector de crítica y público, pero en general ignorada y tratada como «espantosa».
‘Nico, 1988’ no es un biopic preciosamente estilizado como ‘Control’ sobre Ian Curtis, ni una recreación de la estética pop de los años 60 que poner de fondo en una exposición cuqui. Partiendo de la máxima «cuando era guapa no era feliz», Nicchiarelli ha preferido centrarse deliberadamente en lo decadente de la estética VHS, optando por la austeridad y la sobriedad ochenteras, en sintonía con los propios referentes artísticos de Nico y con lo que fueron sus últimos años, marcados por conciertos abortados por unas razones o por otras, y a veces sin público.
La cinta de Nicchiarelli retrata a una mujer adelantada a su tiempo, para la que un calentador es más una fuente de inspiración musical que una cosa que te permite ducharte, pero con graves dificultades para comunicarse con el público. Protagonizada por Trine Dyrholm (‘Celebración’, ‘La Comuna’), ‘Nico, 1988’ deja entrever qué queda a los 50 años de una niña traumatizada por el recuerdo de la II Guerra Mundial que era citada por su vinculación con la elite cultural de Nueva York, capaz de influir a posteriori a Siouxsie, Björk, Elliott Smith, Dead Can Dance, Patti Smith, Morrissey y Bat for Lashes (o en España a Amaral), pero que no quería ser vista como «la femme fatale de Lou Reed».
Entre reivindicaciones de temas como ‘My Heart Is Empty’, no sólo de ‘All Tomorrow’s Parties’, es llamativo el uso de la canción ‘Big In Japan’ como metáfora de lo «grande» que puedes ser en un país remoto, en este caso imaginario quizá, mientras lo que te rodea es más bien la sensación de derrota, ejemplificada en la cita «he estado en la cima y he estado en lo más bajo. Ambos sitios están vacíos». Más acertado en ese retrato y el guión que en el desarrollo de momentos dramáticos, con ralentizados en los supuestos puntos álgidos que más bien dejan indiferente, ‘Nico, 1988’ es una buena manera de ser conscientes de «la anciana bien elegante» que nos hemos perdido. Este otoño habría cumplido 80 años. 6,5.
El cantante de R&B de Nueva York Zachary William Dess, más conocido como Two Feet, ha sido hospitalizado tras un aparente intento de suicidio, informa Consequence of Sound. Este fin de semana, Dess actuaba en Lollapalooza y Osheaga, y ambas actuaciones han sido canceladas.
Durante la noche del 1 de agosto, Dess dejó un mensaje de despedida a sus fans en Twitter, ya borrado, en el que indicaba “Sé que es raro publicar una nota de suicidio en Twitter, pero este es el mundo en el que vivimos. Siempre he sido completamente honesto con vosotros. Os quiero”. Dess entonces publicaba un “adiós”. Antes dejó preocupantes mensajes en esta misma red social, indicando en uno de ellos que se encontraba “haciéndose un tatuaje con quemaduras de cigarro” en el brazo y que iba a publicar dos canciones nuevas antes de “dejarlo”. En otro mensaje borrado, el artista se dirigía directamente a sus fans, la mayoría de los cuales “viven aquí en Twitter y en Spotify”, expresando que los “ama” y que esperaba “haberlos ayudado de alguna manera”.
A través de la cuenta de Twitter de Two Feet, el padre del músico confirmaba desde el hospital que el músico se encuentra ingresado y que “está respirando” y “bajo inspección médica”. El padre ha confirmado a Billboard que Dess “está vivo y recibiendo atención médica” y que “sobrevivirá”, e indica que la familia “agradece todo el amor y la preocupación que está recibiendo y pide privacidad en estos momentos”.
La música atmosférica y solitaria de Two Feet ha conquistado a decenas de miles y miles de fans en todo el mundo. Su single más popular, ‘Go Fuck Yourself’, supera los 117 millones de streamings en Spotify y es responsable de que Two Feet haya fichado por Republic Records. Otros singles como ‘I Feel Like I’m Drowning’ y ‘Her Life’ superan en ambos casos las 20 millones de reproducciones. El año pasado, Dess publicó su segundo EP ‘Momentum’ y este año ha lanzado los singles ‘Same Old Song (S.O.S. Pt. 1)’ y ‘Hurt People’ junto a Madison Love.
Pese a que ‘Red Pill Blues‘, el último disco de Maroon 5, no se ha vendido tan bien como se esperaba, algunos de sus singles singles sí han funcionado, y tras el éxito por ejemplo de ‘What Lovers Do’ con SZA, Maroon 5 han logrado este año un gran éxito sobre todo en Estados Unidos con ‘Girls Like You’, donde actualmente es top 3 gracias a la colaboración de la rapera de moda, Cardi B.
No es que ‘Girls Like You’ necesitase por tanto otro remix, pero Maroon 5 lo han hecho y para ello han llamado no a otro rapero superventas, ni al DJ o productor EDM de moda, sino a una estrella de la música alternativa como es Annie Clark, esto es, St. Vincent. En su remix, la autora de ‘MASSEDUCTION‘ transforma ‘Girls Like You’ en una producción oscura y con un punto psicodélico cercano al grime, en la que Cardi asume todo el protagonismo y Maroon 5 una presencia meramente anecdótica. ¿Lo malo? Ella no canta. ¿Lo bueno? Que no está mal.
A propósito del remix de ‘Girls Like You’, Clark, quien por cierto viene de lograr un inesperado éxito con ‘Fast Slow Disco’, remezcla bailable en este caso de un tema propio, ha escrito en Instagram: “ME LO HE PASADO GENIAL HACIENDO ESTA RMEZCLA DE MAROON 5 Y CARDI B. GRACIAS A ELLOS POR LA INVITACIÓN”. La artista indica que ‘Girls Like You’ nace de “MUCHOS SAMPLES DE DILLA PARA HACER LA BASE” y de “MUCHOS MOMENTOS DE BAILAR SOLA EN EL ESTUDIO”. No sabemos muy bien por qué grita (estará emocionada), pero ahí está.
Demi Lovato ha publicado sus primeras declaraciones tras ser ingresada la semana pasada en un hospital de Los Ángeles debido a una sobredosis. La cantante apunta que tras el incidente ha aprendido que la adicción no es una enfermedad que “desaparezca con el tiempo” sino que su tratamiento es constante, y agradece a sus familia, a sus fans, a su equipo y al personal médico del hospital el apoyo recibido en la última semana.
Hace unas semanas, varios graffitis del logo de Aphex Twin en 3D aparecían en el metro de Londres y también en Turín, Hollywood y Manhattan. El sello del músico, Warp, 
El portadón de ‘Saved’ me sorprendió. Cuando fui a buscar en Spotify el último disco de Now, Now después de que un amigo me los recomendara, la portada me recordó a la del debut de Harry Styles, pero pronto me di cuenta de que esa chica no estaba bañada en agua, sino recubierta por plástico (y del disco de Harry Styles pasamos al 
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El pianista británico James Rhodes, afincado en Madrid (ciudad a la que 
Rosalía entra al número 1 de JENESAISPOP con su nuevo single ‘Pienso en tu mirá’, lanzado hace algo más de una semana. Además, ‘Malamente’ está en el puesto 2. Las dos únicas entradas en esta semana más o menos tranquila es la de Arctic Monkeys con su último vídeo, y la de Santigold con el primer sencillo de su mixtape, lanzada por sorpresa en mitad del verano. Ya podéis escuchar 
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Estrenada en la sección internacional del festival de Sundance, la película de Gustavo Pizzi tuvo su presentación en España en el Festival de Málaga, donde se alzó con el premio a la mejor película iberoamericana y el premio Feroz de la crítica. Se sitúa en Río de Janeiro, donde Irene, una ama de casa, madre de familia con cuatro hijos, se enfrenta a los problemas y conflictos que le irán surgiendo durante un verano. Tienen poco dinero, acogen en su casa a su hermana y su sobrino porque ella es víctima de malos tratos, y además, su hijo mayor ha sido seleccionado para jugar en una liga alemana de balonmano, por lo que deberá abandonar Brasil. Irene debe hacer frente a todo este cúmulo de crisis y situaciones complicadas para ella y sacar a su familia adelante. 
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Este mes de julio se han cumplido 30 años de la muerte de Nico, que además se produjo mientras estaba de vacaciones en España y de la manera más tonta del mundo; y este fin de semana se estrena el biopic ‘Nico, 1988’ que ha rodado la directora Susanna Nicchiarelli sobre los últimos años de su vida. Fans de la Velvet y de Andy Warhol podéis quedaros en casa, puesto que lo que Nicchiarelli ha querido retratar aquí es una mujer demasiado analizada por los hombres con los que ha trabajado, y cuya carrera en solitario sí fue alabada por un pequeño sector de crítica y público, pero en general ignorada y tratada como «espantosa».
El cantante de R&B de Nueva York Zachary William Dess, más conocido como Two Feet, ha sido hospitalizado tras un aparente intento de suicidio, 
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